Programma Mod 28 Def

ACCADEMIA
NAZIONALE
DI DANZA
il Corpo nel Suono

V convegno internazionale sul musicista nella danza
31 ottobre - 3 novembre 2019

Direttrice: Enrica Palmieri
il Corpo nel Suono

Direzione artistica:
Cristiano Grifone, Marco Ariano, Massimo Carrano, Paolo Demitry, Tania Pallabazzer
Responsabile tecnico AND:
Stefano Pirandello
con il sostegno di
con il contributo di
network
partner tecnici
La quinta edizione de il Corpo nel Suono s’inaugura con l’esecuzione di Chaconne, la coreografia che José Limón ha creato sull’omonimo brano
di J.S. Bach. Segno prezioso del dialogo che a distanza di secoli, Musica e Danza intrattengono incessantemente. Ma anche segno traslato
della natura di questo convegno, la cui ricerca attraverso la varietà delle prospettive sembra essere come la Chaconne, lo sgranarsi di
variazioni sul tema centrale del corpo/suono. Durante i tre giorni di convegno, sulla Chaconne si ritornerà con una lezione che insieme ai due
incontri di Stephanie Jordan sulle strategie di composizione musicale, costituirà l’area di approfondimento coreomusicalogico. Altri significati-
vi contributi affronteranno il rapporto musica-danza nella Postmodern dance negli USA (Christian Cherry), le influenze della musica e danza
spagnola nel balletto classico e nella lezione di danza (Juan Mata), la pulsazione come elemento chiave nel rapporto musica/danza (Hjalmar
Öhrström e Katarina Lundmark), la riflessione sulle tradizioni musicali e di balletto nelle partiture di Tchaikovsky e nella pratica musicale
nell'Accademia Vaganova (Galina Bezuglaya). Di assoluto rilievo la lezione-performance di Alan Good e Allen Fogelsanger, che affronta i model-
li di ‘pausa’ e ‘ripetizione’ come strategie di sviluppo nella improvvisazione coreografica, come anche l’incontro volto all’approfondimento delle
metodologie nella collaborazione Musica/Danza (Guy Harries). A Suzanne Knosp e Kim Helweg sarà affidato il compito di tracciare un quadro
evolutivo e prospettivo della musica per le lezioni di danza. Nell’ambito del convegno troverà posto anche la presentazione di due libri: The art
of class di Karen. MacIver e Quaderno del Pianista al Ballo di Barbara Cocconi. Le tre giornate si concluderanno con la lezione/laboratorio di
Andy Terstein dal titolo ‘Translucent borders’, un progetto che racconta e percorre i confini attraverso i quali musica e danza hanno saputo
creare incontro e dialogo. Accanto a questi appuntamenti, ritroviamo le sessioni di improvvisazione del Blind Date come pure gli incontri del
Piano Circus in cui si concentreranno le diverse voci sulla pratica musicale nella lezione di danza, con sei musicisti che si avvicendano nel
codificare musicalmente la propria visione del movimento. Le persone, le istituzioni che su questo progetto si sono affacciate, hanno tessuto
una rete di idee, prospettive e contributi senza i quali il Corpo nel Suono non sarebbe ciò che è. A partnership già consolidate come gli amici
dello Scottish Ballet, della Danish National School of Performing Arts e della University of Arizona, altre nuove si sono affiancate come la NYU
Tisch School of the Arts e la University of Oregon. A tutti loro, al loro entusiasmo, la loro disponibilità, il loro spirito va il nostro più sentito
ringraziamento.
Cristiano Grifone
The fifth edition of il Corpo nel Suono opens with the performance of Chaconne, the Limón’s choreography to Bach’s music. This is a valuable
sign of the dialogue that Music and Dance are able to have, hundred of years apart. It is also a metaphor of this conference’s nature, whose
research perspectives, seems to be the many variations on the theme of body/sound. A further deepening on Chaconne will be the topic of
a lecture (Kristen Foote and Allen Fogelsanger) that along with two contributions by Stephanie Jordan on the acts of choreographic interven-
tion, will be the choreomusicological insights. The program includes noteworthy lectures such as those on the collaborative processes in the
Post Modern Dance in the USA (Christian Cherry), on the influences of Spanish music and dance in classical ballet and its accompaniment
(Juan Mata), on pulse as a fundamental and complex aspect of the relationship music/dance (Hjalmar Öhrström and Katarina Lundmark), on
the music and ballet traditions in Tchaikovsky’s scores and in the musical practice at the Vaganova Academy (Galina Bezuglaya), on the
evolutionary and prospective framework of the music for dance class (Suzanne Knosp and Kim Helweg). Afterwards there will be the
lecture/performance by Allen Fogelsanger and Alan Good on Pause and Repeat as tools for framing rudimentary gestures in the real-time
movement/sound composition, as well as the insights into the methodologies aimed to develop the collaborative processes of music/dance
(Guy Harries) Translucent Borders by Andy Teirstein will be another key step of the conference: it is a project examining ways that music and
dance can engage cultures across borders, in the absence of a common spoken language. Within the conference there will also be room for
the presentation of two books: The art of class by Karen MacIver, and Quaderno del Pianista al Ballo by Barbara Cocconi. Last but not least,
there will be the already proven experiences of Blind Date, sessions of improvisation with musicians and dancers, as well as Piano Circus,
dealing with the issue of music for dance class, with a panel of 6 pianists proposing their own visions of movement. People and institutions,
participating at this project have formed a network of ideas, perspectives and contributions without which il Corpo nel Suono would not be
what it is today. Consolidated partners, with the Scottish Ballet, the Danish National School of Performing Arts and the University of Arizona,
has joined new partnership with NYU Tisch School of the Arts and the University of Oregon. We convey our deepest gratitude to all of them,
to their passion and commitment.
Cristiano Grifone
Incontri
Piano Circus
Confronto aperto sulla pratica musicale nelle lezioni di danza classica e di
danza contemporanea
• Piano Circus classico

Arkadiy Figlin | Christopher Hobson | Alexandra Time
• 2 novembre, ore 11,30-13,00 | Teatro
Le lezioni di danza sono tenute dalla prof.ssa Francesca Malacarne (Liceo coreutico Vittorio Emanuele II)
e dal prof. Fabrizio Podaliri (Liceo coreutico Vittorio Emanuele II)
• Piano Circus contemporaneo

Robert Boston | Paolo Demitry | Quentin Tolimieri
Le lezioni di danza sono tenute dalla prof.ssa Teri Weikel (AND), dal prof. Dino Verga (AND) e dal
prof. Giordano Novielli
Suonare per la danza diventa spettacolo quando tre musicisti si mettono in gioco suonando all'impronta, sul palcoscenico, per
una classe di danza dal vivo. Nell'ambito della lezione di danza classica, oppure di danza contemporanea se più congeniale al
musicista, essi propongono coraggiosamente le proprie idee musicali ad una platea attenta e partecipe. Discutono intorno alle
questioni di interpretazione musicale/ritmica del gesto danzato, mettendo a confronto soluzioni differenti, frutto delle rispettive
esperienze e delle proprie scelte estetiche e lessicali nella pratica dell'improvvisazione per la danza. L'appuntamento con Piano
Circus si configura come uno dei punti di riferimento nell'ambito del Convegno, un momento di confronto aperto e brillante,
manifestazione di talenti, fucina di idee originali ed inaspettate.
il Corpo nel Suono
Piano Circus
Open dialogue about music in ballet and contemporary dance classes
• Piano Circus - ballet

Arkadiy Figlin | Christopher Hobson | Alexandra Time
• November 2nd, 11.30-13.00 | Teatro
• November 3rd, 09.30-11.00 | Teatro
Dance teachers are Francesca Malacarne (Liceo coreutico Vittorio Emanuele II) and Fabrizio Podaliri (Liceo
coreutico Vittorio Emanuele II)
• Piano Circus - contemporary

Robert Boston | Paolo Demitry | Quentin Tolimieri
• November 1, 9.30-11.00 | Teatro
• November 2, 9.30-11.00 | Teatro
Dance teachers are Teri Weikel (AND), Dino Verga (AND) and Giordano Novielli
Three musicians present their own musical "reading" of the movement, through accompanying dance exercises shown live. The
musicians' individual approaches, comprised of both improvisation and repertoire's reprocessing will be the spark to wonder
about musical strategies to be enacted: meters, colours, dynamics, styles, minimalism, complementarity, illustration, chance
operation, dancers producing music and so on. The talk will be open to the participants who may propose their own ideas.. The
"Piano Circus Ballet" will progress according to the traditional structure of a ballet class; the "Piano Circus Contemporary" will
proceed more freely, exploring dynamics and aesthetical features of different techniques.
Incontri
Chaconne
• Kristen Foote, danza | Alberto Bologni, violino
performance • 31 ottobre, ore 18,30 | Teatro
Chaconne (1942), pietra miliare della creazione coreografica di José Limon, fu composta sull'omonimo brano della seconda
Partita per Violino di J. S. Bach. Con l'esecuzione di questo lavoro abbiamo voluto aprire il convegno. Musica che si restituisce
alla danza. Tema con variazioni al quadrato. Un sontuoso omaggio alle relazioni con cui Musica e Danza, a secoli di distanza,
sanno misurarsi, dialogare, commuoverci.
Le interazioni Musica/Danza nella Chaconne di José Limon
• Kristen Foote | Allen Fogelsanger

lezione/performance • 2 novembre, ore 14,30-16,00 | Teatro
Chaconne (1942), pietra miliare della coreografia di José Limon, fu composta sull'omonimo brano della seconda Partita per
Violino di J. S. Bach. In questo incontro viene presentata, una analisi coreomusicale di quest'opera volta ad individuare i processi
di trasformazione coreografica integrati nella danza. Verranno smontati gli elementi costitutivi della coreografia in termini di
motivi tematici, per esaminare la relazione tra partitura musicale e partitura coreografica. In questa indagine si affronteranno
anche le intersezioni tra progetto coreografico, visualizzazione musicale e gli elementi di interpretazione del danzatore. Nello
svolgimento di questa sessione è prevista l'esecuzione dal vivo della Chaconne.
il Corpo nel Suono
Chaconne
• Kristen Foote, dance | Alberto Bologni, violin
performance • october 31, 18.30 | Teatro
José Limón choreographed his landmark dance Chaconne (1942) to Bach’s famous “Chaconne” from the Partita n. 2 for solo
violin. Staging this piece is what we wanted to open the conference. Music returning itself to Dance, Theme and Variations at
its finest. A magnificient tribute to the relationships by which Music and Dance, hundred of years apart, are able to interact and
move us.
Dance/Music Relationships in José Limón’s Chaconne
• Kristen Foote | Allen Fogelsanger

lecture/performance • November 2, 14.30-16.00 | Teatro
José Limón choreographed his landmark dance Chaconne (1942) to Bach’s famous “Chaconne” from the second Violin Partita. In
this hour-long lecture/demonstration we present a choreomusical analysis of the work, and in particular aim at articulating the
method of choreographic variation embodied in the dance. We break down the choreographic components and the dance’s
variations in terms of the thematic motifs, and examine how the dance relates to the musical score. Additionally we touch upon
the intersections among choreographic design, music visualization, and dancer interpretation. This compositional understan-
ding provides a common ground from which dancers and musicians can launch original approaches to this and similar dance
works. Features a live performance of Chaconne.
Incontri
Pause and Repeat
composizione istantanea Suono/Movimento
• Alan Good | Allen Fogelsanger

lezione/performance • 1 novembre, ore 14,30-16,00 | Teatro
Questo incontro si sviluppa sulla esperienza di 'When In...' l'ultimo lavoro realizzato da Alan Good e Allen Fogelsanger. 'When in...'
è il risultato di due anni di sperimentazioni nella improvvisazione e rappresenta una sintesi e uno sviluppo dell'idea di astrazione
ed improvvisazione, così come si è fatta strada tra XX e XXI secolo; un'idea che si muove all'interno di un quadro concettuale in
evoluzione in cui esporre suono e movimento, musica e danza, materiali auditivi e visuali che meritino l'attenzione di un pubblico
il cui tempo sia profondamente rispettato. La principale strategia artistica messa in atto consiste nell'impiego di pausa e
ripetizione come strumenti per inquadrare gesti e frasi elementari e rivelarne elementi e qualità insospettate. Il pubblico ha
risposto a questo progetto di formalismo compositivo in maniera sorprendente, rivelando la sua attitudine alla interpretazione
narrativa, vedendo o sentendo immagini. Queste reazioni sovvertono e sovrastrutturano ciò che persiste della architettura
aperta e temporalmente non lineare di quelle performance. In queste sperimentazioni sono state utilizzate diverse configura-
zioni di danzatori e musicisti. Il progetto è iniziato nel gennaio 2017 alla University Settlement di New York ed è proseguito con
diversi spettacoli a The West End Theater di New York e Scholes Street Studio di Brooklyn.
Blind date
performance
L'incontro tra due soggetti - un musicista e un danzatore che non conoscono l'identità dell'altro - può costituire un terreno di
fertile creatività per i linguaggi di entrambi, e un'occasione per sperimentare nuove soluzioni. Ogni sessione si articola in sette
incontri, aperti a tutti i partecipanti al Convegno (musicisti o danzatori), previa apposita iscrizione.
il Corpo nel Suono
Pause and Repeat

