Renacimiento

Renacimiento es el nombre dado en el siglo XIX a

un amplio movimiento cultural que se produjo en
Europa Occidental durante los siglos XV y XVI. Fue
un periodo de transición entre la Edad Media y los
inicios de la Edad Moderna. Sus principales
exponentes se hallan en el campo de las artes,
aunque también se produjo una renovación en las
ciencias, tanto naturales como humanas. La
ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de
nacimiento y desarrollo de este movimiento, que
se extendió después por toda Europa.

El Renacimiento fue fruto de la difusión de las

ideas del humanismo, que determinaron una
nueva concepción del hombre y del mundo. El
término «renacimiento» se utilizó reivindicando
ciertos elementos de la cultura clásica griega y
romana, y se aplicó originariamente como una
vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la
contemplación libre de la naturaleza tras siglos de
predominio de un tipo de mentalidad más rígida y
dogmática establecida en la Europa medieval. En
esta nueva etapa se planteó una nueva forma de
ver el mundo y al ser humano, con nuevos
enfoques en los campos de las artes, la política, la
filosofía y las ciencias, sustituyendo el
teocentrismo medieval por el antropocentrismo.

El historiador y artista Giorgio Vasari fue el

primero que utilizó
Hombre de Vitruvio, dibujo de Leonardo da Vinci, expresión
del canon estético renacentista
la palabra "renacimiento" (rinascita) para describir
la ruptura con la tradición artística medieval, a la
que calificaba como un estilo de bárbaros, que
más tarde recibirá el calificativo de Gótico. Vasari
opinaba que las artes habían entrado en
decadencia al hundirse el Imperio Romano y solo
habían sido rescatadas por los artistas de la
Toscana a partir del siglo XIII.1
El concepto actual de Renacimiento (del francés
Renaissance) fue formulado a mediados del siglo
XIX por el historiador francés Jules Michelet, en su
obra Renaissance et Réforme, publicada en 1855.2
Por primera vez, Michelet usó el término en el
sentido de un periodo histórico, que abarcaría
desde el descubrimiento de América hasta Galileo,
y lo consideró más importante por sus desarrollos
científicos que por el arte o la cultura. Michelet,
que era nacionalista francés y republicano, le
atribuyó al Renacimiento unos valores
democráticos opuestos a los de la Edad Media
precedente y un protagonismo francés.3
El otro historiador que tuvo gran influencia en dar
forma al concepto de Renacimiento fue el suizo
Jacob Burckhardt, quien lo definió como el periodo
entre Giotto y Miguel Ángel, es decir del siglo XIV a
mediados del XVI. Buckhardt destacaba del
Renacimiento el surgimiento del espíritu
El Renacimiento marca el inicio de la Edad Moderna,
un período histórico que por lo general se suele
establecer entre el descubrimiento de América en
1492 y la Revolución francesa en 1789, y que, en el
terreno cultural, se divide en el Renacimiento
(siglos XV y XVI) y el Barroco (siglos XVII y XVIII), con
subdivisiones como el manierismo, el rococó y el
neoclasicismo. Otros historiadores sitúan la fecha
de inicio en 1453, caída de Constantinopla, o bien
remarcan un hecho trascendental como la
invención de la imprenta (hacia 1440
aproximadamente, de la mano de Johannes
Gutenberg).6
individualista moderno, que la Edad Media habría
cohibido.4
Desde una perspectiva de la evolución artística
general de Europa, el Renacimiento significó una
«ruptura» con la unidad estilística que hasta ese
momento había sido «supranacional». El
Renacimiento no fue un fenómeno unitario desde
los puntos de vista cronológico y geográfico: su
ámbito se limitó a la cultura europea y a los
territorios americanos recién descubiertos, a los
que las novedades renacentistas llegaron
tardíamente. Su desarrollo coincidió con el inicio
de la Edad Moderna, marcada por la consolidación
de los estados europeos, los viajes transoceánicos
que pusieron en contacto a Europa y América, la
descomposición del feudalismo, el ascenso de la
burguesía y la afirmación del capitalismo. Sin
embargo, muchos de estos fenómenos rebasan
por su magnitud y mayor extensión en el tiempo
el ámbito renacentista.5
Aspectos generales
Contexto histórico
Véase también: Renacimiento del siglo XII
Los antecedentes históricos del Renacimiento cabe
situarlos en la decadencia del mundo medieval
ocurrida a lo largo del siglo XV por diversos factores,
como el declive del Sacro Imperio Romano
Germánico, el debilitamiento de la Iglesia católica a
causa de los cismas y los movimientos heréticos —
que darían origen a la Reforma protestante—, la
profunda crisis económica derivada del
anquilosamiento del sistema feudal, y la decadencia
de las artes y las ciencias, lastradas por una teología
escolástica sumida en el escepticismo.7
Frente a esta decadencia, los principales centros
académicos europeos buscaron regenerarse a
través del retorno a los valores de la cultura clásica
grecorromana. A su vez, comenzó a fraguarse una
nueva sociedad fundamentada en el auge de los nuevos estados centralizados, con poderosos ejércitos y
administraciones burocratizadas —inicio del autoritarismo monárquico preconizado por Maquiavelo—, así
como en el crecimiento demográfico y una economía centrada en una nueva clase social emergente, la
burguesía, que puso los cimientos del capitalismo y una economía mercantil y preindustrial; todo ello
coadyuvado por el progreso técnico y científico experimentado durante este período, fundamentado en la
imprenta y la consiguiente velocidad de difusión de las novedades.8 Surgió así una visión del mundo más
antropocéntrica, desligada de la religión y el teocentrismo medieval, en la que el hombre y los avances
científicos supondrán la nueva forma de valorar el mundo: el humanismo, un término inicialmente aplicado
a los especialistas en disciplinas grecolatinas (derecho, retórica, teología y arte), que se haría extensivo a
filósofos, artistas, científicos y cualquier estudioso de las diversas ramas del conocimiento que comenzaron
entonces a aglutinarse en un concepto de cultura general.7

En Italia, el epicentro de la cultura renacentista, la división del territorio en ciudades-estado con diferentes
regímenes políticos —repúblicas como Florencia o Venecia, estados monárquicos como Milán y Nápoles o
el dominio papal en Roma— propició el ascenso de una élite económica que patrocinó la cultura y el arte
como instrumentos de propaganda del estado, cada uno rivalizando con los demás en magnificencia y
esplendor. La educación se volvió más accesible, dejando de estar circunscrita al clero, y se favoreció el
debate intelectual, con la fundación de universidades y el patrocinio de la literatura. 9

Por su parte, el siglo XVI estaría marcado por los grandes descubrimientos geográficos iniciados con la llegada
de Colón a América en 1492 (establecimiento de la ruta del Cabo por Vasco da Gama, 1498; vuelta al mundo
de Magallanes, 1519-1521; desembarco de Cortés en México, 1519; conquista de Perú por Pizarro, 1530-
1533), así como por la ruptura de la unidad cristiana causada por la Reforma protestante de Martín Lutero
(1520), el desarrollo de la ciencia y la técnica (Nova Scientia de Tartaglia, 1538; De revolutionibus de
Copérnico, 1543; Anatomía de Vesalio, 1543) y la expansión del humanismo (Erasmo de Róterdam, Giovanni
Pico della Mirandola, Ludovico Ariosto, Tomás Moro, Juan Luis Vives, François
Rabelais).7
Definición
El término «Renacimiento» procede del italiano
Rinascita y fue acuñado por el artista e historiador
Giorgio Vasari en sus Vidas (1542–1550), en alusión
al renacer de la cultura clásica tras el oscurantismo
medieval. Como tal, supone un fenómeno tanto
social como político y cultural que abarcó todo el
continente europeo durante los siglos XV y XVI.7 En la
historiografía moderna, la primera definición del
Renacimiento procede del historiador francés Jules
Michelet (La Renaissance, 1855),10 mientras que la
visión actual del mundo renacentista fue forjada
por Jacob Burckhardt en su ensayo La cultura del
Renacimiento en Italia (1860).8

Aunque se suele situar el inicio del Renacimiento en

el siglo XV
numerosos historiadores lo retrotraen al siglo XIV o
aun al XIII, a la obra de algunos artistas considerados
precursores, como Cimabue y Giotto en pintura o
Nicola Pisano en escultura. Estos sentaron las bases
de los primeros artistas plenamente renacentistas
en la
Florencia del primer cuarto del siglo XV, como el
pintor Masaccio, el escultor Donatello o el
arquitecto Brunelleschi, todos ellos interesados en
el naturalismo, la armonía y las proporciones
matemáticas. 11

En este clima cultural de renovación, basado en

modelos de la antigüedad clásica, surgió a
principios del siglo XV un movimiento artístico en
Italia de gran vitalidad, que se extendería de
inmediato a otros países de Europa.12 El artista
tomó conciencia de individuo
 La Fornarina, pintura de Rafael, expuesta en el Palacio
Barberini de Roma. En el Renacimiento se afianza el retrato
como género autónomo. Aquí se aprecia además el interés
por el desnudo, procedente del arte clásico.

con valores intrínsecos, se sintió atraído por la cultura y el saber en general, y comenzó a estudiar los
modelos de la antigüedad, a la vez que estudiaba disciplinas como la anatomía e investigaba nuevas técnicas,
como el claroscuro y la perspectiva, desarrollándose enormemente las formas de representar el mundo
natural con fidelidad. El paradigma de esta nueva actitud es Leonardo da Vinci, quien se interesó por
múltiples ramas del saber, pero del mismo modo Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli y
Bramante fueron artistas conmovidos por la imagen de la antigüedad y preocupados por desarrollar nuevas
técnicas escultóricas, pictóricas y arquitectónicas, así como por la música, la poesía y la nueva sensibilidad
humanística.13

No cabe duda de que el Renacimiento evolucionó en buena medida del arte medieval, una parte del cual no
había dejado de valorar e imitar el arte clásico; pero el artista renacentista buscó imperiosamente
distanciarse de la etapa posterior, a la que menospreciaban por su supeditación a los valores religiosos y por
su estilo antinaturalista, proveniente no de una falta de habilidad técnica en imitar a la naturaleza, sino de
una voluntad propia de eludirla para enfatizar otros valores más subjetivos, ligados a la espiritualidad. Sin
embargo, el propio artista renacentista no valoró este hecho y se sintió distinto, «renacido»; así, Lorenzo
Valla llegó a afirmar que no sabía por qué las artes «habían decaído hasta tal punto, y casi muerto; ni
tampoco por qué habían resurgido en esa época; apareciendo y triunfando tantos buenos artistas y
escritores».14

Buena parte del surgimiento de esta nueva escala de valores, en que artistas y literatos serán exaltados por
encima de personajes de noble cuna, proviene del sistema de ciudades-estado italianas de tipo republicano,
alejadas así de los modos autoritarios de la aristocracia y el clero, con sociedades en que se valoraba más el
mérito propio que no el proveniente del nacimiento en una determinada estirpe. En esta nueva sociedad se
valora más la virtud cívica que la caballeresca o contemplativa, el talento personal —fuese en los negocios,
la ciencia o el arte— que el rancio abolengo.15

