El Movimiento de Artes y Oficios.

Al final de siglo XIX se inicia en Inglaterra un movimiento que contribuirá a clarificar la contradicción
entre arte y técnica.
Mientras buscaba refugio en la artesanía del pasado, desarrollaba actitudes de diseño que
proyectaban el futuro. Su demanda por la destreza , la honestidad en los materiales, el hacer de lo
utilitario algo hermoso y adecuar la concepción del diseño para que fuera práctico, fueron actitudes
adoptadas por generaciones siguientes que buscaban unificar el arte y la industria.

William Morris (1834-1896) Fue el fundador de este movimiento:

- Lograr la coherencia constructiva formal en los productos artesanales : Los rasgos formales de
los productos artesanales no debían ser reglados por un estilo sino por la características propias
y naturales resultantes del material empleado y sus procesos de configuración.
Morris --- Concepto del libro bien hecho
--- Sentido de la unidad del diseño y de los pequeños detalles relacionados con el concepto
total.

El Art Nouveau y el cambio de siglo.

Art Nouveau
- Muestra de otras realidades, por ejemplo los cafés.
Los artistas se reunían en los cafés e intercambiaban ideas.
- El afiche es una idea que surge para mostrar diferentes lugares y el observador se convierte en el
controlador y constructor.
- La imagen deja de tener unicidad y comienza a depender de cada individuo.
- Todos aceptan las nuevas tecnologías y se dan diferentes manifestaciones de belleza a través de la
naturaleza o la geometría, abandonando todo referente del pasado.

El Art Nouveau y el cambio de siglo

-Dos décadas - 1890 hasta 1910 - dejaron huellas en todo el mundo.

-Fue una explosión de las formas que invadieron el arte y el diseño: Arquitectura, mobiliario, diseño
de productos, moda y gráfica, llevó a todos al ambiente creado por el hombre.
-Estética: línea parecida a una planta orgánica, carente de raíces y sobriedad, puede ondular con la
energía del látigo o fluir con la elegante gracia, al mismo tiempo que define, modula y decora un
determinado espacio.
-Motivos frecuentes: Flores, pájaros (en especial el pavo real) y la figura femenina.

El Art Nouveau es un estilo de transición que se desvió del historicismo del siglo XIX.
Historicismo: Uso de la formas y estilos del pasado. Niega la invención de las nuevas formas para
expresar el presente.
El Art Nouveau reemplaza el historicismo por la innovación y se convierte en la fase inicial del
movimiento moderno.
Forma básica y configuración del diseño: estaba gobernada a menudo por el diseño del ornamento
en sí. (Anteriormente se decoraba una estructura aplicando ornamentos a su superficie.)
Todo esto determina un principio nuevo de diseño: Decoración, estructura y función propuestas están
unificadas.
Se logra una revitalización del proceso de diseño que apunta hacia un arte abstracto: las formas y
líneas del Art Nouveau eran a menudo inventadas, en lugar de copiarse de la naturaleza o del
pasado.

Debido a su ornamentación, algunos observadores ven al Art Nouveau como una expresión de la
decadencia de finales del siglo XIX.
Otros lo ven como una reacción a la decadencia y el materialismo de esa época.

-Los diseñadores e ilustradores del Art Nouveau trataron de hacer del arte parte de la vida cotidiana.
Sus métodos y formas de arte se desarrollaban principalmente por consideraciones estéticas.
-Fueron capaces de mejorar significativamente la calidad visual delas comunicaciones masivas,
debido al desarrollo de los procesos comerciales de impresión
-El carácter internacional del Art Nouveau fue posible gracias a los avances tecnológicos de la
transportación y las comunicaciones.
-Por medio de la imprenta se da una buena comunicación entre artistas que permite que sus trabajos
y conceptos se conocieran recíprocamente.

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 -Se introduce el diseño y el Arte Nuevo al gran público en general.

Influencias: Ilustración de libros de William Blake

Ornamentos Célticos
Estilo Rococó
Movimiento de Artes Y Oficios
Pintura pre-rafaelista
Diseño decorativo Japonés

Chéret y Grasset
Jugaron un papel importantes en la transición de los estilos victorianos al Art Nouveau, desde París.
Jules Chéret (1836-1933) y Eugène Grasset (1841-1917).

1881- Nueva ley sobre el cartel. Podían ser colocados casi en cualquier parte. ---- Surge la industria
floreciente del cartel, diseñadores, impresores y afichistas.
Las calles se convirtieron en galerías de arte para toda la nación, para toda la gente. El medio
ambiente es transformado por las imágenes y el color.

Jules Chéret
Aclamado como el padre del cartel moderno. El joven adolescente pasaba sus días laborales
poniendo letras en dirección contraria sobre piedras litográficas y los domingos asimilando arte
en el Louvre.
Estaba convencido de que los carteles litográficos pictóricos reaplazarían a los carteles
tipográficos hechos con tipos, los que llenaban el medio ambiente urbano y ocasionalmente
tenían pequeñas ilustraciones de grabados en madera.
Viajó a Londres. La litografía inglesa a color estaba más adelantada y Cherét la dominó
rápidamente.
Comenzó a rotular encargos para Eugene Rimmel, filántropo y fabricante de perfumes .

Los años de asociación y estrecha amistad con Rimmel se caracterizaron por una constante
experiencia en el diseño y la producción y culminaron en el año 1886 con el financiamiento de
Rimmel para que Cherét estableciera una empresa impresora en parís.
Para ello se adquirió la tecnología inglesa más avanzada, así como grandes piedras litográficas
mandadas a hacer especialmente.
Cherét estaba listo para poner en marcha el proceso de tipografía y prensa plana de los tableros
de anuncios, así Cherét introdujo el cartel visual en las calles, monocromático, de la mano de
una actriz que se promocionaba.
Su segundo cartel fue a color, desde el año 1866 hasta el cambio de siglo produjo mas de 1000
carteles.

Características de su trabajo:
Período de transición 1860 a fines 1870 (Orfeo en los Infiernos, el Baile de Valentino)
En el primero predominan las formas de letras y figuras mas grandes, con fondos recargados
empastando fondo-figura;
en el segundo hay mas limpieza, figuras vivaces y dinámicas en el campó central y el esfuerzo
por unificar visualmente palabras e imágenes - sello distintitivo del estilo plenamente
desarrollado por él-.
Durante la década de 1880 utilizó una línea negra con los colores primarios, rojo, amarillo y azul.
Así, logró una vitalidad gráfica y una sutil sobreimpresión que permitió una escala sorprendente
de efectos y de color.
Graneados y sombreados, suaves baños tipo acuarela y atrevidos trazos de color caligráfico,
rasguños, rapaduras y salpicaduras fueron todos usados en su trabajo.
Su composición típica es una figura central o figuras con gesticulaciones animadas rodeadas de
remolinos de color, figuras secundarias o apoyos y letreros atrevidos que a menudo son una
resonancia de las formas y los gestos de las figuras.
La elegancia parisina, la gracia despreocupada y la asombrosa maestría técnica se lograron en
los carteles de Chéret
de la década de 1890.
"La Chérette": Se apodaban asi a las bellas y jovenes mujeres que creó, por un público que las
admiraba, siendo arquetipos para la idealización de un estilo de mujer en los finales de la
reservada era victoriana. El rol de la mujer

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 estaba en pleno cambio. Sus mujeres comenzaban a tener un nuevo papel ante la sociedad de
su época.
Ni puritanas ni prostitutas, estas felices criaturas, seguras de s´mísmas, disfrutaban la vida al
máximo, bebiendo y
fumando en público, con escotes generosos, etc.
Producciones: para salones de concierto y teatro, bebidas, medicinas, actores de variedad y
publicaciones.
Todo esto transformó las paredes de París.
Cherét fue considerado el padre de la liberación femenina, porque las mujeres que el
representaba en sus afiches comenzaban a tener un nuevo papel en la sociedad de su época.
Generación de mujeres francesas que se vestían y aparentaban un estilo de vida como forma de
inspiración.

Eugéne Grasset
Fue el primer diseñador-ilustrador que rivalizó con Cherét en popularidad pública.
Interesado por el arte medieval y el arte oriental, lo que se reflejó en el diseño de muebles,
vitrales, textiles y libros.
Integración total de ilustraciones, formatos y tipografías.
1886- Recibe su primer encargo de carteles.
Décda del 80: Diseñó tres docenas de juegos de viñeta iniciales, finales e iniciales de adorno.
Estilo:
- Ribetes decorativos que enmarcan el contenido, integración de la ilustración y el texto en una
unidad y el diseño de ilustraciones para que la tipografía sea impresa sobre firmamentos y otras
áreas.
- Doncellas esbeltas y altas que aparecen en largos y sueltos ropones con poses estáticas.
(para tintas, chocolates y bebidas)
- Sus figuras imitan a Botticelli y a las vestimentas medievales.
- Sus estilizados modelos planos reflejan su estudio de los grabados en bloques de madera
japonés.

- La composición formal de Grasset y los colores de baja intensidad, contrastan fuertemente con
el trabajo de colores

brillantes compuestos informalmente por Cherét. Las figuras de Grasset eran lo contrario de las
de Chéret, tranquilas y recatadas en ves de exuberantes. Las firmes líneas de contorno
encierran las figuras en superficies planas a color, en alguna forma similares a los vitrales
medievales.
- Actitud ligada a la tradición , su línea fluida, el color, y los motivos floreales siempre presentes .
-Portadas para Harpers Bazaar - 1892 -.

Art Nouveau Inglés

Se preocupaba más por el diseño gráfico y las ilustraciones que por la arquitectura y el diseño de
productos .
Influencias:
Arte gótico
Pintura victoriana
Un fuerte impulso hacia un estilo internacional fue creado por la edición de “El estudio”, en 1893
Se incluyeron reproducciones de Aubrey Beardsley y Jan Toorop, Water Crane y muebles y textiles
producidos para
la tienda de departamentos Liberty y Cía. Los textiles Liberty llevaron a los italianos a denominar wl
Art Nouveau en Italia "Estilo Libertad o Liberty".

Aubrey Beardsley
Tuvo un manejo excelente de la pluma, sus vibrantes blanco y negro y sus fantasías
escandalosamente exóticas. Fuerte influencia de la Kelmscott Press sumada a distorsiones
imaginativas y extrañas de la figura humana y poderosas formas negras.
Las impresiones japonesas hachas con bloques de madera y las de W. Morris fueron
sintetizadas en un nuevo estilo.
Reemplazaba los bordes naturalistas por modelos planos mas estilizados. Murió
prematuramente a los 26 años, siendo prolífico solo 5. "LA Muerte de Arturo" línes de contorno,
áreas de textura y figuras en blanco y negro conjuntadas en vigorosas composiciones. El

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 contraste entre formas orgánicas y geométricas revela la influencia de los impresos japoneses.
Los ramilletes líricos de Morris fueron reemplazados por ninfas y rosales silvestres.

Walter Crane
Fue uno de los primeros en la aplicación de modelos ornamentales japoneses e interpretaciones
orientales de la naturaleza para el diseño de modelos de superficie.
Evoluciona hacia el modernismo
Los textiles Liberty llevaron a los italianos a denominar el Art Nouveau de esa manera.

Charles Ricketts
Fue el principal competidor de Beardsley. Su trabajo se basa en una profunda comprensión de la
producción impresa.
- Mientras Beardsley se inclinaba por las ilustraciones que podrían insertarse entre páginas de
fotografías, Ricketts abordaba el libro como un entidad total para ser diseñado por dentro y por
fuera concentrándose en la armonía de las partes : encuadernación, las hojas finales, las
portadas, la tipografía, los ornamentos y las ilustraciones.
- La disposición de página de Ricketts es más ligera , sus ornamentos son mas abiertos y
geométricos y sus diseños tienen una vívida luminosidad. Uso de espacios en blanco.
- Denota figuras y vestimentas con un mínimo de líneas y configuraciones planas sin modulación
tonal.

Laurence Housman
Diseñador de libros.
- Diseñó libros de todos los formatos, altos, angostos y cuadrados.
- Sus portadas eran únicas y a menudo informales.
- Sus diseños decorativos eran ejecutados con minucioso detalle.

James Pryde y William Nicholson, los Beggarstaff.

- Desarrollaron una técnica que mas tarde se llamaría Collage.
- Utilizaban recortes de papel que se entremezclaban, cambiaban y pegaban en posición sobre
el tablero.
- El estilo resultante de superficies coloreadas absolutamente planas tenía bordes “delineados”
con tijera.
- Fueron inmunes al prevaleciente arte Nuevo Floral, pues forjaron este nuevo método de trabajo
en carteles de siluetas y figuras de potentes colores.

La Escuela de Glasgow
La revista El Estudio y sus reproducciones de Beardsley y Toorop influenciaron a un grupo de jovenes
artistas escoceces, de la Escuela de Arte de Glasgow. Herbert Mc Nair, Margareth y Frances Mc
Donald y Charles Rennie Mackintosh.
- Se la conoce como Escuela de Glasgow o "las 4 Macs"
- desrrollaron un estilo de originalidad lírica y complejidad simbólica celebrados en el continente,
sobretodo en Viena, menos en Inglaterra. composición más geométrica combinando elementos florales y
curvilíneos con fuertes estructuras rectilíneas.
Diseño de mackintosh: Líneas que se elevan, con curvas sutiles en los extremos para combinar su unión
con las horizontales. Angulos rectos angostos, tiras altas de rectángulos y el contrapunto de óvalos,
círculos y arcos caracterizan su trabajo.

- Se publicaron artículos en El Estudio y por estos el movimiento alemán y el austríaco se enteraron del
movimiento contrario de glasgow para promover el Art Nouveau.
- Producción gráfica modesta pero majestuosa - relacion estetica con secession vienesa -; arquitectura,
diseño de objetos, sillas, interiores.

El Art Nouveau Francés

La joven industria europea busca una estética complaciente y complacida. Halla en el modernismo
una forma de representación orgánica que desde la arquitectura al libro, del mobiliario a la joyería,
etc, proporciona una respuesta plástica coherente y amable, a la medida de sus ambiciones
burguesas.
La forma gráfica por excelencia en que se manifiesta el Art Nouveau es el cartel.
1895: El arte nuevo fue aclamado como el estilo moderno cuando se inaugura la galería El Arte
Nuevo. Diseñó sus interiores Henry Van de Velde y exibió pintura, escultura, vidrio, joyería y

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 carteles realizados por artistas y diseñadores internacionales. El diseño gráfico comenzó a derivar
en la fase floral del arte nuevo.

Toulouse -Lautrec
Sentó nuevas bases en los diseños de carteles.
- En su cartel de Moulin Rouge: Modelos de superficies planas, siluetas negras, óvalos amarillos
como lámparas , y la blanquísima ropa interior de la bailarina de cancan , se mueven
horizontalmente por el centro del cartel.
- Admirador del arte japonés, el impresionismo y los contornos y diseños de Degas.
- Frecuentó los burdeles y cabarets de París, observando , dibujando y desarrollando un estilo
ilustrativo y periodístico que capto la vida nocturna de "La Belle Epoque" - la bella época, termino
utilizado para referirse al París reluciente de los últimos años del s.XIX -.
- Sus encargos de carteles los negociaba en los cabarets, y luego en la imprenta los dibujaba de
memoria, utilizando un cepillo de dientes como tecnica de rociado, para lograr efectos tonales.
- Dibujos directos sobre piedra litográfica, dando vitalidad e intensidad.

Alphonse Mucha
Artista checo. Ilustrador confiable con grandes habilidades como dibujante.
- Su tema dominante era una figura central femenina rodeada de formas estilizadas derivadas de
platas y flores, mosaicos bizantinos y lo mágico y oculto.
- Sus mujeres representaban un prototípico sentido de irrealidad. Exóticas y sensuales,
semejantes a doncellas no expresan un edad específica, nacionalidad o época histórica. Sus
peinados estilizados llegaron a ser un distintivo de la época.
- Resume en sus figuras femeninas una nueva dimensión sensual entre virginal y fetichista.
- Síntesis orgánica de repertorios, caligrafías , composición y tipos.
- Gismonda (1894) : un nuevo estilo --- Suaves colores, verdes y oro, y de trazo permanente en
el grosor del contorno. Ornamentos de líneas ondulantes y sinuosas, círculos, mosaicos
bizantinos, motivos florales, estampados de origen exótico. (árabe y orientales).
Sara Bernhart firmó con {el contarto para la realización de vestuario, joyeria, carteles y
escenarios.
- Uso previo de la fotografía.
- Las curvas ligeras y caprichosamente fluidas del Rococó frances del s.XVIII constituian un
recurso especial en Francia que representaba una influencia importante en el Arte Nuevo.

Paul Berthon
Discípulo de Grasset.
- Impulsó el estilo del Art Nouveau a la suavidad .
- Estilizadas formaciones de formas japonesas y flores.
- El perfil del color era opaco y se mezclaba con los planos a color y las flores amenazaban
convertirse en motivos de diseños repetitivos.
- Su cartel para la revista L´Ermitage -1900- usa la línea rígida y fuerte, pero logrando calidad
dulce y suave, al imprimir con tintas de color o de valor de contraste limitados.

Steinlen, artista suizo

Llega a París y conoce a Grassett y Toulouse Lautrec entre otros.
Se obsesiona por los gatos, siempre presentes en sus obras (Chat Noir - El Gato Negro-, su
primer trabajo)
Prolífico ilustrador entre 1880 y 1890, socialista y anticlerical, retrató la pobreza, la explotacion y
la clase trabajadora.
Afinidad entre las líneas reposteriles y las impresiones entre éste y Lautrec, su amigo y rival de
comisiones.

El Art Nouveau en Norteamérica.

El arte gráfico inglés y francés unieron sus fuerzas para invadir Norteamérica.
Finales del s.XIX y principios del XX en Harper´s Bazar le encargan a Grasett sus cubiertas.
Diseños de Grasset fueron hechos e impresos en París y luego enviados a Nueva York por barco
para ser encuadernados en las revistas.
La industria publicitaria de Estados Unidos fue la primera en adoptar el cartel visual.
Rhead y Bradley son consierados los mas importantes diseñadores graficos e ilustradores del Art
Nouveau.

Louis Rhead

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 Británico que emigra a EEUU en 1883.
- Adoptó las doncellas esbeltas y altas de Graset, líneas de contorno y plastas de color. Cambió
sus colores pálidos por combinaciones llenas de vitalidad.
- Utilizó combinaciones inesperadas, como una doncellas con contorno de línea rojo y brillante
cabello de color azul, de pie ante un cielo de color verde.
- A veces mezcla gran cantidad de influencias: modelos decorativos, restos del diseño victoriano,
formas inspiradas por el movimiento de las Artes y Oficios y patrones lineales abstractos que
describen curvas.
- Adoptó el cartel francés como modelo.
- Los ricos contrastes de colores cálidos y frescos y los modelos decorativos fueron las cualidades que
reanimaron la originalidad del trabajo de Rhead.
- Ralizó tapas de Harper´s Bazaar - 1894
-
Will Bradley
- Se inspiró en fuentes inglesas. Morris y sus ideales tuvieron enorme repercusión en él.
- Ilustraciones a pluma inspiradas en Artes y Oficios le proporcionaron encargos constantes.
- El trabajo de Breadley del año 1894 para el libro del joven y del impresor nacional marca el
inicio del Art Nouveau en Norteamérica.
- A principio del año 1894, descubre el trabajo de Aubrey Beardsley que lo llevó a la producción
de figuras planas y contornos estilizados. Utilizó el estilo Beardsley como escalón para lograr
técnicas gráficas novedosas y unidad visual de tipo e imagen que fueron más allá de las
imitaciones .
- Libre pensador en su aproximación al diseño tipográfico.
- El tipo llegó a ser un elemento de diseño para ser aplicado.
- Después del cambio de siglo llegó a diseños de tipos y ornamentos.
- Amplia gama de vocabulario gráfico: contornos de líneas delicadas para un efecto ligero de
conjunto, el dibujo de tono complejo total y reducción de la imagen a masas de siluetas en
blanco y negro.
- Portadas para Harper´s Bazaar - 1895 -

El Art Nouveau en Bélgica

Surge en este país a mediados de la década de 1890 y llegó a ser una fuerza significativa.

Henri van de Velde

Arquitecto, pintor y diseñador.
Sintetizó diferentes fuentes incluyendo el Art Nouveau francés y el movimiento de Artes y Oficios
inglés y la escuela de Glasgow dentro de un estilo unificado.
Aunque llegó a ser un innovador del Arte Nuevo, estaba mucho mas interesado en promover la
filosofía del movimiento de las Artes y Oficios que en el estilo como finalidad por sí mismo.
- 1885, el ejemplo de Morris le inspiró una creciente preocupación por el diseño (interiores,
diseño de libros, encuadernaciones, joyas, y trabajos en metal llegaron a ser importantes.)
Apoyaba el concepto de que todas las ramas del arte compartían un lenguaje común de forma e
igualdad de importancia para la comunidad humana.
Eran necesarios materiales adecuados, formas funcionales y unidad de organización visual.
Consideraba los ornamentos como un medio de expresión que podía lograr la condición de un
trabajo de arte, no como decoraciones. No aplicó el ornamento, mas bien era un aspecto lógico
del conjunto, resultado de las consideraciones de la construcción. Su trabajo evolucionó desde
formas inspiradas por motivos de plantas e ideas simbólicas hasta el estilo abstracto.
En sus trabajos, las formas de lineales dinámicas comprendían le espacio que las rodeaba y los
intervalos entre ellas.
- "El trabajo contemporáneo debe ser moderno y expresar las necesidades de la época", " Los
objetos hechos a máquina tenían que ser fieles a su proceso de fabricación en lugar de
aparentar estar hechos a mano", decía.

Victor Horta
Arquitecto belga, "el genio del movimiento"
- 1892: utilizo sistemas curvilíneos colgantes, nunca antes vistos en Inglaterra o el continente.

El Art Nouveau en Alemania

El arte nuevo llega a Alemania llamado Jugendstil, “Estilo Joven”.

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 Tenía una fuerte influencia francesa y británica, pero conservaba fuertes vínculos con el arte
académico precedente mas tradicional.
El interés alemán por las formas de letras medievales continuó codo a codo con los motivos del Arte
Nuevo.
- Nombre tomado de la publicación Jugend (Juventud) en 1896.
- Jugend Usaba ilustraciones completas a doble pagina de arte nuevo.
- Portadas por Hans christiansen y Peter Behrens.
- "Pan" - 1895 - revista tambien del estilo joven, portadas de Josef Sattler.

