TEORIA DEL ARTE II

2020
Prof. Graciela Cianfagna

PASAJE DEL ARTE MODERNO AL ARTE POSMODERNO y

CONTEMPORANEO
Durante todo el período histórico en el que se desarrolla el Arte Moderno
( fines del gótico hasta fines del S.XIX, agotándose con el proyecto de Las
Vanguardias del S. XX), el eje de interés estuvo puesto en el afán de la
representación, es decir la importancia puesta en el productor de imágenes
(artista, artista como genio creador) y su relación con el concepto de
mímesis, en cambio en la posmodernidad y luego en la contemporaneidad,
este eje se corre al espectador, comienza el período en donde la importancia
esta puesta en la interpretación. (G.Vattimo)

Cabe destacar que este desplazamiento del centro o eje que se va a ir dando
es propio a respuestas históricas de cambios de paradigmas en las formas de
interpretar el mundo. Sabemos que el hombre Moderno respondía a un
proyecto universal, Kant, en todas las esferas del quehacer humano: ciencia,
arte, política, ética. Todo regido por la razón y por un imperativo universal.
Recordemos que en la estética kantiana, que reinaba en la alta Modernidad,
S.XVIII S.XIX, lo bello era bello para todos y a la vez el gusto era
desinteresado. Este modelo cambia radicalmente en la posmodernidad y en
el arte contemporáneo. La teoría de la relatividad, que ya venía operando en
algunas vanguardias toma ímpetu y se instala en estos últimos períodos
dando lugar a la relatividad del gusto. Y a lo que hoy llamamos posestética.

Considerando siempre el contexto cultural en que se hace arte, afirmamos

que en los últimos años ha habido muchos estilos, el CONCEPTUAL, EL POP,
EL PERFORMANCE, INSTALACIONES, etc. Todos ellos con sus particularidades
y diferencias serian POSMODERNOS porque pertenecen a un período
posterior al arte MODERNO, después de 1945, cuando las vanguardias del
S.XX se agotaron.
[ARTE MODERNO como concepto denota lo contemporáneo, lo que está
sucediendo ahora].

ENTONCES, porque devino luego de 1945 un momento Posmoderno? Más

allá del aquí y ahora la respuesta está en cómo comenzamos a relacionarnos
con el pasado. En la posmodernidad el pasado es retomado en diferentes
formas, crítica, irónica incluso nostálgica. En cambio Ser Moderno es estar
consciente de un pasado que es distinto al presente en el que nos
encontramos, la modernidad iba en busca siempre de lo nuevo, miraba al
pasado pero para superarlo, el concepto de PROYECTO ir hacia adelante, es
propio de la modernidad. Este criterio suponía una superación constante del
hombre.

El primer ejemplo se da en 1327 con la iglesia San Denis de París. Su

arquitecto la estaba remodelando y cuando termino se dio cuenta que se
había transformado en algo distinto a cualquier cosa vista hasta entonces.
Que llego a llamarse gótico. (Lo describió como moderno. Por lo tanto
moderno equivale a actual, deviene moda.

A las alturas del RENACIMIENTO se intensifica esta conciencia de MODERNO

en término de rechazo a lo sobrenatural de la iglesia (imágenes simbólicas),
tanto en el arte como en la ciencia se veía un nuevo énfasis en lo natural del
cuerpo y la tierra, y es aquí donde se retoma el concepto de representación
mimética de los griegos, “volver a mirar al hombre en su contexto histórico ”.
La mente del científico y la paleta del pintor reflejan la naturaleza.

Veremos que desde Giotto, pasando por Da Vinci, Miguel Ángel, Caravaggio,
Rembrandt, Fragonard, Gericault, Delacroix, David, Ingres Turner, Monet,
Corot, Van Gogh, Tolouse Lautrec, etc. Solo por citar algunos representantes
desde el gótico tardío, pasando por el renacimiento, el barroco, rococó,
neoclasicismo, romanticismo, realismo, impresionismo y posimpresionismo,
el modo de representación estuvo ligado a la mímesis, donde el hombre y su
contexto natural e histórico le daban identidad. Cada uno de estos
movimientos iban en busca de lo nuevo atravesado por pensamientos y
paradigmas de su época. Todos esto movimientos con sus estilos y
particularidades, compartían algo en común el hecho de estar atravesados
por una interpretación realista de la figura humana y su contexto. No
podemos hablar en estos siglos de cambios drásticos. Todo seguía bajo el
manto de la modernidad.

