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EN EL ARTE CONCEPTUAL
CATALÁN:
Un estudio para su conservación
y restauración
Tesinanta:
Ruth del Fresno Guillem
Tutoras:
Dña Rosario Llamas Pacheco
Dña Pilar Parcerisas Colomer
RESÚMENES
CASTELLANO
RESUMEN
En el siguiente trabajo de investigación se presentan los pasos dados para el inicio de lo que
pretende ser un trabajo de investigación mayor. Como su título indica trata de la Restauración y
Conservación del Arte de Acción y Performance en el Arte Conceptual Catalán. Nos situamos en
La Catalunya de finales del Franquismo en los albores de la democracia.
El Accionismo y la Performance son una disciplina artística muy especial por su carácter efímero
y desmaterializado, algo que para la conservación plantea unos retos muy interesantes.
Tres son los artistas que han participado en esta investigación: Àngels Ribé, Francesc Torres y
Vicenç Viaplana. Muy distintos entre ellos y con recorridos muy diferenciados.
La investigación sólo muestra una pequeña parte de lo que se podría presentar, ya que los tres
artistas escogidos para el trabajo son sólo una selección representativa. Con ello se ha pretendi-
do plantear una serie de problemas a los que la restauración de arte contemporáneo se enfrenta.
Se han planteado unos objetivos muy claros entre los que destacamos el análisis y la identifica-
ción de los posibles factores de deterioro y riesgo para la conservación de las manifestaciones
artísticas que engloban el estudio.
No sólo hemos tratado el tema desde la perspectiva de la creación, sino también desde los ges-
tores que manipulan y cuidan este patrimonio, los cuales nos han planteado y descubierto que
la restauración de arte contemporáneo se debe plantear desde parámetros muy distintos a la
restauración tradicional.
RESUMEN
Al Següent treball d’investigació es presenten als passos donats al inici del qie vol ser un treball
d’investigació més gran. Com indica el seu títol, tracta de la Resaturació-Conservació de l’Art
d’Acció i Performance a l’Art Conceptual Català. Ens sitúeme a la Catalunya de finals del Fran-
quisme als albors de la democràcia.
L’Accionisme i la Performance són una disciplina artística molt especial pel seu carácter efímer i
desmaterialitzat, quelcom que per la conservación-restauració planteja uns reptes molt interes-
sants.
Tres són els artistes que han participat a aquesta investigación: Àngels Ribé, Francesc Torres i
Vicenç Viaplana. Molt diferents entre ells i amb recorreguts molt diferentciats.
La investigación només mostra una petita part del que es podria presentar, ja que els artistes
escollits per al treball són només una selección representativa. S’ha volgut plantejar amb això,
una sèrie de problemas, als que la Conservació-restauració d’art contemporani, s’enfrenta. S’ha
palntejat uns objectius molt clars, dels quals destaquem l’ànalisi i la identificació dels posibles
factors de deteriorament i risc per a la conservació de les manifestacions artístiques que englo-
ben l’estudi.
No sols hem tractat el tema des de la perspectiva de la creació, sinó també des dels gestors que
manipulen i cuiden este patrimoni, els quals ens han plantejat i descobert que la restauració d’art
contemporani s’ha de plantejar des de paràmetres molt diferents de la restauració tradicional.
ABSTRACT
The following research paper introduce the steps given from the beginning of what it aims to be
a investigation project.
Action and performance art on catalan conceptual art is the Restoration and Conservation of the
art at the end of the Franco era and the sunrise of democracy.
Actionism and Performance are a very special artistic discipline because of its ephemeral and
dematerialized character, something that for conservation is a very interesting challenge from the
conservation point of view.
There are three artists who participated in this research: Àngels Ribe, Francesc Torres and Vi-
cenc Viaplana. They are all very different, both in their styles and in their perception of art.
The research only shows a small portion of what it could be presented because these chosen are
only a representative selection. It’s been an attempt to tackle a number of problems that restora-
tion of contemporary art is facing.
Among the raised goals we emphasize the analysis and identification of potential deterioration
factors and risks for the conservation of the artistic manifestations that encompass the project.
We have not only dealt with the topic from the perspective of the creation, but also from the
curators’ view who help us to realize that restoration of contemporary art should be raised from
parameters very different from the traditional restoration.
The research is based on the theory extracted from the research literature but above all it gives
more importance to the analysis than the practical part has given us.
The direct work with the artists who created these performances, either by visiting them, inter-
viewing, enabling them to become sharers of our steps, and sharing with them our conclusions,
has been one of the main pillars of our working methodology.
ÍNDICE
ÍNDICE
Resúmenes
Introducción.............................................................................................................................10
Justificación, Antecedentes, Estado de la cuestión.................................................................12
Objetivos..................................................................................................................................15
Metodología.............................................................................................................................17
Capítulo 3.- Estudio directo de las fuentes para una mejor Conservación-restauración.
Artistas y gestores culturales...................................................................................................29
3.1. Entrevistas...........................................................................................................29
3.2. Estudio y análisis para la toma de decisiones conservativas
en la artista Àngels Ribé............................................................................................31
3.3. Estudio y análisis para la toma de decisiones
del artista Francesc Torres..........................................................................................43
3.4. Descripción de las acciones del artista Vicenç Viaplana
y análisis conservativo de las mismas........................................................................51
INTRODUCCIÓN
A finales del S. XIX se generaron las semillas que germinaron con el tiempo y las circunstancias
de nuestra humanidad. El S. XX ha sido, siglo plagado de Guerras, cambios sociales,
descubrimientos científicos, técnicos y nuevas corrientes ideológicas y de pensamiento hace
que el hombre se transforme o mejor dicho que el hombre transformado quiera tomar las
riendas de su “modus vivendi”.
El arte, como en todos los períodos, no puede permanecer al margen de estos cambios
y metamorfosis. El arte, vuelve a estar más ligado a los primitivos sentidos de magia y
necesidad expresiva. Es un modo de participación en la historia que en el fondo retorna a
sus orígenes y en ese retorno a lo más humano pasa por todos los caminos posibles.
Las ansias de cambio contagian a los lenguajes expresivos y la búsqueda de nuevos modos
hace necesario en el arte el uso de nuevos materiales, en un principio materiales tradicionales
aplicados a procesos creativos tradicionales como la pintura o la escultura, pero reformulados
por los avances de la ciencia y la tecnología, como los nuevos pigmentos industriales, los
textiles de producción masiva… pero es el pensamiento el verdadero cambio revolucionario.
Es lo no tangible lo que transforma las raíces del arte y ese cambio empieza con lo que se
han denominado “los ismos”.
Poco a poco liberando al artista en algunos planos como la Academia y los Salones y
llevándolo a la producción por necesidad expresiva; algo, que ya los primitivos expresaban
sin tapujos.
Es el salto a la idea, la que con M. Duchamp llega a su plena madurez y que hará que a partir
de ese momento, todo lo que el artista quiera o desee que sea arte, se convierta en arte.
Tanto si el público lo acepta como si no lo acepta, el mundo del arte amplía sus fronteras y ya
no se podrá hablar nunca más de Arquitectura, Escultura y Pintura, sino de Artes plásticas,
Artes expresivas, o simplemente Arte.
creadores.
Tiene a su favor, que no es su papel definir lo que es Arte o no lo es. A sus manos, llega ya
la necesidad de conservar algo que previamente ha sido definido como arte y aceptado por
el mercado, el tiempo y las instituciones. Es en este punto, donde queda claro que no vamos
a discutir sobre la necesidad de la Acción como forma expresiva, ni sobre la necesidad
de preservar su existencia. Tan sólo plantearnos, cómo abordar tan difícil hazaña, la de
conservar la acción y performance surgida en un momento de revolución ideológica muy
potente y en una zona geográfica muy concreta.
Ante nuestros ojos pasan todos los días manifestaciones artísticas que no entran en los
parámetros que hemos aprendido sobre arte tradicional. Nuestros objetivos, a la hora de
preservar el patrimonio, no pueden ser menos claros e investigados que cuando trabajamos
con manifestaciones tradicionalmente englobadas en el Suma Artis.
No por ello, renegamos de los tan importantes conocimientos que hemos adquirido en el
estudio de la profesión. Los métodos científicos que en constante revisión y actualización,
nos ofrecen herramientas también útiles para estas nuevas “circunstancias” patrimoniales.
Sistemas de limpieza, Conservación preventiva, Análisis químicos, Reposiciones de
faltantes… todo ello necesario para ejercer en plenitud.
Pero, debemos hacer una revisión humilde de lo que nuestra profesión pretende ante la real
situación de nuestro tiempo.
De las manifestaciones artísticas que se han producido bajo diferentes parámetros, de las
manifestaciones en las que sus creadores todavía pueden informarnos y por lo tanto darnos
nuevas visiones y revisiones a nuestro trabajo. No podemos dejar de lado elementos tan
importantes como el conocimiento de las Leyes de Patrimonio Cultural de índole estatal
y autonómica. La Ley de propiedad intelectual y alguna otra más que serán casi más
importantes que algunos de los conocimientos técnicos adquiridos.
Conocimientos tan dispares como la legalidad del uso de algunas sustancias en ambientes
públicos o normativas internas locales pueden condicionar tanto nuestro trabajo que haga que
entren en conflicto las necesidades conservativas de obras de arte actual con necesidades
de cumplimiento sostenible.
Ante esta situación, nos planteamos una humilde aproximación a una ínfima parte de la
cuestión. Con la intención de preservar, continuar y por qué no decirlo, abrillantar, algunas
de las producciones artísticas realizadas en los últimos años de “no democracia” de nuestro
país y los primeros años de pseudo-libertad expresiva.
El motor de esta investigación, las causas que lo justifican, son inicialmente la necesidad que
surge al reconocer un arte olvidado, reconocer las necesidades de un arte no matérico que
forma, incluso a pesar de algunos, parte de nuestro patrimonio. Una manera de hacer que
ha sido claramente reconocida anticipadamente a nuestro país fuera de nuestras fronteras,
por el paso del tiempo.
Con nuestro estudio, esperamos contribuir a continuar y generar una suma en pro de la
conservación de toda forma artística, experimental o tradicional ya que igual que nosotros
sabemos ver y beber de las fuentes tradicionales, es posible y probable que alguna de
nuestras aportaciones puedan ser beneficiosas para las disciplinas del arte más tradicional
sea contemporáneo o antiguo.
Ante las manifestaciones artísticas que nos ocupan en el estudio, hemos tenido que revisar
estos puntos. Los criterios de actuación tradicionales no nos son válidos. Creemos posible que
los nuevos criterios que se plantea la Restauración-Conservación de Arte Contemporáneo sea
igualmente útil para que los procedimientos de Restauración-Conservación de Arte Tradicional
y se plantee la posibilidad de utilizarlos para minimizar el excesivo intervencionismo que se
ha dado en el arte tradicional, donde también imperaba una idea, un concepto, una liturgia
que el tiempo y la historia y sobre todo el hombre ha aniquilado o manipulado.
El Estado de la cuestión.
Tras haber pasado casi cuarenta años desde el surgimiento de estas manifestaciones, y
tan sólo veinte de su pleno reconocimiento y aceptación en la historiografía; sigue siendo un
tema de especial interés y atención para todos aquellos implicados en las artes visuales, eso
también incluye a los Conservadores-Restauradores.
Los propios artistas entrevistados en este trabajo nos plantean la desaparición total de
1 ROTAECHE GONZÁLEZ de UBIETA, Mikel. Conservación y restauración de materiales contemporáneos y nuevas
tecnologías. Madrid: Editorial Síntesis, S.A., 2011. ISBN: 978-84-975672-9-9.
2 PARCERISAS, Pilar. Conceptualismo(s) poéticos, políticos y periféricos en torno al arte conceptual en España, 1964-
1980. Madrid: Ediciones Akal, S.A. 2007. ISBN: 978-84-460-2373-9.
JUSTIFICACIÓN, ANTECEDENTES, ESTADO
Es por todo ello y por muchas más razones que se manifestarán en la lectura de la presente
investigación por las que está justificada la presentación hoy de este trabajo para el arte que
todavía se está escribiendo, aunque ya necesite de nuestra mano para seguir reluciente.
3 La obsolescencia va a ser uno de los grandes problemas conservativos para las manifestaciones artísticas del arte
contemporáneo. Y puede considerarse una causa importante de pérdida de parte del patrimonio, un nuevo agente de
deterioro.
OBJETIVOS
OBJETIVOS
Antes de empezar cualquier investigación es importante tener claro los objetivos que marcan
el estudio. En ocasiones durante el recorrido descubrimos el calibre de su importancia. Los
que aquí presentamos son los que nos marcamos y los que hemos cumplido.
Analizar qué factores determinaron la aparición del lenguaje creativo que dio lugar al
Arte de Acción y al Conceptual Catalán. Estudiando las necesidades expresivas surgidas
de un contexto histórico concreto con unas especificaciones zonales que le llevaron a ser
diferente de las manifestaciones catalogadas bajo el mismo nombre de Arte Conceptual. El
Efecto Diferencial. Un Arte de Acción que a diferencia de los “otros” en muchos casos tenía
un claro carácter politizado.
Identificar las posibles causas de riesgo de pérdida del Accionismo del Arte Conceptual.
Clasificar cuáles fueron los principales motivos por los que el Arte Conceptual estaba
amenazado de “ruina”: determinar cuáles son las “lagunas” más evidentes y qué ha causado
este “estado de deterioro”. Clasificar los problemas.
METODOLOGÍA
Para que una investigación pueda ser exitosa es primordial tener una buena metodología y
aplicarla. En esta investigación ha consistido en Extracción de información bibliográfica
especializada en Teoría del arte, Arte Contemporáneo, conservación-restauración del período
investigado. Con la intención de realizar un recorrido histórico.
Se elaboró un Cuestionario Base4 para entrevistar a los artistas escogidos para el estudio
práctico. Con intención de realizar variantes para adaptarlo al tema de estudio. Va desde
preguntas muy amplias, (para entrar en contacto con el entrevistado) hasta preguntas
más concretas. Nos gustaría remarcar la importancia del esfuerzo que supuso tener que
desplazarse hasta los artistas (fuentes directas), coordinarlas y conseguir con satisfacción
los resultados que se buscaban5.
Hubo Búsqueda y elección de candidatos para formar parte del estudio práctico, entre
artistas representativos del movimiento artístico y disciplina a tratar en la temática de estudio:
artistas con posiciones distintas para que el estudio tenga mayor interés.
