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Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
TEMA
5:
HISTORIA
DE
LA
MÚSICA
II
MÚSICA
DEL
CLASICISMO
(1.750
–
1.800)
CONTEXTO
HISTÓRICO
ARTÍSTICO
El
periodo
que
va
de
1750
a
1800
se
denomina
en
historia
de
la
Música
clasicismo
y
se
considera
el
periodo
de
los
tres
grandes
maestros
vieneses
Joseph
Haydn,
Wolfgang
Amadeus
Mozart
y
Ludwig
van
Beethoven,
motivados
por
la
perfección
de
la
forma,
el
profundo
contenido
humanista
y
el
ideal
de
belleza.
En
las
restantes
artes
a
este
periodo
se
le
considera
neoclasicismo,
pero
en
música
al
carecer
de
referencias
de
la
antigüedad
clásica
se
ha
venido
a
llamar
así.
En
esta
época
el
absolutismo
alcanza
su
mayor
fuerza
apoyada
por
la
nobleza
y
la
burguesía
capitalista,
la
aristocracia
se
intenta
cerrar
a
la
burguesía
y
mantener
sus
privilegios
pero
la
burguesía,
que
posee
el
poder
económico,
también
quiere
hacerse
con
el
político
lo
que
dará
como
resultado
una
agitación
política
y
de
ideas
sin
precedente.
Nace
un
nuevo
movimiento
cultural
La
Ilustración
que
tendrá
como
fin
acabar
con
el
antiguo
orden
y
dará
un
nuevo
concepto
de
dignidad
y
libertad
del
individuo
que
tendrá
como
resultado
la
Declaración
de
Independencia
de
los
Estados
Unidos
en
1776
y
la
Revolución
Francesa
de
1789
que
supondrá
el
fin
de
la
sociedad
estamental.
Los
Ilustrados
proponen:
1. Igualdad
de
todos
ante
la
ley.
2. Libertad
espiritual
e
ideológica.
3. El
conocimiento
como
vehículo
hacía
la
felicidad
del
individuo.
La
gran
obra
de
la
Ilustración
es
la
enciclopedia
que
cuenta
con
la
colaboración
de
los
científicos
y
pensadores
más
importantes
de
la
época.
Dirigida
por
Diderot
y
D’Alambert.
CARACTERÍSTICAS
El
eje
musical
se
desplaza
de
Italia
al
mundo
germánico
y
la
fuente
de
mecenazgo
cambia
progresivamente
de
La
Iglesia
y
las
cortes
reales
a
los
ingresos
obtenidos
por
las
representaciones
públicas
de
la
obra,
lo
que
da
cada
vez
más
libertad
al
compositor
liberado
del
yugo
del
señor.
En
general
la
música
clásica
es
objetiva,
contenida
en
emociones,
cortesana,
refinada
y
elegante.
• Formas:
Estructura
formal
clara.
Periodo
de
perfeccionamiento
de
las
grandes
formas.
- Formas
musicales
barrocas
que
desaparecen
gradualmente:
la
suite,
el
preludio,
el
concierto
grosso
o
la
tocata.
1
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
- Formas
que
sobreviven:
La
variación
y
el
Oratorio
- Formas
nuevas
o
renovadas:
forma
sonata,
sinfonía
en
su
concepción
clásica
y
el
concierto
con
solista
en
su
concepción
clásica
de
3
movimientos.
• Melodía:
claridad
y
simplicidad
melódicas
de
frases
claras
y
cortas.
Melodías
regulares
y
cuadradas
derivados
de
la
armonía.
• Textura:
Generalmente
melodía
acompañada
en
estilo
vertical
basado
en
la
armonía.
Desaparece
el
bajo
continuo
y
se
abandonan
las
técnicas
contrapuntísticas
o
son
utilizadas
de
manera
somera.
• Armonía:
Clara
y
no
cromatizante
que
aporta
mucha
sensación
tonal.
Ritmo
armónico
muy
racional
y
ordenado
con
las
modulaciones
relacionadas
con
los
cambios
de
sección
en
la
forma.
• Dinámica:
Atención
especial
a
los
contrates
de
dinámica
basados
en
lo
gradual
mediante
el
uso
del
crescendo
y
diminuendo.
• Ritmo:
Sencillo
y
regular.
En
los
acompañamientos
se
tiende
a
formulas
rítmicas
basadas
en
el
acorde.
• Instrumentación:
La
música
instrumental
adquiere
mucha
más
importancia.
Se
sientan
las
bases
de
la
moderna
orquestación
con
la
atención
a
timbre
y
color
de
cada
sección
orquestal
(cuerda,
viento
madera,
viento
metal).
Importancia
del
piano
como
instrumento
polifónico.
LA
MÚSICA
INSTRUMENTAL
Y
SUS
GRANDES
FORMAS
En
el
periodo
clásico
se
da
un
gran
desarrollo
de
la
música
instrumental
y
es
el
género
donde
más
resplandecen
las
características
del
clasicismo.
Además
de
la
música
de
orquesta
en
el
clasicismo
se
cultiva
mucho
la
música
de
cámara
escrita
para
agrupaciones
de
solistas
instrumentales
especialmente
cabe
destacar
el
cuarteto
de
cuerdas.
Paralelamente
se
van
a
perfeccionar
y
establecer
formas
musicales
que
sirven
para
la
organización
del
material
musical
y
para
diversas
formaciones
instrumentales.
La
forma
más
característica
y
usada
en
el
clasicismo
será
la
forma
sonata
clásica,
que
constituye
la
base
estructural
de
casi
toda
la
música
instrumental,
como
pueden
ser
la
sinfonía,
el
concierto
para
solista
y
orquesta,
la
música
de
cámara
(dúos,
tríos,
cuartetos…)
o
la
sonata
para
instrumentos
de
cuerda
o
piano.
