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SURIAN Cap 1 - Caratteri e tendenze del '900 musicale

Epoca di contrasti , tensioni che trasformarono il modo di vivere e la visione dell'arte e della vita. Ci
furono due conflitti mondiali che portarono un senso di smarrimento e in particolare gli anni
successivi alla prima guerra furono contrassegnati da problemi economico-sociali. Largo sviluppo e
impiego di nuove tecnologie durante le guerre e con il crollare di alcune istituzioni e valori che fino
a quel punto erano stati considerati punti cardini, ci fu uno sviluppo di correnti filosofiche-
artistiche improntate verso il distacco con il passato (sebbene non ci fu mai un allontanamento
completo) --> avanguardie. Le avanguardie sorsero come reazione alla noia e al malessere del
nuovo secolo. Vediamo nascere in tutta Europa movimenti letterari, filosofici e artistici come la
filosofia nichilista ed esistenzialista, l'arte dadaista (protesta contro la civiltà che diede inizio ai
conflitti), surrealista (distacco dalla razionalità) , futurista (proiezione esasperata verso il futuro) e
espressionista ( rappresentazione libera e soggettiva). In letteratura viene espresso un sentimento di
alienazione nei confronti della società. In musica invece vi furono sostanziali differenze con il
modo di rapportarsi alla tradizione. C'è una pluralità di tendenze spesso espresse da un solo
compositore. NUOVA MUSICA, musica che rifiuta i principi musicali fino ad allora in voga,
inventando nuove condizioni espressive e comunicative per quanto riguarda la composizione --> si
ambisce ad aumentare la complessità della musica e a darle un significato filosofico. Musica seriale
dodecafonica , non è una musica per tutti, ma ha bisono di un pubblico particolare. Molti
compositori hanno reagito a questo eccesso di intellettualismo , ritornando in un certo senso al
passato o dedicandosi all'improvvisazione (alea, musica in cui alcuni elementi della composizione
sono lasciati al caso) C'è una frattura nel rapporto tra compositore e pubblico. Il compositore infatti
non compone più secondo il gusto degli ascoltatori, ma secondo il proprio. Il pubblico che è ancora
fortemente legato alla tradizione, non si ritrova e non comprende i nuovi componimenti poichè sono
venute meno le ripetizioni tematiche, la regolarità nel fraseggio e tutte quelle componenti del
linguaggio musicale a cui erano abituati. La prima esecuzione di musica contemporanea ha causato
malcontento negli spettatori. In un certo senso si può dire che il nuovo linguaggio musicale derivi
da Wagner sebbene in Wagner il pubblico si ritrovasse grazie alla progressiva ripetizione di alcuni
elementi. I nuovi compositori tuttavia allo smarrimento del pubblico fanno fronte tramite
spiegazioni in programmi da sala, dichiarazioni collettive Il pubblico deve sapere che dietro
l'opera che ascolta c'è qualcosa che non è recepibile e riconoscibile direttamente. Questione
partitura, nelle neo-avaguardie del '50-60 , la partitura è vista come entità a sè stante, mentre per
quanto riguarda la musica elettronica diventa programma per computer e l'interprete è un tecnico
del suono.

Cos'è il neoclassicismo? Corrente che mira ad una certa imparzialità mediante il ripristino di alcuni
elementi pre-ottocenteschi , integrati a nuovi elementi

XX sec --> eccezionale espansione musicale determinata dall'affermarsi delle nuove tecnologie di
comunicazione. 1920: prime trasmissioni radiofoniche – questi mezzi favoriscono l'incremento di
pubblico per molti generi di musica. Musica molto importante anche nelle trasmissioni televisive
(varietà) Per diffondere presso un pubblico più vasto le composizioni dei musicisti d'avanguardia si
diede vita ad una serie di iniziative dedicate alla presentazione e all'esecuzione di autori
contemporanei (Neue Misikgesellschaft, festival di Weimar) Festival mozartiano de Salisburgo --->
SIMC A Vienna --> associazione per esecuzioni musicali private La musica contemporanea doveva
richiedere più di un'esecuzione per poter essere compresa. I più suonati in questo periodo: Mahler,
Skrjabin e Debussy In Italia nasce la "società italiana di musica moderna" che divenne poi
corporazione delle nuove musiche. Musica artigianale (musica d'uso) in contrapposizione con la
musica d'arte: musica mai troppo difficile , piacevole e orecchiabile Un tratto che accomuna i
compositori della musica d'uso è l'assunzione della musica di largo consumo : canzoni da steria,
jazz, musica da cabaret. Esponente della musica d'uso fu Kurt Weill
Cap 2 - La musica in Francia nel primo Novecento

Parigi godette fino alla prima guerra mondiale di una relativa stabilità politica e sociale che favorì
l'evoluzione dell'arte. Per quanto riguarda la musica, l'Esposizione Universale giocò un ruolo molto
importate, permettendo a diverse forme musicali di tutto il mondo di entrare in contatto e arricchirsi
a vicenda. Negli ultimi anni del '800 la musica francese conobbe una nuova rifioritura grazie a
illustri compositori di risonanza internazionale. Ci fu inoltre un ridestato interesse per la
composizione strumentale e da camera. C'era poi un grande entusiasmo per la musica del
classicismo viennese, ma alla fine della guerra franco prussiana si sentì la necessità di recuperare gli
elementi più singolari della musica nazionale e la rivalutazione della grande musica francese del
passato. Si eseguirono inoltre con sempre maggiore frequenza le musiche non operistiche di
compositori francesi contemporanei. A questo scopo fu fondata la Società Nazionale di Musica.
Una caratteristica da rilevare della musica francese è un interesse per il suono in se stesso. Della
musica wagneriana assimilarono alcue suggestioni estetiche e diversi caratteri stilistici, ma
mantennero le distanze dal Wagner politico. Negli ultimi anni nel XIX sec forte fu l'interesse per la
musica ecclesiastica. Vennero introdotti infatti nei programmi scolastici della Schola cantorum e
dell'Ecole niedermeyer , studi della storia della musica. Vincent d'Indy : fu fondatore della schola,
compositore che trattò tutti i generi. Alla base de suo stile c'è il principio della forma ciclica
secondo cui tutti i movimenti sono plasmati su uno o più temi ricorrenti. Altre personalità: Cèsar
Franck : insegnò al coservatorio di Parigi ed ebbe tra i suoi allievi: d'Indy, Chausson

e Debussy . Fu contrappuntista di gran competenza

Camille de Saint-Saens : abile contrappuntista , basava sulla perfezione tecnica il suo stile
musicale conservatore e eclettico. Il suo linguaggio armonico è quasi sempre diatonico.

Gabriel Faurè: elaborò uno stile molto personale, ispirato ad una cantabilità fluente, elegante e
sinuosa. Musica caratterizzata da sottigliezze ritmiche e da raffinate concatenazioni armoniche e
contrappuntistiche. Fu allievo di Saint Saens. Il debutto come compositore avvene all'inizio degli
anni '70 nei più raffinati salotti francesi. Faurè suona un genere di musica che aveva iniziato a
prendere forma intorno agli anni '40, come risposta al lied tedesco. Interesse rivolto a brevi pezzi
che riuscì a caratterizzare con tratti estremamente personali , tramite anche l'impiego del pedale di
risonanza. Diede pari importanza alla mano destra e alla mano sinistra La sua composizione
più importante è la Messe de requiem. Il linguaggio è modestamente cromatico, impiega una
scrittura polifonica che simula lo stile antico rinascimentale.