Para mayor contraste, entrevista a Gestores Culturales que gestionan estas obras.6
4 Éste se elaboró según el modelo del ICN (Netherland Institute for Cultural Heritage).
5 Se realizan las entrevistas de modo que no sea una lista de preguntas, sino una conversación fluida donde se pueda
conseguir un mejor ambiente y una mayor complicidad para así llegar mejor a la información necesaria.
6 Se entrevistó a una comisaria y a la restauradora del Macba.
CAPÍTULO 1
ORÍGENES
Los cambios en el mundo afectaron al arte como disciplina sensible a todo. El S. XX, siglo
de cambios, heredero de las revoluciones del S. XIX, está lleno de movimientos y escuelas
artísticas que nacen unas para desbancar a las anteriores. La velocidad de los sucesos se
acelera y acostumbrados a los períodos de más de un siglo del arte tradicional pasamos a
los períodos de cambios estilísticos (ismos) que duran décadas, para los movimientos más
longevos en el siglo XX y períodos de bienales, en la actualidad… donde es difícil hablar de
tendencias.
Tras las experimentaciones con los pigmentos y la velocidad de la luz, el uso de las estéticas
primitivas y la búsqueda desesperada por la verdadera manifestación de arte, llegamos a su
liberación en periodo de Guerra.
El antecedente directo del Conceptualismo, nace en Marcel Duchamp, en 1914 con su primer
Ready–made: un botellero. Los Ready-made eran objetos que ascendían a la categoría de
obras de arte por el mero hecho de haber sido seleccionados por el artista, la intencionalidad.
Esto es un cambio que M. Duchamp a porta al mundo de la creación y ya no se olvidará.
Se trataba de hacer la realidad misma, Arte. En cuanto a materialidad, éste es el momento
más radical e importante en el cambio que nos atañe a los conservadores-restauradores, a
partir de este momento, cualquier objeto, cualquier elemento, cualquier material puede ser o
formar parte de una obra de arte. M. Duchamp deshizo el binomio: “trabajo artesanal y obra
de arte” y lo que es más concreto para el conservador, M. Duchamp pone de manifiesto que
es el concepto el que domina la materia.
El botellero 1914-19648
La II Guerra Mundial, cambia los escenarios pero traslada a los personajes… los artistas
que sobreviven a los horrores de la guerra se trasladan a EE.UU. y liberados de los viejos
conceptos encuentran nuevas tecnologías y nuevos sentidos. El auge de las nuevas técnicas
del psicoanálisis y los avances en física atómica hacen mella en la sociedad americana y la
necesidad de expresión y de afianzamiento del individuo lleva a artistas como Jackson Pollock
a romper con lo que les queda, vencen la concepción espacial de la pintura y alcanzan un
terreno expresivo más libre y personal, conquistan el lienzo y su tamaño. Pero lo que aporta
como paso e influencia el Expresionismo Abstracto es la importancia que sus artistas le dan
al proceso de creación en sí mismo, encuentran más sugerente la acción de crear que la
propia obra. El Minimalismo ofrece el purismo, el valor del material en sí mismo, refuerza
la idea de M. Duchamp de la mínima intervención manual por parte del artista y amplia las
concepciones espaciales, el siguiente paso era inevitable: la pérdida total del objeto.
El proceso de desmaterialización (término acuñado por Lucy R. Lippard)9 o el paso del arte
a la idea (Robert C. Morgan)10 son las características fundamentales para el cimiento de un
nuevo modo de expresarse, un modo que englobará muchos submodos y que será el punto
de partida del arte contemporáneo propiamente dicho. El Conceptualismo cuesta de englobar
como un movimiento único, con unos estatutos y unas características expresivas por que si
Duchamp amplió la materialidad del arte y sus capacidades, son los conceptualistas los que
La idea común a todas las manifestaciones artísticas que englobará el Conceptualismo será
la renuncia al objeto único y precioso que era la obra de arte, un objeto de lujo destinado a
una élite socio-cultural excluyente. Dan el protagonismo absoluto a las ideas y a las acciones
efímeras. Todo esto sería lo que precede en la Historia del Arte pero resulta paradójico que
aun siendo el motor de los acontecimientos, para el tema que nos ocupa, todo esto era un
desconocido paseante.
España era en ese momento un lugar muy aislado a los acontecimientos del mundo artístico
y lo que se ha dado por llamar Arte Conceptual surgió como una poética pobre en reacción
a su contexto.
P. Parcerisas nos ubica en un contexto especial y lo define perfectamente para que entendamos
que se trata de algo diferente, de algo surgido de unas necesidades particulares, con unas
influencias concretas y unos modos expresivos muy amplios:
11 PARCERISAS, Pilar. “A l’altra banda del mur”. En: Idees i actituds.Entorn de l’art Conceptual a Catalunya, 1964-
1980… Barcelona: Generalitat de Catalunya. Departament de Cultura, 1992. p. 16. Dipòsit Legal: B.6621-92.
CAPÍTULO 1
ORÍGENES
de las ideas…12 lo sitúa en EE.UU., Europa, Australia y Asia. Eso nos da un extenso territorio
de actuación ya que las ideas son fáciles de transportar, no requieren embalajes específicos
ni tienen problemas de aduanas. Pero no es cierto que se manifieste del mismo modo ni
que la utopia ideológica de Lippard se concrete como un arte que no entre en el círculo del
mercado. Será un arte surgido en una época contestataria, con artistas que quieren ser
liberados del status del objeto y que reivindica la importancia secundaria de la materia, de
poca entidad, efímera, barata, sin pretensiones y/o desmaterializada. Encontramos grupos
como Art&Language, Rosario (Latinoamérica), Fluxus (Europa), Ultraconceptual (EE.UU.)
que surgen con sus particularidades pero siguiendo las ideas que Lippard apunta. Todos
tienen sus protocolos y sus parámetros específicos pero les caracteriza la reivindicación de la
desmaterialización como forma de liberación ante el mercado del arte. Lo efímero se convierte
en algo intrínseco a la manera de hacer arte y esto lleva a manifestaciones espontáneas
donde la acción tiene que llegar por su propio peso. Para Lippard es muy importante el arte
que se manifiesta a través del lenguaje y éste como transmisor de ideas. Reivindicaciones
como la libertad o el feminismo están ligadas a los protoconceptuales. Algunos artistas
provenientes del Minimalismo optan por hacer tabla rasa y destruyen las obras que realizaron
antes de creer en el Conceptualismo. Ejemplo de ello es John Baldessari que en 1970 quemó
toda su producción fechada desde 1953 hasta 1966. Como acaba diciendo Lucy R. Lippard:
“la escapada fue temporal. El arte volvió a ser atrapado y enviado a su celda de oro,
pero la libertad condicional es siempre una posibilidad”13.
Estos síntomas plantean nuevos retos, un arte que se basa en la idea, en el concepto, que
plantea al conservador-restaurador el reto de conservar-restaurar el proceso, el momento,
la idea, una materia intangible, unos medios que no son los establecidos y aunque el arte
contemporáneo tarda en entrar en el círculo de lo comercializable y lo patrimonializable,
siempre acaba llegando. Surgen entonces a raíz de estos movimientos unos retos casi
insospechados para el conservador. Conservar lo que no existe, conservar la no materia,
conservar el proceso…
Performance: “Es el arte que combina el tiempo y el espacio con la presencia de un público
que no es un mero espectador sino que también participa en la acción… es una situación
polimorfa que se crea en un momento dado; que empieza y nunca se sabe cómo se va a
desarrollar”. Esther Ferrer.14
El Happening: “Es una forma abierta sin inicio, mitad o fin estructurados. Pero no es de
ninguna manera improvisación. Se prepara el guión y se formula la idea de la acción aunque
los matices se reserven para el autor. También el factor tiempo ocupa un papel determinante.
12 LIPPARD, R. L. Op. Cit. (pàg. 6)
13 LIPPARD, R. L. Op. Cit. (pàg. 28)
14 LAFONT, Isabel. “Toda una “performance” de premio”. En El País.com, Cultura. Madrid, 22-11-2008. http://www.
elpais.com/articulo/cultura/Toda/performance/premio/elpepucul/20081122elpepicul_2/Tes (16-6-
2011)
CAPÍTULO 1
ORÍGENES
Según Juan Pablo Hertz, El arte de acción, como práctica específica y/o como recurso técnico/
expresivo a disposición de las más variadas propuestas poéticas, tiene ya más de medio siglo
de historia; sus modelos fundamentales quedaron establecidos ya desde los años cincuenta
en el ámbito americano (happening y performance) y europeo (situacionismo y accionismo).
En sus orígenes, la práctica accionista compartió con el arte de los procesos (processual art),
el del cuerpo (body art) y el de la tierra (land art, earth works) un marco estratégico común en
el que el objetivo de la actividad artística no se orientaba a la producción de objetos sino a la
transformación del entorno físico y social.
La idea de performance la encontramos vinculada a todos aquellos movimientos que quieren
ensanchar la idea de Arte. Se busca el origen del arte de acción en los trabajos pedagógicos
de J. Cage y M. Cunningham en el Black Mountain College en 1948. (Hay que reseñar la
importancia que supondrá la figura de Cage para el arte desarrollado por el grupo Zaj (grupo
homólogo y vinculado eventual pero genuinamente a Fluxus) y por artistas como C. Santos.
Importantes figuras de Acción o arte preformativo). Otro momento a destacar es la figura
de A. Kaprow con sus 18 happenings en 6 parts celebrado en 1959, NY, donde ponía en
práctica lo que había aprendido de Cage y reconocía el Happening como la solución al Action
Paintting de Pollock.
Variations V (1965), John Cage, (Merce Cunningham, Barbara Lloyd, John Cage, David Tudor, Mumma).17
15 VAN DE PAS, Annemieke. “1964-1980. Moments d’acció en les trajectòries dels artistes catalans”. En: AA.VV. Idees
i Actituds. Entorn de l’art conceptual a Catalunya, 1964-1980…Barcelona. 1992. (pp. 55-60). Depòsit legal: B.6621-92.
16 VAN DE PAS, Annemieke. (Ibidem)
17 http://esperanzacollado.org/paracinema/notestowards.html [fecha de consulta 13-7-2011]
CAPÍTULO 1
ORÍGENES
En Europa es todo más híbrido, lo hace así su clara preocupación por la parte teórica del arte
en contraposición de la práctica (típicamente americana). El Accionismo Vienés, claramente
escorado hacia el arte del cuerpo; el resto de manifestaciones se pueden encontrar
entreveradas en movimientos de poéticas tan dispares como los Nouveaux Réalistes, en los
eventos de Yves Klein o como en los, teóricamente formalistas BMPT, en ciertas acciones
callejeras de Daniel Buren. Los Situacionistas como un discurso meramente de creación de
situaciones, entendían este complejo protocolo como el instrumento revolucionario capaz de
intervenir, desviar o desbaratar las formas de la vida cotidiana.
En Cataluña encontramos referenciada la aparición del arte de Acción como algo espontáneo,
surgido de unas necesidades personales más que una disciplina teórica.
En las entrevistas realizadas se deduce este carácter experimental de los artistas más como
una necesidad expresiva que surge en su mayoría de la experimentación propia de los
artistas autodidactas. Muchos artistas conocieron momentos de acción al principio de su
carrera, la acción es un elemento vital y transgresor. El ambiente que rodea las acciones
estimuló los procesos de comunicación directa en la escena de las nuevas generaciones
artísticas y les obligó a tomar una posición moral delante de una serie de hechos culturales
surgidos en el país y fuera del mismo. Surgió el Grup de Treball, que por sus planteamientos
críticos e ideológicos fue una de las experiencias artísticas más interesantes del momento.
A este grupo se unieron figuras del mundo de la cultura en general. Se puede considerar a
Antoni Mercader como el teórico del Grup de Treball, publicó su manifiesto “Compromís” en
el catálogo de la novena bienal de París de 1975, donde se establecían todos los puntos del
grupo y su metodología de trabajo.
18 HERTZ, Juan Pablo. “Arte de Acción y performatividad” [fecha de consulta 13-6-2011] disponible en: http://arte-
sescenicas.uclm.es/index.php?sec=texto&id=249&PHPSESSID=43834b26f2c81f3f0368ac8fbd
408b44
CAPÍTULO 1
ORÍGENES
“Entre las individualidades que entre 1969 i 1980 han practicado la acción y la
Performance más incidentalmente y sin manifestar una explícita intención de
continuidad en la actualidad, podemos nombrar: Àngels Ribé, Accions al Parc (París,
1969) Studio Works (Chicago, 1973); Luis Utrilla, Laberint Grotesc (Barcelona, 1972)
Experiència Tàctil, Escola Eina (Barcelona, 1972) Fina Miralles, Vol de coloms, Sala
Vinçon (Barcelona, 1973) Dona Arbre, de la serie Translacions (1973) Carlos Pazos,
Conocerle es amarle, Galería G (Barcelona, 1977) Art is delicate (NY, 1977) Ferran
García Sevilla, Oposicions a contraris, Sala del personal de la Caixa de Pensions
(Barcelona, 1975) Federic Amat, Acció U, Sala Vinçon (Barcelona) Grand Palais (París,
1977) Galería Juana Mordó (Madrid) Teatre lliure (Barcelona) Cunningham Studio (NY,
1979) Pere Noguera, Prop de la Terra, Vacamorta (Girona, 1980).
Para acabar cuatro artistas que han mostrado continuidad en sus trabajos performáticos
hasta la actualidad. Jordi Benito y su exclusiva dedicación al Body-art casi siempre
partiendo de un ambiente creado por él mismo basándose en su predisposición a
interpretar temas míticos y místicos que forman parte de la cultura española. Jordi
Cerdà, que en los inicios de los años 70 inició sus acciones-performances (Acción-
homenaje a Fluxus (en equipo), Terrassa, 1972) se especializa en la fotoperformance.
Finalmente, deberíamos citar las acciones de carácter parateatral que parten de una
acción compartida y se alejan de un arte de la Performace más solitario y narcisista.
En este sentido Benet Rossell i Carles H. Mor escogen con humor y total libertad
elementos estilísticos de los recuerdos personales del teatro del absurdo, actos
dadaístas y surrealistas que vienen prácticamente desde finales de los años 70.”19
Serie de imágenes relacionadas con la acción de Jordi Benito, “Acció anul·lació II”, 197320
Las características más destacables de la generación que formó parte de este movimiento
las extraemos de las definiciones que Pilar Parcerisas21 hizo en la primera gran exposición
oficial de este grupo de artistas.
