PREPARACIÓN Y EJECUCIÓN DE UN CONCIERTO DE GUITARRA ELÉCTRICA - Yenner Fabian Mora PDF

PREPARACIÓN Y EJECUCIÓN DE UN CONCIERTO DE GUITARRA
ELÉCTRICA
Trabajo de grado para optar por el título de:
Maestro en Música
YENNER FABIAN MORA LOPEZ
Docente
DAVID CARRASCAL
UNIVERSIDAD ANTONIO NARIÑO
FACULTAD DE ARTES
PROGRAMA DE MUSICA
BOGOTA, 2016
Tabla de contenido
Introducción __________________________________________________________ 1
Capítulo I ____________________________________________________________ 2
Planteamiento del Problema _____________________________________________ 2
Justificación _______________________________________________________________ 2
Objetivo General ___________________________________________________________ 3
Objetivos Específicos _____________________________________________________________ 3
Capítulo II ____________________________________________________________ 4
Marco teórico _________________________________________________________ 4
La guitarra eléctrica _________________________________________________________ 4
Efectos __________________________________________________________________ 10
Amplificación _____________________________________________________________ 13
Interpretación y puesta en escena ____________________________________________ 16
Capítulo III __________________________________________________________ 20
Metodología _________________________________________________________ 20
Repertorio _______________________________________________________________ 20
Capítulo IV __________________________________________________________ 25
Análisis y resultados __________________________________________________ 25
Análisis Little Wing – Jimi Hendrix ____________________________________________ 25
Análisis Ytse Jam – Dream Theater ____________________________________________ 28
Análisis - Cliffs of Dover – Eric Johnson ________________________________________ 30
Análisis Dolemite – Scot Henderson ___________________________________________ 37
Análisis Technical Difficulties – Paul Gilbert _____________________________________ 39
Análisis Terra – Yenner Mora ________________________________________________ 41
Capítulo V ___________________________________________________________ 44
Puesta en Escena _____________________________________________________ 44
Equipo en vivo ____________________________________________________________ 44
Backline _________________________________________________________________ 49
Monitoreo _______________________________________________________________ 51
Stage Plot ________________________________________________________________ 52
Capítulo VI __________________________________________________________ 54
Conclusiones _________________________________________________________ 54
Glosario ____________________________________________________________ 56
Referencias bibliográficas ______________________________________________ 59
Anexos _____________________________________________________________ 62
Figura 1: Análisis Little Wing ................................................................................................................. 26

Figura 2: Análisis Ytse Jam .................................................................................................................... 28
Figura 3: Tema Ytse Jam ....................................................................................................................... 30
Figura 4: Análisis Cliffs of Dover ............................................................................................................ 31
Figura 5: Intro Cliffs of Dover ................................................................................................................ 31
Figura 6: Tema Cliffs of Dover ............................................................................................................... 32
Figura 7: Solo Cliffs of Dover ................................................................................................................. 33
Figura 10: Solo Cliffs of Dover ............................................................................................................... 35
Figura 11: Cliffs of Dover....................................................................................................................... 35
Figura 14: Análisis Dolemite.................................................................................................................. 37
Figura 15: Análisis Technical Difficulties ................................................................................................ 39
Figura 16: Análisis Terra ....................................................................................................................... 42
Tabla 1: Guitarra, efectos y amplificadores ........................................................................................... 45

Tabla 2: Guitarra, efectos y amplificador de uso ................................................................................... 47
Tabla 3: Monitores ............................................................................................................................... 51
Ilustración 1: Cadena de efectos ________________________________________________________ 48

Ilustración 2: Stage Plot _______________________________________________________________ 52
Preparación y ejecución de un concierto para guitarra eléctrica 1
Introducción
Es claro que al abordar la preparación de un concierto de guitarra
eléctrica hay muchos elementos indispensables a tener en cuenta, en algunos
casos estos son desconocidos por los artistas ya sea por desconocimiento de
ellos o simplemente por falta de orden en el momento de la preparación en
cada una de sus etapas, probablemente centrando su atención solo en algunos
puntos en particular sin abarcar todos los aspectos necesarios.
En este proyecto se describe y ejemplifica una planeación para la
preparación y ejecución de un concierto de guitarra eléctrica, desde el estudio y
análisis del repertorio hasta su puesta en escena. Se exponen métodos que
permiten visualizar con claridad características esenciales de cada pieza, así
como los elementos necesarios que participan de manera activa y
complementan la música logrando una ejecución ideal que nos permita obtener
los resultados deseados, de esta forma obtener una muestra musical consiente
que con estilo propio se acerque a la intención del compositor y plasme con
claridad un concepto de estilo, expresión y técnica con dominio interpretativo,
contenida en una experiencia artística completa alrededor del instrumento y su
contexto.
Capítulo I
Planteamiento del Problema
La ausencia de conocimiento metodológico; los pasos a seguir para
preparar un repertorio adecuado e interpretar satisfactoriamente un concierto
que consolida una etapa artística, tiene que ser una experiencia musical
completa, es entonces esta ausencia de método un gran inconveniente que nos
proponemos resolver.
Justificación
En la vida artística general, así como a lo largo de un proceso
académico un músico se enfrenta a diferentes retos, entre ellos la necesidad de
plasmar en un evento musical sus esfuerzos, logros y desarrollo profesional,
con base en todos los conocimientos adquiridos, o lo que se puede llamar
“Puesta en Escena”. Esto también involucra componentes escénicos,
requerimientos específicos, además de una preparación ardua, consiente y un
plan de acción con métodos efectivos para llevar a cabo un concierto de grado
que cumpla con las expectativas propias y de la audiencia en general. Es un
error frecuente de todo instrumentista, el de abordar cualquier pieza u obra
grande del repertorio dejándose absorber por las dificultades técnicas con las
que se encuentra y buscando la manera de solucionarlas. Todos sabemos que
este paso es necesario e importante dentro del proceso de maduración de
cualquier pieza musical, pero entender cómo funciona la música y la
experiencia artística integral, es también una herramienta fundamental para

crear a partir de este análisis una expresión auténtica. Poner en práctica todos
estos conocimientos al servicio de la interpretación no solo garantiza transmitir
al máximo las intenciones del compositor sino aprovechar las habilidades como
músico y los conocimientos generales de manera recursiva y coherente, dando
solidez y respaldo al discurso interpretativo.
Objetivo General
Alcanzar conocimiento metodológico relevante para el incremento de las
capacidades generales interpretativas en la Guitarra Eléctrica de cara a un
concierto y su puesta en escena.
Objetivos Específicos
 Comprender las necesidades de cada pieza musical en cuanto a su
técnica, estilo y expresividad.
 Percibir la intención y el mensaje musical que sugiere el compositor,
para interpretar con mayor acercamiento el despliegue de la música.
 Desarrollar herramientas metodológicas para estudiar las piezas y los
diferentes niveles de complejidad para dominio del repertorio.
 Visualizar que elementos son necesarios para un concierto de Guitarra
Eléctrica, con el objeto de comprender e interiorizar el concepto musical
analizado en un repertorio específico para este instrumento.

Capítulo II
Marco teórico
En principio para abordar el tema “Concierto” de Guitarra Eléctrica es
importante resaltar que entendemos el término concierto no como la forma
musical clásica occidental, más bien nos referimos al termino con una
perspectiva acorde al entorno en el cual se desarrolla el instrumento. Dicho
eso, se entiende el término Concierto como un evento en el cual se interpretan
piezas musicales a un público. El diccionario de la lengua española (2016) en
una de sus definiciones de la palabra dice: “Concierto:
Función de música en que se ejecutan composiciones sueltas.” (en línea).
La guitarra eléctrica
Es importante entender acerca de la Guitarra Eléctrica en su contexto
histórico. Como consecuencia de la aparición del amplificador en el año 1935,
la guitarra eléctrica fue inventada en Estados Unidos, surgió de una necesidad
de los músicos de jazz, tratando de amplificar su sonido. Desde entonces, se
ha convertido en un instrumento musical de cuerdas, capaz de una multitud de
sonidos y estilos. Sirve como un componente importante en el desarrollo
del rock and roll y de otros géneros de la música.
En el libro Rock total Shuker (2009) dice:

El uso de señales eléctricas para aumentar el volumen de los sonidos
fue especialmente importante en la historia de la música popular,
permitiendo una mayor afluencia de público a los conciertos y
contribuyendo al desarrollo de nuevos instrumentos especialmente a la
guitarra eléctrica y nuevos estilos musicales (p. 281).
La primera compañía que fabrica guitarras eléctricas en serie es
Rickenbacker, la empresa comienza su producción de instrumentos en 1931 y
las compañías Fender y Gibson sacan al mercado, de forma simultánea, sus
primeros modelos en los inicios de los años 40. Ambos, "Telecaster" y "Les
Paul" respectivamente, alcanzan máxima popularidad en los años 50.
Estos tres instrumentos marcan el inicio de la historia. Son ejemplares que
influyen fuertemente en el diseño posterior desarrollado por la industria
japonesa, inglesa y americana.
En la actualidad los diferentes avances tecnológicos alrededor de la
música, su producción y ejecución en los diferentes escenarios resaltan aún
más la participación e importancia de la guitarra eléctrica y su evolución.
Con este desarrollo tecnológico se han elaborado nuevos instrumentos y
se han perfeccionado atendiendo las diferentes necesidades estilísticas y
técnicas de los músicos de la actualidad. Uno de los estilos que ha
evolucionado y generando un movimiento innovador es el rock y en este en
particular es en el que la guitarra eléctrica ha encontrado un papel protagónico.
Así lo menciona Frith (2006): “históricamente la música rock a estado
estrechamente unida a la guitarra eléctrica, en términos estrictamente
sonoros.”(p.37).
Con el incremento de las nuevas tecnologías dentro de la música se van
ampliando las posibilidades creativas de los músicos permitiendo que la música
generada con estos nuevos elementos formen parte de un sistema de
producción completa y creación de nuevos estilos, por ejemplo en el metal (que
es una de las tantas ramas del rock) muestra una gran cantidad de estilos y
posibilidades sonoras muchas de las cuales simplemente son resultado de
experimentación con nuevas tecnologías, expresión de diferentes ideas y
búsqueda de elementos en respuesta a nuevos requerimientos y a la demanda
de la nueva generación. Es así como una gran cantidad de procesadores de
efectos y adecuaciones de los mismos instrumentos nos muestran la guitarra
eléctrica con una variedad notable de modelos, sonidos más agresivos, nuevas
técnicas de interpretación y performance. En este aspecto Shuker (2009)
menciona que: “La llegada de los nuevos instrumentos hizo posible nuevas
técnicas musicales y amplió el repertorio de las bandas de metal” (p.280). La
música a través de la historia ha llevado la Guitarra eléctrica a un primer plano,
de ahí la necesidad de seguir adquiriendo nuevas tecnologías para que la
Guitarra Eléctrica esté en constante evolución convirtiéndose en uno de los
instrumentos más utilizados en la actualidad.
En este contexto histórico la Guía completa del Guitarrista (1994)
muestra una línea de tiempo de la guitarra y su evolución, mostrando
únicamente la Guitarra eléctrica en orden cronológico se destaca:
 1931 - Rickenbacker Electro Spanish:
Primera guitarra eléctrica fabricada en serie. Caja hueca y una única
pastilla.
 1947 – Bibsby Merle Travis :

Primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo. Recorte especial y pastilla
única.
 1947 – Gibson ES-350:
Primera Guitarra eléctrica con caja recortada. Cuerpo hueco y pastilla
única.
 1949 Gibson Es-175:
Con recorte florentino. Cuerpo hueco y dos pastillas. Mástil con dibujos y
caja con diseños.
 1950 Fender Broadcaster (telecaster):
Primer modelo de cuerpo macizo fabricado en serie. Recorte en el
cuerpo y pastilla única.
 1952 Gibson Les Paul:
Inspirada en la Fender telecaster, cuerpo macizo dos pastillas y recorte.
De color único.
 1953 Fender Stratocaster:
Guitarra de inspiración futurista con recorte doble y tres pastillas. Cuerpo
macizo de tres colores.
 1955 Gretsch 6120:
Modelo de tapa hueca arqueada con corte. Dos pastillas y dibujos en las
incrustaciones del mástil.
 1958 Gibson ES-335:
Semi acústica de media caja. Con cuerpo macizo y tapa arqueada. Dos
pastillas y doble recorte florentino.
 1958 Gibson Flying V:

Diapasón de palo de rosa y cuerpo en forma de V, dos pastillas. Cuerpo
Macizo de dos colores.
 1961 Gibson SG:
Modelo manejable y moderno que intento sustituir a la Les Paul. Cuerpo
Macizo recorte doble y dos pastillas.
 1964 Rickenbaker 360/12:
Primera Guitarra eléctrica de 12 cuerdas fabricada en serie. Cuerpo
semi hueco y dos pastillas
 1977 Roland GS500:
Primera Guitarra sintetizador musical incorporado, Con forma de Les
Paul. Cuerpo macizo con recorte.
 1982 Paul Reed Smith:
Guitarra con cuerpo macizo, mástil palo de rosa, recorte doble en el
cuerpo y dos pastillas.
 1982 Jackson Soloist:
Superestratocaster con el mástil atravesando el cuerpo, recorte doble y
tres pastillas. Cuerpo macizo con dibujos incrustados en el mástil.
 1985 Steinberger:
Pequeña, con cuerpo en fibra de carbono, recorte doble y tres pastillas.
Cuerpo macizo y muy ligero.
 1989 Ibanez Jem:
Mástil de palo de rosa con dibujos de flores y cuerpo macizo de caoba.
Recorte doble, tres pastillas y dibujos en incrustaciones. (pp. 14-21)

Hoy día existen modelos mejorados en las diferentes marcas y gracias a
los avances tecnológicos hay múltiples opciones en calidad, precio y
prestaciones. Guitarras de 7 y 8 cuerdas para afinaciones más bajas así como
diferentes opciones de efectos tanto análogos como digitales, etc. El
cofundador y director de Line 6 Marcus Ryle dice: “Creo que la guitarra, gracias
a la evolución de la tecnología, es uno de los instrumentos que sigue yendo
más allá de lo que es posible” (Ryle, 2016)
No podemos desconocer que en esta evolución de la guitarra la
inspiración es el motor principal, una íntima necesidad del artista por transmitir
su mensaje, en esto coinciden muchos de los grandes guitarristas, así lo
sugiere Steve Vai en una entrevista de su último concierto en España: “La
guitarra es un maravilloso instrumento de expresión. Un 'storyteller' (narrador).
Una oportunidad de ofrecer algo al mundo.” (Vai, 2016)
Gustavo Cerati dijo: “La guitarra es mi relación que más ha durado y
creo que será eterna. La siento mía, mi compañera que me permite volcar mis
energías, mis sensaciones más íntimas.”
Las emociones, relaciones humanas, búsquedas espirituales e
intelectuales están siempre en relación directa con los grandes iconos de la
Guitarra eléctrica, Hetfield (2016) afirma: “Si toco guitarra, me siento mejor. Si
no, me siento perdido, me siento enojado e insatisfecho.
Jimmy Page dice en Guggenheim (2008): “Debido a su amplificación y
cualidad táctil, puedes oír las características de cada guitarrista, la gente
intenta expandir los límites, idear nuevas técnicas. Siempre hay algo nuevo que
los demás aportan que debe ser considerado muy seriamente.

Efectos
Un factor determinante en el sonido de la guitarra eléctrica, su
versatilidad y posibilidades, es el uso de efectos sonoros que se obtienen
mediante dispositivos, (pedales) que modifican o alteran el sonido de una
guitarra, estos accesorios tecnológicos se encargan de procesar la señal que
reciben logrando múltiples sonoridades, Chapman,(1994) afirma:” Los pedales
de efectos ofrecen al interprete sonidos que van más allá de las posibilidades
normales de una guitarra con su amplificador”(p.160), Esta tecnología ha sido
muy importante en la evolución de la música hasta la época actual. La guitarra
eléctrica al estar vinculada con muchos géneros musicales, en especial los
derivados del rock, ha visto la necesidad de adquirir sonidos específicos,
propios y característicos para los diferentes géneros consiguiendo que ciertos
dispositivos como los pedales, racks, procesadores de efectos, etc. sean muy
utilizados por los músicos, lo cual exige a los fabricantes buscar soluciones y
propuestas innovadoras de estos artículos para mantenerse a la par con la
demanda.
...cuando la tecnología evoluciona se abren muchas puertas creativas,
y muchas veces la gente se olvida de que las leyendas que admiramos
como Jimi Hendrix o Jimmy Page fueron pioneros usando tecnología
muy nueva, Inventaron sonidos nuevos y crearon muchas cosas
nuevas que nos encantan ahora, porque estaban abiertos a las nuevas
tecnologías. (Ryle, 2016, en línea)

Los efectos normalmente se conectan entre sí, tanto en serie como en
paralelo, los pedales análogos son visualmente como pequeñas cajas
generalmente metálicas, poseen varios potenciómetros para configurar las
opciones según el efecto y un interruptor que sirve para el encendido y
apagado del mismo manejado por el pie, estos pedales son muy utilizados en
vivo. Existen diversos tipos de dispositivo, dependiendo de los requerimientos
del guitarrista. Los efectos de los que podemos hablar varían según como
alteran la señal del instrumento.
Los pedales ofrecen diferentes tipos de efectos generalmente se
agrupan de la siguiente forma:
• Modulación: Phaser, Chorus, Flanger, Trémolo.
• Filtros: Ecualizador, Wah wah, Talk-box.
• Dinámica: Supresor de ruido, Compresión, Pedal de volumen.
• Delay/eco
• Reverberación:
• Pitch: Whammy, Harmonizadores, Transportadores, Octavadores.
• Saturación: Overdrive, Distorsión, Boosters.
• Ecualización
También están los sistemas montados en cadenas que permite a los
intérpretes obtener sonidos con una calidad y un grado de control que antes
solo podían conseguirse en un estudio de grabación. Los equipos portátiles
sobre rack pueden montarse con gran flexibilidad; cada elemento se fija con a
una estructura, en la parte trasera pueden montarse elementos como fuentes
de alimentación y paneles de conexiones generalmente ocupan mucho espacio
así que se ubican fuera de la tarima y se usan controladores de piso en la

tarima para controlarlos. Los procesadores de sonido funcionan similares
simplemente que en la misma unidad de piso se integran diferentes efectos, se
consigue que el guitarrista tenga a su disposición en un sólo dispositivo todos
los recursos a utilizar según su repertorio hechos a base de tecnología digital.
Diferentes compañías de equipos de amplificación y pedales trabajan en sus
mejoras. Ryle (2016) dice: “Pensamos en si podíamos crear modelos software,
modelos numéricos de los amplificadores de válvulas y encontrar una manera
de modelarlo en software, abrir la puerta a un amplio abanico de sonidos
nuevos”. Los sonidos de los procesadores actuales son de fácil configuración y
se los puede modificar a gusto de su intérprete logrando dar el sonido que este
prefiera, tienen numerosos interruptores e incluso el software actualizable.
Está claro que los pedales y procesadores son parte esencial y
herramienta indispensable en el repertorio de un Guitarrista eléctrico, es
importante tener en cuenta al momento de preparar un concierto, cual efecto
necesito según la intención y el tipo de repertorio, en este tema en particular
Gary More habla de algunas de sus preferencias respecto al sonido en vivo y la
intención musical:
…el tipo de música que estoy tocando es buena para poner un poco
aquí y allá y llevarla a una especie de reino fantasmal. “I love you more
than you’ll ever know” tiene esa reverb en el disco, así que intento
recrearla en directo. En los conciertos, una reverb de muelles o la
Hardwire Reverb de DigiTech, que es bastante buena. Aun así,
siempre estoy enredando con mis ajustes. El problema es que haces la
prueba de sonido y todo está bien, pero luego llegas a la canción y no