David (1440), de Donatello,
Museo Nazionale del Bargello, Florencia. En esta obra se
representa un personaje bíblico como un héroe de la
Antigüedad clásica, una clara muestra del nuevo concepto
renacentista del arte.
Conviene remarcar que un factor que coadyuvó
enormemente al éxito de las nuevas teorías
artísticas fue el mecenazgo, tanto de ciudades y
entidades de diversa índole como de personajes
provenientes tanto de la aristocracia y el clero como
de la nueva burguesía emergente. Para estos
personajes, el patronazgo de la cultura era una
señal de poder y estatus social, que otorgaba a
quien lo ejercía prestigio y ostentación frente a sus
italiano —así llamado por desarrollarse durante los
años de 1400 (siglo XV)—, originado por la búsqueda
de los cánones de belleza clásicos y de las bases
científicas del arte, se produjo un fenómeno similar
y coetáneo en Flandes —especialmente en
pintura—, basado principalmente en la observación
de la naturaleza. Este Primer Renacimiento tuvo
gran difusión en la Europa Oriental: la fortaleza
moscovita del Kremlin, por ejemplo, fue obra de
artistas italianos.13
La segunda fase del Renacimiento, o Cinquecento
(siglo XVI), estuvo marcada por la hegemonía
artística de Roma, cuyos papas (Julio II, León X,
Clemente VII y Paulo III, algunos de ellos
pertenecientes a la familia florentina de los Médici)
apoyaron fervorosamente el desarrollo de las artes,
así como la investigación de la antigüedad clásica.
Sin embargo, con las guerras de Italia (saco de Roma
en 1527), muchos de estos artistas emigraron y
semejantes. Algunos de los mecenas más
distinguidos fueron: el florentino Lorenzo de
Médicis, apodado «el Magnífico»; Federico da
Montefeltro, duque de Urbino; Ludovico Gonzaga,
marqués de Mantua; Alfonso el Magnánimo, rey de
Nápoles; Francesco y Ludovico Sforza, duques de
Milán; además de los papas y cardenales de la
Iglesia.16
El artista renacentista es heredero de los preceptos
de la cultura clásica, pero los reinterpreta a través
del humanismo, reafirmando los valores intrínsecos
del mundo perceptible y del ser humano como
parte de esa realidad sensible. Aunque no renuncia
a la religión y los valores de la realidad cristiana, da
preponderancia a esta nueva visión humanística
por encima de la trascendencia religiosa. Así, a la
visión estática del universo preponderante durante
la Edad Media se sucede una visión dinámica que se
sustenta en la experimentación y en la revalidación
del método científico como fuente de
conocimiento.17 Por otro lado, los nuevos valores
supremos del artista serán la belleza y la armonía,
desligadas de la religión y sustentadas en el estudio
de la naturaleza, que a través de la medida y la
proporción otorgan al artista nuevas herramientas
para realizar sus obras.18
Mientras surgía en Florencia el Quattrocento o
Primer Renacimiento
propagaron las teorías renacentistas por toda
Europa.13
Así, a lo largo del siglo XVI el Renacimiento italiano se
extendió por toda Europa, desde Portugal hasta
Escandinavia, y desde Francia hasta Rusia. Muchos
artistas viajaron en busca de formación o
mecenazgo, y las grandes cortes europeas —como
Fontainebleau, Madrid, Praga o Dresde— se
llenaron de artistas de múltiples nacionalidades. Se
valoraba especialmente a los artistas italianos, pero
numerosos extranjeros que fueron a formarse a
Italia adquirieron así una nueva reputación. Un
factor coadyuvante de la difusión del nuevo arte fue
el grabado, cuya fabricación en serie permitió
expandir las obras de los artistas por todo el
continente.19 También aumentó
considerablemente el mercado del arte, y la labor
de los marchantes fue esencial para conectar a
artistas y compradores; uno de los mayores centros
de mercado del arte de la época fue Amberes.20
También creció el coleccionismo, y aparecieron las
llamadas «cámaras de arte» (Kunstkammern),
generalmente pertenecientes a personajes de la
aristocracia y la realeza, unas estancias donde se
exponían objetos de arte de todo tipo, libros y
objetos de toda clase, e incluso minerales o
muestras naturales, de la flora y la fauna; una de las
más afamadas fue la de Rodolfo II en Praga.21
Características
De forma genérica se pueden establecer las
características del Renacimiento en:
La «vuelta a la antigüedad»: resurgieron tanto
las antiguas formas arquitectónicas como el
orden clásico y la utilización de motivos
formales y plásticos antiguos. Asimismo, se
tomaron como motivos temáticos la mitología
clásica y la historia, así como la adopción de
antiguos elementos simbólicos. Con ello el
objetivo no era efectuar una copia servil, sino la
penetración y el conocimiento de las leyes que
sustentan el arte clásico. Buena parte de esta
revalorización del arte clásico vino por los
hallazgos arqueológicos de piezas como
monedas, camafeos o esculturas romanas, así
como la recuperación de tratados clásicos como
los de Vitruvio, esenciales en la renovación de
la arquitectura.12
Cinquecento.12
Estética
La cultura renacentista supuso el retorno al
racionalismo, al estudio de la naturaleza, la
investigación empírica, con especial influencia de
la filosofía clásica grecorromana. La estética
renacentista se basó tanto en la antigüedad
clásica como en la estética medieval, por lo que a
veces resultaba algo contradictoria: la belleza
oscilaba entre una concepción realista de
imitación de la naturaleza y una visión ideal de
perfección sobrenatural, siendo el mundo visible
Surgimiento de una nueva «relación con la
naturaleza», que iba unida a una concepción
ideal y realista de la ciencia. La matemática se
va a convertir en la principal ayuda de un arte
que se preocupa incesantemente en
fundamentar racionalmente su ideal de belleza.
La aspiración de acceder a la verdad de la
naturaleza, como en la antigüedad, no se
orienta hacia el conocimiento de fenómeno
casual, sino hacia la penetración de la idea.12
El Renacimiento hace al «hombre» medida de
todas las cosas. Presupone en el artista una
formación científica, que le hace liberarse de las
actitudes gremiales y mecanicistas más propias
del medievo y elevarse en la escala social. Esto
supone revestir al artista de una nueva
consideración, la de «creador». La figura
humana es el nuevo centro de interés del
artista, que estudia con detenimiento la
anatomía para hacer una representación
fidedigna, al tiempo que valora aspectos como
el movimiento y la expresión.12
El «mecenazgo»: las clases altas patrocinaban y
encargaban obras constantemente, ya que el
arte era visto como un instrumento de prestigio
y refinamiento, lo que condujo a un momento
de gran brillantez en todas las disciplinas
artísticas. Los principales centros de mecenazgo
fueron la Florencia de los Médicis en el
Quattrocento y la Roma papal en el
el camino para ascender a una dimensión
suprasensible.22
Uno de los primeros teóricos del arte renacentista
fue Cennino Cennini: en su obra Il libro dell'arte
(1400) sentó las bases de la concepción artística
del Renacimiento, defendiendo el arte como una
actividad intelectual creadora, y no como un
simple trabajo manual. Para Cennini el mejor
método para el artista es retratar de la naturaleza
(ritrarre de natura), defendiendo la libertad del
artista, que debe trabajar «como le place, según
su voluntad» (come gli piace, secondo sua
volontà). También introdujo el concepto de
«diseño» (disegno), el impulso creador del artista,
que forja una idea mental de su obra antes de
realizarla materialmente, concepto de vital
importancia desde entonces para el arte
moderno.23
Ejemplo canónico para representar la cabeza humana
acorde con La Divina Proporción de Luca Pacioli
En ese contexto surgieron varios tratados más
acerca del arte, como los de Leon Battista Alberti
(De Pictura, 1436-1439; De re aedificatoria, 1450; y
De Statua, 1460), o Los Comentarios (1447) de
Lorenzo Ghiberti. Alberti recibió la influencia
aristotélica, pretendiendo aportar una base
científica al arte. También habló de decorum, el
tratamiento del artista para adecuar los objetos y
temas artísticos a un sentido mesurado,
perfeccionista.24 Fue Alberti quien agrupó a la
arquitectura, la escultura y la pintura en el grupo de
las artes liberales, ya que hasta entonces eran
consideradas como artesanía; con ello, elevó al
artista a la categoría de creador intelectual.25
Ghiberti fue el primero en periodificar la historia del
arte, distinguiendo antigüedad clásica, período
medieval y lo que llamó «renacer de las artes»
(Renacimiento).26
El Renacimiento puso especial énfasis en la
imitación de la naturaleza, lo que consiguió a través
de la perspectiva o de estudios de proporciones,
como los realizados por Luca Pacioli sobre la sección
áurea: en De Divina Proportione (1509) habló del
número áureo —representado por la letra griega φ
(fi)—, el cual posee diversas propiedades como
relación o proporción, que se encuentran tanto en
algunas figuras geométricas como en la naturaleza,
en elementos tales como caracolas, nervaduras de
las hojas de algunos árboles, el grosor de las ramas,
etc. Asimismo, atribuyó un carácter estético
especial a los objetos que siguen la razón áurea, así
como les otorgó una importancia mística.27
Por otro lado, Giorgio Vasari, en Vida de los más
excelentes arquitectos, pintores y escultores
italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos
(1542–1550), fue uno de los predecesores de la
historiografía del arte, al confeccionar una crónica
de los principales artistas de su tiempo, poniendo
especial énfasis en la progresión y el desarrollo del
arte.28
Arte
Etapas
Diferentes etapas históricas marcan el desarrollo
del Renacimiento: la primera tiene como espacio
cronológico todo el siglo XV: es el denominado
Quattrocento, y comprende el Primer Renacimiento
— también llamado «Renacimiento temprano» o
«Bajo Renacimiento»—, que se desarrolla en Italia;
la segunda surge en el siglo XVI y se denomina
Cinquecento: su dominio artístico queda referido al
clasicismo o Alto Renacimiento —también llamado
«Renacimiento pleno»—, que se centra en el primer
cuarto del siglo. En esta etapa surgen las grandes
figuras del Renacimiento en las artes: Leonardo,
Miguel Ángel, Rafael. Es el apogeo del arte
renacentista. Este período desemboca hacia 1520-
1530 en una reacción anticlásica que conforma el
manierismo, que dura hasta el final del siglo XVI.
Mientras que en Italia se estaba desarrollando el
Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el
arte gótico en sus formas tardías, situación que se
iba a mantener, exceptuando casos concretos, Italia o formados allí harían el papel de verdaderos
hasta comienzos del siglo XVI.29 transmisores. Monarcas como Francisco I en
En Italia el enfrentamiento y convivencia con la Francia o Carlos I y Felipe II en España impusieron el
antigüedad grecorromana, considerada como un
nuevo estilo en las construcciones que
legado nacional, proporcionó una amplia base para
una evolución estilística homogénea y de validez patrocinaban, influyendo en los gustos artísticos
general. Por ello, allí fue posible su surgimiento y
predominantes y convirtiendo el Renacimiento en
precedió a todas las demás naciones. Fuera de
Italia, el desarrollo del Renacimiento dependería una «moda». Italia
constantemente de los impulsos marcados por
Italia: artistas importados desde
Arquitectura

