L.

David
(Neoclasicismo) G. Courbet
Fines S XVIII y (Realismo)
comienzo del XIX Segunda mitad S XIX

P. Mondrian
(Neoplasticismo) Picasso
1917 - 1944 Cubista
1907 - 1914
Definición de estos Conceptos:
Estas cuatro categorías son formas de representación que expresan las distintas posibilidades que
tiene el artista con relación a la representación del mundo exterior.
Naturalismo:
Se basa en la imitación, ilusión de la perspectiva visual. Las cosas tal como se ven.
Abstracción:
Implica una síntesis formal del objeto representado, hay dos tipos de abstracción la Abstracción
Geométrica y/o la Abstracción estilizada.
Realismo:
Implica expresar el concepto que el artista tiene sobre el objeto representado, el realismo va a lo
particular (esto que estoy viendo que me merece) e implica un concepto de valor.
Idealismo:
Implica la expresión o la idea de conceptos abstractos que el artista representa como”lo que debe
ser”.

Naturalismo Los que se ve

Abstracción Síntesis de la forma
Realismo Lo que es
Idealismo Lo que debe ser

Jacques Luis David

Jacques-Luis David (30 de agosto de 1748 - 29 de diciembre de 1825) fue un pintor francés de
bastante influencia en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y
mitológicos griegos, basándose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima moral
de los últimos años del antiguo régimen.
Más tarde David llego a ser un activo participante en la Revolución Francesa así como amigo de
Maximilien de Robespierre; en realidad fue el líder de las artes bajo la República Francesa.
Encarcelado tras la caída de Robespierre del poder, más tarde se alineó con el advenimiento de otro
régimen político, el de Napoleón Bonaparte. Fue en esta época cuando desarrolló su 'Estilo
Imperio', notable por el uso de colores cálidos al estilo Veneciano. Entre sus numerosos alumnos
cabe destacar a Antoine-Jean Gros, Anne-Louis Girodet de Roucy-Triosson y el más conocido de
todos: Jean Auguste Dominique Ingres. Esto le hizo ser el pintor más influyente del arte Francés
del siglo XIX, especialmente en las pinturas académicas.
El Juramento de los Horacios

Juramento de los Horacios en él se representa el «saludo romano», con el brazo extendido y la

palma hacia abajo. El tema de la pintura tiene una perspectiva extrema patriótica y neoclásica; más
tarde se convirtió en modelo a seguir por futuros pintores. Aumentó la fama de su autor, y le
permitió mantener a sus propios estudiantes.El tema de la obra es el cumplimiento del deber por
encima de cualquier sentimiento personal. Representa a los Horacios romanos quienes, para
resolver la disputa entre los romanos y la ciudad de Alba Longa. Conforme se acercaba la
Revolución Francesa, aumentaron las pinturas que instaban a la lealtad al estado más que al clan o
a la iglesia. Aunque se pintó casi cinco años antes de la revolución, el Juramento de los Horacios
se convirtió en una de las imágenes representativas de la época.
En la pintura, los tres hermanos expresan su lealtad y solidaridad con Roma antes de la batalla,
totalmente apoyados por su padre. Son hombres deseosos de entregar sus vidas por deber
patriótico. En esta sociedad patriarcal, los hombres de acero, de resuelta mirada y miembros tensos,
son la ciudadela del patriotismo republicano. Eran símbolos de las más altas virtudes de la
República; las mujeres, de más tierno corazón, se quedan en casa llorando y están satisfechas con
esperar.
Las madres y hermanas se muestran vestidas de seda, que parecen deshacerse en tiernas
expresiones de dolor. Su desesperación está explicada en parte por el hecho de que una hermana
estaba prometida a uno de los Curiacios y la otra es hermana de los Curiacios, casada con uno de
los Horacios. Tras la derrota de los Curiacios, el Horacio superviviente regresa a casa para
encontrarse a su hermana maldiciendo a Roma por la muerte de su prometido. La mata,
horrorizado por sus maldiciones. Originalmente, David había pretendido representar este episodio,
y sobreviven dibujos mostrando al Horacio superviviente alzando su espada, son su hermana
yaciendo muerta. David más tarde decidió que este tema era demasiado fuerte para enviar el
mensaje del deber público sobre el sentimiento privado, pero su siguiente obra importante
representaba una escena similar, Lucio Junio Bruto lamentándose sobre los cuerpos de sus hijos
después de haber ordenado él mismo su ejecución por traición.
El cuadro muestra a los tres hermanos a la izquierda, su padre en el centro y a la derecha las
mujeres. Comenzando desde la izquierda, los hermanos Horacio, tres de ellos sujetan sus espadas
para el juramento. Como miembros de una sociedad patriarcal, no muestran emociones, y son
duros como piedras. Incluso el padre no muestra emoción alguna. Él sostiene tres espadas. A la
derecha, tres mujeres lloran, una al fondo y dos en la parte derecha del primer término: Camila y
Sabina. Camila viste una toga blanca que demuestra los conocimientos arqueológicos de David; es
una Horacio prometida con un Curiacio, y llora tanto por su prometido como por su hermano.
Sabina, vestida de marrón, es una Curiacio que está casada con uno de los Horacios, por lo que
llora por su esposo y su hermano1 . La mujer vestida de negro al fondo sostiene dos niños de uno
de los esposos Horacio y la esposa Curiacio. La hija menor oculta su rostro en el vestido de su aya
mientras que el hijo rechaza que le tapen los ojos.
El asesinato de Marat

