ASPECTOS BARROCO
El Barroco fue un período de la historia en la cultura Clasicismo es la denominación historiográfica de un
occidental originado por una nueva forma de concebir el
arte y que, partiendo desde diferentes contextos
CONCEPTO histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos
artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura,
música, ópera, danza, teatro, etc.
Se manifestó principalmente en la Europa occidental,
aunque debido al colonialismo también se dio en
numerosas colonias de las potencias europeas,
principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente,
abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII y se suele
situar entre el Manierismo y el Rococó.
La música barroca o música del Barroco es el estilo
ORIGEN musical europeo, relacionado con la época cultural
homónima, que abarca aproximadamente desde el
nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte
de Johann Sebastian Bach, en 1750.
Es uno de los estilos de la generalmente llamada música
clásica o culta europea, antecedido por la música del
Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo.
• Movimiento demandado y con tendencia al
infinito, con un lado emocional sobre lo racional.
Efectos visuales, decorativos en los escenarios.
• Polarización de la textura hacia las voces
CARACTERISTICAS extremas (aguda y grave).
• La presencia obligatoria del bajo continuo: junto
a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben
unas cifras que resumen la armonía de las voces
superiores.
CLASICISMO
movimiento cultural, estético e intelectual, inspirado en los
patrones estéticos y filosóficos de la Antigüedad clásica.
Se desarrolló de forma simultánea a los distintos estilos
artísticos y movimientos literarios4 de la Edad Moderna.
Aparece junto con el Manierismo, que a su vez dio paso al
Barroco y este al Rococó. La utilización de los términos
"clásico" y "clasicismo" para designar al ideal estético y a la
época llegará en los siglos XVI, XVII y XVIII.
Clasicismo es el estilo de la música culta europea
desarrollado aproximadamente entre 1750 y 1820 por
compositores como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus
Mozart y Ludwig van Beethoven.
Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de
las frases, la consolidación de la tonalidad plena y el
establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía,
sonata, cuarteto...).
• Movimiento inspirado en lo clásico de la antigüedad,
un poco más racional sobre lo imaginario. Con
tendencia al orden y el equilibrio, el ritmo y la
simetría.
• Uso de la textura de melodía acompañada,
consistente en el predominio de la voz más aguda,
que centra el interés en su melodía, mientras el
resto de instrumentos la acompañan.
 • El desarrollo de la armonía tonal, en la que el • Sólo en ocasiones se usa la homofonía o la polifonía
movimiento melódico de las voces queda imitativa. El acompañamiento es ya escrito explícita
supeditado a la progresión de acordes mente (desuso del bajo continuo).
funcionales. • Melodías de un mayor carácter cantábile y
• El ritmo del propio bajo establece un compás simétricas, con frases estructuradas en antecedente
claro y sencillo (sea binario o ternario), muy y consecuente.
uniforme, incluso mecánico. • Armonías muy claras y funcionales, basadas en los
• El desarrollo de un lenguaje instrumental propio acordes de tónica, dominante y subdominante, que
diferenciado del vocal, con adaptación de la estructuran las frases y la forma musical con
escritura musical a cada tipo de instrumento cadencias muy claras.
(escritura idiomática). • Se escribe mucha más música en modo mayor (más
• La aparición de nuevas formas vocales e alegre) que en modo menor. Se amplía el campo de
instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata las modulaciones y se usan tonalidades cada vez con
entre las primeras, y el concierto, la sonata, la más alteraciones.
orquesta y la suite entre las segundas. • Compás muy claro y regido también por la
armonía.
• Se usan formas estandarizadas (en particular la
llamada forma sonata) pero con gran interés y
variedad en la estructura interna de la música. Es en
este periodo cuando se definen claramente las
formas y estructuras en las que se basa la música
culta occidental casi hasta nuestros días: la sonata,
la sinfonía y el concierto clásico.
• El Barroco temprano (1580-1630) • 1750 a 1775
Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la Para la década de 1750 las formas instrumentales como el
disolución del antiguo estilo polifónico renacentista, concierto y la sinfonía (ésta originalmente la mera obertura
caracterizado por una textura polifónica imitativa de las óperas) habían ganado la suficiente fuerza como para
EVOLUCIÓN homogénea. Dos fueron las novedades principales: ser interpretadas independientemente de la música vocal, y
La policoralidad, típica de la música religiosa de la escuela tenían gran aceptación en las cortes.
veneciana (Giovanni Gabrieli), consistente en la
alternancia entre diversos grupos vocales o El compositor del momento era Franz Joseph Haydn.
instrumentales situados en diversas ubicaciones (cori Además de escribir sinfonías de estructura claramente
spezzati, típicos de la Basílica de San Marcos). Una
evolución natural de la policoralidad fue el estilo
concertante, en el que se contrastan instrumentos contra
voces (como en los concerti ecclesiastici), o solistas contra
el conjunto general.
