Consejos sobre

pintura de
John Sargent
cantante
AS extracto de “JOHN SARGENT” POR EL HON. Evan
Charteris, KC ______

anotado por
THOMAS JEFFERSON CRISTOBAL
Tabla de contenido:

Prefacio. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .3

Nota Una rápida. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .5

Cuenta de la señorita Heyneman. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

Señor . Cuenta de Haley. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15

Sargent y una nueva forma de ver. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 29

Seleccione las pinturas. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 34

Imagen de la portada:

“reconociendo” de John Singer

Sargent
 Prefacio

Este folleto pdf es para cualquier persona que esté interesada en John
Singer Sargent y sus métodos de trabajo. Se ofrece por respeto y
admiración por un artista principal y como un reconocimiento de cómo
sus Ings Paint han afectado mi vida. Mi primer encuentro con gent SAR
en 1984, mientras estudiaba para convertirse en un ilustrador y ese
descubrimiento me convenció para seguir una carrera ing pintura- lugar.
En aquel entonces estaba fuera de Sargent vor fa- con el mundo
académico por lo que no había mucho que pude encontrar sobre él o
sus métodos, y Cualquiera que sea usted podría encontrar no era
particularmente perspicaz y consistía principalmente de la conjetura y la
especulación. No había nada en el hombre mismo. Por supuesto,
después de treinta años de búsqueda que han llegado a apreciar que
no se aprende a pintar mediante la lectura de un libro - o muchos libros
para el caso - se aprende a pintar por la pintura.

Sargent en su estudio, con su pintura, Madame X Sin embargo, hay ocasiones en que tropezar con un viejo punto de libro puede ayudar el camino a seguir.
detrás de él. Los siguientes extractos provienen de un diez por ESCRITO biografía en 1927 por el Honorable Evan Charteris K

.C., Un hombre que sabía Sargent y su familia de primera mano. libro ofrece una visión Charteris' en que fue

Sargent y cómo llegó a ser una figura tan importante en el arte. Se fiere también de- varias cuentas de los

métodos de trabajo de Sargent, tal como se describe por dos de sus estudiantes, en realidad algo raro. Charteris

libro es una excelente lectura para cualquier pintor, sigue siendo relevante hoy en día, pero por desgracia

actualmente fuera de impresión. Deseo que había encontrado

3
El texto de seguimiento ha sido extraído del libro, John TI hace décadas, ya que podría me habría ahorrado
Sargent, por el Hon. Evan Charteris, KC, publicado
mucho tiempo. O no . Debido a no tener una copia me
por Scribner & Sons en 1927.
obligó a aprender a resolver mis propios problemas y
pintar en mi propio camino
El libro también contiene muchas cartas ay de
Sargent y anécdotas fascinantes sobre la vida
- una cosa importante para cualquier artista que hacer cuando

personal de Sargent. se inicia.

Si usted es un pintor espero que se encuentra este
Al escribir estas líneas, este libro está fuera de impresión. pdf valiosa. Sobre la base de mis propios años de
Si usted admira Sargent y su trabajo a continuación, enseñanza que he anotado algunos puntos a destacar
rastrear una copia usada es la pena el esfuerzo. Una
algunas cosas Sargent dijo que debería ser de
exploración sin editar prima del libro está disponible en el
particular interés para los novatos. Pero todo en estos
Archivo de Internet, que proporciona la fuente de este
documento: recuentos ac- es digno de consideración, y al final, lo
que es más interesante sobre el texto que sigue es la
https://archive.org/details/ forma en que revela cómo
johnsargent00char

métodos y técnicas más directo y sencillo de Sargent AC-tualmente fuera. Espero que mi sorpresa

es perdonable porque hace treinta años era un joven artista ingenuo tratar de ingeniería inversa de
No soy Sargent, pero si usted está interesado en mi propio

trabajo se puede visitar:

un genio en mi propia. Y ahora, es reconfortante saber que es de las cosas simples que crean gran

www.thomaskitts.com obra: Draftsmanship fina, habilidades de pintura sólidos, materiales simples, el trabajo duro, una

mente curiosa, y por supuesto, un buen ojo y animado mano. Thomas Jefferson Cristóbal

4
 Una breve nota referente a qué Sargent rara vez se enseña ...

Cuando el señor. John Collier estaba escribiendo su libro sobre El arte del retrato Paint ING -preguntó
John Singer Sargent por cuenta de sus métodos. Sargent respondió:

En cuanto a la descripción de mi procedimiento, creo que la mayor dificultad para dejar claro a los
alumnos, incluso con la paleta y los pinceles en la mano y con el modelo antes que yo; para
servirla en el resumen me parece sin esperanza.

Con la ayuda, sin embargo, de dos de sus antiguos alumnos, señorita Heyneman y el Sr. Henry
Haley, es posible obtener una idea de sus métodos.

pinturas aquí Sargent exterior sin mucho equipo, que nos

recuerda que no es el engranaje que podemos comprar lo
que nos hace como artistas. En cambio, es el trabajo duro
y la experiencia que acumulamos durante toda la vida.

Además, vale la pena señalar que en las raras

ocasiones cuando Sargent ofreció instrucción
formal insistió en enseñar sólo lo básico. Sargent
no valoran técnicas complicadas o el uso de
materiales esotéricos. Se prefiere la sencillez y la
franqueza en su lugar.

5
 recuento de los métodos de Sargent de la
señorita Heyneman

La primera vez que se comprometió a criticar el trabajo de la señorita Heyneman insistió en que se debe
extraer de modelos y no de amigos.

Si pintas tus amigos, ellos y que están preocupados principalmente por la semejanza. No se puede
descartar una lona cuando quiera y comenzar de nuevo - no se puede continuar indefinidamente
hasta que haya resuelto un problema.

Desaprobaba (Miss Heyneman continúa) de mi paleta y los pinceles. En la paleta de las pinturas no
habían sido puestos a cabo con cualquier sistema.