Tuvieron que pasar más de 20 años para que las entidades públicas dedicasen dinero y
esfuerzos al reconocimiento y la aceptación de unas manifestaciones artísticas que optaron
por irse al extranjero o desaparecer ante tanta desidia. Este hecho se puede considerar como
una de las causas que ha dificultado la conservación de las piezas realizadas en el marco de
estas poéticas (los nuevos comportamientos artísticos, como los llama Simón Marchán Fiz)22
21 PARCERISAS, Pilar. “A l’altra banda del mur”. En: AA.VV. Idees i Actituds. Entorn de l’art conceptual a Catalunya,
1964-1980…Barcelona. 1992. (pp.13-23). Depòsit legal: B.6621-92.
22 MARCHAN FIZ, Simón. Del arte objetual al arte de concepto 1960-1972., editor Alberto Corazón. Madrid primera
edición 1972. Ediciones AKAL, S.A. 6ª edición, 1994. ISBN: 978-84-7600-105-9.
23 Término que encontramos referenciado en múltiples ocasiones por Pilar Parcerisas desde los 80.
24 Una vez más esto corrobora la frase que abre el trabajo propia de Antoni Tàpies: “L’art no el fan les tendències, sino
els individus”.
CAPÍTULO 2
ARTE CONCEPTUAL CATALÁN
En las generalidades del arte de acción de ese momento podemos hablar de:
· Un arte ingenuo y de juventud.
· Un arte reivindicativo y transgresor.
· Grupal en muchos casos, en sus inicios, individual más tarde.
· Con pocos medios matéricos.
· Cercano a muchas disciplinas artísticas que se están dando en el resto del mundo:
body-art, Land-art, Accionismo Vienés, Póvera… pero sin ninguna referencia estricta.
· En sus inicios un arte totalmente efímero, sin objetos resultantes ni documentación
gráfica. (Planteada previamente).
El paso de muchos de ellos por el Grup de Treball, les puede influir en la manera de hacer
y es por eso que creemos necesario definir muy someramente alguna de las características
de este grupo:
· Guardan un carácter de resistencia cultural frente al régimen dictatorial.
· Lo integran practicantes de diversos géneros y discursos artísticos.
· Contribuyen a clarificar la función del arte dentro de la sociedad y la trayectoria
seguida por la obra, orientada a su transformación en objeto artístico.
· Cuestionan el enfoque del mercado del arte. Por ello hablan del objeto mercantil como
algo íntimamente ligado a los canales de producción y distribución. Enmarcando sus
propias proposiciones, ideas y conceptos.
· Nada estaba a la venta en sus exposiciones, trascendían el concepto de mercado.
Tienen puntos de coincidencia con Fluxus. Para Maciunas (ideólogo de Fluxus) sus fines
eran sociales y no estéticos, tendían hacia la eliminación progresiva de las “Bellas Artes”
y estaban en contra del objeto de arte en tanto que mercancía sin función. Rechazo a la
obra original abrazando la idea de difundir el arte en la sociedad mediante el múltiple y la
reproducción.25
Les une el hecho común de privilegiar la idea sobre la materia. Se trata de un nuevo
comportamiento artístico y una nueva actitud ante el mundo, ante la vida y ante todo.
(De nuevo nos encontramos con unos parámetros ideológicos que se confrontan con los
tradicionales parámetros de conservación de la materia).
El carácter efímero de estos modos artísticos, potenció la utilización del vídeo y la fotografía
como medios de expresión y documentación de las obras realizadas, pero sólo como eso,
no con la pretensión de que fuesen consideradas obras artísticas en sí mismas. Esto lo
corrobora Francesc Torres en la entrevista que se le hizo el 27 de mayo de 201127. Sin
embargo muchas de las manifestaciones y acontecimientos carecen de soporte documental
y por lo tanto dificulta su estudio y su conservación. En muchos casos hay que enfatizar la
ausencia de objeto artístico, dado que la idea de inmaterialidad es importante sobre todo en
las obras producidas en los 60.
Estos artistas, no pertenecen por tanto a ninguna escuela, más bien uno de sus puntos de
cohesión, es el interés en reflexionar a cerca de la riqueza implícita en la propia experiencia,
lo que los hermana con Fluxus en su propuesta de dibujar la frontera entre el arte y la vida
y detectar la cualidad poética implícita en cualquier hecho cotidiano. Citando a M. Duras
eran “Enfermos de esperanza. Y eso les llevó a tener una actitud de que todo era posible,
despreciando lo fácil, lo previsible”.28
Como materia constitutiva de las obras de arte que forman parte del estudio:
· Todo lo que en la naturaleza se pueda encontrar: viento, agua, fuego, sol, césped…
· El espacio y la luz, los efectos meteorológicos.
· Objetos de uso doméstico como escobas, teléfonos, mesas, sillas, televisores,…
· El propio cuerpo.
· Materiales industriales de uso común: plásticos polivinílico, cintas de algodón,
cuerda, clavos, fotocopias, tóner, película fotográfica…
Podemos establecer las principales patologías como:
· Falta de documentación de las acciones de juventud. (desaparición de la obra)
· Falta de información directa de los artistas ya fallecidos.
26 PARCERISAS, Pilar. (Op. Cit., p-62)
27 Para más información consultar anexo correspondiente a la entrevista de Francesc Torres.
28 Palabras de F. Torres en la grabación del 3er seminario de diálogos con el arte, estéticas críticas. La voz en la
mirada. Arte, Política y (po)ética, Francesc Torres conversa con Antonio Monegal. Director: David Pérez. Fecha de
grabación 10 diciembre de 2008. Valencia, Edita: Editorial de la Universidad Politécnica de Valencia. ISBN: 978-84-
8363-364-9.
CAPÍTULO 2
ARTE CONCEPTUAL CATALÁN
Capítulo 3.- Estudio directo de las fuentes para una mejor Conservación-restauración.
Artistas y gestores culturales
3.1. Entrevistas
Se han utilizado dos tipos de cuestionarios y diversos modos para la práctica de los mismos.
Se entrevistó a los artistas de forma directa, (viajando a Barcelona y Granollers) se registraron
las entrevistas en diferentes soportes (audio, vídeo y fotografía).
El segundo artista entrevistado fue Francesc Torres, fue entrevistado en un lugar público
(cafetería) y la entrevista se registró por medio de grabación de voz y de imagen. El artista
se mostró también muy interesado por el trabajo pese a que era conocedor de este tipo
de disciplina y estaba familiarizado con las entrevistas y los cuestionarios que le plantean
problemas de conservación. Muchas de las cuestiones las trataba desde los inicios de su
producción artística por su modo de trabajo; cosa que agiliza el trabajo del restaurador-
conservador por su manera de hacer metódica y documentada.
La tercera artista, Àngels Ribé, fue entrevistada por Skype, (Internet), lo que ayudó mucho
a poder realizar la entrevista sin necesidad de estar presente. Previamente entrevistadora
y entrevistada se conocieron personalmente en el acto de inauguración de la exposición
de un artista también conceptual (Pere Noguera) lo que sirvió para que la entrevista fuese
tranquila y distendida. La entrevista fue grabada sólo en registro de voz. La artista se mostró
colaboradora e interesada pero consideró que es trabajo del que lo quiere conservar y no del
artista.
El cuestionario base que se les pasó a los artistas partía de una fusión entre el modelo del
ICN (Netherland Institute for Cultural Heritage) con adaptaciones propias buscando fluidez en
la entrevista y ambiente adecuado que se precisa para obtener el mayor número de datos e
información de parte de los artistas.
Tras la entrevista que se le hizo a la artista pudimos corroborar algo que se percibe desde
el principio en cualquier obra de Àngels Ribé. Se trata de obras íntimas y muy maduradas,
sin impulsos a primera o actuaciones sin sentido. Aunque no se muestra partidaria de la
elaboración de un plan metodológico de trabajo, sin pretenderlo lo realiza. Sus acciones y
performances son de carácter individual, con excepciones muy puntuales. Las realizadas
dentro del marco de trabajo del Grup de Treball son obras más que grupales, de una entidad
ideológica fuertemente politizada y esto vale también para Francesc Torres. No son obras
que se realicen en grupo sino que el grupo es una entidad, en el Grup de Treball no existen
los individuos ni las acciones. Es una manera de vivir.
29 DE LA MORA MARTÍ, Laura. Desplazamientos y recorridos a través del Land art en Fina Miralles y Àngels Ribé –en
la década de los setenta-. Tesis doctoral dirigida por: Teresa Cháfer Bixquert. Facultad de Bellas Artes, departamento
de Escultura. Valencia. 2005. Universidad Politécnica de Valencia. (p. 164)
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
muy determinante para hablar de descontextualización en sus acciones, algo que supondría
una interferencia si esas obras se quisiesen rehacer como criterio de restauración.30
En el Land Art el objeto artístico no tenía por qué ser el resultado de una interacción sino
la interacción misma. Desdibujando líneas divisorias como las de hacer y pensar. (¿Cómo
conservamos eso?). Las acciones que realizó en la naturaleza combinaban lugar, situación y
estado atmosférico. Cosa que le da pie a L. de la Mora a clasificarlas como Land Art, a pesar
de que ni Àngels ni la otra artista que aparece en ese estudio, Fina Miralles, se declaran, ni
conocen en profundidad los principios teóricos que engloba este movimiento. Es algo más
relacionado con la intuición y la relación con el entorno. La naturaleza está presente en
muchas de las acciones de Àngels, ello lo afirma en varias ocasiones en la entrevista que
se le hizo.31 Escuma de Sabó (1969) es una acción procesual, consiste en una escultura
blanda y efímera, colocada en el interior del mar, realizada con jabón industrial encapsulado
en una lata, en forma de espuma, alcanza distintas lecturas desde su inicio hasta el proceso
en que desaparece al ser absorbida por el mar. En ella el factor aleatorio está implícito, ya
que su transformación y durabilidad, dependerá de los factores meteorológicos o del propio
oleaje donde se deposite. Esta es una de esas acciones que la mejor conservación que se
le puede hacer es un “dossier” donde se recopile una entrevista detallada a la artista, toda la
documentación gráfica que se pueda recoger, los planos e información de la primera acción y
tras eso perpetuar y curar el espíritu y el concepto de la obra, sería una acción que se podría
volver a reproducir y que siempre sería vigente, no entraría en conflicto. Sólo debe ser hecha
con permiso de la artista y en las condiciones que ella establezca.
“En éste puedes verte pero no tocarte. Metáfora de la situación, en que a veces no
encuentras la solución para tocar al otro. Lo acompañaba cada vez de una forma
30 Remitirse a la entrevista publicada en los anexos, entrevista realizada el 14-6-2011.
31 Op cit nota anterior.
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
Esta obra será rehecha en la próxima exposición de la artista en el MACBA en julio de 2011.
32 Parte de la descripción de la obra fue obtenida de la tesis de DE LA MORA MARTÍ, Laura, op cit. Pp 243-244, con
aportaciones de correcciones por parte de la artista realizadas en consultas vía mail (julio 2011).
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
Otro de los parámetros a conservar es la capacidad abierta de interpretación que debe tenerse
en cuenta en la posible reconstrucción de las acciones de Àngels. Todas las manifestaciones
que ella otorga a sus obras se pueden tomar como criterios de intervención ya que una obra
en esencia desmaterializada y efímera se sustenta por los conceptos que la crearon.
En Àngels Ribé es siempre una característica, la economía de materiales, tanto para sus
acciones como para su obra en general, la austeridad es algo que le motiva y que la define.34
En el estudio realizado por Laura de la Mora encontramos una lista de algunos de los
materiales que la artista suele utilizar:
Por lo que se puede apreciar en la lista hay muy pocos materiales que se puedan meter en
un armario y conservarlos intactos a modo fetichista… hay que tomárselo de otro modo. Se
trata de conservar algo intangible, las palabras que se lleva el viento, todo eso no se puede
atrapar y aplicarle un barniz de protección, ni se puede pasar por un SEM para ver sus
micropartículas y determinar una composición… hay que, definitivamente, cambiar el punto
de vista.
casos en las que Laura de la Mora hace en su estudio. Y serán comprobadas consultando
directamente a la artista.
1293m3, Transport d’un raig de llum, 1972 acción que consistió en transportar el reflejo
producido por un espejo situado en el suelo a lo largo de la diagonal de un espacio rectangular.
Al final del recorrido, el reflejo queda en la pared justo por encima de la altura del cuerpo.35
Transport d’un raig de llum, 1972. fotografía d’una acció filmada a Vilanova de la Roca
Transport d’un raig de llum, 1972. fotografía d’una acció filmada a Vilanova de la Roca
En otras de sus acciones busca confrontar la realidad con la ficción, acciones con la lluvia, la
luz, las olas, la espuma en las que analizaba la fusión de estos elementos con otros también
naturales.
35 Descripción realizada por la propia artista vía mail, 4 de julio 2011. también se encuentra en el catálogo de la expo-
sición inaugurada en el MACBA: AAVV. En el laberinto. Àngels Ribé 1969-1984 (15 de juliol al 23 d’octubre de 2011).
(pág. 74-75). Editor Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Barcelona 2011. ISBN: 978-84-92505-54-8
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
Otra acción con un elemento natural fue Anulation, realizada en el Conceptual Festival Art de
Kentucky y resultante de la interacción de un árbol y de una cuerda. El ejercicio ilustraba la
teoría física que demuestra que dos fuerzas iguales, actuando en direcciones opuestas sobre
un objeto, se anulan, permaneciendo el objeto inalterado, sin movimiento.38
En otras, profundiza en las actitudes del ser humano y es la actitud lo que se convierte en
obra.
Invisible Geometry 3,1973. Fotografia a las sales de plata. 2 fotografies 43,2 x 60,8 cm Col·lecció MACBA. Fundació
Museu d’Art Contemporani de Barcelona.
Donació Dinath de Grandi de Grijalbo. Adquisició 2000
© de la reproducció: Tony Coll (archivo cedido por el MACBA)
Geometría Invisible (1973). Lo importante son la relaciones que se producen entre la obra y
el sujeto que lo experimenta, esta obra, esta acción llega a tal punto de desmaterialización
que es realizada con la mirada. Es una acción que como resultado genera unas fotos, fotos
que no son sólo documento sino que también son obra, pero la verdadera obra es el acto
de mover los ojos de un extremo a otro del ángulo de visión. La artista realiza movimientos
hacia la derecha y hacia la izquierda y esa es la obra misma.