La medieval en el que lo rural tenía un papel

preferente gracias al monacato.
arquitectura
renacentista Al tomar elementos de la arquitectura clásica, los
arquitectos renacentistas lo hacían de forma
tuvo un selectiva, así por ejemplo en lugar de utilizar la
carácter columna dórica clásica se prefirió el orden toscano.
Igualmente se crearon formas nuevas, como la
columna abalaustrada, nuevos órdenes de
capiteles o decoraciones que si
La Iglesia de Santa Maria Novella, bien se inspiraban en la
en Florencia, con fachada de Leon
antigüedad
Con el nuevo gusto, se buscaba
Battista Alberti. La ordenación ordenar y renovar los viejos
geométrica que propone Aberti en el
burgos medievales e incluso se
diseño queda mitigada por el empleo de
mármoles polícromos, conforme a la proyectaban ciudades de nueva
tradición local. planta. La búsqueda de la «ciudad
marcadamente profano en comparación con la
época anterior. Surgió en una ciudad en donde la
arquitectura gótica apenas había penetrado,
Florencia. A pesar de ello, muchas de las obras
más destacadas fueron edificios religiosos. ideal»,
opuesta al modelo caótico y desordenado del
medievo, sería David de Miguel Ángel. Diseñada y ejecutada para presidir la
plaza principal de Florencia, esta escultura es en realidad
una constante preocupación de artistas y mecenas. una estudiada alegoría política bajo la apariencia del tema
Así, el papa Pío II reordenó su ciudad natal, Pienza, cristiano. La visión resulta amplificada por las dimensiones
convirtiéndola en un auténtico muestrario del colosales de la estatua, pensada para no perderse en el
nuevo urbanismo renacentista. En sí, las ciudades espacio de la plaza. Hoy en día la sustituye una copia,
se convertirían en el escenario ideal de la mientras que el original está en la Academia de Florencia.
renovación artística, oponiéndose al concepto
habían de adaptarse al uso religioso de las iglesias. Venus en las representaciones griegas o romanas
Así, los amorcillos clásicos que acompañaban a pasan a ser angelotes (putti).
Los arquitectos
emplean las
proporciones
modulares y la
superposición de
órdenes que
aparecía en los
edificios romanos;
las cúpulas se
utilizaron mucho
como elemento
monumental en iglesias y edificios públicos. A partir
de este momento, el arquitecto abandona el
carácter gremial y anónimo que había tenido
durante la Edad Media y se convierte en un
intelectual, un investigador. Muchos de ellos
escribieron tratados y obras especulativas de gran
trascendencia, como en el caso de Leon Battista
Alberti o Sebastiano Serlio.
Los elementos constructivos más característicos del
estilo renacentista fueron:
Estructurales: arco de medio punto, columnas,
cúpula semiesférica, bóveda de cañón y
cubierta plana con casetones.30 Todos ellos
habían sido usados en la antigüedad,
especialmente por el arte romano, y se
recuperan ahora, modificándolos. Decae
paulatinamente el tradicional método de
construcción del gótico, y se abandona en gran
medida las bóvedas de crucería, el arco
apuntado, las naves escalonadas y, sobre todo,
la impresión de colosalismo y multiplicidad de
los edificios medievales. Predominarían ahora
valores como la simetría, la claridad estructural,
la sencillez y, sobre todo, la adaptación del
espacio a la medida del hombre.
Decorativos: pilastras, frontones, pórticos,
motivos heráldicos, almohadillados, volutas,
grutescos, guirnaldas, motivos de candelieri
(candelabros o pebeteros) y tondos o
medallones. Algunos de estos ya se habían
utilizado en el gótico, otros son creaciones
originales y la mayoría se inspiraron en modelos
romanos y griegos. En cuanto a la decoración, el
Renacimiento preconizó el despojamiento, la
austeridad, el orden. Solo a finales del siglo XVI
esta tendencia se rompería en favor de la
fantasía y la riqueza decorativa con el
manierismo.
Por etapas, se pueden distinguir dos grandes
momentos:
El Quattrocento tuvo su centro neurálgico
en Florencia y la Toscana. La sencillez y
claridad estructural y decorativa fue el rasgo
fundamental de la arquitectura de este
momento. Los modelos clásicos se someten a
un proceso de estilización y se adaptan al
y cubiertas de madera con casetones. Lo
fundamentalmente distingue a la arquitectura
Quattrocento de la del Alto Renacimiento es la decora
menuda (putti, guirnaldas de flores o frutos, grutescos, e
las cúpulas con nervios, con ciertos resabios gó
(catedral de Florencia, de Filippo Brunelleschi) y las fach
simétricas de pisos superpuestos (palacio Medici−Ricc
de Michelozzo) o con sillares almohadillados (pa
Rucellai, de Bernardo Rossellino, proyecto de Alb
palacio Pitti). En general, la arquitectura
templo cristiano. Fue frecuente recurrir a los
órdenes clásicos, con columnas y pilastras
adosadas, capiteles (con preferencia el
corintio, aunque sustituyendo los caulículos
por figuras fantásticas o de animales), fustes
lisos y casi omnipresencia del arco de medio
punto. Se usa también la bóveda de cañón y de
arista, cuatrocentista da la impresión de
orden, sencillez, ligereza y simetría,
predominando en el interior de los
edificios la luminosidad y la desnudez. Los
arquitectos más destacados de este período
fueron Brunelleschi (Basílica de San Lorenzo,
1420; Basílica del Santo Spirito, 1436) y Leon
 Battista Alberti (San Andrés de Mantua, 1460); Pintura
y la principal obra fue la catedral de Santa
María del Fiore de Florencia y su famosa cúpula, En pintura,
las
obra de Brunelleschi.31 Del resto de Italia
novedades
destacan: la Cartuja de Pavía, de Giovanni
del
Antonio Amadeo (1475); la iglesia de San
Zacarías de Venecia, de Mario Codussi (1470); y
el Castel Nuovo de Nápoles, de Francesco
Laurana (1453).32

El Cinquecento tuvo como centro Roma: en 1506

Donato Bramante terminaba su célebre
proyecto para la Basílica de San Pedro en el
Vaticano, que sería el edificio que marcaría la
pauta en lo restante del siglo XVI.33 En esta
etapa, los edificios tienden más a la
monumentalidad y la grandiosidad. Miguel
Ángel introdujo el «orden gigante» en su
proyecto para la basílica vaticana, lo que
rompió con el concepto de «arquitectura hecha
a la medida del hombre».34 Los palacios se
adornaban con elaborados bajorrelieves
(palacio Grimani de Venecia, 1549, obra de
Michele Sanmicheli) o de esculturas exentas
(Biblioteca de San Marcos, 1537–1550, Venecia,
obra de Jacopo Sansovino). Predominaría de
este modo la idea de riqueza, monumentalidad
y lujo en las construcciones. A medida que
avanza el siglo, el manierismo se introdujo en la
arquitectura, con edificios cada vez más
suntuosos, rebuscadas decoraciones y
elementos que pretenden captar la atención
del espectador por su originalidad o
extravagancia (palacio del Té, en Mantua, de
Giulio Romano). Podemos distinguir, de este
modo, como en las demás disciplinas artísticas,
dos periodos: el «clasicismo» de principios de
siglo, con autores como Bramante, Miguel
Ángel, Antonio da Sangallo el Viejo, o Jacopo
Sansovino;35 y el «manierismo», que se da a
partir de 1530, siendo sus principales autores
Andrea Palladio, Giorgio Vasari, Giulio Romano,
36
Jacopo Vignola y Vincenzo Scamozzi. Hay que
apuntar que la ruptura del manierismo no fue
radical puesto que ya en la obra de Miguel
Ángel aparecen elementos que la preludian.37
Renacimiento se introdujeron de forma paulatina
pero irreversible a partir del siglo XV. Un
antecedente de las mismas fue Giotto, pintor aún
dentro de la órbita del gótico, pero que desarrolló
en sus pinturas conceptos como volumen
tridimensional, perspectiva y naturalismo, que
alejaban su obra de los rígidos modos de la
tradición bizantina y gótica y preludiaban el
Renacimiento pictórico.
novedades y se adaptaron a la nueva mentalidad
humanista y burguesa que se expandía por las ciudades-
estado italianas. Los pintores, aun tratando temas
religiosos la mayoría de ellos, introdujeron también en sus
obras la mitología, la alegoría y el retrato, que se
desarrollarían a partir de ahora enormemente. Una
búsqueda constante de los pintores de esta época sería la
perspectiva, objeto de estudio y reflexión para muchos
artistas: se trató de llegar a
En el Quattrocento (siglo XV) se recogieron todas
estas la ilusión de espacio tridimensional de una
forma científica y reglada. La pintura cuatrocentista
es una época de experimentación; las pinturas
abandonan lenta y progresivamente la rigidez
gótica y se aproximan cada vez más a la realidad.
Aparece la naturaleza retratada en los fondos de las
composiciones, y se introducen los desnudos en las
figuras.38
Los pintores más destacados de esta época fueron:
en Florencia, Fra Angélico, Masaccio, Benozzo
Gozzoli, Piero della Francesca, Filippo Lippi y Paolo
Uccello; en Umbría, Perugino; en Padua, Andrea
Mantegna; y, en Venecia, Giovanni Bellini. Por
encima de todos ellos destaca Sandro Botticelli,
autor de alegorías, delicadas madonnas y asuntos
mitológicos. Su estilo dulce, muy atento a la belleza
y sensibilidad femeninas, y predominantemente
dibujístico, caracterizan la escuela florentina de
pintura y toda esta época. Otros autores del
Quattrocento italiano son Andrea del Castagno,
Antonio Pollaiuolo, Pinturicchio, Domenico
Ghirlandaio, Cima da Conegliano, Luca Signorelli,
Cosimo Tura, Vincenzo Foppa, Alessio Baldovinetti,
Vittore Carpaccio y, en el sur de la península,
Antonello da Messina.39
veces como «clasicismo». Los pintores asimilan las
novedades y la experimentación cuatrocentistas y
las llevan a nuevas cimas creativas. En este
momento aparecen grandes maestros, cuyo trabajo
servirá de modelo a los artistas durante siglos. El
primero de ellos fue Leonardo da Vinci, uno de los
grandes genios de todos los tiempos. Fue el ejemplo
más acabado de artista multidisciplinar, intelectual
y obsesionado con la perfección, que le llevó a dejar
muchas obras inconclusas o en proyecto. Poco
prolífico en su faceta pictórica, aportó sin embargo
muchas innovaciones que condujeron a la historia
de la pintura hacia nuevos rumbos. Quizá su
principal aportación fue el sfumato o claroscuro,
delicada gradación de la luz que otorga a sus
pinturas una gran naturalidad, a la vez que ayuda a
crear espacio. Estudiaba cuidadosamente la
composición de sus obras, como en la Última Cena,
donde las figuras se ajustan a un esquema
geométrico. Supo unir en sus trabajos la perfección
formal a ciertas dosis de misterio, presente, por
ejemplo, en la celebérrima Gioconda, La Virgen de
las Rocas o el San Juan Bautista.40