Real-Time Movement/Sound Composition
• Alan Good | Allen Fogelsanger

lecture/performance • november 1, 14.30-16.00 | Teatro
Our latest work, When In..., comes out of a two-year series of experiments in performed composition. These pieces realize our
own particular synthesis and development of 20th/21st century abstraction with improvisation, and go hand-in-hand with an
evolving conceptual framework for presenting movement and sound, dance and music, as visual and auditory material worthy
of close attention from an audience whose time is deeply respected. Our primary artistic strategy is to employ pause and
repetition as tools for framing rudimentary gestures and phrases and revealing underappreciated elements and qualities. The
audience responses to our fomalist compositional designs so far have surprised us. People still sense narrative; they see or
hear images. These reactions subvert and build on what remains the open non-linear temporal architecture of our performan-
ces. We use various configurations of dancers and musicians. The project started in January 2017 at University Settlement in
New York and has continued with shows at The West End Theater in New York and at Scholes Street Studio in Brooklyn.
Blind date
performance
• november 1, 16.30-18.30 | Teatro
• novemer 2, 16.30-18.30 | Teatro
The encounter between two people - a musician and a dancer who don't know each other - can be a ground of fertile creativity
for their artistic languages, and a chanche to experience unusual performative paths. Each session consists of seven meetin-
gs. Open to all participants of the conference (musicians or dancers). Subject to specific registration.
Incontri
The Embodied Ensemble
la metodologia nella collaborazione Musica/Danza
• Guy Harries
lezione/laboratorio • 2 novembre, ore 11,30-13,00 | Aula Rosa
In questo incontro Guy Harries presenta un ampio spettro di metodologie sviluppate ed applicate per creare in modo collabora-
tivo brani per un ensemble di musicisti e studenti di danza. Basandosi sulle esperienze del Teatro Fisico, dell'Ascolto Profondo
di Pauline Oliveros, dei Viewpoints di Ann Bogart e di diverse altre metodolgie, nel presente laboratorio i partecipanti procede-
ranno alla esplorazione dei materiali sonori e di movimento e alla creazione di brevi composizioni. Sin dall'inizio, musicisti e
danzatori attraverseranno assieme il processo di eaborazione e creazione, portandovi dentro la loro esperienza e competenza.
Guy Harries affronterà anche i modi in cui questo metodo può essere usato per facilitare il processo creativo nella pratica
artistica interdisciplinare, come anche nel lavoro con studenti universitari e in diversi altri contesti.
La pulsazione come elemento chiave e di complessità nel

rapporto Musica/Danza
• Hjalmar Öhrström | Katarina Lundmark
Musica e Danza sono espressioni sfaccettate fatte di somiglianze e differenze. Il ritmo è una delle dimensioni che le tiene
assieme. La pulsazione, come aspetto del ritmo, della musica e della danza, può essere spesso intesa come qualcosa di statico
e prevedibile. In questo laboratorio si proverà a sfidare questo assunto e a trattare la pulsazione come qualcosa di dinamico,
stimolante e complesso. Una spiegazione corredata di esempi pratici mostrerà in che modo le capacità fisiche relative alla
pulsazione possono essere definite e sperimentate e di come il lavoro con il movimento e la pulsazione possa essere divertente
e carico di sfide. Questo porterà ad un approccio sia teorico che pratico alla relazione fisica tra pulsazione e groove. L'ultima
parte del laboratorio svilupperà la relazione pulsazione-danza-musica concentrandosi su come l'esperienza fisica della pulsa-
zione possa essere sviluppata e approfondita nel musicista come nel danzatore.Il laboratorio è pratico.
il Corpo nel Suono
The embodied ensemble

devising methods for music and dance collaborations
• Guy Harries
lecture/workshop • November 2, 11.30-13.00 | Aula Rosa
In this workshop/lecture Guy Harries will share a range of methodologies he has used and developed for creating collaborative
pieces for an ensemble of music and dance practitioners. Drawing on physical theatre, Pauline Oliveros’s Deep Listening, Ann
Bogart’s Viewpoints and various devising methods, the workshop will include a process of ensemble building, exploration of
sound and movement materials, and the creation of a short piece by the participants. From the outset, musicians and dancers
go through the process together, bringing to the process their own experience and expertise.
Guy will also discuss how this method can be used to facilitate the creative process in a range of contexts: in interdisciplinary
artistic practice as well as working with postgraduate students, community groups and the general public.
Pulse as fundamental and complex aspect of music and

dance
• Hjalmar Öhrström | Katarina Lundmark
lecture/workshop • november 3, 09.30-11.00 | Aula Rosa
Music and dance are multifaceted expressions with both differences and similarities. Rythm is one of the dimensions that binds
them together. Pulse is an aspect of rhythm, dance and music that is fundamental, but easy to regard as static and predictable.
This workshop challenges this and treats pulse as something dynamic, inspiring and complex.
Through presentations and practical examples workshop will show how physical skills related to pulse can be formulated and
experienced and how working with movement and pulse can be made playful and challenging. This will lead to a theoretical and
a practical approach to the physical relation between pulse and groove. The last part of the workshop will develop the relation
pulse-dance-music with focusing on how the physical experience of pulse can be articulated and deepened in the musician and
the dancer. The workshop is practical.
Incontri
Gli atti della composizione coreografico-musicale
I. Acts of Transformation - strategie di intervento coreografico nella cornice
di musiche preesistenti
• Stephanie Jordan
lezione • 1 novembre, ore 11,30-13,00 | Teatro
In questo incontro Stephanie Jordan esaminerà l'uso che i coreografi fanno della musica già esistente, in quelle che potrebbero
essere chiamate 'danze musicali', ovvero quel genere di danze direttamente sollecitate dalla musica.
Un tema centrale è la trasformazione, l'intervento e persino il sovvertimento della musica, così che nuovi significati vengano
introdotti e le strutture musicali siano ascoltate in un modo diverso.
Esempi forti in questo senso ci vengono dal coreografo americano Mark Morris che si rivela straordinario in questo di tipo di
esplorazioni coreomusicali. Verrà inoltre introdotto uno stile coreomusicale molto differente e più libero come quello del coreo-
grafo britannico Richard Alston alle prese con una Mazurka di Chopin.
Una coreografia a sorpresa concluderà l'incontro.
II. Coreografi, compositori e collaborazioni

lezione • 3 novembre, ore 15,00-16,15 | Teatro
Le collaborazioni compositore/coreografo che iniziano dal grado zero, sono il tema di questo incontro.
Verranno discussi i processi di lavorazione e i risultati di tali collaborazioni, interrogandosi se particolari metodi di lavoro condu-
cano a particolari risultati. Verranno esaminate diverse 'collaborazioni' di Stravinsky, dalle commisiioni di Diaghilev per i Ballets
Russes, a quelle di George Balanchine per il New York City Ballet; a seguire, una deviazione verso l'arrangiamento di Yvonne
Rainer, la coreografa che nel 2006 propone la sua riflessione coreografica su Agon di Stravinsky/Balanchine del 1957.
Verranno inoltre esaminate le recenti collaborazioni promosse da Shobana Jeyasingh e dal duo Jonathan Burrows e Matteo
Fargion e si proverà a riflettere sulla collocazione della musica all'interno del discorso sulla danza contemporanea.
il Corpo nel Suono
Acts of Musical and Choreographic Creation

I. Acts of Transformation: Strategies for Choreographic Intervention in
Settings of Existing Music
lecture • november 1, 11.30-13.00 | Teatro
In this presentation, Stephanie Jordan will discuss the use of existing music by choreographers, in what might be called ‘music
dances’, dances initially stimulated by their music. A key theme is the transformation, intervention, even subversion of music, so
that new meanings are introduced and musical structures are heard in a new way. Examples are taken mainly from the work
of the American choreographer Mark Morris, who is exceptional in his range of choreomusical explorations, to music by compo-
sers from the baroque to the 20th century. The very different ‘freer’ choreomusical style of the British choreographer Richard
Alston will also be introduced, in the context of a Chopin Mazurka. At the end, a surprise choreography is likely!
II. Choreographers, Composers and Collaborations

lecture • november 3, 15.00-16.15 | Teatro
This presentation covers composer-choreographer collaborations from scratch. Stephanie Jordan discusses their working
processes and the products of those processes, although questioning whether working methods necessarily give rise to
particular results. I examine several Stravinsky ‘collaborations’, where dance scores were commissioned by Diaghilev for his
Ballets Russes and for George Balanchine at New York City Ballet, then side-track to Yvonne Rainer’s 2006 arrangement—the
choreographer as a kind of composer in her meditation on the 1957 Stravinsky/Balanchine collaboration Agon.
The concluding discussion addresses recent collaborations instigated by Shobana Jeyasingh and by the performance duo
Jonathan Burrows and Matteo Fargion, before final thoughts about the place of music within contemporary dance discourse.
Incontri
Evoluzione storica e prospettive della Musica per
le classi di Danza
I. Un'esplorazione storica dell'evoluzione della Musica per le lezioni di danza nel '900
• Suzanne Knosp
lezione • 1 novembre, ore 9,30-11,00 | Aula Rosa
La storia dell'evoluzione della musica per le lezioni di danza è ricca e lunga. Al tempo di Luigi XIV era stata sviluppata da Jean
Baptiste Lully ed era basata sulle forme musicali dell'epoca. L'accompagnamento era realizzato da musicisti al liuto, al clavicem-
balo, al violino e da piccoli gruppi d'archi. August Bournonville, non solamente insegnava danza, ma suonava il violino per accom-
pagnare gli esercizi della lezione; Bournonville eseguiva musica classica e motivi popolari di danza per le sue classi. Ludwig
Theodor Schmidt (altrimenti conosciuto come Louis Forgeron), dopo essersi congedato dalla compagnia di Bournonville, si
dedicò a suonare il violino insieme allo stesso Bournonville durante le lezioni di danza. Schmidt iniziò a comporre, documentare
ed arrangiare per pianoforte la musica che si suonava al violino e così diede origine alla musica per lezioni quotidiane Bournon-
ville. Questa lezione è intesa ad identificare e analizzare la musica composta per le classi di danza con l'obiettivo di individuare
il percorso storico di questa musica dall'inizio del '900 ai giorni nostri.
II. Comporre Nuova Musica per le lezioni di danza

• Kim Helweg
In accordo con gli studi coreomusicologici, la musica per le classi di danza ha avuto una evoluzione storica peculiare. Ciò che
possiamo ascoltare in una classe di danza oggi è diverso da ciò che avremmo potuto ascoltare 50 anni fa. Il Jazz, il Rock, il Pop
e la World Music hanno trovato il modo per entrare a far parte di questa area musicale specifica, piena di regole e tradizioni,
portando elementi nuovi nella stessa tecnica di danza. Il rispetto della tradizione deve accompagnarsi ad approcci creativi nuovi
nell'esercizio quotidiano dei danzatori professionisti come degli allievi, esattamente come avviene in scena dove i balletti classici
vengono rappresentati assieme a nuove coreografie. In questo incontro si parlerà delle opportunità, dei modi e delle conse-
guenze di implementare l'interazione tra nuova musica e lezioni di danza.
il Corpo nel Suono
Evolutionary investigations and perspectives of

Music for ballet class
I. Evolutionary Investigations: Music for Ballet Class 1900-Present
• Suzanne Knosp
lecture • november 1, 9.30-11.00 | Aula Rosa
The history of the evolution of music for ballet class is a long and rich one. Music for the dance classes of Louis the XIV was
developed by dancer/composer Jean Baptiste Lully and was based on musical forms and dances of the time. The accompani-
ment was provided by musicians playing the lute, harpsichord, violin, or small string ensembles. The great Danish ballet master,
August Bournonville, not only taught dance but played the violin to accompany class exercises. Bournonville played classical
music and popular dance tunes for his classes. Eventually, Ludvig Theodor Schmidt (a.k.a Louis Forgeron) retired from Bournon-
ville’s company and began to play violin with Bournonville during class. Schmidt finally began to compose, document and arran-
ge the violin music for piano and the music for the Bournonville Daily classes was created. The purpose of this presentation is
to identify and analyze the music composed for ballet class in order to trace the evolution of this music from 1900 to the present.
II. Composing new Music for Ballet Class