Tal
y
como
vimos
en
el
tema
relacionado
con
las
Formas
Musicales,
este
sistema
de
organización
musical,
que
conocemos
como
Forma
Sonata,
se
basa
en
la
yuxtaposición
de
dos
bloques
temáticos
de
carácter
y
tonalidad
contrastantes
que
se
desarrollan
para
volver
a
ser
expuestos.
Aparte
de
esta
Forma
Sonata,
las
obras
se
suelen
organizar
mediante
un
plan
que
incluye
diversos
movimientos:
2
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
• 1er
Movimiento:
Forma
Sonata
http://www.youtube.com/watch?v=3cnv4G05vqY
• 2º
Movimiento:
Generalmente
de
tempo
más
pausado
y
con
un
carácter
más
lírico.
Puede
obedecer
a
las
siguientes
formas:
- Lied
(A-‐B-‐A)
- Tema
con
variaciones
http://www.youtube.com/watch?v=ijiHzheK4GQ
er
• 3
Movimiento:
Generalmente
de
carácter
más
ligero
a
modo
de
intermedio.
Puede
obedecer
a
las
siguientes
formas:
- Minué
(ver
tema
Formas
Musicales)
- Scherzo:
Es
una
palabra
italiana
que
significa
juguete
–
diversión.
De
forma
similar
al
Minueto
tipo
ternario
pero
de
líneas
más
libres,
de
carácter
más
rápido,
mayor
extensión
y
riqueza
de
escritura
especialmente
en
el
aspecto
contrapuntístico.
Beethoven
innovo
la
sonata
sustituyendo
el
Minueto
por
el
Scherzo
más
acorde
a
su
manera
de
sentir
la
música.
http://www.youtube.com/watch?v=JoFi39eEwk4
• 4º
Movimiento:
De
carácter
vivo.
Puede
obedecer
a
las
siguientes
formas:
- Forma
Sonata
- Rondó
http://www.youtube.com/watch?v=bd12MFmu15A
COMPOSITORES
REPRESENTATIVOS
Joseph
Haydn
(1732
–
1809)
Compositor
austriaco.
Es
uno
de
los
máximos
representantes
del
periodo
clasicista,
además
de
ser
conocido
como
el
«Padre
de
la
sinfonía»
y
el
«Padre
del
cuarteto
de
cuerda»
gracias
a
sus
importantes
contribuciones
a
ambos
géneros.
También
contribuyó
en
el
desarrollo
instrumental
del
trío
para
piano
y
en
la
evolución
de
la
forma
sonata.
A
excepción
de
sus
dos
oratorios
“La
creación”
de
1798
y
“Las
estaciones”
de
1801
y
sus
sonatas
para
teclado
(52)
de
1801
Haydn
debe
su
fama
a
sus
104
sinfonías
y
sus
83
cuartetos
de
cuerda.
3
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
Las
características
de
su
música
son:
- Melodías
sencillas
de
frases
cortas
y
claras.
- Armonía
transparente
con
un
fuerte
sentimiento
tonal.
- No
innova
formalmente
pero
perfecciona
la
sonata
y
sobre
todo
el
cuarteto
para
cuerda
- Maestría
en
la
técnica
del
desarrollo
temático.
El
segundo
tiempo
de
sus
obras
suelen
ser
tema
con
variaciones.
- Su
música
refleja
la
serenidad
y
proporción
clásicas.
Wolfgang
Amadeus
Mozart
(1756
–
1791)
Compositor
y
pianista
austriaco,
maestro
del
Clasicismo,
considerado
como
uno
de
los
músicos
más
influyentes
y
destacados
de
la
historia.
La
obra
mozartiana
abarca
todos
los
géneros
musicales
de
su
época
y
alcanza
más
de
seiscientas
creaciones,
en
su
mayoría
reconocidas
como
obras
maestras
de
la
música
sinfónica,
concertante,
de
cámara,
para
piano,
operística
y
coral,
logrando
una
popularidad
y
difusión
universales.
Tras
una
infancia
de
niño
prodigio
de
giras
por
todo
Europa
en
1782
(27
años)
se
traslada
a
Viena
y
es
donde
tendrá
su
periodo
más
fructífero.
Pero
tras
un
periodo
de
fuertes
penurias
económicas
muere
en
1791
en
la
pobreza.
Características
de
su
obra:
1. Proporción
y
mesura
clásica
en
lo
melódico.
2. Maestría
en
el
manejo
de
la
armonía
y
la
forma.
3. En
instrumentación
amplia
y
perfecciona
las
posibilidades
sonoras
y
virtuosísticas
de
los
instrumentos.
Su
producción
cuenta
con:
- 22
Sonatas
para
teclado
- 45
para
violín
y
piano
- 29
conciertos
para
piano
y
orquesta
- 13
para
violín
y
orquesta
- 49
Sinfonías
caracterizadas
por
su
riqueza
de
ideas
y
amplia
sonoridad
entre
las
que
cabe
destacar
las
dos
últimas,
la
nº
40,
en
Sol
menor,
y
la
nº
41,
“Jupiter”,
en
Re
Mayor.
- 31
Cuartetos
de
cuerda
que
son
modelos
de
melodismo
y
forma.
- 19
Misas
- Rica
producción
operística,
siendo
Mozart
el
consagrador
de
la
ópera
alemana.
En
sus
óperas
serias
podemos
reseñar
“Idomeneo”
o
“La
clemenza
de
Tito”
con
temas
populares
“La
flauta
mágica”
y
entre
las
óperas
cómicas
“Las
bodas
de
Figaro”
o
“Cosi
fan
Tutte”.
