IMPRESIONISMO 1872-1882 APRX.

Se conoce como impresionismo a uno de los principales movimientos artísticos del siglo XIX,
especialmente en el género de la pintura, que aspiraba a reproducir en sus obras la
“impresión” vital del mundo a su alrededor, es decir, intentaba pintar la luz en el momento
exacto en que observaban el mundo. En esto rompió con sus predecesores, que favorecían las
figuras plenas e identificables y fue un movimiento clave en el desarrollo de las artes en Europa –y
sobre todo en Francia- y sentó las bases para movimientos posteriores como el postimpresionismo y
las vanguardias.

El nombre de impresionista se empleó también para otras artes, como la música o la literatura, o
también la escultura y arquitectura, a pesar de que sus rasgos definitorios son bastante particulares
de la pintura. Esto es posible debido a que la filosofía del impresionismo podía interpretarse
como un afán por imitar la realidad y, en todo caso, por concebir el arte como fruto de un
proceso racional, algo que iba de la mano del positivismo, doctrina de pensamiento que imperaba en
la sociedad burguesa del siglo XIX.

Los preceptos del impresionismo fueron objeto de oposición por parte del expresionismo, nacido a
finales del siglo XIX como una reacción a favor de la subjetividad artística y las necesidades
expresivas interiores del ser humano.

El término “impresionista” se le atribuye al crítico de arte francés Louis Leroy, quien lo

habría empleado de manera despectiva, frente a un cuadro de Monet llamado Impresión, sol naciente
(1873), expuesto junto a los cuadros de otros artistas jóvenes en el Salón de Artistas Independientes
de París entre abril y mayo de 1874. Jugando con el título del cuadro, Leroy arremetió en la prensa
contra los treinta y nueve “pintores impresionistas” expuestos, dándole nombre sin saberlo al
movimiento.

Sin embargo, el impresionismo gozó de aceptación en los circuitos artísticos europeos de la época. La
París de la época era lugar de peregrinación artística para Europa toda, y allí tuvieron lugar
numerosas exposiciones universales, por lo que el movimiento nació en el mero centro del arte del
momento.

Tuvo como precursores a los paisajistas ingleses románticos de inicios del siglo XIX, para
los que eran frecuentes las escenas que trascendieran la forma, tales como J. M. William Turner y
John Constable. Sin embargo, será Édouard Manet quien siente propiamente las bases para el
surgimiento del impresionismo.
CARACTERISTICAS

Claude Monet en su barca a orillas del Sena.

El impresionismo aspiraba a plasmar la luz en sus pinturas, mediante la combinación de

colores y pinceladas, en vez de formas y siluetas. La pincelada impresionista, bautizada
posteriormente como “pincelada gestáltica”, era breve y usaba colores puros, sin importar que en
solitario no fueran pertinentes al modelo real, ya que una vez completa la imagen, se podría percibir
globalmente la obra y reproducir así una totalidad bien definida, con mucha luminosidad y vibrancia.
Esta técnica inspiraría posteriormente a los neoimpresionistas o puntillistas.

Otro de los avances del impresionismo fue la creación de nuevos pigmentos para obtener
colores más puros. Gracias a ello los pintores pudieron replantear muchas leyes cromáticas de la
época, entendiendo el color en relación a sus acompañantes y al contraste que con ellos generan.
Por eso los impresionistas hacían juegos de sombra rompiendo con la dinámica usual del claroscuro,
en favor de sombras hechas con colores complementarios que dotaban de mayor profundidad a la
obra.

De modo similar, los impresionistas relegaron la forma a un segundo plano, prefiriendo explorar en
cambio los paisajes. Los panoramas abiertos permitían la justa de luz y colores para
sus métodos pictóricos.
PRINCIPALES ARTISTAS

Édouard Manet
Claude Monet
Pierre-Auguste Renoir
Berthe Marie Pauline Morisot
Hilaire-Germain-Edgar de Gas (Degas)
Jacob Abraham Camille Pissarro
Alfred Sisley

De todos los artistas de su tiempo, Manet fue

ÉDOUARD MANET 1832-1883
quizás el más contradictorio.
Pese a que se le considera uno de los padres
del Impresionismo, nunca fue un impresionista
en el sentido estricto de la palabra. Por
ejemplo, jamás expuso con el grupo y nunca
dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque
le rechazaran. Afirmaba que «no tenía
intención de acabar con los viejos métodos de
pintura ni de crear otros nuevos»

Manet empezó pintando temas de género,

mendigos, pícaros, personajes de café y
escenas taurinas españolas como el Guitarrista
español o Lola de Valencia. Y, poco a poco, fue
incorporando escenas de la vida parisina del
momento, como Música en las Tullerías.