• Kim Helweg
According to the choreomusicology the music for ballet class has a historical development of its own. The pieces we hear in
the class room are not all the same as 50 years ago. Jazz music, rock music, pop music, world music and so on has found their
way in to this established area full of rules and traditions and has brought new aspects to ballet technique.
Keeping the tradition must go hand in hand with new creative aspects of the daily training both for the professional dancers as
well as for the dance students just as it is the case on stage where new pieces are performed together with the old classics.
But how can this interaction between todays music and the exercises in the ballet class be reinforced?
This lecture will give an overview of the development in the relationship between music and ballet in the last 50 years and
discuss the possibilities of generating new composed music for class.
Incontri
La Post Modern Dance negli USA
la liberazione delle forme e i processi di collaborazione Musica/Danza
• Christian Cherry
In questo incontro si esamineranno alcuni degli effetti che l'esperienza del Judson Dance Theater (Trio A e i successivi modelli)
ha avuto negli Stai Uniti. In particolare, gli effetti sulla musica e sulla danza sono stati documentati da Sally Bane nel suo libro
Writing Dancing in the Age of Postmodernism. A partire da questo testo e sulla scorta di osservazioni ed esperienze diverse, si
porrà un particolare accento alle trasformazioni delle modalità di collaborazione attraverso la rivoluzione del postmodernismo,
dell'hip hop e dello streaming audio.
Le influenze della musica e della danza spagnole

nel balletto classico e nella pratica del suo accompagnamento
• Juan Antonio Mata
La Danza Spagnola, risultato delle diverse culture che si sono avvicendate nella penisola iberica nel corso dei secoli, è stata
fonte di ispirazione nel repertorio del balletto classico, per il suo forte temperamento e il suo carico emozionale. Ne distinguia-
mo quattro forme: la Scuola di Bolero, il Folklore, la Danza Stilizzata e il Flamenco; ognuna di esse ha un suo specifico vocabola-
rio. Grazie anche al forte legame con la musica, la Danza Spagnola si è facilmente diffusa al di fuori della Spagna; dalle danza
regionali (come la Jota), alla Cachucha, che sorprese l'Europa, all'influenza sui lavori di Petipa e Tchaikovsky, alle collaborazioni
tra compositori come Manuel de Falla e Diaghilev, a quelle tra Massine e "Argentinita", fino alle più recenti fusioni tra il più puro
Flamenco con il Jazz e la Musica Contempranea.
Il danzatore di Danza Spagnola è spesso un virtuoso delle percussioni attraverso nacchere, zapateado e body percussion; per
questa forte attenzione al ritmo, l'accompagnamento richiede indicazioni precise nella scelta della musica, del repertorio,
dell'improvvisazione, oltre ad una speciale e stretta collaborazione con l'insegnante di danza.
il Corpo nel Suono
Post Modern Dance in the United States

the freeing of forms
• Christian Cherry
This presentation will examine some effects of the Judson Dance Theater, Trio A and subsequent models in dance collabora-
tions. The effects on music and dance in the post-modern artistic movement have been well documented by Banes, especially
in her book Writing Dancing in the Age of Postmodernism. This presentation will present reflections on this topic since Banes,
based on collaborations and observations. An emphasis will be placed on collaborative process and its changing modes through
the revolution of postmodernism, hip hop processes and the agency of streaming audio. The presentation will outline a
changing role for music in dance on concert dance as it adapts vernacular processes.
The influence of the Spanish Music and Dance

in the Classical Ballet and its accompaniment
• Juan Antonio Mata lecture • november 3, 11.30-13.15 | Aula Rosa
The Spanish Dance is the result of the diverse cultures and peoples that have been populating the Iberian Peninsula over the
centuries. It has been a source of inspiration for classical ballets repertoire due to its character of enormous temperament
and emotional charge. It consists of four specialities: the Bolero School, Folklore, Stylized Dance and Flamenco; and each one
had a specific vocabulary. This Style has a special communion with his music and has spread its diversity and influence around
world thought the time; from regional dances (such the Jota), the famous Cachucha that amazed Europe, the influence in the
works of Petipa and Tchaikovsky, the fruitful relations of composers like Manuel de Falla with Diaghilev's Ballets Russes, the
collaborations between Massine and "Argentinita", until the last fusions of the purest flamenco with even Jazz and Contempo-
rary. The Spanish dance dancer is often a virtuoso percussionist through castanets, zapateado and body percussion, and it is
because of this rhythmic idiosyncrasy that the accompaniment demands essential guidelines in the choice of music, the reper-
toire, improvisation, and a very special close collaboration with the dance teacher. Such attitude and examples could be quite
interesting for any style of dance and its proper accompaniment.
Incontri
Translucent borders
la lingua madre nelle interazioni tra Musica e Danza
• Andy Teirstein
lezione/laboratorio • 3 novembre, ore 11,30-13,15 | Teatro
Un confine può essere rappresentato da una linea. Ma può anche essere visto in modo più ampio, come uno spazio fertile, un
luogo potenziale per il confronto o per l'apprendimento e l'evoluzione. Il progetto Translucent Borders esamina i modi in cui la
musica e la danza possono condurre le rispettive culture oltre i propri confini, in assenza di una lingua parlata comune. Translu-
cent Borders è un'indagine triennale presso la New York University, che prende in considerazione varie modalità di improvvisa-
zione nel luogo dell'incontro tra culture diverse. E' un progetto che esplora i modi in cui ballerini e musicisti possono fungere
da catalizzatori per un impegno creativo che possa varcare i confini geografici e culturali. Il progetto è stato ideato e portato
avanti da un gruppo di lavoro del Global Institute for Advanced Study della NYU. Intrapreso nel 2016 nei campi profughi di Lesbo,
Translucent Borders ha facilitato le conversazioni globali tra ballerini e musicisti in Israele, Palestina, Grecia, Cuba e Ghana
attraverso interviste, circoli di condivisione delle conoscenze, improvvisazioni ed esibizioni. Nel 2018, i maestri ballerini e musici-
sti di diverse nazionalità con cui il progetto aveva collaborato hanno partecipato negli Stati Uniti a una serie di incontri con
esibizioni in prima mondiale al Jacobs Pillow Dance Festival, al Lincoln Center e alla New York University.
Questa lecture indaga alcune delle tensioni inerenti all'uso dell'improvvisazione sorte nel corso del progetto e delle sue perfor-
mances: ad esempio, il fatto di riunire compositori che usano la notazione scritta con maestri musicisti che lavorano principal-
mente in un ambiente non notazionale, può sollevare molte sfide per entrambi, non solo nei vari aspetti della produzione sonora,
ma da un punto di vista psicologico e di appartenenza culturale.
Workshop (1 ora)
Il progetto Translucent Borders ha sviluppato una serie di tecniche di improvvisazione come strumenti per esplorare la musica
e la danza nel dialogo attraverso le culture. I partecipanti al workshop saranno guidati attraverso alcune improvvisazioni tratte
dall'esperienza maturata nell'ambito del progetto.
Film and Talk (45 minuti)

Il regista Oresti Tsonopolous ha realizzato il film documentario Translucent Borders, che offre una panoramica del progetto di
ricerca NYU Translucent Borders. Il film (25 minuti) sarà seguito da una discussione.
il Corpo nel Suono
Translucent borders
the “Mother-Tongue” in Collaborative Music and Dance
• Andy Teirstein
lecture/workshop • november 3, 11.30-13.15 | Teatro
A border can be represented by a line. But it can also be viewed more expansively, as its own space, fertile with the potential
for either confrontation or learning and evolution. This study examines ways that music and dance can engage cultures across
borders, in the absence of a common spoken language. Focusing on Translucent Borders, a three-year investigation at New
York University, we consider various uses of improvisation at points of cultural juxtaposition. Translucent Borders is a project
exploring ways that dancers and musicians act as catalysts for creative engagement across geographic and cultural borders.
Beginning in refugee camps in Lesbos in 2016, Translucent Borders has facilitated global conversations between dancers and
musicians in Israel, Palestine, Greece, Cuba, and Ghana through interviews, knowledge-sharing circles, improvisation, and
performance. The project is a Working Group of NYU’s Global Institute for Advanced Study. In 2018, the world master dancers
and musicians with whom the project has been working came to the United States for a series of encounters resulting in world
premiere performances at the Jacobs Pillow Dance Festival, Lincoln Center, and New York University. This presentation articula-
tes some of the inherent tensions in the use of improvisation over the course of the project and its performances. For instance:
bringing together composers who use written notation, with master musicians who work primarily in a non-notational environ-
ment, can raise many challenges to both representative contingents, not just in the various aspects of sound production, but
psychologically and territorially.
Workshop (1 hour)
The Translucent Borders project developed a series of improvisation techniques as tools to explore music and dance in dialogue
across cultures. Workshop participants will be guided through a series of improvisations drawn from the Translucent Borders
experience.
Film and Talk (45 minutes)

Filmmaker Oresti Tsonopolous created the documentary film Translucent Borders, which gives an overview of the NYU Translu-
cent Borders research project. The film (25 minutes) will be followed by a talkback/discussion.
Incontri
Esercizi di scrittura
I. Quaderno del Pianista al Ballo
• Barbara Cocconi
presentazione • 1 novembre, ore 16,30-18,30 | Aula Rosa
Il Quaderno raccoglie appunti, materiali e idee per una metodologia finalizzata ad un primo e fecondo contatto con l’attività di
accompagnamento pianistico delle lezioni di danza classico-accademica. L’articolazione degli argomenti trattati rispecchia la
molteplicità di elementi e fattori che concorrono a formare la fisionomia del pianista accompagnatore “al ballo” come figura
fondamentale a fianco del maestro di danza e nel rapporto con la compagine dei danzatori, siano essi studenti o professionisti,
nonché come presenza attiva a tutto tondo in sala danza. Protagonista è dunque innanzitutto la danza, con il suo vocabolario,
le sue dinamiche e le sue qualità motorie, le sue modalità comunicative e le sue esigenze musicali. Il pianista deve riunire in sé
tutto questo sapere insieme ad una serie di abilità tecnico-musicali necessarie per affrontare la variabilità e l’estemporaneità
delle richieste e ad un alto grado di partecipazione personale - intellettuale ed emotiva - all’evento-lezione. Il volume si configu-
ra non come la fornitura di semplici precetti e di materiali pronti all’uso, bensì come percorso globale di conoscenza - potenzia-
to da contributi tecnici concessi da alcuni esperti -, fondamento e ispirazione per lo spirito di ricerca e approfondimento delle
componenti implicate, in funzione del raggiungimento di una sufficiente ed efficiente autonomia professionale in seno alla
lezione di danza, vista sotto tutte le possibili prospettive.
II. The Art of Class

• Karen MacIver presentazione • 2 novembre, ore 16,30-18,30 | Aula Rosa
Da musicisti che lavorano con il movimento, in quali modi comprendiamo profondamente le nostre capacità e come possiamo
trasmetterle nei sempre più diffusi corsi di formazione per musicisti della danza?
Nel 2006 il Dipartimento di Musica dello Scottish Ballet ha iniziato una collaborazione con il Royal Conservatoire of Scotland per
avviare un progetto dedicato alla formazione del musicista della danza. Karen MacIver ne è stata figura chiave rivestendo il
ruolo di docente e tutor degli studenti che, impegnati nell'apprendimento delle competenze necessarie per suonare in una
compagnia di balletto professionale, hanno ottenuto il primo titolo qualificante nel suo genere, il Master of Music for Piano in
Dance. In questi 12 anni, Karen ha documentato il suo lavoro, realizzando un e-book audiovisivo che vuole essere un manuale
pratico per lo sviluppo delle capacità di pianisti professionisti nonché una presentazione circostanziata di idee per questo
ambito fatto di pianisti che vogliono imparare ad applicare le loro conoscenze e competenze nel campo della danza.
il Corpo nel Suono
Writing exercises
I. Quaderno del Pianista al Ballo
• Barbara Cocconi
This book collects notes, materials and ideas for a methodology aimed at promoting and enhancing a fruitful approach to play
for a ballet class. The variety of topics is the result of the multiplicity of elements that combine to form the figure of the pianist
"al Ballo" (in Dance). Alongside the dance teacher he has to be considered as a key figure in the relationship with the dancers,
both students and professionals, as well as an all-round presence in the dance studio. This book doesn't consist of simple
precepts or ready-to-use materials; rather it is potential roadmap to facing a knowledge process towards the achievement of
a professionalism from a wide range of perspectives, within the dance class.
II. The Art of Class