Peter Behrens
- En contraste con la tipografia mas libre de Jugend apareció un periódico literario "Die Insel", su
asesor de diseño es Peter Behrens, uno de los mejores diseñadores del Jugendstil.
- Influenciado por los ideales del movimiento Arts & Crafts, depurado del sentimiento medieval.
Innovador en la transición que va de las sensibilidades decorativas y florales del siglo XIX, las
formas geométricas sencillas y funcionales del siglo XX.
Poco después de iniciarse el siglo XX Behrens comenzó a poner a prueba su enfoque del
diseño Jugendstil contra una reevaluación de las necesidades de diseño de la era industrial.
1907 - Es llamado para hacerse cargo de todas las áreas de la imagen visual de A.E.G.
(arquitectura, diseño gráfico y diseño ind.). Primer trabajo de diseño corporativo, cohesivo y
coordinado.
Diseñaba con formas lógicas desprovistas de ornamentos. (estufas, lamparas, teteras,
ventiladores, relojes)
AEG -- Primer programa de Diseño corporativo y coordinado --- Identificación visual ---
Publicidades --- Abstracción de símbolos, poder fundir arte y técnica en una sola realidad
--- Diseños reconocidos como símbolos de la proporción --- principio máximo de la creación.
Acudía al arte clásico como fundamento y proclamaba que la proporción era el alfa y omega do
todo arte y del diseño visual.
- Fué una figura capital en el establecimiento del Werkbund. Realizó carteles para sus expos.
- Se lo considera el Primer Diseñador Industrial.
- Behrens creía que la belleza podía derivarse de la comodidad. Esta reacción filosófica contra el
s.XIX se llamó Nueva Objetividad.
- Realizó viñeta / ornamnetos tipográficos utilizando las curvas remolinos florales y
reminiscencias del art nouveau pero geometrizados.
La tendencia moderna buscaba un arte clásico nuevo para expresar las condiciones y el espíritu
de los tiempos modernos.
Entre los arquitectos más jóvenes que trabajaban en su oficina se incluyen a : Water Gropius,
Mies van der Rohe y Le Corbuier.
En Alemania el Modernismo se transforma en la única línea que permitirá una evolución
estructural --- la evolución simplemente estilística no tiene porvenir.
La progresiva interacción de pintores y arquitectos a una práctica publicitaria anima a la industria
a utilizar esta como forma de comunicación útil a sus intereses.
Se inaugura una línea disciplinar en la metodología proyectual de superficies impresas
bidimensionales --- Bauhaus.

Conclusión
Hasta finales del siglo XIX, los objetos y el mobiliario del Art Nouveau habían sido principalmente de una
sola clase o artículos de edición limitada. Conforme el diseño gráfico y las publicaciones periódicas
llevaron al Arte Nuevo a un círculo de admiradores siempre creciente, se produjeron más objetos con el
deterioro inevitable del diseño.
Los fabricantes se concentraron en líneas de bajo precio, produciendo grandes cantidades de mercadería
y gráficos con normas de diseños inferiores. En algunos casos se produjeron copias de baja calidad y un
costo inferior.
El Art Nouveau se mantuvo decayente hasta que desapareció en la Primera Guerra Mundial.

Resultado: Los diseñadores del siglo XX adoptaron sus actitudes hacia los materiales, los procesos y
también los valores. No su estilo.

La Secessión Vienesa

Separatismo Vienes, Ideología muy cerrada en si misma.

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 Cada pintor o artista diseña su propio monograma personal. Se sienten únicos y distintos a los otros.
Figuras destacadas: arquitectos Joseph Olbrich y Josef Hoffmann y el artista diseñador Koloman
Moser.
Además estaban Gustav Klimt, Julius KLinger, Alfred Roller, BErthold Loffler, Adolf Boh, Frederick
Koenig, etc.

- Los integrantes jóvenes del Kunstlerhaus - Asociación de Artistas creativos vieneses - renunció con
violenta protesta. El rechazo a que artista extranjeros participaran de sus expos, y el conflicto entre lo
tradicional y las nuevas ideas que surgían de Francia, Inglaterra y Alemania eran la cuestión del
conflicto a partir del cual surge este movimiento y los artistas jóvenes que quieren exponer con más
frecuencia. Gustav Klimt fue quien dirigió la revuelta.
- Toma inspiración de la escuela de Glasgow, y se convirtió en un movimiento contrario al Arte
Nuevo floral que prosperó en Francia y Alemania.
- Rápida evolución del grupo, que va desde el estilo alegórico ilustrativo de la pintura simbólica a un
estilo floral de inspiración francesa y al estilo maduro del separatismo vienés. Para el año 1898 la
influencia de la fase floral del Arte Nuevo ya había sido entusiastamente absorbida por completo.
Mensaje y comunicación de una idea de arte y cultura dada en libertad.
* Se comienza a utilizar el blanco como imagen: abandono de la excesiva ornamentación y logra
el equilibrio óptico.
busca que el elemento tipográfico sea mas legible y significativo. Elementos limpios y puros.
Eiminación del serif.

- En sus diseños gráficos los vieneses preferían los letreros limpios y legibles de tipo sans-serif.
- Cuando el estilo floral fue rechazado, el separatismo vienés se inclinó hacia las figuras planas con
mayor simplicidad.
- El diseño y el trabajo manual llegaron a ser cada vez mas importantes, pues esta metamorfosis
culminó con un énfasis en los modelos geométricos y la construcción modular del diseño.
- Lenguaje utilizado: Cuadrados, rectángulos, círculos repetidos y combinados.
- La decoración y aplicación de ornamentos dependía de elementos similares utilizados en secuencia
paralela sin ritmo.
- Su geometría no era mecánica no rígida sino que poseía una sutil cualidad orgánica.
- No dudaron en experimentar

- Los diseños estéticos eran muy importantes.

- Al evolucionar el estilo del Separatismo Vienés, los excepcionales elementos de diseño lineal y
geométrico que adornaban las páginas de las revistas llegaron a ser una fuente importante de
diseño.
La función, la bondad de los materiales y las proporciones armoniosas constituían importantes
preocupaciones.
La decoración se usaba solamente cuando servía a estas metas y no las violaba.

- Revista Ver.Sacrum (Primavera Sagrada) - 1898 a 1903 -. K.Moser y colegas logran innovadores
diseños explorando la fusión de textos, ilustración y ornamentos en una vigorosa unidad. Insolito
formato cuadrado.
Uso sin precedentes de la compensación de los blancos en sus páginas, aura de claidad.
Las publicidades internas y pequeños anuncios eran cuidadosamnete diseñados y la composición de
la pagina entera planeados cuidadosamnete para minimizar el desorden gráfico y el conflicto del
agrupamiento de los anuncios.
- Talleres de Viena. Siguen la tradicion de Morris, que buscaba una estrecha union entre las artes
aplicadas.
- Su finalidad era ofrecer una alternativa a los artículos de producción masiva mal diseñados y
también al historicismo trivial.
1910 --- El impulso creativo de Viena había pasado.
Puente --- entre el ornamento del siglo XIX y al Arte Nuevo del siglo XX, por una parte, y por otro lado
el funcionalismo racional y el formalismo geométrico del siglo XX.

La influencia del arte moderno.

Las dos primeras decadas del s.XX, entre descubrimientos, cambios en las monarquias por la
democrracia, el socialismo y el comunismo, la primer guerra mundial perturbaron las tradiciones e
instituciones de la civilizacíon occidental. Los artistas no fueroon ajenos y sufrieron diferentes reacciones:
ideas elementales de color y forma, la protesta social, teorias psicoanalitica, de la relatividad, marxistas, la
burla frente a la burguesia decadente, la celebracion de la dinámica del movimiento de la máquina, los

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mundos y sueños internos y la valoración de los sentimientos del artista frente a esta realidad son algunas
de las reacciones.

Cubismo 1907
- Se origina con el cuadro "Las Señoritas de Avignon" de Pablo Picasso en 1907.
- Crea un concepto de diseño independiente de la naturaleza e inicia una nueva tradición artística con
un enfoque distinto que terminó con 400 años de influencia renacentista en el arte pictórico.
- Con base en las estilizaciones geométricas de la escultura africana y del pintor post impresionista
Paul Cézanne, esta pintura constituyó una nueva propuesta en el manejo del espacio y en la
expresión de las emociones humanas.
- Las figuras se abstraen en planos geométricos y se rompen las formas clásicas de las figuras
humanas.
- Las ilusiones espaciales y de la perspectiva dan lugar a un giro ambiguo de planos bidimensionales,
la figura es observada desde una multiplicidad de puntos de vista.

Pablo Picasso (Cubismo analítico) 1910-1912

- Desarrolló el cubismo como un movimiento artístico que sustituía la representación de las
apariencias con posibilidades infinitas de formas inventadas.
- Analizó los planos del tema desde diferentes puntos de vista y utiliza estas percepciones para
elaborar una pintura compuesta por planos geométricos rítmicos.
- El problema real se convirtió en el lenguaje visual de la forma, empleado para crear una obra
de arte sumamente estructurada.
- La fascinación impuesta por el cubismo analítico proviene de la tensión insoluble entre la
atracción sensual y la intelectual de la estructura pictórica, en conflicto con el desafío de
interpretar el tema.
1912 - Se introduce el collage de papel en los trabajos, lo que le da libertad de composición
independientemente del tema y declaraba la realidad de la pintura como un objeto
bidimensional.
- La textura de los elementos del collage podía significar objetos.

Juan Gris (Cubismo sintético) 1913

- Con base en observaciones pasadas, el cubismo inventó formas que eran signos , más que
representaciones del tema. Se representaba la esencia de un objeto y sus características
básicas.
- Combinaba la composición del natural con un diseño estructural independiente del espacio
pictórico.
- Primero se trazaba una estructura arquitectónica rigurosa, usando las proporciones áureas y
una red de composición modular. Luego se colocaba el tema sobre este esquema de diseño.
- Ejerció mucha influencia en la evolución del arete geométrico y del diseño.
- Sus obras son un término medio entre un arte basado en la percepción y otro realizado según
las relaciones entre los planos geométricos.

Albert Einstein --- Teoría de la relatividad (1905)

--- cuestiona seriamente los conceptos tradicionales del espacio y tiempo.

Esto es lo que haría el cubismo --- Nuevo concepto de arte --- no reproduce el mundo exterior --- eso lo
hace la fotografía.
--- traduce la realidad en un lenguaje nuevo y personal.
La forma es descompuesta en todos sus puntos de vista posibles --- la suma de las visiones ofrece la
única imagen verdadera de los objetos. Las formas se fragmentan y ocupan todas las superficies del
lienzo.
El lienzo se convierte en una mesa de trabajo en donde se analizan las relaciones espaciales, el valor
expresivo de las líneas verticales, horizontales y diagonales.

La presencia de la tipografía impresa como entidad autónoma indica el nacimiento del “collage” y de la
nueva síntesis compositiva ordenada tras la descomposición.

Futurismo 1906
Propone una dinámica en contra del estatismo. fuertes influencias cubistas + movimiento, energía y
secuencia sinemática. "Simultaneidad"

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Filippo Marinetti (1876-1944)
- Fundó el futurismo como movimiento revolucionario en todas las artes para poner a prueba
todas sus ideas y formas

contra las realidades nuevas de la sociedad científica e industrial.

- El manifiesto proclamaba la pasión por la guerra, la era de las máquinas, la velocidad y la vida
moderna. Impugnaba los museos, las librerías, el moralismo y el feminismo.
- Los poetas futuristas lanzaban al viento las restricciones. Liberados de la tradición animaron
sus páginas con una composición dinámica, no lineal, realizada por medio de las palabras y
letras pegadas en lugar de la reproducción fotográfica.
- Los pintores futuristas tuvieron fuerte influencia por el cubismo, pero también se aventuraron a
expresar en su trabajo el movimiento, la energía y la secuencia cinemática.
- Fueron los primeros en emplear la palabra simultaneidad en el contexto del arte visual para
representar la existencia o los acontecimientos concomitantes, tales como la presentación de
diferentes perspectivas en una misma obra de arte.
- En la página impresa había nacido un diseño tipográfico nuevo e íntimamente relacionado con
la pintura llamado “pintura libre” y “palabras en libertad”.
- Composición dinámica --- No lineal --- palabras y letras pegadas en lugar de la reproducción
fotográfica. La letra asume una entidad pictórica. La forma tipográfica debía enfatizar el
contenido escrito. Disposición inmediata de los tipos y la letra se libera de la alineación clásica.

Belleza de la Velocidad --- transformación, simultaneidad

--- persistencia del plano y la imagen
--- multiplicación de elementos
--- conciencia de mutación y cambio

Antonio Sant’Elía (1888-1916)

- Proclamaba una construcción basada en la tecnología y la ciencia, así como un diseño para las
demandas propias de la vida moderna. - Consideró absurda la decoración y utilizó líneas
dinámicas diagonales y elípticas porque su fuerza emocional es mayor que la de las horizontales
y verticales.
- Sus ideas y dibujos influyeron en la corriente del diseño moderno, en particular del Art Deco.
- Las técnicas violentas revolucionarias fueron adoptadas por los dadaístas, los constructivistas y
la escuela de De Stijl.

- El concepto futurista de convertir la escritura, la tipografía o ambas en formas visuales

concretas y expresivas era una preocupación en algunos poetas de la antigüedad.
El ruido y la velocidad, dos condiciones dominantes en la vida del s. XX, estaban expresadas en
la poesía futurista.
Los poetas trataban de conumicar la "simultaneidad" de la percepción y la experiencia en la vida
moderna.
Las estructuras tradicionales de la oración, la gramatica y la puntuación fueron abandonadas.

Giacomo Balla --- Estudia el movimiento en el espacio utilizando variedad de colores.

Los pintores futuristas buscaron introducir el movimiento dinamico, la velocidad y la energia en la
superficie bidimensional estatica.

Gino Severini --- Mas personal --- visión límpida y espontánea. Es Puntillista.

Uberto Boccioni --- Presenta el dinamismo de la figura humana --- movimiento en forma tridimensional.
--- Rompe con los rígidos contornos de las figuras --- fusiona la figura con el medio
ambiente.

Carlo Carrá --- Los poetas futuristas pensaron que la utilización de diferentes tamaños, grises y estilos de
tipo les permitía unificar la pintura y la poesía, debido a la belleza intrínseca de las letras manejadas
creativamente, logrando la transformación de la página impresa en una obra de arte visual.

1914 - Dadaísmo - Zurich

La primera Guerra Mundial, que tanto había excitado a los Futuristas, provocó una reacción bastante
opuesta en otro grupo de escritores y artistas.

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 - El dadaísmo surge en Zürich como una actitud en contra del código malo vigente, en contra de los
horrores de la guerra, en contra de los códigos y valores pertenecientes a la sociedad europea en
decadencia. Creían que una sociedad que llegó a la Guerra Mundial era mediocre y debían destruirse
su cultura y su filosofía.
- El dadaísmo fue una actitud mas que un estilo. Fue un movimiento contestatario y artístico que se
desarrolló entre los años 1915 y 1922, fundado por el pintor Hans Arp y el poeta Tristan Tzara.
- El dadaísmo se desarrolló como un movimiento literario después que el poeta Hugo Ball abrió el
cabaret Voltaire en Zürich, Suiza, como un lugar de reunión para poetas, pintores y músicos jóvenes
independientes.
- Al reaccionar contra un mundo que se había vuelto loco, el dadaísmo afirmaba ser el antiarte y
poesía, un fuerte elemento destructivo y negativo. Rechazando la tradición , buscó la libertad total.
- Los dadaístas ni siquiera estaban de acuerdo en sus orígenes con el nombre de dadá, tal era la
anarquía de este movimiento.
- Estos escritores estaban interesado en el escándalo, la protesta y el absurdo.
Los poetas dada separaron la palabra de su contexto en el lenguaje, poemas destinados a ser vistos
como formas visuales puras y a ser leídos como sonidos puros.
- Se revelaron violentamente contra los horrores de la Guerra Mundial, la decadencia de la sociedad
Europea, la frivolidad de la fe ciega en la tecnología, la insuficiencia de la religión y los códigos
morales convencionales en un continente en pleno cataclismo.
- Su síntesis de acciones espontáneas al azar con decisiones planeadas les permitieron deshacerse
de los preceptos tradicionales del diseño tipográfico.
- Asume un compromiso de carácter social y político
- Mantiene el concepto del Cubismo acerca de las letras como formas visuales concretas, no solo
símbolos fonéticos.
- Delirio de lo absurdo --- lo que interesa es el gesto
- Provocación contra el sentido común , la moral y las leyes

Tristán Tzara
- El espíritu que guiaba el movimiento dadaísta era un joven poeta húngaro, Tristán Tzara (1896-
1963), quien editó el diario Dada iniciado en julio de 1917.
- Exploró la poesía fonética, la poesía del absurdo y la poesía fortuita.
- Escribió un torrente de manifiestos y contribuyó en todas las publicaciones y eventos dadaístas
más importantes.

Marcel Duchamp, pintor, (1887-1968)

- Se unió al movimiento dadaísta y se convirtió en su artista visual más prominente.
- Anteriormente había analizado sus temas como planos geométricos bajo la influencia del
cubismo.
- El portavoz más claro del dadaísmo, tanto del arte como de la vida eran procesos al azar y la
elección liberada.
- Los actos artísticos se volvieron un asunto de decisión y selección individuales.
- Esta filosofía de absoluta libertad permitió a Duchamp crear una escultura “ya hecha” (ready-
made), como su rueda de bicicleta montada en un banco de madera y mostrar como arte “objetos
convencionales” (sacados de su contexto usual)

Kurt Schwitters (1887-1948) de Hanover, Alemania

- Creó un descendiente no político del dadaísmo el cual nombró Merz (comercio). Dio significado
como denominación del movimiento artístico de un solo hombre.
- Iniciadas en el año 1919, sus pinturas merz eran composiciones de collages en las que usaba
anuncios impresos, desperdicios y materiales fusionados, para componer color contra color, forma
contra forma y textura contra textura.
- Sus complejos diseños combinaban elementos del absurdo y del azar tomados del dadaísmo
con propiedades acentuadas del diseño.
- La poesía que rechazaba la lógica contra el absurdo era un tema importante.
- Definió a la poesía como la interacción de elementos: letras, sílabas, palabras y oraciones.
- A principio de los años 20 el constructivismo se volvió una influencia adicional en su trabajo.
- Invitado por el Lissitsky y Van Doesburg a Holanda fue para promover dadá.
- Desde 1923 hasta 1932 Schwitters editó 24 números del periódico Merz. Durante este tiempo
dirigió un estudio de diseño gráfico muy exitoso cuyo principal cliente era Pelikan.

El dadaísmo se propagó rápidamente desde Zürich hacia otras ciudades europeas.

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A pesar de pretender que ellos no estaban creando arte sino burlándose y difamando a una sociedad que
se había vuelto loca, varios dadaísta produjeron un arte visual significativo que fue una aportación para el
diseño gráfico.
Los artistas dadaístas afirmaban haber inventado el fotomontaje, la técnica de manipular imágenes
fotográficas fusionadas para elaborar yuxtaposiciones estremecedoras y asociaciones al azar.

Dadaísmo Berlinés
En contraste con los intereses artísticos y constructivistas de K. Schwitters, los dadaístas Berlineses
como John Heartfield (1891-1968) y George Grosz (1893-1959) asumieron fuertes convicciones
políticas y revolucionarias y orientaron gran parte de sus actividades artísticas hacia la comunicación
visual, para elevar la conciencia pública y promover el cambio social.

John Heartfield, (inglés) miembro fundador del grupo dadaísta de Berlín en el año 1919
- Utilizó disyunciones rígidas del fotomontaje como una potente arma de propaganda e innovó la
preparación del arte

mecánico para la impresión el Offset.

- La república de Weimar y la expansión del partido nazi eran el blanco de sus ataques en los
carteles, portadas de libros, ilustraciones políticas y caricaturas.
- Sus montajes son los más imperiosos en la historia de la técnica.
- No tomaba fotografías ni retocaba imágenes, sino que trabajaba directamente con impresiones
brillantes obtenidas de revistas y periódicos.
- Usaba la foto como elemento que tiene simbología.
- Expresaba a través de sus trabajos una actitud crítica y social.
- Utilizaba metáforas y convierte las piezas en elementos de comunicación
- Realizó fotomontajes para protestar ante la guerra de vietnam y llamar a la paz mundial.

George Grosz,
- Otro miembro fundador del movimiento dadaísta berlinés estaba vinculada íntimamente con
Heartfield.
- Su pluma mordaz atacaba a la sociedad corrupta con la sátira y la caricatura.
- Trabajaba con óleos y pinturas
- Sus dibujos proyectaban una fuerza colérica de convicciones políticas profundas en lo que él
consideraba como un medio decadente y degenerado.
- Tonaba imágenes de la realidad y las caracterizaba de acuerdo al momento.
- Genera una pintura crítica.
Heredero de la retórica y los ataques de Marinetti contra todas las tradiciones artísticas y sociales, el
dadaísmo fue el movimiento liberador mas importante de su tiempo, y todavía en la actualidad es posible
observar su influencia.

El dadaismo surgió como protesta a la guerra, pero sus actividades destructoras y exhibicionistas se
volvieron mas absurdas y extremas al terminar el conflicto armado.
Finalmente el dadaísmo llevó sus actividades negativas hasta el límite, carecía de liderazgo unificado y
muchos de sus miembros comenzaban a desarrollar los planteamientos que darían origen al surrealismo,
el dadaísmo decayó y dejó de existir como un movimiento coherente a finales del año 1922.

1924 - Surrealismo
- Con raíces en el dadaísmo y en el movimiento Littérature, integrado por jóvenes poetas franceses
jóvenes , el surrealismo irrumpe en escena en parís en el año 1924, buscando el mundo de la
intuición, los sueños y el mundo de lo inconsciente explorado por Freud.
Estos jóvenes poetas, André Breton, Louis Aragon y Paul Eluard, rechazaron el racionalismo y las
convenciones formales que dominaban las actividades creadoras en París de posguerra.
El Dadaísmo había sido negativo y destructor, en cambio el surrealismo profesaba una fe poética en
el hombre y el espíritu.
El Surrealismo desplaza la dimensión del absurdo del dadaísmo hacia los dominios del inconsciente -
-- el manifiesto define al surrealismo como un automatismo psíquico puro.
- No era un estilo o un tema estético, profesaba una fe en el hombre y en su espíritu. Constituía una
manera de pensar y de conocer, una forma de sentir y un modo de vida.
- La intuición y el sentimiento podían ser liberados.
- Fue por medio de los pintores que el surrealismo afectó a la sociedad y a la comunicación visual..

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 - Aunque los surrealistas a menudo creaban imágenes tan personales en que la comunicación se
volvía casi imposible, también produjeron imágenes cuyo sentimientos, símbolos o fantasías creaban
una respuesta universal.

- Los pintores surrealistas figurativos fueron llamados naturalistas de lo imaginario: Espacio, color,
perspectivas y figura estaban representados en un naturalismo cuidadoso, pero la imagen es un
escape en un sueño irreal.

Tiene gran futuro en el diseño publicitario para obtener toda la atención del espectador --- deposita
en el inconsciente sus efímeros e interesados mensajes.
Fue el movimiento que logró llegar hasta lo mas oculto del inconsciente --- objeto principal de toda
estrategia publicitaria de consumo.
Utiliza métodos de Freud - Subconsciente, psicoanálisis y métodos de asociación libre.
- Sublimación del impulso sexual en otras actividades , incluido el impulso
artístico.
Marx --- Sintetizó el pensamiento socialista, la condición de los hombres, su religión, filosofía y arte.
Einstein --- Teoría de la Relatividad.

Es un movimiento contemporáneo del Bauhaus pero opuesto a las abstracciones geométricas

racionalistas.
Adopta la búsqueda de la psicología moderna sobre el origen de la variación de las imágenes
subconscientes.
Investiga sobre los procesos del sueño.
Se define como una exactitud del espíritu frente a la vida y no como un conjunto de reglas formales
de medidas estéticas.

René Magriette, surrealista Belga.