Erik Satie: è violentemente polemico nei confronti di tutto ciò che è ritenuto convenzionale. La sua
musica è eccentrica e provocatoria. Studiò contrappunto e fuga alla schola cantorum. Le sue
prime composizioni per pianoforte avevano titoli enigmatici, umoristici --> gymnopedies e
gnossiennes. Brani caratterizzati da libertà formale, melodie diatoniche , armonie modali,
successioni di accordi senza rapporti tra loro, monotonia della pulsazione ritmica , assenza di
sviluppo tematico. A partire dal 1891 cominciò a scrivere musica senza indicazioni di metro e
senza stanghette di battuta, eliminando il concetto di metro e ritmo.Tipo di scrittura che mira alla
staticità. E' musica di sola durata. Tra gli altri lavori non pianistici: Parade che suscitò grande
scandalo. E' una satira agli sforzi inutili di alcuni artisti di strada che cercano di convincere la folla
ad assistere al proprio spettacolo, ma non riuscendo a suscitare interesse, lo spettacolo si conclude
in un'atmosfera di delusione. Ideatore del testo è Cocteau. Satie introdusse nella partitura musicale
anche rumori tipici della vita moderna.

Le six: seguaci di Satie. Li accomunava l'avversione nei confronti della tradizione romantica
tedesca , propensione per un linguaggio musicale semplice, di larga ed intensa cantabilità.
Claude Debussy: Ebbe un grande influsso non solo sui musicisti francesi ma a livello
internazionale. Base musicale di partenza: Franck, Satie, Ravel, ma soprattutto Wagner , nutrì
interesse per il canto gregoriano e per l'Estremo Oriente (sistemi tonali e scale differenti da quelle
occidentali) Solida preprazione al Conservatorio di Parigi. Prix de Rome, va a Roma. Dal 1901
esercitò la critica musicale. Non rompe in modo drastico con la tradizione. Principali composizioni
per pianoforte: 24 preludes, 12 etudes. La musca di Debussy viene affiancata spesso alla corrente
pittorica dell'impressionismo. Risulta però inadeguato e superficiale e egli stesso rifiutava l'etichetta
di impressionista anche se riguardo l'esecuzione dei Nocturnes utilizzò anche lui il termine
impressione. E' più che altro assimilabile al simbolismo Unica opera teatrale: Pelleas et Melisande.
Dramma dell'angoscia e della fascinazione della

morte. Il melodramma esce per la prima volta dalle convenzioni ottocentesche. Le parole sono
pronunciate più che cantate. Nonostante il notevole influsso wagneriano, evita la quadratura ritmica
delle frasi e le tradizionali continuità del disorso musicale. Orchestrazione esempio di trasparenza e
equibrio. Usa il leitmotive. Ricerca del raggiungimento del distacco del linguaggio musicale
dalla tradizione dello stile classico-romantico e dunque lo si può considerare l'iniziatore della
musica moderna. Gli aspetti caratteristici del linguaggio di Debussy: Sonorità sfumate , chiare e
trasparenti. Alcune caratteristiche: l'orchestra viene usata raramente allo scopo di raggiungere
sonorità massicce, l'orchestra viene frammentata in piccoli gruppi di strumenti, predilezione
per i suoni puri dei legni e per i suoni lunari (xilofono), archi divisi in sottogruppi, impiego di
percussioni. Scrittura ricca di variazioni di tocco, indicazioni dinamiche e fraseggi. Per quanto
riguarda la melodia usa scale modali e scale esotiche orientali (esatonale e pentatonica) Volontà di
mobilità Crea l'impressione della "sospensione" del tempo musicale L'opera che segna un definitivo
distacco dalla tradizione è il Prelude a l'apres midi d'un faune (da un'egloga di Mallarmè , è un
omaggio all'antichità classica). Il fauno al suo risveglio non distingue il sogno dalla realtà.
Immagini evanescenti. Il brano è tripartito (2 laterali e un centrale) La melodia viene ripetuta tre
volte, con sottili variazioni. I Preludes sono opere della maturità , hanno titoli evocativi, estrema
mobilità.

Ravel: la sua musica si distingue per la perfetta chiarezza delle strutture compositive e l'andamento
ritmico scorrevole. Ogni sua opera è perfetta sotto il profilo formale . Sebbene considerato seguace
di Debussy ,si distinse da lui per il rigore della costruzione formale. Anche l'orchestrazione molto
diversa --> brillante sontuosità coloristica dell'orchestra con la tendenza ad una straordinaria varietà
timbrica. Interesse per i ritmi della musica iberica da cui prende spunto per la scrittura della sua
composizione di maggior successo , il Bolero per orchestra. Le frasi sono ripetute con ossessionante
immobilità. Tratto distintivo: gusto per modelli formali del '700 . Tendenza di Ravel ad un ritorno al
passato evidente soprattutto della coposizione per pianoforte le tombeau de Couperin (6 brani
dedicati al compagno morto in guerra) Nella sonata per violino mira ad accentuare i contrasti tra i
due strumenti: il volino accompagna, il pianoforte è portante.

Stravinskij: lavoro fondamentale per quanto riguarda le composizioni sperimentali e per quanto
riguarda il ritmo della musica moderna. Fu abile ad incorporare nella sua musica, materiale pre-
esistente. I suoi primi lavori li scrisse per i "balletti russi", compagnia di ballo fondata
dall'impresario russo Djagilev, ed erano caratterizzati da un'orchestrazione brillante e ricca,
propulsione ritmica dei bassi ostinati, strutture melodiche ed armoniche riconducibili a scale modali
e octatoniche. La sua opera più importante è Le sacre du Printemps, opera che descrive dei riti
pagani nell'antica Russia e che destò per questo scalpore. Considerata un'opera fauvista. Utilizza
aggregazioni politonali, ritmi ossessionanti e sempre mutevoli, in modo tale da sfuggire ad

ogni tipo di uniformità metrica. Usa un organico orchestrale enorme per raggiungere altissimi livelli
di intensità sonora. Arci utilizzati come percussioni, effetti di glissando, trilli acuti, tremoli Il
carattere innovativo dalla Sagra è il ritmo --> estremamente vitale Neoclassico perchè? Inizia a fare
uso delle più disparate forme della tradizione europea e abbandonò i complessi orchestrali
giganteschi. Histoire du soldat , opera da camera articolata in 19 numeri musicali e comprendente
danza, narrazione e mimica. Storia di un soldato che vende il suo violino al diavolo in cambio di
potere. Non si serve del folklore russo, ma di elementi provenienti dal folklore francese, spagnolo,
argentino. Sette esecutori. Gli strumenti sno messi in contrasto e la melodia è basata sui modi
maggiori e i modi minori. Tuttavia la prima opera definita neoclassica è le Symphonies pour
instruments a vent. Partitura interessante quella dell' Oedipus rex (2 atti per voci soliste) -->
staticità assoluta per accentuare l'arcaicità della vicenda. Basso ostinato che accompagna il coro.
The rake's progress è il suo più grande contributo al teatro lirico. La struttura musicale si rifà al
'700 e si rifà ad un'opera pittorica di Hogarth. Stravinskij afferma che il valore risiede nel realizzare
certe strutture formali, certi materiali sonori organizzati nel tempo E' il processo razionale che sta
alla base di ogni creazione Si interessa in seguito alla serialità e osserva che offre il mezzo
compositivo più adatto alla realizzazione di strutture coerenti e simmetriche. La sua musica seriale è
strettamente collegata con il suo neoclassicismo. Si avvicina piano anche alla dodecafonia. Il primo
lavora basato interamente su una serie è Threni, ossia lamentazioni del profeta Geremia

