Ottaviano Petrucci fue un fabricante de papel, impresor y editor italiano.

Inventó el sistema de
impresión de música por medio de tipos móviles, Los tipos móviles son unas piezas habitualmente
metálicas en forma de prisma pentagonal.en 1501 imprimió una colección de canciones polifónicas
francoflamencas, Harmonice Musices Odhecaton, 16 libros de misas, cinco libros de motetes, 11
antologías de frottole y seis libros de música para laúd, que fue la primera edición de música impresa de
la historia, además, la evolución de diversas tecnologías ha dado lugar a diferentes métodos de
impresión y reproducción, como son la flexografía, la serigrafía entre otros...

La impresión de música hizo posible el desarrollo del primer estilo musical verdaderamente
internacional desde la unificación del canto gregoriano en el siglo IX.

Después de la mitad del siglo XV, las técnicas mecánicas para la imprenta de partituras fueron creadas
por primera vez. El ejemplo más antiguo, un conjunto de cánticos litúrgicos que datan alrededor de
1465, poco después de que la biblia de Gutenberg fuese impresa.

La imprenta permitió reproducir muchas más partituras y a un menor precio que las hechas a mano.
Esto ayudo a los estilos musicales esparcirse a otras ciudades y países mucho más rápido, y también
ayudo a que la música llegara a lugares muchos más lejanos.

A medida que las piezas de partituras canciones de los principales compositores comenzaron a ser
impresas y distribuidas en un área más amplia, esto permitió a los compositores y oyentes escuchar
nuevos estilos y formas de música.

Definir mejor y luego

Historia de Octaviano Petrucci un impresor y editor que fue capaz de monopolizar por 20 años la
imprenta musical en Venecia durante el siglo XVI. Venecia fue uno de los mayores centros de negocios y
musical durante este periodo.....

Tambien publico numerosos trabajos compuetos por los mas reconocidos compositores del
renasentismo, incluyedo Josquin des Prez y Antoine Brumel. Florecio por enfocarse en trabajos
flamencos, en lugar de los italianos, ya que eran muy populares atraves de Europa durante la era de la
musica renacentista.

En la mitad posterior del siglo XVIII, los artistas y compositores como Wolfgang Amadeus Mozart
empezaron a buscar oportunidades más comerciales para vender sus espectáculos al público en general.

Después de la muerte de Mozart, su esposa (Constanze Weber) continuo el proceso de comercialización

de su música a través de una serie de conciertos memoriales sin precedentes, vendiendo sus
manuscritos, y colaborando con su segundo esposo, Georg Nissen, en la biografía de Mozart.
En el siglo XIV, los editores de partituras dominaron la industria. Previo a la invención de la tecnología
grabación de sonido, la forma principal de escuchar nuevas sinfonías y arias de óperas era comprar
partituras (a menudo arreglado para piano o para un pequeño grupo de música de cámara) y tocar la
musica en una sala de estar, con amigos que usualmente eran músicos y cantantes amateurs.

A comienzos del siglo 20 eran los editores de partituras quienes manejaban la industria de la música.
Durante la era de las partituras, si una persona común quería escuchar música popular nueva, compraría
la partitura y la tocaría en un piano en su hogar, o aprendía la canción mientras tocaba el
acompañamiento en piano o guitarra.

Los conciertos en casa fueron un punto común en el entretenimiento para la gente de clase media – el
número de pianos fabricados en los Estados Unidos llegaban a un promedio de 300.000 cada año (en
comparación con los 31.000 que hubo en 2017).

utilizaré como referencia el jazz La estructura típica de la gran mayoría de los tunes es: introducción (a
veces), el tema (la melodía reconocible), solos relativamente improvisados por parte de cada
músico/a, vuelta al tema y cierre (también a veces). Así, el tema es usado para presentar la canción y
para cerrarla y suele ser la única parte más o menos tarareable: el resto es improvisación, un «diálogo»
colectivo, en el que los/as músicos/as se turnan la «voz cantante» y son acompañados/as por el
resto, más o menos empáticamente.