El Cinquecento (siglo XVI) fue la etapa culminante de

la pintura renacentista, y denominada por ello a
Miguel Ángel es, cronológicamente, la segunda pintura de
gran figura. Fundamentalmente escultor, se Rafael
dedicó a la pintura de forma esporádica, a buscaba ante
petición de algunos admiradores de su obra, todo la grazia,
sobre todo el papa Julio II. Los frescos de la Capilla o belleza
Sixtina muestran el atormentado mundo interior equilibrada y
de este artista, poblado de figuras serena. Sus
monumentales, sólidas y tridimensionales como madonnas
si fueran recogen las
tuvo un novedades de
enorme éxito Leonardo en
y se puso de lo que se
Retrato de Eleonora Gonzaga, por esculturas, y de llamativa presencia refiere a composición y
Tiziano. La dama se muestra en la física. En su obra cobra mucha claroscuro, añadiendo una
lejanía aristocrática de su opulento importancia el desnudo, aun característica dulzura. Anticipa
atuendo, pero con ciertas alusiones cuando la casi totalidad de la claramente la pintura manierista
a la vida cotidiana (reloj, ventana
misma fue hecha para decorar en sus últimas obras, cuyo estilo
abierta al paisaje, perrito dormido)
41 agitado y dramático copiarán y
que la acercan al espectador. iglesias.
Galleria degli Uffizi, Florencia. difundirán sus discípulos.42
Rafael Sanzio completa la tríada de
genios del clasicismo. Su estilo Con la aparición de estos tres
moda entre grandes maestros, los artistas
los contemporáneos asumen que el arte ha llegado a
poderosos. La su culmen —concepto recogido en la obra de
Giorgio Vasari Las Vidas—43 y se afanarán por
tanto en incorporar estos logros, por un lado, y en
la búsqueda de un estilo propio y original como
forma de superarlos. Ambas cosas, junto
con el ambiente pesimista que se respiraba en la
Cristiandad en la década de 1520 (Saco de Roma,
Reforma protestante, guerras), hizo surgir con
fuerza a partir de los años 1530 una nueva
corriente, el Manierismo. Se buscaría a partir de
entonces lo extravagante, lo extraño, lo exagerado
y lo irreal. Pertenecen a esta corriente pictórica
Jacopo Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Rosso
Fiorentino o Francesco Salviati. Otros autores
tomarían algunas novedades manieristas pero
siguiendo una línea más personal y clasicista. Entre
ellos podemos citar a Sebastiano del Piombo,
Correggio, Andrea del Sarto o Federico Barocci.44
Dentro de las diferentes escuelas que surgen en
Italia en el Cinquecento, la de Venecia presenta
especiales características. Si los florentinos ponían
el acento en el disegno, es decir, en la composición
y la línea, los pintores venecianos se centrarían en
el color. Las especiales características del estado
veneciano pueden explicar algo de esta
particularidad, puesto que se trataba de una
sociedad elitista, amante del lujo y muy relacionada
con Oriente. La escuela veneciana reflejaría esto
mediante una pintura refinada, hedonista, menos
intelectual y más vital, muy decorativa y colorista.
Precursores de la escuela veneciana del
Cinquecento fueron Giovanni Bellini y, sobre todo,
realizaciones.
La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana, por Leonardo da Vinci,
Museo del Louvre, París. «Verdaderamente celestial y
admirable fue Leonardo [...]. Hizo un cartón de Nuestra
Señora y santa Ana, con Cristo, que también les pareció
maravilloso a todos los artistas; una vez terminado, estuvo
expuesto dos días para que lo vieran los hombres y las
mujeres, los jóvenes y los viejos, como se va a las fiestas
solemnes, para ver las maravillas de Leonardo, que hicieron
asombrar a todo este pueblo». Giorgio Vasari, Las Vidas.
Giorgione, pintor de alegorías, paisajes y asuntos
religiosos, melancólicos y misteriosos. Deudor de su
estilo fue Tiziano, el mayor pintor de esta escuela,
excelente retratista, quizá el más demandado de su
tiempo; autor de complejas y realistas
composiciones religiosas, llenas de vida y colorido.
En la última etapa de su vida deshace los contornos
de las figuras, convirtiendo sus cuadros en puras
sensaciones de luz y color, anticipo del
impresionismo.45 Tintoretto, Paolo Veronese y
Palma el Viejo continuaron esta escuela llevándola
hacia el manierismo y anticipando en cierta manera
la pintura barroca.46
Escultura
Como en las demás manifestaciones artísticas, los
ideales de vuelta a la antigüedad, inspiración en la
naturaleza, humanismo antropocéntrico e
idealismo fueron los que caracterizaron la escultura
de este período. Ya el gótico había preludiado en
cierta manera algunos de estos aspectos, pero
algunos hallazgos arqueológicos (el Laocoonte,
hallado en 1506, o el Torso Belvedere) que se dieron
en la época supusieron una auténtica conmoción
para los escultores y sirvieron de modelo e
inspiración para las nuevas

El condotiero Gattamelata, en Padua, por Donatello. El
monumento ecuestre
conmemorativo apenas sobrevivió a la antigüedad. La
plástica renacentista recuperó esta tipología típicamente
romana y la aplicó, en este caso, al héroe característico de
la época: el condotiero o capitán mercenario.
Aunque se siguieron haciendo obras
religiosas, en las mismas se advierte un claro
aire profano; se reintrodujo el desnudo y el
interés por la anatomía con fuerza, y
aparecieron nuevas tipologías técnicas y
formales, como el relieve en stiacciato
(altorrelieve con muy poco resalte, casi
plano) y el tondo, o
composición en forma de disco; también la
iconografía se renovó con
El Quattrocento (siglo XV): el centro escultórico
principal fue Florencia, donde la familia Médicis
y, con posterioridad, la República, ejercieron de
mecenas de numerosas obras. Lorenzo el
Magnífico era aficionado a las esculturas
griegas y romanas y había formado una
interesante colección de las mismas, poniendo
de moda el gusto clásico. Los autores más
destacados de la época fueron Lorenzo Ghiberti
(Puerta del Paraíso del Baptisterio de
Florencia), Andrea Verrocchio (Monumento al
condotiero Colleoni), Donatello, el taller de los
hermanos Della Robbia —que introdujeron la
cerámica vidriada y policromada como
novedad, utilizándola en decoraciones de
edificios—, Jacopo della Quercia, Desiderio da
Settignano y Bernardo Rossellino. El más
importante de ellos es Donatello, gran creador
que, partiendo de los supuestos del gótico,
temas mitológicos, alegóricos y
heroicos.
Apareció un inusitado interés por la Detalle de la P
perspectiva, derivado de las el Baptisterio
Lorenzo Ghibe
investigaciones arquitectónicas coetáneas,
quien, admira
y el mismo se plasmó en relieves, retablos, de los relieves
sepulcros y grupos escultóricos. Durante el que merecería
Renacimiento decayó en cierta manera la Paraíso.
tradicional talla en madera policromada en
favor de la escultura en piedra —
mármol preferentemente— y
se recuperó la
escultura monumental en bronce, caída en desuso
durante la Edad Media. Los talleres de Florencia
fueron los más reputados de Europa en esta
técnica, y surtieron a toda Europa de estatuas de
este material.47
Los dos siglos que dura el
Renacimiento en Italia
dieron lugar, igual que en
las demás artes, a dos
etapas:
estableció un nuevo ideal inspirado en la
grandeza clásica. Suyo es el mérito de rescatar
el monumento conmemorativo público —su
Condotiero Gattamelata es una de las primeras
estatuas ecuestres de bronce desde la
antigüedad—, la utilización heroica del
desnudo (David) y la intensa humanización de
las figuras, llegando al retrato en ocasiones,
pero sin abandonar nunca una orientación
claramente idealista.48
Médicis, para los que creó las Tumbas Mediceas, sobe
ejemplo de expresividad, marchó luego a Roma, do
colaboró en los trabajos de construcción de la n
basílica. El pontífice Julio II lo tomó bajo su protección
encomendó la creación de su Mausoleo, denominado p
artista como «la tragedia de la sepultura» por los camb
demoras que sufrió el proyecto. En las esculturas he
para este sepulcro, como el célebre Moisés, aparece lo
El Cinquecento (siglo XVI): esta época está
marcada por la aparición estelar de uno de los
escultores más geniales de todos los tiempos,