La pintura representa el fallecimiento en 1793 de Jean-Paul Marat, el escritor del periódico radical
L'Ami du peuple (El amigo del pueblo) y muy relacionado con la facción jacobina durante el
reinado del Terror, aunque nunca fue un miembro indiscutible. Marat fue apuñalado el 13 de julio
mientras escribía en su bañera por Carlota Corday, que apoyaba a la facción girondina, más
moderada, quien marchó de Normandía a París obsesionada con la idea de asesinar al hombre a
quien ella percibía como una «bestia», para así «salvar a Francia», y consiguió aproximársele
usando el subterfugio de hablarle de traidores a la causa de la Revolución. Corday lo asesinó con
un cuchillo que había escondido entre sus ropas. Logró entrar en la casa de Marat con la pretensión
de presentarle una lista de gente que debería ser ejecutada como enemigos de Francia. Marat se lo
agradeció y le dijo que serían guillotinados la semana siguiente, momento en el cual Corday
inmediatamente lo apuñaló. Carlota fue guillotinada poco después.
La Coronación de Napoleón
La coronación de Napoleón (en francés Le Sacre de Napoléon) es una obra de Jacques-Louis
David, pintor oficial de Napoleón Bonaparte. El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de
629 x 979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de París, Francia, pero también en Versalles.
La coronación y la consagración tuvieron lugar en Notre Dame de París, una manera para
Napoleón de poner de manifiesto que era un hijo de la Revolución: designaba la capital como el
centro político, administrativo y cultural de Francia.

Gustave Courbet
Gustave Courbet (Ornans, Francia, 10 de junio de 1819 - La Tour-de-Peilz, Suiza, 31 de diciembre
de 1877) fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido
activista democrático.
Entierro en Ornans

Entierro en Ornans (en francés, L'enterrement à Ornans) es uno de los cuadros más conocidos del
pintor francés Gustave Courbet. Está realizado al óleo sobre tela. Mide 315 cm de alto y 668 cm de
ancho. Fue pintado en 1849, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, de París, Francia.
Fue presentada en el Salón de 1850, provocando un escándalo, ya que había dado el tratamiento, en
formato y estilo, de una pintura de historia a lo que no era sino un episodio banal, un entierro de
pueblo, es decir, una escena de género.
La perspectiva viene dada por el claroscuro, los diferentes planos en los que se distribuyen las
figuras y su superposición y el fondo con los acantilados que se alza detrás de los personajes.
La línea del horizonte está por encima de las cabezas de los asistentes al entierro, a 1 /7 partes del
cuadro.
No hay una simetría clara. La estructura compositiva de la tela tiene su centro en la acción que
tiene lugar en la única obertura existente en la línea de los acantilados.
Las figuras y elementos del cuadro se distribuyen sin geometría.
La luz es barroca, inspirada ligeramente en Caravaggio. Busca contrastes entre el primer plano,
donde está el ataúd y los religiosos que hacen la ceremonia, y la franja de personajes vestidos de
negro. La luz no se utiliza p ara acentuar el dramatismo de los personajes, sino para dar
corporeidad y volumen a los cuerpos. En el cuadro domina una luz crepuscular que acentúa la
soledad del paisaje.
Señoritas a orillas del Sena