Mozart
incorporaba
elementos
de
la
ópera
bufa
en
la
ópera
seria
lo
que
hace
que
algunas
de
sus
óperas
puedan
ser
incluidas
en
ambos
géneros
como
“Don
Giovanni”.
4
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
Ludwig
van
Beethoven
(1770
–
1827)
Compositor,
director
de
orquesta
y
pianista
alemán.
Su
legado
musical
abarca,
cronológicamente,
desde
el
período
clásico
hasta
inicios
del
romanticismo
musical.
Considerado
el
último
gran
representante
del
clasicismo
vienés,
Beethoven
consiguió
hacer
trascender
la
música
del
romanticismo,
influyendo
en
diversidad
de
obras
musicales
del
siglo
XIX.
Su
arte
se
expresó
en
numerosos
géneros
y
aunque
las
sinfonías
fueron
la
fuente
principal
de
su
popularidad
internacional,
su
impacto
resultó
ser
principalmente
significativo
en
sus
obras
para
piano
y
música
de
cámara.
Característica
de
su
obra:
1. Innovador
formal.
Se
libera
del
formulismo
clásico
ampliando
las
formas
ya
existentes
e
incluyendo
cosas
como
el
Scherzo.
2. Escritura
clara
y
firme
esencialmente
armónica
y
ocasionalmente
contrapuntística.
3. Maestría
total
del
desarrollo
temático.
Su
producción
incluye
los
géneros
pianísticos
(32
para
piano),
de
cámara
(16
cuartetos
de
cuerda,
7
tríos,
10
sonatas
para
violín
y
piano),
vocal
(lieder
y
una
ópera:
Fidelio),
concertante
(5
conciertos
para
piano
y
orquesta,
1
para
violín
y
orquesta)
y
orquestal
(9
sinfonías,
oberturas,
etc.),
entre
las
que
se
encuentra
la
Quinta
Sinfonía,
en
do
menor
y
la
Novena
Sinfonía,
en
re
menor
(cuyo
cuarto
movimiento
está
basado
en
la
Oda
a
la
Alegría,
escrita
por
Friedrich
von
Schiller
en
1785).
AUDICIONES
Haydn
–
Sinfonía
nº
94,
en
Sol
Mayor,
“Sorpresa”,
2º
movimiento
–
Andante.
http://www.youtube.com/watch?v=Uq78fAgTevs
Mozart
–
Sinfonía
nº
40,
en
sol
menor,
1er
movimiento
–
Molto
Allegro
http://www.youtube.com/watch?v=sZHKJQdB_Ng
Mozart
–
Concierto
para
Piano
y
Orquesta
nº
21,
en
Do
Mayor,
2º
movimiento
–
Andante
(Barenboim)
http://www.youtube.com/watch?v=2boBqrQdAas
Beethoven
–
Septimino,
Op.
20
–
Tempo
di
menuetto
http://www.youtube.com/watch?v=5kjHOYbib2g&feature=fvwrel
Beethoven
–
Sinfonía
nº
9,
en
re
menor,
Op.
125
“Coral”
(Bernstein)
http://www.youtube.com/watch?v=t4N5-‐OALObk&feature=related
5
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
MÚSICA
DEL
ROMANTICISMO
(1.800
–
1.900)
CONTEXTO
HISTÓRICO
ARTÍSTICO
Periodo
artístico
que
abarca
todo
el
siglo
XIX.
Surge
como
una
reacción
revolucionaria
contra
el
racionalismo
y
el
Clasicismo,
confiriendo
prioridad
a
los
sentimientos.
Su
característica
fundamental
es
la
ruptura
con
la
tradición
clasicista
basada
en
un
conjunto
de
reglas
estereotipadas.
La
libertad
auténtica
es
su
búsqueda
constante,
por
eso
es
que
su
rasgo
revolucionario
es
incuestionable.
Debido
a
que
el
romanticismo
es
una
manera
de
sentir
y
concebir
la
naturaleza,
la
vida
y
al
hombre
se
presenta
de
manera
distinta
y
particular
en
cada
país;
incluso
dentro
de
una
misma
nación
se
manifiestan
distintas
tendencias
proyectándose
también
en
todas
las
artes.
También
es
la
época
de
la
búsqueda
del
espíritu
nacionalista
donde
se
conforman
muchos
de
los
países
tal
y
como
los
conocemos
hoy.
El
nombre
proviene
del
vocablo
francés
romance
utilizado
en
la
ilustración
como
contrario
de
lo
racional,
es
decir,
lo
expresivo
y
lo
sentimental.
El
romanticismo
es
en
un
principio
el
movimiento
literario
alemán
que
se
da
entre
1800-‐1830
que
se
extenderá
también
a
la
música
y
por
extensión
a
todo
el
s.
XIX.
El
fin
del
romanticismo
es
diferente
en
cada
país
pero
generalmente
se
asocia
con
el
inicio
de
la
1º
guerra
mundial.
CARACTERÍSTICAS
Las
principales
características
del
romanticismo
musical
son:
1. GÉNEROS
o
FORMAS:
Recoge
las
formas
del
clasicismo
ampliándolas
y
transformándolas.
Entre
los
géneros
nuevos
tenemos
el
lied
y
el
poema
sinfónico.
Se
componen
formas
historicistas
que
recogen
del
pasado
formas
como
la
suite
o
el
preludio
pero
adaptándolas
a
un
nuevo
espíritu
más
poético.
2. ARMONÍA:
Ampliada
y
complicada
por
el
uso
de
cromatismo.
3. MELODÍA:
Predomina
la
melodía
como
vehículo
de
expresión.