Se relacionó con Degas, Monet y Pissarro,

iniciándose así su relación con el grupo
impresionista.

Manet pintó su ciudad y la vida moderna y las

representó tal como son, sin tapujos. Esta es la
razón principal por la que su obra provocó el
rechazo y la crítica. Para captar la realidad y la
fugacidad empleó una pincelada rápida, directa
y empastada, rasgo característico del
Impresionismo.
 EL CAFÉ-CAFÉ CONCIERTO- 1879

Dimensión: 47.3 cm × 39.1 cm.

Técnica: Óleo sobre lienzo

En este Café-Concierto vemos a tres figuras centrales tomándose unos cacharros. Hasta la camarera
se toma una jarra de cerveza en un instante que tiene libre. La otra mujer fuma un cigarrillo y su
pareja está viendo la actuación que podemos ver nosotros también por el reflejo en el espejo del
fondo.
 UN BAR DEL FOLIES-BERGÉRE- 1882

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Dimensión: 96cms x 130 cms

En el cuadro se mira la vida parisina moderna, un par de bodegones en primera fila, una mujer marginal como
protagonista. Todo esto ambientado en un café como el que solía frecuentar con los demás impresionistas.

Todo lo que hay en el cuadro es un reflejo menos la barra y la camarera de mirada fija. En el espejo vemos que está
conversando con un señor gracias a un engaño óptico que creó el pintor, pues el reflejo está torcido. Ella parece triste e
ida en sus pensamientos, en el reflejo se inclina hacia delante para hablar con el señor. Con ese espejo nuestro artista ha
creado un punto de vista novedoso pues nuestra atención está en ella, más en el cristal se desarrollan dos escenas: la
masa de gente a la izquierda haciendo vida social ignorando a la bailarina del techo (en la esquina se le ven las piernas) y
una conversación a la derecha.

Fíjate bien en las botellas de champán y cerveza delante de ella. Están en la parte de atrás de la barra, pero en el espejo
han pasado a la de delante. Manet gasta muchas bromas como esta, haciéndonos comprender que de lo que se trata en
este cuadro es de mirar.

Ella es la camarera, pero su collar es la marca de que también es prostituta como el de Olympia. Al dibujarla hablando
con un burgués cualquiera, Manet ha vuelto a poner en evidencia la doble moral de la sociedad, una doble moral que ha
perdurado hasta la actualidad.
CLAUDE MONET 1840-1872

Sus innovaciones en el estudio del color y la luz

causaron tanta admiración como rechazo, pero
como bien sabemos, se adelantó lo justo a su
tiempo como para ser considerado un innovador
y tener éxito al mismo tiempo.
Además, era un artista muy poco comercial,
excesivamente experimental.
Pero precisamente fue eso lo que le dio fama en
la exposición de 1874: Una serie de manchas de
colores que representaban un paisaje mejor de
lo que había sido representado nunca… o mejor
dicho, la impresión de ese paisaje…
Monet había descubierto su estilo, que se fue
radicalizando con el tiempo. Intentó captar el
instante (sus trenes con humo), la luz (sus
paisajes), las variaciones del color a través de
sus series sobre un mismo tema, a distintas
horas o durante estaciones diferentes.
Paulatinamente fue acentuando los efectos
luminosos hasta llegar en ocasiones a difuminar
las formas o incluso a fundirlas entre sí.
En sus últimas obras (nenúfares), la forma está
ya prácticamente disuelta en manchas de color.
Muchos historiadores de arte/oftalmólogos (?!?)
Monet fue la figura clave del
afirman que, al sufrir Monet de cataratas, el
movimiento impresionista. De hecho, fue un
artista veía cada vez más tras un filtro borroso
cuadro suyo el que puso nombre al movimiento.
y amarillento. De hecho, tras ser operado, volvió
una temporada a su estilo anterior.
IMPRESIÓN, SOL NACIENTE -1872

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensión: 47cms x 64cms

Los pintores que se reunían en el Café Guerbois en torno a Manet decidieron crear un foro de exposición diferente
a los oficiales, en el que pudieran mostrar sus obras todos los artistas independientes.