Usted no quiere manchas de color, que quieren un montón de pintura para pintar.

A continuación, los cepillos fueron objeto de burla.

No es de extrañar que su pintura es como plumas si utiliza estos.

Cabeza de muchacha Capri, 1878 Después de haber raspado la paleta limpia que colocar la suficiente pintura por lo que parecía una docena de

imágenes.

No tenga miedo de que se establece un montón de

La pintura es lo suficientemente bastante difícil sin añadir a sus dificultades de mantenimiento
pintura temprana a medida que trabaja. Una vez que
usted ha puesto suficiente pintura abajo se puede
de sus herramientas en mal estado. Quieres buenos pinceles gruesos que llevará a cabo la
empujar a su alrededor para generar texturas interesantes pintura y que resistirá en un sentido el trazo en el lienzo.
y bordes difusos. Al final del día, la principal diferencia
entre una pintura y un dibujo de color es la cantidad de
pintura se ha utilizado. A continuación, con un poco de carbón coloca la cabeza con no más de unas pocas líneas ful cuidadores sobre

las que pasaba un trapo, por lo que es fue un lienzo de color grisáceo perfectamente limpio (que se prefiere),

ligeramente mostrando donde las líneas tenían

6

de color grisáceo.
al colapso, dejando tras de sí una madeja calcáreo fina
sesión causará un pasaje muy bien en capas de pintura
simple toque de un disolvente hacia el final de una
pigmento se acumule en una manera agradable. El
disolvente a medida que trabajan. Esto evita que el
Muchos pintores contemporáneos utilizan demasiado
permite ver de inmediato qué hacer a continuación.
en la niñera y su pintura, al mismo tiempo, lo que le
mientras trabajaba. detrás la mudanza le permitió tomar
niñera y rápido paso hacia atrás y hacia adelante
tamaño. Para el retrato, solía colocar su lienzo junto a la
Sargent le gustaba pintar en lo que se llama la vista de
Sargent prefiere pintar lo más directamente posible, en primer
lugar el establecimiento de las formas más grandes y masas en
su composición antes de la articulación de los más pequeños en
el interior de ellos. También le gustaba para establecer los
valores de en medio primero para que pudiera juzgar la claridad
u oscuridad los acentos finales deberían ser.
estado . Entonces empezó a pintar. Al comienzo se utiliza con moderación un poco de aguarrás al
frote con un tono general sobre el fondo y seleccionar la cabeza (el contorno real, donde la luz y la
sombra se reúnen, no es el lugar donde la cabeza se encuentra con el fondo), para indicar el masa
del cabello y el tono del vestido. Las características ni siquiera se sugirieron. Esta era una cuestión
de unos momentos. Para el resto utilizó su color sin un medio de ningún tipo, ni aceite, trementina
o cualquier otra mezcla.
Cuanto más gruesa que la pintura, los flujos de más color.
Se había puesto en este esquema general muy rápidamente, apenas más que manchas, pero desde el
momento en que empezó realmente a pintar, trabajó con una especie de deliberación concentrada, una
prisa lenta por así decirlo, sosteniendo su pincel a punto en el aire durante un instante y luego ponerlo
simplemente dónde y cómo se pretende que esta caiga.
Para ver la cabeza a desarrollar desde el principio era como el levantamiento repentino de un ciego
en un cuarto oscuro. Cada etapa fue una revelación. Por un lado, a menudo se trasladó su caballete
junto a la niñera para que cuando caminaba hacia atrás de ella vio el lienzo y el original de la misma
manera, a la misma distancia, en el mismo ángulo de visión. Apuntó a la vez para el verdadero tono
general de los antecedentes, de los cabellos, y por el tono de transición entre los dos. Me mostró cómo
la luz se derramaba sobre la superficie de la mejilla en el propio fondo.
Al principio trabajó sólo para los tonos medios, con el modelo de aviones grandes, como lo habría hecho
había sido la cabeza de una manzana. En resumen, pintó como un modelo de escultura, por las grandes
masas primeros, pero con la diferencia de que el escultor puede más o menos bulto en la cabeza y cortarlo
después, mientras que el pintor, por las limitaciones de su material, está obligado a trabajar al instante para
una precisión absoluta de la masa, en el color y contorno que tiene la intención de preservar.
7
 Economía de esfuerzos en todos los sentidos, que predicaba, la más aguda auto-control, los menor
número de golpes posibles para expresar un hecho, al menos, dar una palmada sobre la pintura poseless
PUR. Creía, con Carolus-Duran, que la pintura era una ciencia que era necesario adquirir para hacer de
ella un arte.
Para dibujar bien con un cepillo requiere una gran cantidad de

tiempo dedicado a la elaboración de la vida. Como el viejo dicho Debe dibujar con el pincel con la misma facilidad, ya que inconscientemente casi como se
artística va: “Sólo se puede pintar, así como se puede dibujar.”
dibuja con el lápiz.

Se aconseja hacer una cabeza para un retrato poco menos de tamaño natural, para contrarrestar la tendencia a

pintar grandes que la vida. Aún así él puso en una cabeza ligeramente más grande que tenía la intención de salir

de ella, para que pudiera modelar los bordes con y en el fondo.

Señora Agnew de Lochnaw (detalle)

Una de las cosas que hacen que un maestro

Sargent es la variedad que invirtió en su obra borde.
Habla de la superposición de los límites de sus
formas para generar bordes perdidos y encontrados.
Mira cómo el contorno de los rangos para el cabello
de Lady Agnew, de difícil bordes suaves, como se
desprende o pasa a segundo plano. Mira cómo
Sargent extrae selectivamente su atención a ciertos
detalles dentro de su cara con un flanco más nítida
contra una más blanda. Y mira cómo nos adentra en
una zona de la pintura al acentuar (o disminuir) el
contraste entre los valores.