Forma parte de una serie de acciones que realiza en la misma época en la que realiza ángulos
37 (Las fotos de esta acción se encuentran en la exposición del MACBA, En el Laberint, Barcelona, 2011.
38 Op. Cit, PARCERISAS Pilar. (p. 87).
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
con el cuerpo y un cordel en un muro Three points (bajo este título hay varias acciones) en
una se desplaza a través de 5 puntos en una línea y genera una proyección en un muro
haciendo distintos tipos de triángulos.
Serie de fotos tomadas en la acción: three points 3, 1973. esto como nota a pie de página:
(imagen tomada en la ianuguración de la exposición
Counting my fingers, West Side Highway, NY, 1977. (Nota a pie:(imagen tomada en la inauguración de la exposición)
Contándome los dedos o la tarea que se debe terminar (1977). La artista se cuenta los
dedos con tantas posibilidades como puede encontrar. La intuición y la aleatoriedad son las
características más representativas de esta pieza. Se permite fluir y seguir lo que los dedos
le evocan en ese momento39.
sis posibilitats d’ocupar un espai, 1973. Colección Macba. (extraida de la página web del MACBA)
Dedos separados, dedos juntos… esta acción se registra en una secuencia fotográfica
39 La foto que se encuentra en la exposición del MACBA, es una copia de la época. Eso demuestra que cuando no es
necesario no se hace de nuevo. La artista en el catálogo hace la siguiente descripción de la acción: “es una performan-
ce en què em compto els dits de la mà. Estic concentrada en el que faig i quan s’acosta algú, el miro i li dic: “Quan acai,
me n’aniré”, i torno a comptar-me els dits una altra vegada, inacabablemente”. (pág. 111)
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
(actualmente en el MACBA).
También usa el esfuerzo físico como motor de sus acciones y es éste el que verdaderamente
culmina el hecho de convertirse en obra de arte. Work is the effort against resistance (1976)
la artista corre por distintos lugares de la ciudad de NY,
La sombra enfatiza el movimiento, captado por una fotografía. Can’t go home (NY, 1977)
se presentó en C. Space de NY. En un espacio oscuro se proyectaban diapositivas que
muestran a la artista escalando una pendiente a cuya cima no consigue llegar. Proceso,
esfuerzo, procesos físicos y procesos mentales41.
Two main subjective points on an objective trajectory. Esta acción trata de elecciones subjetivas
que suceden en el inconsciente cuando una misma distancia es cubierta en condiciones
regulares. En el viaje diario a través del puente Williamsburg, la artista constataba que su
atención se focalizaba en un punto concreto, éste se convertía en un punto de referencia.
La atención aumentaba en cuanto se iba acercando y decrecía una vez superado. Esto
generaba, de manera inconsciente, un ritmo. La obra es este ritmo. La acción. Mientras esta
acción transcurría la artista generó una serie de 80 diapositivas en color que se perdieron.
Àngels Ribé también hizo la pieza en blanco y negro. Como el material generado en color
desapareció el MACBA ha decidido para la exposición que se inaugurará en julio de este año,
que esta obra esa expuesta a partir de las 24 fotografías en blanco y negro.
serie fotos de la acción Two main Subjectives points on an Objective Trajectory, 1975/2011 (selcción) 3 Mercer St.
Gallery, NY
40 http://www.vilaweb.cat/noticia/3909841/20110714/angels-ribe-canvi-paradigma-lart-anys-setanta.html [fecha de
consulta 14-7-2011]
41 Esta obra se ha presentado de nuevo con las diapositivas originales en la exposición del MACBA.
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
Para decidir esto, la artista ha sido consultada por el equipo responsable y ella lo ha
considerado adecuado aunque afirma que es otro tipo de pieza. Àngels Ribé en la entrevista42,
afirma que le parece bien, interesante y que la obra primera (la acción), fue una obra efímera
que no existe, que existió en un momento muy ínfimo.
Esta fotos formaron parte de la acción, pero son otra obra. Ella utiliza el símil de los gemelos
univitelinos. Son lo mismo pero independientes. Cree que como criterio de restauración de
la obra es válido y considera que a la hora de exponerla debe informarse en la cartela con la
doble datación de la obra Todas las decisiones, a la hora de retomar esta pieza, se hicieron
en consenso con la artista, la comisaria y su equipo, la restuaradora jefe y su equipo.43
Un período en el que el trabajo sería más mental, más íntimo, lo podemos atribuir a las
acciones que realiza a partir del 74. Con acciones como Amagueu les nines que venen els
lladres (1977), Demà encara plourà, que els elefants tinguin por per que tenen els ulls petits
(1978).
En Rayuela la acción consistía en: primero barría el suelo y dibujaba en el suelo la rayuela
(juego tradicional infantil) con una pieza de yeso- dependía del suelo. Iba descalza. Antes
de iniciar esta acción la artista se colocaba unos zapatos rojos de tacón. En cada espacio
realizaba una acción: en el primero realizaba un juego de manos infantil con un cordelito
blanco, al terminar esta acción lo depositaba en el suelo. En la siguiente casilla sacaba todos
los lápices de colores que habitualmente solía usar. En la tercera, dejaba caer unas gotas del
perfume que en ese momento estuviese usando y depositaba el frasco en el suelo destapado.
El siguiente espacio era doble y en él depositaba los zapatos uno en cada número. En los
números 7 y 8 colocaba las letras A y Z. En el último espacio se descalzaba, encendía una
cerilla y la aguantaba en la mano hasta que se consumía completamente. Era un recorrido,
un camino. Esta acción es de los años 90, la artista la realizó en Lérida por primera vez y
después la realizó más de una vez. (No corresponde al periodo de estudio pero sí demuestra
que se pueden repetir si la artista lo desea).
“Quedarse en silencio y dejar que las cosas fluyan, de lo que fluye, lo analizas y lo
ordenas, lo que tiene sentido lo ordenas y lo que no lo rechazas, lo eliminas. Dejarse
poseer por la obra”. 44
En la entrevista que Laura de la Mora le hizo a Àngels Ribé, la artista afirma que hay
acciones que las ha hecho más de una vez y se justifica comparando las acciones con las
composiciones musicales. “Pueden repetirse, reinterpretarse, aunque nunca serán idénticas
ya que la esencia es el acto mismo”. Eso podría responder a la pregunta de si se pueden
hacer de nuevo.
Àngels Ribé, en la entrevista mantenida,45 habla de los criterios que sigue para seleccionar lo
que son imágenes documentales de sus acciones y lo que son obras de arte. Esto es un dato
importante, por que las que se generaron como obras de arte tendrán que ser conservadas
con los criterios pertinentes a una obra de arte matérica del soporte que esté realizada. Los
criterios que definen que sean obras de arte, considera que siempre los tiene que decir el
artista y en su caso ella se basa en criterios estéticos y explicativos. Los cuales hemos citado
a lo largo del texto pero que resumimos en:
44 (ibídem anexos)
45 Entrevista realizada por Ruth del Fresno, (Íbidem)
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
3.3. Estudio y análisis para la toma de decisiones del artista Francesc Torres.
Su padre trabajaba en el mundo de las artes gráficas, y eso le dio contacto temprano con los
lápices. Entró en la Escuela Massana en pintura allí no encontró lo que él quería contar con
el arte. Leyendo un pequeño artículo sobre Piotr Kowalski lo encuentra en la frase “yo hago
esculturas por teléfono” eso era lo que él buscaba. Esto le lleva ponerse como meta conocer
y trabajar con Kowalski y con diecinueve años llega a París habla con Kowalski y consigue
que le coja de asistente. Allí entra en contacto con otras fuentes de información sobre arte…
eso era Mayo del 68. Piotr Kowalski es una pieza clave también para Àngels Ribé.
El servicio militar le obliga a volver a España pero ya no dejará de ver y hacer arte de otro
modo. Tras el servicio militar ingresa en el Grup de Treball, en 1969 hacía poco tiempo que
era artista y menos que militaba políticamente. El artista afirma:
Sobre el Grup de Treball ya hemos hablado en el apartado de Àngels Ribé, sólo aportar que
para Francesc Torres su paso por este grupo fue enriquecedor pero también le ayudó a ver
que le gustaba más trabajar sólo. Francesc Torres aporta en la entrevista que le realizamos47,
que el Grup de Treball, es la única manifestación Conceptual que aporta un carácter
claramente politizado (junto con alguna experiencia sudamericana) algo que también afirma
Pilar Parcerisas.
Frances Torres afirma que en un principio las acciones no se hacían para que perdurasen,
lo importante era el hecho. Se documentaban para que quedase constancia, pero no para
que la documentación se convirtiese en obra de arte, eso ha venido después. Cita el hecho
46 AA.VV, A Francesc Torres B. catálogo de la exposición realizada en el IVAM, (2de mayo-30 de junio 1996), (p. 9)
Valencia,1996, ISBN 84-482-1248-7
47 Íbidem, consultar anexo de entrevista
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
de que cuando Oppenheim empezó a vender sus blue prints (los planos que utilizaba para
preparar sus acciones), como elementos que contenían su firma, entonces todos quedaron
sorprendidos.48Pero cuando esto sucedió, según Francesc Torres, fue cuando se “pillaron los
dedos” y empezaron a surgir las herejías.
Lo que P. Parcerisas denomina esculturas minimalistas49 nos atrevemos a decir que se podrían
englobar en acciones mínimas. Se trata de obras ya desaparecidas y que se conservan en la
documentación: Escultura para determinar una horizontalidad perfecta (París 1968). (foto30)
Escultura para determinar una horizontalidad perfecta. París 1968. (desaparecida) nota(foto extraída del libro de P.
Parcerisas)
Formada por una pelota flotante en un cojín de polivinilo transparente lleno de agua
(desaparecida), Suspensión nº 2 (Air-Helium).
Suspensión nº2 (Air-Helium) Cilindro que viaja con el viento. Barcelona, 1969 (desaparecida) nota(foto extraída del libro
de P. Parcerisas)
Formada por un cilindro que viaja con el viento (Barcelona, 1969) escultura neumática con
helio rectificado (desaparecida). Tenían que ver con formas geométricas que accionaba en la
naturaleza o entrono urbano.
Tras el paso por el Grup de Treball se va a EE.UU. donde desarrollará gran parte de su modo
de trabajar.
Francesc Torres en La voz en la mirada,50 habla del cambio que se estaba produciendo en el
mundo del museo en los 70. Dice que los museos pasaron a ser productores y eso implicó
que los conservadores fuesen parte activa de este cambio en el arte.
48 Ibidem, entrevista.
49 PARCERISAS Pilar, op cit (p. 71)
50 Op. Cit. nota 18.
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
“Todo esto pasó por que una serie de artistas quisieron jugar con una baraja distinta,
pero también por que les aceptaron los miembros que querían que surgiesen nuevos
departamentos en las instituciones”.
Por su puesto habla de EEUU. Donde era posible que un artista llegara a una institución
museística sin haber pasado antes por las galerías. Francesc Torres, habla en esta entrevista,
del tremendo impacto que tuvieron las instalaciones y las performances en los museos. Dice
que fue el momento de surgimiento de los nuevos departamentos, pequeños y tímidos, que
se dedicaban al arte digital y tecnológico, y estos, sus conservadores-restauradores, fueron
los que hicieron posible que este modo de expresarse entrase en el mundo del museo.
Estos mismos conservadores-restauradores hicieron posible el paso del arte efímero
a las instituciones que fueron las que financiaron gran parte de proyectos preformativos,
entendiendo que el artista era una pieza que trabajaba para la cultura.
“Partiendo del punto preciso de los fenómenos físicos, los elementos o sucesos
naturales, dentro del proceso de realización de una obra de arte, el resultado posee un
significado específico que va más allá del hecho de ser evaluado o definido como arte”.
“(...) acció que vaig fer a Chicago el 1973. En el prat de gespa devant del Evanston
Arts Center, es va extendre una película de plàstic i es va deixar que el sol l’escalfés
y produïs una condesació d’aigua a la part interna que quan va arribar a saturarse va
caure de nou a la gespa. Aleshores es va retirar el plástic i es va invitar a la gent que
caminés descalça i anés descobrint amb els peus les diferències de sequetat i humitad
de la gespa, algo que no es podia visualitzar, com queda evident a les imatges. Aquesta
peça a mí en segueix agradant molt. Espero que serveixi”. Francesc.51
51 Descripción de la acción que dieron pie a las fotos presentadas en la exposición colectiva de Chicago. Esta descrip-
ción fue realizada por Francesc Torres vía mail enviado el 30-6-2011 a Ruth del Fresno.
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
Fue introduciendo elementos vivientes en sus obras, eso es palpable en la pieza Tracing a
diagonal (1972).
Tracing a Diagonal, Chicago, 1972. nota(imagen extraída del catálogo de Idees i Actituds)
Donde se trazaba una diagonal por unas palomas que comían grano. Algunas de estas
acciones que iban del fenómeno físico al estético a través de la percepción del artista, se
produjeron en Documentos donde el artista experimentó con el efecto de la descongelación
de una esfera de hielo Esferoide de gel (1969), con el fuego, para mostrar la presencia de
oxígeno en un espacio…
Otros casos como Meniscs (1969). Experiencia basada en el goteo de agua sobre un espejo
de acero. Estas piezas desaparecieron y posteriormente en 1990 la galería Alcolea52 las
reconstruyó.
Es interesante también hablar del primer trabajo en vídeo del artista, Uniformed Rain or more
than One Drop of Water (Barcelona, 1969) basado en una gota de lluvia. La idea giraba en
torno a una cámara de televisión en circuito cerrado que registraba el proceso de caída de
una gota de agua, de modo que esta información se transmitiera a diversas pantallas de
televisión situadas en un espacio cerrado. Torres logró finalizar esta pieza en 1996, en el
IVAM de Valencia,incorporando en el suelo, todas las cámaras necesarias y creando, a partir
de una sola gota, la sensación de lluvia a través de todas las pantallas.53
Experiencias con la luz y con su propio cuerpo, como el triángulo de luz que se formaba a una
hora determinada en un ángulo del edificio Sheridan y Belmont de Chicago (1972). Acción
que dio resultado a unas fotos.
En la misma línea están Ocupació d’un espai a través d’una acció humana (abril de 1973).
Consistía en ocupar el espacio de la galería con unas bolsas de plástico que estaban infladas
de aire (por él mismo). Obra realizada como parte de la primera exposición monográfica
del artista titulada Two exorcices+Information on other Works. Esta exposición se realizó
en el Two Illinois Center de Chicago. En la entrevista que el MACBA le realiza a raíz de la
52 Galería Fernando Alcolea de Madrid. Cerró por estafar dinero a los artistas hace unos años.
53 Op, Cit, PARCERISAS, Pilar, (p. 89)
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
“La obra es la foto, la acción, el aliento dentro de las bolsas queda como escultura y
eso dura poco, pero es como tiene que ser, se tiene que cuidar… la foto tenía toda la
importancia”.