Así surge la I Exposición de la sociedad anónima de artistas pintores, escultores y grabadores que tuvo lugar
entre el 15 de abril y el 15 de mayo en las salas que el fotógrafo Nadar les prestó. Acudieron 3.500 visitantes,
que se rieron de la pintura tan moderna que contemplaban. A esa exposición Monet presentó nueve cuadros,
entre los que destacó esta imagen que contemplamos ya que fue la que dio nombre al grupo.

Impresión, sol naciente es una imagen tomada directamente del natural por Monet en Le Havre,
representando las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol "lucha" por despuntar, creando magníficos
reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas
desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas,
apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su
significado como por su estética.
LOS NENÚFARES - LES NYMPHÉAS 1920-1926

Técnica: Óleo sobre tela

Dimensión: 219 cm × 602

Un enorme lienzo de dos metros de alto por seis de ancho. En él sólo vemos agua, plantas y el
reflejo del exterior. Monet nos sumerge en medio de este extraño paraje de rojos, amarillos y
malvas. Nos aturde con la arrebatadora belleza y armonía de sus lienzos.
La obra en su conjunto parece irreal. De cerca es puro arte abstracto. De lejos, en efecto son los
nenúfares más perfectos jamás pintados.
Existen aproximadamente 250 nenúfares pintados por Monet en los últimos años de su vida. El ya
anciano pintor vivía en el Jardín de Giverny, donde instaló un puente japonés y un estanque con
plantas exóticas que le servirían de modelo e inspiración.
Monet ya estaba consagrado, pero siguió investigando las posibilidades pictóricas de las variaciones
del color de un mismo tema, dependiendo de las horas del día o las estaciones del años.
En estas últimas obras, las formas están ya prácticamente disueltas en manchas de color. Muchos
historiadores de arte/oftalmólogos, afirman que al sufrir Monet de cataratas, el artista veía tras un
filtro borroso y amarillento. De hecho, tras ser operado, volvió una temporada a su estilo anterior.
De toda esta serie de nenúfares, quizás los más famosos y espectaculares son los paneles que se
exhiben en el Museo de la Orangerie de las Tullerías, en París. Monet los pintó para ser expuestos en
una estancia circular de 360º y son considerados “la capilla sixtina del impresionismo”.
PIERRE-AUGUSTE RENOIR 1841-1919

Junto con otros artistas del Impresionismo,

Pierre encuentra en la pintura una forma distinta
de interpretar los acontecimientos que ocurrían
en esos años. Tanto es así que a través de la
iluminación y los colores desarrolla una realidad
paralela, llena del encanto y la viveza, que el
mismo carece, debido a sus dificultades
personales.
Un elemento pictórico presente durante toda su
carrera, es el difuminado característico que
aplica a desnudos y figuras femeninas, esta
forma de pintar definió su estilo.
A mediados del 1880 P. A. Renoir comienza a
sufrir de artritis en las manos, esto hace que
su trabajo tome otro sentido, el dolor le hace
sentar cabeza, y las pinturas se comienzan a
empapar de un realismo nunca visto. Renoir
comprende al fin que la realidad sin alterarse es
también bella, que las imperfecciones hacen
contraste con las perfecciones, y es en esa
diferencia donde se encuentra la belleza.
Nace en el pintor el deseo de vivir su realidad.
Avanzado en años siguió pintando incluso
teniendo que atarse el pincel a la
muñeca por los dolores de la enfermedad. Este
amor se puede percibir en la delicadeza de las
figuras y la alegría que se manifiesta en todos
sus trabajos.
BAILE EN MOULIN DE LA GALETTE 1876

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensión: 131cmx x 175cms

El lugar es un antiguo molino emplazado en la cima de una colina parisina, el cuadro muestra una escena social,
cotidiana de un domingo en París, donde la clase trabajadora se arreglaba y salía a bailar, beber
y comer en Le Moulin.
Se aprecian parejas bailando en la pista, mientras que familias conversan sentadas en mesas, con vasos de
cristal y bebida. Los árboles alrededor hacen que la escena se convierta en algo natural, por lo que transmite
un estado de ánimo de liberación y despreocupación.