Estas secciones improvisadas —y las canciones en general— han sido tan extensas como la
tecnología lo ha permitido, En los inicios del jazz grabado, a principios del siglo XX, apenas había
improvisación: los pequeños discos para gramófonos, girando a 78 rpm, no daban cabida para ello. Sólo
había tiempo para el tema y, quizás por eso, el estilo gozó años de popularidad: el swing se podía bailar,
a raíz de las largas improvisaciones que huían de la melodía, no se podía bailar, menos aún memorizar y
cantar. Como fuere, los discos de «pasta» —que giraban a 78 rpm y se comercializaban desde mediados
de los años veinte— no ayudaron mucho al nuevo movimiento:

Los discos de 45 rpm —llamados singles, ya fabricados en vinilo y lanzados al mercado hacia finales de
los años cuarenta— resultaron ideales para el naciente mercado del pop, pero seguían limitando
seriamente la posibilidad de que los nuevos experimentos de los jazz cats neoyorquinos pudieran ser
grabados.
Las notaciones musicales fueron desarrolladas antes de que los pergaminos o papel fueran utilizados
para escribir.

La primera forma de notación musical puede ser encontrada en una tablilla cuneiforme que fue creada
en Nippur, en Sumeria (Iraq de hoy), cerca del 2.000 AC.

La tablilla representa instrucciones fragmentarias para realizar música, que la música fue compuesta en
armonías de tercios, y fue escrita usando una escala diatónica.

Una tablilla de aproximadamente el 1.250 A.C. muestra una forma más desarrollada de notación
musical.

Aunque la interpretación del sistema de notación sigue siendo controvertida, es evidente que la
notación indica los nombres de las cuerdas en una lira, cuya afinación se describe en otras tablas.
Aunque son fragmentarias, estas tablillas representan las melodías escritas mas antiguas que se han
encontrado jamás en el mundo.

Notación Musical en la Antigua Grecia

La notación musical de la antigua Grecia estuvo en uso desde al menos el siglo VI a.C. hasta
aproximadamente el siglo IV dC. y aún sobreviven varias composiciones completas y fragmentos de
composiciones que utilizaron esta notación.

La notación consiste en símbolos situados encima de sílabas de texto. Un ejemplo de una composición
completa es el epitafio de Seikilos, que ha sido datado entre el siglo II A.C. al siglo I D.C.
Epitafio de Seikilos

En la música de la antigua Grecia, existen en manuscrito tres himnos de Mesomedes de Creta. Uno de
los ejemplos conocidos más antiguos de la notación musical es un fragmento de papiro de la obra de la
época helénica de Orestes (408 A.C.) que se ha encontrado, que contiene la notación musical para una
oda coral.

La notación de la antigua Grecia parece haber caído fuera de uso alrededor de la época de la Decadencia
del Imperio Romano.

Notación Manuscrita Occidental

Antes del siglo XV, la música occidental fue escrita a mano y preservada en manuscritos, usualmente
encuadernada en grandes volúmenes.

El ejemplo mejor conocido de la notación musical de edad media son los manuscritos medievales de
cantos monofónicos.

Las notaciones de los cánticos indican en notas la melodía del canto, pero sin ninguna indicación del
ritmo.

En el caso de los polifónicos medievales, como el monet, las partes fueron escritas en partes separadas
de páginas opuestas.
Este proceso fue ayudado por el advenimiento de la notación mensual, que también indicó el ritmo y fue
paralelo por la práctica medieval de componer partes de polifonía secuencialmente, en lugar de
simultáneamente (como en épocas posteriores).

Los manuscritos que mostraban partes juntas en el formato de la partitura eran raros, y se limitaban
sobre todo al organum, especialmente el de la escuela de Notre Dame.

Durante la Edad Media, si una abadesa quería tener una copia de una composición existente, como una
composición perteneciente a una abadesa en otra ciudad, tendría que contratar a un copista para
realizar la tarea a mano, lo que sería un proceso largo que además podría conducir a errores de
transcripción.