8
El ojo humano gravita de forma natural hacia zonas de
alto contraste de valor y bordes delineados. pintores
perceptuales han aprendido a explotar esta tendencia y
dirigir conscientemente el ojo por la alteración de ciertos
bordes por razones de composición. Mira cómo la cara
de Lady Agnew parece que nos permita conocer en la
pintura. Nota cómo el lado izquierdo de su cuello, y el
detrás de la silla, y los volantes de su vestido parece
transición entre sí. Los límites entre esas formas se
pierden porque los valores son muy similares. En
contraste, el contraste de luz y oscuridad encuentra en
funciones de Lady Agnew dirigir nuestra atención a su
cara. También, mirada en la manera Sargent acentúa
selectivamente ciertas partes del vestido usando
diversos grados de contraste luz y la oscuridad y el
trabajo borde. Nada de esto se produjo al azar. Todo el
trabajo del borde nítido nos lleva de nuevo a su rostro.
Aún así, que rara vez, o nunca, encontrar un afilado
borde de una pintura de Sargent. Lo que puede parecer
quebradizo a usted en este pdf es casi siempre más
suave en la pintura real. reproducciones reducidas
pueden ser engañosos.

Señora Agnew de Lochnaw de 1892

9
Creo que lo que quiere decir aquí Sargent es que el pintor Las colinas de pintura desaparecieron de la paleta, sin embargo, no había sensación de pesadez en el lienzo: a
debe representar la transparencia de la manera más
pesar de la sombra fue pintado tan fuertemente como la luz, se re-CONTENIDAS su transparencia.
directa posible mediante la mezcla del color y los valores
que vemos - no mediante la aplicación de un lavado fino o
esmalte de pintura. En otras palabras, si se mezclan los
Si ve una cosa transparente, pintarlo transparente; no obtener el efecto de una mancha
colores correctos involucrados se termina con la ilusión de
transparencia, como lo demuestra la corriente alpina de delgada que muestra el lienzo a través. Eso es un simple truco. El más delicado de la
Sargent continuación. Una pintura que es totalmente transición, más se debe estudiar para el tono exacto.
opaco.

La ligereza y desde luego de su contacto fue maravilloso para la vista. Nunca hubo ningún pintor que
podría indicar una boca con más sutileza, con más mo- bilidad, o con la diferenciación más aguda.
Como lo pintó, la boca floreció fuera de la cara, una parte integrante de la misma, no, como en la gran
mayoría de los retratos, pintado en él, una cosa separada. Mostró cuánto se podría expresar en la
pintura de la forma de la frente, los pómulos y los músculos se mueven alrededor de los ojos y la boca,
donde el personaje traicionado sí con mayor facilidad, y bajo sus manos, una cabeza sería una
semejanza sorprendente mucho antes había tanta como se indica a sí mismos la cuenta. De hecho,
me parecía la boca y la nariz que acaba de ocurrir con el modelado de las mejillas, y un ojo, Luminoso,
había sido colocado en el zócalo preparado con tanto cuidado para él (como un huevo escalfado cayó
en un plato, que describió el proceso), cuando un reloj en el barrio golpeó y el Sr. Gent SAR se
recordó de repente que tenía una cita tarde con una niñera. En su absorción bastante que había
olvidado. Odiaba dejar el lienzo.

Val d'Aosta, ca. 1907-1908 (A

Corriente sobre rocas)

Si sólo uno tenía uno mismo bajo un control perfecto, siempre se podría pintar una cosa,
finalmente, en una sola sesión. No es que usted está a intentarlo. Si usted trabaja en una cabeza
durante una semana sin indicar las características que se han aprendido algo sobre el modelado
de la cabeza.

10

La fecha desconocida
Ateneo Crescenzo
Fusciardi
Esto entra en el axioma del arte de la simplificación de
su tema. No empuje sin rumbo en el lienzo con la
esperanza de que una pintura de alguna manera
emerger. Observar cómo los planos superficiales de su
cambio de tema y desplazamiento. Y no
prematuramente decorar la superficie con detalles
innecesarios antes de que haya establecido con
precisión los colores y valores porque son lo que va a
crear la forma subyacente.
Cada pincelada mientras pintaba había modelado la cabeza o más sim- plified ella. Tuvo cuidado de
insistir en que había muchos caminos a Roma, que hermosa pintura sería el resultado de cualquier
método o ningún método, pero estaba convencido de que el método que él defendía, y siguió durante
toda su vida, una libertad podría ser adquirida, un dominio técnico que dejó la mente en libertad para
concentrarse en una expresión más profunda o más sutil.
I previamente habían enseñado a pintar una cabeza en tres etapas separadas, cada una de
repetir - en carbón vegetal, en fina de color de lavado y en la pintura - las mismas cosas. Por el
método de Sargent la cabeza desarrollada por un solo proceso. Hasta casi al final no hubo
características o acentos, simplemente una forma sólida de crecimiento fuera y dentro de un fondo
con el que fue uno. Cuando por fin se las ponía, cada acento se estudió con una intensidad que
mantiene su pincel suspendido en el aire hasta el ojo y la mano se habían estabilizado a un
propósito, una a continuación. . .¡costoso! La carrera resonó casi como una nota musical. Le
molestaba mucho si los acentos fueron indicados por descuido, sin tener en cuenta exacta de su
importancia relativa. Ellos fueron, en cierto modo, las uñas sobre la cual toda la estructura dependía
de solidez.
La señorita Heyneman posteriormente dejó un estudio que había hecho, en el estudio de Sargent
con una nota pidiéndole que escribir, “sí” o “no”, en función de si se aprueba o no. Escribió al día
siguiente:
Creo que su estudio muestra grandes progresos - mucho mejores valores y por lo tanto mayor
respiro de efecto con menos monotonía en el detalle. Todavía pienso que debería pintar más
grueso - pintar todos los medios tonos y las vías generales bastante grueso - y siempre pintar
una cosa en otra, y no de lado a lado hasta que toquen. Hay unos pocos lugares difíciles y
pequeñas donde no ha seguido esta regla con severidad suficiente.
11