Empleó cambios de escala alternados y ambiguos, desafiando las leyes de la gravedad y la
luz.
Elaboró yuxtaposiciones insospechadas.
Mantuvo un diálogo poético entre la realidad y la ilusión, la objetividad y la ficción.

Salvador Dalí, pintor español.

Influyó de dos formas en el diseño gráfico:
Sus penetrantes perspectivas han inspirado intentos de llevar la profundidad a la página impresa
plana.
Su enfoque realista de la simultaneidad ha sido utilizado para introducir este efecto en carteles y
portadas de libros.
Joan Miró
- Mayor estilización
- Pocos colores --- azul, rojo, amarillo, negro
- Estilo simplificado hasta llegar a un original sistema de signos, equivalentes plásticos de la
realidad y de las imágenes de su mundo interno.

El impacto del surrealismo en el diseño gráfico ha sido diverso.

Proporcionó un ejemplo poético de la liberación del espíritu humano, fue pionero de las técnicas nuevas y
demostró cómo la fantasía y la intuición podían ser expresadas en términos visuales.

Max Ernst (dadá aleman)

- Huecograbos, los reinventó al emplear el collage para crear imágenes extrañas.
- Frottage, frotados para componer directamente sobre el papel.
- Decalco, proceso que le permitía transferir figuras impresas a un dibujo o pintura.
- Fotografía e ilustraciones.

Man Ray (ex dadá yanky)

- Introdujo al dadá y al surrealismo a la fotografía
- manipulacion en el cuarto oscuro (distorsión, sobreexposición, empleo de texturas, objetos sobre
material fotosensible)
- el primero en usar la solarización, agregando fuertes contornos negros a la imagen principal.
- Rayografías, impresiones en donde no interviene la cámara fotográfica.

Suprematismo y Constructivismo Rusos 1915, 1917

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 En Holanda y Rusia, un enfoque mas tipográfico y formal del diseño gráfico surgía donde los artistas
veían claramente las aplicaciones del cubismo. Con la invención de la forma pura, el arte visual
avanzó mas allá del umbral del conjunto de las imágenes gráficas.
Las figuras y las ideas acerca del espacio compositivo desarrolladas en la pintura y en la escultura
fueron aplicadas rápidamente a problemas de diseño.
Un espíritu de innovación estaba presente en todas las artes visuales, las ideas flotaban “en el aire”
y, para fines de la primera Guerra Mundial, los diseñadores gráficos, los arquitectos y los diseñadores
de productos comenzaron a desafiar enérgicamente las ideas prevalecientes acerca de la forma y la
función.

Durante la turbulencia de la primera Guerra Mundial y de la Revolución Rusa, en Rusia hubo un

florecimiento del arte creativo, Con la caída del régimen Zarista , la guerra civil y la consolidación de
la Unión Soviética.

El arte Ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y la tipografía del siglo XX.
1910 - Los artistas rusos absorben, con las conferencias de Marinetti en Rusia, las ideas del cubismo
y del futurismo con una rapidez sorprendente para después continuar hacia diferentes innovaciones.
La vanguardia rusa tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo.
Se le concedió al arte un rol social.
Los artistas revolucionarios se habían opuesto al viejo orden y al arte visual conservador
El movimiento fue acelerado por la revolución, pues se concedió al arte un rol social.

Kasimir Malevich (1878-1935)

Fundó un estilo de pintura de formas básicas y de color puro al que llamó suprematismo.
Después de trabajar a la manera del futurismo y del cubismo, creó una abstracción geométrica
elemental que era nueva, no objetiva y pura.
Rechaza la función utilitaria como la representación gráfica, ya que buscaba la expresión suprema
del sentimiento, sin buscar valores prácticos ni ideas, ni la tierra prometida.
Pensador lógico con un conocimiento lúcido, se dio cuenta de que la esencia de la experiencia
artística es el efecto perceptivo del color. Para demostrarlo, en 1913 expone su cuadrado negro
sobre fondo blanco --- el sentimiento evocado por este contraste era la esencia del arte.
El sentimiento evocado por el contraste de los diferentes colores, era la esencia del arte.

Veia a la obra de arte como una construcción de elementos concretos de la forma y el color.

El Lissitzky (1890-1941), pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo.

Quien mejor llevó a cabo en ideal constructivista.
Las propiedades matemáticas y estructurales de la arquitectura se convirtieron en la base de su
arte.
Malevich se convirtió en una importante influencia.
Desarrolló un estilo de pintura el cual llamó PROUNS --- Estado de intercambio entre la pintura y
la arquitectura. --- Señalaba el camino para
la aplicación de los onceptos de la forma y del espacio en la pintura moderna del diseño aplicado

--- Introdujo ilusiones tridimensionales , que al

mismo tiempo se alejaban (en cuanto a la profundidad negativa) de atrás del plano pictórico (en
cuanto a la profundidad neutra) y se proyectaban hacia delante del plano pictórico ( en cuanto a la
profundidad positiva)

1917 - Revolución Rusa -

- Lo vio como un comienzo para la nueva humanidad:
- El comunismo y la ingeniería social crearían un orden nuevo
- La tecnología proveería las necesidades de la sociedad
- El artista/diseñador forjaría una unidad entre el arte y la tecnología al construir un
mundo nuevo de objetos para proporcionar a la humanidad una sociedad y un ambiente más
ricos.
- Este idealismo lo llevó a poner un énfasis cada vez mayor en el diseño gráfico, al ir de la
experiencia estética privada del museo hacia el torrente de la vida comunitaria.

1921 - Se traslada a Berlín -

- Sus contactos incluían: De Stijl, Bauhaus, Dadaístas y otros Constructivistas.

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 - Las excelentes imprentas en Alemania le permitieron desarrollar rápidamente sus ideas
tipográficas.
- Su trayectoria de experimentación con el fotomontaje, la impresión, el diseño gráfico y la pintura
le permitieron convertirse en el productor de mayor importancia por medio del cual el
suprematismo y el constructivismo fluyeron en Europa Occidental.
- Divulga el mensaje del constructivismo ruso por sus frecuentes visitas al Bauhaus, por medio de
artículos importantes y conferencias.
- A principios de los 20´, el gobierno sovietico ofreció apoyo oficial al nuevo arte ruso, e intentó
publicarlo a nivel internacional.
- No decoraba el libro, lo construía programando visualmente el objeto completo.
- Realizaba diseños exclusivamente con elementos tipográficos.
- Eran importantes las relaciones visuales y el contraste de los elementos, la relación de las
formas con el espacio en blanco de la página y comprensión de las posibilidades de impresión ,
como la sobreposición de colores.
- Propugnó el potencial del montaje y del fotomontaje para mensajes de comunicación compleja.
- La composición tipográfica y las imágenes fotográficas eran empleadas como material de
construcción para armar páginas, portadas y carteles.
- Crea programas visuales para ordenar la información, a modo de armazón o grilla, para la
organización de las páginas.
- Utilización de tipografías sans-serif, expresión temprana del estilo modernista.
- Por medio de su responsabilidad social y el compromiso con su pueblo, de su dominio de la
tecnología para servir a sus propósitos y de su visión creativa, El Lissitzky estableció una pauta de
excelencia para el diseñador.

Wladimir Tatlin y Alexander Rodchenko declaran renunciar "al arte x el arte" y se dedican junto con otros
artistas al Diseño Industrial, la comunicación Visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad
comunista.

Alexander Rodchenko
- Experimentó con la tipografía, el montaje y la fotografía.
- Su interés inicial en la geometría lo condujo a la precisión analítica y a la definición de la forma
en sus pinturas.
- En 1921 - deja la pintura y se vuelve a la comunicación visual (diseño gráfico y fotografía
periodística).
- Produjo diseños gráficos con sólida construcción geométrica, grandes áreas de color puro y con
rotulación legible concisa.
- Se pesada rotulación sans-serif hecha a mano se convirtió en el génesis de los tipos de negritas
sans-serif que ampliamente utilizadas en la Unión Soviética.
- 1923 - comienza a utilizar un diseño basado en formas verticales y horizontales estáticas, sólidas
colocadas conforme relaciones de ritmos de máquinas mecánicas.
- Su interés en el fotomontaje era un afán conciente para innovar una técnica de ilustración
nueva, apropiada a la era racionalista del S XX. ---- Mostrar acciones simultáneas, sobreimponer
imágenes, usar acercamientos extremos e imágenes en perspectivas, a menudo juntos, y la
repetición rítmica de una imagen constituyeron alguna de las técnicas comunes a ambos
lenguajes.

Alexei Gan
Los 3 principios del constructivismo son
-- la textura / lo tectónico
(la naturaleza de los materiales y como se emplean en la
producción industrial)
-- la construción
(simboliza el proceso creativo, leyes de organización visual)
-- la arquitectura
(unificación de la ideología comunísta con la forma
visual)

Hermanos Stemberg
Colaboraron en la realización de escenografías teatrales y carteles cinemattográficos.

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 Concientes de las dificultades reproductivas de la fotografía para la época, realizaron
ilustraciones hiperrrealistas para sus carteles, al ampliar imágenes de formato fílmico
(fotogramas), que contrastan con formas planas.

1917 - De Stijl
En Holanda, el último verano del año 1917 marcó la formación del movimiento y del periódico De
Stijl. Los pintores Piet Mondrian (1872-1944) y Bart van der Leck (1876-1958) y otros se unieron a
Theo van Doesburg (1883-1931), fundador y guía espiritual de este grupo y el arquitecto Oud.

Durante una temporada en el año1917, las pinturas de Mondrian, Van der Leck y Van Doesburg, eran
virtualmente indistinguibles. Además de su restringido vocabulario visual, los artistas de De Stijl
buscaron una expresión de estructura matemática del universo y de la armonía universal de la
naturaleza. Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo
y deseaban expresar la conciencia general de la época.
De Stijl buscaba las leyes universales que gobierna la realidad visible, pero que se encuentran
escondidas por las apariencias externas de las cosas.
- Creían que la Guerra Mundial estaba arrasando con una vieja época y anunciaba junto con los
adelantos una era de colectivísmo y objetividad.
Para estos artistas , la belleza proviene de la pureza absoluta de la obra.
La depuración del arte de la representación del mundo natural, de la dependencia de valores externo
y de los caprichos subjetivos del individuo se volvió de primer orden.
El contenido de su obra se volvió universal , en el orden que se extiende por todo el universo.
De Stijl abogaba por la absorción del arte puro por medio del arte aplicado.
A principios de los años 20, comenzó el impacto de de Stijl en la arquitectura, en el diseño industrial y
en la tipografía.

La búsqueda de un arte puro de relaciones visuales iniciado en Holanda y Rusia, había permanecido
como una preocupación importante en las disciplinas visuales del siglo XX.
Una de las tendencias dominantes del Diseño Gráfico ha sido la aplicación de esta sensibilidad
geométrica para dar orden a la página impresa.

Malevich y Mondrian utilizaron líneas, formas y colores puros para crear un universo de relaciones
puras ordenadas armoniosamente.
Para unificar los valores sociales y humanos, la tecnología y la forma visual se convirtieron el
objetivo de quienes se empeñaron el lograr una arquitectura y un diseño gráfico diferentes.

T. Van Doesburg
- Extendió sus actividades incluyendo la arquitectura, la escultura y la tipografía. En el año 1921,
se trasladó a Weimar, Alemania. - Vivió ahí e impartió cursos de la filosofía de De Stijl a los que
originalmente asistían los alumnos de la Bauhaus.
- Periódico De Stijl --- desde 1917 hasta 1931 --- difundió la teoría y filosofía del movimiento.
Comprendió el potencial liberador del dadaísmo e invitó a Schwitters a Holanda para hacer una
compaña a favor del dadaíamo, ellos colaboraron en proyectos de diseño tipográficos.
- Desarrolló su teoría del elementarismo, la cual declaraba la diagonal como un principio
compositivo mas dinámico que la construcción horizontal y vertical.
- La pureza de la forma y de la armonía visual se logra economizando medios en el balance de los
rectángulos de colores primarios sobre fondo blanco.
- Debido a que Van Doesburg , con su fenomenal energía y su extensa creatividad, era el
movimiento de De Stijl, es comprensible que De Stijl como movimiento organizado no
sobreviviera a su muerte prematura en el año 1931 a la edad de 47 años.
- En 1924, Mondrian había dejado de contribuir con sus artículos en el periódico después de que
Van Doesburg desarrollo la teoría del elementalismo, la cual declaraba la diagonal como un
principio compositivo más dinámico que la construcción horizontal y vertical

Van der Leck

- Parece haber sido el primero en pintar figuras geométricas planas de color puro.
- Además, antes de que se creara el movimiento, van der Leck ya hacía diseños gráficos con
franjas negras sencillas , organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas.
- Anuncios para la Línea Naviera Batavier (Rotterdam-Londres). División del espacio en
rectangulos que organizan el espacio, formas planas, líneas negras densas que dividen el espacio
y rotulación sans serif geométrica.

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Piet Mondrian
- Sus pinturas constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas
visuales de De Stijl.
- Cuando vio pinturas cubistas por primera vez en el año 1910, evolucionó de la pintura de paisaje
tradicional hacia un estilo simbólico influenciado por Van Gogh, que expresaba las fuerzas de la
naturaleza.
- En los años siguientes eliminó todo indicio de los elementos representativos y evolucionó del
cubismo hacia una abstracción geométrica pura.
- 1917, Mondrian había reducido su vocabulario visual a la utilización de colores primarios (rojo-
amarillo-azul) con blanco y negro, en tanto que las figuras las figuras y las formas quedaron
limitadas a líneas rectas cuadrados y rectángulos.
- Empleando estos medios tan limitados construyó composiciones de un balance asimétrico
sublime, en la cuales la tensión y el balance alcanzaron una absoluta armonía.

Gerrit Rietveld
En el año 1924 marcó la realización de la teoría de De Stijl en la arquitectura, diseñando la
renombrada casa de los Schoeder en Utrecht.

1927 --- Revista i10 --- editada por Arthur Lehning (publicada hasta Julio de 1929)
--- Se entrelazaban los ideales de De Stijl y el Bauhaus de integrar el arte a la vida cotidiana.
Al darse cuenta que los cambios sociales y culturales eran necesarios para lograr que diera fruto esta
visión idealizada, Lehning amplió el contenido de la revista para incluir material político. La composición
para el primer número fue creada por el constructivista húngaro Moholí-Nagy quien entonces dio a
Lehning un curso rápido de tipografía y composición, de modo que el editor pudiera manejar este aspecto
de la publicación.

El Modernísmo Pictórico inicios s.XX

El cartel europeo de principios de s.XX es una continuación de los anuncios de la década de
1890, pero fue poderosamente afectado por las vanguardias artísdticas o movimientos
modernos y las necesidades cominicacionales de las dos Guerras Mundiales.

El Cartel en Berlín
Lucien Bernhard
Primer Aviso - 1905 - Anuncio de los cerillos Priester, donde redujo la comunicación a una
palabra ( la marca del priducto) y dos cerillos (el producto) en primer nivel de lectura uy
ocupando todo el plano.
Uso colores contrastantes para diferenciar fondo y figura, dejando los oscuros al fondo y los
cálidos y brillantes para la marca y el producto.
Su Fórmula: un color liso de fondo, imagen grande y sencilla (síntesis formal del producto), y
nombre del producto (marca).
Proyectó una imagen vigorosa con un mínimo de información.
- IDEM para Zapatos Stiller - 1912 - Presentación plana del producto y el nombre de la marca
escrito grande y solo una vez.
- Avisos y marca para cigarrillos Manoli - 1911 -
- estilo de tipos sans serif
- Su firma: BERN
HARD

Rudi Erdt y Julius Gipkens

Seguidores del estilo de Bernhard, anuncio para autos Opel y muebles Heinemanns,
respectivamente.

El Cartel va a la Guerra
Principal medio de comunicacion en la 1°GM guerra de Trincheras, cuerpo a cuerpo.
Los gobiernos lo usaron como principal fuente de propaganda y persuasión visual. Se tenian
que reclutar ejercitos y levantar la moral del pueblo, instar a la adhesión de ideales político-
bélicos, recaudar fondos para la guerra sin que le gobierno quebrara, instar a la donación de
materiales necesarios para armamento y otros, incluso pedir la colaboración de las mujeres en
la fabricación de armamento. también se solicitó la racionalización de recursos, alimentos y el
ahorro de energía.

17
 Diferencias radicales entre ambos tipos de carteles:

Alemania - Austro Hungría (potencias centrales)

Dominaban las tradiciones de la Secession y Bernhard.
Integracion de palabras e imágenes.
Simplioficación de imágenes en formas y modelos poderosos.
- Bernhard, Gipkens, Erdt, Klinger, Otto Lehmann, Holwein!

Holwein
Hitler le encargo carteles de propaganda nazi, ideales de la raza aria rubia superior, atletas
germanos ganadores, la juventud alemana, y la svástica y sus colores, y estas ideas ganaron
fuerte presencia visual en toda Alemania. Para Hitler habia que apelar mas a la emoción que al
intelecto en los carteles.
- estilo militar e imperialista, formas sólidas y pesadas, contrastes tonales.

Francia, Inglaterra y EEUU (aliados)

Más ilustartivo, imágenes mas literales que simbólicas, objetivos propagandísticos.
Los británicos llamaban a proteger los valores de la tradición, el hogar y la familia.
USA: la propaganda persuasiva reemplazó a la s interpretaciones narrativas.
Tuvieron que integrar los rótulos con la imagen.
- Leete, Dana Gibson, Montgomery Flagg (el T'io Sam apuntandote) copia a Leete y su versió
británica, Leyendecker (carteles de guerra, portadas para The Saturday Evening Post), Paul
Verrees.

Funciones del cartel: ensalzar a los soldados del país, crear un culto alrededor de sus líderes
nacionales y sus símbolos, ridiculizar o desacreditar al enemigo.

Durante los años de la 2º Guerra Mundial

Los combates durante la segunda Guerra Mundial se realizaban por medio de invasiones relámpago,
a base de divisiones mecanizadas, por bombardeo aéreo de industrias y ciudades.
El trauma de esta guerra desorganizó la capacidad de muchos gobiernos para producir propaganda
gráfica.
En 1941, a medida que la participación de EEUU en el conflicto mundial se volvió cada vez mas
inevitable, el gobierno federal organizó un concurso de carteles en cuanto comenzó el colosal
programa de defensa de ese país.
Jean Carlu ganó el primer lugar con uno de los mejores diseños de su carrera --- se hicieron mas de
100.000 de estos carteles para su distribución en todo el país.

Sentimientos apasionados acerca de Hitler, Pearl Harbor y la guerra parecían impulsar la

comunicación de los diseñadores gráficos, ilustradores y artistas encargados de crear los carteles
para la Ofice of War Information.

Joseph Binder
1941--- cartel para la Army Air Corps de los Estados Unidos sobresale por la simplicidad y belleza
de su diseño. Cambio de escala logra una sugestión simbólica de profundidad.

McNight Kauffer
Se encargó de diseñar carteles sorprendentemente sencillos para elevar la moral de los paices
aliados ocupados.
Cartel para Grecia, una cabeza griega se combina con la bandera estadounidense para formar un
símbolo gráfico poderoso.

Ben Shahn
Ferviente luchador social cuyo vigoroso estilo de formas indómitas estaba dirigido hacia la
injusticia social y económica durante la Depresión, y ganó la atención de un público mas amplio
en carteles que comunicaban la brutalidad Nazi.

Herbert Bayer
Sus carteles producidos durante y después de la guerra fueron sorprendentes por sus cualidades
ilustrativas, comparado con su ardiente insistencia en el constructivismo durante su período de la
Bauhaus de Dessau.

18
 Sensible al nuevo público y orientado hacia la solución de problemas de comunicación, evolucionó
a un estilo de ilustración casi pictórico, combinado con la jerarquía de la información y la poderosa
composición subyacente con la que él experimentó en Dessau.

Después de la 2 º Guerra Mundial

En busca de otra campaña publicitaria institucional que usara las bellas artes, la Container
Corporation decidió honrar a los Estados al encargar pinturas a un artista originario de cada uno de
los entonces 48 estados miembros.
Tanto la serie de las Naciones como la de los Estados sirvieron para promover uno de los ideales del
Bauhaus: la unión del arte con la vida.
Se propone realizar una serie de anuncios institucionales presentando las grandes ideas del hombre
occidental, cada una tendría la interpretación gráfica de un artista sobre una gran idea que
proporcionaría Adler y sus colegas.
Iniciada en 1950, esta campaña institucional sin precedentes, trasciende los límites de la publicidad a
medida que ideas como libertad, justicia y derechos humanos eran comunicadas a un gran público.
Esta campaña hizo aparecer diferente a la Container Corporation ante públicos diversos, ya que una
compaña cuya dirección invierte una parte de su presupuesto publicitario en comunicar ideas, posee
cualidades sociales y culturales positivas. --- Y esta campaña ha perdurado por mas de tres
décadas.

Herbert Matter
Había llegado a EEUU en 1936.
Además de los encargos para la Container Corporation durante la guerra, recibió asignaciones de
diseño y fotografía de varios clientes incluyendo: Vogue, Fortune y Harper‟s Bazaar.
1946 --- inicia un período de 20 años como consejero de diseño gráfico y de fotografía para la
firma Knoll, fabricante y diseñadora de mobiliario.
Durante los años ‟50 optó por soluciones puramente fotográficas, después de 25 años de
integración de elementos gráficos y fotográficos.
Su habilidad para comunicar conceptos con imágenes se muestra en la carpeta del año 1956, que
inaugura una nueva línea de muebles de pedestal de plástico moldeado.

Joseph Binder
Con sus formas poderosas y temas bien definidos perduró como una fuerza en la escena del
diseño estadounidense hasta los años ‟60.
Sus carteles de reclutamiento militar, que representaron una de las últimas manifestaciones del
modernismo pictórico quedaron profundamente grabados en el alma de los estadounidenses
durante los años ‟50.
Las formas geométricas y simbólicas del modernismo pictográfico se volvieron masas monolíticas
transformadas en símbolos del poder militar y de los logros tecnológicos de una nueva era de
armamento sofisticado.

Ladislav Sutnar
Llegó a EEUU en el año 1939.
Una relación estrecha con el Servicio de Catálogo Sweet le permitió dejar una marca indeleble en
el diseño de la información de productos industriales.
Definió el diseño informativo como una síntesis de la función, el flujo y la forma.
La función era una necesidad utilitaria con un propósito definido: hacer la información fácil de
encontrar, leer, comprender y recordar.
El flujo es la secuencia lógica de la información.
Sentía que la unidad básica no era la página sino la “unidad visual” formada por la doble página
extendida.
Rechazaba los márgenes tradicionales por ser cajas rígidas que creaban barreras al flujo visual.
Empleaba extensivamente las sangrías.
Utilizaba la forma la línea y el color como elementos funcionales, no decorativos --- para dirigir la
vista a través del diseño en tanto buscaba información.
Descartó la tipografía simétrica porque carecía de relación con el flujo funcional de la información.
Consideraba al ángulo superior derecho, como punto de entrada visual para cada composición ---
empleada para identificar la información.