Cap 3 - Il primo '900 in Italia

Cos'è la generazione dell'Ottanta? Ci fu un autentico rinnovamento della musica italiana con


l'affermarsi sulla scena musicale dell cosiddetta "generazione dell'80" , un gruppo accomunato
dall'età anagrafica e soprattutto dall'obiettivo di riattivare la tradizione della musica strumentale
italiana. Rappresentanti: Respighi, Malipiero, Casella e Pizzetti accomunati dagli stessi valori
estetici: atteggiamento critico nei confronti del melodramma ottocentesco, rivendicazione della
grandezza musicale italiana, rivalutazione del patrimonio musicale antico, desiderio di
creazione di una musica nazionale italiana, attualizzazione di un linguaggio arcaico in
composizioni moderne. Erano spalleggiati da molti critici e musicologi tra cui Torrefranca, che
considerava il Settecento come il secolo della sonata, del concerto e della sinfonia. Le sue ricerche
erano fortemente nazionalistiche. Applica, insieme a Bastianelli, i canoni estetici di Benedetto
Croce secondo cui l'arte è contemplazione del sentimento. In Italia non esisteva ancora una vera
musica folkloristica , che era stata sostituita dalla musica leggera austriaca (mazurka, valzer , polka)
e dal repertorio di canzoni d'autore napoletane soprattutto. La tradizione popolare si mescola con il
melodramma e la romanza ottocentesca di cui è esponente Luigi Denza. Rinnovato interesse per il
canto gregoriano e la polifonia rinascimentale ,interesse sostenuto anche da Papa Pio X. Tra i
compositori impegnati nella restaurazione della musica da chiesa troviamo Tebaldini e Perosi. Si fa
strada lo studio della musicologia, come studio della musica antica italiana -->

Gasperini "associazione dei musicologi italiani" Un'altra personalità che contribuì all osviluppo
musicale fu D'Annunzio. Si fede promotore di iniziative editoriali che guidarono la rinascita della
cultura musicale e ideò e diresse la collana di musiche "antiche italiane", i classici della musica
italiana nella cui prefazione sottolinea l'attaccamento alla cultura nazionale. Per diffondere la
musica contemporanea Casella fondò la Societè musicale independante Rapporto fascismo-
musica: ambiguo. C'era una certa libertà artistica. Da parte del pubblico nel ventennio non c'era
particolare interesse per la musica --> istruzione

Casella: ha occupato un posto di rilievo nella vita musicale del primo '900. A Parigi venne a
contatto con personalità come Mahler, Debussy, Ravel, Stravinskij. Si dedicò, una volta tornato in
Italia, al rinnovamento della didattica e della prassi pianistica e all'eliminazione di numerosi residui
di tendenze prevalenti nell' '800 e recuperò musiche italiane dimenticate per insegnarle ai giovani
che le eseguivano durante i festival. Arrivò a creare uno stile "italiano" tramite l'utilizzo di svariate
melodie e ritmi popolareggianti. A partire dal 1915 si dedicò al recupero di modelli settecenteschi
per ricostruire un stile italiano , moderno ma anche tradizionale --> semplificazione armonica,
chiarezza e linearità della melodia, linguaggio scarno e lineare.

Malipiero : altra personalità della generazione dell'ottanta. Venne a contatto con Ravel,
D'Annunzio, Casella e fu presente alla prima rappresentazione della Sacre di Stravinskij. Studiò le
musiche antiche italiane (Monteverdi,Frescobaldi ..). Ambiente determinate fu Venezia, città natale
a cui erano legati ricordi nostalgici che si manifestarono nelle sue opere, sotto forma di canzoni in
stile italiano antico , inflessioni melodiche popolaresche, contrappunto liberamente imitativo. Gli
aspetti più moderni della sua musica derivano dal Sacre, da Debussy e da Ravel. Distintivo il
carattere capriccioso, rapsodico e apparentemente improvvisato delle strutture musicali. Tecnica a
pannelli --> serie di brevi sezioni o episodi, ognuno di carattere diverso, fantasiosi , sanza relazioni
tematiche. Il discorso tematico è ad invenzioe continua. Pantea, dramma sinfonico , breve, stile
violentemente cromatico. Molti lavori della maturità furono concepiti per concerti solistici per sola
voce, come Dialoghi.

Respighi: unico ad aver raggiunto fama a livello internazionale. Ebbe un grande successo con i suoi
poemi sinfonici romani : Fontane di Roma, pini di Roma e feste romane, caratterizzati da un
grandioso uso dell'orchestra. Nei poemi sinfonici mira al recupero di un certo tipo di espressività
europeo. Lontani dagli omonimi componimenti settecenteschi, a Respighi interessa presentare
immagini emblematiche del mondo circostante, sottoforma di paesaggi, spettacoli naturali,
monumenti e rievocare la grandezza di Roma. Ogni poema è ripartito in quattro quadri separati,
compiuti in se stessi che si differenziano per atmosfera sonora. Non c'è uno schema formale e le
scelte linguistiche sono condizionate dalle immagini rievocate. Caratteristica è l'introduzione di
suoni che appartengno all'antichità romana per tracciarne la storia. Ricorrenti inflessioni e allusioni
gregoriane

Busoni: i suoi ideali artistici sono strettamente legati al romanticismo tedesco. Fece un'importante
opera svolta sul pianoforte come interprete , revisore, trascrittore di Bach. Summa di questo lavoro
"edizione completa Bach-Busoni" in sette volumi. Nella Busoni- Ausgabe raccoglie invece 25
composizioni di Bach per tastiera , rivedute al pianoforte. L'apporto di Busoni, oltre al
commentario, consistette nel provvedere le musiche di

stravaganti indicazioni di tempo, segni d'espressione e diteggiature ad uso del pianoforte, non
previsto da Bach. Nelle sue trascrizioni egli non intende però annullare l'originale, ma ricomporlo
su nuove basi. Come interprete, Busoni opponeva alla fedeltà al testo scritto un'esecuzione libera da
costrizioni letterali e variabile. Nell'opuscolo "Abbozzo di una nuova estetica" afferma la
necessità di spogliarsi delle convenzioni e delle formule per ritornare all'originalità della musica del
passato, denuncia l'insufficienza dei mezzi espressivi musicali, prospetta l'avvento del suono
astratto e propone il superamento del sistema tonale e il distacco definitivo dal tematismo e il nuovo
impiego della melodia. Spiccata predilezione per fuga e preludio Opera più importante, la sonatina
seconda, esempio di ciò che egli definisce nuovo. Il brano è articolato in una successione
ininterrrotta di brevi episodi ritmici disgiunti da pause.

Dallapiccola : S'impose all'attenzione del pubblico con la Partita per orchestra e voce , un lavoro
che rientra nel neoclassicismo. Nella composizione ha dato prevalenza alla musica vocale con
accompagnamento di un complesso strumentale da camera. Il suo interesse è indirizzato allo stile
madrigalistico rinascimentale. Questo stile è stato defnito "neomadrigalismo" ed è comune a molti
altri compositori italiani. Canti di prigionia, si basano su testi di condannati a morte e presentano il
tema tragico della perdita della libertà, destinato a rimanere un motivo centrale di molte sue
composizioni Fu uno dei primi ad utilizzare su vasta scala la docecafonia. Si ispira a Shonberg per
quanto riguarda l'interpretazione melodica della serie. Negli ultimi anni '50 l'interesse del
compositore si sposta verso una maggiore enfatizzazione della serialità. Il prigioniero, basata su
una singola serie dodecafonica, è l'opera teatrale di maggior successo

Petrassi : i suoi primi lavori rinviano a Stravinskij e alla musica italiana di quegli anni. Nella
Partita e nel Concerto n1, mostra una brillante tecnica orchestrale e una notevole abilità
contrappuntistica. Colonna portante della sua arte strumentale è il ciclo di Concerti per orchestra.
Nei primi concerti riprende il concetto di concerto grosso. Scomparsa di tema come organismo
articolato. Inclinazione religioso-spirituale (Salmo IX) e madrigale drammatico (coro di morti,
maifesto della sua inquetudine data dall'entrata in guerra dell'Italia). Diffuso lirismo e delicatezza in
Noche oscura

Ghedini e Bettinelli: hanno prodotto lavori caratterizzati da un impeccabile artigianato formale.