La monodía acompañada, en la que una sola voz aguda
concentra todo el interés musical. Su acompañamiento
instrumental se escribía de forma taquigráfica como bajo
continuo.
• El Barroco medio (1630-1680)
El éxito internacional de la música italiana en general y de
la ópera en particular expandió por toda Europa
(Alemania, Austria, Inglaterra, España...) los recursos de
la monodía y del estilo concertante. Mientras tanto, en
Italia autores como Cesti, Francesco Cavalli y Luigi Rossi
suavizaban la dureza del estilo monódico original para
desarrollar la ópera belcantista, en la que se separaban ya
claramente recitativos y arias. La nueva ópera pasó de ser
un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las
capas altas de la clase media, gracias a la libre compra de
entradas en los teatros napolitanos y venecianos. La
ópera francesa (bajo diversos nombres) comenzó su
despegue en la corte de Luis XIV, en el mismo tiempo y
lugar en que la familia Hotteterre desarrollaba los nuevos
instrumentos de madera barrocos (oboe, fagot, flautas
traversas y de pico...) y en que se fijaba la suite
instrumental francesa.
clásica, escribió sonatas para pianoforte, el nuevo
instrumento de teclado en plena fase de perfeccionamiento
y que permitía mayores capacidades expresivas. Fue
considerado también el gran creador del cuarteto de cuerda,
pues sus obras para esta formación, de gran refinamiento
melódico y armónico, dieron una importancia similar a los
cuatro instrumentos y fijaron la forma, lo que contribuyó a
que el cuarteto quedase establecido hasta nuestros días.
• 1775 a 1790
El centro de gravedad de la música europea se situó en
Viena, donde un joven compositor comienza a revolucionar
la ópera y el concierto: Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque
se basó en los aportes de Haydn, Mozart prefería melodías
más cantables, al estilo italiano. Además, en sus obras se
aprecian más cromatismos y otras modificaciones
armónicas. En cuanto a la instrumentación, utiliza más
variedad de instrumentos, en ricas combinaciones tímbricas.
En la década de 1780 Muzio Clementi adquiere prestigio con
sus sonatas y estudios para piano. Este compositor incentivó
la extensión de la tesitura del instrumento, entre otras
modificaciones que brindaron nuevas posibilidades. Similar
papel jugó para el violonchelo Luigi Boccherini, italiano
afincado en España.
 • El Barroco tardío (1680-1730)
El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y
1730. Una vez más es Italia el país que marcó las
tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más notables
están:
➢ La plena adopción de las fórmulas tonales, a
partir de la escuela boloñesa (Torelli) y más tarde
Corelli: cadencias frecuentes y muy claras como
marco formal, progresiones con movimiento de
quintas, cadenas de retardos, acordes paralelos
de sexta...
➢ La extensión del estilo de concierto, aplicado a la
ópera y a la música instrumental: uso de
ritornelos, contrastes entre tutti y solo, bajos de
gran empuje rítmico, pasajes en unísono,
homofonía gobernada por el bajo continuo...
• La transición al Clasicismo (1730-1750)
A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el
estilo galante francés desde 1730, el desarrollo en Italia
de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo
sentimental (Empfindsamer Stil) alemán; ellos conforman
una suerte de preclasicismo. Carl Philipp Emanuel Bach
(1714-1788), uno de los hijos de Johann Sebastian, es
considerado el padre de la sonata clásica.
En los teatros de ópera aparece la orquesta, con Se amplía la orquesta y su rango dinámico. Cada vez se
predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de escribe en detalle una mayor variedad de dinámicas y
la actual orquesta sinfónica. articulaciones, dejando menos espacio a la interpretación
Precisamente, la orquesta nace en el Barroco, en gran del ejecutante.