A pesar de la aparente laxitud de la obra terminada
de Sargent, él era un pintor estructural interesado en
crear la ilusión de la forma de 'romper' o cambiando
su color que la superficie de su tema se volvió hacia o
lejos de la fuente de luz. Tales cambios eran más que
un cambio en el valor, Sargent también empujaría el
color local de cada calentador plano o más frío en
cierto grado, dependiendo de la temperatura de la
rebotar la luz fuera de ella. Y si un detalle oscurecido
mucho cambio necesario que iba a sacrificar ese
detalle en aras de la claridad.
No se puede enfatizar lo suficiente, simplificar lo que
se ve.
Unos días después me llamó. modelo habitual de la señorita Heyneman había fallado, y convenció a su
presidenta para sentarse en su lugar; Sargent se ofreció a pintar la cabeza del modelo.
Esta vieja cabeza era quizás más fácil para indicar con sus formas prominentes, pero la
pintura era más sutil. Recuerdo mi asombro cuando entró en el fondo con un azul puro más
brillante donde había visto sólo la oscuridad no revelado.
¿No lo ves? La forma en que se estremece de luz a través de ella?
Yo no había percibido: del mismo modo, hasta que cada golpe enfatizó su inten- ción. No vi
cómo logró transmitir el cabello fino estirada firmemente hacia atrás sobre el cráneo sin tener que
pintarlo. Pintó la luz o sombra, un objeto de cuatro esquinas con las esquinas gastadas suave, tan
definido en forma indefinida como lo era en color, y indeciblemente delicada en sus transiciones.
Se concentró toda su atención en el tono medio que lleva a la luz en la sombra. Se
mantuvo un comentario corriente de explicación a su paso, evaluando cada carrera, a
menudo lo condena y diciendo:
Esa es la forma en que no lo haga! Mantener los planos sencillo y gratuito.
Dibujó un cepillo grande completo, por todo el contorno de una mejilla, ating obliter- aparentemente
debajo de todo el modelado, pero era siempre más adelante para simplificar que tomó estas realmente
terribles riesgos, sonriendo a mi perturbación mal disimulada y bastante simpatizar con eso .
La segunda pintura me enseñó que el conjunto de valores de pende un retrato de- Tras su primera
pintura, y que no puede nunca retoques rectificar un fallo inicial. Proporcionado cualquiera de sus
etapas, un pintor del Sr. calibre de Sargent podría pintar durante una semana en una cabeza y nunca
volver sobre sus pasos - pero
12

Sra Hugh Hammersley, 1892
Sargent se suele raspar horas de trabajo al pintar
un retrato y luego esperar a la niñera para volver al
día siguiente. Muchos clientes se quejaron de este
rasgo y revela que incluso un genio como Sargent
no siempre lo hacen bien en su primer intento. Al
parecer, lo que era más importante Sargent era el
tramo final hasta la meta. Ejecutado alla prima cuanto
más se pueda.
Nunca intentado correcta. Él sostuvo que era tan imposible para un pintor para tratar de volver a pintar una
cabeza donde la estructura inferior estaba mal, como para un escultor para remodelar las características de
una cabeza que no se ha entendido en la masa. Es por ello que el Sr. Sargent menudo repintó la cabeza
una docena de veces, me dijo que él no menos de dieciséis años había hecho de la Sra. Hammersley.
Cuando él no estaba satisfecho nunca dudaba de destruir lo que había hecho. Pasó tres
semanas, por ejemplo, la pintura de Lady D' Abernon en un vestido blanco. Una mañana, después
de unos minutos de lo que iba a ser el final de fraguado [sic], de repente se puso a trabajar a
raspado lo que había pintado. Este retrato en un vestido negro, se llevó a cabo en tres sesiones.
Hizo lo mismo con el retrato de la señora. Wedgwood, y muchos otros. Eliza Wedgewood
relata que en 1896 consintió, ante la insistencia de Alfred Parsons, para pintar su madre. Se
sentó para él doce veces, pero después de la duodécima sentado dijo que ambos serían la
mejor para un descanso. Luego escribió a la señorita Wedgwood que fue humillado por su
incapacidad para captar la variable y el encanto fugaz de personalidad de su madre que
parecía el fin del retrato. Algunas semanas más tarde vio a la Sra. Wedg- madera en
Broadway, y golpeó con un nuevo aspecto, dijo:
Si va a llegar la próxima semana vamos a terminar ese retrato.
Ella llegó a la calle de Tite, un nuevo lienzo fue producido, y en seis sesiones completó
la imagen que se mostró en la Exposición Memorial.
Pintar un centenar de estudios: mantener cualquier número de lienzos limpios listo, de todas las
formas y tamaños para que nunca se ven frenados por la repentina necesidad de uno. No se puede
hacer bocetos suficientes. Boceto todo y mantener su fresca curiosidad.
13
 Que aunque era una práctica excelente para pintar flores, por la precisión necesaria en el estudio
de sus formas y la brillantez de su color puro. Se actualiza el tono de los retratos de interior de uno,
insistió, para pintar paisajes o figuras fuera de las puertas, así como a medio cambio de uno de vez en
cuando. No le gustaba en colores pastel, le pareció demasiado artificial, o de lo contrario se hace para
ver como aceite o acuarela, y en ese caso por qué no usar aceite o agua de color?

En una ocasión, después de pintar para mí, vio un borde duro, y sacó un cepillo a través de
ella, muy a la ligera, diciendo al mismo tiempo:

Esto es una cosa vergonzosa que hacer, y medios desaliñado pintura. No me lo dejes ver cómo
lo haces.
Amapolas, 1886
También he visto a la afirmación de que pintó una cabeza siempre en uno sen- tado. Pintó una
cabeza siempre en un solo proceso, pero que se podría llevar a lo largo de varias sesiones. Nunca
intentó volver a pintar un ojo o para subir o bajar, pues sostuvo que la construcción de un cabezal
preparado el lugar para el ojo, y si se coloca mal, la estructura inferior que estaba mal, y él sin
piedad raspó y se pintó la cabeza desde el principio . Esa es una razón por la cual su aspecto
pincelada tan fluidas y fáciles; tomó más problemas para mantener el aspecto despreocupado de
un boceto fresco que muchos pone un pintor sobre toda su lienzo.