Particolare l'impianto contrappuntistico e l'utilizzo delle combinazioni armoniche più coraggiose.

Cap 4 – La seconda "Scuola di Vienna"

Espressionismo, movimento avanguardista nato e diffusosi in Germania nel primo ventennio del
'900. L'espressionismo si collega al decadentismo e rispecchia il clima di crisi sociale e politica
europea diffuso dopo le guerre. Non esisteva un programma comune, ma erano tutti uniti dalla
volontà di rappresentare l'interiorità creativa dell'autore, attraverso immagini, colori, suoni
drammaticamente esasperati e violenti. Tendenza diffusa era quella di ridurre al

minimo nell'opera gli elementi formali. La tematica principale dei drammi era l'esaltazione
dell'irrazionale e dell'anormale di tipo sessuale-psicoanalitico. Caratteristico è il linguaggio
grottesco e aggressivo --> il teatro espressionista utlizzava i pronomi IO, TU , VOI e ridusse il ruolo
delle parole alle quali si sostituì la mimica. Per quato riguarda la musica, importante fu "la scuola
di Vienna", formata da Shonberg e alcuni suoi allievi tra cui Berg e Webern. Le loro composizioni
non furono ben accolte da parte del pubblico viennese che era ancora legato alla tradizione.

Shonberg: Fu un compositore autodidatta, noto per aver creato la dodecafonia. Inizia componendo
musica tonale da cui si distacca verso il 1908 per comporre le opere che costituiscono la base del
suo espressionismo. Caratteristica di questa musica di ricerca è l' atonalità (termine a cui
preferisce pantonalità) , ma in realtà lui cercò di creare una sospensione di tonalità. Lui vede ciò
come un affrancarsi dall'obbligo di far seguire ad un accordo consonante uno dissonante. Altra
caratteristica: importanza del timbro come fattore espressivo . Gran parte delle composizioni di
questo periodo è musica vocale. Maggiore opera espressionista e atonale, Erwartung, dramma in
un atto. Il soggetto sviluppa il tema della patologia sessuale, dell'angoscia esistenziale , della
nevrosi che porta alla pazzia. Quasi tutti gli accordi sono di sei note. Non è solo atonale, ma anche
atematica perchè non c'è mai un ritorno al tema precedente. Pierrot Lunaire è l'opera più famosa.
Ciclo di 21 brani su poesie di Giraud. I brani sono raggruppati in tre parti da 7 poesie ciascuna.
Ogni parte è diversa: nella prima parte Pierrot si presenta come poeta della sofferenza, incantato
dalla luna che gli ricorda immagini "macabre" e morbose. Nella seconda parte , l'atmosfera è
angosciosa e il protagonista si immagina assassino, sadico ecc. Nella terza parte , il protagonista
diventa sentimentale, un grottesco buffone che si abbandona alla nostalgia, il tono si fa grottesco e
ironico. E' scrittto per voce femminile recitante. Usa la tecnica del canto parlato (sprechgesang).
Protagonista è il pianoforte (18 su 21 brani) Dopo il lavoro di ricerca lascia l'Europa a causa della
guerra e elabora il metodo dodecafonico --> prevede la creazione di una serie comprendente tutte le
12 note della scala musicale cromatica temperata. La teoria dodecafonica postula che una sola serie
debba essere impiegata in una composizione e nessuna delle 12 note si ripeta prima del termine
della successione. Divieto non rigoroso. Si avvale per la prima volta della tecnica seriale in un
gruppo di composizioni scritte e rielaborate più volte : cinque pezzi per pianoforte, serenade, la
suite. Le prime due sono parzialmente dodecafoniche . Nei Cppp l'ultimo è reputato il primo pezzo
seriale, mentre nella Serenade solo il quarto movimento è rigorosamente dodecafonico. La suite è la
prima composizione totalmente dodecafonica Un'altra opera del neoclassicismo di Shonberg è il
quartetto per archi n3 e con le variazioni per orchestra, ritorna ad un uso di un organico ampio.
Shonberg utilizzò la dodecfonia anche nel teatro d'opera, Moses ad Aron

Berg e Webern: allievi di Shonberg. I loro primi lavori sono influenzati dal romananticismo.
Adottarono le innovazioni del maestro, sviluppandole ciascuno in modo personale. Le loro
composizioni avevano il fine estetico di trasmettere un'inquietudine estrema, un'ansia esasperata
tratti caratteristici dell'espressionismo musicale. Il loro interesse si dirige soprattutto verso la
massima concentrazione espressiva in pezzi di breve durata. Iniziarono a comporre le prime opere
dodecafoniche negli anni '20 ma non conobbero diffusione, a parte il Wozzeck. Il Wozzeck di Berg
è il lavoro più celebre e più rappresentato della "seconda scuola di Vienna". Un soldato polacco
diventa vittima delle prevaricazioni dei suoi superiori e dell'oppressione dell'ambiente in cui vive.
Ridotto ad una condizione di disprata alienazione, uccide la sua amante e muore annegato in uno
stagno nel deserto. La musica di Berg ha uno straordinario potere di commozione. Wozzeck non è
completamente atonale. Webern invece non usò mai la tecnica dello sprechstimme e applicò a
dodecafonia alle opere della maturità, evitando la tonalità. Ricerca dell'essenzialità. Vicinanza con il
neoclassicismo tramite la tendenza di dare un ordine rigoroso mediante il recupero di elementi della
tradizione nella composizione dodecafonica. Questo è visibile nell'opera Symphonie

Cap 5 – La musica nell'Est, in Russia, In Inghilterra e negli Stati Uniti

La tendenza ad una musica di ispirazione nazionale divenne un fattore predominate nella


produzione di numerosi compositori della prima metà del XX sec La spinta nazionalistica acquistò
valore soprattutto nell'est europeo. Alcuni compositori si dedicarono alla raccolta e allo studio del
patrimonio folkloristico nazionale. I principali compositori dei paesi dell'est furono Janacek,
Szymanowski, Kodaly e Bartok.

Janacek : dedicò la prima parte della sua carriera all'attività di ricercatore dei documenti
etnografici. Si rivolse alla lingua nazionale. Caratteristica principale del suo stile è l'impiego di
molti incisi melodici e brevi temi spesso ripetuti. Il ritmo si avvale di piccole unità metriche mentre
l'armonia privilegia il libero concatenamento di accodi. Le composizioni del periodo maturo sono
caratterizzate da cinque opere teatrali di spirito patriottico e religioso. Suo capolavoro è la Messa
glagolitica, in slavo antico invece che in latino,composta per coro e orchestra . Stile semplice.
Opere per orchestra : Taras Bulba (rapsodia sinfnica, ritmi fortemente slavi) e Sinfonietta (5
movimenti)

Szymanowski: esponente del patriottismo polacco. Si prefisse lo scopo di intrudurre in Europa la


musica polacca. La sua musica è influenzata da Strauss e Skrjabin. L'idioma nazionale si manifesta
soprattutto nel balletto Harnasie, in cui impiega un gran numero di danze e canti di montagna. Il
linguaggio è caratterizzato da inflessioni tipiche della musica popolare dei Tatra

Kodaly: Riorganizzò la didattica musicale. Dal 1905 iniziò a lavorare insieme a Bartok alla raccolta
del materiale folkloristico ungherese, slovacco, rumeno e di altri popoli vicini utilizzando il metodo
della registrazione sul campo. Raccolsero un'infinità di canti contadini. Creò come compositore
musiche corali e opere teatrali. La sua opera più famosa è Salmo ungarico per tenore, coro e
orchestra che si basa sul salmo 50. Straordinariamente espressivo