• Karen MacIver
How do we as musicians working in Moving Image understand our skills more deeply and how can we pass them on to the ever
increasing music-for-dance courses now being run out worldwide.
In 2006 Scottish Ballet Music department approached the Piano Department of the Royal Conservatoire of Scotland to take part
in one of the biggest collaborations in music and dance of its time. Karen MacIver was given the position of teacher and mentor
of students learning the skill of playing for a professional Ballet Company and to gain the first qualification of its kind; Master
of Music for Piano in Dance.
Over the past 12 years , Karen has documented her pioneering work - whilst metaphorically holding the hands of this next
generation of brave young musicians learning classical improvisation in the context of dance. The resulting audiovisual e-book
,The Art of Class, is a practical manual of skill development for professional players and a detailed presentation of ideas for this
emerging sector of pianists who wish to learn how to apply their knowledge in the field of dance.
This practical workshop celebrates some of our natural talent whilst identifying key issues that we, as musicians, may find
challenging in the dance studio.
Incontri
Le tradizioni musicali e di balletto in Tchaikovsky
e la pratica musicale nell'Accademia Vaganova
• Galina Bezuglaya
L'incontro, volto ad approfondire i modi di relazione tra musicista e danzatore, si snoda attorno ad alcune questioni fondamenta-
li. Qual è la cultura musicale del balletto? Tradizionalmente, in che modo i danzatori si relazionano con la musica? In che modo
collaborano con i compositori? Quali sono le regole che il balletto ha stabilito per la musica da balletto? In che modo tutto
questo condiziona la relazione tra musicisti e danzatori al giorno d'oggi? Queste domande introducono due temi di discussione
I. Le partiture musicali dei balletti di Tchaikovsky.
Qual è stata l'influenza di Marius Petipa nelle partiture ballettistiche di Tchaikovsky? Quali aspetti musicali non russi sono stati
importati in quella musica? Quali sono le caratteristiche degli arrangiamenti pianistici dei balletti di Tchaikovsky e come possono
essere eseguiti?
II. Come sono stati formati i pianisti all'Accademia Vaganova negli ultimi 20 anni?
Quali sono le capacità necessarie ad un pianista per lavorare nell'ambito coreutico? Quali elementi della musica possono
aiutare il musicista a creare l'immagine del movimento, al fine di rappresentare e visualizzare la forma della danza nello spazio
della musica? Come sviluppare l'abilità ad improvvisare? Quali indicazioni dovremmo seguire nello studio?
Egyptian fundamentals
• Hjalmar Öhrström | Annika Koskinen
La danza tradzionale egiziana è una forma d'arte improvvisata, in cui danzatore e musicista interagiscono in maniera stretta,
raggiungendo l'unità delle loro espressioni artistiche. Annika Koskinen lavora sulla danza egiziana, Hjalmar Öhrström è un
musicista improvvisatore nel solco della tradizione musicale afro-americana. All'interno e al di fuori dei confini della tradizione,
entrambi espanderanno le possibilità del tradizionale linguaggio della danza egiziana.
il Corpo nel Suono
The music and ballet traditions in Tchaikovsky’s

scores and in musical practice in Vaganova Academy
• Galina Bezuglaya
The session is devoted to face the issue of the relationships between music and dance which entail the relationships between
musicians and the dancers or choreographers. What is the ballet's musical culture? How did dancers traditionally interact with
music? How did they collaborate with composers? What are the ballet rules and laws, established for the music of ballets?
How this affects the relationship between musicians and dancers today? These questions introduce two topics for discussion.
I. The music scores of Tchaikovsky's ballets.
What are the results of Marius Petipa’s influence, that could be detected in Tchaikovsky’s ballet scores? What is the «foreign»
music, which exists there? What are the features of the piano arrangement of Tchaikovsky’s ballets and how could we perform
music of Tchaikovsky’s ballet on a piano?
II. How have pianists been taught at the Vaganova Academy for 20 years?.
What are the most important skills, needed to any pianist who works in the field of dance? What are the elements of music
that can help the musician to create the image of the movement, to illustrate and visualize the shape of dance in the space of
music? How do we develop the ability to improvise? What tips do we apply when practicing?
Egyptian fundamentals - Feet and Music

• Hjalmar Öhrström | Annika Koskinen
lecture/workshop • november 2, 9.30-11.00 | Aula Rosa
The traditional Egyptian dance is an improvised art form, where the musician and the dancer interact closely, achieving the unity
of thier personal expressions. Annika Koskinen is specialized in Egyptian dance, Hjalmar Öhrström is an improviser in the afro-a-
merican musical tradition. Within and without the traditional boundaries, they will expand the possibilities of the traditional
Egyptian dance language, with music improvisation.
Bio
Galina Bezuglaya si è laureata presso il Conservatorio Mussorgsky di Leningrado (1979), e in
seguito al Conservatorio Glazunov di Petrozavodsk (1984), in pianoforte, accompagnamento
al pianoforte e pedagogia.
Successivamente, all'Istituto di Storia dell'Arte di S. Pietroburgo ha studiato sotto la guida di
S. Maltzev e ha conseguito il Ph. D. in musicologia nel 1998.
Per oltre 25 anni ha lavorato all'Accademia Vaganova di S. Pietroburgo, collaborando con
maestri quali N. Dudinskaya, I. Zubkovskaya, V. Desnitzki, l. Kovaleva.
Nel 1995 Galina Bezuglaya ha assunto il ruolo di Professore Associato e Capo di Dipartimento
di Musica all'Accademia Vaganova. Ha creato un metodo per l'alta formazione dei pianisti di
danza. Ha pubblicato diversi articoli e libri basati sulla sua investigazione sui rapporti tra
musica e danza.
Nel corso degli anni ha tenuto numerosi workshop per pianisti di balletto in Russia, Finlandia,
Svezia, Austria, Germania, Giappone e Corea.
Nel 2016 Galina Bezuglaya è stata insignita del Premio Vaganova.
GALINA BEZUGLAYA
Galina Bezuglaya graduated from Mussorgsky College of Music in Leningrad (1979), as well as
from Glazunov Conservatory in Petrozavodsk (1984) as a pianist, accompanist and teacher.
Furthermore she studied at St. Petersburg Institute of Art History under the guidance of
professor S. Maltzev and received her Ph. D. in musicology in 1998. She has been working at
the Vaganova Ballet Academy for over 25 years. She worked partnering ballet masters such
as N. Dudinskaya, I. Zubkovskaya, V. Desnitzki, l. Kovaleva.
In 1995 Galina took the position as Associated Professor and Chair of Departments of Music
in Vaganova Academy. Galina established and provided a method for the higher education of
ballet pianists. She published several articles and books based on her research on the
relationship of music and dance.
Galina has carried out several workshops for ballet pianists in Russia, Finland, Sweden,
Austria, Germany, Japan and Korea.
In 2016 Galina Bezuglaya was the recipient of the International Competition “Vaganova Prix”
as “The Best Ballet Accompanist”.
il Corpo nel Suono
Diplomatosi al Conservatorio Cherubini di Firenze e al Conservatorio di Rotterdam, Alberto

Bologni deve la sua formazione al contributo di alcune fra le più celebrate tradizioni violini-
stiche europee: Sandro Materassi ha fatto da tramite con la scuola veneta di Giulio Pasquali
e quella tedesco-ungherese di Jeno Hubay mentre Stephan Gheorghiu e Ilya Grubert gli
hanno trasmesso gli insegnamenti della scuola russo-sovietica di Oistrack e Kogan.
Appassionato di arte, cinema e letteratura, la sua curiosità intellettuale lo ha reso uno dei
violinisti più versatili della sua generazione. Alberto Bologni affronta infatti un repertorio
solistico e da camera che affianca ai capolavori più noti rarità e riscoperte nonché una
nutrita serie di composizioni di autori contemporanei, spesso a lui dedicate o da lui commis-
sionate, esibendosi regolarmente nei maggiori centri italiani ed europei. Autore del dialogo
teatrale “Goldoni e Haydn ovvero dell’arte della conversazione” e de “Il violinista della regina
Vittoria”, ha inoltre composto le cadenze ai concerti per violino di Mozart, Haydn, Viotti (n.22)
e Paganini (n.1). Le sue registrazioni discografiche sono state molto apprezzate dalla stampa
specializzata italiana e anglosassone. E’ titolare della cattedra di violino dell’ISSM Luigi
Boccherini di Lucca e collabora con alcune università statunitensi . Suona un Santo Serafino
del 1734, ex Cesare Ferraresi.
ALBERTO BOLOGNI
Alberto Bologni graduated from Conservatorio Cherubini, Florence as well as Rotterdam
Conservatoire. His training benefited from three of the most celebrated European
violin-playing traditions: Sandro Materassi provided a link with the Venetian school of Giulio
Pasquali and the German-Hungarian school of Jeno Hubay, while Stephan Gheorghiu and Ilya
Grubert transmitted the teachings of the Russian-Soviet school of Oistrakh and Kogan.
An enthusiast of art, cinema and literature, Alberto Bologni’s intellectual curiosity has made
him one of the most versatile violinists of his generation. His solo and chamber repertoire
combines, in fact, well known masterworks with rarities and rediscoveries, as well as a
substantial series of contemporary compositions, many of them dedicated to him or
commissioned by him. He appears regularly at the major Italian and European centres.
He is the author of the theatrical dialogue “Goldoni e Haydn ovvero dell’arte della conversa-
zione” and has composed cadenzas for violin concertos by Mozart, Haydn, Viotti (no. 22) and
Paganini (no.1). His recordings have been highly praised by the Italian and Anglo-Saxon
specialized press. He teaches violin at the ISSM Luigi Boccherini, Lucca and collaborates on
a regular basis with several American and English Universities.
He plays a Santo Serafino of 1734, formerly belonging to Cesare Ferraresi.
Bio
Robert Boston si esibisce regolarmente come pianista negli ambiti del free jazz, della musica
classica contemporanea e della musica elettronica.
Ha collaborato con diversi gruppi e musicisti: da Daniel Carter, icona del free jazz, al SEM
Ensemble, gruppo di musica contemporanea, ai Dirty Churches, gruppo di artisti di perfor-
mance sperimentale. .
Come compositore e improvvisatore, Boston combina la sua eclettica esperienza, spaziando
dal rumore alla funzionalità armonico/melodica per ogni brano di danza o strumentale. Ha
scritto la musica per la danza di artisti quali Korhan Basaran, Diane Coburn Bruning, Giada
Ferrone, Loni Landon, Lone Larsen, Jodi Melnick, Pietro Pireddu, Caitlin Trainor, e la Martha
Graham Dance Company.
Robert Boston si è esibito al NPR’s Front Row e in diversi contesti newyorkesi come Prospect
Park Bandshell, The Joyce Theater, The Knitting Factory, The Stone, Rockwood Music Hall e
Music Hall of Williamsburg. Già pianista del Mark Morris Dance Group, ha collaborato in quel
contesto, alla nascita di un corso di formazione per pianisti nel quale tuttora insegna. Attual-
mente è Direttore Musicale del Barnard College Department of Dance.
Robert Boston is a pianist who regularly performs free jazz, contemporary classical, and
electronic music.
ROBERT BOSTON
He has recorded and performed with numerous groups, from free jazz icon Daniel Carter, to
the new music group SEM Ensemble, to experimental performance artists Dirty Churches.
As a composer and improviser, Boston fuses his eclectic experience, finding form within
mechanical noise and functionality of harmony/melody for each specific dance piece or
instrumentation. He has scored dances by Korhan Basaran, Diane Coburn Bruning, Giada
Ferrone, Loni Landon, Lone Larsen, Jodi Melnick, Pietro Pireddu, Caitlin Trainor, and the
Martha Graham Dance Company.
Boston has appeared on NPR’s Front Row and in New York City venues including the Prospect
Park Bandshell, the Joyce Theater, The Knitting Factory, The Stone, Rockwood Music Hall and
Music Hall of Williamsburg. Formerly Principal Pianist for the Mark Morris Dance Group, he
helped create and currently teaches the Mark Morris Dance Accompanist Training Program
and is Music Director at Barnard College Department of Dance.
il Corpo nel Suono
Christian Cherry è un polistrumentista e compositore la cui produzione di circa 200 brani in