Miguel Ángel.49 Hasta tal punto marcó la

escultura de todo el siglo que muchos de sus

continuadores no fueron capaces de recoger
todas sus novedades y estas no se
desarrollaron hasta varios siglos después.
Miguel Ángel fue, como tantos otros en esta
época, un artista multidisciplinar. Sin embargo,
él se consideraba preferentemente escultor.
En sus primeras obras recoge el interés
arqueológico surgido en Florencia: así, su Baco
ebrio fue realizado con intención de que
aparentara ser una escultura clásica. Igual
espíritu se aprecia en la Piedad, realizada entre
1498 y 1499 para la basílica vaticana.
Protegido primero por los se ha venido
denominando terribilitá miguelangelesca: una
intensa a la vez que contenida emoción que se
manifiesta en anatomías sufrientes, exageradas
y nerviosas —músculos en tensión—, posturas
contorsionadas y escorzos muy rebuscados. Los
rostros, sin embargo, suelen mostrarse
contenidos. En sus obras finales el artista
desdeña de la belleza formal de las esculturas y
las deja inacabadas, adelantando un concepto
que no volvería al arte hasta el siglo XX. Miguel
Ángel continuó con la tradición de
monumentos públicos heroicos y profanos que
inició Donatello y la llevó a una nueva
dimensión con su conocido David, esculpido
para la Piazza della Signoria de Florencia.50 En
los años finales de la centuria, la huella de
Miguel Ángel tuvo sus réplicas en Benvenuto
Cellini (Perseo de la Loggia dei Lanzi de
Florencia, espacio concebido como museo de
escultura al aire libre), Bartolomeo Ammannati,
Giambologna y Baccio Bandinelli, que
exagerarían los elementos más superficiales de
la obra del maestro, situándose plenamente
todos ellos en la corriente manierista. Destaca
en esta época también la saga familiar de los
Leoni, broncistas milaneses al servicio de los
Habsburgo españoles, auténticos creadores de
la imagen áulica, un tanto estereotipada, de
estos monarcas. Su presencia en España llevó
allí de primera mano las novedades
renacentistas, extendiendo su influjo hasta la
escultura barroca.51
España
En España el cambio ideológico no es tan extremo
como en otros países; no se rompe abruptamente
con la tradición medieval, por ello se habla de un
Renacimiento español más original y variado que en
el resto de Europa. Así, la literatura acepta las
innovaciones italianas (Dante y Petrarca), pero no
olvida la poesía del Cancionero y la tradición
anterior. En cuanto a las artes plásticas, el
Renacimiento hispano mezcló elementos
importados de Italia —de donde llegaron algunos
artistas, como Paolo de San Leocadio, Pietro
Torrigiano o Domenico Fancelli— con la tradición ciudad de
local, y con algunos otros influjos —lo flamenco, por Salamanca,
ejemplo, estaba muy de moda en la época por las cuya
intensas relaciones comerciales y dinásticas que Universidad y
unían estos territorios a España—. Las innovaciones su fachada son
renacentistas llegaron a España de forma muy el paradigma
tardía: hasta la década de 1520 no se encuentran del estilo.
ejemplos acabados de las mismas en las Arquitectos
manifestaciones artísticas, y tales ejemplos son destacados
dispersos y minoritarios. No llegaron a España del mismo
plenamente, pues, los ecos del Quattrocento fueron
italiano —solo Rodrigo Gil de
por obra de la Hontañón y
familia Borja Juan de Álava.
aparecen El purismo
artistas y representa
obras de esa una fase más
época en el avanzada de la
área italianización
levantina—, lo que determina que el arte de la arquitectura. El palacio de Carlos V en la
renacentista español pase casi abruptamente del Alhambra de Granada, obra de Pedro de Machuca,
gótico al manierismo. es ejemplo de ello. El foco principal de este estilo se
situó en Andalucía, donde además del citado
En el palacio destacaron los núcleos de Úbeda y Baeza y
campo de la arquitectos como Andrés de Vandelvira y Diego de
arquitectura, Siloé.52 Finalmente, apareció el estilo escurialense
tradicionalmente se distinguen tres periodos: o herreriano, original adaptación del manierismo
plateresco (siglo XV-primer cuarto del siglo XVI), romano caracterizada por la desnudez y el
purismo o estilo italianizante (primera gigantismo arquitectónico. La obra fundamental fue
mitad del el palaciomonasterio de El Escorial, trazado por
siglo XVI) y estilo El Greco, La Resurrección de Cristo, Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera, sin duda
la obra más ambiciosa del Renacimiento hispano. Lo
Monasterio de El Escorial, Juan herreriano (a partir de 1559Bautista de Toledo y pintado para Santo Domingo el
escurialense traspasó
Antiguo el umbralEl Greco
de Toledo. cronológico
rebasa el del
Juan de mediados del siglo
siglo XVI llegandoconcepto
con gran vigencia a
de artista renacentistala por
época
su
Herrera, San Lorenzo de El Escorial. siguiente). En el primero de ellos, 53lo
barroca. constante búsqueda de un universo
renaciente aparece de forma propio y original. Influido por
superficial, en la En escultura, la tradición
Tintoretto gótica
y Miguel Ángel,mantuvo
su arte va a su
decoración de las fachadas, mientras que la estructura hegemonía
de los durante buena
conocer parte
su mayor del siglo
desarrollo en XVI. Los
primeros ecos delToledo.
nuevo estilo corresponden por lo
edificios sigue siendo gotizante en la mayoría de los casos. Lo más
general a artistas venidos de fuera, como Felipe
característico del plateresco es un tipo de decoración menuda, Vigarny o Domenico Fancelli, que trabajó al servicio
detallista y de los Reyes Católicos, esculpiendo su sepulcro
abundante, (1517). No obstante, pronto surgieron artistas
semejante a la locales que asimilaron las novedades italianas,
labor de los adaptándolas al gusto hispano, como Bartolomé
plateros, de Ordóñez y Damián Forment. En una fase más
donde deriva el madura del estilo surgieron grandes figuras,
nombre. El núcleo creadoras de un peculiar manierismo que sentó las
fundamental de bases de la posterior escultura barroca: Juan de Juni
esta corriente fue
y Alonso Berruguete son los más destacados.54
la
La pintura renacentista española está determinada
igualmente por el pulso que mantiene la herencia
del gótico con los nuevos modos venidos de Italia.
Esta dicotomía se aprecia en la obra de Pedro
Berruguete, que trabajó en Urbino al servicio de
Federico de Montefeltro, y Alejo Fernández.
Posteriormente aparecieron artistas conocedores
de las novedades italianas coetáneas, como Vicente
Macip o su hijo Juan de Juanes —influidos por
Rafael—, Luis de Morales, Juan Fernández de
Navarrete o los leonardescos
Fernando Yáñez de la Almedina y Hernando de los
Llanos.55 Pero la gran figura del Renacimiento
español, y uno de los pintores más originales de la
historia, se inscribe ya en el manierismo, aunque
rebasando sus límites al crear un universo estilístico
propio: El Greco.56
Francia
En Francia la influencia italiana se dejó sentir desde
muy temprano, favorecida por la cercanía
geográfica, los vínculos comerciales y la
monarquía, que ambicionaba anexionar los
territorios limítrofes de la península italiana, y lo
consiguió en algunos momentos. Sin embargo, el
impulso definitivo a la adopción de las formas
renacentistas se dio bajo el reinado de Francisco I.
Este monarca, gran mecenas de las artes y
aficionado a todo lo que procediera de Italia,
protegió a importantes maestros, solicitando sus
servicios para la corte
francesa —entre ellos el mismo Leonardo da Vinci, queadaptadasmurió
en el castillo de Cloux—, a la vez que emprendió un ambicioso
programa de revitalización cultural que revolucionó
desarrollo de las artes en el país. Conviene tener presente que
Francia fue la cuna del gótico y que, por tanto, este estiloobstante,
fuertemente arraigado y podía ser visto como un estilo nacional. involucró
De ahí que las formas góticas continuaran presentes durante un
tiempo, a pesar del nuevo estilo impuesto por la corte. Francesco Primaticcio o Rosso Fiorentino, el famoso
En cuanto a la arquitectura, la monarquía,
fortalecida y en período de expansión territorial,
había patrocinado ya desde el siglo XV la
remodelación de los viejos châteaux medievales y
la creación de nuevas residencias más acordes con
los tiempos. Pero fue precisamente Francisco I el
que dio un impulso definitivo a esta operación
renovadora, que tuvo varios focos. El primer edificio
renacentista en Francia fue el castillo de Saint-
Germain-en-Laye, imponente fortaleza de ladrillo y
piedra en la que aparecen pequeños detalles
renacentistas, dentro de una general sobriedad de
aire militar. De estilo más avanzado fueron los
castillos del valle del Loira, conjunto de mansiones
para la realeza y la nobleza que muestran los rasgos
más característicos del Renacimiento francés:
decorativismo de raigambre manierista, recuerdos
goticistas en las estructuras, y quizá lo más
novedoso: una perfecta integración de los edificios
en la naturaleza circundante, como se ve en el
Castillo de Montsoreau o en el grácil puente del
castillo de Chenonceau. El más célebre dentro de
este conjunto es el castillo de Chambord, que
presenta grandes audacias estilísticas, como una
escalera interna helicoidal. Otros ejemplos de estas
residencias suburbanas son los castillos de
Amboise, Blois y Azay-le-Rideau.57
Además de todas estas realizaciones, Francisco I se
embarcó
en la que
quizá fue
la obra
fundamental de este período: el palacio de
Fontainebleau, vieja mansión de los reyes franceses
que se renovó totalmente. En el edificio en sí se
aprecia ya el triunfo de las formas italianas, aunque
Vista del Patio del Caballo Blanco del palacio
al gusto francés con sus típicas
de Fontainebleau, con la famosa escalera,
chimeneas y mansardas. Incluye fragmentos de
preludio de las formas barrocas.
el
desbordante creatividad, como la célebre Escalera
Fontainebleau fue la auténtica capital
Imperial,
anticipo de soluciones barrocas. No
artística de Francia durante el
estaba quizá lo más destacado del proyecto fue
Renacimiento. En el conjunto palaciego
que
a creadores
intervinieron de de
algunos prácticamente todas
los mejores artistas
las disciplinas artísticas, algunos venidos
del momento.
expresamente de Italia, como los pintores
escultor Benvenuto Cellini o el arquitecto
Sebastiano Serlio, importante autor de tratados de
arquitectura del que apenas se conocen obras salvo
este palacio. Las novedades que se fraguaron aquí
trapasarían el ámbito local y darían origen a todo un
estilo, el «estilo de Fontainebleau», un manierismo
refinado al servicio de los gustos aristocráticos.58
Tras Francisco I, las formas «a la italiana» acabaron del palacio de Fontainebleau y la organización de las
imponiéndose definitivamente en la arquitectura fiestas de la corte, y teniendo por tanto a sus
bajo Enrique II, cuya esposa, Catalina de Médicis, órdenes a muchos artesanos y artistas. Esta
pertenecía a la familia florentina más poderosa. convivencia de talentos, escuelas, disciplinas y
Bajo su mandato (1547-1559) se reformó la antigua géneros dio origen a la llamada «escuela pictórica
sede de la corte en París, el palacio del Louvre, de Fontainebleau», una derivación del manierismo
convirtiéndolo en un moderno edificio de estética pictórico italiano que incide en el erotismo, el lujo,
plenamente manierista. La reforma fue dirigida por los temas profanos y las alegorías, todo ello muy del
uno de los arquitectos franceses más destacados gusto de su clientela principal, la aristocracia. La
del momento, Pierre Lescot, que diseñó el gran mayor parte de los artistas de Fontainebleau fueron
patio central (Cour Carrée), con características anónimos, precisamente por esa integración de las
fachadas en las que utiliza el módulo de arco de artes que se propugnaba y por el magisterio de los
triunfo clásico.59 Asimismo, estos monarcas artistas consagrados. No obstante, conocemos los
iniciaron la construcción de un nuevo palacio, nombres de algunos pintores, figurando Jean
enfrente del Louvre, el palacio de las Tullerías, en el Cousin el Viejo o Antoine Caron entre los más
que intervino el otro gran arquitecto francés del destacados. Sin embargo, el pintor francés más
importante de la época, a la vez que uno de los
Renacimiento, Philibert Delorme.60
grandes retratistas de todos los tiempos, aunque
La escultura del Renacimiento en Francia fue gran
también al compás de lo dictado por Italia. Francia parte de
dejó de ser ya a finales del siglo XIV el gran centro su obra se
escultórico de Europa que fue gracias a los talleres haya
catedralicios, situación que continuaría durante el perdido,
siglo XV, y aún más en el XVI. Es paradójico y a la vez fue
revelador que esta situación coincida con la François
consolidación progresiva de la institución Clouet,
monárquica, evidentemente deseosa de renovar que superó a su padre, el también apreciable Jean
su imagen y dispuesta a usar el arte como Clouet, en la fiel plasmación de la vida de los
instrumento propagandístico de primer orden. No obstante poderosos
de de la época,obra
La Resurrección, con una profundidad
de Germain Pilon.
psicológica yTodo
brillantez formal cuyo precedente
procede aquí de Miguel Ángel: la hay
la pérdida de hegemonía en este campo, que de todas formas
que buscarloanatomía
en Jeanhercúlea
Fouquet, gran pintor del siglo
de Cristo, los escorzos, el
nunca había sido definitiva, surgieron grandes figuras al calor de 62
XV aún en la órbita del gótico. Hasta el diseño
efecto «no acabado».
los proyectos reales; es de destacar el carácter ornamental y general del grupo remite a las Sepulturas
decorativo que tuvieron las esculturas, subordinándose al Mediceas del florentino. Museo del Louvre,
proyecto general de los edificios e integrándose en estos. Dos
Alemania París.
fueron los autores más sobresalientes: Germain Pilon y Jean
El Renacimiento artístico no fue en Alemania una
Goujon.61
tentativa de resurrección del arte clásico, sino una
La pintura también experimentó el progresivo renovación intensa del espíritu germánico,
declive de las formas góticas tradicionales y la motivado por la Reforma protestante. Alberto
llegada del nuevo estilo. Como se ha señalado, se Durero fue la figura dominante del Renacimiento
conocieron en Francia de primera mano las formas alemán. Su obra universal, que ya en vida fue
pictóricas italianas en el siglo XVI gracias a la llegada reconocida y admirada en toda Europa, impuso la
de autores muy innovadores, como Leonardo o impronta del artista moderno, uniendo la reflexión
Rosso Fiorentino. Francisco I impulsó la formación teórica con la transición decisiva entre la práctica
de artistas franceses bajo la dirección de maestros medieval y el idealismo renacentista. Sus pinturas,
italianos, como Niccolò dell'Abbate o Primaticcio, dibujos, grabados y escritos teóricos
siendo este último el responsable de la decoración
sobre arte ejercieron una profunda influencia en los adquirir un conocimiento racional de la producción
artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países artística, e introdujo el idealismo de raigambre
Bajos. Durero comprendió la imperiosidad de italiana en el arte alemán.63
La pintura germánica conoció en esta época uno de
sus mayores momentos de esplendor. Junto a la
figura fundamental de Durero surgieron otros
grandes autores, como Lucas Cranach el Viejo,
pintor por antonomasia de la Reforma protestante;
Hans Baldung Grien, introductor de temáticas
siniestras y novedosas, deudoras en cierto modo
del arte medieval; Matthias Grünewald, uno de los
precursores del expresionismo; Albrecht Altdorfer,
excelente paisajista; o Hans Holbein el Joven, que
desarrolló casi toda su producción, centrada en el
retrato, en Inglaterra.64