4. RITMO:
Mayor
riqueza
rítmica,
aparecen
ritmos
personales
característicos
del
lenguaje
cada
compositor,
como
pueden
ser
las
síncopas
en
Beethoven,
o
los
puntillos
de
Schumann.
5. TIMBRE:
Hay
una
gran
atracción
por
las
grandes
masas
sonoras
a
las
que
se
les
une
un
importante
cuerpo
de
instrumentos
de
viento
metal.
6
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
EL
LIED
ROMANTICO
La
canción
popular
ocupa
un
lugar
fundamental
en
la
música
del
siglo
XIX
ya
que
se
veía
en
ella
el
elemento
primitivo
y
nacional.
Hacía
1800
existe
ya
una
amplia
tradición
de
canciones
de
concierto.
Pero
es
ahora
cuando
surge
el
llamado
lied
que
es
una
canción
estrófica
sencilla
en
la
que
no
resulta
tan
decisiva
la
calidad
del
poema
sino
la
fantasía
y
capacidad
expresiva
de
compositor.
El
principal
exponente
de
este
género
es
Franz
Schubert
da
una
nueva
interpretación
a
los
lieder
ampliándola
con
el
sentimiento
romántico.
Compuso
más
de
600
lieder.
LA
MÚSICA
DE
PIANO
DEL
SIGLO
XIX
El
piano
como
instrumento
alcanza
en
el
siglo
XIX
su
máxima
popularidad
y
se
crea
para
él
una
obra
variada
y
una
producción
abundante.
El
piano
se
adecúa
perfectamente
a
la
interpretación
privada
y
a
la
expresión
individual
del
sentimiento
con
lo
que
se
convierte
en
el
vehículo
perfecto
para
las
emociones
románticas.
Se
continúan
empleando
las
formas
como
sonata,
fantasía,
rondó,
pero
se
crea
un
nuevo
género
de
pequeña
pieza
lírica
para
piano.
Esta
tipo
de
pieza
genera
muchos
adeptos
y
casi
todos
los
compositores
del
siglo
componen
obras
de
este
tipo
como
Schubert,
Mendelssohn,
Schumann,
Chopin
o
Liszt.
LA
MÚSICA
DE
CÁMARA
DEL
ROMANTICISMO
La
música
de
cámara
adquiere
un
importarte
papel
en
la
vida
culturas
de
la
burguesía
en
conciertos
privados
y
audiciones
públicas.
• Música
de
cámara
para
instrumentos
de
cuerda.
La
técnica
del
violín
evolucionó
mucho
gracias
a
Paganini
cuyo
virtuosismo
fue
imitado
por
los
demás
autores.
Niccolò
Paganini
estaba
considerado
como
la
encarnación
de
la
idea
de
artista
romántico
con
una
imagen
misteriosa
y
una
técnica
deslumbrante.
Entre
sus
obras
podemos
destacar:
24
Caprichos
para
violín
solo.
El
cuarteto
de
cuerda
es
un
género
más
ligado
a
la
tradición
clásica
y
aunque
es
abordado
por
los
compositores
no
tendrá
la
misma
importancia.
• Música
de
cámara
con
piano.
Ocupa
el
papel
preponderante
que
el
cuarteto
ocupaba
en
el
clasicismo.
Las
agrupaciones
más
comunes
son
el
trío
con
piano
(violín,
violonchelo
y
piano)
y
el
cuarteto
con
piano
(violín,
viola,
violonchelo
y
piano).
Casi
todos
los
autores
que
componen
música
para
piano
componen
también
para
este
género
destacan
Mendelssohn,
Brahms
y
Schubert
cuya
obra
más
destacada
es
el
quinteto
en
La
mayor
“La
Trucha”
para
violín,
viola,
violonchelo,
contrabajo
y
piano.
7
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
COMPOSITORES
REPRESENTATIVOS
Niccolò
Paganini
(1782-‐1840)
Este
violinista
italiano
fue
conocido
como
el
primer
gran
virtuoso
y
es
uno
de
los
pilares
de
la
técnica
violinística
contemporánea.
Fue
uno
de
los
primeros
concertistas
en
ofrecer
un
“tour”
por
Europa,
debido
a
lo
exitosos
de
sus
conciertos
en
Italia.
Compuso
5
conciertos
para
violín
y
orquesta,
además
de
los
24
caprichos
para
violín
solo.
Debido
a
sus
dotes
fuera
de
lo
común
para
la
época,
se
rumoreaba
que
hizo
un
pacto
con
el
diablo.
Tanto
es
así
que
fue
prohibido
su
entierro
en
un
cementerio
se
demoró
casi
26
años.
Franz
Schubert
(1797-‐1828)
Nacido
en
el
seno
de
una
familia
humilde,
es
mundialmente
conocido
por
sus
lieder
(canciones)
con
textos
de
importantes
poetas
alemanes
como
Goethe,
Shiller,
etc.
También
contribuyó
al
crecimiento
del
piano,
componiendo
19
sonatas,
además
de
obras
más
pequeñas
como
son
los
impromptus
o
los
momentos
musicales
y
numerosas
piezas
para
piano
a
4
manos,
muy
célebres
en
su
época.
Frédéric
Chopin
(1810-‐1849)
Compositor
y
virtuoso
pianista
polaco
considerado
como
uno
de
los
más
importantes
de
la
historia.
Su
música
se
caracteriza
por
la
perfecta
técnica,
su
refinamiento
estilístico
y
su
elaboración
armónica.
Compone
obras
para
piano
de
pequeño
formato
como
son
mazurkas,
polonesas,
valses,
nocturnos,
baladas
o
estudios.
Estos
últimos
son
una
inestimable
aportación
para
el
piano.