ambito coreutico, teatrale e performativo comprende la collaborazione con diversi artisti in
U.S, Canada, Finlandia, Francia, Italia, Giappone e Corea.
Ha insegnato musica ai danzatori per 36 anni, inizialmente alla Ohio State University e in
seguito alla University of South Florida e alla University of Illinois.
Ha partecipato ad importanti festival di danza come l'American Dance Festival e il Bates
Dance Festival. Christian è Professore Associato nonché Direttore Musicale del Dipartimento
di Danza della University of Oregon.
Il suo percorso di ricerca si incentra sull'interazione tra musica e danza. Insegna Danza,
Estetica, Contact Improvisation, Composizione della Danza e Musica per la Danza.
Christian Cherry is a multi-instrumentalist and composer whose output of some 200 pieces
in dance, theatre and collaborative performance includes work with diverse artists in the
U.S., Canada, Finland, France, Italy, Japan and Korea. He has been teaching music to dancers
CHRISTIAN CHERRY
for 36 years, first at Ohio State University and then at the University of South Florida and the
University of Illinois. He also participated in prominent dance festivals including the Ameri-
can Dance Festival and the Bates Dance Festival. Christian is an Associate Professor and the
Music Director in Dance at the University of Oregon. His research is centered on music and
dance interaction. He teaches: Dance Aesthetics, Contact Improvisation, Dance Composition,
Music for Dance, and Looking at Dance.
Bio
Diplomata in Pianoforte, Didattica della musica (scuola quadriennale), Musica vocale da
camera presso il Conservatorio “A. Boito” di Parma, dal 2000 svolge attività di pianista per la
danza classica, (“Professione Danza Parma”; 2004/ 2009 Scuola di Ballo Accademia Teatro
alla Scala; collaborazioni con diverse realtà coreutiche private; stages; esami RAD, ISTD e
ABT). Si occupa di formazione musicale per allievi danzatori, utilizzando con successo le
pratiche di body-percussion, specialità costantemente approfondita attraverso corsi di
formazione e aggiornamento. Insegnante di “Musica e Coro” presso il Corso di Formazione
Professionale per Artisti di Musical “Professione Musical” a Parma (2004/2018), svolge tuttora
attività di preparatore del coro nell’ambito di diversi stages di Musical Theatre.
Ha collaborato con il coreografo Francesco Ventriglia (2005/2010), in qualità di assistente
musicale, maestro accompagnatore al ballo, maestro responsabile di luci/fonica/palcosce-
nico, partecipando a importanti festival (tra cui AddaDanza e Biennale di Venezia).
Pianista accompagnatore e docente di “Teoria e pratica musicale per la danza” presso il
Liceo Coreutico “Matilde di Canossa” di Reggio Emilia dal 2012 al 2019, da ottobre 2018
collabora con la Fondazione Nazionale della Danza in qualità di docente accompagnatore per
le lezioni tecnico-pratiche della compagnia Aterballetto.
BARBARA COCCONI
Barbara Cocconi earned her graduation in Piano, Music teacher education and Vocal cham-
ber music at the Arrigo Boito conservatory in Parma. Since 2000 she works as a ballet
pianist: from 2000 to the present with Professione Danza Parma; from 2004 to 2009 with
Teatro alla Scala Ballet School and then with many other dance institutions and during
international workshops and intensive progammes, as well as for RAD, ISTD and ABT dance
exams. Barbara has been music and choir teacher at the Professional Training Course for
Musical theatre artists Professione Musical in Parma from 2004 to 2018.
From 2005 to 2010 she has worked with the choreographer Francesco Ventriglia, as a piano
accompanist and stage assistant, partecipating in important festivals like AddaDanza and
Biennale di Venezia. Since 2012 he has been working as a teacher and a ballet pianist at the
Liceo Coreutico Matilde di Canossa di Reggio Emilia. Since October 2018 she has been
working with Fondazione Nazionale della Danza and for Aterballetto dance company.
il Corpo nel Suono
Pianista e compositore, si diploma presso il Conservatorio di Musica di Santa Cecilia di Roma.

Il suo lavoro si articola da subito nel rapporto tra strumentazione acustica e musica elettro-
nica ed è incetrato essenzialmente sui molteplici aspetti del connubio tra suono ed immagi-
ne. Nel 1990 vince il concorso Trento Cinema-La Colonna Sonora, presieduto da Ennio
Morricone, con un lavoro su frammenti di filmati inediti di Roberto rossellini. Nel 1997 entra
a far parte della Compagnia CMP Michele Pogliani in qualità di ideatore e compositore,
firmando lavori per produzioni nazionali ed internazionali commissionate da Romaeuropa
Festival, Montpellier Danse, de Singel Anversa, The Place di Londra, Suzanne Della center di
Tel Aviv, Festival Internazionale Inteatro Polverigi, AddaDanza, La versiliana Festival, Civitanova
Danza. Ha inoltre scritto musica per il Balletto di Toscana, per il Teatro Nuovo di Torino e per
la coreografa Adriana Borriello.
Nel 2004 è tra i fondatori del PIDYEFFE Coolective, un collettivo di musicisti e danzatori che
ha come obiettivo la fusione tra la cultura hip hop underground e la danza contemporanea.
Oltre al lavoro di compositore ha collaborato in qualità di maestro accompagnatore con
numerosi coreografi tra cui Ismael Ivo, Birgit Cullberg, Adriana Borriello, Cristiana Morganti,
Beatrice Libonati, Nina Watt, Susana Hayman. Dal 2001 è docente presso l'Accademia Nazio-
nale di Danza di Roma.
PAOLO DEMITRY
Paolo Demitry is a pianist and a composer. After having graduated from "Conservatorio di
Santa Cecilia", Rome, he started to explore the relationship between acoustical instruments
and electronic music, focusing on the interaction between sound and image.
In 1990 he won the Trento Cinema - La Colonna Sonora contest, chaired by Ennio Morricone,
for a work on some unpublished fragments of Roberto Rossellini's movie.
In 1997 he joined the Compagnia CMP Michele Pogliani as project creator and composer of
several works commissioned by Romaeuropa Festival, Montpellier Danse, deSingel Antwerp,
The Place London, Suzanne Dellal Center Tel Aviv, Festival Internazionale Inteatro Polverigi,
AddaDanza, La Versiliana Festival, Civitanova Danza. Furthermore he composed music for
Balletto di Toscana, Teatro Nuovo Torino and for the choreographer Adriana Borriello.
In 2004 he was a co-founder of the PIDYEFFE Coolective, a musicians and dancers' collective,
whose goal is the merger of the hip hop underground culture and the contemporary dance.
Besides his work as composer Paolo Demitry collaborated as accompanying pianist with
such choreographer as Ismael Ivo, Birgit Cullberg, Adriana Borriello, Cristiana Morganti,
Beatrice Libonati, Nina Watt, Susana Hayman. Since 2001 he has been lecturer at the Accade-
mia Nazionale di Danza, Rome.
Bio
Arkadiy Figlin è nato a Saratov in Russia nel 1963. Nel 1987 si è laureato presso l'Istituto
Gnessin di Mosca in pianoforte e pedagogia. Poco dopo il trasferimento negli Stati Uniti nel
1991, inizia a lavorare per la Scuola dell'American Ballet, dove lavora tuttora. Nel corso degli
anni ha lavorato con maestri come Stanley Williams, Antonina Tumkovsky, Andrei Kramare-
vsky, Violette Verdy, David Howard, Kay Mazzo, Richard Rapp, Olga Kostrizky, Peter Boal, Julie
Kent, Damian Woetzel, Jonathan Stafford, Nikolai Hubbe, Jean Pierre Bonnefoux, Patricia
McBride, Marcelo Angelini, Benjamin Millepied e Azariy Plisetsky.
Ha registrato diversi CD di musiche per la lezione di danza. In diverse produzioni di balletto
si è esibito come solista con diverse orchestre sinfoniche nei concerti di Prokofiev, Gershwin,
Emerson e Rachmaninoff, sotto la direzione di direttori quali Hugo Fiorato della NYCB e Akiro
Endo della ABT. Nel 2010 ha fatto parte di Black Swan, il film vincitore di Oscar, diretto da
Darren Aronofsky e con Natalie Portman. Nel 2016 ha collaborato alla scrittura della paritura
del balletto Ten in Seven di Peter Walker, messo in scena dal NYCB al Koch Theater del
Lincoln Center.
Arkadiy Figlin was born in 1963 in Saratov, Russia.

In 1987 graduated from Moscow Gnessin Institute with a Master degree in piano performan-
ce and pedagogy. Shortly after moving to US in 1991 obtained a position of accompanist at
the School of American Ballet where continues to work presently. Throughout the years he
ARKADIY FIGLIN
worked with Stanley Williams, Antonina Tumkovsky, Andrei Kramarevsky, Violette Verdy, David
Howard, Kay Mazzo, Richard Rapp, Olga Kostrizky, Peter Boal, Julie Kent, Damian Woetzel,
Jonathan Stafford, Nikolai Hubbe, Jean Pierre Bonnefoux, Patricia McBride, Marcelo Angelini,
Benjamin Millepied and Azariy Plisetsky, just to name a few.
He recorded a number of ballet class CD's. He performed as the soloist with the number of
symphony orchestras in piano concertos by Prokofiev, Gershwin, Emerson, Rachmaninoff in
various ballet productions under baton of such conductors as Hugo Fiorato of NYCB and
Akiro Endo of ABT. Toured US with the various All Stars ballet ensembles.
In 2010 he was cast in the Oscar-winning film Black Swan directed by Darren Aronofsky
starring Natalie Portman. In 2016 co-wrote the score for Peter Walker's ballet Ten in seven,
performed at the Lincoln Center's Koch Theater by the NYCB.
il Corpo nel Suono
Kristen Foote, danzatrice, performer, insegnante, maestro ricostruttore e preparatore delle