En escultura pervivieron las formas góticas hasta

bien entrado el siglo XVI. Destaca la obra de Peter
Vischer, autor de las tumbas imperiales de
Innsbruck (1513) y de la tumba de San Sebaldo en
Núremberg (1520). También trabajaron aquí
algunos artistas flamencos, como Hubert Gerhard,
autor del San Miguel de la fachada de la iglesia de
San Miguel de Múnich.65

En arquitectura, los primeros exponentes de

relevancia fueron los
 La liebre, obra de Durero. El interés por los fenómenos y los
elementos de la naturaleza fue uno de los pilares del
humanismo. Durero analiza el mundo vegetal y animal en
multitud de dibujos, bocetos y acuarelas caracterizados por
su precisión de científico. Albertina, Viena.

edificios patrocinados por la familia Fugger en Augsburgo, como la Capilla Fugger en la iglesia de Santa Ana
(1509-1518) o el barrio de casas obreras llamado Fuggerei (1519-1523).66 Tras la Reforma, el mecenazgo de
la nobleza alemana se centró en primer lugar en la arquitectura, por la capacidad de esta para mostrar el
poder y prestigio de los gobernantes. Así, a mediados del siglo XVI se amplió el castillo de Heidelberg,
siguiendo las directrices clásicas. Sin embargo, la mayoría de los príncipes alemanes prefirieron conservar
las obras góticas, limitándose a decorarlas con ornamentación renacentista.67

Flandes y Países Bajos

A la par que se desarrollaba en Italia el Cinquecento la escuela flamenca de pintura alcanzó un desarrollo
notable, como heredera y continuadora de la tradición tardogótica anterior representada por Jan van Eyck,
Rogier van der Weyden y otros grandes maestros. Se caracterizó por su naturalismo, rasgo que comparte
con los maestros italianos, aunque se llegó más a él por la experimentación que por la teoría o los avances
científicos, como en Italia. Los modos del gótico pervivieron con mayor fuerza, aunque matizados con
características singulares, como cierta vena caricaturesca y fantástica y una mayor sensibilidad a la realidad
del pueblo llano y sus costumbres. Se recoge ese interés en obras de carácter menos idealizado que las
italianas, con una marcada tendencia por el detallismo casi microscópico que aplican a las representaciones
—influjo de los maestros tardogóticos ya mencionados y la miniatura—, y tendencia hacia lo decorativo, sin
demasiado interés por disquisiciones teóricas. Por otro lado, la gran aportación del arte flamenco en esta
época fue la técnica de la pintura al óleo.68

A mediados del siglo XVI el clasicismo italiano entra con fuerza en la pintura flamenca, manifestándose en la
llamada Escuela de Amberes y en pintores como Jan van Scorel o Mabuse, algunos de los cuales
permanecieron en Italia estudiando a los grandes maestros. A la difusión de los nuevos modelos contribuyó
sobremanera el grabado, que puso al alcance de prácticamente cualquier artista las obras producidas en
otras escuelas y lugares, poniendo muy de moda en toda Europa el estilo italianizante. Algunos grandes
nombres de la época fueron Joachim Patinir, uno de los creadores del paisaje como género autónomo de la
pintura,
 surrealismo (El jardín de las delicias, 1500-1505); y
Pieter Brueghel el Viejo, uno de los grandes
maestros del paisaje y las costumbres populares,
quizá el más moderno de todos ellos, aun cuando
en su pintura glose sentencias morales y de crítica
social que tienen algo de medieval (El triunfo de la
Muerte, 1563).69

Pieter Brueghel el Viejo: El regreso de los rebaños. El paisaje En el campo de la escultura destacó Adriaen de
se ha convertido en el tema principal del cuadro. Brueghel Vries, autor de expresivas obras —generalmente de
introduce casi siempre la figura —en este caso, los bronce— en las que el movimiento, la línea
pastores— como anécdota o contrapunto a un universo del ondulada o serpentinata y el desnudo heroico las
que el ser humano solo es una parte, mínima y frágil. caracterizan como excelentes ejemplos de
Obsérvese el interés por la plasmación de los efectos manierismo escultórico fuera de Italia.
atmosféricos en los nubarrones que oscurecen el cielo.
Museo de Historia del Arte, Viena. En arquitectura el gótico siguió teniendo una gran
aunque apegado todavía al gótico; Quentin Metsys, preponderancia hasta bien entrado el siglo XVI, en
que se inspiró en los dibujos caricaturescos de que se recibió la influencia de la arquitectura
Leonardo y en las clases populares para retratar renacentista francesa, como se denota en el
vicios y costumbres; el retratista Antonio Moro; el Ayuntamiento de Amberes (1561-1565), obra de
Bosco, uno de los pintores más originales de la Cornelis Floris de Vriendt.67
historia, apegado formalmente a la tradición de la
vieja escuela flamenca, pero a la vez innovador,
creador de un universo fantástico, casi onírico que Otros países
lo sitúan como uno de los precedentes del
Inglaterra: en arquitectura, contrató al artista italiano
durante prácticamente Pietro Torrigiano para
todo el siglo XVI pervivió el realizar la decoración
estilo Tudor de origen escultórica.70 Otros
gótico, mientras que las ejemplos de estilo Tudor
novedades renacentistas serían los palacios de
fueron adoptadas Sutton (1523), Nonsuch
únicamente en algunos (1530) y Hampton Court
elementos ornamentales;
(1514-1540).71 Más
así, por ejemplo, en la
adelante se recibió la
tumba de Enrique VII en la
influencia palladiana, que
abadía de Westminster,
se desarrolló
realizada
especialmente en la
arquitectónicamente en el
más puro estilo gótico, se construcción de palacios.67