Pero a partir de los estudios de Cezanne 1883 podemos observar

innovaciones si comparamos un retrato realizado por él con uno de Ingres.
Algo había cambiado.

El retrato de cezanne aparece fragmentado, la línea quebrada y la aplicación

de la pintura tosca. Ya no vemos una representación naturalista del hombre.

QUE ES LO QUE LO LLEVO A ROMPER CON EL ESTILO REALISTA?

Fue la invención de la fotografía, la cámara captaba de forma más fiel que el

pincel del artista. Por lo tanto la mimesis naturalista pasara al campo de la
fotografía, esto permitió liberar a la plástica de su mera representación.
Dando lugar a presupuesto filosóficos, el artista irá más allá, imbuido en
textos de la época, en una clara intención de ser parte de ese pensamiento,
el artista creador ira levemente a pasar de genio inspirado a una concepción
de artista, intelectual, y crítico.

Representar la naturaleza de las cosas en la pintura se volvió obsoleto. Los

artistas debieron reinventar su quehacer.

Un nuevo estilo debía buscarse y esto se va a gestar en los cuadros de

Cezanne. De esta manera se estaba cuestionando la doctrina del realismo, la
idea de que lo que hace el arte y la ciencia es representar una realidad
estática.

En los cuadros de Cezanne reconocemos objetos que percibimos de la

realidad. Árboles, montañas es por esto que EL TEMA de su arte sigue siendo
la realidad que lo rodea su INNOVACION fue ampliar la paleta del realismo
para incluir la INCERTIDUMBRE EN LA PERCEPCIÓN DE LAS COSAS. No pinta
un simple objeto sino la INTERPRETACIÓN entre el acto de ver y el objeto
visto.
“No vemos las cosas como fijas sino cambiantes, un árbol cambia si mi
mirada cambia ligeramente”.

A pesar del carácter fragmentado de su obra sería un error pensar que así es
la realidad para él.

Lo que pinta no es la realidad sino el efecto al percibirla, buscaba las formas

básicas que componen la gran variedad de la percepción (sólidos
geométricos)

Los impresionistas llevan al máximo la idea de percepción, de

interpretación subjetiva de la naturaleza y los objetos.

El IMPRESIONISMO dio paso a PICASSO y al CUBISMO quienes representaban

un cambio más pronunciado respecto al realismo. Ejemplo “Las señoritas de
Avignón” de Picasso y “desnudo bajando escalera” de Duchamp . PODEMOS
OBSERVAR en estas obras: Simplificación de las figuras a planos,
Geometrización, Puntos de vista múltiples y simultáneos, Síntesis de espacio
y figura.

Lo que se nota en el avance del arte MODERNO es que aspectos de la

realidad se van desvaneciendo.

Por revolucionaria que fuera esta propuesta (cubismo) se encontraba con

una amenaza que lo dice W Benjamín en su obra “la obra de arte en la era de
la reproducción mecánica”. La realidad reproducible se la deja a la fotografía
y lo que le da autonomía a la pintura es que es irreproducible (Picasso
único).

Nada puede escapar a su tiempo ni a los avances tecnológicos, la era de la

reproducción de imágenes atraviesa a la pintura como obra única la
transforma en un fetiche de la era de la reproducción masiva, así por
ejemplo Picasso , Van Gogh y frida kahlo fueron reproducidos por millones
de posters, libros, postales, bolsos, tasas, llaveros etc.

El VALOR de los originales NO es estético sino económico.

Ya entramos en la fase de un capitalismo que todo lo arrasa.

La siguiente etapa en la evolución del Arte moderno es la ABTRACCIÓN

Ya hay rasgos de abstracción en Picasso y Cezanne pero Llega un punto en

que todo objeto REPRODUCIBLE se DESVANECE.

Piet MONDRAN,. Comienza con una representación realista (análisis del

árbol) y llega a la pura abstracción.

A través de toda su obra vemos como trata de purgar su arte de toda

REPRESENTACION, eliminando toda ilustración de la realidad

PERO hay interludios: el DADA y EL SURREALISMO

DADA Reacciona contra todo lo establecido, refleja una intención de

irracionalidad, para oponer a la racionalidad imperante y desecha valores.
(Nihilismo)

El SURREALISMO fue más positivo busco superar lo osificado de la cultura y

sus valores y recurrió a la riqueza del inconsciente por tanto el carácter
onírico (DALI, MAGRITTE).