Modernísmo Gráfico Post Cubista (Entre Guerras)

19
 Después de la Segunda Guerra Mundial, las naciones de Europa y Los Estados Unidos buscaron el
regreso a la normalidad. La economía de Europa estaba devastada.
El uso de la maquinaria bélica se orientó hacia otras necesidades, las de los tiempos de paz, y una
década de prosperidad sin precedentes empezó para los aliados visctoriosos. La fe en las máquinas
y las tecnologías estaba en su punto mas alto y esta ética ganó expresión por medio del arte y el
diseño.
Las formas industriales se convirtieron en un recurso importante para el diseño, las ideas cubistas de
la organización espacial y del conjunto de las imágenes sintéticas, pues estas inspiraron una nueva
dirección en la imágenes gráficas.

El modernismo pictórico Europeo constituía una proposición diseñada para la creación de

ilustraciones graficas dirigidas a la integración total de la palabra y de la imagen.
Fue una de las corrientes mas trascendentes del siglo XX.
Surge como respuesta a las necesidades de la comunicación de la primera Guerra Mundial.
Las innovaciones del cubismo y de otros movimientos del arte moderno, que siguieron después de la
guerra jugaron un papel fundamental al definir las sensibilidades visuales de los prósperos años ‟20
y los económicamente sombríos de los ‟30.

Aportes de los movimientos artísticos:

Cubismo --- Estilización geométrica

--- Descomposición de la realidad en diversos elementos.

Futurismo --- Glorificación de las máquinas .

--- Dinamismo --- Sentido de movilidad.

Expresionismo --- Tratamiento del color.

--- Cualquier cosa puede tener cualquier color.

Constructivismo --- Organización racional del plano.

Bauhaus --- Síntesis formal y conceptual.
--- Utilización de formas puras.
--- Uso tipográfico.
--- Puesta en página.

Surrealismo --- Uso de símbolos y metáforas para producir impacto.

Década del ‟20:

La nueva figuración abstracta y geometrizante con que las vanguardias artísticas habían estado
ensayando sus nuevos lenguajes formales resultó fácilmente explotable de su condición artística ----
fue asimilada como eficaz modelo de representación de marcas y anuncios comerciales.
La dicotomía entre forma-función la introdujo el Werkbund como nueva mecánica disciplinar.
Se integra el lenguaje moderno desde una concepción racionalista.
Erradicación de la representación figurativa --- se reducen los símbolos de empresas y productos a
formas abstractas, de gran poder visual.
El diseño gráfico comercial se convierte en una actividad seria. La burguesía dejó de producir
mensajes publicitarios, las decisiones comenzó a tomarlas el departamento publicitario.

Los cambios políticos y económicos de la época obligan a rever el concepto de comunicación:

Cambia la forma de concebir al consumidor --- de le da un valor agregado al producto.
Antes --- Consumismo --- consumidor arquetipo --- publicidad informativa
Ahora --- Positivismo --- concepto psicológico --- simbolismo, metáforas, impacto visual,
subconsciente.
Teoría publicitaria ---síntesis, impacto visual, persuasión.

Década del ‟30 :

1929 --- Quiebra la bolsa de N. Y.

Consolidación de las vanguardias artísticas -- cuestionan el pasado --- apoyan a lo nuevo, lo

reciente.
Cambia la forma de concebir la realidad visual.

20
 El modernismo pictórico Europeo constituía una proposición diseñada para la creación de
ilustraciones gráficas dirigidas a la integración total de la palabra y de la imagen.

Mc Night Kauffer (1890-1954)

"El Cassandré inglés" Fuerte influencia Art Decó. Le acercó a la sociedad inglesa el nuevo lenguaje de la
modernidad.
- Trabajador estadounidense que residía en Londres.
- A partir de 1914, durante la guerra una gran cantidad de carteles y otros encargos de diseño
gráfico lo capacitaron para aplicar los principios vigorizantes del arte moderno, particularmente del
cubismo, y los problemas de la comunicación visual.
- El Estado su gran cliente (reordenar el espacio urbano, promover el subte, circulación, uso del
transporte masivo, etc)
Su trabajo sigue siendo referente de señalización mundial. Crea la identidad del transporte ingles.
- Diseñó 140 carteles para Transporte Subterráneo de Londres.
- Aviso para el Daily Herald - 1918 - influencia cubista y fututrista, fuerte impacto comunicativo
- Prefería la tarea más difícil de anunciar los productos en términos de formas que son simbólicas
sólo para esos productos en particular.
- Revela su afinidad con todos los artistas que alguna vez han dirigido su expresividad a través de
la simplificación, la distorsión y la trasposición y especialmente con los cubistas , para producir un
símbolo simplificado, formalizado y más expresivo.
- Cuando se inicia la Segunda Guerra Mundial, Kauffer regresa a su ciudad natal en EEUU, don
de trabajó hasta su muerte en 1954.

A.M. Cassandre
- A la edad de 14 años emigró a París desde Rusia.
- Su carrera de diseñador gráfico comenzó cuando tomó un trabajo en la firma impresora Hachard
et Compagnie, para obtener dinero y poder estudiar arte. Desde el año 1923 hasta el año 1936
produjo una serie de carteles sorprendentes que contribuyeron a revitalizar el arte publicitario
francés.
- Los diseños sencillos y audaces de Cassandre enfatizaban la bidimensionalidad y estaban
compuestos por planos de color amplios, simplificados.
- Al simplificar sus temas como símbolos iconográficos se aproximó en gran medida al cubismo
sintético.
Por su habilidad excepcional para integrar palabras e imágenes en composición completa es
evidente, su afición por los rótulos. Innovaciones en tipografía: Bifur - 1929 -, Acier noir - 1936 -,
Peignot - 1937 - .
Clientes: Harper´s Bazaar, Container Corporations of America, La estrella del Norte - 1927 -
(ferrocarril París - Amsterdam), L´Intransigent (telegrafos), L´Atlantique (frente de barco a vapor) -
1931 -, Dubonet - 1932 -,
1939 --- regresa a París --- vuelve a la pintura y al diseño para el ballet y el teatro, los cuales
constituyeron sus compromisos principales durante las 3 décadas siguientes.

Jean Carlú (nacido en 1900)

Quizo aplicar su arte a las necesidades de su país.
- Comprendió el movimiento moderno y aplicó estos conocimientos a la comunicación visual.
Al darse cuenta de la necesidad de planteamientos concisos, se aproximó al modernismo gráfico
al combinar la copia telegráfica, las formas y las estructuras geométricas poderosas con un
conjunto de imágenes simbólicas.
- Las ideas eran representadas por símbolos creados por medio de la simplificación de las formas
naturales en siluetas casi pictográficas.
- Hizo un análisis desapasionado, objetivo, del valor emocional de los elementos visuales. Luego
los conjuntó con una exactitud casi científica.
- La tensión y la viveza son expresadas por ángulos y líneas, los sentimientos de bienestar ,
relajamiento y comodidad son transmitidos por las curvas.
- Intentó comunicar la esencia del mensaje evitando la utilización de “dos líneas donde una
pueda hacerlo” o emplear “dos

ideas donde una puede transmitir el mensaje mas eficazmente”.

- Pensaba que la presentación visual de la información acerca de un producto debería imitar los
adelantos técnicos de los ingenieros y de los diseñadores de productos.
1940 --- Decidió permanecer en EEUU mientras duraba la segunda Guerra Mundial. Su estadía se
alargó 13 años. Durante este período creó algunos de sus trabajos mas destacados entre los que

21
 se encuentran los carteles diseñados para las fuerzas armadas norteamericanas y aliadas. En
sus mejores diseños, las palabras y las imágenes están entrelazadas por mensajes breves de
gran poder.
Clintes: Vanity Fair - 1930 -.

Paul Colin (nacido en 1892)

- Inició su carrera como diseñador gráfico en 1925.
- La organización más frecuente en el diseño de las portadas de los programas y los carteles de
Colin, consiste en colocar una figura o un objeto en el centro, delante de un fondo de color.
Enseguida el tipo o el cintillo es colocado arriba o debajo de esta figura.
- Estas figuras fuertes centrales están animadas por una variedad de técnicas: crea una doble
imagen, a menudo con técnicas de dibujos diferentes y con cambios de escala, emplea la
transparencia en imágenes sobrepuestas como un medio para que dos objetos formen uno solo,
añade formas o bandas de color detrás de la figura central o a un lado de ésta para contrarrestar
la colocación estática y crear un balance menos estable.
- Las estimaciones acerca del número de carteles creados por Colin fluctúan entre 1000 y 2000.
- Es el diseñador más prolífero y constante de las proposiciones del art deco o del enfoque del
modernismo pictórico del diseño gráfico.
- 2 GM produjo carteles de propaganda hasta la caída de Francia.

Joseph Binder (1898-1972)

Aun siendo estudiante combinaba influencias de Koloman Moser y el cubismo --- lograba un estilo
de diseño gráfico ilustrado con una poderosa fuerza comunicativa.
Su obra consistía en reducir las imágenes naturales a formas de figuras básicas como el cubo, la
esfera y el cono, así como utilizar planos, uno junto con otro, para representar las partes de luz y
sombra de una figura u objeto.
Su cartel para el festival de Teatro y Música de Viena fue premiado y es una de las primeras
manifestaciones de lo que, en retrospectiva, se convirtió en el llamado Art Deco.
- Clientes: Festival Musical en Teatro de Viena -1924 -,

Austin Cooper
Aplicación directa del cubismo al diseño gráfico en Inglaterra.
El movimiento rápido es obtenido por medio de planos combinantes, ángulos agudos y sobre
posición de letras e imágenes.
Clientes: Ferrocarril del Sur, Ferrocarril Eléctrico de Londres.
1924 --- Hizo una incursión interesante en el uso de formas geométricas elementales y colores
puros para el Ferrocarril Eléctrico de Londres. Los fragmentos de imágenes y los colores
brillantes comunican diversión y emoción.

Película Metrópolia, afiche de Schulz-Neudamm.

Art Decó
Este término acuñado a fines de los años 60como el nombre de los estilos geométricos populares de
los años ‟20 es la expresión, no de un movimiento sino de una sensibilidad estética general de la
década.
La influencia del cubismo, de Bauhaus y de Viena se mezclaron con la escuela de De Stijl, el
suprematismo y la afición por los motivos egipcios, aztecas y asirios.
El Art Deco era un estilo de diseño dominante en las décadas entre las do Guerras Mundiales.
Una geometría aerodinámica, un zigzag, moderna y decorativa, términos que expresaban los deseos
simultáneos de interpretar la era moderna de las máquinas, y al mismo tiempo satisfacer la pasión
por la decoración.
- Optimismo ilimitado en el progreso humano.

- Innovador estilo de diseño que fue popular en las décadas de 1920 y 1930.
- Se utilizó prácticamente en mobiliario, joyería vestimenta, cerámica y diseño de interiores. Su forma
estilizada trasmitía elegancia y sofisticación. Aunque el estilo cobró forma en la década de 1920, el
término Art Deco no se aplicó hasta 1925.
- Surgió como reacción a la sinuosidad y exceso de elaboración del Art Nouveau, característico del
cambio de siglo, y a la vez como una estética nueva que celebra el auge de la maquinización que iba
ganando terreno.
- Su principal característica es la utilización de líneas definidas, contornos nítidos y formas elegantes
y simétricas.

22
 - También se asocian a este estilo los colores primarios brillantes, la utilización de cromados,
esmaltes, y los diseños de inspiración egipcia y griega.

- Se decide producir para los nuevos consumidores del siglo XX. Se lleva a artistas a que le pongan
un valor agregado al producto, surge un nuevo estilo de arte decorativo.

La Nueva Tipografía (Die Neue Tipograpie)

Varios diseñadores trabajaron independientemente de los movimientos o de la Bauhaus e hicieron
aportaciones significativas al desarrollo de lo que se ha denominado la nueva tipografía.
Cada uno de estos diseñadores estaba conciente de las diferentes innovaciones en las formas y la
teoría visual, y aplicaron estos conocimientos al diseño gráfico.

Jan Tschichold (1902-1974)

Es el principal responsable del desarrollo de las teorías sobre la aplicación de las ideas
constructivistas a la tipografía.
En Agosto de 1923 asistió a la primera exposición de la Bauhaus en Weimar --- asimiló los nuevos
conceptos de diseño de la Bauhaus y de los constructivistas rusos en su obra y se convirtió en un
excelente tipógrafo.
Dio a conocer la tipografía asimétrica a un público amplio de impresores, cajistas y diseñadores.
1928 --- libro “ La nuevo Tipografía” ---- defiende vigorosamente las nuevas ideas --- buscaba
encontrar una tipografía nueva que expresara el espíritu, la vitalidad y la sensibilidad visual de su
época.
La nueva tipografía rechazaba la decoración a favor de un diseño racional, planeado únicamente
para efectos de comunicación.

Sentía que la organización simétrica era artificial.

El diseño asimétrico dinámico de elementos contrastantes expresaba la nueva era de las
máquinas.
Los tipos sans-serif en gama de pesos (negrita, cursiva, etc) y tamaños (condensada, normal, etc)
fueron declaradas como el tipo moderno. Su amplia gama de colores en la escala blanco y negro
dio lugar a la imagen abstracta, expresiva, buscada por el diseño moderno.
---- reduce el alfabeto a sus formas elementales básicas.
---- Los diseños eran elaborados a partir de una red geométrica subyacente -
-- reglas, barras y cajas se usaron a menudo para dar estructura, balance y énfasis.

1933 --- Nazis armados entraron en su departamento y lo arrestaron junto a su esposa, acusado
de "bolche cultural" y de crear una tipografía no alemana.
Fue destituido de su puesto de maestro en Munich. Fue liberado y emigro a Basilea, Suiza.
Durante los años ‟30 comenzó a alejarse de la nueva tipografía y en sus diseños empezó a utilizar
los estilos romanos, egipcio y manuscritos.
La nueva tipografía había sido una reacción contra el caos y la anarquía en la tipografía alemana
(y suiza) del año 1923. Sin embargo esta reacción había llega al punto en el que no era posible un
mayor desarrollo.

Sentía que la nueva tipografía era adecuada para publicitar productos industriales y para la
comunicación acerca de la pintura y la arquitectura contemporáneas. Sin embargo era una locura
emplearlo para un libro de poesía barroca, decía que leer textos largos en sans-serif era una
verdadera tortura.

Durante los años ‟40 condujo la tipografía tradicional al renacimiento internacional (Penguin
Books).
Continua diseñando en Suiza, hasta su muerte en el año 1972.
Clientes; Penguin Books, Película Die Hose -1927 -, Libro Die Neue Typographie y folleto - 1928 -,
carteles para Expos, portadas de libros -´40, ´50 - .

La pasión por la nueva tipografía creó torrentes de estilos sans-serif durante los años ’20:

Edward Johnston
Diseñó el tipo Johnston‟s Railway, para el uso exclusivo del tren subterráneo de Londres.
Basando sus trazos en formas básicas de la antigüedad, buscó el diseño mas simple posible de
la forma básica de cada carácter del alfabeto. Este tipo de letra todavía se usa para la

23
 señalización de los subterráneos de Londres e inspiró la serie Gill Sans, diseñada por Eric Gill, su
alumno.

Eric Gill
Diseña el tipo de letra llamado Gill Sans --- familia de tipos , que incluyó 14 estilos. No tiene una
apariencia extremadamente mecánica debido a que sus rasgos provienen de la tradición romana.
1925 --- La Monotipe Corporation y Stanley Morison lo convencen para diseñar tipos. La Perpetua.
Libro "Ensayo sobre la Tipografía"

Paul Renner
Diseña la serie Futura de 15 alfabetos. La versión inicial fue hecha en Alemania por la fundición
Bauer.
La extensa escala de tamaños y negruras proporcionó el material gráfico necesario para los
impresores y diseñadores que adoptaron la nueva tipografía.

Herman Zapf
Admirador de Johnston.
Calígrafo y diseñador de tipos ,as importante del siglo XX.
Se convirtió en diseñador independiente de tipos y libros y desarrolló una sensibilidad
extraordinaria para la forma de las letras. Vio a l diseño de tipos de letra como una de las
expresiones visuales mas evidentes de una época.
Sus diseños de tipos de letras a finales de los ‟40 y de los ‟50 son considerados como unos de los
diseños de tipos mas importantes del siglo: Palatino, Melior y Optima.

A la artesanía compleja y técnica depurada del diseño de tipos, agrega la conciencia espiritual del
poeta que es capaz de inventar nuevas formas para representar el siglo actual y preservarlo para
la posteridad.

Stanley Morison
Consejero tipográfico de la British Monotype Corporation y la Cambridge University Press.
Realizó la supervisión del diseño de un tipo de letra que sería utilizada en uno de los periódicos
mas importantes del siglo XX. : The Times.
Bautizado como Times New Roman , este tipo de letra con ascendentes y descendentes cortas,
así como serifs puntiagudos pequeños fue introducido en 1932 en la edición del periódico de
Londres.
Los lectores tradicionalmente conservadores aplaudieron la legibilidad y la claridad del nuevo tipo
de letra.
Se convirtió en uno de los tipos de letras mas usados del siglo XX ya que posee extraordinaria
legibilidad, hermosas cualidades visuales y una economía lograda por sus letras moderadamente
condensadas.

Diseño Holandes - Diseñadores Independientes con la nueva tipografía

Piet Zwart
- Diseñador holandés independiente que convive con las vanguardias y las conoce muy bien.
- Creó una síntesis a partir de dos influencias contradictorias: la vitalidad juguetona del movimiento
dadaísta y el funcionalismo y la claridad formal de la corriente de De Stijl, poniendose en contácto
con éstos hacia 1919.
- En sus trabajos tipográficos rechazó tanto la composición simétrica tradicional como la
insistencia de la corriente De Stijl en las horizontales y verticales rigurosas.
- Después de hacer un boceto aproximado, Zwart ordenaba las palabras, las líneas y los símbolos
obtenidos de una máquina para componer y los manejaba juguetonamente sobre la superficie
hasta desarrollar el diseño. La naturaleza fluida del collage se unió con una preocupación
consciente por la comunicación funcional.
- Diseñaba el espacio como un campo de tensión que cobra vida por medio de la composición
rítmica, los contrastes vigorosos de tamaño y peso, así como una interacción dinámica entre las
formas negras y la página blanca.

- Al rechazar el gris apagado del diseño tipográfico convencional, el trabajo se Zwart se volvió
dinámico y atractivo.
- Al darse cuenta que la impresión masiva del siglo XX hacía del diseño tipográfico una fuerza
cultural importante e influyente, Zwart tuvo un fuete sentido de responsabilidad social y se interesó

24
 por el lector, planeaba el diseño de sus páginas, reconoció que el hombre del siglo XX era
bombardeado por la comunicación y no podía darse el lujo de leer con dificultad a través de las
masas de material de lectura.
- Utilizaba lemas breves con letras grandes en negritas y líneas diagonales para atraer la atención
del lector, quien rápidamente podía comprender la idea o el contenido principal y entonces decidir
si leía mas adelante.
- El material explicativo era organizado para aislar la información esencial del material secundario.
Sus actividades durante su carrera larga e ilustre incluyeron la fotografía, el diseño de productos y
de interiores, así como la docencia.
- Su logotipo personal es un P y un Cuadrado negro (lo que significa su apellido en su lengua)
- Él como Lissitsky, Bayer y Tschichold trabajan con tipos de caja en forma similar.
Clientes: NKF (Cía. de Cables Holandesa) al ser su propio escritor publicitario soluciona
simultaneamente el problema de comunicación visual/verval de su cliente.

Hendrik Werkman
- Se encuentra mas atado a sus raíces holandesas.
- Artista holandés, también independiente, se diferencia de los demás por estar mas ligado al
experimento y la búsqueda.
- Afamado por su experimentación con los tipos, la tinta y los rodillos para tinta para la expresión
puramente artística.
- Para realizar las impresiones únicas llamadas drukels empleaba tipos, líneas, tinta para
impresión, rodillos manuales y una pequeña imprenta.
- En el año 1923 inició la publicación de La próxima llamada (The Next Call), una pequeña revista
de textos y experimentos fotográficos. La prensa se convirtió en “colchón de planeación”, ya que
Werkman compuso tipos de madera, planchas de madera e incluso partes de una cerradura vieja
directamente sobre la cama de prensa plana. Una innovación experimental.
- Empleó el rodillo manual para formar áreas de color plano directamente sobre el papel y dibujó
con el rodillo.
- Su procedimiento para construir un diseño a partir de componentes ya hechos puede
compararse con los dadaístas, particularmente en el fotomontaje.
- Exploró el tipo como una forma visual concreta y como una forma de comunicación del alfabeto.
- En su proceso de trabajo los esténciles se volvieron cada vez más importantes, porque con ellos
podía controlar la composición y la forma más fácilmente.

Paul Schuitema
- Diseñador holandés, nacido en 1897, posee referentes más artísticos.
- Egresa de la escuela de Bellas artes como pintor y a principio de los años 20 se dedicó al diseño
gráfico en la compañía Berkel.
- Hizo gran uso de la sobreimpresión y la fotografía objetiva integradas con la tipografía en sus
trabajos.
- Al principio sus trabajos son muy controlados y contenidos por la geometría, así es que se ven
elementos que se pueden atribuir a algunas vanguardias.
- Considera las transparencias en la imagen, algo totalmente innovador para esa época.
- Trabajaba para un grupo de arquitectos que son funcionalistas, y forma parte de ese grupo
llamado “de los ocho”.
- Es el responsable de promocionar los productos del grupo.
- También trabajó en el diseño de estampillas, y propuso para las mismas elementos que hacen a
la identidad de Holanda, que trascienda a otro país y que muestre como es Holanda.
- Inició en avisos para la Cía. Berkel de balanzas (sobreimpresión, fotografía objetiva, integradas con su
trabajo)

Herbert Matter
Diseñador y fotógrafo suizo.
- Contribuyó de forma importante en la utilización de la fotografía como instrumento de
comunicación gráfica.
- En los años ‟30 colaboró con los carteles de Cassandre, en París, mientras estudiaba pintura.
- Regresó a Suiza y comenzó a diseñar carteles para el Ministerio Nacional de Turismo.
- Comprendió la organización y las técnicas visuales del movimiento moderno --- collage, montajes
--- aplicó estos conocimientos a la fotografía y al diseño gráfico.
- Utilizaba cambios de escala dinámicos
- Integración efectiva de la tipografía y la ilustración.

25
 - Las imágenes fotográficas se convirtieron en símbolos gráficos sacados de sus contextos
normales y expuestos en una relación nueva.
- Con la fotografía en blanco y negro exploró los contrastes extremos de escala y la integración del
color.
Clientes: promocion turística "Viaje por Suiza", fotografía en blanco y negro y tonos, aerografo,
diagonales.
Ministerio de Turismo de Suiza.

Ladislav Sutnar
Partidario del diseño funcional.
Emigro a USA e influyó en la grafica americana.

Bauhaus y la Nueva Tipografía - ´19 a ´33

Considerada una de las escuelas más importantes del mundo fue creada en Weimar en el año 1919,
por el Arquitecto Walter Gropius.
Surge como visión de un mundo industrializado y como un estilo de vida innovador.