es suficiente o es demasiado, y tienes que cambiar los ajustes. (Moore,
2008)
David Howell Evans “The Edge” guitarrista líder de U2 dice en
Guggenheim (2008): “Me encantan las unidades de efectos de sonido. Siempre
han impulsado la música hacia adelante.
Amplificación
Este es otro punto importante a tener en cuenta, ya que el sonido de la
guitarra eléctrica es en gran parte determinado por el amplificador que se use.
Roy Shuker (2009) nos indica que:
“El uso de señales eléctricas para aumentar (amplificar) el volumen de
los sonidos fue especialmente importante en la historia de la música
popular, permitiendo una mayor afluencia de público a los conciertos y
contribuyendo al desarrollo de nuevos instrumentos especialmente a la
guitarra eléctrica y nuevos estilos musicales” (p. 281).
La función del amplificador es tomar la señal que llega de la guitarra y
hacerla audible amplificándola lo necesario para que el altavoz o
parlante pueda reproducirla. El amplificador es fundamental, imprescindible,
prácticamente el amplificador es parte del instrumento. El papel de un
amplificador para guitarra es completamente diferente a la de un amplificador
para un sistema estéreo.
Con un amplificador para guitarra eléctrica, los músicos suelen buscar
una distorsión como también la opción de un sonido limpio. La distorsión
resulta cuando la señal en sus circuitos es demasiado potente para esa
circuitería. La distorsión es realmente una parte del sonido deseado y casi

todos los amplificadores están diseñados para que el guitarrista pueda
controlar el nivel de distorsión. Los músicos también se aprovechan de los
bucles de feedback o retroalimentación entre el amplificador y la guitarra. Si el
sonido que sale del amplificador y el altavoz es suficientemente alto, puede
causar que las cuerdas de la guitarra vibren. Los músicos pueden tocar una
nota en una cuerda y el amplificador causará que esa cuerda siga vibrando
indefinidamente.
Un amplificador estándar tiene al menos tres partes: un preamplificador,
amplificador de potencia y un altavoz. Algunos amplificadores también incluyen
efectos y circuitos de reverberación entre el preamplificador y el amplificador de
potencia. El trabajo del preamplificador es elevar la señal de la guitarra lo
suficiente como para que el amplificador de potencia pueda manejarla. Al ser
una guitarra eléctrica pasiva, la señal no tiene la suficiente fuerza para que la
etapa de potencia la pueda manejar adecuadamente. Una de las cosas
características sobre los amplificadores de guitarras eléctricas es el uso de
válvulas de vacío, las cuales tienen esquemas y características de distorsión
conocidas y apetecidas por muchos músicos. Aunque los transistores simulan
bien este efecto, la mayoría de los músicos siguen prefiriendo las válvulas.
Dependiendo de los circuitos de alimentación y los tubos específicos que se
usen, la distorsión será de una manera o de otra.
Algunos Guitarristas experimentados hablan sobre sus preferencias, van
desde el sonido en si del amplificador, así como las diferentes prestaciones y
marcas fabricantes, además también las circunstancias, si es para conciertos
específicos, para grabar en estudio o en el afán de una gira, en este tema
Gilbert (2016) dice: “Para la amplificación suelo usar cualquier Marshall que
esté disponible en el país donde estemos tocando. Mi favorito es el
JCM2000.” párr. 5
Andy Timmons es otro gran guitarrista solista con un estilo muy
característico, en una de sus entrevistas asegura: “Siempre estoy contento con
mis Mesa Lone Star cuando viajo por el mundo. Obtengo un gran sonido.”
(Timmons, 2016)
Los más representativos amplificadores de la historia son muy valorados
por la calidad de su sonido e incluso hay reproducciones actuales de estos
diseños clásicos, además están estrechamente relacionados con la llegada de
nueva música y tendencias de la época, “Los primeros grandes adelantos se
produjeron en los años 50 y 60 con el advenimiento del Rock’n Roll en los EE.
UU y posteriormente el boom del Beat en el Reino Unido.” (Chapman, 1994,
p.159)
Algunos de los modelos clásicos más prestigiosos son:
 Marshall JTM 45
 Fender Vibrolux.
 Fender Bass man.
 Vox AC30
 Mesa/Boogie MK III
 Fender Twin Reveb
 Roland JC 120 (Jazz Chorus)

En la actualidad las diferentes propuestas en amplificadores son muy
variadas con más opciones de configuración, además es muy común el uso de
combos (amplificadores con efectos incluidos) que ponen al alcance del músico
muchas herramientas en solo un amplificador sin la necesidad de pedales
análogos o procesadores de efecto adicionales.
…hoy en día también hay una gama cada vez más extensa de
amplificadores y combos de modelado digital que incluyen efectos (e
incluso simulaciones de diferentes amplis y cajas). No son efectos
análogos reales, si no simulaciones de amplificador que se activan
cuando tocas. A pesar de ello, si no tienes ya un banco de efectos o un
“multi-FX”, pueden ser una buena manera de probar los efectos que
pueden lograrse. (Capone, 2009, p.019)
Interpretación y puesta en escena
Los músicos se preparan para un concierto con extensas jornadas de ensayos
donde se busca perfeccionar la ejecución del repertorio en especial las partes
de mayor dificultad, simplemente se busca como expresar adecuadamente
pensamientos y sentimientos que se quieren transmitir. Ese es el inicio en la
construcción de una exposición artística, pero no debe ser su final.
Así lo manifiesta Hermida (2012):
Es importante que los músicos empecemos a preocuparnos no solo en
aquella esencia musical (básica e imprescindible), sino que pensemos
de forma más recurrente en la necesidad de innovar en nuestra puesta

en escena, en cuidar aquel trabajo al que tantas horas hemos invertido y
que por pequeños detalles técnicos y de planeamiento puede dar al
traste meses de esfuerzo y dedicación. Cada vez se hace más necesario
que dejemos de pensar que nuestra labor termina con convertirnos en
“hacedores de música” y más bien empecemos a pensar que también es
nuestra responsabilidad que aquel mensaje que llevamos tanto tiempo
preparando sea percibido y apropiado por nuestro ansiado público. (p.
25).
En lo anterior se muestra un nuevo panorama frente a todos los
ingredientes a tener en cuenta para una exposición artística, así que resulta
muy importante conocer la forma como muchos artistas se entrenan y preparan
su música para llevarla a la audiencia.
Joe Satriani gran maestro de la Guitarra Eléctrica Con más de diez
millones de álbumes vendidos y 15 nominaciones al Grammy, es un referente
muy importante del instrumento, durante su Unstoppable Momentum Tour
respondió algunas preguntas en una entrevista al diario Argentino Clarín entre
estas respuestas enfatizo en lo importante de la disciplina, el profesionalismo,
una buena interpretación. Según Satriani (2014) “Cada tipo de show tiene su
pro y contras. Pero ahí está el profesionalismo. Si escucho a una nueva banda
de metal, country o pop, y esa música está siendo bien ejecutada, quiere decir
que tienen disciplina.” (párr. 6) además de esto se refiere a la misión del artista
en el escenario y el compromiso con su público, en sus palabras: “Todos los
músicos tienen el mismo trabajo: levantar el espíritu del público. Nuestra
elección es cómo lo hacemos.” (Satriani, 2014) En otra pregunta hace
referencia a algo muy importante en un escenario, el transmitir, en este tema

Satriani se refiere al estado emocional del intérprete para obtener un buen
resultado escénico. Él dice: “tu estado emocional puede ser devastador. Si
sales al escenario con la mano lastimada, pero estás fuerte en cuerpo y alma,
lo puedes. Si en cambio estás bien físicamente y sales con alguna duda
emocional, va a ser un mal performance.” (Satriani, 2012, párr. 7)
Mike Stern sobrepone la experiencia de tocar entre 1981 y 1983 con
Miles Davis. “Amé tocar con él, porque además de representar en aquel
momento una gran oportunidad, muy rápidamente comprendí que lo más
grandioso en él era que tocaba desde el corazón…eso fue lo primero que
aprendí estando a su lado.” (Stern, 2006, párr. 6) “
Muchos artistas hablan de profundos pensamientos trascendentales
relacionados con la visión interna creativa, la identidad y capacidad de pensar
de manera única, el encontrarse a sí mismo dentro de la música, Steve Vai se
refiere a varios de estos aspectos importantes, en una entrevista en Polonia
con INFOMUSICFilms, Vai (2014) dice: “Encontrar el balance es importante, no
te esfuerces de sobremanera” además respecto al momento en tarima afirma:
“el tiempo sobre el escenario es una meditación, un tiempo de entrega, un
tiempo de libre expresión” además complementa diciendo “la personalidad de
la nota está en la mente de quien toca”.
Es claro que todos estos factores son determinantes en un concierto,
ahora bien, el entrenamiento técnico del repertorio requiere una práctica
constante y método para obtener óptimos resultados, sobre esto la opinión de
los artistas es la siguiente:

Se necesita tiempo para desarrollar todos los aspectos de tu técnica.
Muchas personas no se dan cuenta de la crisis que tienes que pasar. Yo
solía tener dolores de cabeza cuando empecé a hacer eso de las
octavas, pero, con el tiempo, yo estaba bien. Todo lo que hace falta es
oír una pequeña mejora en tu ejecución, y ese poco de inspiración es a
menudo suficiente para llegar aún más lejos. (Montgomery, W, párr. 15)
…siempre trabajo con púa alternada atacada para arriba o abajo
según lo necesite… Para trabajar esto recomiendo que estudien suites o
invenciones de Bach, y cosas por el estilo, al principio es un poco
dificultoso para leer, pero sigan haciéndolo, trabajas la púa y tocas algo
interesante. (Stern, 2002, párr. 8)
La práctica es muy importante, pero hay que tratar de salir del
dormitorio y tocar con otra gente todo lo que se pueda. Hay que ser
parte de la sociedad musical, está lleno de muy buenos guitarristas, pero
nunca te enteras de que existen y nunca se pueden adaptar porque no
tocan con nadie. (Petrucci, 2006, párr. 10)