Siguiendo el camino de la ABSTRACCIÓN llegamos al EXPRESIONISMO

ABSTRACTO ( J. Pollock) y de ahí al MINIMALISMO (Rothko) a partir de aquí
se llega al límite de la ABSTRACCIÓN porque ya no hay nada que eliminar.

La abtracción llevaba un camino sin retorno, la eliminación de todo dato de

realismo y representación dio lugar al agotamiento de la representación.

CON EL MINIMALISMO EL ARTE MODERNO SE ACABA.

Según su lógica el mismo lienzo tendría que desaparecer. También tuvo que
ver la velocidad en la búsqueda de originalidad.

A principios de los 70 los críticos comenzaron a hablar del fin del arte
(Danto).
En este análisis de Danto, vemos rasgos de los postulados de Hegel cuando
sentenció que el arte había muerto. Danto lo retoma y dice: El arte no
murió lo que se acabó o llego a su fin fue el arte moderno, es decir la
representación mimética de la naturaleza y las cosas.

El ARTE MODERNO AVANZÓ HACIA SU PROPIA ANIQUILACION.

PERO EL ARTE NO HA MUERTO

Que se tiene hoy?

A finales de los 60 aparece Andy Warhol y el POP daría paso al ARTE

POSMODERNO.

En 100 años la tendencia hacia la abstracción y el imperativo de la

originalidad acabo vaciando la representación de toda referencia a la
realidad y dejando el lienzo en blanco.

Para comprender al ARTE MODERNO hay que considerar El imperativo de

innovación y originalidad que está relacionado con el capitalismo y su
necesidad de renovar constantemente sus fuerzas productivas para lidiar
con la competencia y sacar ganancias a las alturas del SXIX el sistema de
mecenazgo el que la iglesia y príncipes comisionaban obras ya no existía, los
artistas debían buscarse la vida en el mercado.

EL PROBLEMA. Ellos no consideraban sus obras como mercancías y eso es

por la influencia de KANT: La estética es su propia esfera autónoma juzgar
una obra era por criterios internos a la obra misma, por criterios puros en
el sentido de no ser condicionados ni por la ciencia, la moral ni la
economía. El gusto desinteresado.

Los artistas modernos querían proteger la pureza y autonomía de su

quehacer de las formas degradadas de presión típica de la cultura de masas,
querían mantener una distinción entre LAS BELLAS ARTE Y LAS ARTE
POPULARES lo lograron pero no lograron que sus obras se transformen en
mercancías.
EL ARTE MODERNO se absorbió en las instituciones burguesas y su anterior
novedad se doméstico. Algunos movimientos DADA y SURREALISMO
criticaron esta asimilación y trataron de generar un arte de transformación
social pero con la llegada del fascismo, la segunda guerra mundial y la
hegemonía del capitalismo todo intento de crítica y confrontación fue
silenciado.

En la posguerra el arte se volvió un órgano de propaganda en la Unión

Soviética, y en EE UU fue domesticado.

En las Universidades y Museos el ARTE MODERNO fue canonizado y se

convirtió en un adorno de la sociedad de consumo incorporándose en la
publicidad y la mercadotecnia.

Es precisamente este contexto cultural en el que hay que entender el

advenimiento del ARTE POSMODERNO. Viendo la situación del arte moderno
en la cultura burguesa fue obvio para muchos que su distinción entre las
bellas artes y el arte popular había fracasado.

La idea de un elite puro y autónomo fue ridiculizado y en su lugar los

artistas en los años 70 empezaron a celebrar Lo impuro, lo hibrido, lo
mezclado.

En vez de elitismo reinaba un pluralismo estético y PATICHE.

Los franceses tienen un término para determinar al arte POSMODERNO, lo

llaman BRICOLAGE Y el artista BRICOLEUR.