coreografie Limón, è originaria di Toronto e si è unita nel 2000 alla Limón Dance Company -
come prima danzatrice - e nel 2012 alla Dance Heginbotham. Kristen Foote ha danzato come
solista in diverse coreografie di autori quali José Limón, Isadora Duncan, Doris Humphrey,
Anna Sokolow, Jiří Kylián, Donald McKayle, Lar Lubovitch, Rodrigo Pederneiras, Susanne Linke,
Murray Louis e John Heginbotham. Ha fatto parte dei Radio City Rockettes, ha danzato con il
Mark Morris Dance Group e ha partecipato come danzatrice principale in numerosi video.
Kristen Foote è stata artista ospite di Tesseract, lo spettacolo di danza e video 3D diretto da
Charles Atlas e con le coreografie di Rashaun Mitchell e Silas Riener. E' stata inoltre danzatri-
ce protagonista in An Ode Toa, performance creata, composta, coreografata ed eseguita da
Solange Knowles per The Red Bull Music Academy Festival al Guggenheim Museum.
Kristen Foote ha conseguito la laurea magistrale in Belle Arti presso la New York University
Tisch School of the Arts, che le ha conferito il Dean’s Fellowship award.
Attualmente insegna tecnica Limòn alla Fiorello La Guardia High School of Music & Art and
Performing Arts, e continua a danzare sulle scene nazionali ed internazionali il repertorio di
Limòn.
New York City–based dancer, performer, teacher, Limón reconstructor and coach, Kristen
Foote is originally from Toronto, Canada, and joined the Limón Dance Company in 2000 -
where she was a principal dancer - and Dance Heginbotham in 2012.
KRISTEN FOOTE
Ms. Foote has performed as a soloist in roles by many noted choreographers including: José
Limón, Isadora Duncan, Doris Humphrey, Anna Sokolow, Jiří Kylián, Donald McKayle, Lar
Lubovitch, Rodrigo Pederneiras, Susanne Linke, Murray Louis and John Heginbotham. She was
a Radio City Rockette, has performed with Mark Morris Dance Group and been featured as
a lead dancer in music videos. Foote was a guest artist with Rashaun Mitchell + Silas Riener’s
3D Dance on Film project Tesseract directed by Charles Atlas and was a featured dancer in
An Ode To a performance piece created, composed, choreographed and performed by
Solange Knowles for The Red Bull Music Academy Festival at the Solomon R. Guggenheim
Museum. Foote received her Master of Fine Arts degree in dance from New York University
Tisch School of the Arts, where she was a recipient of the Dean’s Fellowship award. She is
currently on faculty, teaching the Limón technique at Fiorello H. LaGuardia High School of
Music & Art and Performing Arts, and continues to stage Limón repertory nationally and
internationally.
Bio
Alan Good ha danzato per sedici anni con la Merce Cunningham Company e successivamen-
te con il Wally Cardona Quartet. Ha danzato nelle produzioni coreografiche di Rika Burnham,
Martha Graham Company, Liz Magic Laser, Tere O’Connor, Ellen Cornfield, Vicky Schick,
nonchè in Dialog II con Sasha Waltz al Museo Ebraico di Berlino e in The Story Progresses
con Pam Tanowitz al Joyce Theater.
Dal 1983 mette in scena le sue coreografie e successivamente dirige l'AlanGoodDance, un
ensemble di danzatori (da tre a sei).
Negli ultimi tre anni ha sviluppato un progetto in collaborazione con Allen Fogelsanger,
ultimamente protagonista in Soaking Wet, la serie di eventi coreografici curati da David
Parker. Nel 2019, scelto come Merce Cunningham Fellow, ha messo in scena Native Green in
un laboratorio con studenti e a Los Angeles ha insegnato CRWDSPCR e Beach Birds nell'am-
bito dei 100 Solos project.
Insegna Cunningham Technique presso il Merce Cunningham Trust, nelle università e in
diverse master class. Collabora come formatore a El Sistema Greece, un programma per
bambini rifugiati ad Atene.
Alan Good danced with the Merce Cunningham company for sixteen years followed by two
years in the Wally Cardona Quartet. He has danced nationally and internationally in projects
by Rika Burnham, Martha Graham Company, Liz Magic Laser, Tere O’Connor, Ellen Cornfield,
Vicky Schick, and in Dialog II with Sasha Waltz in Berlin's Jewish Museum and The Story
Progresses... with Pam Tanowitz at the Joyce Theater. He has presented his own choreo-
graphy since 1983 and directed AlanGoodDance, a group of three to six dancers, in the early
2000s. For the past three years, he has developed his joint project with musician Allen
ALAN GOOD
Fogelsanger, lately featured in David Parker's series Soaking Wet. As a 2019 Merce Cunnin-
gham Fellow he staged Native Green in student workshop and coached CRWDSPCR and
Beach Birds for the Los Angeles portion of the 100 Solos project. He teaches Cunningham
Technique at the Trust, master classes at universities, and guest instructs at El Sistema
Greece, a program for refugee children in Athens.
.
il Corpo nel Suono
Allen Fogelsanger è docente assistente ospite presso il dipartimento di Danza della New
York University - Tisch School of the Arts. La sua attività di compositore e di improvvisatore
si rivolge alla danza, alle produzioni video e alle installazioni; insegna 'danza e musica' nei
corsi di laurea e accompagna le lezioni di danza. Con la sua musica sono state realizzate le
coreografie di Chris Black, June Finch, Alan Good, Lynn Neuman, Katy Orthwein, solo per
citarne alcuni. I suoi lavori, autonomamente o come parte di progetti e performance
multimediali sono stati presentati in America, in Europa e in Australia in contesti quali il
Festival International des Musiques et Créations Electroniques – ”Synthès” (Bourges), il
Phoenix Experimental Arts Festival, il Cloud Dance Festival (Londra), il Boston Cyberarts
Festival. A New York i suoi lavori sono stati presentati in diversi spazi tra cui il Performance
Space 122, St Mark’s Church in-the-Bowery, The New York Public Library for the Performing
Arts presso il Lincoln Center, e il West End Theatre. Fogelsanger ha presentato lezioni e
papers sulla relazione tra danza e musica in convegni come il Sound Moves (Londra), l'Abun-
dance Festival (Svezia), l'ICK Amsterdam e il I Seminàrio Internacional de Artes (Brasile).
ALLEN FOGELSANGER
Ha pubblicato diversi saggi tra cui “A Mirror in Which to Dance: Actions and the Audiovisual
Correspondences of Music and Movement” (con Kathleya Afanador) "In Bewegungen
zwischen Hören und Sehen" (a cura di Stephanie Schroedter) e “On the Edges of Music: Trisha
Brown’s Set and Reset and Twelve Ton Rose” (come atti del convegno Sound Moves).
Allen Fogelsanger is a Visiting Assistant Arts Professor in the NYU Tisch School of the Arts
Department of Dance. He composes and improvises music for dances, videos, and installa-
tions; teaches undergraduate and graduate courses on dance and music; and accompanies
dance classes. His music has been used by choreographers Chris Black, June Finch, Alan
Good, Lynn Neuman, Katy Orthwein and others. His work, alone and as part of multimedia
performances and projects, has been presented in the Americas, Europe and Australia,
including at the Bourges Festival of Electroacoustic Music and Festival Synthèse, the Phoenix
Experimental Arts Festival, the Cloud Dance Festival (London), the Boston Cyberarts Festival,
and in New York including at Performance Space 122, St Mark’s Church in-the-Bowery, The
New York Public Library for the Performing Arts at Lincoln Center, and the West End Theatre.
Fogelsanger has presented papers and talks on the relationship between dance and music
at international conferences and festivals, including Sound Moves (London), the Abundance
Festival (Sweden), the Accademia Mobile of ICKamsterdam (France), and I Seminário Interna-
cional de Artes Integradas (Brazil). His published essays include “A Mirror in Which to Dance:
Actions and the Audiovisual Correspondences of Music and Movement” (with Kathleya Afana-
dor) in Bewegungen zwischen Hören und Sehen (2012) edited by Stephanie Schroedter, and
“On the Edges of Music: Trisha Brown’s Set and Reset and Twelve Ton Rose” in the Proceedin-
gs of Sound Moves (2005). .
Bio
Guy Harries è un compositore, sound artist e performer. La sua produzione fonde l'elettroni-
ca con strumenti acustici, voce e multimedialità.
E' Senior Lecturer e ricercatore presso la University of East London e Trinity Laban Conser-
vatoire. Con la City University London ha un PhD in live electronic performance. La sua
ricerca esplora l'uso del suono nel contesto performativo focalizzandosi sulla drammaturgia,
la collaborazione interdisciplinare e la partecipazione del pubblico.
Le sue produzioni musicali comprendono lavori solistici e collaborazioni con il POW Ensem-
ble, Meira Asher e Yumi Hara per le etichette X-OR, Sub Rosa, Migro. Il suo ultimo album dal
titolo Fault Line è stato pubblicato dalla Sombre Soniks.
Sotto il segno dell'impegno sociale ha composto l'opera Jasser (rappresentata nei Paesi
Bassi nel 2006/07) e Two Caravans (vincitore del Flourish New Opera Prize nel 2012). Inoltre
porta avanti una community opera negli spazi del Theatre Deli. Lavora come autore e
cantante con lo pseudonimo di Guy XY e recentemente ha pubblicato l'album Turing Cabaret
ispirato alla vita di Alan Turing.
Guy Harries is a composer, sound artist and performer, working with electronics, acoustic
instruments, voice and multimedia. He is a senior lecturer and researcher at the University
of East London and Trinity Laban Conservatoire, and has a PhD in live electronic performan-
ce from City University London. His research explores the use of sound in performance with
a focus on dramaturgy, interdisciplinary collaboration and audience participation. His music
GUY HARRIES
releases include solo work and collaborations with the POW Ensemble, Meira Asher and Yumi
Hara on the labels X-OR, Sub Rosa, Migro. His latest album titled Fault Line was released on
the label Sombre Soniks.
He also composes socio-politically engaged opera including Jasser (tour throughout the
Netherlands in 2006/07) and Two Caravans (Flourish New Opera Prize winner 2012), and also
runs a community opera devising workshop at Theatre Deli studios. He also works as a
singer-songwriter under the moniker Guy XY and recently released the album Turing
Cabaret inspired by the life of Alan Turing.
il Corpo nel Suono
Kim Helweg, nato nel 1956 è un compositore danese, pianista al Royal Danish Ballet, fondato-
re e direttore del programma Musical Accompaniment for Dance (MAD) presso il Danish
National School of Performing Arts. Ha composto musica per oltre 50 spettacoli di danza
(The Royal Danish Ballet and Orchestra, Rambert Dance Company and London Musici,
Stuttgarter Ballett and Orchestra, Arc Dance Company, Tivolis Dance Theater, Corpus, Finnish
National Ballet, per citarne alcuni), 3 Sinfonie (Aalborg Symphony Orchestra, Collegium
Musicum), 2 Concerti per violoncello e orchestra, 3 Concerti for 2 pianoforti e orchestra
(Buenos Aires Philarmonic Orchestra e Collegium Musicum) e l’opera Stalingrad. Dal 1992 I
suoi lavori sono stati commissionati dall’Italia, Canada, Argentina, Brasile, Finlandia, Germa-
nia, Paesi Bassi, Svezia, USA e Inghilterra. Esecuzioni delle sue opere sono apparse per le
etichette Chandos, Olympia, Rondo, Focus, IRCO e Classico. Kim Helweg è maestro collabora-
tore presso il Royal Danish Ballet dal 1989 e direttore del programma di formazione MAD dal
2008. Ha ricevuto 2 volte (1985 e 1988) il primo premio per la nuova musica per la Danish
Radio Concert Orchestra, il premio EBU in Italia per l’Anti Musical “Kreutzer Sonata” e recen-
temente ha ricevuto due premi per il suo lavoro nell’ambito coreutico (2015 e 2017).
Kim Helweg is a danish pianist and composer. Since 1983 Kim Helweg has been regular
supported by the Danish Arts Foundation. His music has been regularly performed in Europe,
North America, South America and in South Korea, and since 1992 his works have been
commissioned from Italy, Canada, Argentina, Brazil, Finland, Germany, Holland, Sweden, USA
and England. The CD-labels are Chandos, Olympia, Rondo, Focus, IRCO and Classico among
KIM HELWEG
others. Collaborations with different choreographers are an important part of his musical
activity. He has composed "Eidolon" for Rambert DC, "Cupid and Psyche" for The Royal Danish
Ballet and several compositions for the Danish choreographer Jens Bjerregaard: "Divided in
three", "Spiri", "Silent Tales", "Nothing Florid" and "The Labyrinth". Among the later works are:
"Nothing Florid" (2005), "RAUM" (2006-07) . for the choreographer Jens Bjerregaard and Balle-
rina/Danseur Noble" (2009) for The Royal Danish Ballet with choreography by Kim Brand-
strup. Kim Helweg Kim Helweg is the Head of the Musical Accompaniment for Dance
education (MAD) at the Scenekunstskole, Copenhagen.
Bio
Christopher Hobson ha studiato alla Chetham School of Music e al Royal Northern College of
Music.
Per oltre 15 anni ha lavorato in ambito coreutico come accompagnatore delle lezioni di
danza sia classica che contemporanea.
E' stato pianista per il Northern Ballet Theatre con David Nixon e lo Slovenian National Ballet
con Irek Mukhamedov. Ha inoltre lavorato con diverse compagnie inglesi quali il Birmingham
Royal Ballet, l'English National Ballet e il Matthew Bournes New Adventures. Attualmente è
Direttore del Dipartimento Musicale dell'English National Ballet School di Londra.
Christopher Hobson studied at Chetham’s School of Music and the Royal Northern College of
CHRISTOPHER HOBSON
Music. For the last 15 years, Christopher has worked extensively both nationally and interna-
tionally in the dance field as an accompanist for ballet and contemporary dance disciplines.
He has been a pianist for Northern Ballet Theatre under David Nixon and Slovenian National
Ballet under Irek Mukhamedov. Christopher has accompanied classes and rehearsals for
many companies in England including Birmingham Royal Ballet, English National Ballet and
Matthew Bournes New Adventures. He is currently Head of Music at English National Ballet
School in London.
He has a wealth of experience having played for many international guest artists from all
over the world and is in high demand as an accompanist.
il Corpo nel Suono
Già Direttrice del Centro per la Ricerca sulla Danza della University of Roehampton di Londra,,
Stephanie Jordan è attualmente Research Professor in Dance.
La sua esperienza professionale ed accademica sia in campo musicale che coreutico è
stata il presupposto per indirizzare il suo lavoro di ricerca in ambito coreomusicale.
Stephanie Jordan ha pubblicato quattro libri: Striding Out: Aspects of Contemporary and New
Dance in Britain (1992), Moving Music: Dialogues with Music in Twentieth-Century Ballet
(2000), Stravinsky Dances: Re-Visions across a Century (2007, covering modern/postmodern
dance as well as ballet), e Mark Morris: Musician-Choreographer (2015), tutti pubblicati da
Dance Books.
Stephanie Jordan ha diretto due documentari di analisi: Music Dances - Balanchine choreo-
graphs Stravinsky (con la George Balanchine Foundation e il New York City Ballet) e Ashton
to Stravinsky (con il Royal Ballet).
Nel 2010, Stephanie Jordan ha ottenuto dal Congress on Research in Dance (CORD, USA), il
premio per l'Eccellenza della Ricerca Accademica sulla Danza.
STEPHANIE JORDAN
Stephanie Jordan is Research Professor in Dance at University of Roehampton where, until
2011, she was Director of the Centre for Dance Research and of student research program-
mes in Dance. Her professional and academic experience in both music and dance contri-
butes to her current research in choreomusical studies.
Jordan’s publications include four books: Striding Out: Aspects of Contemporary and New
Dance in Britain (1992), Moving Music: Dialogues with Music in Twentieth-Century Ballet
(2000), Stravinsky Dances: Re-Visions across a Century (2007, covering modern/postmodern
dance as well as ballet), and Mark Morris: Musician-Choreographer (2015), all published by
Dance Books.
She has also directed two analytical documentaries, with the George Balanchine Foundation
and New York City Ballet, Music Dances: Balanchine Choreographs Stravinsky(2002) and with
The Royal Ballet, Ashton to Stravinsky (2004). In 2010, Jordan received the award for Outstan-
ding Scholarly Research in Dance from the Congress on Research in Dance.
Bio
Suzanne Knosp da oltre trent'anni, lavora come musicista nell'ambito della danza. E' Profes-
sor of Dance e Music Director for the School of Dance presso la University of Arizona a
Tucson, dove insegna musica e danza e accompagna le lezioni di tecnica.
Ha lavorato con artisti quali Ben Stevenson, Ben Vereen, Edward Villella, Bill Evans, Basil
Thompson, Ann Hutchin- son-Guest, Francoise Martinet, Melissa Lowe, Amy Ernst e molti
altri.
Nell'ottobre del 2015 ha ricevuto per il suo contributo nell'ambito della musica e danza il
Louis Horst Award dalla International Guild of Musicians in Dance di cui è stata presidente
per molti anni.
Per 10 anni ha fatto parte di Crossing Barriers, un gruppo sperimentale di improvvisazione
diretto da Patrick Neher. Suzanne knosp si occupa di ricerca e formazione dei musicisti della
danza.
Ha realizzato il programma di studi per il corso di Master of Music in Dance Accompaniment,
sia per per il pianoforte che per le percussioni. Ha insegnato e suonato in numerosi festival
e conferenze nazionali ed internazionali. E' un membro della NDEO (National Dance Education
Organization) e della Music Teachers national Association.
Dr. Suzanne Knosp is a Professor of Dance and Music Director for the School of Dance at
SUZANNE KNOSP
the University of Arizona in Tucson, Arizona where she teaches undergraduate and graduate
courses in music and dance and accompanies dance technique classes. She has worked
with notable artists such as Ben Stevenson, Ben Vereen, Edward Villella, Bill Evans, Basil
Thompson, Ann Hutchinson-Guest, Francoise Martinet, Melissa Lowe, Amy Ernst and many
others.
In October 2015, she received the Louis Horst Award from the International Guild of
Musicians in Dance for outstanding contributions to the fields of music and dance.
Dr. Knosp is recognized as a pianist, composer and collaborative artist in both music and
dance. For 10 years, she was a member of Crossing Barriers, an experimental improvisatio-
nal group directed by internationally known double bassist, Patrick Neher.
Dr. Knosp is a specialist in the research, education and training of dance musicians. She
created the curriculum for the Master of Music in Dance Accompaniment in both piano and
percussion performance. She has lectured and performed at numerous national and
international festivals and conferences and is an active member of the National Dance
Education Organization (NDEO), Music Teachers National Association (MTNA) and is Past-Pre-
sident of the International Guild of Musicians in Dance. .
il Corpo nel Suono
Dalla metà degli anni '90, la danza, la musica e le tradizioni artistiche egiziane, sono state al
centro del lavoro di Annika, sia come danzatrice che come insegnante e coreografa nella
compagnia as-Sayf a Stoccolma. Su un altro versante Annikaè stata anche influenzata dalla
Danza Creativa e dalla sua capacità di generare approcci nuovi e sperimentali nella creativi-
tà, sia fuori che dentro il perimetro della tradizione.
Come membro fondatore della compagnia as-Sayf, Annika sin dal 1996 ha preso parte a
diverse produzioni e tour, sia in Svezia che all'estero, Attualmente collabora con coreografi e
danzatori legati alla danza egiziana contemporanea come la Compagnie Al Fajr (Francia/E-
gitto) e la Compagnia Tanz-Raum (Grancia/Germania).
From the mid 90’s, Egyptian dance, music and artistic traditions have been the focal point of
Annika's work, both as a dancer, teacher and co-choreographer with Dance Company
as-Sayf, Stockholm. She is also strongly influenced by Creative Dance, which opens to new
experimental and playful ways of creating within and without traditional boundaries. Throu-
gh her extensive work as a Dance Teacher in community-schools since 1995, combined with
ANNIKA KOSKINEN
continuous teaching of Egyptian Dance to all levels, she meets dancers of all ages, ranging
from children of 5 years of age to senior dancers of 75. As an original member from the
founding of the Dance Company as-Sayf, Annika has been a part of several productions and
tours, both within Sweden and internationally, throughout the years since 1996. She is
currently collaborating with choreographers and dancers rooted in Contemporary Egyptian
dance as Compagnie Al Fajr (France/Egypt) and Compagnie Tanz-Raum (France/Germany).
Bio
Katarina Lundmark è professoressa assistente e direttrice del Dipartimento di Danza Jazz
presso il DOCH (Scuola di Danza e Circo) dell'Università delle Arti di Stoccolma. E' la coordina-
trice dei programmi per il corso di laurea in Pedagogia della Danza. Per molto tempo Katari-
na Lundmark ha coniugato l'insegnamento con il lavoro freelance come danzatrice in diversi
progetti, generati in una varietà di contesti artistici, presentati su scala nazionale ed interna-
zionale e mirati a tipologie di pubblico differenti. Come insegnante ha lavorato in diversi
contest: le università artistiche come l'Accademia Reale di Musica e l'Università delle Arti
Performative di Stoccolma e in college come la Reale Scuola Svedese di Balletto. Ha anche
maturato una vasta esperienza come insegnante di danza, relatrice, tutor in diverse
istituzioni come la Palucca Schule (Germania), ArtEZ (Paesi Bassi) l'Accademia Reale di
Musica (Danimarca), Moving into Dance Mophatong (Sud Africa) e l' Accademia Nazionale di
Danza. Il suo lavoro con la danza jazz è basato su un approccio contemporaneo e una forte
attenzione alla relazione con la musica e in particolare con il ritmo; la sua tesi di laurea era
KATARINA LUNDMARK
dedicata al ritmo interno e ai modi per comprenderlo, articolarlo e concettualizzarlo. Questo

