Enrique Wolfflin

El cambio de estilo del Renacimiento al Barroco es el mejor ejemplo de cómo el espíritu de una nueva época
desentrañan una forma nueva.

El concepto central del Renacimiento es el concepto de la proporción perfecta. Obtener cada forma como una
existencia terminada en sí misma, ágil de coyunturas; partes que alientan por sí mismas. Las columnas, los
entrepaños de una pared, el volumen de la articulación espacial o del conjunto, las masas de la construcción en su
totalidad son estructuras que hacen sentir al hombre una existencia satisfecha en sí misma, más allá de la medida
humana. Se percibe el sentido de este arte como imagen de una existencia elevada y libre.

En cambio el Barroco se sirve del mismo sistema de formas, pero ya no de lo completo y perfecto, sino de lo
movido y en génesis, no lo limitado y aprehensible, si lo ilimitado y colosal; desaparece el ideal de la proporción
bella, las masas entran en movimiento, masas graves, articuladas pesadamente. La arquitectura deja de ser lo que
fue en el Renacimiento; un arte ágil. La organización de los cuerpos constructivos, que antes daban la impresión de
máxima libertad, cede el paso a un apelotonamiento de partes sin verdadera independencia.

Los estilos son la expresión de una época. La relación entre el hombre y el mundo ha variado, el alma busca la
salvación en la sublimidad de lo colosal y lo infinito. Emoción y movimiento a toda costa.

Lo lineal y lo pictórico:

La pintura occidental fue lineal durante el siglo XVI, se desenvolvió francamente en el sentido pictórico durante el
siglo XVII.

La manera pictórica es la posterior y no se concibe sin la primera, pero no es superior a lo lineal. Son dos
concepciones del mundo que lo enfocan de modo distinto y que son aptas para dar una imagen de lo visible.

La línea es un elemento, dentro del estilo lineal, el contorno del cuerpo no puede separarse de lo que contiene, el
sentido y belleza de las cosas, es buscado en el contorno, se puede decir que el estilo lineal ve en líneas y el
pictórico en masas. La visión en masas se identifica cuando los bordes y contornos no se identifican y la primera
impresión que se recibe es de manchas.

El dibujo se sirve de los cuerpos y del espacio y utiliza luces y sombras para obtener efectos plásticos, pero la línea
se les subordina y se impone como limite fijo.

Las luces y sombras surgen por vez primera en el renacimiento, en la obra de Leonardo, “la ultima cena” utiliza luz
y sombra como factores de composición, y es tenido por la historia como padre del claroscuro.

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 Durero “Eva” Rembrandt “Dánae”

Para que una obra se leída linealmente o no, va a depender del trazo, de la importancia que se le conceda o niegue a
los contornos, además el modo de ver lineal separa una forma de otra radicalmente. Mientras la visión pictórica, se
atiene al movimiento que se desprende del conjunto, los límites se desvanecen y favorecen a la fusión; además
dependerá de los claros y oscuros que dominen el cuadro. Cuando se despoja la línea de su poder, empiezan las
posibilidades pictóricas.

Es lineal una obra cuando se coloca un desnudo destacándose sobre un fondo oscuro, los elementos aparecen
separados, el fondo es el fondo, la figura es la figura. Y cuando una obra es pictórica, el desnudo, es decir lo claro
del cuerpo va surgiendo de la oscuridad del espacio, como si todo fuese de una misma materia.

La representación lineal ofrece las cosas como son, reproduce la apariencia óptica de las cosas, y la pictórica,
como parecen ser. Uno es el estilo del ser (renacimiento) y el otro un estilo del parecer, representa la realidad
como aparece ante los ojos.

El estilo lineal es el estilo de la precisión, la delimitación uniforme y clara del cuerpo, proporciona al espectador un
sentimiento de seguridad, como si se pudiese tocar con los dedos, las sombras modeladas se ajustan a la forma.

En cambio el estilo pictórico se aparta de la cosa, no reconoce los contornos continuados, y las superficies palpables
aparecen destruidas, solo hay manchas yuxtapuestas e inconexas.
Aparecen de golpe lo claro y lo oscuro, en masas discontinuas; se recoge la apariencia de la realidad. Las obras
lineales aludían al sentido del tacto, brindaban la sensación que se palpaba la superficie del cuadro. El paso de lo
lineal a lo pictórico, es el paso de la imagen táctil, a la imagen visual.
 Línea del tiempo estilístico:

S.XV S.XVII S.XIX ¿?