Capítulo III
Metodología
En principio se traza un plan de acción para realizar un concierto de
Guitarra Eléctrica sin omitir detalles, para esto se plantean dos grandes
secciones a tener en cuenta, estas son:
 Repertorio: Hacer una selección que de sentido al concierto y sea
consecuente con lo que queremos mostrar, además el análisis del
mismo en cuanto a sus características más importantes y
representativas según el estilo.
 Puesta en Escena: Analizar los diferentes factores que van a influir en
el buen desarrollo de un espectáculo musical, abordándolo desde lo
artístico y lo técnico reuniendo las herramientas necesarias para la
construcción del espectáculo.
Repertorio
En la selección del repertorio se tienen en cuenta las intenciones del
artista y el impulso a hacer el concierto, respondiendo preguntas como, ¿Que
queremos mostrar? ¿Cuál es la finalidad?, es así como para este caso escogí
un repertorio que mostrara una destreza adquirida bajo el sello e influencia de
grandes exponentes de la guitarra eléctrica a nivel mundial sin dejar de un lado
los criterios estilísticos que plasmen el dominio interpretativo de diferentes
escenarios estilísticos.
Como paso importante, una vez se selecciona el repertorio, resulta
necesario realizar un análisis de cada una de las piezas buscando los
ingredientes particulares que ellas contienen para lograr los objetivos
planteados. Para este análisis se abordan dos términos importantes y
determinantes en el entendimiento de la ejecución instrumental, Mecanismos y
Mecánicas. Estos términos al igual que el concepto de técnica suelen ser
confusos entre textos, autores, intérpretes y en los mismos maestros. Es así
como se adquieren definiciones precisas para continuar nuestro análisis,
encontrando al Mecanismo como un elemento en sí que se emplea para
realizar una Mecánica, es así como en la guitarra eléctrica el plectro (pick), la
palanca de tremolo, cada mano o elemento utilizado sería un mecanismo y el
procedimiento para poner en acción este mecanismo seria lo que llamaríamos
Mecánica, de esta forma entendemos que el pick alternado, barridos y
diferentes movimientos característicos en la ejecución instrumental son
mecánicas. Esta relación sistemática entre mecanismo y mecánica que tiene
un propósito específico sería entonces lo que conocemos como técnica.
Consientes de estas definiciones se evalúa que mecanismos y
mecánicas son necesarios para la ejecución en cada uno de las piezas del
repertorio, de esta forma logramos claridad en cuanto a las necesidades del
mismo y al realizar un análisis de las piezas con detenimiento, identificar los
conceptos ya adquiridos que estén contenidos en ellas. Así se puede
determinar las necesidades y requerimientos del repertorio frente a las
posibilidades técnicas, expresivas y estilísticas del intérprete para ejecutar con
éxito un concierto para Guitarra Electica.

En esta etapa se identifican posibles dificultades que encontremos como
intérpretes teniendo en cuenta en el punto de desarrollo en que nos
encontramos, esto con el fin de identificar en qué áreas particularmente
tenemos que trabajar más para ejecutar las piezas correctamente.
De esta forma surge la necesidad de alcanzar conocimiento
metodológico relevante para el incremento de las capacidades generales de la
interpretación musical en la guitarra eléctrica. Para esto es importante
desarrollar herramientas y métodos para estudiar los diferentes pasajes del
repertorio enfatizando en las estructuras fundamentales para el dominio
interpretativo. En este punto se propone como respuesta a estas necesidades
realizar una práctica diaria ardua y consiente que contenga ejercicios técnicos
enfocados al repertorio y una parte en la cual se hace el montaje como tal de
las piezas seleccionadas para el Concierto. Para testificar, garantizar
resultados y dar una explicación teórica de método este proceso se consigna
en una bitácora que es muy útil para identificar aciertos, observar errores en la
práctica y así encontrar caminos hacia resultados más efectivos.
Para el análisis del repertorio se hace una breve contextualización de la
pieza y se utiliza como referencia el audio y/o las partituras del repertorio, con
base en ellos se realizan gráficos articulatorios que nos dan una idea visual
clara de la estructura de las piezas y además se hace más efectivo identificar
los puntos relevantes y característicos de las obras, así como los pasajes que
podrían significar especial cuidado ya sea por su complejidad sonora o por
contener una dificultad técnica que requiera especial atención.

Después de interiorizar el repertorio es necesario dedicar tiempo al
ensamble grupal, para esto se puso a disposición el repertorio a los diferentes
músicos acompañantes y se realizó un cronograma de ensayos. Basado en la
experiencia personal adquirida en los años de carrera artística con diferentes
escenarios, festivales y giras de conciertos se decidió inicialmente programar
ensayos cada 15 días, esto con el fin de dar tiempo a cada músico para su
entrenamiento personal, además se propone en cada ensayo montar solo dos
piezas, lo que resultaría en un total de 6 piezas “ensambladas” al cabo de 3
ensayos. Este cronograma da buenos resultados ya que no satura de trabajo a
los músicos, que obviamente tienen otras actividades artísticas distintas al
proyecto. Los ensayos posteriores se dedican su atención las partes complejas
del ensamble, además de afianzar el repertorio como una sola expresión
musical, refiriéndose a un acople efectivo entre los músicos que interprete de
manera compacta y precisa cada una de las piezas musicales. Acercándose la
fecha del concierto se hacen ensayos semanales o más si se considera
necesario.
Para otro punto importante como lo son los requerimientos técnicos se
exponen diferentes puntos a tener en cuenta, desde la guitarra, efectos y
amplificación, hasta el backline y los demás elementos necesarios en la tarima.
Todo esto basado en diferentes ejemplos y referencias vivenciales a los que se
puede acceder por medio de la observación de los mismos artistas y formatos
establecidos en el medio local y en general.
Para esto se desarrolló una lista de estos elementos y se plasmaron
según los modelos que se emplean en diferentes eventos de gran producción,
como lo son festivales como rock al parque, altavoz, cruzada de fuego, entre
muchos otros, en los cuáles se participó de manera activa, adquiriendo la
experiencia y conocimientos agregados que aportan en gran medida a la
elaboración y desarrollo del proyecto.
En cuanto al auditorio, se realiza una búsqueda de escenarios locales
que sean óptimos y garanticen cumplir el objetivo del evento, teniendo en
cuenta las necesidades del formato musical, su público y el presupuesto. Una
vez seleccionado el lugar se diseña un cartel promocionando el concierto.
El repertorio seleccionado para este concierto es el siguiente:
 Little Wing – Jimmy Hendrix (1967)
 Ytse Jam – Dream Theater (1986)
 Cliff of Dover – Erick Johnson (1989)
 Dolemite – Scot Henderson (1997)
 Technical Difficulties – Paul Gilbert (1999)
 Terra - Yenner Mora (Original- 2016)

Capítulo IV
Análisis y resultados
Análisis Little Wing – Jimi Hendrix
Escrita por Jimi Hendrix, la canción ocupa el puesto 366 en la lista de las
500 mejores canciones de la historia según la revista Rolling Stone, y el
número 18 en la lista de los mejores solos de guitarra para revista Guitar World.
Es una obra que muestra de la sensibilidad y fuerte inspiración del autor,
la guitarra acompaña la voz de Hendrix en una pieza de engañosa sencillez.
Posee un ambiente onírico que describe más que nada sensaciones y sueños,
algo que es característico de esta composición, “Mariposas y cebras y rayos de
luna…cuentos de hadas”. En su solo de guitarra, a diferencia de otras obras del
compositor, es de extrema sencillez conservando la idea con una relación
música texto, en el título y la corta duración de la canción propone esta
sincronía temática. Para Hendrix los poco más de dos minutos de Little Wing
era su duración justa. De hecho en sus actuaciones en directo, donde solía
extenderse exponiendo su habilidad con la guitarra, se limitaba a mantenerla
simple solo tocando lo justo para darle un final que sustituyera el suave
desaparecer de la versión de estudio.

Figura 1: Análisis Little Wing
Fuente: propia
Basado en el análisis de la gráfica podemos determinar que la obra
presenta simetría a nivel articulatorio. A nivel macro se divide en dos unidades
una del compás 1 al 36 y otra del compás 37 al 80, si hablamos de unidades
formales grado dos, vemos 4 unidades que contiene el mismo número de
compases (18 compases) y una de 8 compases que en la percepción sonora
muestra claramente que es simplemente una parte que se termina por la
intención de fade out al terminar la pieza. Con base en esto se puede concluir
que en cada uno de sus niveles estructurales la obra mantiene un balance y
equilibrio a nivel temporal, característico en el estilo de las músicas
tradicionales centro-europeas del siglo XVII y XVIII y con las músicas populares
donde el manejo de secciones, tiende a ser proporcionado.
En su construcción melódica se destacan movimientos dentro de las
notas guía en junto a intervalos de 4tas 5tas y 8vas simultaneas que marcan
claramente la armonía cumpliendo una función de acompañamiento, también

está presente como herramienta principales el uso de la pentatónica y escala
menor que son propias del estilo, sin embargo hay un ingrediente especial en
cuanto a la afinación del instrumento ya que maneja una afinación medio tono
debajo de la habitual (Eb,Bb,Gb,Db,Ab,Eb), este elemento en la afinación es
adoptado por muchos compositores generalmente con el fin de obtener más
comodidad, en la voz como en el instrumento.
La obra presenta a nivel de duraciones hace el uso de negras y
corcheas que aparecen constantemente a lo largo de la pieza y en algunos
casos presenta algunos movimientos de semicorcheas, como en la primera
unidad formal grado dos (A) y en el despliegue melódico de la cuarta unidad
formal grado 2 (C) en el que se desarrolla el solo de guitarra y final de la pieza.
El compositor brinda un aporte importante a nivel técnico y expresivo por
la sonoridad que consigue, mostrando diferentes frases de gran dificultad
interpretativa tan solo usando las herramientas básicas del estilo a lo largo de
la guitarra y bajo una misma progresión armónica, lo que muestra el gran
dominio del lenguaje y el instrumento.