Bartok: cercò di amalgamare certi caratteri tipici della musica folklorica con altri elementi desunti
dalla musica colta occidentale. Molte caratteristiche dello stile di Bartok traggono origine dalla
musica popolre dell'Europa e dalla musica araba. I temi bartokiani sono spesso brevi e basati su
scale pentatoniche e modali. Ricorrono ritmi liberi e improvvisativi. Nell'armonia elmenti diatonici
e cromatici. Bartok fu per quanto riguarda la tecnica pianistica, molto radicale --> sottolinea
pesantemente l'aspetto percussivo Per il pianoforte scrisse Microcosmi (153 pezzi di varia durata,
divisi in 6 libri). Mira a sviluppare ogni aspetto della tecnica pianistica. Nel suo stile unisce le
tecniche contrappuntistiche di Bach, il canone, l'imitazione, l'arte beethoviana e listziana della
trasformazione di temi, l'abilità di Debussy di organizzare lo spazio sonoro. Tra gli ultimi lavori il
più importante è Concerto per orchestra che presenta un tessuto orchestrale più raffinato con un
impiego meno intenso del contrappunto

Tra fine '800 e inizio '900 il linguaggio musicale russo si arricchì di nuovi elementi sia grazie al
"gruppo dei cinque" sia grazie alle influenze dell'Occidente. Skrjabin : Si colloca a cavallo tra
tardo romanticismo e sperimentazone novecentesca. La sua produzione è caratterizzata da una
concezione mistico-teofisica. Ne è un esempio Mysterium, una sorta di rituale magico in cui luci,
suoni e profumi avrebbero dovuto causare mistiche visioni al pubblico. Era fermamente convinto
che la musica fosse un fenomeno fisico. Le prime composizioni pianistiche risentono dell'influenza
di Chopin e sono scritte nelle stesse forme da lui utilizzate. La sua musica si evolve poi
gradualmente e impiega nelle sue opere oiginali, armonie e tessiture molto inusuali. Nella seconda
parte della sua produzione sperimenta molto a livello di tematiche e estetica. (tastiera colorata)

Rachmaninov: fu conosciuto principalmente per i quattro concerti per pianoforte e orchestra di


stampo romantico. Altre personalità come Mjakovskij e Glazunov si distinsero nella vita musicale
russa.

Nei primi anni dopo la rivoluzine comparvero diverse organizzazioni che avrebbero svolto un ruolo
importante nello sviluppo musicale: società dei musicisti proletari --> APM (1923) , Società per la
musica a quarti di tono Ma dal '24 inizia a essere attuata la censura: le opere d'arte dovevano essere
comprese e amate dalle masse e dovevano asservire alla finalità dell'edificazione socialista,
soprattutto in epoca stalinista. Realismo socialista --> presentazione fedele e storicamente concreta
della realtà nel suo

sviluppo rivoluzionario. Tra le conseguenze della rigidità politica culturale di Stalin vediamo la
fioritura di generi musicali scenici, opere vocali e sinfoniche a programma e celebrative. Era
bandita ogni forma di modernismo linguistico, soprattutto la dodecafonia. Erano privilegiate le
melodie vigorose, scandite da ritmi briosi, linguaggio ritmico diatonico. Scoraggiata la musica da
camera

Prokof'ev : straordinaria capacità di assimilazione di ogni linguaggio stilistico . Negli anni


giovanili fu influenzato da Strauss, Skrjabin Tendenza all'eclettismo visibile in Sinfonia classica n1
che rappresenta un accostamento al neoclassicismo. E' articolata in 4 movimenti: allegro, larghetto,
gavotta e molto vivace. Aderì con entusiasmo all'ideologia del socialismo che lo portò anche alla
composizione di musica per film . Tra i lavori scritti negli anni Trenta, spiccano il balletto in quattro
atti Romeo e Giulietta e la favola Pierino e il lupo. Negli anni della guerra compose la sua opera
più importante, Guerra e Pace, narrazione in 13 quadri, parti corali molto diatoniche, ritmi
vigorosi. Opera più eseguita: Settima sonata

Sostakovic: Prima sinfonia, nella quale sono riconoscibili influssi del sinfonismo tardo romantico.
Nella produzione degli anni '20 aderisce al linguaggio contemporaneo e scrisse anche un cospicuo
numero di musiche per film. Le sue Quindici sinfonie presentano una struttura ripartita in più
movimenti Dopo la seconda guerra mondiale, si interessa alla musica cameristica che presenta una
straordinaria varietà di strutture formali.
Agli inizi del '900 anche i più abili compositori inglesi cercano nelle tradizioni della propria cultura
nazionale le basi di uno stile musicale libero dall'eredità del tardo romanticismo. Alcuni dei
principali compositori furono influenzati dalla musica tedesca (Brahm e Wagner) Quasi tutti
avevano in comune la predilezione per un linguaggio tonale e melodie diatoniche. Sharp e la
raccolta e studio del folklore musicale iglese. Si promosse anche l'esecuzione e la pubblicazione di
antiche musiche inglesi Prima del primo conflitto mondiale, i "balletti russi" compirono numerose
tournees a Londra. Ralph Williams e Gustav Holst furono le pesonalità che più assorbirono certi
elementi stilistici delle correnti straniere e degli idiomi nazionali. Il primo imparò l'orchestrazione
da Ravel e si ispirò anche alla musica inglese antica. Di qui certe caratteristiche della sua tecnica
compositiva. Holst divise con lui l'aspirazione a creare uno stile inglese che fondasse le sue radici
nel patrimonio della musica nazionale. Egli fu influenzato dal misticismo orientale.

Britten: il suo linguaggio musicale è semplice e facilmente comprensibile. Non si è mai staccato
dall'armonia tonale . Scrisse colonne sonore per film Carattere saliente di Britten è l'importanza
delle linee melodiche, sia vocali che strumentali. Prima affermazione con l'opera Peter Grimes , in
cui i personaggi sono caratterizzati psicologicamente. Opera singolare è Billy Budd , storia di un
marinaio accusato ingiustamente e costretto a perire come se dovesse espiare il peccato di essere
bello e giovane. Cast composto solo da uomini.

Giro di vite è la sua opera migliore , opera da camera. Divisa in due atti di otto scene ciascuna

Emigrazioni dalla Germania all'America. I compositori più rappresentativi dell'800 nati in America
furono Horatio Parker, Paine e Chadwick e facevano riferimento quasi esclusivamente ai modelli
europei.

– La musica popolare era espressione di una moltitudine di gente estranea alle sale da concerto. Del
patrimonio folkloristico facevano parte i canti religiosi e di lavoro di neri e bianchi, muische di
suonatori ambulanti, ballads. Tra i principali generi di canti popolari:

– Gospel songs, che seguivano lo schema di botta e risposta. – White spirituals, canti spirituali dei
bianchi – Negro spirituals con testi tratti dalla Bibbia – Blues, canti che traevano origine dalle
work songs degli schiavi neri degli stati del

sud. Malinconia e tristezzza erano caratteri fondamentali

Dopo la guerra, i giovani compositosi statunitensi si recarono a Parigi e furono influenzati dalla
Nuova musica e dal neoclassicismo. Alcuni compositori cercaroni di fondere jazz e folklore
musicale, mentre altri cercarono di mettere a punto un linguaggio moderno, indipendente da quello
delle avanguardie.