14

Una plomada línea retenida en frente de
el sujeto le ayudará a ver sutiles pero importantes ángulos y
formas negativas a lo largo de un contorno. También revelará
cómo el sujeto se sitúa en la vertical. Se puede hacer una
plomada sencilla mediante la vinculación de una tuerca
hexagonal para un hilo de color blanco o negro.
la cuenta del Sr. Haley
Los siguientes extractos de Sr. la cuenta de Haley de la enseñanza de Sargent en la Royal Academy
Schools, 1897-1900, arrojando más luz sobre sus métodos:
La importancia de su enseñanza [de Sargent] no siempre fue evidente de inmediato; que tenía la
virtud de la que se revela con experiencia más madura. Su titubeo era probablemente debido a una la
búsqueda de algo para captar en la mente del estudiante, que se logra, que se desarrollaría una
seriedad profunda, sometido pero intensa. Fue considerado por algunos estudiantes como un profesor
indiferente, por otros como una “maravilla”; como una “maravilla” me gusta a considerarlo.
Él trató siempre con los fundamentos. Muchos fueron empañados en cuanto a su objetivo. Estos
fundamentos tuvieron que ser constantemente ejercido y aplicado.
En la elaboración del modelo, no podrá contar con la plomada en la mano izquierda.
Todo el mundo tiene un sesgo, ya sea a la derecha oa la izquierda de la vertical. El uso
de la plomada rectifica este error y desarrolla una aguda apreciación de la vertical.
A continuación, tomó el carbón vegetal, con el brazo extendido en toda su longitud, y la cabeza
echada hacia atrás así: todo el tiempo intensamente cálculo, que poco a poco y DE- liberately mapeado las
proporciones de las grandes masas de una cabeza y cilindros shoul-, la primera aplomo de la cabeza
sobre el cuello, su relación con los ders shoul-. Entonces indicar rápidamente la masa del pelo, luego
manchas localizar la posición exacta de las características, al mismo tiempo, tomando nota de sus valores
de tono y carácter especial, por último añadir ningún acento más o sombra oscura que compone la cabeza,
el cuello, los hombros y la cabeza del esternón.
Después de su salida inmediatamente sondeado esos puntos antes de cualquier movimiento
tuvo lugar del modelo y los encontró muy precisa.
15

Un boceto preparatorio por Sargent para “Clavel, lirio,
lirio, Rose”. (Que se muestra en la página siguiente)
espectáculos de croquis de Sargent cómo invirtieron
estaba en la prestación de algo tan simple como el cuello
de una niña. Los puntos rojos y las líneas establecidas en
la parte superior de su dibujo son mi propia invención.
Ellos están destinados a ilustrar cómo las líneas rectas
pueden ayudarle a establecer las proporciones generales
de su tema antes de empezar a articular las formas y
curvas orgánicas más complicadas. El enfoque de
Sargent al dibujo era algo en desacuerdo con la
formación clásica taller. En lugar de definir y de relleno en
un conjunto contorno, prefirió establecer las principales
formas y masas, y corregir errores como su imagen
revelada, tanto como lo hizo la hora de pintar.
Una fórmula de su para el dibujo fue:
Obtener sus puntos en su lugar correcto y sus líneas
precisamente en sus ángulos relativos.
En una ocasión en la escuela de la vida la noche
Recuerdo bien Sargent plaining com- que nadie
parecía preocupado por algo más que una
aproximación
aparearse articulación de la cabeza sobre el cuello y los hombros. El procedi- miento era registrar
cuidadosamente toda la pose en la sesión de la primera noche de dos horas. El resto de las
sesiones se dedicaron a hacer un dibujo tono totalmente acabada con tiza, cumpliendo con el
contorno original, trabajando desde las hacia abajo la cabeza, por lo que el dibujo no se vio
afectada por cualquier desviación al azar de la pose original de la modelo. Sargent no podía
reconciliarse con esto, el método que él trató de culcate in- era sentar en el dibujo de nuevo en
cada sesión, consiguiendo en un esfuerzo combinado una interpretación completa del modelo. El
cráneo a ticulate ar- adecuadamente sobre las vértebras. Lo mismo con todas las extremidades,
una suave fácil estructural agudo, la máquina móvil, cada figura con su propia característica
dividual in- tan similares como sea posible, un logro que requiere enormes práctica y experiencia
con carbón, pero tomado como un objetivo para apuntar a muy deseable, un método que siguieron
en su propia pintura. Para el estudiante que significaba un dibujo continuamente alterado, para
representar los estados de ánimo variables del modelo.
En relación con la pintura, se mantienen los mismos principios.
dieciséis
Clavel, lirio, lirio, Rose, 1885 - 1886

Arriba está esbozo de la segunda chica en la pintura. Nota

cómo Sargent ha hecho hincapié en algunos contornos en
este dibujo sobre otros, en gran medida delinear la
transición entre el perfil delante de su cara y su pelo, y
poniendo de relieve suavemente partes de su parte inferior
del cuello y los hombros hacia atrás. Tales tensiones y
omisiones fueron intencionales. Ellos representan los
cambios de sierra Sargent entre las áreas mayores o
menores de contraste y, en su conjunto, que transmiten un
sentido de la forma sin tener que hacer todo lo que fuera.
Piense en esto como taquigrafía visual de Sargent. De
toma de notas para un cuadro más acabado.