Cortesanas al borde del Sena (en francés, Les Demoiselles des bords de la Seine), es uno de los
cuadros más conocidos del pintor francés Gustave Courbet. Está realizado al óleo sobre lienzo.
Mide 174 cm de alto y 206 cm de ancho. Fue pintado en 1856, encontrándose actualmente en el
Museo del Petit-Palais, de París, Francia. También es conocido por su traducción literal: Las
señoritas (o Jóvenes) al borde del Sena (o a las orillas del Sena).
La escena representa a dos jóvenes que han realizado una excursión por el Sena en el verano y,
cansadas, se tumban a descansar en la orilla, a la sombra de unos árboles. Una de ellas está
dormida. La otra se apoya en una mano, pensativa.
Esta obra fue expuesta en el Salón de París de 1857 y creó un gran escándalo. Sólo puede
explicarse por el realismo que imprimió a la pintura, tanto en su tratamiento como en el tema tan
corriente y vulgar que lo protagonizaba. Además, lo hacía en un estilo que no lograba distancias a
las muchachas del espectador.
Bonjour, Monsieur Courbet
Se dibujó a sí mismo en un encuentro con otros caminantes. No hay elegantes actitudes, ni fluidez
de línea, ni colorido sugestivo. Puede hasta parecer infantil.
Retratar a un pintor (a sí mismo) desprolijo, en mangas de camisa, con bastón debió ofender al
mundillo de los artistas respetables.
El pintor en su estudio

 Courbet: Este cuadro del artista es un fiel reflejo de su temperamento y su condición

política. Cuando en 1855 presentó este cuadro junto con otros en la Exposición Universal de ese
año, fue rechazado. Courbet creó paralelamente un Pabellón del Realismo, antecesor de los
famosos Salones de los Rechazados.
 Personajes: El cuadro evidencia todas las etapas e influencias de Courbet. A la izquierda
encontramos las personas de clases bajas, retratadas de forma realista.
 Paisaje: Siguiendo con la idea de representar en el cuadro todas sus influencias, Courbet aquí
pinta uno de los géneros que cultivó: el paisaje. En concreto, un paisaje de Ornans.
 San Sebastián: El cuadro también se representa como un Juicio Final, con los olvidados a la
izquierda y los intelectuales a la derecha. En el centro está San Sebastián atravesado por las
flechas, que representa la Academia.
 Pastor: Un pastor inocente observa la escena. Es uno de los espectadores ideales, puros, de
Courbet.
 Mujer: Su musa desnuda aparece como la parte más sensual de la observación. Es otro de los
espectadores ideales para Courbet, representando una Alegoría de la Verdad.
 Pecho: En la parte izquierda, la de la miseria, representa a una mujer dando el pecho.
Simbolizaría la hambruna, la miseria.
 Elementos: Representa un sombrero y un puñal como la poesía romántica;
 Prensa: Una calavera sobre un periódico representa la prensa.
 Burgués: Según unos autores el burgués representado sentado podría ser el propio abuelo de
Courbet, pero para otros es el ministro de economía recaudando fondos para el golpe de Estado.
 Baudelaire: En el lado de los intelectuales se encuentra Baudelaire, simbolizando la poesía.
 Burgueses: Unos espectadores visitan el taller del artista, mientras su hijo a los pies dibuja en
un papel. Simboliza el estudio y el interés cultural.
 Amor: En segundo plano se encuentra una pareja que se abraza, símbolo del amor libre.
 Intelectuales: En el fondo están Proudhon, su amigo Brujas, Promayet y Buchon.
 Color: El tono que predomina es el marrón, el oscuro, muy influenciado por las obras barrocas
que veía en el Louvre y que tanto le maravillaban.
 Champfleury : El crítico de arte está sentado en un taburete, observando la escena.
 Ventana: Una ventana ilumina la escena. Curiosamente, el foco se centra en la figura del centro,
el artista, como queriendo decir que él es el mediador de la escena, el verdadero protagonista.