Sustracción del peso de un edificio, 1973. Otra acción en la misma línea.
Otra acción en la misma línea sería Almost like sleeping. Instalación-performance presentada
en el Artists Space de NY el 25 de enero de 1975. Estaba formada por unas diapositivas del
General Franco y del abuelo de Francesc Torres proyectadas sobre la pared de la galería.
Durante la acción del artista, una película en súper 8 se proyectaba en la pared donde se
veía imágenes de Francesc Torres comiéndose las uñas. Durante la performance, el artista
dormía en una cama en medio de la galería. Se proyectaban 80 frases oídas y extraídas de
la vida cotidiana y dos pistas de sonido, con banda sonora explicaban la vida del artista hasta
aquel momento. Con esta pieza se inicia en la producción de instalaciones.
Él ha sido descrito como un artista muy ordenado, meticuloso y puntual, lo que nos hace la
vida más fácil a los conservadores-restauradores. Dice tener toda su producción ordenada,
documentada, con los planos, los materiales y lo que sea necesario descrito en dossieres.
(Excepto la obra de juventud), su paso por EE.UU., donde se trabaja por proyectos, le enseñó
a generar estos documentos a modo de verdaderos scripts. Donde está detallado todo.
En la entrevista que le hicimos, hablando de las documentaciones, dejó claro que las
fotografías, que en sus acciones habían sido realizadas como imagen fotográfica, eran obras
de arte, normalmente con copia única, que las firmaba pero nunca en la foto, lo hace en un
certificado, con todas las especificaciones técnicas y de reproductibilidad en caso necesario
(entrega los negativos con la obra).
Se muestra partidario de que sus acciones se puedan volver a hacer, dentro de unos
parámetros, como si hubiese una partitura y se volviese a interpretar. Para eso, dice, hay que
dejar unas instrucciones muy precisas.
“Me parece bien que el artista sea quien realice la obra, siempre que tenga ganas y
pueda hacerlo, sino, pues alguien designado por el artista. Sobre todo sin traicionar el
espíritu de la obra.
Tengo una pieza que podría servirte de ejemplo para lo de conservar la idea.
Hice una grabación de una hora de vida, de conversaciones con mi mujer, cosas que
pasaban… cuando terminé saqué la cinta de vídeo de la bovina e hice un montón, lo
puse al sol en el jardín hasta que quedó seca y requemada. ¿Que quedó? La foto.
¡Una hora de vida!
Osea, tenía muchas connotaciones, pasas de los media a la escultura, de la escultura
a la acción… ¿quieres volver a tener la obra? Por ejemplo, alguien te dice: esta pieza
me gustaría tenerla de forma permanente en mi colección.
¿Qué haces? Le dices: ¡está en la basura! ¿Les vendes la foto? ¡Pues no! ¡La vuelves
a hacer! ¡Lo que vale es la idea!”55
3.4. Descripción de las acciones del artista Vicenç Viaplana y análisis conservativo
de las mismas:
Los trabajos realizados en el campo de la acción por Vicenç Viaplana son trabajos de
juventud. Realizados con más gente, amigos de la calle, de Granollers. Surgen de una
necesidad de revolución del momento, están enmarcados entre 1971 y 1976. Bajo las ganas
de cambiar la desidia del final del franquismo. Aprovechando algunos vacíos legales, en
Granollers se organizan encuentros de Arte joven y homenajes a artistas como Joan Miró.
En este marco, las acciones surgen de una manera espontánea y algo naïf. El Arte de Acción
de ese momento de este artista no está bien documentado gráficamente. No se realizaban
proyectos ya que aunque había un guión o unos puntos a seguir no se hacía nada por
escrito o con idea de conservarlo. No tenemos nada gráfico realizado por parte del artista. Se
conservan algunas imágenes de archivo de algunas de las acciones grupales de Granollers
de los diferentes actos realizados por los jóvenes artistas. Son imágenes de poca calidad
fotográfica y en su mayoría provienen de espontáneos que tuvieron a bien documentarlo pero
no son fotografías realizadas con la intención de convertirse en obras de arte. En algunas
ocasiones las acciones no tenían ni público por que surgían del momento de exaltación y se
pretendía que al igual que sucede con Fluxus, se convirtiese en una manera de vivir.
Es una pieza que marcó el trabajo del grupo para los años siguientes. Es en esta descripción
donde podemos advertir el carácter de teatralización que tenían las acciones en las que
Viaplana participa en su juventud. En el catálogo de la exposición Meridià Granollers anys
70 Art de Concepte i Acció, se nombra a los participantes de estas acciones: A. Granado,
Sastre i Viaplana a los que se unieron: Magda González y Xavier Vilageliu y más tarde Joan
Martínez, Carles Díez, Ramón Lamarca, Jaume Serras, Josep Eloy Ontiveros, Joan ventura
y Paco Merino. Como se describe en el mismo catálogo son manifestaciones de carácter
contestatario, sus intervenciones intentan subvertir los papeles tradicionales del arte y de
los artistas. Por eso algunas manifestaciones ni siquiera tendrán público y no existe nada de
ellas como las realizadas en el número 42 de la calle Corró en 1972, sólo las fotografías de
los artistas dan fe del encuentro. El principal problema que nos encontramos en las acciones
de juventud de Viaplana es justamente éste. No hay documentación y si existe es de muy
mala calidad. Para poder restaurar o conservar estas obras sería necesario hacer un trabajo
exhaustivo de hemeroteca y de entrevista tanto a los artistas que participaron en las mismas
56 VIAPLANA, Vicenç. “El Grup de Granollers” en AA.VV. Meridià granollers anys 70. art de concepte i acció. Grano-
llers, 2010 (p. 38) Ajuntament de Granollers, Museu de Granollers. ISBN: 978-84-87790-66-9.
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
como a la gente que estuvo presente. La misma exposición que se hizo en Granollers el año
pasado (2010) sirve para conservar parte de ese patrimonio ya que no tiene sentido rehacer
las acciones que fueron creadas con el sentido de no conservarse, (ésto lo corrobora el
propio artista en la entrevista que le fue hecha el 26 de mayo 2011). Por lo tanto podemos
decir en este caso que no se debe rehacer la acción como proceso de restauración57. Esto
no es aplicable a todas las acciones de Vicenç Viaplana, ya que a medida que los años
fueron pasando la participación en performances o acciones y las intervenciones artísticas
fueron cada vez más individuales aunque tuvieron carácter grupal durante muchos años. En
estas obras, en las que el artista participó de forma individual, tenemos mayor número de
documentación, serían las obras que formaron parte de exposiciones en la Galería G o en
la Galería Ciento, de las que se hicieron fotografías con otro carácter, no sólo documental.
El problema que señala en la entrevista el artista, es que las acciones surgieron con un
carácter efímero y transitorio y todo el mundo estaba de acuerdo, por que todos eran iguales,
todos creían en la desmaterialización, pero todo esto no entra en el mundo de las galerías y
a partir de los 80 se generan cosas raras (según Vicenc Viaplana) que da lugar a algo que ya
no es Conceptual, que transgrede el verdadero espíritu de la obra de acción conceptual. En
las acciones del grupo de Granollers se realizan parodias como la de la Santa Cena en 1973
en una céntrica plaza de Granollers (idea de JIM) pero llevada a cabo por todos.
Esa imagen se usó para el cartel que anunciaba el certamen Art a Granollers que se quedó
sólo con el cartel por que cuando se supo que una de las acciones consistía en el intercambio
de ropa entre Francesc Sastre y Vicenç Viaplana, toparon con la censura.
Otra serie de acciones que realiza el grupo ese mismo año será en la playa de Lloret ante la
mirada insólita de los bañistas.
Otra acción, la realizan en Mataró el mismo año participando juntos en el concurso de pintura
rápida y realizando el mismo cuadro los 11 componentes del grupo en ese momento.
Una última intervención será la que hagan F. Satre, M. González, X. Vilageliu i Vicenç Viaplana,
llamada Publicació personal, en la cual imprimieron en una hoja de mano una fotografía en la
que se ve una familia bañándose en la playa, se trata de una escena doméstica de veraneo.
57 Información extraída de la entrevista realizada a Vicenç Viplana el 26 de mayo de 2011. para más información con-
sultar los anexos.
58 VIAPLANA Vicenç. Op. cit. (pg. 42)
CAPÍTULO 3
ARTISTAS Y GESTORES CULTURALES
Las hojas se repartieron por las calles de Mataró y Granollers con una proclama utópica
“publicad vuestras fotos”.
La acción quedó recogida en el fanzine publicado el mismo año con el título Pintura rápida
a Mataró, Objectes a Granollers i homenatge a Murgadella. Del folleto se editan cincuenta
ejemplares fotocopiados, recoge un original de mano un texto de Vicenç Viaplana, unas
fotografías de Xavier Vilageliu y otra con una escena parecida a la de la imagen de playa
repartida y un texto en un recuadro en el que se lee “El fet de publicar aquesta foto dona a
entendre tot el contrari de la primera”.
Las actividades del Grup de Granollers acaban en 1973 y dan paso a trayectorias individuales.
Desde este momento y hasta la aparición de la pintura en su producción Vicenç Viaplana
realiza más acciones, pero de manera individual, éstas ya están mejor documentadas y de
ellas surge en ocasiones fotografías que no son documento sino que ya son obra de arte.
Maniobres imposibles y Informe sobre el desfici son dos acciones de Viaplana ya en 1974 y
1975.
cuatro escenas de la acción Informe sobre el desfici, 1975. nota (imagenes cedidas por el artista)
La descripción de estas acciones y algunas imágenes que han quedado, es todo lo que
tenemos. Resulta curioso, cómo tras haber surgido en un momento de restricción democrática
y habiendo luchado contra el sistema, cuando el sistema se estabiliza y puede reconocer
estas manifestaciones como Arte Contemporáneo, lo aparca y deja que desaparezca. Es por
eso que al surgir los nuevos gestores de arte en los 80 y sintiéndose cómodos en el arte más
de “vanguardias” tradicionales se abandona y se deja perder esta parte de la historia del arte.
Este va a ser el mayor Factor de deterioro del tema que nos ocupa.
Estas dos últimas intervenciones son catalogadas como foto-performance o performance sin
público, que quedan registradas en fotografías y serán la base de trabajos posteriores. En
Maniobres imposibles (1974), partiendo del focus de un aparato de diapositivas el cuerpo del
artista se interpone entre la luz en un juego escenográfico combinado con la presencia de
sillas.
El espíritu de esta acción será recuperado en Vides Provocades, en la Galeria G en 1976. (Es
un acto de recuperación de una performance del año 1974).
En Informe Sobre el Desfici, 1975, el artista se desplaza sobre un fondo de cartón negro
portando diferentes objetos domésticos, (calendario, libro, televisión, porrón, colchón…)
más tarde, pasará estas imágenes a telas emulsionadas en la serie Papers Emulsionats
(1975), hecha justo después de la muerte de Franco y que incorpora imágenes del dictador
y fragmentos de anatomía humana de libros de científicos con palabras escogidas al azar. 59
De esta serie, sólo se conservan 5 o 6 piezas. Según palabras del artista: eran copias hechas
con el mismo procedimiento (OCÉ) de las copias de planos que hacen los arquitectos, las
obras no perduraban. Han tenido un deterioro muy específico y el propio artista asume
haberles tenido que aplicar un “barniz protector” y guardarlas en un lugar oscuro y controlado
para que no desapareciesen.60
Apuntes de conservación-restauración:
(como en los casos anteriores nos remitimos a compilar lo ya descrito en el texto)
NOTA ESPECIAL:
Durante el proceso de investigación se ha hablado y entrevistado a muchos profesionales rela-
cionados directa o indirectamente con el tema tratado en la investigación.
De esas entrevistas y comentarios hemos extraído mucha información pero no todos han esta-
do dispuestos a estar formando parte del redactado final. Respetando este punto, no podemos
más que agradecer la información que hemos obtenido, las experiencias que nos han brindado
aunque lamentamos no poder hacer constar en este primer estudio todo lo que hemos obtenido.
Esperamos que en un próximo y más ampliado trabajo podamos contar con los permisos nece-
sarios para poder incluir todo lo que hemos conseguido. De todos modos estamos muy agrade-
cidas por todo lo que nos han aportado y el tiempo que nos han dedicado.
CONCLUSIONES
CONCLUSIONES
· La diversidad de materiales y de ideas es tan amplia que no se puede hacer una lista
detallada de los mismos.
· Cada caso debe ser tratado individualmente y atendiendo a la autoridad moral que
posee el artista, mediante la entrevista y los cuestionarios. Revisándolo y consultando
siempre que sea posible.
· La documentación, los dosieres, las fotografías, los informes, los catálogos, pueden
ser nuestra alternativa en la restauración conservación de obras efímeras y sin
soporte matérico.
· Las descripciones de la crítica contemporánea a las producciones, puede ser una
documentación muy interesante para las acciones que no han dejado material gráfico
directo de los artistas. Los cronistas del momento hacen el mismo papel que lo han
hecho a lo largo de la historia.
· Las acciones se pueden rehacer según el criterio de los artistas y bajo parámetros
muy claros. No se deben rehacer según el criterio de los gestores culturales
entrevistados.
· Hay que diferenciar bien lo que es documentación de lo que es obra de arte.
· Trabajos de investigación como este pueden considerarse trabajos de restauración
cuando lo que estamos preservando es la idea, algo intangible.
· El arte contemporáneo nos plantea nuevos retos que debemos estar preparados a
asumir y compartir, ya que se trata de un trabajo multidisciplinar a todos los efectos.
· Una forma de preservar el arte es a través de nuestra propia experiencia, de nuestra
interacción reinterpretándolo y capturando su espíritu, síntesis o esencia. Poder
mirar la obra de arte más que su materialidad como un artefacto que narra historias
de un recorrido único, particular e irrepetible61.
· El uso progresivo de sistemas de registro con soporte tecnológico nos enfrentan al
problema de la obsolescencia en muchos casos en el tema de la conservación de la
documentación de las acciones.
· Algunas obras de arte se han perdido totalmente por falta de material gráfico y
documentación.