Renacimien Barroc Impresionis mo

Lineal Clasicismo Pictórico Romanticismo

Elementos de la composición:

La representación lineal, estaba a favor de la claridad objetiva, era natural que se

reprodujeran las cosas en su bosquejo justo, que fuesen perfectamente claras.
Con respecto a los elementos de la composición se perseguía hasta los detalles
mínimos de la forma de los encajes y de la orfebrería. Mientras el estilo pictórico
al pintar un cuello de encajes representaba un resplandor blanco, pintaba lo
Lineal Renacimiento Pictórico Barroco

Se califica de pintoresco todo conjunto formal que, aun en reposo, brinde una impresión de movimiento. Pero la
idea de movimiento pertenece a la escena de la visión pictórica (la cual reconoce todo como vibración y no deja
cuajarse nada en líneas o planos precisos)

El dibujo pictóricoes dePredominan los ángulos

trazos rápidos, mientrasenelellineal es cuidadoso,
como si fuese preparado cuadro.
para un gravado, el material técnico es un
 Preponderancia de líneas  Los
elemento importante que ayuda ángulos
a talaparecen en es trabajado con pluma y
efecto, uno
curvas penumbrasque existe entre ellos es el efecto, uno se
el otro con carbón, la diferencia
 Figura central 
apoya en un valor táctilElementos deun
y el otro en la valor
composición
visual. En un dibujo la línea
 Ordenamiento de la (abundancia de líneas
va perdiendo importancia, no es ya esencial vehículoy masas)de que
la expresión
composición en bases a formal (pictórico); en elbrindan
otro elsensación
énfasis estade puesto
movimientos.
en la línea, una línea
horizontal y verticales.  Desaparecen
de perfil seguida uniforme, los ordenamientos
consecuente, que se pierde y surge una línea
 Línea de contorno que da rota de estilo pictórica.y líneas geométricas
sensación de que se pueden  Escorzos bien marcados.
recortar las figuras.  Desplazamiento
Durero en sus trabajaos brindaba la sensación táctil de los objetos, sin
de la figura
embargo el dibujo clásico tendía a una reproducción neutra de la materia,
central.
pero en el S.XVII se despierta
Las formasun interés por la en
se disuelven calidad
la de la superficie,
El dibujo: todo se dibujaba sugiriendo blandura o rigidez,
atmosferas pobres de luz. aspereza o pulimento.

Dibujo de Durero y Rembrandt

Pintura:
 Podemos observar la cabeza pintada de Durero, esta construida sobre la
base de un esquema. La silueta muy acusada, se puede ver la línea como
recorre los labios, la nariz, los ojos, todo presenta una precisión lineal
hasta el último detalle, el cabello, la barba, pintado pelo por pelo;
incitando al tacto. El cuadro es el mismo si lo miramos de cerca que de
lejos.

En la obra de Fran Hals la imagen mirada de cerca que de lejos se

diferencian, el espectador se siente inclinado a mirar el cuadro desde
lejos, el modelado continuo ha sido suplantado por un modelado
interrumpido, se ha perdido toda comparación directa con el natural.
Desaparecen las líneas atenidas a la forma, no se habla a la sensibilidad
como una superficie palpable (ya no se incita al tacto).

El pintor del barroco abandona la absoluta nitidez de la

visión objetiva, una retina dispuesta para lo aparente, capta
el vislumbre que s desprende del conjunto. En Velázquez se
puede observar como capta el vestido de su princesa, que
estaba bordado, pero lo que él nos ofrece no es la
ornamentación misma, si no la imagen rutilante del
conjunto; vistos en distancia, los temas del tejido han
perdido claridad, se ve perfectamente lo que se quiere
representar (el arte de las apariencias), pero las formas no
son asibles: aparecen y desaparecen.

Pictórico y colorido son dos cosas muy distintas, hay un color pictórico y otro no pictórico, el color esta tomado
como elemento concretamente dado, mientras en el otro es esencialmente cambiante en el fenómeno: el objeto
unicolor espejea con los más diversos colores. Siempre se aceptaron variaciones del color local según la
colocación del objeto con respecto a la luz, pero esa idea de colores básicos ha sido desechada, el color se tiene
como una ilusión.

En el colorido clásico permanece yuxtapuesto y aislado cada uno de los elementos, mientras que en el colorido
pictórico parecen los colores arraigarse en el fondo de la composición. En lo clásico los colores están diferenciados
y en lo pictórico el color irrumpe acá y allá de profundidades misteriosas.
Evolución entre artistas:

 Es más lineal Leonardo que Botticelli, aunque modele suavemente y haya superado la colocación en
seco de la figura sobre el fondo.
 Los retratos de Rembrandt joven son relativamente plásticos, y están vistos linealmente si
se los compara con las obras de su madurez.