Como
investigador
de
tal
instrumento,
renovó
profundamente
su
técnica.
Johannes
Brahms
(1833-‐1897)
Continuador
directo
de
Beethoven
en
algunos
aspectos
tales
como
su
abundante
temática
y
una
magnífica
instrumentación.
Ejemplos
de
ello
son
sus
4
sinfonías,
el
doble
concierto
para
violín,
violonchelo
y
orquesta
y
las
danzas
húngaras.
De
modo
análogo,
su
obra
pianística
participa
de
esa
grandilocuencia
de
las
ideas
musicales
que
caracterizan
su
estilo.
Prueba
de
ello
son
sus
2
conciertos
para
piano
y
orquesta,
así
como
3
sonatas
y
un
quinteto
para
piano
y
cuarteto
de
cuerdas.
8
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
Franz
Liszt
(1811-‐1886)
Nacido
en
Hungría,
fue
conocido
por
llevar
al
piano
a
un
enorme
de
virtuosismo
comparable
al
de
Paganini
con
el
violín.
Escribió
obras
para
piano
como
Años
de
peregrinaje
que
es
un
conjunto
de
tres
suites
para
piano
que
abarca
desde
el
registro
más
íntimo
hasta
el
más
virtuoso.
Viendo
las
dificultades
que
entrañaba
continuar
el
camino
del
sinfonismo
impuesto
por
Beethoven,
decidió
ampliar
el
campo
de
expresión
sinfónica
con
la
creación
de
un
nuevo
género:
el
poema
sinfónico.
Giuseppe
Verdi
(1813-‐1901)
El
más
notable
compositor
de
ópera.
Fue
autor
de
algunos
de
los
títulos
más
populares
del
repertorio
lírico,
como
los
que
componen
su
trilogía
popular
o
romántica:
Rigoletto,
La
Traviata
e
Il
Trovatore
y
las
obras
maestras
de
la
madurez
como
Aida,
Don
Carlo,
Otello
y
Falstaff.
Giaccomo
Puccini
(1858-‐1924)
Su
estilo
combina
influencias
de
drama
wagneriano,
la
gran
ópera
francesa
y
la
herencia
italiana.
De
su
producción
destaca:
La
bohème,
con
su
concepción
burguesa
y
sentimental
de
la
vida
del
artista
bohemio,
y
Madama
Butterfly
donde
recrea
y
capta
ambientes
exóticos.
AUDICIONES
Paganini
–
Capricho
nº
24
para
violín
solo
http://www.youtube.com/watch?v=PZ307sM0t-‐0
Schubert
–
Quinteto
“La
Trucha”
http://www.youtube.com/watch?v=ScjtTYpBBFA
Chopin
–
Vals
nº
1
http://www.youtube.com/watch?v=LG-‐E4PVGQSI
Brahms
–
Danza
Húngara
nº
5
http://www.youtube.com/watch?v=_94fvVNOTT8
Liszt
–
Rapsodia
Húngara
nº
2
http://www.youtube.com/watch?v=jYO9gTmCJTE
Verdi
–
La
Traviata
http://www.youtube.com/watch?v=JDriBd2dCbo
Puccini
–
Madame
Butterfly
http://www.youtube.com/watch?v=1woH96ROG-‐c
9
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
SIGLO
XX
(1.900
–
Actualidad)
CONTEXTO
HISTÓRICO
ARTÍSTICO
Se
puede
decir
que
no
llega
a
alcanzar
conciencia
histórica
propia
hasta
la
primera
guerra
mundial
(1914-‐18)
ya
que
la
sociedad
europea
de
la
primera
década
del
siglo
XX
está
mucho
más
próxima
a
las
formas
de
vida
y
mentalidad
decimonónicas.
La
primera
guerra
mundial,
que
dirimió
básicamente
intereses
en
las
diferentes
potencias
europeas,
dejó
clara
la
decadencia
de
la
concepción
humanística
del
mundo.
Simultáneamente
en
1917
se
produce
la
revolución
rusa
que
acaba
con
las
estructuras
de
poder
feudal
que
aún
subsistían,
pero
que
derivó
en
una
forma
de
gobierno
fuertemente
autoritaria.
Tras
la
primera
guerra
mundial
la
agitación
social
estaba
servida
por
un
lado
las
clases
burguesas
acomodadas
y
los
intereses
capitalistas
y
por
otro
lado
el
proletariado
que,
sometido
a
condiciones
de
explotación,
empezaba
a
reivindicar
sus
derechos.
En
este
clima
de
tensión
surgen
los
diversos
totalitarios.
Pero
semejante
ideologías
choca
directamente
con
la
burguesía
liberal
y
la
oposición
popular.
Tras
la
segunda
guerra
mundial
(1939-‐1945)
y
al
derrota
del
nazismo
y
sus
aliados
el
mundo
quedo
sometido
a
la
influencia
de
las
dos
grandes
potencias
vencedoras
la
Unión
Soviética
y
Estados
Unidos
de
América
incluso
Alemania
quedo
dividida
en
dos
partes
por
un
muro.
Las
tensión
entre
el
muro
capitalista
y
el
comunista
provocaron
fuertes
conflictos
políticos
en
lo
que
se
ha
venido
a
llamar
guerra
fría
y
que
puso
al
mundo
al
borde
de
una
guerra
nuclear.
En
1989
(9-‐10
de
noviembre)
cayó
el
muro
de
Berlín
y
en
1991
la
Unión
Soviética
fue
disuelta.
En
Arte
se
van
a
dar
una
variedad
de
estilos
no
vista
con
anterioridad
en
las
que
el
artista,
sometido
a
mil
contradicciones
y
testigo
de
un
vertiginoso
desarrollo
científico
y
tecnológico
formula
una
visión
del
mundo
que
le
rodea.