Incluso después del advenimiento de la impresión musical a mediados de los años 1400, mucha música
siguió existiendo únicamente en manuscritos escritos a mano de compositores hasta bien entrado el
siglo XVIII.

La Partitura y La Imprenta

La Partitura en el Siglo XV

Hubo varias dificultades para traducir la nueva tecnología de imprenta a la música. En el primer libro
impreso para incluir la música, el Salterio de Mainz (1457), la notación musical (tanto las líneas del
pentagrama como las notas) se añadió a mano. El salterio fue impreso en Maguncia, Alemania por
Johann Fust y Peter Schöffer, y uno ahora reside en el Castillo de Windsor y otro en la Biblioteca
Británica.

Más tarde fueron impresas las líneas del pentagrama , pero los escribas todavía agregaron el resto de la
música a mano.

La mayor dificultad en el uso de tipo móvil para imprimir música es que todos los elementos deben
alinearse – la cabeza de la nota debe estar correctamente alineada con el resto de elementos o
significaría algo distinto de lo que debería.
En la música vocal, el texto debe estar alineado con las notas apropiadas (aunque en este momento,
incluso en manuscritos, esto no era una alta prioridad).

El grabado musical es el arte de dibujar notación musical de alta calidad con el propósito de su
reproducción mecánica.

La primera música impresa a máquina apareció alrededor de 1473, aproximadamente 20 años después
de Gutenberg presentara la imprenta.

En 1501, Ottaviano Petrucci publicó Harmonice Musices Odhecaton A, que contenía 96 piezas de música
impresa. El método de impresión de Petrucci produjo música limpia, legible y elegante, pero fue un
proceso largo y difícil que requirió tres pasadas separadas a través de la imprenta.

Petrucci desarrolló posteriormente un proceso que requería sólo dos pasadas a través de la prensa, pero
seguía grabando ya que cada pasada requería una alineación muy precisa para que el resultado fuera
legible siendo ésta fue la primera música polifónica impresa bien distribuida.

Petrucci también imprimió la primera tablatura con tipo móvil.

La tablatura es una forma de notación musical que indica dónde en un instrumento el músico debe tocar
las notas, en lugar de indicar las notas.

La impresión de una única impresión, en la que las líneas y las notas se pueden imprimir en un solo paso,
apareció por primera vez en Londres alrededor del año 1520. Pierre Attaingnant le dió a la técnica un
amplio uso en 1528, y dicha técnica se mantuvo bastante estable durante 200 años.

Un formato común para transmitir música multipista y polifónica durante el Renacimiento fue en
volúmenes que contenían la parte correspondiente a la voz o a un instrumento. En este formato, por
ejemplo, para un madrigal de 5 voces se necesitarán los 5 libros correspondientes a cada una de las
voces para poder ejecutarlo en vivo.

Josquin des Prez

Los mismos libros pudieron ser utilizados por cantantes o instrumentistas. Las partituras de música para
varias partes rara vez se imprimieron en el Renacimiento, aunque el uso del formato de la partitura
como un medio para componer partes simultáneamente (y no sucesivamente, como a finales de la Edad
Media) se acredita a Josquin des Prez.

El efecto de la música impresa fue similar al efecto de la palabra impresa, en el sentido de que la
información se difundió más rápido, más eficientemente, a menor coste y para un mayor número de
personas de lo que podía haberse logrado a través de manuscritos laboriosamente copiados a mano.

Tenía el efecto adicional de animar a los músicos aficionados con suficientes medios a poder disponer de
partituras.

Esto afectó de muchas maneras afectó a toda la industria de la música.

Los compositores podrían ahora escribir más música para los artistas amateurs, sabiendo que podría ser
distribuida y vendida a la clase media.

Esto significó que los compositores no tenían que depender únicamente del patrocinio de los
aristócratas ricos. Los interpretes profesionales podrían tener más música a su disposición y podrían
acceder a la música de diferentes países.