Escultura:

En la escultura existe un contraste entre plástica lineal, y plástica pictórica, y tiene un efecto diferente que en la
pintura. La escultura clásica se atiene a los límites, no admite otra forma que no se exprese dentro de un motivo
lineal determinado. El barroco niega el contorno, y no es que sean excluido los efectos de silueta, si no que evita que
la figura se fije en una silueta determinada. Es decir que no se la puede fijar en una orientación determinada, la
escultura clásica se la puede captar en distintos puntos de vistas, pero todos ellos serán secundarios, junto a la
principal.

El arte clásico prefiere los planos tranquilos y el barroco los movidos, es pura transición y cambio, en el arte
clásico se someten a la forma luces y sombras, en cambio en el barroco presentan libertad de movimiento,
desbordan los planos y la forma puede llegar a desaparecer en la negrura de la sombra.

Cuando la plástica pictórica llega a un acuerdo con la apariencia óptica y deja de reconocer como esencial lo real
tangible (táctil), comienza a competir con la pintura en la representación de lo momentáneo y consigue la piedra dar
la ilusión de cualquier clase de materia como la seda o blandura de la carne). Siempre colabora la arquitectura con la
escultura, preparando o continuando el movimiento.

¿Dónde acaba lo lineal? ¿Dónde empieza lo pictórico? Dentro de lo clásico hay que distinguir entre más o menos
pictórico, y crece la importancia del claroscuro y la forma limitada va siendo sustituida por
lo libre, hay una
evolución en el sentido de
lo pictórico. En el estilo clásico se observa que está bien encajada la figura en
una silueta firme, y cada forma se muestra por separado- boca,
ojos, arrugas- está construida para dar efecto de lo permanente.

El bulto está construido, en base a horizontales y

verticales, se muestra de frente, rígido.

En Benedetto una línea corre tranquila, en el otro presenta un

movimiento propio desbordando continuamente; el mismo efecto se
observa en la cabeza. Todo efecto ese puesto en dar efecto de
Benedetto da Majano
cambiante, la sombra de la
 En el busto de Luis XIV podemos ver una evolución de lo pictórico, el
efecto de la mirada está conseguido por orificios practicados en sus
pupilas.

 Los bustos barrocos exigen ropajes exagerados, el efecto de

Bernini movimiento de la cara pide ser sustentado así. El estilo pictórico
se rige por una factura en que el juego abundante de luz y sombra
desborda la forma plástica fundamental. La plasticidad sigue ahí,
pero la luz cobra una fuerte significación.
 Negación del contorno ( la silueta no se la puede
recorrer con facilidad), lo que la vuelve pictórica, al no poder fijar
la forma, (línea enérgica)
 La luz presenta más movimiento, que en la escultura
clásica, porque siempre está al servicio de la claridad de la cosa.
El estilo pictórico brinda a la luz vida propia. La figura está
concebida como imagen para los ojos, la forma no pierde la
característica de lo tangible, pero el estimulo que ejerce sobre los
órganos táctil ya no es la primer intención. Esto no impido que la
piedra haya adquirido otro carácter- diferenciación entre lo duro
y lo blando- es solo un efecto óptico,

HayElesculturas
movimientoque esta
persiguen efectos
igualmente de cuadro,por
distribuido como
todo“El éxtasis de Santa Teresa”,
el busto.
está metida en un espacio semicubierto, encuadrada por las pilastras de lado e iluminada
olaboran para
con la luz dar sensación
espacial de movimiento,
desde arriba, es el la
dando a grupo desencaje deldearmazón
impresión cuadro, composición
de algo que se
plana por la composición honda. Al igual que la sombra de integrante de la escultura
aleja de la realidad tangible. Mediante una factura pictórica de la forma (manipulación
Otros elementos que c pictórica, interviniendo en el movimiento de luz
del material) se procura quitar a la piedra su impresión de corporeidad, consistencia.
tectónica, cambio de la los Se elimina la línea como límite y las superficies están poseídas de un intenso ritmo.
nichos es un efecto de la
figura. Acá todo tiende a que la forma no se dibuje con perfil, los santos están contorsionados,
los paños esta tan modelados que no permitirán un análisis lineal. La línea relampaguea
en un lado y en el otro, pero por momentos.