Portugal: en arquitectura, el gótico pervivió
hasta bien entrado el siglo XVI en el llamado
estilo manuelino. A mediados de siglo se recibió
la influencia de arquitectos italianos como
Serlio o Palladio, como se denota en la iglesia de
Nuestra Señora de Gracia en Évora (1536) o en
el claustro del convento de Cristo de Tomar
(1554-1562), obras de Diogo de Torralva.67 En
este país trabajó el arquitecto italiano Filippo
Terzi, autor de la iglesia de San Vicente de Fora
en Lisboa (1582).72
Austria y Bohemia: unidos por el imperio de los
Habsburgo, estos países contaron con la labor
patrocinadora del emperador Rodolfo II, un
gran coleccionista que atesoró en su corte de
Praga una gran variedad de obras de arte y
objetos de todo tipo (joyas, minerales, relojes,
autómatas, instrumentos científicos), ya que
también era un gran amante de la ciencia.
Adquirió cuadros de artistas como Brueghel,
Tiziano, Leone Leoni o Durero, y acogió a
artistas como Giuseppe Arcimboldo, un original
pintor de retratos confeccionados con
elementos propios de los bodegones.73 En
Bohemia se construyeron diversos palacios,
como el Comunal de Pilsen y el de
Schwarzenberg en Praga; y castillos, como los
de Litomyšl, Černý y Kostelec.74
Suiza: la influencia italiana se notó
especialmente en el cantón de Ticino, como se
evidencia en las catedrales de San Lorenzo de
Lugano (1514) y San Francisco de Locarno
(1528). En pintura destacó la obra de Niklaus
Manuel, aún cercana al gótico tardío.75
Convento de
Cristo de Tomar
(Portugal), obra
de Diogo de
Torralva (1554-
1562)
Hungría: este país contó con el gran mecenazgo
del rey Matías Corvino, un gran amante del arte
italiano, quizá por influjo de su esposa, Beatriz
de Nápoles.76 El monarca compró numerosas
obras de arte italianas, y contrató artistas y
arquitectos italianos para reformar y decorar
sus palacios, como Benedetto da Maiano,
Clemente Camicia y Giovanni Dalmata; el
miniaturista Attavante degli Attavanti fue autor
del Breviario de Matías Corvino y del Códice de
Marciano Capella; el escultor Andrea Ferracci
realizó el altar de la Anunciación de la catedral
de Esztergom.77
Polonia: como en otros países, las novedades
renacentistas llegaron de la mano de artistas
italianos llegados al país, como los arquitectos
Franciscus Italus y Bartolomeo Berecci (Palacio
Real de Cracovia), Gian Maria Mosca (Palacio
Episcopal de Cracovia) y Giovanni Battista di
Quadro (Palacio Municipal de Poznań); y los
escultores Santi Gucci (capilla de Segismundo
de la catedral de Cracovia), Girolamo Canavesi
(monumento de Gorka, catedral de Poznań) y
Domenico Veneziano (monumento sepulcral de
Esteban I Báthory, catedral de Cracovia). En
cambio, en pintura trabajaron mayormente
artistas alemanes, como Hans Sues von
Kulmbach, Louz von Kitzingen y Martin Koeber.
También se desarrolló notablemente la
miniatura, en la que destacan el Códice de
Baltasar Behem y el Libro de preces de
Segismundo I.78
Rusia: durante esta época continuó la tradicional
arquitectura rusa de influencia bizantina, pero
se recibió alguna influencia del Renacimiento
italiano a través del arquitecto boloñés
 Aristotele Fioravanti, que viajó en 1475 a Rusia
invitado por Iván III, donde construyó la
catedral de la Dormición en el Kremlin de
Moscú (1475-1479); otro arquitaliano, Aloisio
Nuovo, fue el encargado de construir la catedral
del Arcángel Miguel también en el Kremlin
(15051508). La influencia italiana se denota
igualmente en la catedral de San Basilio de
Moscú, obra de Póstnik Yákovlev (1555-
1560).79
Arte colonial hispanoamericano
Las primeras muestras de arquitectura colonial en
América tuvieron, al igual que en la metrópoli,
cierta pervivencia de rasgos góticos, si bien pronto
empezaron a llegar las nuevas corrientes que se
producían en España, como el purismo y el
plateresco (catedral de Santo Domingo). Al
iniciarse la colonización, la arquitectura que se
desarrolló principalmente fue de signo religioso:
por orden real, el primer edificio que se debía
construir en cualquier nueva ciudad debía ser una
iglesia. Durante la primera mitad del siglo XVI
fueron las órdenes religiosas las encargadas de la
edificación de numerosas
iglesias en México, preferentemente un tipo de
iglesias fortificadas, Catedral de Puebla
en un conjunto almenado con iglesia, convento, un
atrio y una capilla abierta —llamadas «capillas de
indios»—, como el Convento de Tepeaca, el de
Huejotzingo y el de San Gabriel en Cholula.80 A
mediados de siglo se empezaron a construir las
primeras grandes catedrales, como las de México,
Puebla y Guadalajara. Se sigue por lo general la
planta rectangular con testero plano, tomando
como modelos la Catedral de Sevilla, la de Jaén y la
de Valladolid. En Perú, en 1582 se inició la catedral
del Cuzco y, en 1592, la de Lima, ambas obras del
extremeño Francisco Becerra. En Argentina destaca
la catedral de Córdoba, obra del jesuita Andrés
Blanqui.81
Las primeras muestras de pintura colonial fueron las
de escenas religiosas elaboradas por maestros
anónimos, realizadas con medios precolombinos,
con tintas vegetales y minerales y telas de trama
áspera e irregular. Destacaron las imágenes de la
Virgen con el Niño, con una iconografía de raíces
autóctonas donde, por ejemplo, se representaban
los arcángeles como arcabuceros contemporáneos.
La producción artística hecha en Nueva España por
indígenas en el siglo XVI es denominada arte
indocristiano. Adentrado el siglo XVI surgieron los
grandes frescos murales, de carácter popular.
Desde mediados de siglo empezaron a llegar,
procedentes de Sevilla, maestros españoles (Alonso
Vázquez, Alonso López de Herrera), flamencos
(Simon Pereyns) e italianos (Mateo Pérez de Alesio,
Angelino Medoro).82
En escultura, las primeras muestras fueron
nuevamente en el terreno religioso, en tallas
exentas y retablos para iglesias, confeccionadas
generalmente
en madera
recubierta con
yeso y
decorada con
encarnación
— aplique
directo del
color— o
estofado —sobre un fondo de plata y oro—. A
principios del siglo XVII nacieron las primeras
escuelas locales, como la quiteña, la cuzqueña y la
chilota, destacando la labor patrocinadora de la
orden jesuita.
Artes gráficas y decorativas
Las artes industriales tuvieron un
gran auge debido al gusto por el
lujo de las nuevas clases
adineradas: se desarrolló la
ebanistería, sobre todo en Italia y
Alemania, destacando la técnica
de la intarsia, embutidos de
madera de varios tonos para
producir efectos lineales o de
ciertas imágenes. La tapicería
destacó en Flandes, con obras
basadas en bocetos desarrollados
por pintores como Bernard van Orley. La cerámica
se elaboró en Italia con barnices vidriados,
consiguiendo tonos brillantes de gran efecto. El
vidrio se desarrolló notablemente en Venecia
(Murano), decorado a veces con hilos de oro o con
filamentos de vidrios de colores. La orfebrería fue
cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti o
Benvenuto Cellini, con piezas de gran virtuosismo
y elevada calidad, destacando especialmente los
esmaltes y camafeos.83
En esta época se desarrollaron notablemente las artes
gracias a la invención de la imprenta, apareciendo o perfeccionándose
mayoría de las técnicas
de grabado: calcografía
(aguafuerte, aguatinta,
grabado al buril,
grabado a media tinta o
grabado a punta seca),
linograbado, xilografía,
etc. En Italia se desarrolló el grabado en metal,
practicado especialmente por los orfebres
florentinos durante los siglos XV y XVI, mientras que
en el Cinquecento se perfeccionó el aguafuerte
gracias a la obra del Parmigianino. En Alemania
destacó la obra de Durero, especialista de la técnica
del buril, aunque también realizó xilografías. En
Francia, el grabado fue practicado por la escuela de
Fontainebleau, en la que destacó Jean Duvet,
famoso por su serie del Apocalipsis (1561). En
Flandes surgieron notables grabadores en la ciudad
de Amberes, como los hermanos Wierix, autores de
estampas de excelente técnica y detallismo, aunque
basadas en composiciones ajenas; o Hieronymus
Europa, donde destacan por su magnificencia los
jardines franceses, como los de los castillos de
Amboise,
Chambord y Villandry. En Francia era costumbre
subdividir el jardín en diversas zonas especializadas
(jardín geométrico, medicinal, silvestre), así como la
construcción de canales que permitían el paseo en
Cock, que reprodujo numerosas obras de
Brueghel.84
Jardinería Ilustración del
En el Renacimiento
gráficas, la jardinería
especialmente cobró(1561),
Apocalipsis una especial
de
relevancia, en paralelo
la al impulso otorgado a todas
Jean Duvet.
las artes en esta época, principalmente gracias al
mecenazgo de nobles, príncipes y altos cargos de la
Iglesia. El jardín renacentista se inspiró en el
romano, en aspectos como la decoración
escultórica o la presencia de templetes, ninfeos y
estanques. Los primeros ejemplos surgieron en
Florencia y Roma, regiones con una orografía
accidentada y grandes desniveles de terreno, lo que
originó el efectuar estudios previos de índole
arquitectónica para planificar la estructura del
jardín, originando la arquitectura paisajística. Un
ejemplo de ello son los Jardines del Belvedere en
Roma, proyectados por Bramante en 1503, el cual
resolvió los desniveles con un sistema de terrazas, a
las que se accede por amplias escalinatas y que
están rodeadas de balaustradas, esquema que
pasaría a ser típico del jardín italiano, que se
convertiría en el prototipo de jardín renacentista.
Se otorgó una especial importancia a la obra
hidráulica, con estanques y fuentes de gran
complejidad, como los de la Villa de Este en Tivoli,
diseñados por Bernini. Estos diseños pasaron al
resto de
Jardín del Château
d'Ambleville,
Francia
barca. En esta época comenzó la costumbre de
recortar los setos, apareciendo los primeros
jardines en forma de laberinto. También hay que
resaltar la llegada de nuevas especies gracias al
descubrimiento de América, lo que favoreció la
apertura de jardines botánicos dedicados al estudio
y catalogación de las plantas.85
La teoría jardinística renacentista se nutrió Maquiavelo y Pietro Aretino. Su influencia se
especialmente de la concepción elaborada por Leon denotó en Francia, donde descollaron François
Battista Alberti de la casa y el jardín como una Rabelais, Pierre de Ronsard, Michel de Montaigne y
unidad artística basada en formas geométricas (De Joachim du Bellay. En Alemania, la reforma
Re Aedificatoria, protestante impuso una mayor austeridad y una
IX, 1443-1452), así como en el modelo expuesto por temática religiosa, cultivada por Ulrich von Hutten,
Francesco Colonna en su Hypnerotomachia Poliphili Sebastian Brant y Hans Sachs. En Inglaterra, cabe
(1499), que introducía el uso de parterres y el citar a Tomás Moro, Edmund Spenser, Michael
empleo del arte topiario para dar formas Drayton, Henry Constable, George Chapman, Henry
caprichosas a los árboles, o el diseño de las eras a Howard y Thomas Wyatt. En Portugal se halla la
partir de formas axiales, expuesto por Sebastiano figura predominante de Luís de Camões.88
Serlio en Tutte l'opere d'architettura (1537).86
En España comenzó una edad dorada de las letras,
que se
Literatura prolongaría
hasta el
siglo XVII: la
La literatura renacentista se desarrolló en torno al poesía,
humanismo, la nueva teoría que destacaba el papel influida por
primordial del ser humano sobre cualquier otra la italiana
consideración, especialmente la religiosa. En esta del stil
época el mundo de las letras recibió un gran nuovo,
impulso con la invención de la imprenta por contó con
Gutenberg, hecho que propició el acceso a la las figuras
literatura por un público más mayoritario. Ello de
conllevó a una mayor preocupación por la Garcilaso
ortografía y la lingüística, surgiendo los primeros de la Vega,
sistemas de gramática en lenguas vernáculas (como fray Luis de
la española de Elio Antonio de Nebrija) y León, San
apareciendo las primeras academias de lenguas Juan de la
Cruz y Santa
nacionales.87
Teresa de
La nueva literatura se inspiró como el arte en la Jesús; en
tradición clásica grecolatina, aunque también prosa
recibió una gran influencia de la filosofía surgieron
neoplatónica desarrollada contemporáneamente los libros de
en Italia. Por otro lado, refleja el nuevo ideal de caballería
hombre renacentista, que se ejemplifica en la figura (Amadís de
del «cortesano» definida por Baldassare Gaula,
Castiglione: debía de dominar las armas y las letras 1508) y se
por igual, y tener «buena gracia» o naturalidad sin inició el
género de
artificio.88
la picaresca