Charles Ives: la sua produzione comprende un gran numero di Lieder. Elaborò una sintassi
musicale molto complessa. Carattere tipico della sua musica è l'impiego di citazioni dei motivi
popolari. Fu influenzato dalla filosofia trascendalista --> libertà intellettuale Seconda sonata per
pianoforte, comprende 4 ampi movimenti , scrittura che elimina le stanghette di battuta.

Henry Cowell e Edgar Varese: il primo elaborò un linguaggio sorprendentemente moderno, il


secondo diede un contributo alla musica americana d'avanguardia. Concentrò il suo lavoro
sull'esplorazione di sonorità inedite --> viene meno la distinzione suono e rumore Nelle sue
composizioni i temi sono ridotti a motti aforistici, titoli evocativi, armonia anticonvenzionale ,
impiega uno straordinario assortimento di percussioni . Ionisation, segna il rifiuto del suono
orchestrale tradizionale . La composizione è basata su contrasto di blocchi di suoni diversi e sulla
sovrapposizione di figure ritmiche differenziate. Per L'Esposizione Internazionale di Bruxelles
realizzò Poème èlectonique, composizione interamente elettronica. Sistema di 425 altoparlanti
incorporati nella struttura architettonica del padiglione , simultaneamente alla proiezione di luci e di
immagini. Suoni sintetici e suoni naturali, tra cui voce umana, vengono elaborati e integrati
perfettamente. L'intereasse creato dalle composizioni sperimentali condusse alla nascita di studi di
musica elettronica presso le università di Columbia e Priceton.

Cap 6- La musica per film

La musica destinata ad accompagnare i film divenne un nuovo genere musicale di successo. Non
esiste un genere preciso ma piuttosto una mistione di linguaggi. Compito di tutta la musica da film è
di agire da commento sonoro La musica per film essendo collegata direttamente alle immagini non
può essere giudicata singolarmente.

Il compositore usa moduli e modelli linguistici tradizionali, stilizzati e standardizzati in modo che
possano essere recepiti da ogni livello di pubblico. Le condizioni in cui lavora il compositore di
musica da film, sono simili a quelle dell'operista del '700 e il rapporto regista-compositore è simile a
quello librettista musicista. Come per l'operista del '700 , anche il musicista dovrà sottostare a
inevitabili azioni di chirurgia per far combaciare colonna del parlato e colonna sonora. Un ulteriore
dato che li accomuna è la necessità e la capacità di approntare il testo musicale in tempi brevi. Il
cinema non è mai stato competamente muto, ma le scene nel cinema muto erano accompagnate da
musica suonata dal vivo. A partire dai primi anni del XX la musica per film iniziò a interessare
alcuni compositori famosi come Saint Saens , mentre negli anni '20 si assicurò l'apporto delle
avanguardie parigine. Nel decennio 1910-1020 si assiste anche in Italia al tentativo di associare al
cinema, importanti figure di scrittori,musicisti e autori teatrali come Gozzano, Grazia Deledda e
D'Annunzio. Tuttavia la sincronizzazione tra suono e scena si ebbe solo con l'avvento del sonoro
nel '27. Il primo film sonoro fu The jazz singer Nel '28 movietone --> sistema che permetteva
l'incisione della colonna sonora sulla stessa pellicola del visivo Importante funzione della musica
nei cartoni animati (Disney) Molti compositori europei si trasferirono negli Stati Uniti --> Steiner
che concepì per la prima volta un commento musicale in contempoanea con anzione e battute degli
attori. In Urss alla produzione di musiche per film si dedicò una schiera di compositori di fama
internazionale che mirvano a creare una musica cinematografica di carattere nazionale. Il film in
Russia era considerato un mezzo molto forte di propaganda. In Italia , tra il 1910 e 1920, il
commento musicale fu costituito in gran parte da musichette leggere e poche figure importanti
vennero associate al cinema (Pizzetti) Secondo dopoguerra --> neorealismo Compositori che hanno
fatto successo solamente con il cinema Ennio Morricone e Nino Rota che hanno adottato un
linguaggio prevalentemente tonale.

Cap 7 - Il secondo '900

Dopo il secondo conflitto mondiale ci fu un periodo di profondi cambiamenti geografici. Il mondo


fu diviso in due blocchi ideologici : Urss comunista e Stati uniti liberali. L'idea di progresso
materiale e artistico raggiunse un punto di massimo sviluppo. Non furono pochi i compositori che
cercarono di realizzare un'arte avanguardista. "Nuova avanguardia" --> movimento artistico
sperimentale nato a cavallo tra il '50 e il '70. Avanguardia nata come reazione alle novità ad ogni
costo, si mira alla semplificazione del linguaggio musicale e alla facilità d'ascolto, melodia tonale e
cantabilità. Su questa scia: alea e musica prodotta con mezzi elettronici. Darmstadt fu un luogo
d'incontro per i musicisti della nuova avanguardia. Lì si tennero tr il 1946 e il 1990 gli
International Ferienkurse fur Neue Musik , frequentati da compositori, critici musicali e
musicisti di alto livello da svariate nazioni. Il direttore d'orchestra Hermann Scherchen fu molto
importante per lo sviluppo dell'avaguardia. Egli fu anche fondatore di Melos, la rivista sulla musica
contemporanea.

Il pianoforte ebbe un ruolo centrale a Darmstadt , vennero sfruttati tutti gli effetti sonori dello
strumento che in precedenza non furono presi in considerazione. Tra le tecniche pianistiche :
impiego di contrappunto che prevede lìincrocio di mani, varietà di tocchi, ricorso al pedale di
risonanza e del pedale tonale, trapassi improvvisi di registri, accelerazioni o rllentmenti del tempo
Le tre sonate di Boulez e i Klavierstucker I-XI di Stockhausen considerati i modelli della scrittur
pianistica contemporanea. Per molti giovani lcompositori a serialità apparve come l'unica via per
allontanarsi dai modelli del passato. Boulez e Stokhausen furono i compositori che seguirono con
rigore l "serialità integrale" basata sul calcolo e la totale predeterminazione del materiale
compositivo. Webern, a differenza di Shonberg, è considerato un modello, colui che riuscì a
estendere le potenzialità del metodo dodecafonico. Questa corrente di compositori comunque non
itò Webern, ma lo usò come punto di partenza. Ciò che si percepisce all'ascolto è il contrario di
ordine: i materiali linguistici sono totalmente stravolti e non hanno assolutamente alcun effetto di
riconoscibilità. Lo scollamento tra produzione e ascoltatore è inevitabile e il rapporto diventa
conflittuale. Oliver Messiaen , maestro di Boulez e Stockhausen , compose Mode de valeurs et
d'intensites , considerato i primo esempio di serialità integrale. Organizzato in quattro modi diversi
per ciascun parametro. La scrittura su tre pentagrammi associa a ciascuno una particolare serie di
durate, le altezze sono disposte liberamente Polyphonie X, saggio di Boulez sulla serialità integrale,
che lo fa affermare come leader della nuova avanguardia. Stockhausen passò da una musica
puntillistica alla composizione di suoni ampiamente spaziati. Concezione statica del tempo, ma non
priva di tensione. Questa concezione el tempo si contrappone a quella romantico-espressionista
fondata sul principio del divenire. In Gruppen Stockhausen applica la spazializzazione della
musica, ossia l'idea di stratificazione di più discorsi temporali: tre gruppi orchestrali indipendenti, di
109 esecutori circondano l'ascoltatore. La posizione spaziale in cui la musica viene udita diventa
importante nell'ascolto : lo spiegamento spaziale del suono diventa funzionale e l'ascoltatore si trova
immerso i varie dimensioni temporali. La tecnica del continuum diviene uno dei tratti stilistici tipici
di Ligeti La disposizione in gruppi strumentali è anche ritrovabile in alcuni lavri di Xenakis in cui
utilizzò procedimenti logici come elementi costitutivi di una musica che lui definì "stocastica" Non
tutti i compositori coinvolti a Darmstadt hanno condiviso pienamente il radicalismo el metodo
seriale di Boulez e Stockhausen