En comparación con la escultura yacente de Miguel Ángel, que es pura figura de

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siluetas,

los escorzos de la figura se interpreta a través de planos, también

 Arquitectura:

La arquitectura por su propia naturaleza no puede llegar a hacer un arte de

apariencia en el mismo grado que la pintura, pero los factores esenciales de la definición de lo pictórico pueden
aplicarse sin variación.

La forma arquitectónica puede verse como algo definido, firme, permanente (clásico) o como a pesar de toda su
estabilidad está dotado de una apariencia de movimiento constante, de mutación. Pero toda arquitectura, toda
decoración cuentan con cierta sugestión de movimiento; los muros hay fuerzas vivas en acción, la cúpula se
levanta, etc. Pero en todo ese movimiento la escena permanece inmutable en el arte clásico.

La arquitectura barroca aumenta la riqueza de formas, las figura se vuelven más complicadas, los motivos se
desplazan e insertan unos en otros.

El gusto clásico trabaja con limites (perfiles, contornos) tangibles, claros de líneas, toda superficie tiene su marco de
borde preciso, cada volumen se presenta como forma tangible. En cambio el barroco invalida la línea como
limitadora, multiplica los bordes. En el arte tectónico, es sustituido el efecto de permanencia por el de mutabilidad.

Pero el efecto de movimiento no es conseguido hasta el momento en que ocupa la apariencia óptica el lugar de la
realidad física. Esto no es tan posible en el arte tectónico como en la pintura, se podrá hablar de una ornamentación
impresionista pero no de una arquitectura impresionista. Pero siempre encontrara la arquitectura los medios
suficientes para oponer al tipo clásico el contraste pictórico.

La luz y la forma se convierten en elementos pictóricos, cuando adquieren significación autónoma, en el estilo
clásico están vinculadas a la forma, y en el pictórico, sueltas. Dejan de ser las sombras de pilastras, cornisas o
ménsulas del estilo clásico, las sombras se entrelazan unas con otras y la forma plástica desaparece en cada instante,
bajo el movimiento. Para que tenga

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lugar tal ilusión de movimiento, es preciso que las formas se acumulen, se traben y se fundan unas con otras.

La diferencia entre lo pictórico y lo no pictórico, radica en una concepción distinta del mundo, y también en sus
caracteres regionales y nacionales, por ejemplo hasta en el renacimiento se dieron divergencias, en el norte y en
especial Venecia fue más pictórica que Roma, se emplea el concepto en una época aun lineal.

El viraje de lo Barroco se llevo a cabo en Italia, mediante una evolución del estilo; y sus características fueron:
acumulación de líneas de fuerza, rompimiento de cornisas y tímpanos, distintos puntos de vista, mientras el estilo
clásico se caracterizaba por un solo punto de vista.

Lo superficial y lo profundo:

El S.XVI se reconoce por su composición planimetría de las formas, siendo desechándolo en el

S.XVII para sustituirlo por la composición en profundidad. En uno se produce la superficie del cuadro por capas,
paralelas al margen de la escena, en el otro se separa la superficie a la mirada, se convierte en algo carente de
significación al acusar las relaciones de primeros y últimos términos, obligando al espectador a internarse en el
cuadro.

El arte una vez que se adueño del escorzo, y de la escena profunda, reconoce la superficie como la forma cabal de
visión que en el detalle puede ser anulada aquí y allá por motivos de profundidad, a pesar de ello se impone en el
conjunto como la forma fundamental obligada. Lo plano y lo profundo llegan a construir un solo elemento.

Elementos de composición:

Renacimiento (se pasa de lo lateral a lo se sgadamente yuxtapuesto) Barroco

Profundo:

Superficial:
 Los personajes están orientados
paralelamente al cuadro y al
borde inferior de la escena.
 En algunos casos las figuras
están puestas en capas, a modo
de relieves.
 Toda línea remite al plano
 El arte clásico abre un hueco en el
plano que establecen sus figuras ,
y el espectador aprecie el hueco
como perforación del plano
normal ( Escuela de Atenas)
 Movimiento arremolinado hacia el interior del
cuadro (Rubens).
 Las figuras se ubican en diagonal, brindando
sensación de profundidad. Y evita que dos figuras
juntas den impresión de plano.
 El barroco cuenta con medios, como la
dirección de la luz, el reparto de los colores y la
clase de perspectiva en el dibujo, para abrir paso a
la profundidad.
 Uso de primer término desmesurado, al
colocar lo pequeño junto a lo grande no obliga, al
espectador a considerar juntos los dos tamaños en el
sentido espacial.
 Las masas (cuerpos) en movimientos.
 Aunque hay composiciones que predomina el
plano, como algunas obras d Rubens, no se le
concede otro valor.
9
 La lección de música, está compuesta en el sentido del
renacimiento, la pared escorzada, a la izquierda, el espacio
abierto hacia la derecha y la pared del fondo paralela al
espectador y la techumbre, con sus vigas paralelas, la sillas
sesgada que se interpone, las figuras mantienen la relacionan
 En
puralade
disputa de Rafael,
yuxtaposición hay un
lateral. movimiento
Pero que motivos
aun así, algunos
parte de un lado hacia el fondo, la vista al llegar
aluden al estilo barroco, al cual pertenece la ordenación el fondo,
de
instintivamente recoge bajo un arco el primer grupo
tamaño en perspectiva las sorprendente dimensiones del primer de la
izquierda
término, enycomparación,
el primero delas la del
derecha
primercomo puntos
término conesenciales.
las del
(Equilibrio compositivo)
fondo. Es un achicamiento desde un punto de vista cercano, el
 cual
La mujer que lee
provocara de Vermeer,
siempre se encuentra
un movimiento de
de profundidad. Al igual
perfil
que ante una pared
la utilización de larecta, es una del
perspectiva composición profunda
color una agudización
según el
análoga desiglo XVII,
efecto por que se vincula a la figura la luz que
de profundidad.
cae sobre el muro. La luz que entra desde el exterior, da
sensación de continuidad, que todo sigue más allá del muro.
La luz que rebota en el muro y luego en la figura
hasta llegar a las cortinas, también brinda sensación de
profundidad.
Para Vermeer el desplazamiento en sentido de
profundidad parece la cosa más natural, lo podemos notar en la
obra, “el pintor y su modelo” el modelo ha sido empujado hacia
el fondo, vive en relación al pintor para el cual posa, haciendo
perceptible el movimiento de profundidad en la escena, que se
robustece con el manejo de la luz y perspectiva. La luz más
intensa cae sobre el fondo, resultando un nuevo estimulo, de
marcado carácter profundo, del choque

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 En Tintoreto “Adán y Eva” se destruye el carácter de relieve, las
figuras se desplazan hacia el fondo se observa una dirección
diagonal que va desde las figuras y se afirma en la lejana claridad
del horizonte.

La belleza a base de superficie se destruye por la belleza a base de

profundidad, de penetración lo cual va siempre unido al efecto de
movimiento.

¿Cómo empieza a sustituir el estilo profundo al

plano?

El cuadro comienza buscando una solución de profundidad, la

diferencia existente entre un pintor italiano (veneciano) y un pintor
septentrional (nórdico), como Brueghel, es lo nuevo que se va
imponiendo, se impone la visión conjunta, y va preparando el camino
hacia Vermeer. El motivo de la pared y la mesa escorzada ayuda a
que el cuadro se separe del plano.

En su obra la “Boda aldeana”, vemos una mesa larga con la novia

como figura central, la cual se a realzado su figura con un tapiz
colocado detrás, porque su tamaño es demasiado pequeño.

Lo importante de este cuadro es, que al contemplarse a la novia se lo

hace con las figuras inmediatas del primer término, la figura central
no es el centro ideal del renacimiento clásico, y vemos como se
pone en conexión lo perspectivamente pequeño con lo
perspectivamente

os simétricos, y semejantes en ponderación de un lado y del otro, y atrás el en el centro, un espacio angosto y levantado. La escuela de At
cuadro tiene profundidad, pero la profundidad opera de modo distinto según se articule el espacio, por capas, o se anime en con un movi

11
Escultura:

Se debe considerar una evolución de la figura, el estilo del renacimiento se limitaba a lo plano, pero ello no
significaba una opresión del movimiento, si no una ordenación de las formas, y el barroco en cambio hacia una
disolución consiente de los planos, con el fin de provocar un movimiento de profundidad.

En el barroco se destruye la silueta, y se lleva la mirada en torno a los bordes, se aumenta la cantidad en el escorzo
de las formas y se ofrece con ensambles, una correspondencia entre los primeros y últimos términos (planos), en
resumen se evita deliberadamente que surja la impresión del plano, aunque en realidad existe.

El barroco no huía de las composiciones murales, porque no impedían la profundidad, solo en el plano y en lucha
con él, se hace perceptible la profundidad, al contrario, disponía n filas las figuras, y las colocaba en nichos.