En los años anteriores a la primera guerra, en cuanto a la industrialización y adelantos técnicos,

Inglaterra se mantenía a la cabeza y en Alemania se trató de alcanzar el mismo éxito por medio de
espías alemanes mandados a Inglaterra para traer ideas. Gracias a esto, Alemania pudo avanzar en
cuanto al arte y los oficios, y así en la década de 1890 Alemania alcanzó a Inglaterra como nación
industrializada, lo que le favoreció mas adelante en la Primera Guerra Mundial.
A principios del Siglo XX y sobre todo después de la Primera Guerra Mundial que antecede a este
movimiento, el diseño responde al momento político y social que el individuo vive, se produce una
crisis en torno al arte y la arquitectura de ese momento, surge la problemática de dejar atrás lo antiguo
y arcaico para dar lugar a las nuevas formas mucho más simples.
Así se plantea la Modernidad, el individuo se inclina por la Modernidad.

Durante los años de guerra, la escuela de Artes y Oficios de Weimar (dirigida por Henry Van de Velde)
permanece cerrada. Al final de la guerra, Gropius, quien ya había ganado reputación internacional por
sus diseños de fábrica utilizando madera, vidrio y acero, fue confirmado como nuevo director.
Se había decidido fusionar las artes aplicadas que orientaban la Escuela de Artes y Oficios de Weimar,
con una escuela de bellas artes, y formar la academia de arte de Weimar. Gropius llamó a la nueva
escuela “Das Staatliches Bauhaus”y se abrió el 12 de abril de 1919, en una época en que Alemania se
encontraba en un estado de gran efervescencia.

El edificio Bauhaus, diseñado por Gropuis, es la primer obra maestra de la arquitectura moderna. Esta
concebida en tres áreas: escuela, talleres y dormitorios para estudiantes --- forma un todo
arquitectónico.
En Alemania la política, la economía y la cultura estaban en crisis después de la derrota de la Primera
Guerra Mundial. El gobierno del Kaiser terminó y comienza a manifestarse una propuesta para
construir un nuevo orden social en todos los aspectos de la vida.

El Bauhaus realiza un manifiesto que se publicó en los diarios alemanes, estableciendo la filosofía de
la nueva escuela: Sostenía que la construcción como totalidad era la primera mira de los artistas.

Deutscher Werkbund, 1907 a 1914

Entre 1907 y 1914, año previos a la primera Guerra Mundial, el problema de la producción industrial
es abordado en Alemania en términos de racionalización y de tipificación de los objetos destinados a
la producción en serie.
Principios de Racionalismo --- la forma de un objeto debía responder a las condiciones de uso del
mismo y a la técnica empleada en su fabricación con un criterio de economía que lo hiciera
fácilmente accesible.
--- Desprovisto de cualquier referencia a cualquier estilo del pasado,
rechazándose la ornamentación.
--- Uso de la síntesis y utilizando formas geométricas puras.
--- Lo constructivo y lo racional son los ejes que estructuran el diseño
racional.

26
 Herman Muthesius , arquitecto y escritor. Funda el Deutsche Werkbund para promover ideas de
vanguardia y mejorar la calidad del diseño en la arquitectura y la industria.
Finalidad: Ennoblecer el trabajo industrial en una colaboración entre arte, industria y artesanía.
Muchos de sus miembros no estaban de acuerdo en rechazar globalmente la ornamentación.

1914 --- Congreso del Werkbund --- Van de Velde rechazará la tesis de Muthesius sobre la
racionalización y la tipificación que acusaba cualquier forma estilística superflua.
Henry Van de Velde sostenía que el ornamento no debe tener como función decorar la forma sino
estructurarla, debe ser abstracto y junto con la forma del objeto simbolizar la función. Buscaba la belleza
racional a través se decoraciones con criterio de sombría funcionalidad del plano y la línea.

Propugnaba que se debía conocer las diferencias entre artesanía y producción mecánica.
Estaba a favor de la estandarización y del valor de la máquina con fines de diseño.
La simplicidad y la exactitud eran una demanda funcional de la fabricación mecánica y un aspecto simbólico
de la eficiencia y del poder industrial del siglo XX.
Intención de forjar una unidad entre los artistas y artesanos con la industria, para elevar las cualidades
funcionales y estéticas de la producción en masa , particularmente para el consumidor de productos de bajo
costo.

Mies van der Rohe,

Arquitecto de la época, convencido de que la arquitectura y el arte debían combinarse.
Le propone a Wlater Gropius, otro arquitecto crear una escuela que tenga una nueva concepción
sabe estos temas, en Weimar.
Gropius acepta y propone la unificación de dos escuelas ya existentes, una de artes y oficios y otra
de bellas artes, Al integrar estas dos escuelas en una se crea en 1919 El Bauhaus.
Con esta creación, Gropius pensaba en un hombre integral que supiera de arte, tecnología y
arquitectura.

El Bauhaus era la consecuencia lógica de la inquetud alemana por mejorar el diseño dentro de una
sociedad industrial.

Gropius no se equivocó en decidir la gente que lo acompañaría, entre ellos: Marcel Breuer, Paul
Klee, Kandinsky, Itten, Laszlo Moholy Nagy, Josef Albers.

Bauhaus en Weimar - 1919 - 1925

- La escuela nace en 1919 en Alemania, en la ciudad de Weimar, de la mano del arquitecto Walter
Gropius como director Tras unirse la escuela de Bellas Artes con la de Artes y Oficios situadas en la
ciudad de Weimar, Alemania, el 12 de abril de 1919
- Esta fue la primera sede del Bauhaus, que se mantuvo hasta 1925.
- Deseo utópico de crear una sociedad espiritualmente nueva --- buscaba una unidad innovadora
entre artistas y artesanos para construir el futuro.
- Dejan la arquitectura del siglo pasado y buscan crear otra, surgida de nuevos materiales y con ayuda de la
tecnología, la nueva estética, carente de ornamentos y buscaba sobre todo la sencillez, utilidad y
funcionalidad.
- Esta ideología, al enfocarse en todas las clases sociales, evita que la arquitectura y el diseño se siga
desarrollando sólo en una elite de la sociedad.
- Buscaba una unidad innovadora entre artistas y artesanos para construir el futuro.
- Gropius estaba interesado en le potencial simbólico de la arquitectura y en la posibilidad de un
estilo de diseño universal como un aspecto integral de la sociedad.
- Walter Gropius, que junto con Marcel Breuer y Mies van der Rohe fueron los mejores arquitectos
que tuvo la escuela. Estos comenzaron a hacer uso y a combinar los nuevos materiales como ser el
hormigón armado, el metal y el vidrio.
- El diseño gráfico en sus primeros años de creación refleja su orientación hacia el expresionismo y
las artesanías.
1919 Primer sello del Bauhaus - Johaness Auebach - Expresa afinidades con lo medieval y lo artesanal
acordes a la primer etapa del bauhaus.
1922 Ultimo sello del Bauhaus - Oscar Schelemmer - Se relaciona con el estilo geométrico y los conceptos
de diseño para la producción en masa, surgiendo en el bauhaus en esos momentos.

Walter Gropius

27
 - Su filosofía se basaba en integrar todas las artes con la tecnología moderna y unirlas con el fin de
obtener un diseño disponible para todos los niveles socioeconómicos.
- Buscó una nueva unidad entre arte y tecnología reconociendo las raíces comunes tanto de las
bellas artes como de las artes aplicadas, ya que él se adhirió a la generación de artistas con el fin
de resolver los problemas de diseño visual creados por el industrialismo.
- Pretendía alejarse de la ornamentación excesiva que se usaba en ese momento, por el contrario,
se utilizaban formas limpias y claras, formas geométricas sencillas, hechas industrialmente y no a
mano.
- Con estos principios básicos se puso en marcha la producción de elementos de uso casero y
muebles.
- Gropius fue el encargado de dar al Bauhaus su motivo de existencia.
- Es el encargado de designar los profesores y la gente que lo acompañará en el proyecto de esta
nueva escuela.
- El estilo de cada docente se hace notar.
Trata al final de restarle influencia a Itten.

Johannes Itten
A cargo del curso preliminar.
- Sus objetivos eran liberar las aptitudes creativas de cada estudiante, desarrollar una comprensión
de la naturaleza física de los materiales y enseñar los principios fundamentales del diseño.
- Puso énfasis en los contrastes visuales y en el análisis de las pinturas.
- Utilizaba una metodología de experiencia directa, buscando desarrollar la conciencia perceptiva y
la experiencia emocional.
- Se inclinaba por lo espiritual y esto se oponía a la personalidad que Gropius quería darle a la
escuela.
Gropius se dio cuenta de esta influencia en los estudiantes y lo sustituyó por Moholy Nagy, que era
un constructivista húngaro desvinculado.
Así se sustituye drásticamente la enseñanza e impronta de Itten, por la de Moholy Nagy, en 1923

Laszlo Moholy Nagy y su impacto

Reemplaza a Itten en 1923
- Fue de gran influencia para el Bauhaus.
- Se dedicó a la supervisión de proyectos editoriales, (entre ellos los 14 libros del Bauhaus)
- Es el primero en introducir la fotografía en los trabajos.
- Experimenta con el fotograma y el fotomontaje y crea la tipo-foto, que relacionaba el texto con la
imagen.
- De esta manera surge una nueva concepción de la comunicación y la síntesis de un mensaje.
- También pone en uso los colores primarios, las texturas y la luz y el equilibrio de formas,
características comunes de la escuela.
- Su interés por la tipografía y la fotografía inspiraron al Bauhaus a interesarse por la comunicación
visual.
- Experimentos importantes en la unidad de la tipografía y la fotografía.
- Veía al diseño grafico, especialmente el cartel, evolucionar hacia la fototipografía.
- Integración objetiva de la palabra y la imagen para comunicar un mensaje con independencia
absoluta --- nueva literatura visual --- fototipografía.
- En la tipografía se inclinaba por el uso de contrastes fuertes y audaz color.
- Hizo hincapié en la claridad absoluta de la comunicación sin nociones estéticas preconcebidas.
- Empleaba la cámara fotográfica como un instrumento de diseño --- convencionales ideas de
composición aparecían en un orden imprevisto, principalmente por medio del uso de la luz para
diseñar el espacio.
- La aplicación del nuevo lenguaje de la visión a las formas percibidas en el mundo caracteriza su
obra fotográfica ordinaria --- la textura, la interacción, la luz y la sombra, así como la repetición son
cualidades de sus fotografías.
- Proclama la victoria final de la fotografía sobre la pintura.
- Fotoplástica ----- Alcanza una expresión novedosa, que podía ser mas creativa y mas funcional
que la fotografía directamente imitativa. Podía se humorística, visionaria, persuasiva o intelectual.

“La nueva visión” --- fue escrita para difundir entre artistas y profanos el principio básico de la
educación del Bauhaus: la fusión de la teoría y la práctica en el diseño.
--- Tiene como objetivo la educación de los que se hallan fuera de la órbita de
acción del instituto, para que el público comprenda y colabore en la labor de los diseñadores.
- influencias del Lissitsky, Cubismo, Constructivismo.

28
 - Diseñó la portada para el 1° libro del Bauhaus - 1923 - y sobrecubiertas.

Bauhaus y De Stijl
Tenían objetivos similares.
A fines del año 1920, Van Doesburg se trasladó a Weimar y estableció contacto con el Bauhaus
Las áreas del diseño de mobiliario y la tipografía fueron especialmente influenciadas por la corriente De
Stijl.
No llegó a dictar clases en él porque gropius lo veía muy dogmático, pero los alumnos mantenian contacto
fuera de la escuela llendo a su casa junto con algunos profesores y fue sumamente influyente aún desde
fuera.
Les enseñó los principios de Stijl.Las áreas de mobiliario y la tipografía fueron especialmente influenciadas
por Stijl.

1923 --- 1° Exposición del Bauhaus

Asistieron 15.000 personas y dio reconocimiento mundial a la Bauhaus.
Gropius reemplaza el lema "Por la unidad del arte y la artesanía" por "Arte y Tecnología, una unidad
nueva".

Bauhaus en Dessau - 1925 - 1930

- 1925 --- En este año la escuela se muda a Dessau que ofrecía mayor apoyo económico que Weimar
y al ser una ciudad industrial tenía una relación mas directa con la ideología de la escuela.
- Los primeros tiempos ocuparon espacios provisorios, pero un año mas tarde tuvo lugar la apertura del
edificio oficial en Dessau, una obra maestra de la arquitectura diseñada por Walter Gropius.
Módulos unificados en un todo (talleres, salones, dormitorios, etc).
- La identidad y filosofía del Bauhaus se desarrollaron completamente. Se notan las influencias de De
Stijl y los Constructivistas.
- Las ideas que fluían en abundancia impactaban la vida y el diseño de productos, mobiliario de acero,
arquitectura funcional y la tipografía del siglo XX.
- 1926 ---- La Bauhaus recibe el nombre de “Escuela Superior de la Forma” y se inicia la publicación de
la revista.

13 libros entre ellos 2 diseñados por MNagy exponen los ideales y objetos del Bauhaus.
- Tanto los pensamientos de Gropius como las personas que lo acompañaron en sus años dentro de la
escuela contribuyeron en la ideología del Bauhaus, hasta 1928 año en el cual Gropius abandona la
escuela y deja la dirección de la misma en manos de Hannes Meyer, quien vuelca ideologías sobre
arquitectura desde el punto de vista social, piensa en la vivienda obrera y la tecnología al servicio de la
vivienda.

Marcel Breuer, arquitecto

- Se dedicó al diseño de muebles e interiores, tendiente a desarrollar los nuevos materiales y
tecnologías al máximo.
- Fue el inventor de los muebles tubulares y de la silla Wassily.

Wassily Kandinsky, artista

- Se ocupó de emplear las tres figuras y los tres cuerpos geométricos principales, el cuadrado, el
círculo y el triángulo, así como también las líneas y los planos, elementos básicos de este
movimiento.

Herbert Bayer
Profesor de tipografía y diseño gráfico
- Utilizaba métodos funcionales y constructivistas.
- El período de Bayer en el Bauhaus se caracterizó por la composición dinámica con horizontales y
verticales pronunciadas.
- Introdujo al taller notables innovaciones al diseño tipográfico.
- Se utilizaban casi exclusivamente fundiciones sans-serif.
- Diseñó un tipo universal que redujo el alfabeto a formas claras simples y construidas
racionalmente.
- Elimina las letras mayúsculas (1925), sosteniendo que imprimimos y escribimos con dos alfabetos
(may. y min.) que son incompatibles dentro del diseño, y que empleamos dos signos (A y a) para
expresar el mismo sonido hablado. Alfabeto Universal - 1925 -
- Usaba contrastes extremos en el tamaño y la negrura de los tipos, para establecer jerarquías de
énfasis.

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 - Empleaba barras, líneas, puntos y cuadrados para subdividir el espacio, unificar elementos
diversos y llamar la atención hacia los elementos importantes.
- Prefería las formas elementales y la utilización del negro con un matiz de brillo puro.
- Diseñó la cubierta para el 1° libro del Bauhaus - 1923 - y portadas para la revista Bauhaus. Ademas
diseñó billetes para Turingia ´23 y el simbolo de proporción aurea para identificar al Taller de Vidrio
Bauhaus.

Joost Schmidt
Uno de los primeros estudiantes.
- Sucede a Bayer como maestro de tipografía y diseño gráfico.
- Se alejó de las ideas estrictamente constructivistas e introdujo gran variedad de fundiciones de
tipos.
- Usó la organización con sistemas reticulares.

1927 - Hannes Meyer asume como nuevo director, hasta 1930. Mies van der Rohe asume como Director
(menos es mas)
La Bauhaus de Dessau había sido cerrada por razones políticas --- ahora permanecía como un
testamento mudo de las esperanzas y los sueños de una generación encerrados tras la “cortina de hierro”
que había dividido Europa después de la guerra.
La fotografía y la tipografía de este período Bauhaus han dado paso a la ilustración y a las letras dibujadas
a mano, pero el compromiso con la comunicación funcional, la integración de las letras e imágenes y el
balance asimétrico permanecen constantes.

Bauhaus en Berlín - 1930 - 1933

Años mas tarde, en 1930, la escuela se vio obligada a cerrar sus puertas en esta ciudad por motivos
políticos pero Mies van der Rohe, el entonces director decidió seguir el proyecto en Berlín.
En estos años el partido Nacional Socialista ya gobernaba en Alemania, surge el Nazismo y comienza
la decadencia del Bauhaus.
En el año 1933 cierra sus puertas en Alemania debido al golpe Nazi.
La nube creciente de la persecución nazi llevó a muchos profesores de la Bauhaus a unirse a los
artistas e intelectuales que huyeron hacia los Estados Unidos.
Posteriormente, Mies van der Rohe emigra a los EEUU donde comienza a hacerse conocido con sus
obras.

Conclusión
- El Bauhaus creó un estilo de diseño viable, moderno que ha influido en la arquitectura, el diseño de
productos y la comunicación visual.
- Desarrolló un enfoque nuevo de la educación visual.
- La preparación de la clase y los métodos de enseñanza por los profesores constituyeron su contribución
principal a la teoría visual.
- Al disolver los límites entre las bellas artes y las artes aplicadas, el Bauhaus trató de establecer una
estrecha relación entre el arte y la vida por medio del diseño, el cual era visto como un vehículo para el
cambio social y la revitalización cultural.

- Por otro lado es necesario mencionar el gran impacto pedagógico que esta institución ejerció en los
Estados Unidos.
- Grandes escuelas continuaron con esta manera de enseñar, ya que dos grandes como Gropius y Van
der Rohe residieron es ese país luego del cierre del Bauhaus en Alemania.

Inmigración Europea
La marea creciente del nazismo en Europa originó la migración mas grande de intelectuales y
talentos creadores, a finales de los años ‟30. Profesores, estudiantes y graduados del Bauhaus se
dispersaron por el mundo e hicieron del diseño moderno un movimiento verdaderamente mundial.
Walter Gropius, Mies van der Rohe y Marcel Breuer transplantaron el movimiento arquitectónico
funcionalista a las costas estadounidenses.
Herbert Bayer y Molí-Nagy también llevaron sus enfoques innovadores en el diseño gráfico.

Herber Bayer
( ´38) Los posters que hizo durante y después de la segunda Guerra Mundial sorprendieron por
sus cualidades ilustrativas, comparándolos con su constructivismo durante el Bauhaus de Dessau.

30
 Giró su estilo hacia una ilustración pictórica combinada con la información.
La fotografía y tipografía de su período Bauhaus se habían transformado en ilustración y tipografía
manuscrita, pero la integración de la imagen con la tipografía, la función comunicacional y el
balance asimétrico se mantenían constantes.
Comparación del poster de 1926, para la exposición de Kandinsky; y el poster de 1949 para la
investigación de la Polio.

Moholy-Nagy
Llegó a Chicago en 1937 y estableció el New Bauhaus. Cerró un año después por problemas
financieros.
En 1939 abre la escuela de Diseño. No fue el único que tuvo dificultades para tener trabajo y
llevar su obra a América, Bayer y Carlu también.

Llegaron a EEUU e hicieron contribuciones significativas al diseño: Herber Matter, Jean Carlu,
Ladislav Sutnar.

Breuer y Gropius
coinciden en ´37 en USA dando clases de arquitectura en Hardvard.

Estilo Tipográfico Internacional ´50

Escuela Suiza
Todo el planteamiento de Tschichold es absorvido por la Escuela Suiza. Las raíces de esta escuela
se encuentran en los trabajos de Tschichold. Sobre todo absorbe el pensamiento pedagógico del
Bauhaus, que fue modelo.
El método utilizado era plantear el problema y buscar una solución. Esto implica ordenar, determinar
variables que ordenan al objeto que se quiere diseñar. La metodología es fundamental, es donde el
diseñador utiliza ciertas leyes para diseñar y encontrar una solución al problema.

Durante los años „50 aparece en Suiza un estilo de diseño que ha sido llamado Diseño Suizo, o más
propiamente, el Estilo Tipográfico Internacional.
La claridad objetiva de este movimiento ganó partidarios en todo el mundo.
Su enfoque del diseño gráfico persistió como una fuerza importante por más de veinte años, un
período de vitalidad más largo que el de la mayor parte de los movimientos artísticos del siglo XX.
La pureza de los medios y la legibilidad de la comunicación facultan al diseñador para lograr una
perfección imperecedera de la forma y señalan la gama inventiva de soluciones por parte de
profesionales sobresalientes como una evidencia de que ni la forma ni la uniformidad son innatas de
este estilo.

Las características visuales de este estilo internacional incluyen:

Unidad visual del diseño, lograda por medio de la organización asimétrica de los elementos del
diseño sobre una red dibujada matemáticamente. El uso de tipos sans-serif (particularmente el tipo
Helvética - 1957 -). Series de tipografías en una configuración de márgenes nivelados del lado
derecho. Fotografías y original objetivos, que presentan información visual y verbal de manera clara
e imparcial, libre de las afirmaciones exageradas de gran parte de la propaganda y de los anuncios
comerciales.
Algo típico de esta escuela es la utilización de grillas que ordenan la imagen.
Se usan mucho los colores como el blanco, rojo y negro. Se utiliza un lenguaje predeterminado. Sus
trabajos son todos muy similares. Siempre con grillas y variando diferentes escalas de tipografías.
Se introducen elementos que hacen a la percepción. Surgen nuevos parámetros de la percepción y
comienzan a preguntarse en qué nivel se mueve el observador. Se utilizan leyes de simetría, escalas,
valores, etc.

El diseño es definido como una actitud social útil e importante.

La expresión personal y las soluciones excéntricas son rechazadas a favor de un enfoque más
universal y científico para resolver los problemas de diseño.
El diseñador define su papel no como el de un artista, sino como el de un conductor objetivo para
difundir la información importante entre los componentes de la sociedad. La claridad y el orden
constituyen el ideal.

31
 Los iniciadores de este estilo piensan que la tipografía sans-serif expresa el espíritu de la época
actual y que las redes matemáticas son los medios más legibles y armoniosos para estructurar la
información.
Las raíces del estilo tipográfico internacional crecieron de De Stijl, el Bauhaus y la nueva tipografía
del los año ‟20 y ‟30.

Tiene la posibilidad de formar excelentes profesionales porque tiene una mentalidad de tener buenos
parámetros de comunicación.
Se realiza gráfica para calle, carteles viales, así se asientan las raíces de la gráfica publicitaria vial,
donde se da una buena devolución de parte de la sociedad. Tiene una buena respuesta.
Todos los eventos culturales tienen al diseño gráfico como elemento importante y es una pieza
fundamental en la cultura porque es el encargado de promocionar masivamente todos los eventos.
Iniciativa privada: Industria Química y Farmacéutica. Es el puente entre lo que se construye en la
escuela y se aplica directamente a través del trabajo para estas industrias.
Los productos viajan al exterior y la gráfica Suiza viaja con ellos. La gráfica suiza se hace conocer y
se convierte en poco tiempo en lo que se llamó “Estilo Internacional” Tiene parámetros de
comprensión internacionales : claridad, legibilidad, comprensión del mensaje, etc. Surge un lenguaje
que puede ser entendido en todo el mundo.
Todo esto coincide con la aparición de un alfabeto muy importante llamado “Helvética”. Surge de la
idea de las formas tipográficas Romanas. Se investiga sobre la idea del equilibrio justo entre el ojo y
la tipografía. Es una familia tipográfica de equilibrio extraordinario.

Logran una unidad visual del diseño por una organización simétrica de los elementos de diseño
sobre una grilla matemáticamente dibujada.: el uso del tipo san-serif, particularmente la Helvética,
tipografía marginada a la izquierda y margen derecho libre, fotografía objetiva.
Se da una revalorización de la tipografía.