ORQUESTA parte gracias a la perfección técnica que alcanzan los Durante el Clasicismo la orquesta vivió su mayor evolución y
instrumentos de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo desarrollo. Stamitz estableció la primera orquesta clásica
y contrabajo). Estaba constituida básicamente por esta como tal: la orquesta de Mannheim. Fue la primera orquesta
sección y el bajo continuo, en el que destacaba el clave. que utilizó los matices piano, crescendo, forte.
 Además, se incluían instrumentos de viento madera A principios del período clásico (s.XVIII), la orquesta estaba
(flauta, oboe y fagot), viento metal (trompetas y trompas)
compuesta por dos oboes, dos trompas y el grupo de
y de percusión (timbales), en función de cada cuerdas. Poco a poco se fueron incorporando otros
composición. Una formación media constaba de instrumentos de viento, como las flautas traveseras -por
alrededor de veinticinco músicos. estas fechas la flauta y el oboe eran tocados por un mismo
En el Barroco era el clavecinista quien dirigía desde su instrumentista- y las trompetas. Como elemento de
instrumento, que se colocaba en el centro del conjunto, precisión rítmica se hizo uso de los timbales. Los trombones,
de forma que podía ser oído por el resto de músicos. en cambio, no tuvieron lugar en la orquesta sinfónica; su
utilización quedó relegada a ópera y a la música sacra. La
forma de expresión musical nacida en Europa hacia la Alta
Edad Media y desarrollada como parte de los ritos cristianos
de la época, aunque por extensión también es aplicable a las
diferentes manifestaciones músico-religiosas de otros
pueblos, ya sean de origen hindú, budista, árabe, judío, etc.
Es aquí donde doblaban las partes de contralto, tenor y bajo.
Asimismo, se incorporaron poco a poco otros instrumentos
como el clave y el clarinete.
La ópera se impuso como el gran espectáculo de la época Ya desde inicios del siglo XVIII se había convertido en un
en toda Europa: además de en toda Italia, se fastuoso espectáculo de corte, a través del cual los monarcas
representaron regularmente en lugares como Viena, y aristócratas exhibían su esplendor. Los temas se referían a
Londres, Hamburgo, Dresde, Hannover, Múnich y París. la mitología y representaban grandes tragedias lírico-
Los sucesivos experimentos en los que la música vocal se heroicas, montadas con gran aparato: era la llamada ópera
combinaba con danzas y escenas teatrales habladas seria, cantada en italiano.
forjaron finalmente un espectáculo musicalmente Las clases sociales menos favorecidas contaban con su
OPERA continuado, en que estas escenas habladas eran propio teatro musical, la ópera buffa, pequeñas actuaciones
sustituidas por recitativos: había nacido la ópera. satírico-burlescas. De breve duración y argumento simple,
La evolución posterior y su fusión con otras formas recurren a la expresión directa en lenguaje coloquial y se
músico-teatrales acabó convirtiendo a la ópera barroca sirven de dos o tres personajes solamente, reduciendo al
en una representación teatral íntegramente musicada en máximo los elementos musicales, en los que desde luego
la que se suceden números de cuatro tipos: están ausentes los coros y cobra la mayor importancia la
• Recitativos, en los que los cantantes hacen melodía popular de fácil construcción.
avanzar los diálogos de la obra dramática en un
 canto silábico apenas acompañado por el bajo
continuo.
• Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son
números solísticos líricos y muy elaborados, a
menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del
cantante y del puro deleite musical.
• Hacia el final del periodo se impuso la forma A-B-
A, llamada aria da capo.
• Números instrumentales ejecutados por la
orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial y,
sobre todo, las danzas bailadas en escena.
• Números instrumentales ejecutados por la
orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial y,
sobre todo, las danzas bailadas en escena.
• Coros, generalmente a cuatro voces, a imitación
de los coros del teatro griego.
• El oratorio
Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más
énfasis en los coros), solía tener una temática religiosa y
no era escenificado (esto es, era ejecutado al modo de las
actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la
ópera, casi siempre en italiano, los oratorios solían
escribirse en lengua vernácula.
Un caso particular de oratorio, representado en las
FORMAS/GENEROS iglesias protestantes de la época, era la Pasión, obra de
larga duración que relataba, en recitativo, el texto
evangélico de la Pasión de Jesucristo, con arias y corales
insertados. La Pasión según San Mateo de Bach es su más
ilustre ejemplo.