Si el arte primitivo (quattrocento) fue plano inconscientemente, la generación clásica fue conscientemente plana, y
el arte barroco fue conscientemente contra el plano. Comienza haciendo caso omiso a la obligada frontalidad del
renacimiento.

La escultura es siempre algo redondo, y las figuras clásicas eran miradas de manera frontal. El barroco en cambio
va contra el plano. Y en el análisis de lo profundo damos con componentes que se dan en lo pictórico.

“La fuente de las tortugas” de Landini en Roma, es un claro

ejemplo del esquema renacentista, las cuatro figuras están
ubicados según los ejes cardinales, tratando de alcanzar las
tortugas, que están en la parte superior.

La yacente Beata, de Bernini, se mantienen en un plano paralelo a

la pared, pero su modelado hace imperceptible el plano.

La Fontana Trevi, ofrece una pared, tan alta como una casa,
y una fuente baja delante. Que el pilón de descarga sea
combado, es el primer motivo que desvía de la ordenación
planimetría renacentista. Pero lo esencial radica en aquellas
formas que salen de la pared y avanzan con el agua en todos
los sentidos.

La figura del Neptuno centra, se ha liberado del plano y

forma parte del torrente de formas separadas del pilón. Y
las figuras de los hipocampos aparecen en escorzos, en
ángulos diferentes. Acá no hay un solo punto de vista
principal, cada aspecto empuja a cambiar 12
constantemente de posición.
 En el Moisés de Miguel Ángel, vemos como la figura sobresale del plano, ya no se la puede
considerar como figura de relieve, si no como figura exenta, de múltiples caras, inadaptables a
una sola superficie.

Para los clásicos la norma es recluir en la profundidad del muro todo lo que es escultura, la
figura no es un trozo de pared que adquirió vitalidad, solo que vario en tiempos de Miguel
Ángel y resulta natural en tiempos de Bernini.

El barroco venció de otro manera el plano, y dispuso del nicho como un espacio profundo,
como se ve en “Santa Teresa”, su planta es oval y se abre hacia adelante, el nicho forma un
espacio dentro del cual las figuras pueden moverse libremente, a pesar que sean limitadas sus
posibilidades, y se solicitará al espectador por diferentes puntos de vista.
Arquitectura:

El traspasó de los conceptos planos y profundo a la arquitectura ofreció sus dificultades. La arquitectura solo sirvió
de marco y de fondo a la escultura, nunca llegara a considerarse un “cuerpo escultórico”, el arte clásico de los
italianos dispone de una sensibilidad para el volumen desarrollada, dando forma al volumen con otro espíritu que el
barroco. En el renacimiento la profundidad es una serie de zonas, mientras el barroco evita lo planimétrico y busca
la esencia del efecto, la apariencia, en la intensidad de la perspectiva honda.

Los edificios del renacimientos han sido realizados para rodearlos, pero no cosechan efecto de profundidad, por que
ofrecen la misma imagen por todos lados, aunque la entrada está marcada con nitidez, no acusan las partes delanteras
con las de atrás. El barroco en cambio, presenta una cara central y una desigualdad que da orientación y establece
una parte delantera y una trasera.

Lo planimétrico no quiere decir que la construcción, como cuerpo, no haya de tener ninguna saliente.

13
 La Villa Farnesina, es de estilo clásico, el edificio avanza, por dos
ejes, pero en ambos recibe la impresión de capas o muros planos.
Presenta una serie de paños con
pilastras y ventanas, tanto en el cuerpo medio como en las alas.

Características de la arquitectura.

Las grandes iglesias barrocas, presentan grandes iluminaciones copulares en el ultimo termino, la nave se unifica y
se hace ineludible el movimiento hacia el interior. En capillas y coros el espacio de las entradas es angosto y no se
puede obtener una vista completa sin recuadro. Y el ámbito principal, se ve también del marco de una antecámara.
Al igual que se relacionan edificios y plazas. Siempre que fue posible se construía una plaza en la parte delantera,
ejemplo principal, la Basílica de San Pedro, de Bernini, se establece una necesaria relación entre el
edificio y la plaza, al punto que no pudo concebirse lo uno sin lo otro, y
como la plaza es antepuesta forzosamente brinda sensación de
profundidad.

Al fondo de la plaza columnada de Bernini, aparece la iglesia de San

Pedro, como empujada hacia el último término, la columna hace de
bastidores que recuadran, fijando un primer término.

En cambio el arte de profundidad no se consuma nunca en el aspecto

frontal, estimula la visión lateral, tanto en el interior de los edificios
como en el exterior.