Pioneros del Movimiento Suizo

Ernst Keller - 1891/1968

"La solución a los problemas de diseño debe surgir del contenido"
Inició un clima de excelencia en el diseño gráfico suizo que continúa por mas de 25 años despues de su
muerte.

Max Bill y Théo Ballmer

Dos de los principales eslabones entre el primer diseño gráfico constructivista y el nuevo movimiento
posterior a la 2GM son estos dos diseñadores suizos que estudiaron en el Bauhaus.

Richard Lohse
Control. Idea de construcción del nuevo espacio. Se puede agregar la idea de confort. Idea de que
el espacio habitable se puede mejorar.
Construye interrelacionando desde lo más pequeño a lo más grande.
Hace catálogos de productos que hacen al confort. En esta época se produce el mobiliario como
un sistema que se puede formar con lo que se necesita, únicamente.
Se encuentra una nueva estética.

Théo Ballmer
Emplea una red ordenanda para contruir formas visuales de gran arminia en sus carteles.
Estudió brevemente en Dessau con Meyer, Klee y Gropius a finales de los ' 20.
1930 --- Se unió a la Escuela De Basilea donde profesó por mas de 30 años.

Max Bill
Alemán que estudia en el Bauhaus desde 1927 hasta 1929, y emigra en 1933, se va a Zurich,
Suiza.
Estudió con Gropius, meyer, MNagy, Albers y Kandinsky.
Diseña con idea de percepción. Tiene un pensamiento racional y morfológico.
Como se ve en los diseños de los carteles de Bill, la estética del arte concreto puede ser aplicada
a los problemas del diseño gráfico. Sus composiciones están construidas con elementos
geométricos esenciales, organizados con un orden absoluto. Bill jugó un papel importante al

32
 aplicar un ideal constructivista en el diseño gráfico. La proporción matemática y la división espacial
geométrica son aspectos de su trabajo de los años 30.
También exploró la utilización del margen derecho irregular y en algunos de sus diseños de libros
de los años 40 señaló párrafos por medio de un intervalo de espacio en ligar de un párrafo con
sangría.
La evolución del arte y del diseño de Bill estaba basad en el desarrollo de principios coherentes de
la organización visual. La división del espacio en partes armoniosas, el uso de redes modulares,
progresiones, permutaciones y secuencias aritméticas y geométricas y el equilibrio de relaciones
constantes y complementarias en un todo ordenado son sus inquietudes importantes.
La fotografía es aplicada en su mayor escala, al máximo.
' 30 a ' 40 --- evolución hacia un enfoque fuertemente purista.
A mediados de los años 50 vuelve a Alemania y participa en el diseño de la segunda gran escuela
alemana llamada ULM, que operó hasta el año 1968.

Max Huber
Estudió las ideas formales del Bauhaus.
Experimentó con el fotomontaje como estudiante en la escuela de artes y oficios de Zurich.
Se traslada a Italia e inicia su carrera.
Regresa a Suiza, durante el período de la segunda Guerra Mundial --- colabora con Max Bill en
proyectos de diseño de exposiciones.
1946 --- regresa Italia.
Introdujo una extraordinaria vitalidad y complejidad en su trabajo.
Combina matices brillantes puros con fotografías en organizaciones visuales complejas e
intensas.
Aprovecha las transparencias de las tintas de impresión para diseñar formas e imágenes que se
sobreponían para crear capa de información.
Siempre encuentra un equilibrio que ayuda a mantener orden en medio de una gran complejidad.

Anton Stankowski
Alemán, trabajó como diseñador gráfico en Zurich desde 1929 a 1937, donde se mantuvo en
contacto con los diseñadores de Suiza, incluyendo a Max Bill, Herbert Matter y Richard Lohse.
Idea de equilibrio y austeridad, (propio de la Escuela Suiza)
Innovó en la fotografía, el fotomontaje y el manejo de las imágenes en el cuarto oscuro.
Después de la Segunda Guerra Mundial su obra comenzó a cristalizar en lo que iba a convertirse
en una de sus mayores contribuciones al diseño gráfico: la creación de formas visuales para
comunicar procesos invisibles y fuerzas físicas.
Aborda lo invisible recorriendo desde la energía electromagnética hasta el funcionamiento interno
de la computadora y transformó en diseños visuales el concepto subyacente de estas fuerzas.
Se abandona la idea de color. No importa el color, sino que lo que importa es el lenguaje utilizado
para la comunicación, para que llegue bien el mensaje.
Realizó marca de fabrica y gráfica para la Standard Elektrik Lorenz AG - 1953, 1957 -

Josef Müller-Brockmann
Escribe un libro llamado Historia de la comunicación, en donde propone una gráfica más cerca de
la sociedad.
Uno de los principales teóricos y profesionales del movimiento, buscaba una expresión gráfica
absoluta por medio de una presentación objetiva e impersonal para comunicarse con el público,
sin interferencia de los sentimientos subjetivos del diseñador y desprovisto de técnicas
propagandísticas de persuasión.
Su obra se caracteriza por tener poder visual e impacto.
Busca un equilibrio justo entre la geometría, la fotografía y los planos tipográficos.
En la fotografía ya está el mensaje.
Los carteles creados en los años 50 son tan frescos y contemporáneos como la última moda y
comunican su mensaje con una intensidad y claridad extraordinarias.
Sus carteles fotográficos tratan la imagen como un símbolo.

El lenguaje del constructivismo crea una equivalencia visual de la armonía estructural.

La armonía visual del diseño también es lograda por la división espacial matemática.
Por medio de sus escritos, de la enseñanza y del ejemplo de su obra, Müller-Brockmann es el
diseñador Suizo cuyo impacto fue el más influyente conforme este movimiento nacional creció
más allá de las fronteras Suizas.

33
Siegfried Odermatt
En un país con escuelas de diseño tan sobresalientes, Odermatt es una rareza: un diseñador
gráfico autodidacta.
Abre su estudio en 1950.
Jugó un papel importante en la definición del Estilo Tipográfico Internacional aplicado a la
comunicación de negocios e industrias.
Combinó la presentación limpia, eficiente de la información con una cualidad visual dinámica.
La fotografía directa es usada con dramatismo e impacto. Las imágenes ordinarias se convierten
en fotografías convincentes y atractivas por medio del empleo cuidadoso del recorte y la
iluminación con atención a la forma y a la textura como cualidades que logran que una imagen
salga de la página.
Expresa originalidad a través de la idea pero no del estilo visual.
Gran parte de su obra es puramente tipográfica y muestra una disposición a tomarse grandes
libertades con las tradiciones de la tipografía.
Piensa que el diseño tipográfico de un color puede alcanzar el impacto visual y el poder de los
gráficos a todo color por medio de las fuerzas del concepto y de la manipulación de la forma
visual, el espacio, la figura y el tono.
Tiene un cuidado minucioso en mostrar la tipografía y el centro óptico en la idea de la
construcción de la página.
Riguroso equilibrio entre el espacio vacío y el lleno.
Forma el estudio Odermatt-Tissi, asociado con la diseñadora Rosemarie Tissi. - 1968 -

Herbert Matter
Trabaja en Suiza y luego emigra a los EEUU
Sus raíces están en la Escuela Suiza.
El estado Suizo le pide gráficas para proponer el turismo y los deportes de invierno en Suiza.
Diseñador y fotógrafo, contribuyó de forma importante en la utilización de la fotografía como
instrumento de comunicación gráfica.
Comprendió la organización de las técnicas visuales del movimiento moderno, tales como el
collage y el montaje y aplicó estos conocimientos a la fotografía y al diseño gráfico.
Sus carteles emplean el montaje, los cambios de escala dinámicos y una interacción efectiva de la
tipografía y la ilustración. Carteles para Knoll (muebles) En Suiza la marca no es tan importante
como la imagen, contrario al Art Decó.
Las imágenes fotográficas se convirtieron en símbolos gráficos sacados de su contexto normal y
expuestos en una relación nueva.
Con la fotografía en blanco y negro, Matter exploró los contrastes extremos de escala y la
integración del color.
En USA realizo la marca de fabrica del Ferrocarril de New Haven junto a Breuer que diseñó un
tren de pasajeros que se parecia a una pintura constructivista. Utilizaron un esquema de colores
de rojo, negro y blanco.
En Basilea
Emil Ruder, Armin Hoffmann,

En Zurich
El diseño suizo comenzó a verse como un movimiento inificado a partir de la aparición en 1959 de
New Graphic Design, editores: Josef Muller-Brockmann, Richard Lhose, Hans Neuburg y Carlo
Vivarelli. Su formato y su tipografía eran expresión viviente del refinamiento alcanzado por los
diseñadores suizos.

Autodidacta - Independiente
Siegfried Odermatt

Conclusión:
Durante la época posterior a la Segunda Guerra Mundial había un espíritu creciente de internacionalismo.
El comercio se multiplicó y dio como resultado corporaciones multinacionales que estuvieron activas en
mas de 100 países distintos.
La rapidez y el avance de la comunicación estaban convirtiendo al mundo en un “pueblo mundial”.
Había necesidad de claridad comunicativa, de formatos multilingües para trascender las barreras del
idioma, así como pictogramas elementales y glifos capaces de capacitar a los pueblos del mundo para
comprender signos e información.
El nuevo diseño gráfico desarrollado en Suiza ayudó a satisfacer estas necesidades. Los conceptos
fundamentales y el enfoque desarrollados en Suiza comenzaron a difundirse por todo el mundo.

34
En la Escuela Suiza se da una idea de comunicación que dice que una imagen convence porque cautiva.
Hace convincente el mensaje mediante la imagen. Esta es una idea brillante de comunicación.
Esta escuela tiene influencias en todo el diseño de todo el mundo.
También innova en la idea de publicación de libros que tiene que ver con el diseño y que son tomados
como parámetros de diseño hasta hoy en día.

Diseño Italiano - Gráfica Innovativa ´33 a fines ´60

Durante la segunda Guerra Mundial los avances tecnológicos fueron sorprendentes.
La prosperidad y el desarrollo tecnológico estaban ligados estrechamente a las corporaciones cada
vez mas grandes, y estas organizaciones industriales y comerciales se estaban dando cuenta de la
necesidad de desarrollar un imagen y una identidad corporativa entre varios sectores del público.
El diseño era visto como una de las principales formas para crear un reputación basada en la calidad
y la confianza.

Los sistemas de identificación visual que se iniciaron durante los años ‟50 fueron mucho mas allá de
la marca de la fábrica o del símbolo. Al unificar todas las comunicaciones a partir de una
organización y traducirlas a un sistema de diseño consistente, la corporación podía establecer una
imagen coherente para realizar metas específicas.

La mayor parte de los diseñadores italianos proviene directa o indirectamente de ULM, por lo tanto
son receptores de los principios heredados del racionalismo. también son receptores del futurismo,
Art Decó y Suiza (Huber/Schiavinsky)

En el medio Italiano se da un sentido formal distinto. Los italianos vinculan los elementos tipográficos
y gráficos.
La gráfica italiana es la versión latina de la gráfica ordenada suiza.La forma adquiere un nuevo
significado dado por la transmisión de nuevas sensaciones visuales y táctiles como así también por
el sentido de renovada originalidad.

En el período "entre guerras" "Todo MADE IN ITALY" (política proteccionista) Italia debe resurgir y
modernizar su diseño (Futurismo - muy patriótico, nacionalista) Después aparece el Art Decó y queda
relegado.
Esta política fascista (Muzzolini) generó mucho trabajo ( ´30) y obligó a la gráfica a despegar. Se
podía experimentar y se le dá oportunidad de trabajo a los gráficos extranjeros y la libre
experimentación porque el campo gráfico no estaba del todo armado.

Estudio Boggeri
Al final de la Segunda Guerra Mundial se produce un renacimiento de la gráfica Italiana. La
Escuela Suiza se relaciona con Italia porque en 1933 se abre un estudio de diseño en Milán, casi
pegado a la frontera con Suiza.
Alberto Boggeri abre su estudio de diseño y convoca a artistas y diseñadores de Italia y
extranjeros también.
En este estudio aparece un estrecha vinculación gráfica suizo-italiana. También se encuentra en
contacto con diseñadores del Bauhaus. Ejercerá su influencia junto a Herbert bayer y Moholy
Nagy sobre la Escuela de Nueva York.
El estudio establece la comercialización del producto con un personaje fundamental que es el
“Director de Arte”, y va a ser en encargado y responsable de atender cuentas de pequeñas o
grandes empresas que quieran invertir en publicidad, gráfica comercial. Invierten en gráficas bien
hechas.
Olivetti fue el primero que confió en esto. Solicita trabajos de gráfica para vender sus productos a
todo el mundo.
El director de arte tiene la posibilidad de dar su impronta personal a cada trabajo. Es la cabeza del
equipo y debe darle una solución integral a cada cliente.
Finalizada la guerra se debe redefinir la identidad universal de todo, radio, TV, tiendas de todo
tipo, etc.

Max Huber
Ingresa al estudio en 1940.
Deja en este estudio todo su pensamiento del Bauhaus y de la escuela Suiza y se traslada a Milán
donde inicia su carrera. Luego vuelve a Suiza y trabaja con Max Bill. En 1946 regresa a Italia.

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 Allí produce gráficos deslumbrantes: combina matices brillantes, puros con fotografías en
organizaciones visuales complejas e intensas. Aprovecha la transparencia de las tintas de
impresión para diseñar formas e imágenes que se sobreponían para crear capas de información.
Con la cadena de tiendas "Rinascente" (´55) crea un sistema de comunicación gráfica (iso-logo y
publicidad) siendo esta pionera en publicidad italiana. Otro gran afiche "Premio de Monza"
A veces sus diseños parecen estar al borde del caos, pero siempre se encuentra en ellos un
equilibrio que ayuda a mantener orden en medio de una gran complejidad.
Se encarga del diseño del catálogo promocionando el estudio de Milán. Surge la imagen que
comienza a verse afuera del negocio.
Introdujo una extraordinario vitalidad y complejidad en su trabajo.

Marcelo Nizzoli
Obtuvo el primer premio en el concurso de diseño "Campari" - 1925 -
Diseñó posters para Olivetti y como arquitecto sus oficinas, desempeñandose también como
diseñador industrial.
Tapas para las revistas Architettura y trabajo para Domus y Casabella.

Domus y Casabella
Casabela fue una revista fundada en 1928
La elección del tipo y uso de las fotos y sus medida composición la hicieron revolucionaria.
Reapareció despues de la guerra con contenidos renovados, orientandose mas a la arquitectura y
planeamiento.
Colaboraron en ella Tomás Maldonado (jefe editor) y Tomás Gonda
1982 --- Nuevo editor. Nuevo formato de ilustraciones B/N, axonométricas y dibujos.

Domus se fundó en el mismo año.

Revista mensual de arquitectura, amoblamiento y arte.
Incluía discusiones sobre temas modernos, imágenes y trabajos.

Olivetti
Por 31 años Pintori desde el depto. de publicidad le puso su sello a las imágenes gráficas de
Olivetti.
También trabajaron Schiavinsky. henry Wolf (USA) realizó en el 70 avisos para la compañía.

Giovanni Pintori
Italiano con raíces en el Futurismo.
1936 --- es contratado por Olivetti, para unirse al departamento de publicidad.
Casi todos sus trabajos van a ser para Olivetti. Por un período de 31 años Pintori puso su sello
personal sobre las imágenes gráficas de Olivetti.
1947 --- diseño del logotipo de Olivetti (oblicuo, palo seco)
Se logró la identidad por la apariencia visual general de los gráficos, no por el uso del logotipo,
solamente

En la organización del espacio den los diseños de Pintori hay una calidad casual y casi relajada.
Los diseños extremadamente complejos parecen ser sencillos debido a su habilidad para
organizar elementos pequeños en estructuras unificadas por la repetición de tamaños y ritmos
visuales.
Usaba formas gráficas simplificadas para visualizar los mecanismos y procedimientos de los
productos Olivetti.
A menudo, construía configuraciones abstractas que sugerían la función y el propósito del
producto anunciado.

Bajo las concepciones de Pintori, el diseño gráfico corporativo de Olivetti no era un fenómeno
aislado, ya que esta firma ha recibido reconocimiento internacional por su compromiso con la
excelencia del diseño de productos, arquitectura y la publicidad. Va desde lo más pequeño a lo
más grande. Comienzo de la metáfora en sus trabajos.

Franco Grignani
Fotógrafo Italiano.

Es el químico de la gráfica italiana.

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 Realizó investigaciones sobre fotografía y dibujos en base a deformaciones que tiene su origen en
el fotomontaje.
Tiene parte de artista y parte de gráfico, como Cassandre.
Sus trabajos se basan en los diseños de Molí-Nagy y Man Ray.
Es un pintor de arte concreto.
En sus pinturas utiliza la modulación repetición y seriación.
Encuentra una relación entre la gráfica y el arte concreto.
Es el origen del pop art, pintura geométrica no figurativa.
57 --- Conoce el arte óptico (fondos entremezclados con la figura)

UNIMARK
Bob Noorda, suizo.
Nace en 1965 como estudio de diseño que se encarga del estudio de mercado.
Antes de lanzar un producto se estudia a quién va dedicado. Nacen las encuestas, estadísticas y
cálculos.
Recién ahí se comienza con la idea del diseño.
Tiene sede en todo el mundo, se vuelve internacional. El cliente puede ser de otro país, contratarse
desde cualquier parte del mundo. Vínculo Milán - París - NY - Bs As (contacto Maldonado)

Diseño en Inglaterra ´20 en adelante

Antecedentes (raices)
Pevsner --- Nueva esencia de los objetos / industria y la utilización de los nuevos materiales.
William Morris --- Como plantea la ética y el lugar que le queda al diseñador y las decisiones frente al
diseño.
Modernismo --- Aubrey Beardsley
Escuela de Glasgow --- Objeto dentro de un nuevo contexto tecnológico. Se despojan del lenguaje del
pasado.
Aceptan la nueva tecnología y anuncian el protorracionalismo junto al resto de europa.
Mc Night Kaufer --- "el cassandré inglés" por su influencia Fuerte Art Decó. Renovación del cartel ingles.
Renovadores Tipográficos --- Edward Johnston (comunicación urbana)
Eric Gill (alumno de EJ) Gill Sans Serif 1928
Stanley Morison ( Diario The Times, tipografía Times New Roman). Rediseña el
Telegrama.
Pop Inglés
2GM --- 1950, Corea (Bomba Atómica en Hiroshima y nagasaky) --- 1960! Vietnam ---
"Pop Inglés" (Momento de Posguerra! marcó muy fuerte a Alemania, Inglaterra, Italia, Francia - Mayo
francés -. Mucho hambre, frío y destrucción. "No más guerra", "Paz y Amor"
La juventud quiere luchar con amor y convencimiento humano en contra de la guerra. En favor de la Vida.
El desarrollo político sirve para destruir paises.
Salen a los espacios públicos para mostrar que el mundo es otro y necesitan nuevos referentes:
--- Nuevas formas de comunicación
--- Relaciones espirituales y carnales libres
--- Se deben abandonar los parámetros anteriores (imágenes, música, represión femenina)
Idea de la Paz, La naturaleza (olores, colores verde manzana, amarillo, fuccsia, magenta.
Hay Ironía en la gráfica que propone. Surge la Industria de Objetos.
FLOWER POWER --- "La nueva bandera". Marihuana, LSD.
Alan Aldrich, adherido al Pop. (gráfica pop de Los beatles) --- Nuevos mundos
(sueños, liberación del inconciente) Metáfora: relacion de elementos de la realidad de forma particular -
aerógrafo/foto: esfumado fotográfico) Paleta Multicromática.
Edermann, alemán. (gráfica Submarino Amarillo)
Gráfica Floral (cierto referente al Art Nouveau), unidad de razas, religión, reivindicación de la mujer.
Moda Sixties --- Forma de vestirse en función de la libertad que plantea. Mini (Mary Quant), Pastilla
Anticonceptiva
- liberación de la mujer -. Grandes Recitales (Woodstock)
Estos cambios tienen ciertos aspectos positivos para la corona inglesa (genera un movimento comercial
grande)
El Pop Norteamericano esta más preocupado por el marketing, tiene otro encuadre diferente.

1960 Aparecen los grandes estudios de Diseño

Grandes Industrias. Plataforma Internacional de Diseño.

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Lo que fue Unimark en Italia fue Pentagram en Inglaterra (New York - Zurich)
Atienden a grandes empresas.

Pentagram
1962 --- Alan Fletcher, Colin Forbes y Bob Gill formaron su estudio. También Theo Crosby entre otros.
Alan Fletcher y Bob Gill (1970 trabaja en USA) son el puente entre el Diseño de USA e Inglaterra. Peter
Max lleva el Pop Inglés a USA.
Diseñadores jóvenes y de todo el mundo. Ide aIntegral de Diseño (gráfica vehicular, corporativa,
señaletica, etc)
Se incorporan diseños para exposiciones, conservaciones históricas y diseño industrial.
Se abren oficinas en Zurich y Nueva York.
El estudio combina el sentido de la contemporaneidad con una comprensión histórica muy fuerte.
Es la primera gran organización que agrupa al diseño gráfico, el diseño industrial, arquitectura y
gráfica.
Sus diseños van desde formas geométricas claras en los sistemas de identificación corporativos ,
hasta un cálido historicismo en el diseño de packaging y gráfica para pequeños clientes.
Una conceptual, visual y a menudo expresiva agudeza británica son las características tomadas por
este grupo, que han dado una presencia internacional al diseño gráfico.
No ha desarrollado un estilo único ni una filosofía de diseño, pero sus soluciones inteligentes y
apropiadas para los problemas son sus cualidades. Economía de recursos, gráfica y formas simples.
Diseño en conjunto (equipo de diseño)
Habilidad para evaluar los problemas y una solución visual dinámica es evidente en sus trabajos.
Diseño Inteligente.
Gran referente: La Escuela Suiza (Inglaterra y también para Italia y USA)
--- Sistematizar el proceso de diseño
--- DG como profesión (un antes y un despues a partir de esta escuela)
Clientes: Transporte de Londres. Avisos para Napoly, Party, Rotring, Kenwood.

EL Movimiento Moderno en USA

Container Corporation of America, modelo de diseño en USA

Fundada den 1926 por Walter Paepcke.
En una época en que la mayor parte de los productos eran enviados en empaques de madera,
Paepcke abrió nuevos caminos a la fabricación de envases de cartón y de fibra corrugada.
Se convirtió en una empresa nacional y en el mayor productor de materiales de embalaje de esa
nación.
1950 - Campaña "Grandes Ideas", de Hertbert Bayer, quien elegiria a los artistas junto con Paepcke.
Se diferencio del resto por invertir una parte de su presupuesto publicitario en comunicar grandes
ideas, presentadas visualmente por artístas y diseñadores sobresalientes, debía poseer cualidades
sociales y culturales positivas.
Este tipo de campaña a perdurado por mas de e décadas.

Egbert Jacobson
- Primer director del nuevo departamento de Diseño.
- El nuevo logotipo y su implementación estaban basados en dos ingredientes: las aptitudes para
el diseño visual del diseñador y un cliente patrocinador. (semejanza con el programa de diseño de
la A.E.G.)
- Tenía amplia experiencia como experto en color y este conocimiento fue aprovechado, ya que
los interiores monótonos de colores gris y café de los talleres y las fábricas fueron transformadas
por colores brillantes.
- Diseñó una nueva marca de fabrica y materiales gráficos como papelería y facturas.
- Defensor y protector del diseño --- experimentos con materiales y estructuras de papel.