• La cantata
La ópera buffa ganó importancia y nivel artístico durante el
Clasicismo, y aparecieron además versiones nacionales,
escritas en la lengua local y con diálogos en lugar de
recitativos, como el Singspiel en Alemania, la zarzuela en
España y la opéra-comique en Francia.
Un gran número de compositores siguió adscrito al servicio
de la Iglesia, y continuaron escribiendo por tanto formas
religiosas como la misa y el motete, en general para
orquesta, coro y solistas, y en un estilo deliberadamente
arcaico. Un ejemplo muy conocido de este género es el
Réquiem de Mozart.
• Concierto
El concierto es una de las formas musicales del clasicismo
más destacadas. Es una composición para varios
instrumentos, pero con la idea de hacer relucir a un solista o
solistas específicos. Los conciertos tienen partes en las que
los instrumentos juegan dinámicamente pero también
momentos en donde el instrumento principal tiene la
oportunidad de mostrar su virtuosismo o color
característico. En ocasiones, incluso se dejaba un espacio
abierto a improvisación.
• Sonata
Otra de las formas musicales del clasicismo es la sonata que
fue quizás la forma más difundida durante la época. Era
destinada a ser interpretada por un solista o un dúo
(instrumento melódico y piano) con una estructura
determinada por cuatro movimientos basada en un tema
 La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo
concertante por la música de iglesia dio lugar a una nueva
forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que
intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y
coros. La composición y ejecución de nuevas cantatas
religiosas en lengua vernácula era parte de las
obligaciones cotidianas de los músicos de los países
luteranos, caso de Bach en Leipzig: allí compuso más de
doscientas.
Se escribieron también cantatas profanas, especie de
minióperas de cámara habitualmente formadas por la
secuencia Recitativo-Aria-Recitativo-Aria. Con frecuencia
tienen un carácter vanguardista por estar dirigidas a una
audiencia selecta y culta. Aunque Alessandro Scarlatti fue
el más prolífico autor del género,2 son sin embargo más
conocidas la Cantata del café de Bach o las compuestas
por Händel, en italiano, durante su estancia en Roma.
• El motete
El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco.
La denominación se reserva para ciertas composiciones
religiosas corales escritas a varias voces iguales,
frecuentemente en un estilo obsoleto. En el siglo XVII
mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el XVIII
aún se usaba a veces la palabra para designar algunas
cantatas de estilo concertante.
ELABORADO POR: JADITH A. CORCHO CÁRDENAS.
principal. Esta estructura consta de la presentación,
exposición, desarrollo y recapitulación (a veces coda) de
dicho tema
• Serenata, divertimento
Es una forma musical con el propósito original de
amenización y entretenimiento en veladas y actos sociales,
generalmente compuesta para ser interpretada al
anochecer. Está compuesta para formaciones
instrumentales reducidas, orquestas pequeñas de cuerdas,
vientos, mixto o conjuntos de cámara. La cantidad de
movimientos puede variar, por ejemplo, Mozart, compuso
serenatas de hasta 13 movimientos.
• Sinfonía
Compuesta para interpretar con orquesta completa
(orquesta sinfónica), es quizás una de las formas más
grandiosas de la música clásica. Se compone de cuatro
movimientos que buscan una curva dinámica en variedad y
desarollo. Sus movimientos pueden varían levemente entre
sinfonías, un ejemplo de esta estructura puede ser: sonata,
movimiento lento o lírico (como el lied), scherzo o minueto
y finalmente, rondó. La sinfonía busca la excelencia en
exposición de melodía, texturas y dinámicas en la
combinación de sus instrumentos.
• Trío, cuarteto y quinteto
Son obras concebidas para ser interpretadas por tres, cuatro
o cinco músicos respectivamente, con diferentes
instrumentos y partes. Algunas formaciones se
establecieron por excelencia, como el cuarteto de cuerdas
(violín, viola, violoncello y contrabajo) o el quinteto de
vientos (flauta, oboe, clarinete, trompa y fagot).
FUENTES: file:///C:/Users/asus/Downloads/Historia%201%20V%20Casas%202008.pdf

file:///C:/Users/asus/Downloads/Barroco%20PDF.pdf

file:///C:/Users/asus/Downloads/BARROCO%20TARDIO.pdf

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_del_Clasicismo#1750_a_1775

https://www.march.es/musica/jovenes/todos-tocan-juntos/barroca.asp

http://grandesreferenciasmusicales.blogspot.com/2013/02/clasicismo-el-nacimiento-de-la-orquesta.html