En Italia, cuna del nuevo estilo, perduraban aún los con el
ecos de tres grandes autores medievales Lazarillo de
considerados a veces precursores del nuevo Tormes
movimiento: Dante, Petrarca y Boccaccio. Entre los (1554),
literatos surgidos en esta era conviene destacar a: mientras
Angelo Poliziano, Matteo Maria Boiardo, Ludovico que
Ariosto, Jacopo Sannazaro, Pietro Bembo, despuntó la
Baldassare Castiglione, Torquato Tasso, Nicolás obra de
Miguel de como son.
Cervantes, Se buscaba
el gran la
genio de las recuperació
letras n de la
españolas, realidad, de
autor del la vida en
inmortal movimiento
Don Quijote , de la figura
(1605). humana en
el espacio,
en las tres
Teatro dimensione
s, creando
El teatro espacios de
renacentist efectos
a también ilusionístico
acusó el s, en
paso del trompe-
teocentrism l'œil. Surgió
o al la
antropocen reglamenta
trismo, con ción teatral
obras más basada en
naturalistas tres
, de aspecto unidades
histórico, (acción,
intentando espacio y
reflejar las tiempo),
cosas tal basándose
Don Quijote Miguel de
(1605), de Cervantes.
en la Poética de Aristóteles, teoría introducida por
Lodovico Castelvetro. En torno a 1520 surgió en el
Música
norte de Italia la Commedia dell'arte, con textos
improvisados, en dialecto, predominando la mímica
e introduciendo personajes arquetípicos como La música renacentista supuso la consagración de la
Arlequín, Colombina, Pulcinella (llamado en Francia polifonía, así como el afianzamiento de la música
Guignol), Pierrot, Pantalone, Pagliaccio, etc. Como instrumental, que iría evolucionando hacia la
principales dramaturgos destacaron Niccolò orquesta moderna. Apareció el madrigal como
Machiavelli, Pietro Aretino, Bartolomé Torres género profano que aunaba texto y música, siendo
Naharro, Lope de Rueda y Fernando de Rojas, con la expresión paradigmática de la música
su gran obra La Celestina renacentista. En 1498 Ottaviano Petrucci ideó un
(1499). En Inglaterra descolló el teatro isabelino, sistema de imprenta adaptado a la música, en
con autores como Christopher Marlowe, Ben pentagrama, con lo que se empezó a editar música.
Jonson, Las primeras novedades se produjeron en Flandes,
donde se desarrolló la llamada polifonía «a la
Thomas Kyd y, especialmente, William
flamenca», cultivada por Guillaume Dufay,
Shakespeare, gran genio universal de las letras
Johannes Ockeghem y Josquin des Prés. También
(Romeo y Julieta, 1597; Hamlet, 1603; Otelo, 1603;
cultivaron el madrigal Orlandus Lassus, Luca
Macbeth, 1606).89 Marenzio, Carlo Gesualdo, Claudio Monteverdi,
Cristóbal de Morales y Tomás Luis de Victoria,
mientras que en polifonía religiosa destacó
Giovanni Pierluigi da Palestrina. En música
instrumental descolló Giovanni Gabrieli, quien
experimentó con diversos timbres de instrumentos
de viento y con efectos de sonido cruzado y de
relieve.90
En los países protestantes la música cobró gran
relevancia, ya que el propio Lutero defendía la
importancia de la música en la liturgia religiosa.
Aquí se cultivó especialmente el coral, un género
musical a capella o con acompañamiento
instrumental, generalmente a cuatro voces mixtas.
Algunos de los compositores que lo cultivaron
fueron Johann Walther y Valentin Bapst.91
A finales del siglo XVI nació la ópera, iniciativa de un
círculo de eruditos (la Camerata Fiorentina) que, al
descubrir que el teatro griego antiguo era cantado,
tuvieron la idea de musicalizar textos dramáticos. La
primera ópera fue Dafne (1594), de Jacopo Peri, a la
que siguió Euridice (1600), del mismo autor; en
1602 Giulio Caccini escribió otra Euridice; y, en
1607, Claudio Monteverdi compuso La favola
d'Orfeo, donde añadió una introducción musical
que denominó sinfonía, y dividió las estructuras
cantadas en arias.92
Danza
La danza renacentista tuvo una gran revitalización,
debido de nuevo al papel preponderante del ser
humano sobre la religión, de tal manera que
muchos autores consideran esta época el
nacimiento de la danza moderna. Se desarrolló
sobre todo en Francia –donde fue llamado ballet-
comique–, en forma de historias bailadas, sobre
textos mitológicos clásicos, siendo impulsado
principalmente por la reina Catalina de Médicis. Se
suele considerar que el primer ballet fue el Ballet
comique de la Reine Louise (1581), de Balthazar de
Beaujoyeulx. Las principales modalidades de la
época eran la gallarda, la pavana y el tourdion. En
esta época surgieron los primeros tratados sobre
danza: Domenico da Piacenza escribió De arte
saltandi et choreas ducendi, siendo considerado el
primer coreógrafo de la historia; Thoinot Arbeau
hizo una recopilación de danzas populares
francesas (Orchesographie, 1588).93
Filosofía
Ciencia
La historia de la ciencia en el Renacimiento
comienza con el redescubrimiento de textos
científicos antiguos durante el Renacimiento y se
acelera después de la caída de Constantinopla en
1453 y la invención de la imprenta —que
democratizaría al aprendizaje y permitiría una
propagación más rápida de nuevas ideas— y los
descubrimientos geográficos ocurridos en esta
era.109
Las ciencias naturales, fundamentadas en la
metafísica nominalista, se diferenciaron de los
estudios anteriores —de raíz aristotélica— en dos
factores esenciales: la idea de la naturaleza y el
método físico.110 La primera evoluciona desde la
física ontológica aristotélica hacia un discurrir
simbólico fundamentado en las matemáticas,
pasando de analizar el «ser de las cosas» a
interpretar «variaciones de fenómenos»; por tanto,
se renuncia a conocer las causas a cambio de medir
los fenómenos, sentando las bases de la ciencia
positiva.111 El método físico, por otro lado, se
fundamenta en el empirismo, basado en el «análisis
de la naturaleza», el cual parte de una hipótesis de
origen matemático para llegar a una comprobación
a posteriori de esa premisa apriorística.112 Uno de
los principales teóricos de la nueva ciencia fue el
filósofo inglés Francis Bacon, padre del empirismo
filosófico y científico; su principal obra, Novum
organum, presenta la ciencia como técnica,
experimental e inductiva, capaz de dar al ser
humano el dominio sobre la naturaleza.113
Una de las
disciplinas
científicas que
más se
desarrolló en
esta época fue
la astronomía,
gracias
especialmente
a la figura de
Nicolás
Copérnico: este científico polaco fue el difusor de la
teoría heliocéntrica —los planetas giran alrededor
del Sol— frente a la geocéntrica admitida en la Edad
Media —la Tierra es el centro del universo. Expuso
esta teoría, basada en la de Aristarco de
Samos.114115 Este sistema fue posteriormente
desarrollado por Johannes Kepler, quien describió
el movimiento de los planetas conforme a órbitas
elípticas.116117 Por último, Galileo Galilei
sistematizó estos conocimientos y formuló los
principios modernos del conocimiento científico,
por lo que fue procesado por la Inquisición y
obligado a retractarse; sin embargo, está
considerado por ello el fundador de la física
moderna.118 Otro astrónomo destacado de este
período fue Tycho Brahe, creador del observatorio
de Uraniborg, desde el que realizó numerosas
observaciones astronómicas que sirvieron de base
a los cálculos de Kepler.119 También cabe remarcar
que en 1582 el papa Gregorio XIII introdujo el
calendario gregoriano, que sustituyó al anterior
calendario juliano.120
Las matemáticas también avanzaron notablemente
en esta época: Christoph Rudolff desarrolló la
utilización de las fracciones decimales;
Regiomontano estudió la trigonometría esférica y
rectilínea;121 los italianos Gerolamo Cardano y
Lodovico Ferrari resolvieron las ecuaciones de
tercer y cuarto grado, respectivamente; otro
italiano, Tartaglia, utilizó el triángulo aritmético
para calcular los coeficientes de un binomio;122
Rafael
Bombelli estudió los números imaginarios;123
François Viète efectuó importantes avances en
El sistema
copernicano
(De
revolutionibus
orbium
coelestium)
trigonometría,124 y creó el simbolismo
algebraico;125 Simon Stevin estudió las primeras
tablas de intereses, resolvió el problema de la
composición de fuerzas y sistematizó las fracciones
decimales.126
En ciencias naturales y medicina también hubo
importantes avances: en 1543 Andrés Vesalio
publicó De humani corporis fabrica, un compendio
de anatomía con profusas ilustraciones considerado
uno de los más influyentes libros científicos de
todos los tiempos; Bartolomeo Eustachio descubrió
las cápsulas suprarrenales; Ambroise Paré inició la
cirugía moderna; Conrad von Gesner inauguró la
zoología moderna con una primera clasificación de
animales por géneros y familias; Miguel Servet
describió la circulación pulmonar, y William Harvey
la de la sangre; Gabriele Falloppio estudió la
estructura interna del oído; Ulisse Aldrovandi creó
el primer jardín botánico en Bolonia; Bernard
Palissy fundamentó la paleogeografía; Caspar
Bauhin introdujo un primer método de clasificación
de las plantas; y Zacharias Janssen inventó el
microscopio en 1590.127
También avanzó notablemente la geografía y la
cartografía, gracias a los numerosos
descubrimientos realizados en esta época. Cabe
destacar la labor del flamenco Gerardus Mercator,
autor del primer mapa del mundo (1538) y
descubridor de un método de posicionamiento
geográfico sobre un mapa del rumbo dado por una
aguja imantada.128
En el terreno de la química, relacionada todavía con
la alquimia medieval, hubo escasos avances:
Georgius
Agricola fundó la mineralogía moderna, clasificando
los minerales según sus caracteres externos;129
Paracelso aplicó la alquimia a la medicina,
estudiando las propiedades de los minerales como
fármacos, en el transcurso de cuyas investigaciones
descubrió el cinc; Andreas Libavius escribió el
primer tratado sobre química con una mínima base
científica,130 e introdujo diversos preparados
químicos, como el ácido clorhídrico, el tetracloruro
de estaño y el sulfato amónico, así como la
preparación del agua regia.131
Por último, conviene citar la figura polifacética de
Leonardo da Vinci, ejemplo del hombre
renacentista interesado en todas las materias tanto
artísticas como científicas (homo universalis). En el
terreno de la ciencia, realizó varios proyectos como
máquinas voladoras, concentradores de energía
solar o calculadoras, que no pasaron de meros
proyectos teóricos. También realizó trabajos de
ingeniería, hidráulica y mecánica, y estudios de
anatomía, óptica, botánica, geología, paleontología
y otras disciplinas.132
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(http://ww
w.open.ac.uk/Arts/renaissa nce2/defining.htm).
Open.ac.uk. Consultado el 31 de julio de 2009.
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que es historiografía» (https://clasic
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2018.
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(http:// worldcat.org/isbn/0-19-2801 63-5).
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Renacimiento. Ullmann. ISBN 978-3-8331-
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6. AA. VV., 2003, p. 190.
7. AA. VV., 1990, p. 2658.
Historiadores como George Sarton y Lynn
Thorndike han criticado el efecto del Renacimiento
sobre la ciencia, argumentando que el progreso fue
demorado porque los humanistas favorecieron los
temas centrados en el hombre, como política e
historia, sobre el estudio de la filosofía natural o la
matemática aplicada. Otros se han localizado en la
influencia positiva del Renacimiento puntualizando
factores como el descubrimiento de muchísimos
textos ocultos o perdidos, y el nuevo énfasis en el
estudio de la lengua y la correcta lectura de textos.
Marie Boas Hall acudió el terminó «Renacimiento
científico» para designar la primera fase de la
Revolución científica. Recientemente, Peter Dear
argumentó a favor de un modelo de dos fases para
explicar la Génesis de la ciencia moderna: un
«Renacimiento científico» en los siglos XV y XVI,
centrado en la restauración del conocimiento
natural de los antiguos, y una «Revolución
científica» en el siglo XVII, cuándo los científicos
pasaron de la recuperación a la invención.
Vida y costumbres
8. AA. VV., 2003, p. 232.
9. Onians, 2008, pp. 120-121.
10. Albert de Paco, 2007,
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Florencia: Scala/Riverside.
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33. Azcárate Ristori, Pérez Sánchez y Ramírez 51. Azcárate Ristori, Pérez
Domínguez, 1983, p. 353. Sánchez y Ramírez Domínguez, 1983,
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Domínguez, 1983, p. 355. 52. Azcárate Ristori, Pérez
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