Análisis Ytse Jam – Dream Theater
Es la tercera canción del álbum When Dream and Day Unite 1989 de la
agrupación de Metal Progresivo Dream Theateren. Es la primera pieza
instrumental de Dream Theater grabada en estudio, se caracteriza por tener
solos de todos los instrumentos empezando con teclado, continuando con
guitarra, bajo y al final batería. El nombre de la canción es resultado de escribir
la palabra "Majesty" al revés ya que este era el nombre original de la banda.
La pista tiene su origen en la época en que los miembros fundadores
estudiaban en Berklee, donde inicialmente desarrollaron el famoso riff de
apertura antes de dejar la pieza para trabajar en ella más adelante.
Figura 2: Análisis Ytse Jam
Fuente: propia
El análisis articulatorio nos muestra que la obra es asimétrica, a nivel
macro se divide en tres unidades, una del compás 1 al 95, otra del compás 96
al 153 y la tercera del compás 154 al 225. Si hablamos de unidades formales

grado dos, vemos 8 unidades y cada una de ellas contiene distinto número de
compases, además de presentar varios cambios de compas, algo característico
del estilo progresivo. En las unidades formales grado tres podemos observar 13
unidades que en su mayoría muestran diferentes elementos. Con base en esto
se puede concluir que en cada uno de sus niveles estructurales la obra genera
distintos elementos de transgresión a nivel temporal, característica que se hace
indispensable en el rock progresivo.
En su construcción melódica se destacan intervalos disonantes y
tensiones constantes, el uso frecuente de escala menor armónica que aparece
desde el tema principal en el compás 8 y se trasporta recurrentemente en otras
tonalidades, además de emplear los modos con gran despliegue, en el compás
32 enfatiza una sonoridad frigia sobre el bajo en A que luego se desplaza
trasportándose a un frigio en E (Compas 36) este recurso aparece en las
siguientes secciones con desarrollos melódicos diferentes, es el caso de la
sección de solos que inicia en el compás 112 con un solo de teclado sobre A
frigio que luego da paso a un solo de guitarra en G frigio y termina con un solo
de bajo en D frigio, esto nos muestra que presenta el mismo comportamiento
transportándose pero conservando la sonoridad del modo. Podríamos decir que
esta es una característica que define la obra en cuanto a los recursos
melódicos que emplea.
La obra presenta a nivel de duraciones una estructura de semicorcheas
y corchea que aparece constantemente a lo largo de la pieza y en algunos
casos presenta variaciones de la misma, además se observa un desarrollo a
base de corcheas, en cuanto a la métrica presenta gran variedad por sus
constantes cambios de métrica, el más característico está en el tema principal,

se organiza en un compás de 4/4 uno de 3/4, uno de 2/4 y luego uno de 7/8,
este cambio de métrica re aparece en la 1ra(A), 3ra (A’)y 8va (G)unidad grado
2.
Figura 3: Tema Ytse Jam
Podemos decir que el compositor brinda un aporte importante a nivel
rítmico melódico, además las características técnicas que requiere consiguen
llevarla a un nivel superior con altas demandas en todos sus instrumentos
exponiendo gran destreza compositiva como interpretativa.
Análisis - Cliffs of Dover – Eric Johnson
Composición instrumental del álbum “Ah Via Musicom” (1990) toma su
nombre de una extensa y visualmente impresionante zona de Acantilados en
de la costa sudeste de Inglaterra (los White Cliffs of Dover).
En 1992, "Cliffs of Dover" ganó un premio Grammy – “Best Rock
Instrumental Performance”, además fue elegida como número 17 en la lista de
los 100 más grandes solos de la Historia en la revista Guitar World magazine's.
Figura 4: Análisis Cliffs of Dover
Fuente: propia
Cliff of Dover comienza con un solo de guitarra eléctrica, utilizando
diferentes técnicas, algunas de ellas características en la pieza, tales como
“String skipping” (salto de Cuerda) o “Hybrid picking” (Púa Hibrida) En la
introducción se presenta solo la guitarra eléctrica sin acompañamiento alguno,
Johnson no se adhiere a un tempo determinado ni compás específico
moviéndose libre e improvisadamente por las distintas frases, que configuran
una breve exposición de la pieza en general.
Figura 5: Intro Cliffs of Dover
Técnicas - string skipping and hybrid picking (Cliffs of Dover Score - compas 10)
A continuación se añade la percusión mientras la pieza se asienta en un
verso con compas de 4/4 shuffle, posteriormente el bajo anuncia la entrada del
verso que es luego acompañado por una progresión I IV V en tonalidad de
G mayor y una construcción melódica basada en las notas guía de cada acorde
con inclusión de ornamentos y diferentes recursos expresivos que fueron
expuestas a lo largo del intro como ligados, bends, slides…Etc.
Figura 6: Tema Cliffs of Dover
(Cliffs of Dover Score - compas 16- 23) Verso que inicia realizando una
frase con pedal en G y se mueve en las notas que componen cada triada.
Presencia de Pull Of, Slide, Vibrato y Bends como recursos expresivos.
Así mismo cuenta con variaciones melódicas en el coro principal que se
desarrolla en Mi menor con una progresión Am D G Em (iv VII III i).

El solo de Cliffs of Dover está construido sobre una armonía de Mi
menor siguiendo la progresión del coro, inicia sobre un acorde de Am donde
entra por la raíz del acorde, cuando pasa al D, hace una tensión aproximada
por bend, la cual resuelve sobre otras dos tensiones del acorde. Sobre el
acorde de G entra por suspensión y resuelve en una de las notas del acorde,
posteriormente hace una frase usando notas del acorde. Sobre el Em hace una
frase construida en su mayoría usando notas del acorde (por lo general usa
este recurso).
Figura 7: Solo Cliffs of Dover
En el compás 126, sobre el Am hace una frase usando notas del acorde,
sin embargo, el Fa# en la melodía le da una sonoridad dórica a este acorde,
luego sobre el acorde de D entra por la tercera del acorde, siguiendo su estilo
característico utiliza un arpegio, luego en el G Mayor aproxima la nota del
acorde por bend y en el Mi menor hace un adorno usando dos notas del
acorde.
En la siguiente vuelta (compas 130) el Am entra por la tónica y cierra con
otra nota del acorde, en este punto el solo comienza a mostrar un cambio de
dinámica, sobre el acorde de D entra por una tensión la cual resuelve
rápidamente sobre notas del acorde, es notorio el uso de intervalos de cuarta u

oncena sobre este acorde. Sobre el Sol entra por la tercera del acorde y hace
una frase donde usa notas del acorde y la sexta, Eric Johnson es un guitarrista
muy influenciado por Hendrix, por esta razón es común encontrar en su estilo la
sexta, después sin novedades en el Em aparece una frase usando notas guía.
El solo continua con similar desarrollo melódico y más adelante (compas
137) Em hace una de esas frases típicas de el, un arpegio de Em7 completo.
En la siguiente parte hay un mayor grado de dificultad debido al aumento
de la velocidad por el uso de notas más rápidas, en el Am hace un pentatonica

menor en la cual casi todas son notas del acorde y se suma el re como nota de
paso, en el D entra por la tónica del acorde, continua usando la escala
pentatónica en diferente posición logrando una sonoridad particular ya que la
posición enfatiza en la novena del acorte además se logra un efecto
interesante puesto que mezcla notas del acorde pero enfatiza la novena.
Sobre el acorde de G hace una frase en descenso que conecta con el
Em, usando la escala menor pentatónica e incluyendo el fa# de la escala
menor natural que le da más personalidad al Em.
Figura 11: Cliffs of Dover

Sale de la frase de velocidad y entra nuevamente a la progresión, en Am
hace un doble bordado para resolver en la tercera del acorde. Sobre el D hace
una frase usando en su mayoría notas del acorde, en los siguientes acordes
hace una secuencia sobre la escala de G, que la termina sobre la tercera del
acorde de Em, esta comienza a preparar una de las frases más importantes del
tema, es la misma que usa en la introducción, esta se hace con una nota de
pedal (sol) sobre la cual se realiza un movimiento melódico en la voz inferior,
en este caso el lick o figura es técnicamente exigente por la velocidad y
requerimientos, para su interpretación hay que saltar de cuerda, para obtener
el sonido lo ideal es emplear el pick y los dedos (técnica hibrida) en la mano
derecha.
Después de esto mantiene el mismo desarrollo melódico con diferentes
arpegios y notas de paso con algunas tenciones, ornamentos y termina con un
arpegio del vii semi- disminuido (D#7b5) de Em que llega a un bending
climático luego retoma el tema principal de la canción.

Análisis Dolemite – Scot Henderson
Es el track 1 del Tore Down House (1997) el segundo álbum en solitario
del guitarrista Scott Henderson. Dolemite es una composición de Jazz fusión
que mantiene un vocabulario blues con ingredientes del jazz y es estilo
particular del compositor, por lo cual y es de gran referencia para los amantes
del estilo.
Figura 14: Análisis Dolemite
Fuente: propia
La obra presenta tres Unidades formales grado 1 que muestran una
exposición general, la primera Unidad Formal Grado 1(I) va hasta el minuto

2:07 contiene una introducción con un solo de teclado y lo que podríamos
llamar un “bridge” que conecta con la Segunda Unidad Formal grado 1(II), esta
se prolonga hasta el minuto 4:16 y es un extenso solo de guitarra de 72
compases acompañado de una estructura blues continua, este solo dura 2
minutos y 7 segundos (más de la tercera parte de la pieza), es por esto que es
parte fundamental a nivel macro. Luego hay una tercera Unidad formal grado 1
que va hasta el final de la pieza en el minuto 5:38, en ella hay una re
exposición de elementos y un final. Si hablamos de unidades formales grado
dos, vemos una unidad de 43 segundos de duración en la cual se expone un
solo de teclado con una estructura de blues.
En cuanto a unidades formales grado 3 se pueden identificar ocho las
cuales muestran un balance claro en sus duraciones, con base en esto se
puede concluir que sus niveles estructurales mantienen un balance y equilibrio
a nivel temporal, este balance y simetría en su estructura es parte importante y
característico en el estilo del blues y es comparable con las músicas
tradicionales centro-europeas del siglo XVII y XVIII y con las músicas populares
donde el manejo de secciones frases o ciclos, tiende a ser proporcionado, por
lo cual, en este caso se puede afirmar que el compositor Scott Henderson no
intenta generar ningún elemento de transgresión a nivel temporal como si se
podrá observar en el rock progresivo como en el caso de Dream Theater .
En su construcción melódica se destacan intervalos de 4tas aumentadas
como componente característico en la sonoridad blues además de la escala
pentatónica que son propias del estilo, también un amplio despliegue de
ornamentos basándose en técnicas que definen la expresión como ligados
(hammer on/Pull off) y bendings de todo tipo.