LA GRENOUILLERE 1879

Describe un paisaje inundado por el agua, se trata

de un popular balneario en las cercanías de París.
La versión de Renoir está hecha con pinceladas más
cortas y rápidas, usando los colores directamente del
tubo. Para sus contemporáneos esta pintura estaba
inconclusa, sin embargo, hoy en día es considerada
un ejemplo clásico del impresionismo.

La belleza de esta composición es sin duda única, la

claridad de los colores denota una dedicación y
esfuerzo extremo.

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Dimensión: 75cms x 99cms
BERTHE MARIE PAULINE MORISOT 1841-1895
En el seno de una familia burguesa francesa e
interesada por el arte, unos padres le pagaron
clases particulares de pintura a sus dos hijas.
El maestro de estas vio desde el principio su
potencial y ya advirtió a los progenitores que el
arte puede llegar a regir el destino de sus dos
hijas. Se trataban de Berthe y Edma
Morisot.
Mientras trabajaba como copista en el Louvre,
un señor con barba se le acercó pidiéndole si
podría posar para él: era Édouard Manet.
Morisot fue su modelo en decenas de
ocasiones y nació entre ellos dos una longeva y
fructífera amistad.
Debido al estallido de la guerra franco-
prusiana, Morisot y su familia pasaron casi
dos años viviendo con su hermana. Fue
durante este período que asentó sus bases
técnicas y temáticas. Empezó a desarrollar una
especie de nueva «taquigrafía visual» de
pinceladas cortas y rápidas para pintar lo que
tenía delante, fueran objetos o
personas. Plasmó el movimiento y la caída
de la luz trazando rayas discontinuas con la
superficie del pincel, rápidas líneas con la
punta del mismo y rayando la pintura con el
mango. Ninguno de sus colegas impresionistas
había trabajado de una manera tan
experimental.
Berthe Morisot pintaba lo que veía. Le
gustaba pintar al aire libre, pero debido a
su condición de mujer burguesa su margen
estaba muy limitado pudiendo solo pintar en el
hogar o en parques durante el día. Incluso
estaba vetada de las reuniones en el café
Guerbois. Aún así, ella entendía el
impresionismo mejor que nadie. Al no
tener permitida la entrada en las escuelas, su
pintura nunca estuvo impregnada del
academicismo del que se intentaban deshacer
sus colegas. Su estilo era muchísimo más
propio y auténtico que el de cualquier
otro pintor. Su familia fue su modelo
predilecto.
Llevó el impresionismo a los Estados Unidos en
la American Art Association y llegó a vender
más cuadros que Monet, Sisley o Pisarro,
logrando exponer individualmente.
Desgraciadamente, el sistema patriarcal no
quería que una mujer recibiera el
reconocimiento que merecía y se quedó
relegada a «artista femenina» por su temática
hogareña al igual que tantas compañeras como
Mary Cassat o Eva Gonzalès. A día de hoy,
esta genia apodada La gran dama de la
pintura continúa ignorada por la mayoría de
historiadores del arte.
ANTE EL ESPEJO (DEVANT LA PSYCHÉ) 1876

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensión: 55cms x 46cms

Cuando las mujeres gritaron por la igualdad durante la segunda mitad del siglo XIX, Berthe
Morisot decidió aportar al mundo del arte esa mirada.
Este retrato muestra a una mujer en un momento íntimo dando la espalda a la espectadora
mirándose al espejo, más su reflejo no tiene rostro. Con esto, Morisot quiere expresar que ni ella ni
ninguna mujer se siente representada en los retratos femeninos que cuelgan en las paredes de los
museos. Esos modelos no eran mujeres, eran lo que el patriarcado había creado para ellas, pero no
era real.
La mujer en la época de Morisot no se veía reflejada en ningún sitio porque no había pintoras que las
mostrasen como eran de verdad. Por eso es tan importante su obra, porque mostró una realidad que
estaba oculta y de la que nadie hablaba: la realidad de las mujeres.
JACOB ABRAHAM CAMILLE PISSARRO 1830-1903