17
 La pintura es una interpretación de tono a
través del medio del color dibujado con el
cepillo. Use un cepillo grande. No morir de
hambre a su paleta. Precisa colocar las
masas con el carbón, luego se quedó en
el fondo de una media pulgada sobre la
frontera de los tonos contiguos, más fiel
posible, luego se quedó en la masa de
cabello, recuperando el dibujo y la fusión
de los tonos con el fondo, y la
superposición la carne de la frente. Para la
cara sentar en un tono de piel medio, la
luz en el lado izquierdo y oscuro en el lado
de la sombra, siempre recuperar el dibujo,
y la fusión con sumo cuidado la carne en
el fondo. Pintura carne en segundo plano
y de fondo en la carne, hasta que se
obtenga la calidad exacta, tanto en el color
y el tono de lo que todo el asemeja como
el bloqueo del fabricante de pelucas.

Rosina Ferrara, c. 1878

18
Tenga cuidado con los métodos que se convierten en
demasiado específico. Me enseñaron sin desviación a
colocar el más ligero luz oscura y más oscura en el lienzo y
luego a pintar todo lo demás en el medio. Años después,
me pareció más útil, si no más eficiente, a contener mi más
ligero luz oscura y más oscura hasta que la pintura había
llegado a su etapa final. El establecimiento y la puesta a
punto de los valores centrales permitido primero a juzgar
mejor los detalles claros y oscuros adecuados. Esto no
debe ser tomado como una norma per se, pero a menudo
producirá un acabado con apariencia más fresca.
Sargent era conocido por la espalda camino paso desde su
lienzo para considerar su modelo y pintando al mismo tiempo;
luego lanzarse hacia adelante para hacer un nuevo cambio.
De hecho, fue conocido por usar una ruta en la alfombra entre
su punto más lejano y el caballete. Así que de vuelta a paso
desde su trabajo con frecuencia. Considerarlo desde una
distancia.
Luego sigue los acentos más marcados y característicos de las características en su lugar y el tono y el
dibujo lo más preciso posible, pintura deliberadamente en suelo mojado, las pruebas de su trabajo por
parte de pie en varias ocasiones bien atrás, viéndolo como un todo, una cosa muy importante. Después de
esto tomar hasta los tonos más sutiles que expresan los planos que se retiran de la cabeza, las sienes,
barbilla, la nariz y las mejillas con el cuello, entonces el dibujo aún más sutil de la boca y los ojos, la fusión
de tono en tono todo el tiempo, hasta que, finalmente, con deliberada tocan las altas luces se ponen en,
este ocupa la primera sesión, y si la pintura no es satisfactoria, el todo es implacablemente empañado por
el cepillado juntos, siendo el objeto de no permitir ninguna pieza bien hecha, para interferir con ese
principio de la unidad, o la unidad de parte ery EV; el cepillado juntos generó un apetito para atacar el
problema de nuevo en cada sesión, cada intento resulta en una visualización más completa en la mente.
El proceso se repite hasta que se complete el lienzo.
Sargent presionaría a casa el hecho de que las sutilezas de la pintura deben ser controladas mediante la
visualización de forma continua el trabajo a distancia.
Un paso atrás - llegar bien lejos - y se dará cuenta del gran peligro que hay más de exagerar
un tono. Mantener la cosa en su totalidad en su mente. Tonos tan sutiles como para no ser
detectados en una estrecha amistad sólo se pueden ajustar por este medio.
Cuando estábamos reunidos delante de nuestra pantalla de bocetos para la composición de espera de algunas
críticas, Sargent volvería a caminar a lo largo de toda la colección, mirando rápidamente a cada uno, y sin
señalar a ninguno en particular para hacer comentarios, que no haría más que decir:
Recibe en tu mente vista del escultor de las cosas, disponer de una composición,
de forma decorativa, fácil, y accidental.
19
Es fascinante ver cómo Sargent exploró sus ideas
usando pequeños bocetos. Estos dibujos fueron
preparación para su retrato más notorio, “Madame X”.
También revelan el grado de interés que estaba en
Mm. Gautreau perfil gálico - en la que la pintura final
actúa como hoja a la supinación extrema de su brazo
derecho, la profunda hendidura de su corpiño, y el
conjunto de provocación de sus caderas. Sargent
fue un artista metódico que dejaba poco a la casualidad,
pero con el objetivo de la obra terminada que aparece
fresca y espontánea. O en sus propias palabras:
“accidentales”.
Esto se dijo de una manera vacilante, y luego se retiraría en silencio. En una ocasión, cuando el conjunto
de tema para una composición era un retrato, la crítica fue: “No uno de ellos considerado seriamente.”
Muchos habíamos pensado bastante bueno, como una indicación de lo que podría ser juzgado mientras
que un retrato estaba en marcha. Eso no haría por Sargent. Un bosquejo debe ser seriamente planeado,
intentó una y otra vez, volviéndose hasta que satisfagan cada requerimiento, y se logra una perfecta
visualización. Un bosquejo no debe ser simplemente un patrón de formas agradables, simplemente
agradable a los ojos, sólo simplemente una fantasía. Eso
debe ser una cosa muy posible, un definido arreglo - todo el montaje en un plan y en verdadera
relación francamente de pie sobre un plano horizontal que coincide en su lugar con una línea
preestablecida. Como plan consiste en un edificio, por lo que debe ser el boceto de la imagen.
20
“Madame X”
(detalle)

Este coste retrato Sargent su carrera en Francia porque se

atrevió a pintar la piel de Mm. Gautreau ya que en realidad
llevaba en la sociedad, en polvo con un color rosáceo.
También provocativamente la pintó en un vestido negro
ajustado con la correa de hombro derecho cayendo - un
toque escandalosa, sin duda - pero también un hábil
estratagema de composición que habría aumentado
espectacularmente la línea elegante de su cuello. Más
tarde, Sargent pintó la correa de copia de seguridad.

Cuando Madame X se expuso por primera vez como una 'anónimo

parisienne' en el Salón de París de 1884 conmocionó al
público en tanto que Mm. la identidad de gautreau no ya
no podía permanecer oculto. (Como si su nariz y la piel no
eran lo suficientemente identificable!) Como resultado,
Sargent se vio obligado a retirarse a Inglaterra y comenzar
una carrera retrato de nuevo.