Maderna e Nono : il loro linguaggio non aderì mai strettamente al rigore della serialità. Si
dedicarono anche alla letteratura. Uno degli aspetti fondamentali della musica di Maderna è
l'inclinazione a coltivare l'espressione melodica. E' presente una certa propensione a
privilegiare i valori melodici del discorso musicale. Le musiche di Nono posseggono dei
messaggi determinati e per questo motivo la voce

umana ha assunto molta importanza nelle sue opere. In il canto sospeso, l'utilizzo della voce
assume un ruolo centrale. Compare per la prima volta una tecnica di scrittura corale basata
sull'applicazione della polifonia puntillistica verbale: le parole vengono spezzate, distribuite tra le
diverse voci. La serie dodecafonica su cui si basa la composizione contine un'ampia varietà di
intervalli. In ogni momento del Cant sospeso, l'ascoltatore è messo di fronte ad una serie di
significati e relazioni che richiedono una sua partecipazione. L'ascoltatore è continuamente
chiamato a estendere il proprio livello di ascolto a dimensioni sempre nuove.

Cos'è l'alea? L'alea fu impegata per la prima volta negli Stati Uniti e solo in seguito in Europa.La
musica aleatoria si definisce per il fatto che il compositore non fissa sulla carta tutto ciò che si
ascolta nell'esecuzione, ma lascia una parte più o meno grde all'iniziativa dell'interprete o al caso
(opera aperta) Con l'alea si dissolve il concetto di componimento come opera d'arte come unicum
immutabile. Il suo significato è diverso dal tradizionale In molti casi la partitura si presenta come un
insieme di linee spezzate rettangoli, diagrammi. Promozione della partitura come opera grafica ,
intesa a soddisfare 'occhio oltre ch destinata all'orecchio. Tra i compositori che usarono di più l'alea:

Cage: preferisce affidare alla totale casualità le proprie scelte compositive, basarle su fatti sonori
liberamente associati, mglio se imprevdibili. Per Cage ogni suono è musica, anche i rumori e
persino il silenzio. Il gesto, cioè le azioni compiute dal compositore prima e durante l'esecuzione ,
assume una funzione importante. La musica di Cage fu arricchita dal sodalizio con il ballerino
Cunningham e con il costumista Raushenberg. Interesse per lo zen e il buddismo. Per qunt riguarda
la poetica del silenzio, il suo lavoro più importante è senz'ltro 4.33: si richiede al esecutore di
preparare gli strumenti per fare musica ma poi per tutt il tempo indicato , sta in silenzio.L'aspetto
musicale è dato dai suoni d'ambiente Music of changes per pianoforte, 4 brani è una svolta. Nuovo
impiego di operazioni casuali: è la casualità che sceglie i materiali da usare. A partire da Concerto
per pianoforte e orchesstra si aggiunge l'aleatorietà dell'esecuzione: 84 brani sono eseguiti in ogni
tipo di combinazione. In Europa Boulez introduce l'alea. Afferma che la casualità debba essere
inserita in una certa struttura. Diversamente da Cage la casualità deve intervenire dopo la stesura
della composizione. Terza Sonata, 5 divrsi movimenti ciascuno formato da una continua alternanza
di segmenti obbligatori e opzionali. Con Klavierstuck XI di Stockhausen si lascia all'interprete una
libertà assoluta. E' scritto su un unico grande foglio rettangolare su cui sono disposti 19 gruppi di
note di lunghezza e difficoltà differenti. Dopo aver ripetuto ogni gruppo due volte, il pezzo è finito.
I metodi aleatori di S e B furono applicati nelle composizioni di molti musicisti che fecero

parte dell'ambiente di Darmstadt Kagel: sulla scia di Cage. Sur scene è una divertente parodia di
tutte le posizioni accademiche, rigorose , schematiche dei compositori di fronte alla musica
contemporanea. Gli strumentisti si muovono sulla scena intervenendo nelle parti recitate l'attore
svolge il suo discorso in un aggregato alogico di suoni, il mimo sollecita il pubblico provocandone
interventi e il cantante si sdoppia in tutti i tipi di esecuzione.

La nascita della musica elettronica va mesa in realazione con la tendenza a mettere in discussione i
tradizionalis schemi del discorso musicale e a considerare il timbro come valore non determinante
nell'invenzione musicale. Apporti vengono dalle ricerche timbriche di Debussy, dalle
sperimentazioni dei futuristi italiani e di Varese. Date le illimitate possibilità ei mezzi elettronici, il
compositore può intervenire senza servirsi di un esecutore. Il compositore può: manipolare,
scomporre, modificare i suoni registrati tramite diverse velocità, sperimentare suoni totalmente
nuovi , sintetici consistenti in frequenza pura, combinare suoni sintetici con quelli prodotti dagli
strumenti, superare la distinzione suono e rumore. Nella musica elettronica la partitura è relativa,
visto che i suoni sono su nastro. Solo raramente sono presenti partiture di sola lettura per
l'ascoltatore. Studie II di Stockhausen è stato il primo pezzo elettronico pubblicato con la partitura.
Il primo strumento elettronico fu costruito da Thaddeus Cahill e si chiamava telharmonium :
composto da 12generatori di corrente alternata e generatori di onde sinusoidali, ma lo strumento
non ebbe successo perchè ea molto ingombrante. Altri strumenti inventati verso gli anni trenta come
thereminovox. Ebbe successo lo strumento "a onde Martenot" Nel 1954 fu istituito presso la RAI
di Milano uno "studio di fonologia musicale" per la musica elettronica . Tra i nuovi centri
elettronici attrezzati c'è quello dell'IRCAM (istituto di ricerca e coordinamento acustico/musica) di
Parigi fondato da Boulez nel '76. All'indomani della seconda guerra mondiale si svilupparon due
tecnologie di produzine sonora:

– musique concrete – musica basata su suoni sintetici

Le prime esperienze di musica concreta sono legate al nome di Schaeffer, ingegnere- musicista Con
la fondazione del Groupe de recherche de usique concrete S. Si avvalse di apparecchiature per la
registrazione magnetica su tre piste. L'Orphèè è la prima opera teatrale concreta. Primo vero
capolavoro di musica concreta è Deserts di Varese E' senza dubbio la più perfetta realizzazione
della costante ricerca di inedite potenzialità della materia sonora. La musica concreta parigina
rimase un fenomeno isolato nel panorama dell'avanguardia europea : i compositori preferivano
lavorare con i suoni generati elettronicamente In Gesang der Junglinge di Stockhausen non
vengono utilizzati soltanto suoni sinusoidali prodotti dai genertori elettronici , ma anche materiale
di origine concreta come la voce di un