Pablo Picasso
Pablo Picasso fue un pintor y escultor español. (Málaga, 25 de octubre de 1881- Mougins
(Francia), 8 de abril de 1973). Uno de los principales artistas del siglo XX. Fundó, con Georges
Braque y Juan Gris, el movimiento cubista.
Es considerado uno de los mayores artistas del siglo XX. Participó y estuvo en la génesis de
muchos movimientos artísticos que se propagaron en todo el mundo y ejerció de ese modo una
gran influencia en muchos otros grandes artistas de su tiempo. Incansablemente prolífico, pintó
más de 2000 obras sobrevivientes en museos de toda Europa, y el resto del mundo.
Estudiante brillante y precoz, Picasso superó el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de
Barcelona a la edad de 14 años en un solo día y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De
acuerdo con una de las muchas leyendas sobre la vida del artista, su padre, reconociendo el
extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus
pinceles y su paleta y prometió nunca más volver a pintar en su vida.
Las Señoritas de Avignon

Este cuadro, marcó el comienzo de su Época Negra, y los críticos del siglo XX han querido ver en
él la clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente. Picasso
rompe aquí con el realismo y rompe con las leyes de la perspectiva establecidas desde el
Quattrocento. La obra tuvo un total rechazo. Sin embargo, Picasso -intuyendo su importancia-
continuó investigando. El tiempo le daría la razón y la obra cambiaría el curso de la Historia del
Arte muy poco tiempo después. Se la considera el inicio del cubismo.
La escena tiene lugar en el interior de un prostíbulo; esto no se deduce mirando simplemente el
cuadro sino por el conocimiento que se tiene de la historia de esta obra desde que Picasso la mostró
en privado a un grupo de amigos. Aparecen cinco mujeres desnudas y en el centro, en la zona de
abajo se muestra un bodegón compuesto por algunas frutas: una raja de sandía, un racimo de uvas,
una pera y una manzana, todo ello sobre una mesa tapada con un mantel arrugado de color blanco.
De las cinco mujeres hay tres que tienen unas caras especiales, como si en realidad fueran
máscaras pintadas sobre el rostro. Se trata de la que está a la derecha agachada, la que está detrás
de ella y la que se encuentra a la izquierda. Las dos del centro tienen sus caras más acordes con el
resto del cuerpo. La mujer de la izquierda parece que está entrando en la habitación y sujeta un
cortinón con su mano izquierda alzada. La figura que está a su lado, otra mujer desnuda, tiene una
perspectiva muy especial. A primera vista parece que está de pie, aunque con una postura forzada.
Si el espectador se abstrae en esta sola figura puede ver que Picasso la pintó tumbada y vista desde
arriba, con su brazo derecho doblado tras la cabeza y una pierna cruzada sobre la otra. A
continuación la mujer que está en el centro levanta los brazos doblados por detrás de su cabeza. En
la esquina de la derecha está la única figura sentada, en una posición anatómicamente imposible,
de espaldas al espectador pero con la cabeza completamente de frente. Tras ella se encuentra la
quinta mujer, de pie, que también parece descorrer una cortina.
Los colores oscilan entre el rosa, ocre, azul y blanco.
Los tres músicos