Este es alguien que crea o construye una obra con diversas cosas que están
ahí, el artista posmoderno es un bricoleur en el sentido de escoger
libremente de la tradición combinando elementos en un estilo PASTICHE a
diferencia del artista moderno, tiene un estilo único, éste toma de la
tradición y la cultura popular de las formas artísticas populares basadas en la
radio, la tv. El cine la mercadotecnia y hasta los comics.
Los temas del arte POSMODERNO se reflejan en otros campos
especialmente en la filosofía: en “La condición posmoderna” Lyotard dice
que existe una multiplicidad de narrativas. Científicas, religiosas, estéticas
etc. Sin que ninguna domine de forma hegemónica a otra es decir no hay
ningún metarrelato. Define al Posmodernismo como incredulidad hacia ellas.
En muchos sentidos el arte moderno iba de la mano de la filosofía moderna,
el genio Kantiano, el yo trascendental aislado en la pureza dio paso al arte
posmoderno. Abandonó la idea de un genio solitario creando obras con un
significado profundo y transcendental, es ahora simplemente el bricoleur esa
idea se manifiesta muy bien en la obra de Warhol que a través de la
reproducción mecánica podría producir tantas obras de arte en un solo día y
que Picasso podría hacer en toda una vida. En el caso de Warhol podemos
ver su arte como una sutil interrogación de la propia naturaleza del arte.

Warhol desafía la idea de genio trabajando solo (Miguel ángel).

Si el arte es un reflejo , comentario, crítica o interpelación sobre el mundo en

que vivimos, entonces la facilidad de reproducción de la cultura popular
como las obras de Marilyn Monroe y lata Campbell, el trabajo de Warhol se
encuentra en el cruce entre las cuestiones sobre la expresión plástica. La
cultura de la celebridad y el manejo de imágenes estaba dando expresión a
una nueva realidad cultural en la que gracias a ese manejo “todos tendrán
sus 15m de fama”(A.W).

El ARTE POSMODERNO articula la idea de que el arte no es algo metafísico

o platónico sino algo determinado por una dinámica sociocultural que en
los años 70 estaba cobrando nuevas características.

EL ARTE POSMODERNO comprende varios movimientos:

EL CONCEPTUAL/ EL PERFORMANCE/ Y EL ARTE INSTALACIÓN.

C
ONCEPTUAL.: lo importante no es el estado anímico producido por el
material utilizado sino las ideas o conceptos que los elementos de la obra
sucinta. Ej. Joseph kosuth “una y tres sillas”. Silla física, definición de silla y
foto. Esta obra no es hermosa, conceptualmente provocadora, la obra
interroga la naturaleza de la representación, se interesa por el concepto y su
representación.

EL ARTE DE PERFORMANCE: es un género con el cual la distinción entre obra

y espectador se borra. Incluso la obra incluye la participación del público. Al
principio la gente es tímida. La obra no existe si no hay un público que
participara. El arte de performance es un arte del cuerpo, de su dinámica,
obra y artista se disuelven y funden en la acción performática.

La participación es importante porque durante el transcurso nuestra idea de

intimidad, inhibición y violencia están retadas, puesta en tela de juicio, las
obras nos hace pensar en las relaciones humanas.

EL ARTE DE INSTALACIÓN: hoy también una disolución de la distinción entre

obra y espectador en vez de encontrar una obra en un pedestal o colgada de
la pared el espectador se encuentra rodeado por la obra en un espacio que
ha sido transformado y en el que nuestros sentidos están involucrados.

En la actualidad estamos frente a lo que Nicolas Bourriaud denomina arte

relacional. Y a lo que Esther Díaz llama arte póstumo.

Estamos en el “tiempo del espectador” , Gianni Vatimmo, hay tantas obras

como espectadores hay, las obras se construyen sobre las múltiples
percepciones.

Pensadores que trabajaremos como Gilles Deleuze, Gianni Váttimo, W

Benjamin, Paul Virilo, J. Derrida, N. Bourriaud, Y. Michaud, A. Danto. Byung-
Chul Han., T. Adorno, J.Baudrillard. Lyotard, entre otros…

El arte actual totalmente divorciado de los estándares del arte moderno:

arte de disciplinas estancas, pintura, escultura, dibujo, grabado etc. devino
en arte relacional, arte de acción, arte de comportamiento. Ya el artista
contemporáneo no hace un cuadro, una escultura, una cerámica, como
unidad única, las obras actuales son conceptuales generan un continuum,
un devenir constante, no se agota en una pieza, el artista va reflexionando,
teorizando, analizando y produciendo sentido. Podríamos asegurar que las
producciones contemporáneas libradas definitivamente de todo rigor
académico se constituyen como un cuerpo de producciones en continua
mutaciones y cambios, donde la materialidad y herramientas están muy
alejadas del acrílico y la arcilla, del pincel y del cincel. Ahora mira su entorno
y toda materialidad puede cobrar sentido en la mano y en la mente del
artista, solo debe nombrar, fundamentar., hacer dando lugar así a una
interpretar poética del mundo.

Apunte de clase