De
este
modo
nacen
antes
de
la
primera
guerra
mundial
el
cubismo
(Picasso,
Braque)
la
abstracción
(Mondrian)
el
expresionismo
(Kandinsky).
Tras
la
guerra
se
acelera
el
proceso
de
revisión
de
formas
tradicionales
de
expresión
artística
y
nace
el
Dadísmo,
el
surrealismo
(Erns,
Dalí).
Ya
después
de
la
segunda
guerra
mundial
nacerán
estilos
como
el
Pop
art
o
el
expresionismo
abstracto
(Muy
relacionado
con
la
guerra
fría)
(Jackson
Pollock
o
Mark
Rothko)
o
el
minimalismo.
Por
otro
lado
hay
que
señalar
el
nacimiento
de
un
nuevo
arte
El
cine
o
Séptimo
arte
considerado
por
muchos
como
el
arte
más
característico
del
siglo
XX.
En
música
también
se
va
a
reflejar
esta
pluralidad
de
espirito
y
de
la
esencia
de
su
época.
Hasta
1950
no
encontramos
con
el
impresionismo
que
aunque
comenzó
a
finales
del
siglo
XIX
traspasa
hasta
el
XX,
el
expresionismo
el
futurismo
y
el
neoclasicismo.
Posteriormente
a
1950
se
dan
el
serialismo
integral,
la
música
aleatoria,
la
música
electrónica
y
el
minimalismo
además
de
compositores
extremadamente
personales
que
crean
su
propios
lenguajes
y
son
difíciles
de
encasillar
como
son
Olivier
Messiaen
o
Henry
Dutilleux.
También
esta
segunda
mitad
de
siglo
se
caracteriza
por
la
música
Jazz
que
influenció
a
compositores
como
Ravel
o
Stravinsky
y
la
música
popular
o
pop-‐rock.
10
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
CARACTERÍSTICAS
Aunque
es
muy
complicado
y
arriesgado
mencionar
cualidades
generales
de
la
música
del
siglo
XX
dada
la
multiplicidad
de
estilos,
si
que
caben
señalar
algunas
características
que,
aunque
no
propias
de
todos
los
estilos
si
son
generalidades
de
este
siglo:
1. Nueva
estética:
los
antiguos
principios
de
la
estética
son
desmentidos
radicalmente
lo
que
da
como
resultado
que
la
música
no
tiene
que
ser
necesariamente
bella
o
armoniosa
sino
autentica.
La
finalidad
no
es
el
el
placer
sino
la
comunicación.
2. Audición:
La
música
del
siglo
XX
se
aísla
de
la
sociedad
al
presentar
unas
grandes
exigencias
de
audición
para
el
oyente
separándose
de
ese
modo
de
la
sociedad
de
consumo.
3. Nueva
expresión:
La
ampliación
del
concepto
de
música
y
las
nuevas
cualidades
formales
evitando
patrones
formales
y
lo
que
eran
hasta
ese
momento
condiciones
indispensables
como
la
melodía
o
el
ritmo
organizado.
4. Folclore:
El
interés
por
las
canciones
y
danzas
populares
aumenta,
pero
desde
una
perspectiva
más
etnológica,
intentando
acercar
la
música
culta
al
folclore
más
puro
o
llegando
a
imitarlo
y
no
como
mero
intento
de
nacionalismo
musical.
IMPRESIONISMO
A
partir
de
un
cuadro
de
Monet,
titulado
Impresión,
los
críticos
crearon
el
adjetivo
“impresionista”
para
las
obras
que
buscaban
en
primer
lugar
el
estudio
de
la
luz
y
no
la
artificial
exactitud
de
la
línea.
Del
mismo
modo
que
Monet,
Renoir
y
Degas
rompen
la
línea
y
juegan
con
los
efectos
de
luz,
en
música
se
hace
más
aérea
la
línea
melódica
y
menos
rotunda
la
armonía.
Claude
Debussy
(1862
–
1918)
Estudió
en
el
Conservatorio
de
París
y
en
1884
gana
el
Premio
de
Roma
con
su
cantata
“El
hijo
pródigo”.
Entre
en
contacto
con
la
poesía
simbolista
y
música
muchos
de
los
poemas
de
sus
coetáneos.
Su
nuevo
estilo,
libre
de
reglas
escolásticas
se
perfila
a
partir
de
1893.
Sus
obras
orquestales
más
representativas
son
“Preludio
a
la
siesta
de
un
fauno”
(1893),
“tres
nocturnos
para
orquesta”
(Nubes,
fiestas
y
sirenas),
“El
Mar”
(1905)
y
la
ópera
“Pélleas
et
Melisande”
(1902).
Su
producción
pianística
es
enorme
y
de
gran
importancia
al
ser
el
transformador
de
la
técnica
del
piano
dando
prioridad
a
aspectos
sonoros
y
acústicos
al
virtuosismo.
Entre
sus
obras
pianísticas
destacan
los
dos
libros
de
Preludios
(1910
–
1913).
11
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
EXPRESIONISMO
Movimiento
musical
que
tiene
sus
orígenes
en
Austria
y
Alemania
que
pretende
una
interpretación
subjetiva
de
la
realidad
y
que
tiene
como
rasgos
principales
trastocar
los
esquemas
de
la
música
romántica.
Su
principal
exponente
es:
Arnold
Schönberg
(1874-‐1951)
Compositor
austriaco
principal
exponente
del
expresionismo
cuya
estética
se
dirige
contra
la
sociedad
burguesa
y
su
superfialidad
y
doble
moral
en
pro
de
una
veracidad.