La obra presenta a nivel de duraciones una estructura basada en
corcheas y semicorcheas que aparecen constantemente a lo largo de la pieza
presentando variaciones y el uso de silencios para marcar acentos en tiempos
débiles, además se observa un desarrollo a base de corcheas con el
ingrediente típico del shuffle.
Análisis Technical Difficulties – Paul Gilbert
Es una pieza instrumental que aparece como track 4 en el tercer álbum
de la banda Racer X llamado de la misma forma (Technical Difficulties),
grabada en 1999 inspirada por la era de Van Halen, Rush, Judas Priest, Randy
Rhoads, AC / DC, Iron Maiden, Pat Travers, Loudness, Accept y Saxon.
Compuesta por Paul Gilbert y Scott Travis. Producida por Gilbert, cuenta con
una gran mezcla que realza el talento de los cuatro miembros.
Figura 15: Análisis Technical Difficulties
Fuente: propia
El análisis articulatorio nos muestra que la obra en su nivel macro formal
se divide en dos unidades una del compás 1 al 56 y otra del compás 27 al 130,
es fácilmente identificable ya que en esta división se presenta una nota larga
que abarca 4 compases y enlaza con la siguiente unidad formal articulada en
yuxtaposición. En unidades formales grado dos vemos 4 unidades, cada una
de ellas con funciones específicas, la primera unidad formal grado 2(A) muestra
una exposición del tema principal cumpliendo una función introductoria que
luego en la 2da unidad formal grado 2 (B) muestra una parte nueva que hace
de transición a la 3ra unidad formal grado 2(C) en donde se desarrolla el solo
principal para luego dar paro a la 4ta unidad formal grado 2, en la que se ven
elementos de la 1ra(UFG2) pero con elementos nuevos que marcan el final de
la pieza. La duración de cada una de las partes es irregular, contienen diferente
número de compases. En cuanto a las unidades formales grado 3 (UFG3) se
puede ver que hay una simetría a nivel micro formal, ya que la mayoría de sus
partes tienen 16 compases. Con base en esto se puede concluir que a nivel
micro formal la obra trata de mantener un balance y equilibrio a nivel temporal,
este balance y simetría en su estructura es parte importante y característico en
el estilo del blues, rock y las músicas populares donde el manejo de secciones
tiende a ser proporcionado. , en este caso se puede afirmar que el compositor
Paul Gilbert no intenta generar ningún elemento de transgresión a nivel
temporal.
En su construcción melódica se destacan intervalos de 4tas y 5tas
además de la escala pentatónica que es propia del estilo, con una digitación
particular usando 3 notas por cuerda en una mecánica que a nivel superior
consigue gran velocidad y definición. Hay un ingrediente especial en el uso de

una escala lidia sobre Do que le brinda una sonoridad especial además de ser
estructural en la pieza ya que la emplea en el riff principal que está presente en
la 1ra Unidad formal grado 2 (A) y reaparece en (A’) así el compositor brinda un
aporte importante a por la sonoridad que consigue, además de dar una
herramienta técnica para una mejor interpretación.
La relación de alturas se ve claramente por el uso de intervalos de 3ras y
8vas simultaneas que consigue doblando la voz principal con otro instrumento
aparecen al inicio de la 2da unidad formal grado 3 y proporcionan otra
sonoridad. La obra presenta a nivel de duraciones una estructura de
semicorchea y el uso de seisillos que aparecen constantemente a lo largo de la
pieza, a un tempo de negra = 130 se hace notable la velocidad y dificultad
técnica.
Análisis Terra – Yenner Mora
Es una composición de Rock Instrumental que surgió durante el proceso
de culminación de la carrera musical, como respuesta a necesidades
expresivas propias, tanto musicales como perspectivas sociales y
trascendentales de la vida en la realidad sociocultural del compositor. La
inspiración nace de una idea melódica que inicialmente contenía una letra,
cuyo propósito reflexivo cuestionaba el consumismo y la sed del hombre por
poseerlo todo sin importar la destrucción que ocasione en la naturaleza las
personas y en sí mismo.
Con el mismo fin se hace una versión instrumental en la cual la melodía
principal fuera construida para guitarra eléctrica y de alguna forma reflejara
esta intención, con la ventaja que la música instrumental brinda, al dar mayor
libertad de apreciación seguramente será de múltiples interpretaciones por el
público. El Resultado es una pieza de guitarra Eléctrica con diferentes
ingredientes del Rock instrumental, heavy metal y Progresivo. Entre sus
influencias están bandas como Racer X, Angra, Stratovarius, Dream Theater y
guitarristas como Andy Timons, Kiko Loureiro, Steve Vai y Paul Gilbert entre
otros.
Figura 16: Análisis Terra
Fuente: propia
La obra presenta simetría a nivel articulatorio. A nivel macro se divide en
dos unidades una del compás 1 al 59 y otra del compás 60 al 107, si hablamos
de unidades formales grado dos vemos 4 unidades, la primera UFG2 (A) con
una función introductoria, luego dos unidades formales grado 2, (B y B’) con
elementos en común que desarrollan la idea musical y una última UFG2 (C)
que termina la pieza. En las unidades formales grado tres podemos observar
en su mayoría agrupaciones de 8 compases lo que confirma la simetría. Con
base en esto se puede concluir que en cada uno de sus niveles estructurales la
obra trata de mantener un balance y equilibrio a nivel temporal, este balance y
simetría en su estructura es parte importante, característico y es comparable
con las músicas tradicionales centro-europeas del siglo XVII y XVIII y con las
músicas populares donde el manejo de secciones frases o ciclos, tiende a ser
proporcionado.
En su construcción melódica se destacan intervalos de 5tas y 8vas
característicos del rock, además con la sonoridad de 2da menor característica
de la escala frigia, con un ingrediente adicional que es la 3ra mayor que
aparece en la escala frigia dominante; 1 ♭2 3 4 5 ♭6 ♭7 (escala doble
armónica menor o escala gitana española), es notorio el uso de ornamentos
como bends y slides para resolver tenciones accidentales.
En la relación de alturas el bajo que define la sonoridad en general de la
pieza, esta se ve claramente por el uso de intervalos simultáneos que aparecen
al inicio de la 1ra unidad formal grado 1 y proporcionan el carácter frigio, así
mismo el incremento de voces muestran una variedad de intensidad a nivel
textural.
En cuanto a duraciones una estructura de semicorchea que aparece
constantemente a lo largo de la pieza y el uso de silencios como característica
esencial en la melodía principal.

Capítulo V
Puesta en Escena
Hay muchos factores importantes de gran trascendencia en lo que a la
puesta en escena se refiere, podríamos pensar que es una suma de elementos
que hacen un todo, para esto se parte de la experiencia y testimonio de artistas
en general, las diferentes dinámicas y requerimientos técnicos en torno a un
evento para que sea una a fiel muestra musical, todo esto teniendo en cuenta
los requerimientos según el instrumento. Enfocados en el contexto en el que se
desenvuelve la guitarra eléctrica es importante tener en cuenta todas las
herramientas en las cuales se basa el instrumento para lograr el sonido
característico y que la diferencia de otro instrumento. En este punto se hace
necesario hablar de efectos y amplificación quizás como extensiones del
instrumento, también están adicionalmente los ingredientes que un escenario y
auditorio apropiado aportarían para obtener una verdadera exposición musical
con su propio tiempo y espacio, de esta manera se logra una experiencia
artística completa.
Equipo en vivo
Para acercarse a la interpretación de los compositores es necesario
entender que herramientas son vitales en el sonido de su instrumento, para ello
se elabora el siguiente cuadro comparativo en el que se observa la guitarra,
efectos y amplificación que utilizan en sus conciertos.

Tabla 1: Guitarra, efectos y amplificadores
Guitarra Efectos Amplificado

r
Jimy Hendrix Fender Vox 847 Wah pedal Marshall
Stratocaster Dallas Arbiter Fuzz Face Plexi 100w
UniVox UniVibe Super
Lead.Cabina
s Marshall
1960AC
4x12.
Eric Johnson Fender Ibanez Tube Screamer, Combinació
Stratocaster y Dallas Arbiter Fuzz Face, n de:
Gibson ES- BK Butler Tube Driver, Fender
335 Stereo Chorus de TC Electronics, Vox Cry Deluxe
Baby, delay Memory Man de Electro Reverb y
Harmonix, un MXR Carbon Copy, un Line 6 Marshall 100
Echo Pro y un tape delay Maestro Echoplex. watt plex
Head
Scott Suhr Guitars Compresor CS-2 de Boss OD 100,
Henderson Fultone Octafuzz hecho
Chorus CE-2 Boss especialment
Xotic RC Booster e para él
Maxon SD-9 Sonic Distortion
Voodoo 1
Chorus Arion
Freddy fuzz (a veces lo reemplaza con un
Seek Wah)
Boss SE-70
Jamman de Lexicon (para loops)
Freddy Fuzz y el TS 808 Tube Screamer
(para distorsión)
Steve Vai Ibanez - Overdrive: Ibanez Tube -Screamer Mini Amp: Carvin
- Distortion: BOSS DS-1 Legacy 3
- Compressor: Keeley 4 Knob 100W Head
- Phase 90: MXR Phase 90
- Whammy: DigiTech Whammy DT Cabinet: 2x
-Wah: Morley Bad Horsie 2 Contour Wah Carvin
-Delay: TC Electronic Flashback Triple Delay Legacy 3
-Volume Pedal: Morley Little Alligator Volume Cabinet

Paul Gilbert Ibanez - Korg Pitchblack tuner Laney -
- Robert Keeley True-Bypass Looper. Marshall
- MXR Phase 90 script logo. Vintage
- Ibanez AF2 Paul Gilbert Airplane pedal. Modern
- Electro Harmonix Soul Preacher
Compressor/Limiter
- Homebrew Electronics Detox EQ
- Fulltone OCD Overdrive
- Fulltone Soul Bender
- Voodoo Lab Pedal Power 2 Plus.
- Boss SYB-5 Bass Synth
- Electro-Harmonix Electric Mistress flanger
- Extreme Isolation EX-29
Headphones
John Music Man -Fractal Audio Axe-Fx II Effects /stereo split Mesa Boogie
Petrucci - Dunlop Cry Baby DCR-2SR Rack Wah Mark IV
Wah effect Amplifiers
- Ernie Ball 6166 Mono Volume Pedal Mesa Boogie
Volume control Lonestar
- Mesa/Boogie Grid Slammer Overdrive Gain Amplifier
boost - Mesa
- Mesa/Boogie Tone-Burst Clean Boost Gain Boogie 4x12
boost and 2x12
- TC Electronic Helix Phaser Phase effect cabinets.
-TC Electronic Dreamscape John Petrucci
Signature Flanger
- Boss DC-2 Dimension C Chorus effect
- Analog Man Juicer Compressor
Compression
- Fishman Aura Sixteen Piezo
Fuente: propia
Con base en el cuadro anterior se entienden cuales son los elementos
específicos a tener en cuenta para así hacer nuestra propia selección de
instrumento efectos y amplificación. Según el interés del intérprete para su

concierto y la finalidad del mismo, podría pensarse en realizar una copia exacta
del sonido de cada compositor, para esto sería necesario acudir a parámetros
específicos en cuanto a su Gear, backline y rider técnico que por la variedad de
estilos se haría necesario contar con una amplia gama de efectos
preferiblemente los mismos que usa cada compositor. En otro escenario está el
propósito de acercarnos a la intención del compositor, pero presentando una
interpretación con estilo propio, y para esto se realizó la siguiente selección:
Tabla 2: Guitarra, efectos y amplificador de uso
Artista Guitarra Efectos Amplificador