Aumentó el número de aficionados, de los cuales los interpretes profesionales podrían ganar dinero
enseñándoles. Sin embargo, en los primeros años, el coste de la música impresa limitó su distribución.
Otro factor que limitó el impacto de la música impresa fue que, en muchos lugares, el derecho de
imprimir música fue otorgado por el monarca, y sólo aquellos con una dispensa especial se les permitió
hacerlo, dándoles un monopolio. Esto era a menudo un honor (y una bendición económica) concedida a
los músicos o a los compositores preferidos de la corte.

La Partitura en el Siglo XVI

El grabado mecánico de placas se desarrolló a finales del siglo XVI aunque la inscripción en placa se
había utilizado desde principios del siglo XV para crear arte visual y mapas, no se aplicó a la música hasta
1581.

En este método, una imagen espejo de una página completa de la música era inscrita en una placa de
metal después se aplica tinta a las ranuras y la impresión musical se transfiere al papel.

Las placas de metal se pueden almacenar y reutilizar, lo que hizo de este método una opción atractiva
para los grabadores de música.

El cobre era el metal elegido para las placas, pero hacia el siglo XVIII el estaño se convirtió en el material
estándar debido a su maleabilidad y menor coste.

El grabado de planchas fue la metodología elegida para la impresión de música hasta finales del siglo
XIX, momento en el que su declive fue acelerado por el desarrollo de la tecnología fotográfica. Sin
embargo, la técnica ha sobrevivido hasta nuestros días, y todavía se utiliza ocasionalmente por editores
selectos como G. Henle Verlag en Alemania

A medida que la composición musical aumentaba en complejidad, también lo hacía la tecnología

requerida para producir partituras musicales precisas.

A diferencia de la impresión literaria, que contiene principalmente palabras impresas, el grabado de

música comunica varios tipos de información simultáneamente.
Para que sea claro para los músicos, es imperativo que las técnicas de grabado permitan una precisión
absoluta como notas de acordes, marcas dinámicas, y otras líneas de notación con precisión vertical. Si
además se incluye texto, cada sílaba coincide verticalmente con su melodía asignada.

Horizontalmente, las subdivisiones de los tiempos se marcan no sólo por sus banderas y barras, sino
también por el espacio relativo entre ellos en la página.

La logística de crear tales copias de precisión planteó varios problemas para los primeros grabadores de
música, y han dado lugar al desarrollo de varias tecnologías del grabado de la música.

La Partitura en el Siglo XIX

En el siglo XIX la industria de la música estaba dominada por editores de partituras. El grupo de editores
de música, compositores y escritores que dominaban la industria de Nueva York se conocía como “Tin
Pan Alley”.

A mediados del siglo XIX, el control del copyright de las melodías no era tan estricto, y los editores a
menudo imprimían sus propias versiones de las canciones populares en ese momento.

Con leyes de protección de derechos de autor más estrictas a finales del siglo, compositores, escritores,
letristas y editores comenzaron a trabajar juntos por su mutuo beneficio económico.

Los editores de la ciudad de Nueva York se concentraron en la música vocal. Las casas de música más
grandes se establecieron en la ciudad de Nueva York, pero las pequeñas editoriales locales – a menudo
conectadas con impresoras comerciales o tiendas de música – siguieron floreciendo en todo el país.

Un número extraordinario de inmigrantes de Europa del Este se convirtieron en editores de música y

compositores en Tin Pan Alley, siendo los más famosos Irving Berlin.
Los compositores que se convirtieron en productores establecidos de canciones exitosas fueron
contratados para formar parte del personal de las casas de música.

A finales del siglo XIX se produjo una explosión masiva de música de salón, con la propiedad y la
destreza de tocar el piano convirtiéndose en algo de rigor para la familia de clase media.

A finales del siglo XIX, si una familia de clase media quería oír una nueva canción o pieza popular,
comprarían la partitura y luego tocarían la canción o la pieza de una manera amateur en su casa.

Pero a principios del siglo XX el fonógrafo y la música grabada crecieron en gran medida.

Esto, unido al crecimiento de la popularidad de la radiodifusión a partir de la década de 1920, disminuyó

la importancia de los editores de partituras.