Es un óleo sobre tela pintado por Picasso en 1921 durante una estancia en Fontainebleau (Francia),
del cual hizo dos versiones, que constituyen dos obras maestras de la historia del arte. Se inscriben
en la fase del denominado “cubismo sintético”, y suponen una especie de despedida de este estilo.
En esta obra vemos a los músicos de perfil y de frente a la vez, gracias a la superposición de
planos, como si de estampas se tratase. La obra traslada al espectador al mundo de la comedia del
arte con tres figuras, un Arlequín, un Pierrot y un Monje que aparecen tocando un instrumento
musical. En las dos versiones de esta obra el orden es diferente. Por lo que respecta a la forma,
Picasso utiliza sus conocimientos del collage, ya que los dibujos coloreados de los vestidos de las
figuras, forman superficies que parecen hechas con papel pegado y se suceden la una a la otra,
dando al cuadro una alegre vivacidad, incluso una especie de movimiento interno. Las figuras,
sobre todo sus manos, están concebidas como si fuesen naipes, en una especie de confuso
simbolismo.
La única nota de realismo que aparece en la obra son las notaciones musicales en un simbólico
pentagrama. La entrada en contacto con el mundo del teatro en 1917, al conocer a la bailarina Olga
Joklova, le influye en la elección del tema que, ya había sido empleada (salvando todas las
distancias técnicas) en su “Época Rosa”. Con el cubismo sintético que utilizó en este cuadro,
volvió a una simplificación de las formas, creando esta especie de puzzle geométrico que evoca a
los músicos de la Comedia del Arte italiana. Los colores no se circunscriben exactamente a los
límites del dibujo, con lo que tiende a perderse la diferencia entre figuras y fondo.
Retrato de Daniel Kahnweiler
Estilísticamente es una obra del Cubismo analítico. Por tal se entiende el estilo que Braque y
Picasso desarrollan entre 1909 y 1912. Es un estilo austero y anti-ilusionista, la realidad queda
subordinada a la estructura del cuadro. Utiliza el facetado como técnica pictórica, es decir,
representan el espacio por facetas, un modo de visión por parcelas, reunidas en el cuadro. Picasso
con ello no buscaba la representación del concepto del personaje, ni del entorno que les rodea,
pinta esas figuras buscando un sistema de representación no ilusionista (de representación de
aquello que el ojo ve), un sistema en donde quede claro para el observador la condición de plano
del cuadro, es decir, la bidimensionalidad.
La solución es crear un eje vertical-horizontal que determine el eje de la fiugra y con él la
configuración de un esquema que permita representar sus partes, aquellas que vemos frontal y
lateralmente, es decir aparece el objeto que vemos de frente y el que no vemos pero que existe,
además se desjerarquizan los puntos de vista posibles, pues todos están presentes -hasta ahora la
pintura había ofrecido una visión frontal- , y no hay unas que primen sobre otras.
La luz y el volumen han de ser pintados, disponiéndose en el espacio de forma discontinua,
haciendo ver al espectador que en modo alguno asemajan la tercera dimensión. Por esos elige el
juego de ocres, grises y juega con sus tonalidades más o menos claras y con el uso de una
pincelada pequeña, menuda y constante que trasluce los colores, en ocasiones superpuestos para
crear una gradación matizada en aquellas zonas geométricas en que ha seccionado la figura y la
gradación se hace por contraste cuando pinta el límite entre una y otra.

Mondrian
Pieter Cornelis Mondriaan, conocido como Piet Mondrian, (*Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - † 1
de febrero Nueva York, 1944) fue un pintor vanguardista holandés; miembro de De Stijl y
fundador del neoplasticismo junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el
simbolismo hasta la abstracción de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos
Vasili Kandinski y Kazimir Malévich.
El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y
filosóficos. En efecto, al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la
estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-
color blanco (color que posee todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color
negro (ausencia de colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de
los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales
del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie,
eliminando las curvas, y en general todo lo formal expresó que el arte no debe ser figurativo, no
debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una
especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota
de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.
Busca, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear
otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en
interés de una unidad más grande.»
Brodway boogie-woogie

“Mondrian ha dejado su paraíso blanco para entrar en el mundo real” escribió Robert Motherwell
refiriéndose a esta pintura, con lo que quería expresar que el artista holandés había, por fin,
incorporado la emoción a su obra.
Así es. Pese a que las obras de Mondrian están lejos de ser la imagen de lo que denominaríamos
una pintura “emocional” convencional, es cierto que su llegada a Nueva York en 1939 produjo a
Mondrian una serie de emociones que convertirían esta etapa de su obra (hasta su muerte en 1944)
el la más intensa e interesante de su carrera. "Broadway Boogie-woogie" es, además de la
culminación de la pintura de "de Stijl", un homenaje a la música jazz y a la cultura americana,
realizado mediante la creación de líneas mediante múltiples rectángulos de colores.
Composiciones
Esta obra es muy representativa del lenguaje neoplasticista de Mondrian: el cromatismo se reduce a
los colores primarios -azul y rojo-, delimitados y encuadrados por los no colores -blanco y negro-.
La simplificación radical de los medios utilizados se manifiesta en esta superficie abstracta en la
que el autor ha renunciado a cualquier referencia de la naturaleza y a los elementos propios de la
pintura tradicional: el sombreado, el volumen y la perspectiva. Este tipo de lenguaje surgió durante
la I Guerra Mundial; el fuerte impacto que supuso su barbarie y destrucción impulsó a varios
artistas, en torno a la revista De Stijl, a crear un nuevo arte basado en el orden y la armonía.
Mondrian, máxima figura del grupo, concibió así una pintura pura, sin subjetividad ni emoción,
que anunciara una nueva sociedad equilibrada y racional. Después, el pintor mantendrá este
lenguaje, sometiéndolo a un proceso de simplificación de su estilo, como se manifiesta en esta
obra, considerada de su etapa clásica.