Yenner Mora Ibanez Polytune TC Electronix Mesa Boogie Dual
Dyna compresor Joyo Rectifier - Cabina
Prestige 3550
Morley Bad Horsie Wah Cabezote
Ltd Delux US Dream Joyo fender chorus 80 -
Orange Burst Cadine Combo
EC-1000
Gate Of kahn Joyo
EP Booster Xotic USA
D-Seed Joyo
Fuente: propia
La guitarra seleccionada para interpretar el repertorio es la Ibanez
Prestige RG3550, es una guitarra Japonesa de excelentes prestaciones, es
buena opción por su versatilidad ya que cuenta con una combinación de
micrófonos Dimarzio que resaltan los harmónicos de las notas y un Floyd Rose
Edge Zero que sirve para el uso de técnicas extendidas manteniendo estable la
afinación, el brazo es en arce (maple), es delgado (Super Wizard Prestige) y la
comodidad es notable, además cuenta con 24 trastes Jumbo, lo que hace
contundente la precisión de las notas y ornamentos.

Luego la señal de la guitarra se dirige a una combinación de pedales con
funciones muy específicas. Estos están en una cadena de efectos con un orden
puntual, ya que del orden de ellos podría cambiar notablemente el sonido. El
orden que se establece después de varias pruebas y juicios propios respecto al
sonido.
Ilustración 1: Cadena de efectos
Fuente: propia
Inicialmente la señal pasa por un afinador (polytune tc elctronix) con una
característica particular ya que puede indicarnos la afinación de todas las
cuerdas al mismo tiempo, después va a un compresor (Joyo -Dina compressor)
que uso para dar mayor presencia y sostain a las notas, es muy útil cuando se
necesitan finales largos y se facilita generar feedback (retroalimentación de la
guitarra). El siguiente pedal es un wah (Morley Bad Horsie) diseñado por Steve
Vai, cuenta con un sensor óptico, de esta forma se activa al mover el pedal de
expresión sin necesidad de interruptor, por su efecto de filtro es importante que
este pedal reciba la señal pura de la guitarra para esto es necesario ubicarlo
antes de cualquier efecto de distorsión o modulación. Luego va el pedal de
distorsión más fuerte de este pedalboard (US Dream Joyo), es indispensable
para el repertorio sobre todo en piezas como Terra, Ytse Jam y Technical
Difficulties donde predomina la distorsión más saturada. Después va una
distorsión más suave que sea ideal para lograr una sonoridad blues y rock, en
Cliffs of Dover y Dolemite es la mejor opción, para esto utilizo un pedal de
overdrive (Caline Orange Burst). En el siguiente eslabón de la cadena viene un
pedal muy útil, es el noise gate (Joyo Gate of Kahn), este se usa para eliminar
cualquier ruido indeseable generalmente ocasionado por los pedales de
saturación, por esta razón se suele utilizar después de ellos. En seguida se
encuentra un EP Booster, pedal que en este caso se utilizara para realzar los
solos de guitarra ya que él puede modificar el volumen y la ecualización de la
señal. Por ultimo esta el efecto de Delay (D-seed Joyo) que se configura para
dar mayor profundidad a los solos y partes limpias.
Backline
Este tema hace referencia a los equipos e instrumentos necesarios para
complementar el performance, dentro de ellos encontramos; baterías,
amplificadores, micrófonos, bases y cualquier elemento que necesiten los
músicos para la presentación. En cuanto a la guitarra es indispensable un buen
amplificador que brinde una calidad superior ya que todo lo anteriormente
mencionado como el instrumento y la cadena de efectos no tendrían el máximo
rendimiento si el amplificador no cumple con las características adecuadas.
Para esto se hizo la selección de dos amplificadores con características
diferentes ya que el repertorio así lo dispone, en primer lugar está un Mesa

Boggie Dual Rectifier - Cabina Cabezote con todo el necesario para un control
total del sonido y un alto nivel de desempeño, tiene más ganancia de entrada y
proporciona un sonido armónicamente rico de guitarra, en pocas palabras es
característico en sonido y distorsión ideal para las piezas del repertorio con
ingredientes de rock y heavy metal. Sin duda de que este amplificador
sobresale en muchos aspectos es también muy versátil esto lo demuestra el
hecho de ser la elección en amplificación de grandes artistas con sonidos muy
distintos como es el caso de John Petrucci, Carlos Santana, Andy Timmons,
Andy Summers, Keith Richards, Dave Grohl, Kirk Hammett y muchos más
abarcando gran variedad de géneros musicales.
De igual forma en busca de un sonido característico para lograr una
interpretación propia, se incluye un segundo amplificador que contiene
características más dadas hacia el blues y el jazz, en este caso se trata de un
Fender Chorus 80 – Combo, con un sonido mucho más limpio que no satura a
alto volumen y con el típico timbre Fender, que otorga un sonido muy cristalino.
Algunos de sus usuarios más famosos, George Benson, Chuck Berry, Eric
Clapton, Eric Johnson, Brian Setzer, Neil Young, Jack White.
Está claro que en esta ocasión la guitarra es la protagonista, pero no hay
que omitir los demás instrumentos que son de gran importancia en el desarrollo
del show, tanto en lo musical como en lo escénico, ellos son indispensables y
también deben tener un trabajo detallado respecto a sus requerimientos, sin
embargo este trabajo se centra en la guitarra eléctrica, así que se aborda solo
lo que a ella se refiere, en todo caso es importante mencionar tales
requerimientos a grandes rasgos.

 Set de batería con 6 cuerpos (4 toms, snare, y bombo). 6 Platillos con
sus respectivas bases, Twin (doble) pedal de bombo.
 2 amplificadores para guitarra eléctrica; 1 Mesa Boogie Dual Rectifier -
Cabina Cabezote y un Fender Chorus 80 – Combo.
 1 amplificador para bajo Ampeg portaflex 350con cabina 8x10
 1 teclado: KORG, YAMAHA con (base profesional) y pedal.
 2 Micrófonos para las voces con sus respectivas bases preferiblemente
Shure PG58, PG57
Monitoreo
Hay varias clases de monitores, los de piso los cuales trabajan para
brindarle un campo sonoro a cada músico según sus requerimientos
personales, esto con el fin de que se sientan más cómodos en el escenario y
puedan tener un mejor desempeño. También están los side fill, se usan en
escenarios generalmente amplios, ellos ayudan a que el grupo tenga una
sensación de estar dentro del campo sonoro recibiendo una mezcla general de
todos los músicos. El drum fill, es diseñado para los bateristas ya que este
instrumento genera un gran nivel de saturación y presión sonora, por lo que se
hace necesario un sistema que genere un campo sonoro mayor.
Después de hacer un análisis general de los sistemas de sonido que se
ajustan a las necesidades del concierto y lo que se quiere mostrar en tarima, se
hacen los requerimientos técnicos.
Tabla 3: Monitores
Mezcla Posición Monitores

2 Voz – teclado 1
3 Guitarra 1 1
4 Bajo 1
1 Batería 1 (drum fill)
5 Side fill l 1 sistema
6 Side fill r 1 sistema
Fuente: propia
Stage Plot
El stage plot es un plano o esquema que da una referencia visual de la
distribución de los elementos en el escenario, este puede contener
instrumentos, monitores, bases, sillas, sobre tarimas, luces y puntos eléctricos,
estos tienen que estar detallados en el esquema, mostrando su ubicación.
Ilustración 2: Stage Plot
Fuente: propia
El sonido generado en tarima por los amplificadores y monitores es muy
diferente al sonido que se genera para el público, este debe ser claro y
contener el sonido completo y balanceado del grupo, para esto siempre se
tendrá en cuenta una sola mezcla. En este punto es importante tener en cuenta
el lugar del concierto y que el sonido sea el indicado para el mismo, es
necesario que el que el auditorio tenga las características adecuadas para este
tipo de evento ya que en ocasiones se realizan conciertos en espacios no
aptos, en estos se provocan sonidos saturados o con mucha reverberación y
entorpecen la presentación del artista causando sonidos confusos que dificulta
el entendimiento de la música. Algunos auditorios donde se realizan diferentes
conciertos de grado suelen ser más apropiados para conferencias, clases
magistrales o talvez exposiciones de instrumentos solistas que no requieren un
despliegue tan amplio en materia de sonido.
Teniendo en cuenta lo anterior se eligió hacer el concierto un escenario
que está destinado a este fin, además de ser un fuerte referente a nivel local de
buenos conciertos tanto de agrupaciones nacionales como internacionales, de
diferentes estilos y performance. Ozzy Bar Rock cuenta una tarima y un sonido
ideal para el formato que se quiere mostrar, además es un espacio en donde el
público puede recibir la experiencia en primera fila.

Capítulo VI
Conclusiones
En el proceso de preparación y ejecución de un concierto hay muchos
elementos indispensables a tener en cuenta, gracias al cuidadoso proceso que
se llevó acabo en este proyecto se facilitó identificar y solucionar estos
elementos para obtener óptimos resultados. En la primera etapa, el análisis del
repertorio acompañado del estudio en el instrumento complementa el
entendimiento de cada pieza y da claridad de orden estético, estilístico e
interpretativo al artista, logrando una notable solidez en su ejecución y
ayudando a resolver con éxito las dificultades que el repertorio presenta
llevando su interpretación a un nivel profesional.
En lo que podríamos llamar segunda etapa, se obtienen evidencias que
mediante la documentación y experimentación nos revelan la importancia de
los equipos o herramientas para interpretar la música, es el caso de la guitarra
eléctrica sus prestaciones, efectos y demás accesorios y elementos que
configuran gran parte de su sonido. Para esto fue parte fundamental conocer
de mano de algunos de los más experimentados referentes sus opiniones y
elecciones tanto técnicas como trascendentales en la forma de ver la guitarra y
abordar la música, a su vez estos referentes fueron grandes influencias en el
proceso de composición de la pieza original y a su vez herramientas
fundamentales para la selección cuidadosa de elementos a utilizar.
Esta preparación nos muestra algunos otros requisitos necesarios que
no podemos obviar, lo referente al espacio adecuado, el backline a utilizar y su
disposición, completan de manera significativa la experiencia artística.