è ancora oggi il punto focale con cui porta avanti il suo lavoro artistico e didattico.
Katarina Lundmark is assistant professor and head of Jazz Dance at School of Dance and
Circus, a part of Stockholm University of the Arts. She is program coordinator for the Bache-
lor Programme in Dance Pedagogy and associated to the Institution for Circus as teacher
and mentor. For a long time Katarina combined teaching with freelancing as a dancer in
many types of projects. The projects were created in a variety of artistic contexts, were
presented nationally and internationally and were aimed at different target groups.
As a teacher, she has worked in many contexts:. at artistic universities like The Royal
Academy of Music and The University of Performing Arts in Stockholm and at colleges like
The Royal Swedish Ballet School. Furthermore she has had a wide international experience
as a dance teacher, lecturer, subject expert, expert, mentor and examiner. Some of the
institutions are Palucca Schule (Germany), ArtEZ (The Netherlands) Royal Academy of Music
(Denmark), Moving into Dance Mophatong (South Africa) and also Accademia Nazionale di
Danza. Katarina works in artistic contexts with professional circus artists, collectives and
projects as a choreographic outside eye. Her work with Jazz Dance is based on a contempo-
rary approach and with a strong focus on the relationship with music and especially with
rhythm. Katarina's master thesis was on embodied rhythm and how it can be understood,
articulated and conceptualized. This is still a focus point for her ongoing artistic and didactic
work.
il Corpo nel Suono
Karen McIver ha dedicato la maggior parte della sua vita professionale a promuovere l’ecce-
llenza nella musica per la danza.
Ha lavorato con molte compagnie di balletto britanniche: in particolare la sua collaborazione
con lo Scottish Ballet dura da 20 anni e negli ultimi 10 ha formato i giovani musicisti
nell’ambito di un Master of Music Piano for Dance nato dalla partnership dello Scottish
Ballet con il Royal Conservatoire of Scotland.
Karen McIver ha collaborato anche con il Birmingham Royal Ballet e The Royal Ballet.
Nell’ambito del Festival di Edimburgo ha collaborato con le tante compagnie ospiti, tra le
quali American Ballet Theatre, Mark Morris Group e Rambert Dance Company. All'estero ha
lavorato con The Houston Ballet e lo Staatstheater Nurnberg.
Karen has spent the major part of her professional career encouraging excellence in music
for dance. She has worked for most of the UK Ballet companies whether as a staff member,
freelance musician or contract player. Her work with Scottish Ballet has spanned over 20
years and in the past 10 years has been coaching young musicians coming into the world of
dance, in a unique postgraduate Master of Music Piano for Dance programme in association
with the Scottish Ballet company and the Royal Conservatoire of Scotland.
Karen worked as a contract musician with Birmingham Royal Ballet and a freelance player
KAREN MCIVER
with The Royal Ballet. She has worked as freelance Class musician for visiting dance compa-
nies at the Edinburgh Festival where, over the years, she played for American Ballet Theatre,
Mark Morris Group and Rambert Dance Company. Internationally she has worked with
Houston Ballet and Staatstheater Nurnberg.
Bio
Juan Antonio Mata ha iniziato i suoi studi musicali con Adela Mascaraque, allieva di Pablo
Sorozàbal e si è laureato presso il Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. La sua
formazione nell'ambito del Jazz e dell'improvvisazione è proseguita presso la School of
Creative Music grazie ad una borsa di studio dell'AIE. Ha studiato pedagogia alla Universidad
Complutense de Madrid e ha lavorato per la SGAE (Sociedad General de Autores) nell'ambito
della computer-music e musicologia.
Come compositore ha lavorato per RTVE e ha collaborato per produzioni quali l'Ensemble
Español della Northeastern Illinois University of Chicago, il film “Rotas", il Ballet Carmen Roche
e il Ballet Nacional de España. Come membro della facoltà dell'università URJC di Madrid, ha
portato avanti uno specifico lavoro di insegnamento e ha ottenuto il Ph. D. in Arts nel 2017
con la tesi "Analisi, Studio e Proposta musicale per la Danza”. Ha lavorato come pianista per
le classi di danza classica e contemporanea presso istituzioni quali: Víctor Ullate Ballet, Alicia
Alonso Dance Institute, Ballet Nacional de España, The Russian Masters Ballet Camp, The
Central School of Ballet, e The English National Ballet School.
He began his musical studies at the age of eight with Adela Mascaraque, disciple of Pablo
Sorozábal, and obtain his Degree at the Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Scholarship by the AIE expands his studies in Jazz and Improvisation at the School of Creative
Music, he studies music pedagogy at the Complutense University of Madrid, and works for
the SGAE (Sociedad General de Autores) in computer-music and musicology.
As an interpreter and composer he works for RTVE and Telecinco, and also collaborates in
outstanding productions such as the Ensemble Español of Northeastern Illinois University of
Chicago, the feature film “Rotas", or the ballet of Carmen Roche and Ballet Nacional de
JUAN MATA
España, among others. Like a Faculty member of the University URJC of Madrid, he had
developed a dedicated teaching job and obtains his Ph. D. in Arts with his thesis titled "Analy-
sis, Study and Musical Proposal for Dance" in 2017, with the qualification "Sobresaliente" Cum
Laude. He has worked as a specialist Pianist for Ballet class, Character Dance, Spanish
Dance (Bolero School and Stylized Dance), and Contemporary Dance in: the Víctor Ullate
Ballet, the "Alicia Alonso" Dance Institute, The Ballet Nacional de España, The Russian Masters
Ballet Camp, The Central School of Ballet, and the English National Ballet School.
il Corpo nel Suono
Hjalmar Öhrström è un musicista e docente svedese.