· La desmaterialización de la obra de arte nos acerca a unos parámetros conservativo-
restaurativos, muy diferentes a los que habitualmente nos enfrentamos en la
restauración de arte tradicional. La práctica de la rematerialización de la obra de arte
no es una herejía.
· El valor a la pieza original es algo relativo y cercano al ridículo cuando lo que prima
es la idea, el conepto.
61 Vídeo en el que se hace una propuesta conservativa de la esencia del arte efímero por parte de BOTANIC. [consulta
realizada 6-7-2011] http://vimeo.com/21340606
ANEXOS
ANEXO 1
ANEXO 1.
ENTREVISTA A ÀNGELS RIBÉ SOBRE LA CONSERVACIÓN DE SUS ACCIONES Y OBRAS
RELACIONADAS DEL PERÍODO CONCEPTUAL.
INTRODUCCIÓN:
Es importante que conteste a la preguntas pensando sólo en su obra o en las obras en las que ha
participado de forma colectiva. La entrevista se realiza con la finalidad de recabar la mayor infor-
mación posible sobre su obra, para el estudio en el proceso de investigación del presente trabajo,
de este modo es posible que se puedan mejorar las condiciones de conservación y exposición
de sus obras al basarnos en sus criterios e intenciones. Es un privilegio poder trabajar con Vd.
PREGUNTAS DE APERTURA:
RdF: ¿Cómo se genera la idea para trabajar en una obra de las características de una acción?
AR: En mi caso me quedo en silencio, y todo empieza a surgir. De lo que surge lo analizas
fríamente y lo que no vale lo eliminas y lo que sí lo trabajas. Voy eliminando lo superfluo y voy
depurando hasta que queda algo muy austero, muy concreto, muy esencial. Buscas cómo repre-
sentarlo de forma que se adapte al concepto, a la idea. Una unión íntima, ninguno debe ser más
importante que el otro.
RdF: ¿Qué acontecimientos, personales o históricos cree que propiciaron ese momento creati-
vo?
AR: Yo estaba estudiando sociología, pero en ese momento estudiaba sociología por que no
sabía si estudiar sociología o cerámica. Eso era en el 66 y entonces fue cuando me fui a París
con intención de seguir con la sociología y dejar de lado lo que verdaderamente me apetecía, el
mundo del arte. Entonces pasó el mayo del 68 y todo se vino abajo, no había clases, no siguió
el curso y fue el modo en el que yo pude volver a mis ganas de acercarme al arte, de otro modo
ANEXO 1
igual habría sido muy difícil romper con lo que hacía. Empecé con la cerámica y a los dos meses
hacía escultura. Empecé a ver exposiciones. Yo era autodidacta y está claro que ya no podía
hacer platos y ollas… me dí cuenta de que lo que yo quería expresar y lo que yo quería decir se
podía hacer, encontré el surgimiento, aunque ya hacía un tiempo que había empezado el cam-
bio. Algo relevante fue estar de asistente con Piotr Kowalski, él fue muy generoso al aceptarme y
muy abierto de mente. Me influyó en una cierta actitud, no en el estilo artístico. Él era una mente
increíble, para él todo era posible.
PROCESO CREATIVO:
RdF: ¿Existe una toma de conciencia del artista respecto a la “Acción” y a lo efímero?
AR: Sí éramos conscientes del concepto efímero, de ahí que se optase por la acción y la perfor-
mance como medio expresivo.
RdF: ¿Cómo se desarrolla la idea original, con dibujos previos, maquetas, etc.?
AR: No lo apunto, la idea base no la apunto. Como mucho me hago una lista de lo que necesi-
to comprar o buscar. Lo que sí que hago es una vez terminada la acción me apunto lo que he
hecho, lo que ha pasado. Por que las acciones las hago una sola vez. Si no las apuntase, las
olvidaría. De todos modos si hay alguna cosa que apunté en relación a la planificación pues la
guardo. Yo todo lo guardo.
RdF: ¿Cuál es la importancia de estos dibujos previos o bocetos, los considera como obras aca-
badas, con valor expositivo en sí mismas?
AR: No. Es material preparatorio o documental. Como mucho puede ayudara a entender la obra,
pero no es material expositivo como obra de arte.
RdF: ¿Es el vídeo o la fotografía, documento resultado de la acción? Es decir: ¿La acción es un
proceso de creación de otro objeto o es obra en sí misma?
AR: Depende. Pero en mi caso yo no hacía la acción para generar la foto o el vídeo. La acción
era una obra y la foto o el vídeo eran otra. Es lo que ya te he dicho antes, son cosas diferentes
aunque surgen del mismo punto. Lo que no es obra es la documentación.
RdF: Cuando de la acción se genera un objeto o una imagen… ¿ese objeto tiene un sentido
como en los dadaístas, la “finalidad concreta” de dar apoyo a sus acciones?
ANEXO 1
AR: No.
RdF: ¿Lo ve como un facsímil? (no realizada ya que la respuesta anterior la hace innecesaria)
En caso afirmativo:
RdF: ¿En las Acciones de Body Art, sin el autor no hay obra?
¿Le preocupa?
RdF: Dado que el contexto histórico no es el mismo, ¿cómo se realiza de nuevo una acción que
dependía tanto del momento histórico?
AR. Mis acciones son fruto de una realidad pero no dependen del momento histórico. No tiene
que adaptarse a la actualidad, son lo que son.
RdF: Si se realiza de nuevo esa acción, ¿debe generarse una nueva documentación? ¿Es un
segundo momento creativo de la misma obra o se trata de una nueva obra? (ya contestado).
CONTEXTO HISTÓRICO
RdF: Desde un punto de vista técnico, ¿qué enseñanzas o influencias considera relevantes para
llegar a realizar las acciones?
AR: No se me ocurre nada, yo he sido autodidacta.
RdF: ¿Se siente identificado con El arte conceptual o prefiere no ser calificado en ningún movi-
miento o corriente?
AR: Creo que todos éramos muy diferentes pero nos unía una manera de mirar, nos unía que
vivíamos en un momento de cambios. No me parece mal que me identifiquen con el conceptua-
lismo, es lógico.
RdF: ¿Cómo describiría la relación con los artistas contemporáneos más próximos a su obra?
AR: Coherentes. Nos llevábamos bien. Conocí a Francesc Torres en Francia, a Miralda, a Benet
Rossell, a la Dorothée, al Piotr, todos coincidimos en París y hemos coincidido a lo largo de la
vida más veces.
RdF: ¿Cree que el contexto histórico fue determinante para que esas acciones se realizaran?
AR: Creo que el propio tiempo, estaba en el momento. Todo estaba cambiando.
RdF: ¿Cree que los que documentaron, textualmente, (críticos, periodistas, historiadores…) son
los que verdaderamente hacen la función de “conservadores” de las obras de arte efímero? (al-
ANEXO 1
MATERIALES Y TÉCNICAS
RdF: ¿Los materiales que se usaron en la realización de las acciones fueron determinados pre-
viamente?
AR: Sí. Eran escogidos previamente.
RdF: ¿Qué tipo de materiales se usaron? ¿Materiales que ofrecen el mercado o productos es-
pecíficos?
AR: Materiales que se pueden encontrar fácilmente, pero sobre todo materiales muy austeros.
Con poca personalidad a la vez que tienen mucha…
RdF: ¿Qué era más importante en la elección de los materiales: la apariencia visual u otras cua-
lidades como el significado simbólico, durabilidad, fácil manipulación, precio…?
AR: El precio es evidente que era importante. Pero la estética del material escogido era lo más
importante. Mis materiales siempre son austeros, mínimos y pobres.
ENVEJECIMIENTO Y DETERIORO
RdF: En una obra con las características tan peculiares como la Acción ¿Qué considera a su
criterio que es un deterioro?
AR: Que la obra no llegue a comunicar con el público. Es evidente que si no llega no existe.
RdF: ¿Considera que el envejecimiento de los materiales puede disminuir la expresividad de sus
obras?
AR: Depende. En cada caso se tendrá que hacer lo necesario y menos evidente.
RdF: ¿Cuál es el límite aceptable para sus obras? hablamos de envejecimiento o deterioro.
¿Dónde está la barrera entre un estado de conservación aceptable y el estado en que debe in-
tervenirse para devolver a la obra su capacidad de comunicación?
AR: La falta de comunicación. Que pierda su sentido. Que la idea o concepto ya no exista. Aun-
que la materia esté impecable.
CONSERVACIÓN Y RESTAURACIÓN
ANEXO 1
RdF: ¿Ha restaurado alguna de sus obras personalmente? ¿Qué criterios ha seguido?
AR: No, pero siempre creo que hay ser fiel a la obra.
RdF: ¿Le gustaría colaborar con el restaurador de alguna manera? ¿Le gustaría que le consul-
ten?
AR: Evidentemente quiero que me consulten. Siempre. Y colaborar lo hago siempre que puedo.
A mi me gusta estar presente si es posible para comentar las cosas que sean necesarias.
La acción que hice sobre el puente de Williamsburg de Chicago, era una serie de diapositivas en
color y se han perdido. Yo esa pieza la hice también en fotos en blanco y negro y eso es lo que
se va a usar para la exposición. Es otro tipo de pieza, pero es perfectamente viable.
RdF: ¿Es consciente de la obsolescencia de los soportes tecnológicos? (vídeo, informática…)
AR: Sí, ¡lo encuentro horroroso! ¡Tiene que ver con cómo va el mundo! (notablemente enfada-
da ante esta pregunta) que cada tres años tengamos que cambiar de ordenador, de impresora
por que ya no funciona o per que no no hay cartuchos... primero fueron los discos, después los
vídeos, los dvd,… bueno ¡esto es una locura! Para los artistas esto dificulta muchísimo. Yo no
puedo estar cambiando continuamente de formato para preservar mi obra. ¡Es indignante!. Esta
pregunta está bien por que de alguna manera me das a entender una serie de cosas... Estoy
hablando por mi igual tendría que negarme a usar tecnología..., ya tengo poca tendencia peo
de una manera consciente,... negarme ya a utilitzar medios técnicos que sé que de aquí a cinco
años tendré que preocuparme de cambiar de formato para que se conserve. Quizás sería mejor
volver a lo primitivo... a lo de hace unos cincuenta años, a los elementos de la naturaleza, al pa-
per, los materiales que se han usado a través d elos siglos... me cogen ganas de no usar nunca
más tecnología en las obras ¿no? Ahora para la expo me he encontrado con ese problema, una
instalación que hice en los 70 que tenía una grabación en vídeo y yo la había conservado con
primor ahora no lo puedo reproducir, no lo puedo recuperar.
ANEXO 1
RdF: ¿Cree que la obra debe actualizarse en formato? ¿Debe mantenerse en el soporte original?
AR: Si lo que hay te interesa y lo quieres conservar, pues claro.
RdF: Cuando el soporte desaparece o se estropea, ¿a su criterio, desaparece la obra o cree que
es lícita la sustitución? ¿Sustitución o conservación de los elementos?
AR: Pues como ya he dicho antes depende. Pero lo que está claro es que si la sustitución trans-
giversa al idea de la obra, debe dejarse morir. Al final todo desaparecerá. Eso se debe aceptar.
RdF: ¿Quiere que el azar o planificación de la acción se conserve? ¿Que se plasme en la docu-
mentación?
AR: a ver, pues depende, lo que no se puede conservar, no se conserva… ¡el azar no se puede
controlar!
RdF: ¿Hay que “actualizar” la imagen de la acción o debe conservarse, en estética visual, como
cuando se realizó?
AR: en mis acciones eso no pasa. Siempre me he vestido de negro, he intentado ser el motor que
nos e ve… y la estética es atemporal. Si no es así no vale.
vé lo mejor que supe, las documenté, así que supongo que sí que me interesa.
RdF: ¿Quién cree que está más capacitado para conservar su obra?
AR: pues el restaurador-conservador, pero debe informarse bien, si es posible con el artista y si
no con alguien cercano a él.
RdF: ¿Cree necesario dejar unas directrices de actuación por si Vd. no puede participar en el
proceso? ¿Para todas sus obras?
AR: ¿Qué quieres darme más trabajo?, yo espero que cuando yo no pueda decir nada sobre mis
obras estén todas colocadas con alguien que las sepa cuidar uy que ya se haya informado de
cómo. Los museos ya lo tienen claro. Espero que no quede nada en mi taller.
RdF: Si existe documentación, ¿Quién y cuándo decide que sube a categoría de arte? ¿El mer-
cado? ¿El creador? ¿El tiempo?
AR: Eso siempre debería decidirlo el artista. Pero en caso que no fuese él deben ser los enten-
didos en arte. El mercado nunca debe ser el que decide estas cosas, el mercado se mueve con
otros parámetros… El tiempo podría ser uno de los que lo decidiesen, como lo que hablábamos
antes de las obras prehistóricas.
o la dona o lo que sea debe dejar muy claro todo, cuantas copias, cómo, qué… si es obra única
pues ya está. Pero lo de firmarla pues no sé, creo que no es necesario.
RdF: ¿Usted lo sabe? ¿Lo conoce? ¿Le preocupa? ¿En algún momento le preocupó?
AR: Pues creo que lo sé. Me preocupa, pues sí. Me preocupó, pues seguramente. Pero insisto
en que depende.
ANEXO 2
ANEXO 2.
ENTREVISTA A FRANCESC TORRES SOBRE LA CONSERVACIÓN DE SUS ACCIONES Y
OBRAS RELACIONADAS DEL PERÍODO CONCEPTUAL.
INTRODUCCIÓN:
Es importante que conteste a la preguntas pensando sólo en su obra o en las obras en las que ha
participado de forma colectiva. La entrevista se realiza con la finalidad de recabar la mayor infor-
mación posible sobre su obra, para el estudio en el proceso de investigación del presente trabajo,
de este modo es posible que se puedan mejorar las condiciones de conservación y exposición
de sus obras al basarnos en sus criterios e intenciones. Es un privilegio poder trabajar con Vd.
PREGUNTAS DE APERTURA:
RdF: ¿Cómo se genera la idea para trabajar en una obra de las características de una acción?
FT: Yo empecé a hacer lo que son acciones a la Anglosajona, a partir de mi llegada a EE.UU.
las anteriores fueron de modo grupal, con el Grup de Treball. Allí no había artistas individuales,
cuando entrabas dejabas de ser quien eras para trabajar en grupo.
RdF: ¿Qué acontecimientos, personales o históricos cree que propiciaron ese momento creati-
vo?