El obelisco de la plaza, es una disposición barroca, en el centro de la

plaza, pero se relaciona con el eje de la iglesia, pero la aguja que se
forma con la sombra del obelisco dejara de verse en el momento que
coincida con el centro del frontón, pero este punto no se tomo como
norma.

El barroco no quiere que la arquitectura firme ninguno de sus aspectos.

Matando las esquinas consigue planos sesgados que hagan a la vista
resbalar y seguir, se encuentre el espectador frente a la cara delantera o
en sus lados siempre se verán paredes escorzadas.
 El techo de la Sixtina, con toda su fuerza es una decoración planimétrica, y
una cúpula pintada del barroco, es sugestión de profundidad, rompe la
arquitectura, abre un hueco dentro de la forma orgánica de la techumbre; es
una transposición de espacios de profundidad, abiertos a la ilusión ( ya
existió en el renacimiento, pero no se le dio importancia).

Una pared de un edificio renacentista, se organiza por paños, que según su

altura y anchura, determinan una armonía a base de emparejamiento
netamente planos.

Pero para el barroco no tiene encanto una pared si no tiene profundidad,

“ninguna impresión pictórica de mancha puede privarse del elemento de
profundidad.

III Forma cerrada (tectónico) y forma abierta (atectónico):

Toda obra de arte es una estructura, un organismo. Lo que la distingue es su carácter de forzosidad, por
ejemplo, en una composición de un paisaje o en una composición de Rafael son obras cerradas, existe la
diferencia de que en uno y en otro, su carácter de forzosidad fue obtenido de bases distintas. En el S.XV se
lucho por alcanzar la perfección, más alta en un estilo tectónico, durante el S.VII era el estilo atectónico la
única forma de representación.
Por forma cerrada entendemos la representación que, con medios más o menos tectónicos, hace de la
imagen un producto limitado en sí mismo (contenido, legible, se puede recorrer). El estilo tectónico es
siempre el estilo de la solemnidad. Y por forma abierta entendemos, lo contrario, lo que constantemente
alude a lo extremo, a él mismo, y sus límites no son legibles. Junto a la forma severa, surgirá una forma
más libre, sin medula geométrica, que puede ser forma cerrada también.
En el S.XVI las partes del cuadros se ordenan en torno a un eje central o ateniéndose a un perfecto
equilibrio de las dos mitades de un cuadro. Y alas verticales y horizontales no solo se les adjudican las
direcciones, sino un papel dominante. Pero el arte barroco, va contra la ordenación de un eje central,
desaparecen las simetrías puras, o se disimulan con un desplazamiento del equilibrio.
Para el S.XVI era natural acomodarse al plano, para llenar el cuadro, se ordenaba el contenido de tal modo
dentro del marco, que solo existía este para aquel y aquel para este. Las líneas del borde y los ángulos de
las esquinas colaboraban y tenían resonancia en la composición.
En el S.XVII el contenido se vuelve extraño al marco, se evitaba que la composición diera el efecto de
estar pensada para tal plano. La diagonal es una dirección del barroco y es
una revolución de la tectónica del cuadro, en cuanto niega en ángulo recto o lo disimula. Y lo forma
abierta lleva a un segundo término los aspectos llamados puros: frontalidad y perfiles netos.
Motivos cardinales:
En el estilo clásico siempre predominaran horizontales y verticales, ya sea un paisaje o de una figura;
será el contraste entre líneas a plomo y líneas tendidas. El barroco en cambio no las anula, pero las
disimula, encubre.
Los contrastes puros de color aparecen en el mismo instante en que parecen los contrastes puros de
direcciones, y poco a poco van apareciendo los colores complementarios, brindando una base colorística
en el cuadro. Pero con la evolución interna del barroco, desaparecen la eficacia de los contrastes directos,
surgen pero el cuadro ya no está construido en base a ellos.
La simetría, no fue una norma general de composición del S.XV, pero se presenta con frecuencia o surge
un equilibrio entre las dos mitades del cuadro. El S.XVII cambio lo estable por lo inestable. Pero no se
aspiraba a la simetría pura, en “la primavera” es simetría en apariencia, pues o está en el medio la figura
central. Algunas son formas intermedias, que ayudan al efecto de movimiento vital.
El barroco se complace en dejar que predomine una de las direcciones, la luz y el color, están repartidos
de modo que no resulte un estado de plenitud, sino un estado de tensión.
Lo clásico tolera el movimiento escorzado en el cuadro, pero el barroco tolera el movimiento de un solo
lado del cuadro, y por eso se corren los acentos lumínicos en sentido del equilibrio anulado., vuelcan la
luz en un solo lado, en busca de una tensión vital.
En el estilo tectónico, el contenido se ajusta al espacio dado, en el atectónico, la relación entre espacio y
contenido será en apariencia contingente.
El arte clásico se sirve de los fondos arquitectónicos, el barroco no renuncia a la arquitectura, pero rompe
su severidad con colgaduras, y otros elementos, por ejemplo, las columnas no deben entrar en relación con
las verticales del marco. Lo mismo que la figura humana se disimula su sentido tectónico.
El arte clásico no evita que los bordes del cuadro corten el tema, pero la imagen igual ejerce su impresión
total, por que el corte recae sobre cosas que carecen de importancia. En el barroco se busca un corte
violento, sin sacrificar nada esencial del cuadro.
El estilo de la forma cerrada es un estilo de arquitecto, se construye la naturaleza, y busca en esta lo que le
es afín. Los ejes de verticales y horizontales se unen a la necesidad de límite orden y ley. Pero en lo
atectónico pasa a un segundo término el interés por lo construido y cerrado en sí, y los factores
arquitectónicos son secundarios.