Compositore, pianista e percussionista, nell'ambito della improvvisazione ha collaborato con
musicisti e performer. E' membro fondatore di diversi gruppi che spaziano dal fusion al jazz,
afro, free improvisation, rock, pop, blues, latin, soul, balcanica, caraibica, klezmer, funk.
Per oltre 30 anni ha lavorato come musicista nelle classi di danza moderna e contempora-
nea, come anche nell'ambito della danza jazz, e dell'improvvisazione, presso il DOCH (Scuola
di Danza e Circo) dell'Università delle Arti di Stoccolma, l'Accademia di Arte Drammatica di
Stoccolma e Balettakademien.
Hjalmar è stato compositore ed esecutore dal vivo della musica originale per diverse produ-
zioni di danza e di teatro.
Negli anni ha collaborato con Stockholm Improvisationsteater, Circus Skrot, Avart Dance
Company, as-Sayf Dance Company.
HJALMAR ÖHRSTRÖM
Hjalmar Öhrström is a swedish musician and lecturer.
He is a composer as well as pianist and percussionist in the field of improvisation, partnering
both musicians and performing artists. He is an original member of several orchestras, with
a range of genres from fusion to jazz, afro, free improvisation, rock, pop, blues, latin, soul,
balkan, klezmer, carribean, funk and more.
For over 30 years he has been working as a musician for dance in modern/contemporary
dance classes, as well as in jazz dance and dance improvisation classes at University of
Dance and Circus (Stockholm University of the Arts), Stockholm Academy of Dramatic Arts
and Balettakademien, Stockholm.
Hjalmar has been composer and live performer of original music for several dance
productions and theatre plays.
Furthermore, over the years he collaborated with Stockholm Improvisationsteater, Circus
Skrot, Avart Dance Company, as-Sayf Dance Company. .
Bio
Il lavoro del compositore Andy Teirstein si ispira alle diverse radici popolari della cultura moderna.
Studente di Leonard Bernstein e Henry Brant, ha composto musica da concerto, ma anche per il
cinema, il teatro e la danza. In questo ultimo ambito ha collaborato con numerosi coreografi,
quali Donald Byrd, Stephen Petronio, Liz Lerman, solo per citarne alcuni. Per la BBC e la PBS ha
composto le colonne sonore delle opere A Blessing on the Moon, Winter Man e The Vagabonds,
un lavoro di teatro-danza ispirato a William Blake. Come musicista si è esibito con Paul Simon,
Pete Seeger, Arlo Guthrie, e The Vanaver Caravan. Nel 2010 ha conseguito un dottorato presso il
Graduate Center del CUNY (City University of New York) con una tesi dal titolo Theater Without
Words: Music for Movement Theater by Bartók and Milhaud. Ha ampliato il suo background
musicale e la sua esperienza strumentale viaggiando in Irlanda, Messico, nei Balcani. Attualmente
è docente presso la New York University nonché direttore del NYU Global Institute Translucent
Borders, che si occupa del ruolo della musica e della danza dove esistono frontiere: per questo
progetto ha collaborato con danzatori e musicisti in Ghana, Israele/Palestina, Cuba e Grecia.Teir-
stein ha ricevuto numerosi premi, riconoscimenti e onorificenze, tra cui Meet the Composer
Choreographer/Composer Commission, tre premi NEA Opera / Musical Theater e numerosi premi
ASCAP.Il suo ultimo CD, Open Crossings, è stato pubblicato da Naxos Record.
Andy Teirstein wriites music inspired by the rich and diverse folk roots of modern culture. A
ANDY TEIRSTEIN
student of Leonard Bernstein and Henry Brant, Teirstein composes for the concert hall, film,
theater, and dance. He composes often for dance companies, including Stephen Petronio, Donald
Byrd, Liz Lerman and others. He has composed film scores for BBC and PBS, the operas Winter
Man and A Blessing on the Moon, and a dance theater piece inspired by William Blake, The
Vagabonds. As a musician, he has appeared with Paul Simon, Pete Seeger, Arlo Guthrie, and The
Vanaver Caravan. Andy received a Ph.D from the CUNY Graduate Center in 2010, with his disserta-
tion, Theater Without Words: Music for Movement Theater by Bartók and Milhaud.
He has expanded his musical background by learning fiddle tunes in Ireland, performing as a
musical clown with a Mexican circus, and journeying to Romania and Bulgaria to collect traditio-
nal music. He is currently an Arts Professor at New York University, and director of the NYU Global
Institute, Translucent Borders, which looks at the role of dance and music at borders. As part of
this project, he initiated collaborations with dancers and musicians in Ghana, Israel/Palestine,
Cuba and Greece. Teirstein has received awards from the New York Foundation for the Arts, the
National Endowment for the Arts, the ASCAP Foundation, and others. He is also been a fellow of
the MacDowell Colony, the LABA Institute and the American Lyric Theater. His last CD, Open
Crossings has been released by Naxos Record.
il Corpo nel Suono
Alexandra Time dal 1993 ha iniziato a lavorare come pianista in ambito coreutico . Nel 1996
ha iniziato a studiare presso la Facoltà di Musica dell'Accademia Vaganova di San Pietrobur-
go, laureandosi nel 2001. Dal 2005 ricopre l'incarico di pianista accompagnatore presso la
stessa Accademia.
La sua esperienza si è formata lavorando per le lezioni di danza (classica, di carattere,
storica) come nel lavoro di scena, suonando per le prove dei più importanti balletti (Schiac-
cianoci, Bayadere, Giselle, ecc.). Ha inoltre suonato anche in diversi contesti esteri, in Corea
come il Giappone, Danimarca, Italia e FInlandia.
Dal 2008 al 2011 Alexandra TIme ha lavorato presso l'Eifman Ballet Theater di San Pietrobur-
go. Nel 2016 l'Accademia Vaganova le ha conferito un particolare riconoscimento per la sua
attività musicale.
Alexandra Time graduated from the Music and Pedagogical College as a pianist in 1993. She
started to work as accompanist in several choreographic studios. In 2005 she took up the
position of ballet accompanist in St. Petersburg Vaganova Ballet Academy. In 1996 she
started to study at the Vaganova Academy Faculty of Music and graduated in 2001.
She got a lot of experience playing ballet classes, lessons of character dance, Pas de deux
ALEXANDRA TIME
and historical dance, playing at the rehearsal of The Nutcracker, La Bayadere, Giselle, Fairy
Doll, etc. She also gained experience working as a ballet accompanist in KNUA (South Korea),
private ballet schools in Japan, Denmark, Italy and Finland.
From 2008 to 2011 Alexandra worked as a pianist at the Eifman Ballet Theater (St. Peter-
sburg). Since 2011, Alexandra has been an accompanist in Vaganova Ballet Academy. In 2016
Alexandra received a diploma of the winner of the Vaganova PRIX VII competition in the
nomination “The Best Accompanist”.
Bio
Quentin Tolimieri è un compositore, pianista e improvvisatore.
I suoi lavori sono stati eseguiti in diverse parti del mondo, registrati e distribuiti dalla
Wandelweiser Records, pfMENTUM, e Creative Sources. Ha ottenuto il MA in composizione
presso The University of Southampton, UK, e successivamente il BFA in pianoforte e compo-
sizione presso la California Institute of the Arts, studiando tra gli altri con Michael Finnissy,
Michael Pisaro, e Joe Maneri.
E' particolarmente attivo nel lavoro in ambito coreutico, componendo musica per produzioni
coreografiche e suonando nelle classi di danza contemporanea presso José Limon Institute,
Martha Graham School e Merce Cunningham Trust.
Attualmente vive a Berlino e lavora come pianista freelance.
Quentin Tolimieri is a composer, pianist and improviser. His music has been presented
around the world, and has been recorded on the Wandelweiser Records, pfMENTUM, and
Creative Sources record labels.
He holds an MA in composition from The University of Southampton, UK and a BFA in compo-
QUENTIN TOLIMERI
sition and piano from California Institute of the Arts, studying with, among others, Michael
Finnissy, Michael Pisaro, and Joe Maneri.
He is particularly active in working with dance, composing music for contemporary choreo-
graphy, as well as accompanying classes for, among others, the José Limon Institute, the
Martha Graham School, and the Merce Cunningham Trust. He lives in berlin and works as a
freelance pianist.
Calendario | Schedule
Giovedì, 31 ottobre TEATRO AULA ROSA
Accoglienza e Registrazione dei

17,30-18,30 partecipanti
Chaconne
performance
18,30-19.00 Kristen Foote – Alberto Bologni
Atti di apertura
aperitivo
Venerdì, 1 novembre TEATRO AULA ROSA
L’evoluzione della Musica per le classi di Danza

Piano Circus – contemporaneo I nel ‘900
9,30-11,00 laboratorio lezione
Suzanne Knosp
coffee break
Acts of Transformation La Post modern Dance negli USA
11.30-13,00 lezione lezione
Stephanie Jordan Christian Cherry
lunch
Pause and Repeat L’interazione delle tradizioni musicali e di

balletto nelle partiture di Tchaikovsky
14,30-16,00 lezione-performance
lezione
Alan Good – Allen Fogelsanger
Galina Bezuglaya
coffee break
Esercizi di scrittura I – Quaderno del Pianista al
Blind Date
Ballo
16,30-18,30 improvvisazione
presentazione
Aperto a tutti i partecipanti
Barbara Cocconi
Sabato, 2 novembre TEATRO AULA ROSA
Egyptian Fundamentals
Piano Circus – contemporaneo II
9,30-11,00 laboratorio
lezione-laboratorio
Annika Koskinen - Hjalmar Öhrström
coffee break
The embodied ensemble
Piano Circus – classico I
11,30-13,00 laboratorio
laboratorio
Guy Harries
lunch
Le interazioni Musica/Danza nella Chaconne di
Comporre Nuova Musica per le lezioni di Danza
José Limon
14,30-16,00 lezione-performance
lezione
Kim Helweg
Kristen Foote – Allen Fogelsanger
coffee break
Blind Date Esercizi di scrittura II – The Art of Class
16,30-18,30 improvvisazione presentazione
Aperto a tutti i partecipanti Karen MacIver
Domenica, 3 novembre TEATRO AULA ROSA
La pulsazione come elemento chiave e di

Piano Circus – classico II complessità nel rapporto Musica/Danza
09,30-11,00 laboratorio lezione-laboratorio
Katarina Lundmark - Hjalmar Öhrström
coffee break
Le influenze della musica e della danza spagnole
Translucent Borders
nel balletto
11,30-13,15 Lezione-laboratorio-proiezione
lezione
Andy Teirstein
Juan Antonio Mata
lunch
Coreografi, compositori e collaborazioni
15,00-16,15 lezione
Stephanie Jordan
16,30-17,00 Interventi finali e conclusione
aperitivo
Questo evento è stato possibile grazie alla disponibilità degli studenti
dell’Accademia Nazionale di Danza e del Liceo Coreutico Vittorio Emanuele II di Roma.
A tutti loro va il nostro ringraziamento.
Largo Arrigo VII, 5 Roma / Infoline 06.57177771
www.ilcorponelsuono.com
up@accademianazionaledanza.it
cristiano.grifone@accademianazionaledanza.it

Lingua

Programma Mod 28 Def

Caricato da

Informazioni sul documento

Titolo originale

Copyright

Condividi questo documento

Condividi o incorpora il documento

Opzioni di condivisione

Hai trovato utile questo documento?

Questo contenuto è inappropriato?

Copyright:

Programma Mod 28 Def

Caricato da

Copyright:

ACCADEMIA

il Corpo nel Suono

31 ottobre - 3 novembre 2019

il Corpo nel Suono

• Piano Circus classico

• Piano Circus contemporaneo

• Piano Circus - ballet

• Piano Circus - contemporary

Le interazioni Musica/Danza nella Chaconne di José Limon

• Kristen Foote | Allen Fogelsanger

Dance/Music Relationships in José Limón’s Chaconne

• Kristen Foote | Allen Fogelsanger

• Alan Good | Allen Fogelsanger

Pause and Repeat

• Alan Good | Allen Fogelsanger

La pulsazione come elemento chiave e di complessità nel

The embodied ensemble

Pulse as fundamental and complex aspect of music and

II. Coreografi, compositori e collaborazioni

Acts of Musical and Choreographic Creation

II. Choreographers, Composers and Collaborations

II. Comporre Nuova Musica per le lezioni di danza

Evolutionary investigations and perspectives of

II. Composing new Music for Ballet Class

Le influenze della musica e della danza spagnole

Post Modern Dance in the United States

The influence of the Spanish Music and Dance

Film and Talk (45 minuti)

Film and Talk (45 minutes)

II. The Art of Class

II. The Art of Class

The music and ballet traditions in Tchaikovsky’s

Egyptian fundamentals - Feet and Music

Diplomatosi al Conservatorio Cherubini di Firenze e al Conservatorio di Rotterdam, Alberto

Christian Cherry è un polistrumentista e compositore la cui produzione di circa 200 brani in

Pianista e compositore, si diploma presso il Conservatorio di Musica di Santa Cecilia di Roma.

Arkadiy Figlin was born in 1963 in Saratov, Russia.

Kristen Foote, danzatrice, performer, insegnante, maestro ricostruttore e preparatore delle

dedicata al ritmo interno e ai modi per comprenderlo, articolarlo e concettualizzarlo. Questo

Hjalmar Öhrström è un musicista e docente svedese.

Accoglienza e Registrazione dei

Venerdì, 1 novembre TEATRO AULA ROSA

L’evoluzione della Musica per le classi di Danza

Pause and Repeat L’interazione delle tradizioni musicali e di

Domenica, 3 novembre TEATRO AULA ROSA

La pulsazione come elemento chiave e di

16,30-17,00 Interventi finali e conclusione

Potrebbero piacerti anche