La industria discográfica eventualmente reemplazó a los editores de música como la fuerza más grande
de la industria de la música.

La Partitura en el Siglo XX y principios del siglo XXI

A finales del siglo XX y principios del siglo XXI, se ha desarrollado un interés significativo en la
representación de partituras en un formato legible por computadora, así como en archivos
descargables.

Ya desde 1991 ya hay disponible software de reconocimiento óptico de música, para “leer” partituras.

En 1998, las partituras virtuales evolucionaron aún más hacia lo que se llamaría partituras digitales, lo
que permitió por primera vez a los editores hacer disponibles las partituras protegidas por derechos de
autor para la compra online.
A diferencia de sus otras partes en papel, estos archivos permitían la manipulación como los cambios de
instrumentos, la transposición y la reproducción MIDI (Musical Instrument Digital Interface).

La popularidad de este sistema de entrega instantánea entre los músicos parece estar actuando como
un catalizador de nuevo crecimiento para la industria en un futuro previsible.

Uno de los primeros programas de notación musical para ordenador el Music Construction Set,
desarrollado en 1984 y lanzado para varias plataformas diferentes.

Introduciendo conceptos en gran medida desconocidos para el usuario doméstico de la época, permitió
la manipulación de notas y símbolos con un dispositivo señalador como un ratón; el usuario “agarraría”
una nota o un símbolo de una paleta y lo “soltaría” al personal en la ubicación correcta.

El programa permitió la reproducción de la música producida a través de varias tarjetas de sonido, y

pudo imprimir la partitura musical en una impresora gráfica.

Muchos productos de software para estación de trabajo de audio digital moderna y marcadores para
ordenadores personales generales soportan la generación de partituras de archivos MIDI por un
intérprete que toca las notas en un teclado MIDI u otro controlador MIDI o por introducción manual
usando un ratón u otro dispositivo computarizado.

En 1999, Harry Connick, Jr. inventó un sistema y un método para coordinar la exhibición de la música
entre los interpretes en una orquesta.

La invención de Connick es un dispositivo con una pantalla de computadora que se utiliza para mostrar
la partitura de los músicos en una orquesta en lugar del papel más comúnmente utilizado. Connick
utiliza este sistema cuando gira con su big band, por ejemplo.
En el mundo de la música clásica, algunos grupos de cuarteto de cuerdas usan partes basadas en
pantallas de computadora.

Hay varias ventajas asociadas a ello puesto que la composición está en una pantalla de computadora, el
usuario puede ajustar el contraste, el brillo y hasta el tamaño de las notas, para facilitar la lectura.

También, algunos sistemas harán “vueltas de la página” usando un pedal, lo que significa que el
ejecutante no debe dejar de tocar música durante el giro de la página, como ocurre a menudo con las
partituras a papel.

De interés práctico especial para el público en general es el proyecto Mutopia, un esfuerzo por crear una
biblioteca de partituras de dominio público, comparable a la biblioteca del proyecto Gutenberg de libros
de dominio público.

El International Music Score Library Project (IMSLP) también está intentando crear una biblioteca virtual
que contenga todas las partituras musicales de dominio público, así como partituras de compositores
que estén dispuestos a compartir su música con el mundo de forma gratuita.

Partituras Gratis | Herramientas y Plataformas Para Partituras

Algunos programas de computadora de marcadores tienen una característica que es muy útil para
compositores y arregladores: la capacidad de “reproducir” la música escrita usando sonidos de
sintetizador o instrumentos virtuales.

Debido al alto coste de contratar una orquesta sinfónica para tocar una nueva composición, antes del
desarrollo de estos programas de computadora, muchos compositores y arreglistas sólo podían oír sus
obras orquestales arreglándolas para piano, órgano o cuarteto de cuerdas.

Si bien la reproducción de un programa de composición no contendrá los matices de una grabación de

orquesta profesional, todavía transmite un sentido de los colores de tono creados por la pieza y de la
interacción de las diferentes partes.