Escultura:
El problema de tectónica y atectónica, será para la escultura un problema de colocación, con respecto a la
arquitectura. No hay figura exenta que no tenga sus raíces en la arquitectura. El pedestal, el adosamiento a
la pared la orientación en el espacio son
factores arquitectónicos. Surge algo similar a la dependencia que existe en el cuadro, entre el marco y el
contenido, después de tanta dependencia empiezan a extrañarse los elementos entre sí. La figura se
desprende del nicho, no queriendo reconocer la dependencia que había con el muro, y mientras se van
siendo menos perceptibles en la figura los ejes tectónicos, se busca más la relación de afinidad con
cualquier clase de base constructiva.
Los cortes que va realizando la escultura barroca en los elementos arquitectónicos, son una negación
consiente de las limitaciones tectónicas.
El que la figura clásica se coloque tan resueltamente en el plano, puede interpretarse como motivo
tectónico, lo mismo que el giro barroco de la figura, que se libra del plano, responde a lo atectónico.

Arquitectura:

La arquitectura, su naturaleza es la de ser tectónica, la decoración es la que puede comportarse con más
libertad, el estilo tectónico, es el estilo del orden vincula y de la clara legitimidad, el nervio vital de todo
efecto radica en la necesidad de la estructura, la imposibilidad de movimiento y el atectónico es el estilo
del orden libre, el arte juega con la apariencia de lo irregular. El barroco goza ocultando las reglas, deshace
el encadenamiento y la demarcación y produce el efecto de lo inesperado en la decoración. La figura
acabada será sustituida por la aparentemente sin acabar, y la limitada por la desprovista de límites. En
lugar de la impresión de reposo, surge la impresión de tensión y movimiento. A esto se le une la
transformación de la forma rígida en la forma fluida, no es que se excluya la línea recta y el ángulo recto,
solo basta que el friso se encorve para dar la impresión de lo atectónico-libre.
Para el sentimiento clásico, el elemento riguroso geométrico es principio y fin, en el barroco se advierte
que es principio pero no fin. Otra característica es la de la materia, la manera de concebirla, es como si se
hubiera ablandado en todas sus partes. Se borra el límite con los miembros formales y la materia. El
cuerpo del muro se curva hacia adentro y hacia afuera como cuerpo ondulante.
El barroco ha heredado las características arquitectónicas del renacimiento. El renacimiento clásico trabajo
con proporciones generales, de modo que una misma proporción se repita en distintos tamaños,
proporciones planimétrica y cubicas. El barroco evita esta proporcionalidad tan clara, y procura salvar la
impresión de lo acabado. Y en las proporciones mismas se impone lo tenso e incontenido a lo compensado
y en reposo. Las proporciones se deforman con el movimiento, los planos y el contenido no coinciden. El
barroco produjo construcciones religiosas y arquitectura ajustada al tono medio de la vida.
Si el barroco transforma las formas rígidas en formas fluidas, coincide con las características del gótico
tardío, solo que llevaba más allá la relajación. Además el barroco se alía con la forma naturalista, como
contraste donde se puede desarrollar lo tectónico. Se utilizan guirnaldas hechas de flores, sustituyen en
ocasiones las decoraciones de las antiguas pilastras, con sus follajes estilizados.