FT: Algunas de las cosas que pasaban en Catalunya pudieron propiciar la aparición, pero lo que
verdaderamente estaba pasando eran una serie de ideas. Cuando hubo masa crítica se convirtió
ANEXO 2
PROCESO CREATIVO:
RdF: ¿Existe una toma de conciencia del artista respecto a la “Acción” y a lo efímero?
FT: Respecto a mis acciones individuales, sí.
RdF: ¿Cómo se desarrolla la idea original, con dibujos previos, maquetas, etc.?
FT: Con un texto descriptivo que sea suficientemente sugerente para explicar bien lo que quieres
llegar a conseguir. La razón de hacerlo así es por que cuando llegué a EE.UU. se funcionaba por
proyectos. Allí si no tienes un proyecto bien detallado no consigues nada. No podías ir por allí y
decir “por favor, tengo una idea, ¡ayúdeme!”, los artistas hemos tenido que aprender a hacer esto
por nuestra cuenta, no como los arquitectos que lo tienen como asignatura, ¿no?, así que por
una razón o por otra, la parte textual de la obra siempre fue muy importante.
RdF:¿Cuál es la importancia de estos dibujos previos o bocetos, los considera como obras aca-
badas, con valor expositivo en sí mismas?
FT: Tengo todas mis piezas descritas verbalmente (menos las primeras) antes y después de
hacerlas de forma que eso pueda ofrecer la mayor información directa, de parte del artista…
pero no, eso no tiene carácter expositivo. También estaban documentadas fotográficamente y
después ya llegó el vídeo. Están descritas de forma matérica, es como un script ¿no? Explica
en las instalaciones, cómo montarlo, cómo debe ser el espacio, cómo desmontarlo, qué debe
conservarse, qué es importante, la luz… todo.
Todo esto creo que tiene un valor histórico, si quieres puede acompañar a la pieza, pero no es
material expositivo como obra de arte.
RdF: ¿Es la materia del soporte documental importante? ¿Lo es la información que soporta?
FT: la materia que soporta es importante. Cuando se trata de documentación, lo importante es
que la información no se pierda y cuando se trata de obra de arte lo que no se debe perder es la
esencia, el espíritu de la idea.
RdF: ¿Es el vídeo o la fotografía, documento resultado de la acción? Es decir: ¿La acción es un
proceso de creación de otro objeto o es obra en sí misma?
FT: En las que hicimos con el Grup de Treball y en general las acciones, yo creo que al principio
no. Cuando D. Oppenheim empezó a mostrar y vender sus Blue prints (una especie de planos
que entonces usaban los arquitectos para hacer sus proyectos) y los vendía firmados, a muchos
de nosotros eso nos extrañó ¿no? Por que nos parecía que todo eso no tenía razón de ser, el
hecho de que pusiese su firma no dejaba de ser documentación, pero claro si mirábamos a Du-
champ, todo valía, pero todo esto no se había pensado desde el punto de vista teórico. Dentro
del contexto teórico, en una distancia, entre el ser y hacer…pero claro, donde nos enganchamos
los dedos, donde surgieron las herejías fue cuando quisimos que de todo quedase constancia y
se empezó a liar la documentación y la obra de arte que no era documentación…
(RdF: Cuando de la acción se genera un objeto o una imagen… ¿ese objeto tiene un sentido
como en los dadaístas, la “finalidad concreta” de dar apoyo a sus acciones?)
En caso afirmativo:
ANEXO 2
(RdF: ¿En las Acciones de Body Art, sin el autor no hay obra?)
RdF: ¿Cree que eso sería una nueva obra o lo considera la misma obra?]
RdF: Dado que el contexto histórico no es el mismo, ¿cómo se realiza de nuevo una acción que
dependía tanto del momento histórico?
FT: eso es lo que los americanos dicen: el jurado todavía lo está deliberando… depende. Si una
obra es muy buena (por entenderse) surgida de un contexto muy específico, si es buena como
obra de arte, lo seguirá siendo, aunque el tiempo y la historia haya pasado. Por que lo que re-
presenta, seguirá siendo vigente. Siempre que esté bien resuelta a través de los lenguajes artís-
ticos. Por ejemplo en pintura, El Guernica hace muchos años que bombardearon Guernica pero
sigue siendo una obra extraordinaria, por dos cosa: por que es una obra de arte magnífica y por
que habla de un hecho emblemático de la historia del s. XX
RdF: Si se realiza de nuevo esa acción, ¿debe generarse una nueva documentación? ¿Es un
segundo momento creativo de la misma obra o se trata de una nueva obra?
FT: si se realiza de nuevo debe ser la misma obra, si no ya no es la misma, es otra. La idea es lo
que vale. Y se debe adaptar, claro, sino resulta ridículo. No vas a hacer una acción con la misma
ropa que llevabas, por ejemplo (si se diese el caso)
ANEXO 2
En caso negativo:
¿Ha desaparecido para siempre la obra de arte, la Acción?
¿Es la memoria de los que la vivieron, la obra de arte ahora?
¿Se puede considerar que la documentación generada en el momento de la Acción es la obra
de arte ahora?]
CONTEXTO HISTÓRICO
RdF: Desde un punto de vista técnico, ¿qué enseñanzas o influencias considera relevantes para
llegar a realizar las acciones? Yo empecé a producir, más allá de lo que se considera el trabajo
de estudiante… por que yo no estudié a sí de forma oficial. Pues eso lo empecé a hacer a los
veinte años (en el 68), estaba en París trabajando con P. Kowalsky, allí aprendí todo sobre arte.
Mi periodo conceptual, que más o menos coincide con el de todo el mundo, (los anglosajones
empezaron un poco antes, en el 66) pues eso, de finales de los sesenta hasta el 74. pues en ese
momento, los mismos conceptuales ya empiezan a expandir esa práctica inicial i también empie-
zan a aparecer las primeras instalaciones y el vídeo expandido (que también tiene una serie de
problemas muy específicos a la hora de conservarlo ¿no?
RdF: ¿Se siente identificado con El arte conceptual o prefiere no ser calificado en ningún movi-
miento o corriente?
RdF: ¿Cómo describiría la relación con los artistas contemporáneos más próximos a su obra?
RdF: ¿Cree que el contexto histórico fue determinante para que esas acciones se realizaran?
FT: fue un momento especial. Lo importante era lo que querías decir. ¿Se puede verdaderamente
hacer arte sin estar en el estudio? Salir a las Ramblas y ¡Paf!, ¡eso fue maravilloso! ¡En aquel
momento fue la pera! Y si te cogía (como a mi) cuando aun estabas empezando aun era más
fantástico! Yo estaba en la Massana pintando peras… y de repente! ¡Mira! Esta parte de lluvia,
de aquí a aquí: esto es una escultura. La intencionalidad que nos mostró Duchamp y la persona
de Brossa fueron muy importantes para la generación.
una sostenibilidad espectacular (utilizando un término de ahora) no creo que el que esto surgiese
fuese gracias al tema estrictamente económico, aunque eso siempre ayudó. Eso es circunstan-
cial cuando la obra es genial.
RdF: ¿Cree que los que documentaron, textualmente, (críticos, periodistas, historiadores…) son
los que verdaderamente hacen la función de “conservadores” de las obras de arte efímero? (al-
gunas obras sólo quedan en las descripciones de éstos) (ejem: A. Cirici)
FT: No, lo que queda son la sobras de arte.
MATERIALES Y TÉCNICAS
RdF: ¿Los materiales que se usaron en la realización de las acciones fueron determinados pre-
viamente?
FT: todo estaba pensado previamente, en mis acciones todo estaba pensado. Si necesitabas una
silla, era por una serie de razones. Todo estaba meditado. No había nada que fuese arbitrario.
RdF: ¿Qué tipo de materiales se usaron? ¿Materiales que ofrece el mercado o productos espe-
cíficos?
FT: generalmente usabas cosas que existían, la fabricación fue algo que ya entró con el mundo
de las instalaciones.
RdF: ¿Qué era más importante en la elección de los materiales: la apariencia visual u otras cua-
lidades como el significado simbólico, durabilidad, fácil manipulación, precio…?
FT: tenía su valor simbólico y si tenía que ser agua era agua, no algo parecido.
RdF: ¿Pensó en la durabilidad a la hora de utilizar los materiales? ¿Los protegió de algún modo?
FT: NO. Lo que ha hecho que todo esto haya condicionado una permanencia es contextual por
el medio o por el tipo de organización que hemos creado en e mundo del arte. Pero este aspecto
efímero era presente en las instalaciones también, al principio las instalaciones, nadie las colec-
cionaba. Han sido los museos (algo por estudiar), la complicidad de los museos y las instalacio-
nes multimedia, no podrían existir el uno sin el otro… entonces, sabías que no podías entrar en
la colección. La obra de la primera generación de instaladores, desaparecería. Te quedabas con
lo que no se repetía, todo lo que no se podía repetir, todo lo que era atrezzo, desaparecía. Era
más caro guardarlo que volver a fabricarlo. Estamos hablando de un tipo de obra que ha sido
asumida totalmente por el sistema museístico, hasta incluso por el coleccionista privado. Hace
30 años el sentido de permanencia no existía.
ANEXO 2
¿Con que?
ENVEJECIMIENTO Y DETERIORO
RdF: En una obra con las características tan peculiares como la Acción ¿Qué considera a su
criterio que es un deterioro?
FT: El propio Performer, el tiempo, el lugar donde se hace, prácticamente todo, en el sentido lite-
ral de la palabra. Igual que una pieza musical o una obra de teatro cada vez que se hace, nunca
es igual. En la acción eso es más radical. Si la pieza es una gran pieza, el paso del tiempo no
tiene por qué ser un factor de deterioro.
RdF: ¿Considera que el envejecimiento de los materiales puede disminuir la expresividad de sus
obras?
FT: No, lo importante es la idea, la materia se puede reproducir las veces que haga falta. Lo que
es absurdo es cuando se le empieza a añadir valores estéticos que no había tenido.
FT: no, de la misma manera que no pasa cuando una obra religiosa se descontextualiza, si la
obra es buena, te sigue diciendo cosas. En la acción de Oppenheim con la tarántula, era brutal.
Esa acción sigue siendo brutal, la pirotecnia estética es cero y sigue vigente.
RdF: ¿Cuál es el límite aceptable para sus obras de envejecimiento o deterioro? ¿Dónde está
la barrera entre un estado de conservación aceptable y el estado en que debe intervenirse para
devolver a la obra su capacidad de comunicación?
FT: cuando se pierde la idea, el concepto. La comunicación.
CONSERVACIÓN Y RESTAURACIÓN
RdF: ¿Ha restaurado alguna de sus obras personalmente? ¿Qué criterios ha seguido?
RdF: ¿Le gustaría colaborar con el restaurador de alguna manera? ¿Le gustaría que le consul-
ten?
FT: Alguna vez he tenido contactos como ahora contigo, sí me gusta que me consulten, aunque
sólo tienen que consultar la información.
RdF: ¿Cree que la obra debe actualizarse en formato? ¿Debe mantenerse en el soporte original?
FT: si es necesario para que la obra exista sí. Yo mismo lo he hecho. O lo han hecho de obras
mías. EL primer vídeo que hice, en el 73 es totalmente irreproducible, lo hice con una marca que
ya no existe y un sistema que no era estándar. No lo pude volver a reproducir…me he pasado 30
años buscando la manera de pasarlo, pero no lo he vuelto a ver. Se proyectó y ya está. Lo único
que tengo son fotos de cuando lo proyecté, por que eran performances que estaban hechas en
ANEXO 2
vídeo y las fui fotografiando. Lo que me ha quedado son las fotos y la cinta material.
RdF: ¿Entonces esta obra se ha perdido?
FT: Queda la documentación, y la información codificada…. ¡Es como una nueva obra de arte!
¡Aquí tienes una hora de vídeo pero no la podrás ver nunca! ¡Más conceptual no puede ser!
RdF: Cuando el soporte desaparece o se estropea, ¿a su criterio, desaparece la obra o cree que
es lícita la sustitución? ¿Sustitución o conservación de los elementos?
FT: a ver tengo una pieza que te puede responder a eso. Grabé una hora de cosas que pasaban
en una hora de vida normal, conversaciones con mi mujer, circunstancias de casa… cuando lo
acabé la saqué de la bobina y la puse al sol hasta que quedó reseca y quemada. ¿Que quedo?
La foto. ¡Una hora de vida! Osea, tenía muchas connotaciones, ¿no? Pasas de los media a la
escultura i la acción. ¿Quieres esta pieza? Alguien te dice que quiere que forme parte de su co-
lección. Le dices, está en la basura… o le vendes la foto. ¡No! La vuelves a hacer. Por que lo que
vale es la idea. Es fácil de reproducir, tienen a información y la imagen de la primera vez que se
hizo. Todo eso de la primera pieza. ¡Eso es artificial! Si no fuese por esas cosas condicionadas
por el mercado y por el valor añadido que se le da a todo esto…
RdF: ¿Hay que “actualizar” la imagen de la acción o debe conservarse, en estética visual, como
cuando se realizó?
FT: eso es un poco ridículo. Lo que haya que actualizar se actualiza.
RdF: ¿Cree que puede solucionarse añadiendo información contextual a la hora de exponerse?
FT: la información está bien, puede ser interesante, a veces la gente no sabe de donde ha salido
aquello y poder ver de donde ha salido, el proceso de creación, de conceptualización, que tipo de
ANEXO 2
proceso ideológico incluso, como piensa el artista, si es arte político… todo eso es interesante,
pero no es obra.
RdF: ¿Cree necesario dejar unas directrices de actuación por si Vd. no puede participar en el
proceso? ¿Para todas sus obras?
FT: sí ylo he dejado de todas mis obras. Cada una de ellas individualmente tiene una ficha hecha
en el momento y sino añadida, después con cosas que se te han escapado, comentarios con
añadidos, las fotos de cuando se ha vuelto a hacer y la nueva información, todo esto está hecho
de todas las instalaciones, tengo que hacerlo con las de los 70.
RdF: ¿Considera el facsímil una buena idea de conservación en el caso de obras perdidas o
deterioradas?
FT: No.
RdF: Si existe la documentación, ¿Quién y cuándo decide que sube a categoría de arte? ¿El
mercado? ¿El creador? ¿El tiempo?
FT: eso solo lo puede decidir el artista. Pero la documentación es documentación, puede ser
tremendamente interesante, no estamos hablando de chatarra, pero no puede ser otra cosa que
lo que es. Las fotos que son obras de arte y que aportan información además es otra cosa.
RdF: ¿Cuántas copias? ¿Firmadas?