Cassandre
1937 --- Nueva imagen en carteles ---- La Container Corporation encargó a Cassandre crear una serie
de anuncios que pusieron a la cabeza las convenciones de la publicidad estadounidense.
El encabezado y el cuerpo del texto tradicionales fueron reemplazados por una imagen dominante que
ofrecía una declaración sencilla acerca de Container Corporation.
Mucho de estos anuncios tenían solo una docena de palabras ---- En contraste en la extensa redacción
de los textos publicitarios de los años ‟30.

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Estas comunicaciones apartaron a la Container Corporation de la repetición insistente, muy común en la
publicidad.

1939 --- Cassandre regresa a París.

La Container Corporation continuó con su estrategia de encargar anuncios a otros artistas y diseñadores
de talla internacional, incluyendo a Herbert Bayer, Fernand Léger, Man Ray, Herbert Matter y Jean Carlu,
Willem de Koonig.

Albert Kner
1940 --- Llega influenciado por los dichos de su compatriota MNagy sobre la acepatación y
posibilidades del diseño. Contratado como primer diseñador de empaques de la Container
Corporation .
Por mas de dos décadas encabezó el laboratorio de investigación de diseño y de mercado.
Aplicó métodos de investigación científica en la mercadotecnia para evaluar la eficacia de las
ventas de empaques, asi como para el desarrollo de nuevos productos y formas para realizarlos.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la Container Corporation ideó nuevos usos para el embalaje
de cartón, dejando libres para la guerra a los metales y a otros materiales.
Campaña publicitaria --- “el cartón va a la guerra” --- Cada aviso mostraba un uso específico del
producto.

En los años de la guerra trabajaron en Usa

Jean Carlú ( cartel la respuesta americana es la Producción ), Josep Binder, Mc Knight Kauffer
(carteles para levantarle la moral a los aliados), Ben Shann, Herbert Bayer (estilo mas
constructivista llega a volverse mas pictorico).
Para la Container Corporation of América trabajaron Jacobson, Herbert Bayer, Jean Carlú y
Herbert Matter.

Escuela de Nueva York

La primera ola del diseño moderno en EEUU fue importada por talentosos inmigrantes europeos, que
buscaba escapar del clima político de totalitarismo. Estas personas dieron a los estadounidenses una
introducción de primera mano a la vanguardia europea.
A mediados del siglo XX, las artes florecieron en Nueva York. Es posible que la situación fuera
propicia para que los artistas desarrollaran un trabajo importante y de calidad.
Nueva York se convirtió en el centro cultural del mundo en pleno siglo XX y las innovaciones en el
diseño gráfico ocuparon un papel importante entre sus méritos.
Durante los años ‟40 se dieron los primeros pasos hacia un enfoque estadounidense del diseño.
El diseño europeo era teórico y sumamente estructurado, el diseño estadounidense era pragmático,
intuitivo y mas informal en su enfoque para organizar el espacio.
Aunque europeos de origen, los aspectos propios de la cultura y la sociedad estadounidenses
dictaron su propia forma de diseño moderno.
Se puso énfasis en la expresión de las ideas y en la presentación abierta, directa de la información.
En esta sociedad altamente competitiva la novedad de la técnica y la originalidad del concepto eran
muy apreciados.
Los diseñadores buscaron simultáneamente resolver los problemas de comunicación y satisfacer una
necesidad de expresión personal.
Escuela estadounidense de Expresionismo Gráfico ---- Esta época del diseño gráfico
estadounidense se inicia con fuertes raíces europeas durante los años ‟40, ganado relieve
internacional por sus originales puntos de vista en los años ‟50, llamada asi por Herb Lubalin.

Paul Rand (trabajo pionero)

Inició esta tendencia estadounidense del diseño gráfico.
Su carrera comienza como diseñador promocional y editorial para: Esquire, Ken, Coronet y Glass
Packer.
Sus portadas para estas revistas rompían con las tradiciones de diseño de las publicaciones
estadounidenses.
Comprendió que las formas inventadas libremente podían tener una vida autónoma tanto
simbólica como expresiva, como un instrumento visual de comunicación.
Gran habilidad para manipular la forma visual ---- color, figura, espacio, línea, valor.
Análisis adecuada del contenido de la comunicación reduciéndolo a su esencia simbólica.

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 Lo lúdico, lo visualmente dinámico y lo inesperado, a menudo encuentra su camino en su obra.
uso la retícula de puntos
Utilizó el collage y el montaje como medios para introducir conceptos , imágenes, texturas e
incluso objetos en un todo coherente.
1941 ---- Trabajo en la agencia publicitaria Weintraub --- con Bill Bernbach, hasta 1954.
Se convierte en diseñador independiente con énfasis cada vez mayor en la marca de fábrica y el
diseño corporativo.
Comprende el valor de los signos y símbolos comunes sobrentendidos ordinaria y universalmente
como elementos para traducir las ideas en la comunicación visual.
Para atraer al público exitosamente y comunicarse de manera memorable ---- sabe que la
alteración, la yuxtaposición o la interpretación del diseñador es necesaria para hacer de lo común
algo extraordinario.
Los contrastes visuales, sensuales, caracterizan su obra.
Define el diseño como la integración de la forma y la función para la comunicación efectiva.
Clientes: IBM, ABC, RCA, portadas para Direction, Orbach´s, Portadas de libros, Cartel del film No
Way Out. Logo para Westinghouse
Alvin Lustig
Incorporó su visión objetiva y de símbolos privados al diseño gráfico.
Creó diseños geométricos abstractos usando líneas de tipos y adornos. Buscaba símbolos que
capturaran la esencia del contenido y tratando la forma y el contenido como un todo con el mérito
del público que lee literatura de calidad.
Creía en la importancia de la pintura para el diseño y en la enseñanza del diseño.
Consideraba la búsqueda de los símbolos privados del artista como una fuente inagotable para los
símbolos públicos creados por el diseñador.
1954 --- queda ciego.

Bradbury Thompson
Surgió como uno de los diseñadores gráficos mas influyentes de la posguerra.
Sus profundos conocimientos de la impresión y de la composición tipográfica se combinaron con
un espíritu aventurero de experimentación, permitiéndole extender la gama de posibilidades del
diseño.
Con un presupuesto limitado para planchas nuevas o ilustraciones que acompañaran el texto,
utilizaba la caja de tipos y el taller de imprenta como su “lienzo, caballete y segundo estudio”.
Las planchas para fotocromotipografía a cuatro tintas las desarmaba y las usaba para inventar
diseños, asi como a menudo sobreimprimía para crear nuevos colores.
Figuras grandes, audazmente orgánicas o geométricas eran empleadas para dar fuerza gráfica y
simbólica a la página.
A menudo las letras eran ampliadas a gran tamaño y utilizadas como elementos de diseño o para
crear modelos visuales y movimientos.
Durante los años ‟60 y ‟70 se volvió cada vez mas al diseño de libros y editorial.
Avisos para Westwaco Inspirations.

Saul Bass
La sensibilidad de la escuela de Nueva York fue llevada a Los Ángeles.
El empleo de la figura y del balance asimétrico por parte del Rand durante los años ‟40 constituyó
una inspiración importante para Saul Bass.
Frecuentemente redujo el diseño gráfico a una imagen dominante, sencilla, usualmente centrada
en el espacio.
Tiene gran habilidad para identificar el núcleo de un problema de diseño. Después lo expresa con
imágenes que se vuelven glifos o signos pictográficos elementales, poseedores de una gran
fuerza gráfica.
Redujo la comunicación a una imagen pictórica sencilla.
Las formas en trozos son cortas del papel con tijeras o trazadas con un pincel. Dibujadas
libremente, es probable que las letras decorativas sean empleadas en su obra asi como la
tipografía o las letras manuscritas.
Aunque las imágenes son simplificadas a su mínima relación, carecen de la exactitud de la
medida o de la construcción que pudiera hacerlas rígidas.
El primer programa de diseño completo para una película, unificando tanto los impresos como los
gráficos en los medios masivos publicitarios , fue el programa de diseño del año 55 para “ The
man with the golden arm” y "Exodus" 60.
Se convirtió en el maestro reconocido de los títulos de películas.

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 Abrió nuevos caminos al proceso orgánico de las formas que aparecen, se desintegran, se
vuelven a formar y se transforman en el tiempo y el espacio.
Esta combinación, recombinación y síntesis de la forma fue llevada al área de los gráficos
impresos.
Además de los gráficos de las películas que lo hicieron famoso, ha creado numerosos programas
de identidad corporativa.

George Tscherny
Emigró a EEUU siendo muy joven y allí recibió la primera educación visual.
1956 --- abre su propia oficina de diseño.
Durante un cuarto de siglo fue diseñador independiente, lo cual es único en su género en una
profesión donde las asociaciones, grandes plantas de personal y posiciones dentro del mismo son
la norma.
Gran habilidad para apoderarse de la esencia del tema y expresarlo con términos pasmosamente
sencillos. Los resultados son elegantes y directos. Muchos diseñadores han encontrado a estos
diseños muy cautivadoramente sencillos.
El vocabulario de las técnicas para resolver problemas de diseño incluyen: dibujo puramente
tipográfico, fotografía, dibujo caligráfico simple con pincel y las figuras gruesas y sencillas de
papeles de colores que le encanta recortar.

La revolución en el diseño editorial y Los grandes fotógrafos

Alexey Brodovich

Impartió clases de diseño editorial en su casa y después en la New School for Social Research
durante los años cuarenta y principio de los cincuenta.
Las semillas de un período expansivo orientado hacia el diseño de gráficos editoriales fueron
sembradas en las clases de Brodovich. Uno de sus alumnos fue Otto Storch (1913) quien escribió:
Brodovich hubiera vaciado juntas grandes cantidades de fotostáticas, pruebas de tipos, pedazos
de papel de colores y la agujeta del zapato de alguien sobre una gran mesa con pegamento de
caucho. Habría cruzado los brazos y con una expresión triste, nos hubiera desafiado a hacer algo
brillante. Los alumnos de Brodovich aprendieron a examinar cada problema cabalmente, a
desarrollar una solución a partir de su comprensión y en seguida, a buscar una representación
visual brillante.
El impacto de Brodovich sobre una generación de diseñadores editoriales y fotógrafos
reconocidos durante los años cincuenta fue fenomenal y el diseño editorial experimentó una de
sus más grandes épocas.

Otto Storch
Director artístico en la editorial Dell, Storchestaba insatisfecho con el nivel de los temas en sus
asignaciones y había desarrollado una gran afición por el diseño de Brodovich en Harper’s Bazaar.
Se unió a los directores artísticos, fotógrafos e ilustradores generales y de modas, así como a
diseñadores de empaques, de escenarios y tipográficos que desearan aprender del maestro.
Siguió un período de siete años de trabajos independientes y luego Storch se unió a la McCall‟s
Corporation como asistente de director artístico de Better Living Magazine.
En el año 1953, Storch fue nombrado director artístico de McCall‟s, una publicación femenina
importante estaba teneindo problemas de circulación.
En el año 1958 le dieron manos libres a Storch para mejorar los gráficos y logró un asombroso
enfoque visual. La tipografía se unificó con la fotografía al diseñarlas de manera compacta. La
escala fue examinada en esta publicación de gran formato.
A menudo los encabezados se volvían parte de la ilustración. Las fotografías a dobles páginas
totalmente sangradas estaban diseñadas con áreas planeadas anteriormente para el tipo. En
otras páginas, el tipo se convertía en ilustración.
Objetos pequeños se convirtieron en grandes gráficos. Storch y los fotógrafos que trabajaban con
él se esmeraron en producir ensayos fotográficos inesperados y poéticos. Comidas y modas a
menudo eran tomadas en locaciones en lugar del estudio.
Storch ocupa un lugar destacado entre los innovadores del período. Su filosofía de que la idea, el
texto, el arte y la tipografía debían ser inseparables en el diseño editorial tuvo gran influencia tanto
en los gráficos editoriales como en los publicitarios.

Henry Wolf

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 Después de ganar experiencia en estudios y en una agencia de publicidad, el vienés Henry Wolf
(1925), se convirtió en director artístico de Esquire en el año 1953. A semejanza de Storch estudió
con Brodovich y rediseñó el formato de Esquire con mayor énfasis en el uso del espacio en blanco
y grandes fotografías.
Cuando Brodovich se retiró como director artístico de Harper’s Bazaar en el año 1958, Wolf tuvo
el honor de sustituir al maestro.
Experimentando con la fotografía , la agrandaría lo suficiente como para llenar la página, y
después usaría encabezados pequeños en otras páginas. Bajo la dirección de Wolf, la
sofisticación y la inventiva de la fotografía encargada por Harper’s Bazaar , fueron extraordinarias.
En el año 1961, Wolf dejó Bazaar para diseñar la nueva revista Show, un periódico de corta vida
que exploró un nuevo territorio del diseño, como resultado de la dirección artística
conceptualmente imaginativa y visualmente elegante de Wolf.

A finales de los años ‟60 el período de dos décadas de la siempre creciente afluencia a EEUU
estaba sucumbiendo a la inflación y a los problemas económicos.
Las inquietudes sociales acerca de la Guerra de Vietnam, los problemas ambientales, los
derechos de las minorías, y de las mujeres --- produjeron la necesidad de una clase diferente de
publicidad.
El público demandaba un contenido de información mas elevado, las tarifas postales que subieron
exageradamente, le escasez del papel así como los costos de este y de la impresión redujeron las
revistas periódicas de gran formato.

La nueva Publicicad : La Doyle Dane Bernbach

Los años ‟40 fueron una época pobre para la publicidad.
1949 --- una nueva agencia de publicidad, la Doyle Dane Bernbach abrió su puertas en Madison
Avenue.
Bill Bernbach era socio responsable del área creativa.
Esta agencia de publicidad sacó el “signo de exclamación de la publicidad”
Hablaban inteligentemente a los consumidores.
Se desarrollaría una estrategia para cada campaña rodeándola de cualquier avance importante,
diferencia útil o característica superior del producto.
Su equipo integró palabras e imágenes de una manera nueva.
Traspasaron los límites que separaban la comunicación verbal de la visual.
Evolucionaron la sintaxis visual verbal --- Palabra e imagen se fusionan en la expresión conceptual
de una idea, de tal manera que se vuelven completamente interdependientes.
Escritores y directores artísticos funcionaban como “equipos creativos”
Debido a que el concepto se vuelve dominante, el diseño de muchos anuncios se reduce a los
elementos básicos necesarios para comunicar el mensaje: en lugar de alabanzas exageradas y
superlativos sin sentido, aparece una gran imagen visual impresionante.
A menudo la organización visual es simétrica ya que a la disposición del diseño no se puede permitir
distraerle de la presentación directa de una idea.
Después de la segunda Guerra Mundial, la Tv comenzó su espectacular crecimiento como medio
publicitario. En los principios de los ‟60 se convirtió en el segundo medio de comunicación y
publicidad. (después de los diarios)
Los directores de arte se volcaron al diseño de comerciales para Tv.
Bernbach decía que no existen reglas, sólo creatividad.
El publicitario debe ligar la propuesta de compra al recurso creativo de modo que el impacto que este
pueda dar sea el principal argumento de venta del producto.
Debe haber equilibrio pero con libertad.
Todo proviene de la imaginación.
Hay que decirle la verdad al consumidor , hay que decirla de manera convincente, reformularla.
Siempre se debe respetar al consumidor.

George Lois
Adoptó la filosofía de Bernbach que integraba completamente conceptos visuales/verbales vitales
para una comunicación exitosa del mensaje.
Sus diseños don engañosamente simples e ingenuos con el sólo propósito de ser directos.
Los fondos usualmente parecen diluirse para permitir a las imágenes portadoras del contenido
verbal y gráfico interactuar sin estorbos.

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 Sentía que el diseño, una armonía de elementos, no tenía lugar en la portada de una revista. Optó
por la portada como un informe que capturaba al lector con un comentario sobre uno de los
principales artículos interiores. Durante la década del „60 Lois diseñó mas de 92 portadas.
Las combinaciones inesperadas de imágenes y técnicas de montaje fotográfico servían para
intensificar un suceso o hacer una declaración satírica.
Tenía la habilidad de persuadir a la gente para que participara en fotografías que daban como
resultado imágenes poderosas.
Muchos de los conceptos innovadores de Lois nacieron de su habilidad para comprender y
responder a la gente y a los sucesos de su época.

Expresionismo Tipográfico Estadounidense

La tendencia lúdica del diseño gráfico que comenzó en los años cincuenta y continuó en los sesenta
entre los diseñadores gráficos Neoyorquinos fue el interés en la tipografía figurativa.
Esto adoptó muchas formas. Las letras se convirtieron en objetos, los objetos se convirtieron en
letras.
Se necesitaba un genio tipográfico para definir el potencial estético de la fototipografía al comprender
su nueva flexibilidad y explorar las posibilidades que abrió para la expresión gráfica.

Herb Lubalin
Hombre de aptitudes y conocimientos variados cuyos méritos incluyen: diseño publicitario y
editorial, diseño de símbolos y de tipos de letras, carteles y empaques.
Ha sido aclamado como “el genio tipográfico” de su tiempo. Los raros dones de Lubalin como
diseñador gráfico comenzaron a surgir en los años cincuenta.
En la obra de Lubalin se unificaron los dos impulsos principales del diseño gráfico
estadounidense: la orientación de Doyle Dane Bernbach hacia el concepto visual/verbal y las
tendencias hacia una tipografía figurativa y más estructurada. Desde un punto de vista visual, el
espacio y la superficie se convirtieron en sus consideraciones principales.
Las reglas y la práctica propia de la tipografía fueron abandonadas por Lubalin, quien veía los
caracteres del alfabeto tanto como una forma visual como una comunicación del mensaje.
Insatisfecho con las limitaciones rígidas del tipo de metal, Lubalin comenzó a separar sus pruebas
de tipos cortándoles con una hoja de afeitar y uniéndolas de nuevo. El tipo fue comprimido hasta
que las letras se unieron el ligaduras, el tipo fue agrandado hasta tamaños insospechados y las
letras fueron unidas, sobrepuestas y alargadas.
Lubalin eliminó las separaciones tradicionales entre palabras e imágenes: palabras y letras se
convertirían en imágenes, las imágenes se volverían una palabra o una letra. redescubrió la
caligrafía.
Este juego tipográfico atrae al lector y requiere de su participación.
Lubalin ejerció el diseño como un medio para dar forma visual a un concepto o a un mensaje. En
su trabajo mas innovador, el concepto y la forma visual están ligados en una unidad indivisible que
ha sido llamada tipograma, que es un breve poema visual tipográfico. Haciendo hablar al tipo, la
inventiva y la orientación juiciosa y fuerte del mensaje lo habilitó para transformar palabras.
Más que otro diseñador gráfico, Lubalin exploró el potencial de la fototipografía y las formas en
que las relaciones fijas de las letras sobre planchas cuadradas de metal estaban siendo
explotadas por las cualidades dinámicas y elásticas del fototipo.
E los sistemas del fototipo, el espacio de las letras puede ser comprimido hasta desaparecer y las
formas pueden ser sobrepuestas. La gama disponible de tamaños del tipo se amplía y el tipo se
puede adaptar a cualquier tamaño requerido por la composición, o alargado a dimensiones
enormes sin perder nitidez.
Se pueden usar lentes especiales para agrandar, condensar, bastardilla, inclinar o trazar letras.
Lubalin incorporó estas posibilidades a su trabajo, no sólo con fines técnicos o de diseño en sí
mismos, sino también como medios poderosos para intensificar la imagen impresa y expresar el
contenido.
Durante los años sesenta, Lubalin también se interesó por el diseño editorial e hizo una
contribución importante en esta área.
Presentada en el año 1962, la revista Eros, trimestral de encuadernación dura. Su formato de 96
páginas sin publicidad permitió a Lubalin explorar la escala, los espacios en blanco y el flujo
visual. Los cambios de escala establecieron un ritmo vivo fluctuando desde la fotografía sangrada
a doble página, hasta páginas con ocho o nueve fotografías apiñadas.
Creyendo que la selección de tipos de letra debía expresar en contenido y ser gobernada por la
configuración de las palabras, en Eros, Lubalin usó una gran variedad de tipos.

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 El brillante tratamiento gráfico de Lubalin con un escaso presupuesto de producción presagiaba
las restricciones económicas de las editoriales durante los inflacionarios de los años ‟60.
Cierra la década del ‟60 con el formato cuadrado de Avant Garde, una publicación periódica
pródigamente ilustrada que publicaba ensayos gráficos, ficción y reportajes. Nacida en medio de
cataclismos sociales de los derechos civiles, la liberación de las mujeres, la libertad sexual y las
protestas antibélicas, esta revista se convirtió en uno de los logros mas innovadores de Lubalin.
Las composiciones de Lubalin tiene una vigorosa estructura geométrica subyacente. Utiliza un
orden exuberante y optimista del carácter estadounidense libre de trabas por un sentido de la
tradición o cualquier pensamiento de que hay limitaciones que no pueden ser vencidas. El diseño
de tipos de letras comenzó a ocupara mas del tiempo de Lubalin.
Como diseñador gráfico afirmaba su tarea como la de proyectar un mensaje a partir de una
superficie usando tres medios de expresión interdependientes: fotografía, ilustración y las letras.
A medida que pasaba el tiempo creció su pasión por las letras y la satisfacción que le producías
trabajar con ellas.
Trabajos: MARRIAGE, MOTHER & child, logo propuesto para NY, logo Family Circle revista,
carteles antibelicos tipográficos, paginas y portadas para U&LC. Eros y AvantGarde son revistas
de protesta.

Push Pin group

En la década del ‟50, cuando las ilustraciones gruesas prevalecían en el diseño gráfico americano, “la
edad de oro de las ilustraciones americanas” estaba llegando a su fin.
Las mejoras en el papel, impresión y fotografía fueron la causa para que el ilustrador declinara
rápidamente.
Durante la primera mitad del siglo, la habilidad para exagerar el valor del contraste, intensificar el
color y hacer las imágenes mas detalladas que la realidad misma para compensar la pérdida de la
calidad en la reproducción, había permitido a los ilustradores crear imágenes mas convincentes.
Pero ahora, los adelantos en materiales y procesamientos fotográficos, permitieron a la fotografía
ampliar su gana de condiciones de luz y fidelidad de la imagen.
La muerte de la ilustración fue pronosticada sobriamente mientras la fotografía hacía rápidas
incursiones en su mercado tradicional.
Pero mientas la fotografía se apoderaba de la función tradicional de la ilustración, la creación de
imágenes narrativas y descriptivas, emergió como un nuevo enfoque de la ilustración.

Seymour Chwast, Milton Glaser, Reynolds Ruffins Y Edward Sorel --- Tomaron un enfoque mas
conceptual de la ilustración --- se asociaron y compartieron un local.
Para solicitar tareas independientes, se divulgó cada dos meses una publicación conjunta llamada
“The Push Pin Almanac”. (El almanaque del juego de los alfileres)
1954 --- Se forma el estudio Push Pin ---- Cuando Glaser regresó de Europa
Riffins y Sorel dejaron el estudio, para 1958.
Chwast y Glaser compartieron el estudio por mas de 20 años.
“The Push Pin Almanac” se convirtió en “The Push Pin Grafic” --- revista experimental que sirvió como
foro para desarrollar nuevas ideas. Su filosofía, técnicas y percepciones personales tuvieron impacto.
Combinaron elementos en una comunicación integral que plasmaba la visión personal de su creador.
Incorporaron libremente en sus trabajos muchas influencias.