Podemos
distinguir
tres
etapas
en
su
creación
musical,
que
lo
llevan
a
un
período
atonal,
donde
el
excesivo
cromatismo
y
la
complejidad
armónica
de
sus
obras
le
llevan
como
necesidad
expresiva
al
atonalismo;
posteriormente
llegó
a
la
conclusión
de
que
había
que
organizar
el
material
sonoro,
dando
lugar
al
sistema
dodecafónico,
también
conocido
como
serialismo,
que
se
basa
en
la
realización
de
una
serie
de
las
12
notas
cromáticas
que
se
utiliza
de
forma
ordenada
durante
toda
la
obra.
NEOCLASICISMO
En
torno
a
1920
(periodo
de
entreguerras)
surge
el
neoclasicismo
como
reacción
al
expresionismo
e
impresionismo,
buscando
la
claridad
y
despojarse
de
la
expresión
subjetiva
y
la
profundidad
de
significado.
Sirve
de
estímulo
la
nueva
música
que
llega
de
América:
el
music-‐hall
y
el
jazz.
Este
estilo
se
siente
familiarizado
con
el
siglo
XVIII
retomando
formas
típicas
del
barroca
y
pre-‐clasicismo
(Suite,
concierto,
sinfonía)
pero
como
meros
conceptos
y
despojados
de
su
contenido.
Es
una
música
de
trasfondo
tonal
con
una
tendencia
al
formalismo
y
estructuralismo.
• Rusia:
Con
la
Revolución
Rusa
de
1917
surgió
el
llamado
realismo
soviético
que
según
la
doctrina
comunista
debía
buscar
la
expresión
del
sentimiento
con
los
medios
del
neoclasicismo
(finalidad
=
arte
entendible
por
el
pueblo).
Destacan
dos
grandes
compositores:
12
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
Geroge
Gershwin
• España:
El
neoclasicismo
se
orienta
más
hacía
el
pasado
glorioso
de
la
música
española
del
renacimiento
los
principales
representantes
son
Manuel
de
Falla
(1876-‐1946)
con
sus
obras
“El
Amor
Brujo”,
“Concierto
para
clave”
y
“La
Atlantida”
(inconclusa),
y
Joaquin
Rodrigo
(1901-‐1999)
con
su
famosísimo
“Concierto
de
Aranjuez”
de
1940.
Manuel
de
Falla
Joaquín
Rodrigo
13
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
OTRAS
TENDENCIAS
Hay
dos
compositores
del
siglo
XX
que
por
su
personal
trayectoria
no
se
pueden
incluir
en
una
sola
tendencia
en
concreto:
Béla
Bartók
(1881-‐1945)
Nacido
en
Hungría
hizo
un
trabajo
de
campo
estudiando
el
folclore
húngaro
que
había
logrado
mantenerse
intacto
de
la
influencia
occidental.
La
creación
musical
de
Bartók
está
estrechamente
vinculada
a
este
folclore
que
influyó
tanto
en
la
superación
de
la
tonalidad,
como
en
el
ritmo,
la
melodía
y
el
timbre
de
sus
obras.
Sus
obras
más
importantes
son
los
cuadernos
para
piano
“Microkosmos”
y
los
Cuartetos
de
Cuerda.
14
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
Pierre
Boulez
John
Cage
Música
experimental
Se
puede
definir
como
acciones
musicales
que,
a
menudo,
se
interrelaciones
con
el
teatro,
la
danza,
la
plástica
u
otras
artes
y
cuyo
resultado
no
es
previsible
ya
que
se
deja
gran
espacio
para
que
intervenga
el
azar.
Su
principal
representante
es
John
Cage
(1912-‐1992)
que
con
una
postura
radicalmente
vanguardista
rechaza
la
tradición,
la
obra
de
arte
cerrada
y
la
expresión
personal
o
la
subjetividad.
Cage
inventa
el
piano
preparado
y
su
forma
de
componer
basada
en
el
azar
supone
un
revulsivo
para
la
estricta
música
serial.
De
los
principios
que
establece
Cage
nacen
el
minimalismo,
influenciado
sobre
todo
por
la
música
oriental
y
la
música
aleatoria
en
la
que
se
deja
al
intérprete
una
gran
libertad
en
distintos
parámetros
que
pueden
andar
desde
el
tempo
hasta
la
altura
concreta
de
los
sonidos
etc.
Música
concreta,
electrónica
y
por
ordenador
La
música
concreta
se
produce
hacia
1948
y
es
música
que
utiliza
sonidos
concretos
grabados
en
cinta
magnetofónica
como
cantos
de
pájaros,
ruidos
de
cacerolas
etc.
y
reelaborados
en
estudio
mediante
corte,
aceleración
o
deceleración
de
la
velocidad
de
reproducción
etc.
La
música
electrónica
surge
hacia
1950
y
comprende
la
música
cuyos
sonidos
son
generados
electrónicamente
mediante
sintetizadores.
El
primer
estudio
de
Música
electrónica
se
fundó
en
Colonia
en
1951.
Podemos
diferenciar
3
fases
en
la
música
electrónica:
1. A
partir
de
1951
se
da
la
música
electrónica
pura
en
el
que
el
compositor
fabrica
los
sonidos,
los
transforma
y
los
sincroniza
en
la
cinta
magnética.
No
necesario
el
interprete
ni
la
partitura.
2. A
partir
de
1956.
La
música
electrónica
se
combina.
No
solo
se
utilizan
sonidos
creados
electrónicamente
sino
sonidos
grabados.
3.
A
partir
de
1959
la
música
electrónica
grabada
con
anterioridad
combinado
con
instrumentos
acústicos
y
por
supuesto
retorno
a
la
necesidad
de
intérpretes.