FT: las copias las decido yo. Van firmadas pero no en la foto, en un certificado, eso es una me-
ANEXO 2
mez. Si la foto se estropea, se hace una nueva. Siempre con los parámetros que pone en la ficha,
en el certificado.
RdF: ¿Usted lo sabe? ¿Lo conoce? ¿Le preocupa? ¿En algún momento le preocupó?
FT: no me preocupa. Lo sé y respeto las normas del juego, pero una copia es lo mismo. Está
claro que lo que vale es que si es obra única no puede haber dos.
ANEXO 3.
ENTREVISTA A VICENÇ VIAPLANA SOBRE LA CONSERVACIÓN DE SUS ACCIONES Y
OBRAS RELACIONADAS DEL PERÍODO CONCEPTUAL.
INTRODUCCIÓN:
RdF: Es importante que conteste a las preguntas pensando sólo en su obra o en las obras en
las que ha participado de forma colectiva. La entrevista se realiza con la finalidad de recabar
la mayor información posible sobre su obra, para el estudio, en el proceso de investigación del
presente trabajo, de este modo es posible que se puedan mejorar las condiciones de conserva-
ción y exposición de sus obras al basarnos en sus criterios e intenciones. Es un privilegio poder
trabajar con Vd.
*(Hay que subrayar en el Caso de Vicens Viaplana, que la mayoría de las acciones que realizó
hasta los 70, fueron grupales. Son las últimas las que ya tienen un carácter más individual, así
que en la entrevista se hablará de las dos modalidades. Las de juventud, de carácter grupal y las
siguientes, de carácter individual)
PREGUNTAS DE APERTURA:
RdF: ¿Cómo se genera la idea para trabajar en una obra de las características de una acción?
¿Cómo llegó a este momento de creación?
VV: Sería como tomar una postura, es una primera elección, artísticamente te puedes expresar
de otras maneras, es un método de comunicación, ya es una declaración de intenciones, expre-
sar te, comunicar te mediante la performance, la acción, el body-art, todo ello ya supone una
postura… de momento radical, ahora quizás no tanto pero en aquel momento sí, radical, a la
última, a la vanguardia…
RdF: ¿Qué acontecimientos, personales o históricos cree que propiciaron ese momento creati-
vo?
VV: Tengo que decirte que yo hice una carrera atípica. En Granollers hubo un homenaje a Joan
Miró y paralelamente se organizó un concurso de arte joven. Alexandre Ciri i Pellicer es la en-
ANEXO 3
trada al Arte Póvera y en poco tiempo se derivó al Arte Conceptual. Yo en aquel momento tenía
dieciséis años o diecisiete, estaban todas las antenas dirigidas a salir de la miseria franquista
que vivíamos aquí ¿no? Entonces te coges a esto. Dices: “¡Esto es una puerta abierta! ¡Era aire
fresco! Entonces yo comenté: “¡Empecemos!” (por que éramos dos o tres amigos de la calle).
Empezamos a hacer acciones, de una manera totalmente intuitiva, incluso naïf. Mi carrera es
algo atípica, no pasa aquello de que vas a una escuela y empiezas pintando, no… no, empecé
directamente por la patilla. Vemos un par de exposiciones y al año siguiente montamos una no-
sotros… en el franquismo había unos vacíos increíbles a la hora de pedir locales. Y montábamos
exposiciones en locales grandes y allí se hacían las exposiciones del certamen de Arte Joven.
Todo lo hacíamos de una manera intuitiva.
PROCESO CREATIVO:
RdF: ¿Existe una toma de conciencia del artista respecto a la “Acción” y a lo efímero?
VV: Una de las características de lo que sucede en Granollers es que es un movimiento bastante
grupal. No había una conciencia clara del hecho artístico, es más bien una “agitación”, se daba
todo en la calle, era un surgimiento.
RdF: ¿Cómo se desarrolla la idea original, con dibujos previos, maquetas, etc.?
VV: Por lo general no se realiza ningún apunte gráfico o esquema, era algo más como un guión
hablado. Hay una acción en la que quizás sí se hizo algún esquema escrito. Una en la que dibuja
un ring y en ésta sí por que se hacen una especie de planos para tener las medidas. Yo tengo
alguno de estos documentos.
RdF: ¿Cuál es la importancia de estos dibujos previos o bocetos, los considera como obras aca-
badas, con valor expositivo en sí mismas?
VV: No, en la primera fase no hubo, ya que era todo como muy amateur. No se pensaba en do-
cumentar y se estaba en contra del sistema de mercantilización del arte del momento. Una de
las posturas era ir en contra de la conservación. La idea de desmaterialización. Eso funciona en
el primer conceptual, después se entró en una fase de colapso y contradicción.
ANEXO 3
RdF: ¿Es el vídeo o la fotografía, documento resultado de la acción? Es decir: ¿La acción es un
proceso de creación de otro objeto o es obra en sí misma?
VV: No nos lo planteábamos, la acción era la obra. En realidad era como una manera de vivir y
por lo tanto se planteaba generar un objeto, de hecho uno de los principios importantes, como te
he comentado ya, era ir contra la mercantilización del arte.
(RdF: Cuando de la acción se genera un objeto o una imagen… ¿ese objeto tiene un sentido
como en los dadaístas, la “finalidad concreta” de dar apoyo a sus acciones?)
En caso afirmativo:
ANEXO 3
RdF: ¿Cree que eso sería una nueva obra o lo considera la misma obra?
VV: Sería una nueva versión, quizás una nueva lectura. Pero es que siempre sería una nueva
versión por que la acción se nutre del momento.
RdF: Dado que el contexto histórico no es el mismo, ¿cómo se realiza de nuevo una acción que
dependía tanto del momento histórico?
VV: Con una revisión, no se puede hacer mimético, sería como una caricatura, sería ridículo.
Debería ser casi más como un documental de lo que fue. Hacerlo con una intención artística
sería ridículo.
RdF: Si se realiza de nuevo esa acción, ¿debe generarse una nueva documentación?
VV: ¿Por qué no? Vivimos en un momento de información.
RdF: ¿Es un segundo momento creativo de la misma obra o se trata de una nueva obra?
VV: Es una revisión y la documentación es documentación. Es diferente de si en ese trabajo de
documentación surge algo nuevo algo que puede ser arte…
En caso negativo:
¿Ha desaparecido para siempre la obra de arte, la Acción?
¿Es la memoria de los que la vivieron, la obra de arte ahora?
¿Se puede considerar que la documentación generada en el momento de la Acción es la obra
de arte ahora?
ANEXO 3
CONTEXTO HISTÓRICO
RdF: Desde un punto de vista técnico, ¿qué enseñanzas o influencias considera relevantes para
llegar a realizar las acciones?
VV: Como ya te he comentado mi proceso fue al contrario de la mayoría. Empecé en el arte por
la parte más transgresora, por la acción y el concepto. Las influencias que pude recibir fueron las
que encontramos en las lecturas de Serra d’Or. Era un movimiento a-académico.
RdF: ¿Se siente identificado con El Arte Conceptual o prefiere no ser calificado en ningún movi-
miento o corriente?
VV: Sí, me siento identificado con el espíritu del primer conceptual. Y después yo, como otros
artistas de ese momento, nos fuimos más por la pintura. Cuando hago alguna acción o alguna
vídeo-acción sigo un poco en la misma línea del concepto.
RdF: ¿Cómo describiría la relación con los artistas contemporáneos más próximos a su obra?
RdF: ¿Cree que el contexto histórico fue determinante para que esas acciones se realizaran?
VV: ¡Absolutamente!, el momento tardo-franquista en el que todo se estaba rompiendo era pro-
picio para romper con el arte también.
RdF: ¿Cree que los que documentaron, textualmente, (críticos, periodistas, historiadores…) son
los que verdaderamente hacen la función de “conservadores” de las obras de arte efímero? (al-
gunas obras sólo quedan en las descripciones de éstos) (ejem: A. Cirici)
VV: Sí, creo que ellos y los propios artistas que han guardado materiales o fotos o documentos,
o con las entrevistas que se les puede hacer… Eso sería una manera de recuperar o restaurar
las acciones del momento. Quizás ésta sería la verdadera manera de recuperarlo, es más “legal”
más cercana al espíritu del conceptual.
ANEXO 3
MATERIALES Y TÉCNICAS
RdF: ¿Los materiales que se usaron en la realización de las acciones fueron determinados pre-
viamente?
VV: Cuando se usaba alguna construcción o algún material se pensaba.
RdF: ¿Qué tipo de materiales se usaron? ¿Materiales que ofrece el mercado o productos espe-
cíficos?
VV: Cuando se tenía que usar, se construía con materiales existentes pero no era sólo colocar,
había una cierta construcción, eran materiales industriales. Por ejemplo se construía un espacio
con lona y tenía que ser lona, no era otra cosa. Se valoraban más en relación al significado o
al mensaje. Piensa que al principio lo que se valoraba eran conceptos como la duplicación, la
desmaterialización del objeto artístico y se usaban fotocopias como material base de la obra.
RdF: ¿Qué era más importante en la elección de los materiales: la apariencia visual u otras cua-
lidades como el significado simbólico, durabilidad, fácil manipulación, precio…?
VV: Las dos cosas eran importantes. No era un simple impacto estético, pero su imagen visual
era importante. Se imponía la funcionalidad, funcionalidad para conducir la idea. El precio era
fundamental, por que era un arte amateur en todos los sentidos. No estábamos para grandes
alegrías.
RdF: ¿Pensó en la durabilidad a la hora de utilizar los materiales? ¿Los protegió de algún modo?
VV: No a las dos.
ENVEJECIMIENTO Y DETERIORO
RdF: En una obra con las características tan peculiares como la Acción ¿Qué considera a su
criterio que es un deterioro?
VV: El paso del tiempo creo que aunque parezca que tenga que serlo no lo es por que ha hecho
una revisión, ha puesto todos los escenarios y las poéticas en su lugar y les ha dado valor.
ANEXO 3
RdF: ¿Considera que el envejecimiento de los materiales puede disminuir la expresividad de sus
obras?
RdF: ¿Cuál es el límite aceptable para sus obras de envejecimiento o deterioro? ¿Dónde está
la barrera entre un estado de conservación aceptable y el estado en que debe intervenirse para
devolver a la obra su capacidad de comunicación?
VV: no hay un parámetro único. Depende. Hay cuestiones técnicas que son fáciles de intervenir.
Si una foto tiene hongos y no permite ver la imagen se intenta recuperar o se hace una copia
fiel, pero en realidad no se puede hablar de un límite aceptable. Quizá el límite está en la falta de
funcionalidad. Cuando la obra ya no comunica o no funciona como debería. Lo que no veo bien
es abordarlo como una reliquia, ¡eso es absurdo!
CONSERVACIÓN Y RESTAURACIÓN
RdF: ¿Le gustaría colaborar con el restaurador de alguna manera? ¿Le gustaría que le consul-
ten?
VV: Sí claro, prefiero que me consulten y me gustaría mucho colaborar en lo que pueda.
RdF: ¿Cree que la obra debe actualizarse en formato? ¿Debe mantenerse en el soporte original?
RdF: Cuando el soporte desaparece o se estropea, ¿a su criterio, desaparece la obra o cree que
es lícita la sustitución? ¿Sustitución o conservación de los elementos?
RdF: ¿Quiere que el azar o planificación de la acción se conserve? ¿Que se plasme en la docu-
mentación?
VV: Eso no es posible ¿no? Ya entiendo lo que quieres decir, que se provoque en el espectador
ese “azar”. Pero no, creo que no, que cada nueva acción tiene que ser nueva, una nueva versión.
RdF: ¿Hay que “actualizar” la imagen de la acción o debe conservarse, en estética visual, como
cuando se realizó?
VV: no, no, por favor, conservar la imagen ¡sería horroroso! Sería como un cuéntame ridículo.
RdF: ¿Cree que puede solucionarse añadiendo información contextual a la hora de exponerse?
VV: la información siempre es un arma para acercarse a la obra, pero debe funcionar por sí
misma. La clave para acercarse al arte es el conocimiento, es la mejor manera de conservar las
obras de arte. El conocimiento.
ANEXO 3
RdF: ¿Quién cree que está más capacitado para conservar su obra?
VV: Creo que es diferente un conservador-restaurador de algo matérico que uno de ideas. Debe
ser un conjunto de especialistas a poder ser.
RdF: ¿Considera el facsímil una buena idea de conservación en el caso de obras perdidas o
deterioradas?
VV: No, eso es otra cosa.
RdF: Si existe la documentación, ¿Quién y cuándo decide que sube a categoría de arte? ¿El
mercado? ¿El creador? ¿El tiempo?
ANEXO 3
VV: La documentación, es sólo documentación, no puede subir a obra de arte, es diferente cuan-
do se ha generado una imagen que documenta y que a su vez se ha decidido que sería una obra
de arte. Que el proceso de la acción genera algo que no es documentación. Subir a categoría de
obra de arte lo que fue solo documentación, es un contrasentido, va en contra del espíritu del arte
conceptual. Lo que pasó fue el momento, todo lo demás es un accidente.
RdF: ¿Cuántas copias? ¿Firmadas?
VV: En el momento de las acciones y del arte conceptual lo que se quería era la seriación, se
hacían muchas obras fotocopiadas para eso para que fuesen series ilimitadas.
RdF: ¿Quién las controla? ¿Seriadas o certificadas?
VV: debería controlarlas el artista, depende de quien las tenga.
RdF: ¿Usted lo sabe? ¿Lo conoce? ¿Le preocupa? ¿En algún momento le preocupó?
VV: Sí lo sé. De casi todas las que yo tengo, lo sé. Me preocupa como todas mis obras.
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AGRADECIMIENTOS
AGRADECIMIENTOS
Para los que han estado escuchándome aunque lo que les contara pudiese sonarles a Sanscrito.
Para los que han estado levantándome cuando pensaba que no quería seguir.
Para los que han creído que lo podía hacer cuando yo no lo creía.
Para los que han puesto una sonrisa encima de los puntos y me han mirado con cara de felicidad
por saber que era mi deseo.
Para los artistas que han sido unas fantásticas personas y se han ilusionado con todo lo que les
pedía, colaborando, leyendo y sonriendo…
Para mis tutoras, cada una por sus aportaciones, unas a lo largo de los años y otras en momen-
tos puntuales.
Para mis peques que se saben el trabajo de memoria y han permanecido en el exilio mientras
esto se hacía realidad.
Y sobre todo para ti, uno por el otro siempre liados en mis burruñitos.