Milton Glaser
Su genio singular es difícil de definir.
Durante los años ‟60 creó imágenes de figuras planas formadas con líneas de nivel delgadas y a
tinta negra, adicionando el color con película adhesiva.
Utilizó un estilo de dibujo casi esquemático que hizo eco de las sencillas iconografías : de las
revistas de tiras cómicas, el dibujo curvilíneo fluido de los arabescos de Persia y del Art Nouveau
(revival), el color uniforme de los impresos japoneses, los recortes de Matisse y la dinámica del
arte popular contemporáneo.
Fue imitado con gran exceso.
Otro enfoque desarrollado por Glaser se originó de las masas.
Inspirado por el dibujo oriental de pinceladas caligráficas y las acuatintas de Picasso, a finales de
los años ‟50 comenzó a hacer siluetas gesticulares de dibujos mojados que molestaban a quien
los veía al sugerirle el tema solamente --- exigía al observador “completar” los detalles con su
imaginación.
Las formas geométricas, las palabras y los números no son solamente signos abstractos, sino
entidades tangibles de objetos vivos que les permite ser interpretados como motivos, así como las
figuras y los objetos inanimados son interpretados por un artista.

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 Se dedicó mucho al diseño gráfico para música, incluyendo carteles de conciertos y tapas de
discos --- ha logrado singular habilidad para combinar su visión personal con la esencia del
contenido.
La imagen iconográfica que Glaser hizo de Bob Dylan fue muy conocida --- se hicieron casi 6
millones de copias del cartel y fueron producidas para ser incluidas en un álbum de gran venta.
Logo I (love - corazon) New York. Transforma la clave de sol en flor (flower power) --- Influencia
del Surrealismo.

Seymour Chwast
Su visión es aún mas personal que la de Glaser.
Sus imágenes son muy diferentes ya que a menudo utiliza la técnica del dibujo lineal con
películas adhesivas de colores para cubrir el color mate.
Para él el color es formal e intenso.
En contraste con la profundidad espacial de Glaser, se mantiene una igualdad de superficie
absoluta.
Es un genio tipográfico con una visión inocente. Su gran amor por lo victoriano y las letras de
formas figurativas y su habilidad para integrar la información alfabética y figurativa, le han
permitido producir soluciones de diseño inesperadas.
Después de que su sociedad con Glaser se desintegró, continuo con el Push Pin Graphic con un
estilo libre de inhibiciones.

Tanto Chwast como Glaser, desarrollaron ciertas innovaciones en tipos de letras que a menudo se
iniciaron como letreros por tarea y que luego se transformaron en alfabetos completos.
Además de ellos dos, es estudio Push Pin contrató otros diseñadores e ilustradores y a un número de
jóvenes que trabajaron para el estudio y luego en forma independientes o en otros puestos --- ellos
ampliaron la gama y base de lo que se conoció como el estilo “Push Pin”.
Este estilo no sólo constituye un conjunto de convenciones visuales o una unidad de técnicas o imágenes,
mas bien es una actitud ante el diseño gráfico, una manera de sincerarse con las nuevas formas y
técnicas y gran habilidad para integrar la imagen y la palabra dentro de un todo decorativo.
El Push Pin era accesible y su diseño proyectaba vitalidad.

La escuela Push Pin de ilustración gráfica y diseño presentó una alternativa a la densa ilustración del
pasado, la orientación matemática y objetiva, tipografía y fotografía del Estilo Tipográfico Internacional y
las preocupaciones formales de la Escuela de N.Y., con la vitalidad cálida , amistosa y accesible de los
proyectos de diseño de Push Pin y sus alusiones desvergonzadas a otro tipo de arte y exuberante color.

Manía por el Cartel

El furor de los carteles que brotó en EEUU durante los años ‟60 fue un movimiento popular
fomentado por un clima de activismo social.
El movimiento de los derechos civiles , la vasta protesta pública contra la guerra de Vietnam, las
primeras agitaciones del movimiento de liberación de las mujeres y la búsqueda de alternativas en los
estilos de vida figuraban entre las revueltas sociales de l a década del ‟60.
Los carteles d e esta época fueron fijados en las paredes de los departamentos, con mas frecuencia
que en las calles.
Estos carteles hacían alusión a cuestiones sociales en lugar de anunciar mensajes comerciales.
La primera ola de la cultura de los carteles irrumpió de la subcultura Hippie.
Se puso énfasis en la música de Rock, la experimentación con drogas sicodélicas y en contra de los
valores establecidos.
Se inspiró en varios recursos: las fluidas curvas sinuosas del Art Nouveau, la intensa vibración óptica
del color asociado con el breve movimiento del arte óptico.
El reciclaje de imágenes de la cultura popular y la manipulación prevaleciente en el arte popular.
Sus principales clientes eran los bailes y los conciertos de Rock.
Gráficamente los carteles utilizaban formas turbulentas y letras torcidas y curveadas, hasta casi ser
ilegibles.

Pop Art ´60

Lichenstein, Jasper Johns, Andy Warhol y Rauschemberg.

Lichenstein --- revival del comic a la pintura, transformándola en obra de arte.

Uso explotado del punto de impresión (medio tono).
Warhol --- Retratos de Marilyn, Ingrid Bergman, Jackie. Sopas Campbells.

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 Desacraliza el arte, utiliza la foto, el fotomontaje, tecnicas de impresión (serigrafía) mescladas con las
pictóricas.

ULM ´54 a ´68

Alemania, mas que cualquier otra nación, evidencia en 1945 las profundas heridas que habían
producido en la vida social, cultural y artística del país, mas de diez años de nazismo y las
desastrosas consecuencias de la Segunda Guerra Mundial. (1939-1945)
Después de 1933 (año del cierre del Bauhaus), toda la actividad en el terreno del diseño y del arte se
redujo a episodios de escasa significación y, mientras otros artistas buscaban en otros países la
libertad de expresión que se les negaba en la patria, los pocos que quedaron trabajaban
secretamente y en medio de dificultades y obstáculos de todo género.
Cuando se llega a la paz, el balance de las actividades artísticas es bastante escaso. Muchas
grandes personalidades han perdido la vida durante el conflicto, otras han encontrado una nueva
patria en países lejanos y los jóvenes que han crecido en el clima nefasto del nazismos se esfuerzan
por recuperar el entusiasmo y la energía suficiente para recobrar el tiempo perdido y colocarse
nuevamente en lo vivo del debate artístico europeo.
Pero no todo ha sido destruido: la gran lección de un pasado aun reciente y el espíritu del Bauhaus
vuelven a descubrirse pronto.

La Hochsule Fur Gestaltung (HFG) de Ulm

1945 --- Inge Scholl, promueve la creación de un instituto de diseño en homenaje a sus dos
hermanos muertos en la guerra. Se casa con Otl Aicher, joven diseñador Alemán nacido en la ciudad
de Ulm.
Se sumaran Tomás Maldonado, Tomás Gonda, Gui Bonsiepe (ex alumno y profesor), Albers (color
ex bauhaus),
Max Bill (escuela Suiza y ex Bauhaus), (conocido de Maldonado generando el eje Milán-Zurich-BsAs.
Bill lo llama para que se sume a Ulm en 1954 y acepta)
1945-1950 --- se desarrolla la creación de una escuela de alto diseño. Bill quería reeditar un
instituto equivalente al bauhaus años atrás.
Inge Scholl, a través del “Plan Marshall” obtiene apoyo económico de los EEUU y también del
gobierno alemán. De este modo se concreta la creación de la escuela.
Se realizam trabajos para BraUm, Lufthansa, revista Twen (juventus alemana)

Max Bill
Arquitecto suizo que había trabajado en los últimos años del Bauhaus --- llamado por Sholl se
hace cargo de la dirección de la escuela --- retomando así la tradición racionalista del Bauhaus.
Aspira a desarrollar la orientación estético-formal del Bauhaus.
Se admite en principio, la tesis de la continuación, pero solamente luego de una severa
comprobación de la actualidad de sus presupuestos didácticos, culturales y organizativos.
1955/56 --- Se crea un cuerpo de profesores. Maldonado y Aicher se oponen al tratamiento
esteticista de Bill.
1956 --- Max Bill deja el cargo de rector, por antagonismos ideológicos que surgen.
Se reformulan los contenidos a desarrollar. Alumnos de todo el mundo.

Tomás Maldonado
Se une a la escuela a pedido de Bill en 1955 --- coinciden en que la salvación de la sociedad esta
a través del arte.
La escuela es la continuación del Bauhaus y de le agregan nuevas tareas que antes no se
consideraban tan importantes como ahora en el campo de la proyección.
1956 Asume la rectoría de la escuela al renunciar Max Bill.
Introduce en los cursos estudios acerca de semiología aplicada al diseño gráfico y al diseño
industrial.
Es el gran pensador del diseño industrial.
Durante su rectoría recibe la “Gold Medal”.

En los años ‟50 los docentes y Otl Aicher hacen una aportación decisiva a la elaboración de la
línea de los productos “Braun”, de Frankfurt.
De ahí se desarrollará el llamado “estilo Braun”.
Mientras que el “estilo Olivetti” buscaba la unidad en la variedad, el “estilo Braun” es un ejemplo
de búsqueda de la unidad en la unidad. No existe un caso parecido en toda la industria
contemporánea.

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 1967 --- surgen dificultades para la escuela al negársele fondos.
1968 --- cierra la escuela, en abril aparece su última publicación, simbólicamente su portada era
negra.

Con la partida de Max Bill cambia el plan de estudio, que refleja la importancia atribuida a las
disciplinas científicas y técnicas. Cambia el planteamiento didáctico del curso fundamental que
intenta reducir al mínimo aquellos elementos de activismo y formalismo heredados de la didáctica
del Bauhaus.
Cambia también el programa del departamento de diseño industrial que se orienta definitivamente
hacia el estudio y la profundización en la metodología de la proyección.

De estos cambios deriva --- Lo que mas tarde se llamará “concepto Ulm” ejercerá una profunda
influencia en todas las escuelas de diseño industrial de mundo.

Diseño Gráfico en Argentina

El desarrollo espiritual, la capacidad material y el nivel de progreso de un país pueden medirse por la
calidad e importancia de su propaganda comercial.
La evolución de este gran medio difusor señala, con sus hitos, al desenvolvimiento de las fuerzas
vitales de una nación. Por eso puede decirse que el aviso es historia y hace historia.

1905 --- Se funda “La Razón”

Aquil Mouzzant --- Trae el afiche francés a la Argentina. Realizó el afiche de Geniol (cabeza con
clavos y alfileres)

La primera agencia

La técnica del aviso era rudimentaria. No había entonces agencias de publicidad.

1889 --- El Sr. Juan Ravenscroft fundó la primera agencia del país. Se dedicaba solo a la publicidad en
los coches y estaciones ferroviarias anunciando productos ingleses.
Firmas conocidas publicaban avisos en los diarios:
El primer anuncio con ilustración fotográfica es de la casa A. De Micheli. El primer aviso de página
entera corresponde a la tienda Avelino Cavezas con caricaturas de políticos de la época.

1905 --- Se agudiza el ingenio publicitario. Los cigarrillos “Vuelta abajo” incluyen bonos canjeables
por objetos de valor en el interior de los paquetes. Los cigarrillos “París” pasean por la ciudad su
coche bombo, que ilustra también su propaganda gráfica.
1910 ---- Los avisos comienzan a publicarse rodeados de texto. Aparecen las “liquidaciones”, que
seducen rápidamente al público y la competencia entre las primeras tiendas de la capital, dan
nacimiento al crédito.

La guerra de 1914 trajo crisis del papel de diario y debieron extremarse los recursos de la
propaganda comercial.
El cartel cede paso al afiche. Directo e ingenuo al principio, va ganando jerarquía al dar amplio
margen al pintor y al dibujante para desarrollar todas las posibilidades de su arte. Detiene al
transeúnte. Es un grito en la pared, a veces una canción, pasando del realismo al impresionismo con
todos los atributos del arte puro.

1898 --- Nace “Caras y Caretas” --- Semanario festivo, literario, artístico y de actualidades.
Sobresale muy pronto entre mas de 100 publicaciones existentes en Bs As y demuestra desde el
principio un gran interés por desarrollar la caricatura y la sátira dibujada.
Deja de editarse en 1949 apabullada por un periodismo mas joven y dinámico.

1944 --- Aparición de la revista Arturo.

Hay dos hechos que ayudan a comprender los comienzos de Diseño gráfico en la Argentina.
El primero es el golpe revolucionario del 4 de Junio de 1943, que marca el comienzo del Peronismo.
Y el otro el fin de la segunda Guerra Mundial en 1945.
Ambos acontecimientos dan origen a cambios significativos en el país.

1945 --- la universidad se vuelca al antiperonismo. El final de la guerra permite nuevamente el

reencuentro cultural con Europa en primer término y luego con los EEUU.

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1948 --- clima represivo de corte fascista.
El diseño gráfico, tanto en nuestro país, como en el mundo occidental, su desarrolla esta integrado a
la tecnología, la arquitectura, el diseño industrial, la pintura, la escultura e incluso la música y la
poesía.
En Argentina la definición del diseño gráfico no se define a partir de las agencias de publicidad, sino
justamente a partir de la arquitectura, el diseño industrial y la pintura moderna.
No existía el diseño gráfico sino el arte publicitario, un arte realizado a veces con gran dignidad y
efectividad, pero sin conciencia de su proximidad al diseño.

1948 ----- Maldonado vuelve de su primer viaje a Europa donde había establecido contacto con los
representantes
europeos del arte concreto de la arquitectura moderna y del diseño: Van de Velde, Max Bill, Richard
Lhose, el
Bauhaus y sus componentes, Carlo Vivarelli y decenas de otras personalidades del movimiento
moderno comienzan a perfilarse y a ser tema de discusión.
El grupo de interesados se agranda . Es el momento en que Maldonado comienza a perfilarse como
pintor concreto, como educador y como diseñador.
La casa de Maldonado se convierte en un centro de reuniones en donde se discuten, polemizan y
mencionan por primera vez términos como: artes visuales, espacio, diseño industrial, etc.
Maldonado vuelve de su viaje cargado de plomos, familias tipográficas, y totalmente rapado.
La nueva tipografía generada en el Bauhaus por Molí-Nagy y Herbert Bayer y continuada por Max Bill
se introduce en Argentina.
La inexistente bibliografía sobre el tea se incrementa con el contacto con “telehor” de Molí-Nagy ---
pieza esencial que abrió campos inusitados en el lenguaje de la visión --- con “La nueva tipografía” de
Jan Tschichold, con el artículo “Ubre Tipographie” de Max Bill, con los catálogos de las exposiciones
de arte en Suiza e Italia, con el movimiento De Stijl, con Mondrian, con el constructivismo y el
suprematismo rusos, etc.

En el Taller, Maldonado se arremanga y aprende el oficio de tipógrafo. De ese mismo taller sale el
catálogo de la exposición “Arquitectura y Urbanismo de Nuestro Tiempo, de abril de 1949.
Po primera vez se presentan en forma ordenada obras de Le Corbusier y Paul Nelson.
La exposición fue concebida con real criterio de diseño y, nuevamente, Maldonado contribuyó a su
concreción dentro de la gran línea de exposiciones derivada de la experiencia Buahausiana.

En este clima se fue gestando el diseño grafico de Ciclo Nº 1 y Nº 2.

1948 --- Aparece la revista Ciclo --- uno de los acontecimientos fundamentales de diseño en
Argentina.
--- Exposición “ Nuevas Realidades” en la galería Van Riel de Bs As.
Esta exposición sintetiza y polariza la nueva ideología, anticipando de alguna manera la unificación
de las artes visuales y su confraternización con el diseño y la arquitectura.
Los expositores son 28, y entre ellos hay pintores, escultores y arquitectos.
La muestra plantea la no figuración y la madurez del arte concreto, contrapuesto al arte abstracto y a
algunas otras manifestaciones encuadradas en la no figuración.
Se crea un esquema coherente que es absorbido prontamente por un grupo de artistas, arquitectos,
estudiantes e intelectuales.
1948 --- El húngaro Tomás Gonda llega a la Argentina y trabaja en diseño hasta 1956. Hace gráfica
para laboratorios.
En el ´56 se va a ULM, junto a Maldonado.
La revista “Ciclo”, de solo dos números (1948 y 1949), fue fundada por el crítico de arte Aldo
Pellegrini.
Tomás Maldonado fue el diseñador gráfico y se convierte en el impulsor de una parte definitiva del
contenido de “Ciclo”. Los autores y los artículos presentados presentados en ella brindan un definido
panorama de la literatura, la poesía, el arte y el pensamiento contemporáneos.

La reproducción del diseño gráfico en nuestro país tiene sus primeras manifestaciones a través de
las siguientes expresiones culturales:
Es un documento capital para ubicarnos con claridad en el diseño gráfico argentino.
- El primer fragmento en castellano publicado publicado en Latinoamérica del “Trópico de
Capricornio” de Henry Miller apareció en la revista.

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- La primera traducción castellana de Molí-Nagy en América y en España fue la famosa carta a
Kalivoda reproducida en la revista.
- La primera versión castellana de Mondiran también pertenece a esta revista.

El diseño gráfico de Ciclo Nº 1 es básico y elemental: el formato de revista esta basado en las
normas DIN, la disposición gráfica es rigurosa, la tipografía aún bastarda, aunque sin duda la mejor
dentro de las posibilidades del momento.

En el diseño gráfico de Ciclo Nº 2 se introducen cambios: Alfredo Hlito colabora con Maldonado en el
aspecto gráfico, la tipografía de la tapa se define, se utilizan los tipos traídos por el mismo
Maldonado, hay mas rigor y control.

El diseño gráfico en argentina tiende a asignar a los años ‟48 y ‟49 un papel de gran importancia y a
ubicar el diseño en ese momento en el campo del mismo diseño total. Maldonado decía: “No hay
duda de que el diseño representa, por el momento el modo mas inmediato, mas social de manifestar
lo que se ha llamado “la nueva visión” que comprende la totalidad de las actividades artísticas o no”.
Se van sumando en los próximos años catálogos, afiches y una serie de piezas de comunicación
directa.

Los paneles realizados por Maldonado y Hlito en la exposición del Plan Regulador de la ciudad de Bs
As, en plaza Italia, año 1949, trabajo equiparable a los realizados por Moholy-Nagy y Bayer en la
época post Bauhausiana.
1950 --- revista "Rico Tipo" . Petiteros, porteñismo. Divito, lleva a Osky.
1951 --- Aparece “La Nueva Visión” hasta 1958 ( ya Maldonado en ULM)
---- acontecimiento cultural que tiene mucho que ver con el futuro del diseño y la arquitectura en
general y con el diseño gráfico en particular --- revista de cultura visual. Esta era un viejo proyecto y
ambición de Maldonado.
Maldonado, Hlito y Méndez Mosquera, fundaron y produjeron materialmente la revista.
El número 1 es una pieza que si bien es gráficamente revolucionaria, se aparta del espíritu de
síntesis y elementalidad de todos los trabajos y gráfico anteriores. Mendez Mosquera ayudante.
Es una apertura indudable dentro del panorama del diseño argentino.
1956 --- deja de aparecer la revista --- en 4 años parecieron 9 números
La importancia del efecto cultural de La Nueva Visión llevaría muchas páginas.
Fue sin lugar a dudas el mayor aporte en el campo de la teoría de la arquitectura y el diseño gráfico
de la época.

1951-1955 --- surgen otros gráficos unidos directa o indirectamente al grupo inicial.
1952 ---- El grupo de artistas modernos de Argentina produce una exposición en la galería Viau de
Bs As, cuyo montaje esta a cargo de Maldonado y Miguel Ocampo.
Tomás Gonda comienza a trabajar como gráfico produciendo en la agencia Ricardo De Luca trabajos
renovadores, entre los que se cuentan los rediseños del símbolo de Aerolíneas Argentinas, realiza
también afiches y distintas piezas gráficas como diseñador independiente.

1954 --- Maldonado se va a Ulm.

1955 - Se fundan las editoriales: Nueva Visión e Infinito. La labor editorial de ambas se mantiene
hasta hoy en día. Ha cubierto en forma casi exclusiva , el campo de la teoría y la arquitectura y el
diseño en América Latina y España. Pero además, la aparición de estas dos editoriales, de carácter
tan específico, posibilitó la difusión de libros diseñados con un criterio gráfico maduro, renovador y
pionero.

Introducir en la Argentina las nuevas ideas del diseño gráfico internacional no fue tarea fácil.
La caída de Perón en 1955 significó una nueva apertura.

1961-1964 ---- Fue una época saludable donde comenzaron a verse y a competir en el diseño de
la comunicación algunas agencias publicitarias, que ya iban comprendiendo que la tarea que
desarrollaban tenía un profundo sentido profesional y que la comunicación era una técnica y una
ciencia.
1961 --- El arquitecto Poyard es llamado por el empresario Guido Di Tella para crear una agencia
que atendiera toda la publicidad del holding Siam. ---- Nace Agens.
Se crea el Centro de Artes Visuales del Instituto Di Tella, que aporta una imagen renovadora en el
campo del diseño. La figura mas importante del centro fue Juan Carlos Distéfano. --- Verdadero
creador, y su tarea gráfica evidencia a través de las publicaciones del instituto.

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 1962 --- Mendez Mosquera Asume la reorganización de Agens --- etapa de madurez que se tradujo
en trabajos de alto nivel profesional. Gonzalez Ruiz y Ronald Shakespear fueron sin duda los gráficos
de mayor nivel que tuvo Agens
1966 --- Revista Tía Vicenta (Landrú)
Hoy en día, la labor individual de los diseñadores gráficos argentinos ha excedido los límites del país. La
obra del arquitecto González Ruiz y otros ha sido publicada en numerosas revistas internacionales.
1963 --- Revista Summa, creada por mendez Mosquera

La existencia de una primera década de iniciación (48-58) y una segunda década de concreción donde el
grupo de diseñadores gráficos se amplía y afirma.

De ese caudal inicial de diseñadores e ideas surgen 3 vertientes que acentuarán el proceso:

1 - La primera vertiente aparece después de 1955 y tiene su campo operativo en la facultad de

Arquitectura de Bs As donde profesores como Mendez Mosquera, Onetto, y otros, eran los
encargados de demostrar, a través de la formación de nuevos arquitectos que las semillas del
Bauhaus habían germinado en Bs As y se iban a expandir posteriormente por Argentina.
2 - La segunda vertiente nace de los mismos medios publicitarios y se asocia el intento de trasladar
nuevos conceptos a los mensajes comerciales con un criterio orgánico
En 1960, Maldonado y Gonda se van a Ulm a continuar con una tarea que alcanzará posteriormente
relieve internacional.
3- La tercera corriente esta integrada por una grupo de diseñadores gráficos independientes de fuerte
influencia plástica. Fueron depositarios de la lucha contra el conformismo.
Ya en la década del ‟70 estas tres vertientes se reunieron en un cauce en común.
El grupo Onda incorporó el audiovisual a los medios expresivos en un espectáculo organizado para
Shell.

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