Mm. Gautreau nunca recibió este retrato porque

Sargent estaba convencido de que su familia lo
destruiría. Con el tiempo, creyendo que es la mejor
cosa que jamás pintado, Sargent lo vendió al Museo
Metropolitano de Arte, donde se cuelga en la
actualidad.

La mujer X es considerada como una de las mayores

obras maestras de Sargent.

21
 Cultivar un poder cada vez más continuo de observación. Donde quiera que esté, siempre listo
para hacer ligeras notas de posturas, grupos e incidentes. Almacenar en la mente sin cesar un
flujo continuo de observaciones de la cual hacer selecciones más tarde. Por encima de todas las
cosas se ponen en el extranjero, ver la luz del sol, y todo lo que es para ser visto, el poder de la
selección seguirán. Estar continuamente haciendo notas mentales, hacen una y otra vez, la
prueba de lo que recuerda por bocetos hasta que haya conseguido solucionar los posibles
problemas. No sea hacia atrás en el uso de cada dispositivo y hacer todos los experimentos que
el ingenio puede concebir, con el fin de alcanzar esa sensación de plenitud que la naturaleza
ofrece tan bien, siempre teniendo en cuenta las limitaciones de los materiales en los que se
trabaja.

No fue solamente los estudiantes que reconocieron su deuda a Sargent. Hubert Herkomer en sus
memorias escribe: “He aprendido mucho de Sargent en la planificación de luces y sombras, el
equilibrio en la tonalidad de fondo en su relación con la figura, haciendo hincapié en el verdadero de
lo esencial.”
Sargent era muy consciente de los peligros que aguardan el pintor del mundo ionable fash-, y
como niñera niñera después tomó su lugar en el estrado en su estudio de la calle de Tite, parecía
ser más sensible de ellos. Lo intentó una y otra vez para escapar, y que a menudo, en sus cartas,
ha mostrado su fatiga. Se cansó de las limitaciones impuestas por su arte por encargo. Pintura
aquellos que quieren ser pintadas, en lugar de aquellos a los que el artista quiere pintar, conduce
inevitablemente a una ganga, a un compromiso entre la individualidad del artista y las pretensiones
del modelo. Manierismo se convierte en una salida; lo que agrada convierte en un objetivo.
problemas artísticos ceder ante consideraciones per- sonales: la calidad decorativa de una imagen
secundaria lleva una

“Madame X” de 1884 (señora Pierre

Gautreau)
22
 sitio . la sinceridad de Sargent, la necesidad de conducir que tenía que expresarse en su propio
camino, su sensación de saciedad con los modelos que le había impuesto la moda, culminó en la
revuelta. Se vio obligado, de vez en cuando, es cierto, a volver a sus retratos, pero su trabajo Boston
lo absorbe más y más. La llamada de su estudio en Fulham Road cuando estaba en Londres, y de
los Alpes y el sur de la cuerda Eu- en verano, llegaron primero. En 1910 sus exposiciones en la
Academia, en lugar de retratos, fueron Glacier arroyos, Albania oliva recolectores, Vísperas y un
jardín en Corfú: en el Club de Arte de Nueva Inglés, franelas, Por Guidecca, La Iglesia de Santa
María de la Salud, un florentino Nocturne, una morena y olivar.

Cuando en 1901 el Sr. J. B. Manson, entonces un estudiante, escribió a Sargent para el consejo que
recibió la siguiente respuesta:

Parmigianino: el niño del cartel de los manieristas
barogue, siglos antes de Sargent. Tenga en cuenta
la anatomía estilizada, la carne pastosa, la luz
insípida y la cojera cortinas - no pasar por alto la
relación extraña escala entre las figuras del primer
plano y de fondo. Manierismo se origina fuera de ser
invertido demasiado en la idea de otra persona de la
belleza.
En respuesta a sus preguntas me temo que sólo puedo dar el consejo más general. La única
escuela en Londres de la que tengo conocimiento personal es la Real Acdemy. Si el límite de
edad no impide el entrar en ella me aconsejaría que lo haga. También hay muy buenos maestros
en la Slade School. Usted dice que está estudiando pintura para convertirse en un pintor de
retratos. Creo que estaría haciendo un gran error si ha sido guardado en cuenta solamente
durante el tiempo en que la intención de trabajar en una clase de la vida - en el que el objeto de
la estudiante debe ser adquirir un dominio suficiente sobre su material para hacerlo presentes
sea cual sea la naturaleza de él.

Es evidente que en su época de estudiante Sargent compartió la aprehensión ex citado en el

estudio por su brillante, maestro sin hablada Carolus Duran. “Arte en tout ce qui n'est pas est
indispensable nuisible - En el arte, todo lo que no es indispensable es innecesario”fue uno de los
preceptos que tenía Duran