También
llamada
música
mixta
ya
que
combina
la
acústica
y
la
electrónica.
La
música
por
ordenador
abre
un
mundo
de
posibilidades
al
compositor
desde
cálculos
estadísticos
hasta
la
programación
para
la
creación
de
piezas
enteras.
El
control
de
la
15
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
espacialización
con
la
que
el
sonido
se
puede
dirigir
a
unos
altavoces
u
otros
o
crear
efectos
acústicos.
El
principal
representante
de
estas
músicas
es
Karlheinz
Stockhausen
(1928-‐2007).
Karlheinz
Stockhausen
La
Música
cinematográfica
Por
música
cinematográfica
se
entiende
toda
música
compuesta
para
una
película.
Se
tiende
a
pensar
que
no
hay
ninguna
diferencia
entre
el
término
música
cinematográfica
y
el
de
banda
sonora
pero
lo
cierto
es
que
la
música
es
parte
de
la
banda
de
imagen
sonora,
que
funciona
en
paralelo
a
la
banda
de
imagen
visual,
y
lleva
además
las
voces
y
los
efectos
de
sonido.
Durante
la
primera
época
desde
1900
hasta
1930
el
cine
era
mudo
y
generalmente
se
interpretaban
piezas
musicales
con
un
piano
o
incluso
una
orquesta
intentando
sincronizar
las
emociones
de
la
película
a
las
cualidades
expresivas
de
la
música
o
como
simple
música
de
fondo.
Con
el
nacimiento
del
cine
sonoro,
“El
cantante
de
Jazz”
de
1927,
cada
película
tiene
su
banda
sonora
propia.
Los
primeros
intentos
de
música
incidental,
es
decir,
de
música
de
fondo
que
crea
un
clima
propicio
y
de
acuerdo
con
la
imagen,
corren
a
cuenta
del
compositor
Max
Steiner
en
1933
con
la
música
para
King
Kong.
A
partir
de
ese
momento
se
impone
el
estilo
romántico
o
postromántico
vienés
con
la
música
del
propio
Steiner
y
Erich
Korngold
con
clásicos
como
“Lo
que
el
viento
se
llevó”
o
“El
Halcón
del
Mar”.
En
1941
Bernard
Hermann
compuso
la
música
para
“Ciudadano
Kane”
de
Orson
welles
con
un
nuevo
estilo
musical
más
concreto
que
busca
los
momentos
determinados
en
los
que
hacer
aparición
y
sin
la
grandilocuencia
romántica
de
los
anteriores
compositores.
Herrmann
llegaría
a
ser
el
más
importante
compositor
de
la
historia
del
cine,
con
títulos
como
“Vertigo”
o
“Psicosis”
de
Alfred
Hitchcock
y
“Taxi
Driver”
de
Martin
Scorsese.
Su
estilo
marcó
una
nueva
manera
de
hacer
música
para
el
cine
que
continuaron
compositores
Elmer
Bernstein
o
Nino
Rota
(El
Padrino).
16
Educación
Musical
II
GRADO
EN
EDUCACIÓN
PRIMARIA
Curso
2013-‐2014
En
los
años
60
encontramos
la
figura
de
Henry
Mancini
que
con
su
famosa
ligereza
elabora
una
música
influenciada
por
el
pop
y
el
jazz
para
películas
como
“La
Pantera
Rosa”
o
“Desayuno
con
Diamantes”.
A
finales
de
los
años
70
vuelve
a
resurgir
la
música
para
cine
con
grandes
orquestas
pero
ahora
enriquecida
con
otros
estilos
que
van
desde
la
música
impresionista,
hasta
los
diferentes
estilos
de
la
música
del
siglo
XX
o
el
Jazz
siguiendo
las
exigencias
de
la
imagen.
Compositores
como
John
Williams,
Alex
North
o
Jerry
Goldsmith
ilustran
películas
de
muy
diverso
género
como
la
ciencia
ficción,
la
aventura
o
el
drama.
Especial
atención
merece
la
figura
de
John
Williams
por
la
influencia
que
ejerce
en
la
música
en
este
medio
con
películas
como
Superman,
La
guerra
de
las
galaxias,
La
lista
de
Schindler.
AUDICIONES
C.
Debussy
–
Clair
de
Lune
http://www.youtube.com/watch?v=7_BtiHVE7Og
M.
Ravel
-‐
Bolero
http://www.youtube.com/watch?v=gy5Ve3338-‐E
S.
Prokofiev
–
Pedro
y
el
Lobo
http://www.youtube.com/watch?v=dYCeYAwRjgQ
C.
Orff
–
Carmina
Burana
http://www.youtube.com/watch?v=pjH7a25H_v8
G.
Gershwin
–
Rhapsody
in
Blue
http://www.youtube.com/watch?v=xxb7yNG0DGc
M.
Falla
–
Danza
Ritual
del
Fuego
(Alicia
de
Larrocha)
http://www.youtube.com/watch?v=JGyAVYQQMW8
B.
Bartok
–
Danzas
Populares
Rumanas
http://www.youtube.com/watch?v=XX-‐XJdnu1I4
I.
Stravinsky
–
El
Pájaro
de
Fuego
http://www.youtube.com/watch?v=5tGA6bpscj8
O.
Messiaen
–
Catalogue
d’Oiseaux
http://www.youtube.com/watch?v=JE4vSviuoSw
P.
Boulez
-‐
Structures
http://www.youtube.com/watch?v=FIo15gWMheA
J.
Cage
–
4’33’’
http://www.youtube.com/watch?v=-‐nk50eES-‐0w
K.
Stockhausen
–
Hellikopter
Quartett
http://www.youtube.com/watch?v=13D1YY_BvWU
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