LA CLASSE DE DANSE 1874

Dibujante, escultor y pintor historicista por

formación, pero transformado al realismo
contemporáneo con ribetes de impresionismo, por Técnica: Óleo sobre lienzo
convicción. Virtuoso en la técnica académica clásica,
pero moderno en su búsqueda de imágenes. A Dimensión: 85cms x 75cms
menudo se le nombra como uno de los fundadores
del Impresionismo, pero queda claro que no
pertenece al reducido grupo de "impresionistas
puros", como Monet, Pissarro o Cézanne.
El impresionista enamorado del ballet nos
Degas es uno de esos pintores con un estilo único, transmite dinamismo y fugacidad, como
especialista en captar el movimiento del cuerpo, un instante congelado en el tiempo de gente
hasta un punto casi obsesivo: más de la mitad, unas moviéndose de forma armoniosa, espontánea y
200, de todas sus obras están ambientadas en el
en cierto modo anodina, como en un momento
Ballet, de ellas el 80 lo muestra tras bambalinas.
de breve descanso tras el extenuante ensayo
que está imponiendo el exigente profesor de
Las obras de Edgar Degas son de gran calidad
técnica y la personalidad del autor se caracteriza por baile.
su incesante búsqueda de la belleza. Estos aspectos
confluyen en este hombre único en su forma de
hacer arte, siempre personalista, por ello no es
posible analizarlo tomando en cuenta sólo los estilos,
corrientes y movimientos existentes.
 comercial… Craso error. Sisley descubre
a Constable y Turner, no hay vuelta atrás: el
ALFRED SISLEY 1839-1899 arte es su destino.

Poco después conoce a los impresionistas y

su vida vuelve a cambiar. Sus pobres padres se
horrorizan. El joven decide trabajar al aire libre
y plantar sus caballetes en cualquier sitio
donde de la luz natural.

Por ello durante toda su vida tuvo no pocas

preocupaciones financieras, y el éxito no le
vendrá hasta- como no- después de su muerte.

Sisley fue ante todo un pintor paisajista, que

pintó el agua, la nieve, el cielo, la niebla… todo
con una gran espontaneidad sin perder un
carácter intimista y poético.

Todas las cosas respiran y florecen en una rica

y fértil atmósfera que distribuye y equilibra la
luz, establece la armonía.

Considerado junto a Monet «el impresionista

más puro», Alfred Sisley fue uno de los
miembros más ortodoxos de este grupo, en
espíritu y forma, por su elección del paisaje, su
tratamiento de las variaciones atmosféricas y la
delicadeza de sus toques y sus colores.

Sisley nació en París (n°19 de la Rue des

Trois-Bornes) en una familia de comerciantes
ingleses. Por ello sus padres lo envían a
Londres con 18 años para apuntalar su carrera
 IGLESIA DE MORET- 1893

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensión: 81cms x 65cms

La iglesia fue pintada por el artista en 12 ocasiones, más o menos desde el mismo ángulo, en
diferentes épocas del año, diferentes horas del día y en diferentes condiciones climáticas, dando
como resultado una iglesia totalmente distinta, por lo menos en lo que a luz se refiere.
Y como bien sabemos, la luz era la herramienta principal de los impresionistas.
Estos experimentos lumínicos eran muy típicos del grupo impresionista, y el más famoso
fue Monet, que intentó capturar la luz cambiante en la fachada de la catedral de Rouen más o menos
durante estos años.
Pero mientras Monet fue desestructurando la catedral sin piedad para explorar todas sus vibraciones
cromáticas, Sisley muestra un profundo respeto por las cualidades arquitectónicas de la iglesia que
tenía al lado de su casa y se ve en el análisis de los volúmenes que hace el pintor, y también en el
detallismo que demuestra.
Las variaciones de color de este lienzo en concreto son respuestas racionales a lo que realmente ven
sus ojos, no esos espejismos borrosos de Monet. Aunque tanto el uno como el otro artista son
considerados los impresionistas “más puros”.
 ENLACES WEB
https://reproarte.com/es/seleccion-de-temas/a-estilo/impresionismo/

https://historia-arte.com/

https://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo

https://historia-arte.com/movimientos/impresionismo