Realizar la lista de requerimientos y elaborar los planos es indispensable
ya que visualiza previamente a los músicos en el escenario y da una idea más
clara de los elementos con los que se cuenta.
Cada uno de los procesos señalados en este trabajo se hacen
imprescindibles en la preparación y ejecución de un concierto de guitarra
eléctrica, su óptimo desarrollo y el aporte que estos brindan son parte esencial
que definen la experiencia como completa. Seguramente los parámetros que
sugiere este trabajo son aplicables en otro tipo de conciertos y eventos,
teniendo en cuenta el contexto en el cual se desarrollen.

Glosario
Boosters: En estricto rigor, son pedales más cercanos al control de
volumen que a las distorsiones en sí, puesto que no generan saturación por sí
mismos, sino que levantan el nivel de salida (volumen) de una señal.
Chorus: Efecto que provoca que el sonido de un único instrumento
suene como un grupo de instrumentos, producido por un retardo electrónico.
Compresor: Efecto en el cual las notas con poco volumen son
potenciadas mientras que las señales más fuertes (como un acorde atacado
con fuerza) bajan de nivel.
Delay/Eco: Efecto que se produce por medios electrónicos, o
mecánicamente por la reproducción de un ligero retraso de los sonidos
grabados.
Distorsión: Saturación o ganancia del sonido. Dependiendo de las
características, se logran alterar distintos armónicos y se opaca la nota
fundamental en distintos niveles.
Ecualizador: Un ecualizador es un control de tono que divide el
espectro sonoro en bandas de frecuencia, permitiendo potenciar o recortar
independientemente el nivel de cada uno de ellas.
Flanger: Efecto basado en el retardo de la señal que tuvo su origen en
los magnetofones de cinta. Electrónicamente, el sonido se crea reproduciendo
una señal retardada hasta 20 milisegundos, con una modulación de tono
controlada, junto con la señal original.

Harmonizadores: Efecto con dos usos fundamentales. Puede
enriquecer el sonido de la guitarra añadiendo armónicos correspondientes a la
señal original y puede producir un sonido similar al chorus. El armonizador
puede generar también una nota armónica. Hasta hace poco, sólo era posible
obtener armonías de intervalo fijo; no obstante, existen nuevos
aparatos "inteligentes" que permiten al ejecutante seleccionar tipos específicos
de escala, obteniendo armonías ajustadas automáticamente.
Octavadores: Este efecto analógico (antecesor del armonizador) añadía
una única nota, una octava por encima o por debajo de la señal original.
Overdrive: Efecto que afecta sobre todo al segundo armónico en una
cantidad moderada, lo que genera picos irregulares en la señal. Los tonos se
centran en los bajos y medios. En teoría, el sonido es más "sucio", pero la nota
fundamental es distinguible y la saturación no es muy dura, por lo que aún se
distingue un sonido natural de la guitarra.
Pedal de volumen: Este dispositivo pasivo permite al ejecutante variar a
voluntad el volumen de su instrumento sin dejar de tocar. Su principal
utilización (aparte de alterar el volumen global) es como pedal
de "crescendo" o "swell". Es posible obtener un efecto particularmente atractivo
eliminando el ataque al comienzo de las notas y los acordes dejando
que "entren flotando". Esto funciona también al estirar las cuerdas o con los
armónicos.
Phaser: Es un procesamiento digital de audio que produce un efecto
de sonido similar al flanger. La señal se dobla y luego se le aplica un retraso, al

sumarla con la señal original se produce un efecto de modulación entre una
señal y la otra.
Pitch: El Pitch es un pedal de efectos cuya función es la de crear dos
notas diferentes, la natural que se está tocando, y otra adicional que se puede
elegir según se coloque el modulador.
Reverberación: Las unidades de reverberación imitan el efecto natural
de solapamiento de los reflejos sonoros producido por el rebote de las ondas
contra las superficies de un espacio como una habitación
Supresor de ruido: Herramienta que reduce el contenido de ruido de la
señal suministrada al amplificador.
Talk-box: Este efecto puede usarse para cambiar la frecuencia del
sonido y para aplicar sonidos vocales (como canciones) a un instrumento
musical, como a la guitarra o al teclado
Trémolo: Consiste en generar oscilaciones periódicas en la amplitud de
una señal en función del tiempo. También provoca pequeños cambios de fase
que afectan principalmente a las ondas bajas.
Wah wah: Efecto que modifica el tono del sonido al aumentar una
determinada banda de frecuencias, que varía según el grado en que se
presiona el pedal.
Whammy: El whammy es la exageración del vibrato a diferencias mucho
más grandes de frecuencias que este último. Mientras que el vibrato abarca
diferencias de no más de 1/4 de tono respecto al sonido original, el whammy
puede llegar tan lejos como se pretenda o se pueda llegar con la guitarra.
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CPM, Manual para la Creación de Portafolios Musicales, Primera edición
(2012) en alianza con el Ministerio de Cultura de Colombia. Idea y
dirección general: Poliedro. Autores: Luis Hermida, Martín Giraldo,
Camila Saravia y Leonardo Garzón

Anexos
Anexo 1: Partitura de Terra (música original)

Anexo 2: Partitura de Cliffs of Dover
Anexo 3: Partitura de Dolemite
Anexo 4: Partitura de Technical Difficulties
Anexo 5: Partitura de Ytse Jam
Anexo 6: Cartel del concierto de grado.
Anexo 7: Programa de mano.
Anexo 8: DVD del concierto de grado.

PREPARACIÓN Y EJECUCIÓN DE UN CONCIERTO DE GUITARRA ELÉCTRICA - Yenner Fabian Mora PDF

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PREPARACIÓN Y EJECUCIÓN DE UN CONCIERTO DE GUITARRA

Trabajo de grado para optar por el título de:

YENNER FABIAN MORA LOPEZ

UNIVERSIDAD ANTONIO NARIÑO

Figura 1: Análisis Little Wing ................................................................................................................. 26

Tabla 1: Guitarra, efectos y amplificadores ........................................................................................... 45

Ilustración 1: Cadena de efectos ________________________________________________________ 48

Es claro que al abordar la preparación de un concierto de guitarra

eléctrica hay muchos elementos indispensables a tener en cuenta, en algunos

ellos o simplemente por falta de orden en el momento de la preparación en

cada una de sus etapas, probablemente centrando su atención solo en algunos

puntos en particular sin abarcar todos los aspectos necesarios.

En este proyecto se describe y ejemplifica una planeación para la

preparación y ejecución de un concierto de guitarra eléctrica, desde el estudio y

análisis del repertorio hasta su puesta en escena. Se exponen métodos que

permiten visualizar con claridad características esenciales de cada pieza, así

como los elementos necesarios que participan de manera activa y

claridad un concepto de estilo, expresión y técnica con dominio interpretativo,

contenida en una experiencia artística completa alrededor del instrumento y su

Planteamiento del Problema

La ausencia de conocimiento metodológico; los pasos a seguir para

preparar un repertorio adecuado e interpretar satisfactoriamente un concierto

completa, es entonces esta ausencia de método un gran inconveniente que nos

En la vida artística general, así como a lo largo de un proceso

académico un músico se enfrenta a diferentes retos, entre ellos la necesidad de

plasmar en un evento musical sus esfuerzos, logros y desarrollo profesional,

con base en todos los conocimientos adquiridos, o lo que se puede llamar

“Puesta en Escena”. Esto también involucra componentes escénicos,

requerimientos específicos, además de una preparación ardua, consiente y un

que cumpla con las expectativas propias y de la audiencia en general. Es un

error frecuente de todo instrumentista, el de abordar cualquier pieza u obra

que se encuentra y buscando la manera de solucionarlas. Todos sabemos que

este paso es necesario e importante dentro del proceso de maduración de

cualquier pieza musical, pero entender cómo funciona la música y la

experiencia artística integral, es también una herramienta fundamental para

estos conocimientos al servicio de la interpretación no solo garantiza transmitir

músico y los conocimientos generales de manera recursiva y coherente, dando

solidez y respaldo al discurso interpretativo.

Alcanzar conocimiento metodológico relevante para el incremento de las

capacidades generales interpretativas en la Guitarra Eléctrica de cara a un

concierto y su puesta en escena.

 Comprender las necesidades de cada pieza musical en cuanto a su

técnica, estilo y expresividad.

 Percibir la intención y el mensaje musical que sugiere el compositor,

para interpretar con mayor acercamiento el despliegue de la música.

 Desarrollar herramientas metodológicas para estudiar las piezas y los

diferentes niveles de complejidad para dominio del repertorio.

 Visualizar que elementos son necesarios para un concierto de Guitarra

Eléctrica, con el objeto de comprender e interiorizar el concepto musical

analizado en un repertorio específico para este instrumento.

En principio para abordar el tema “Concierto” de Guitarra Eléctrica es

importante resaltar que entendemos el término concierto no como la forma

perspectiva acorde al entorno en el cual se desarrolla el instrumento. Dicho

eso, se entiende el término Concierto como un evento en el cual se interpretan

piezas musicales a un público. El diccionario de la lengua española (2016) en

una de sus definiciones de la palabra dice: “Concierto:

Función de música en que se ejecutan composiciones sueltas.” (en línea).

Es importante entender acerca de la Guitarra Eléctrica en su contexto

histórico. Como consecuencia de la aparición del amplificador en el año 1935,

la guitarra eléctrica fue inventada en Estados Unidos, surgió de una necesidad

de los músicos de jazz, tratando de amplificar su sonido. Desde entonces, se

ha convertido en un instrumento musical de cuerdas, capaz de una multitud de

sonidos y estilos. Sirve como un componente importante en el desarrollo