adolescente. L'intento è quello di realizzare un'unione organica di suoni concreti e suoni sintetici.
La novità principale di Gesang consiste nella concezione spaziale del suono e del suo movimento.
Mediante la distribuzioneu più canali si sostituisce lo spazio al tempo Gesang è inoltre la prima di
una lunga serie di composizioni che esplorano ogni possibile impiego della voce umana unitamente
ai mezzi elettronici. Poichè potevano contare su apparecchiature di maggior versabilità i
compositori che operarono nello Studio di Milano sperimentarono tecniche di manipolazione
elettronica complesse. Berio realizzò Thema considerato il suo primo capolavoro (utilizza musica
concreta sulla scia di Stockhausen) --> attraverso una manipolazione, la voce umana viene distorta e
sovrapposta due volte su se stessa. Singole frasi , parole, talvolta fonemi isolati vengono svilupati
musicalmente , assumendo così un ruolo più importante. Scambi, Pousseur introdusse in un
composizione elettronica per la prima volta l'alea controllata. Nel '58 durante un soggiorno in Italia,
Cage realizzò l'Aria per mezzosprano con Fontana mix , che si basa sulla fusione del canto non
sense in più lingue con rumori di fabbriche, strumenti, suoni elttronici . Negli anni '70 si arricchisce
ulteriormente lo strumentario elettronico per la manipolazione del suono sintetico fino
all'invenzione negli USA del musical synthesizer per opera di Robert Moog Il sintetizzatore viene
utilizzato nella musica elettronica sie per le esecuzioni dal vivo che nel lavoro al laboratorio.
Raggiunto ormai un grado di ampia versatilità, il sintetizzatore permette la trasformazione e
manipolazione dei suoni nel momento stesso in cui vengono emessi. Questo genere è denominato
live electronic music Alla prassi operativa del live electronic è legata la concezione di alcuni lavori
di Stockhausen degli anni successivi ome i suoi Hymnen, che sono senza dubbio una delle pietre
militari nella storia della musica elettronica. Stockhausen si serve di molteplici inni nazionali di
varie regioni del mondo ed è riuscito a realizzare la sovrapposizione di tre spazi armonici . Si crea
una sorta di magica ipnosi. Sul live electronic si basano anche alcuni lavori di Nono. Il materiale di
partenza è sempre composto di elementi eterogenei e preformati , ricavti da qualsiasi contesto. Nel
lavoro di Nono la voce assume particolare importanza. Lo spettatore è chiamato a seguire il suono, i
suoi movimenti , le sue trasformazioni, da una pluralità di fonti acustico-spaziali. Prometeo, opera
che mette utilizza strumenti tradizionali, voci cantate e live electronics In un'opera in cui non c'è più
l'immagine, rimane solo il canto, la materia sonora.

La musica occidentale degli ultimi trent'anni è caratterizzata da un pluralismo linguistico, con


nessuna prevaricazione di una corrente sull'altra. Alcuni scrivono una musica aperta, chiara e diretta
in modo che possa essere apprezzata da una larga fascia di pubblico, alcuni hanno abbandonato la
scrittura in campo elettronico Esigenza di molti compositori di stringere un rapporto più stretto con
le moderne forme di spettacolo, con i mass media e con tutti i generi che si affacciano sul mercato
musicale.

Luciano Berio: è tra i compoitori che hanno dimostrato la più ampia disponibilità ad accogliere, nei
lavori scritti sin dagli anni '60, materiali sonori di provenienza eterogenea scoprendo in ciascuno di
essi il potenziale nascosto e sempre ricomponendone, con

indiscutibile maestria, le antinomie stilistiche. Nella terza parte di Sinfonia per otto voci soliste e
orchestra, Berio fa uso di una moltitudine di frammenti musicali di parecchi secoli di musica. La
fertile creatività del compositore ligure si è espressa, forse nel modo migliore, nella serie di
quattordici Sequenze, composte tra il 1958 e il 1999, ciascuna dedicata ad un singolo strumento. La
musica delle Sequenze cerca di trasformare in modo radicale il mondo sonoro degli strumenti
convenzionali, reinventando un nuovo virtuosismo. All'interprete è chiesto di operare ad un
altissimo livello di virtuosismo tecnico e intellttuale. Il testo non appare mai nella sua completezza:
è segmentato nei suoi elementi più piccoli più grandi e in quelli intermedi. Non si ha mai una vera
opposizione fra parlato e canto Hanno recuperato in forma personalissima, materiali tradizionali,
figurano Penderecki e Kurtag.Il primo ha adottato uno stile eclettico che ha trovato piena
applicazione particolarmente in alcune monumentali forme oratoriali per coro e orchestra.
Caratteristica di Kurtag invece è di operare prevalentemente con organici cameristici per varie
combinazioni di voce e strumenti o anche di strumenti singoli. Egli si è inoltre ispirato a testi
letterari della letteratura unghrese e internazionale. Il suo linguaggio è estremamente essenziale e
tendente alla concisione aforistica. La sua essenzialità è arricchita dall'assimilazione di modi
espressivi di compositori antichi e moderni. Altro dato, la spiccata tendenza alla riconquista di
valori di alta cominucatività e di intensa espressività Nel corso degli anni '70 negli Usa nacque la
minimal music , che si sviluppò parallelamente alla minimal art, i cui esponenti usano per le loro
opere forme semplificate all'estremo , derivate dalla geometria elementare. Esponenti di questa
corrente sono La Monte Young, Terry Riley e Steve Reich. Influenze della filosofia orientale
Questa musica si presenta come un gioco "minimo" di variazioni: così lento che l'ascoltatore non
riesce a percepirle subito. L'effetto generale è quello di un movimento statico, fissità ipnotica.
Death chant di Young è uno dei primi lavori in questo stile. I procedimenti della minimal music
sono entrati anche nel repertorio di vari gruppi pop. La necessità di stabilire un contatto più
immediato con il pubblico è stata molto sentita da alcuni compoitori tedeschi dell'ultima
generazione i quali ritangono che novità non sia sempre sinonimo di complessità -->
neoromanticismo Il desiderio degli esponenti di questa corrente è quello di riprendere e aumentare
la funzione espressiva della musica: deve trasformarsi in qualcosa di supremamente soggettivo e per
recuoerare alla musica d'oggi un pubblico conservatore, ma acculturato, è necessario riallacciarsi
alla grande tradizione sinfonica tardo-romantica.

La musica colta contemporanea in Italia ha avuto un diffusione minima presso il pubblico


tradizionale. Proprio per questo è un fenomeno non molto finanziato rispetto ad altri Paesi. La
ricerca del suono , inteso come matrice squisitamente mutevole, costituisce il pincipale indirizzo
compositivo dei lavori più recenti di Aldo Clementi. Egli si è incentrato principalmente
sull'esplorazione delle più varie combinazioni timbriche continuamente fluttuanti e cangianti. Dà
rilievo a scrittura fittamente contrappuntistica Donatoni nei sui primi lavori si è ispirato allo
strutturalismo speculativo delle avanguardie di Darmstdt e successivamente ha sviluppato un
linguaggio fondato su strutture liberissime. Saggio significativo di questo tipo di scrittura
"pulviscolare" è Per orchestra . L'intento è

di scardinare il tradizionale concetto di "compositore-creatore": all'autore si nega ogni possibilità


creativa poichè l'atto del comporre null'altro può essere che n'esperenza negativa , un abbandono del
materiale. La musica non è destinata a provocare nessun tipo di sentimento

Sylvano Busotti si è sempre mosso in direzione inversa ripetto alla serialità postweberiana. I lavori
della prima fase della sua attività sono caratterizzati da una notazione grafica, solo in parte allusiva
alla notazione tradizionale . Nei suoi lavori teatrali è caratteristica la selezione di testi ermetici,
evocativi. La voce umana riveste un ruolo importantissimo. Ampiamente adoperati i metodi aleatori
di Kagel Giacomo Manzoni: adotta un linguaggio musicale che segue quello della seconda scuola
di Vienna . Estraneo ai procedimenti aleatori, è tra i compositori che si richiamano all'esperienza di
Nono per quanto riguarda la ricerca della materia sonora. Il processo compositivo deve essere
intimamente legato all'idea della ricerca e del nuovo. La sua ricerca è volta principalmente allo
sfruttamento delle molteplici possibilità della materia sonora. I maggiori risultati li ottenne con
composizioni sinfonico-corali

Azio Corghi e Salvatore Sciarrino sono interessati alla ricerca delle risorse timbriche