23

Inicio campos, c. 1885
Aquí está una pintura desprovisto de cualquier
manierismo, al aire libre directamente de la vida pintada.
Se dijo Sargent podría salir y pintar sin ningún tipo de
preparación o de previsión y todavía hacer algo
magnífico fuera de la vista. Mi conjetura es que esto es lo
que sucedió anteriormente.
Se puede ver cómo Sargent se ha insertado en
esta pintura? Si no puede, mirar de cerca a la
hierba a la izquierda de la valla.
Al incluir su propia sombra en el campo de visión
que se convierte en el pintor de esta pintura!
formulada después de su estudio de Velázquez. Se convirtió en uno de los
textos de su estudio. Instó a sus estudiantes para hacer copias de los
cuadros de Velázquez en el Louvre, copias borious no la-, pero copias “Golpe
de primer au”. En pintar un cuadro que se retiraría a pocos pasos de la tela
y luego una vez más adelantado con su pincel equilibrado en la mano
como si se tratara de una espada y él estaban involucrados en una pelea
con un maestro de esgrima. Estos gestos fueron diez de- acompañados
por apelaciones a la sombra de Velázquez. Los que vieron la pintura
Sargent en su estudio se recordó a su costumbre de paso hacia atrás
después de casi cada trazo del pincel sobre el lienzo, y las huellas de sus
pasos tan gastada en la alfombra que rencias
congestionadas una oveja de gestión a través de la brezo. Él, también, cuando se encuentra en dificultades, tenía
una especie de grito de guerra de “demonios, demonios,” con la que iba a lanzarse en su lienzo.
Era, pues, a un taller de este tipo y con un maestro de tal manera que Sargent a la edad de
dieciocho años fue admitido como alumno, y surge la pregunta, ¿qué Sargent debemos a la
enseñanza de Duran? La pregunta se responde mejor al recordar los preceptos de Duran y ver
lo lejos que se reflejan en el arte de Sargent. Ya se ha demostrado cómo Duran insiste en el
estudio de Velázquez y la omisión en el arte de todo lo que no era esencial para la re-lización
del propósito central de una pintura. Él mismo había viajado a lo largo de la fuerte contraste de
los valores por los que había dramatizado su foto
L'Assassine. Se había librado de su tendencia a ser espectacular. De Velas- quez había aprendido a
simplificar. Su enseñanza se centra en el estudio de los valores y medios tonos, sobre todo, los
medios tonos. Aquí radica, decía, la SE-
24
 CRET de la pintura, en el tono de la mitad de cada plano, en economizar los acentos y en el manejo
de las luces para que deberían desempeñar su papel en la imagen sólo con un significado palpable y
necesario. Otras cosas estaban subordinadas. Si Sargent sobresale en estos aspectos, es suficiente
recordar el hecho de que forman el núcleo de la instrucción de Duran. No hay necesidad de poner su
mayor influencia. Unos alumnos de pintura que tienen el talento para ab- sorber la enseñanza de su
maestro fallan en el largo plazo a superar su influencia y poder avanzar más allá y fuera de ella en
las líneas propias.

Sargent mismo siempre se reconoce su deuda con la enseñanza de Duran. En el apogeo de

su fama, cuando se mira en un retrato de un pintor joven, observó al señor. William James:

Carolus Durand, como

pintado por Sargent

Eso no tiene valor. Me pregunto que le enseñó a hacer eso. Pensé Carolus era el único
hombre que enseñó eso. No podía hacerlo por sí mismo, pero podía enseñarlo.

Una vez más, cuando el señor. James le preguntó cómo evitar falsos acentos que dijo:

Debe clasificar los valores. Si se comienza con el tono medio y trabaja desde adentro hacia la
obscuridad - de modo que usted se ocupa pasado con sus más altas luces y sombras más
oscuras - a evitar falsos acentos. Eso es lo que me enseñó Carolus. Y Hals Franz. Es difícil
encontrar a alguien que sabía más de la pintura al óleo de Frans Hals. Esa fue su procedimiento.
Por supuesto, un boceto es diferente. ¿No te importa falsos acentos allí. Pero una vez que haya
hecho algo en el que desea realizar la medida, con el fin de corregirlos lo que tiene que hacer
frente a ambos lados de ellos y entrar en un montón de problemas. Así que ese es el mejor
método para cualquier cosa que desea llevar lejos en la pintura al óleo.

El alegre bebedor, Frans

Hals

25

Velásquez
autorretrato
Sargent tenía una deuda con muchos pintores
anteriores, pero en mi propio punto de vista, nadie más
que el pintor español Diego Velázquez - por su manejo
de la pintura y la capacidad de reducir un tema a su más
simple expresión. la influencia de Velázquez aparece en
gran parte de la obra de Sargent.
Señor . George Moore, en uno de los ensayos más esclarecedores en Modern Paint ING, dijo: “En 1830
los valores llegaron a Francia como una religión. Rembrandt era el nuevo Mesías, Holanda fue la Tierra
Santa, y los discípulos estaban ocupados dis- pensing la propaganda en todos los estudios “. La religión
tenía ningún apóstol más ardiente que Carolus Duran.
Una foto de Sargent expuso en la Academia en 1896 puede mencionar especialmente porque eligió
la cálida admiración del señor. George Moore, que estaba lejos de ser entusiasta acerca de Sargent.
Señor . Moore escribió de este retrato (Miss Priestley): “Poco a poco, una mujer pálida con eybrows
arqueadas, atrae a los ojos y correcciones de nuestros pensamientos. Es un retrato del señor. Gent SAR,
uno de los mejores que ha pintado. Por el lado de Franz Hals al principio puede parecer pequeño y
delgado, pero nada menos que una multa Hals afectaría su verdadera belleza. Mi admiración por el señor.
Sargent menudo ha dudado, pero esta imagen completa- mente me gana. La prestación está llena de la
belleza de la habilidad incomparable.
El retrato nos dice que ha aprendido el último y más difícil lección
- Cómo omitir. Un trabajo, sin duda. Yo lo llamaría una obra perfecta si no fuera porque el dibujo
es un poco demasiado evidente: en los lugares que podemos detectar la forma. No coule hacer
fuente como el dibujo de las muy grandes maestros “.
Fue una experiencia común para Sargent, como probablemente para todos los pintores de
retratos, que se plantea para alterar alguna característica en una cara, por lo general la boca. De
hecho, esto ocurrió con tanta frecuencia que utiliza para definir un retrato como “un Ness como- en
la que había algo raro en la boca.” Rara vez ac- cedió, y sólo cuando ya estaba convencido de que
era un error. En el caso de Francis Jenkinson, el bibliotecario de Cambridge, se señaló que había
omitido muchas líneas y arrugas que deben ser mostradas en la cara del modelo. Sargent se negó
a hacer, dijo, “un sistema ferroviario de él.”
26

¿Título?
(Detalle)
Sargent tratado las bocas de sus modelos de la misma
manera que trataría cualquier otra parte del cuerpo,
delineando algunos bordes y difusión de los demás.
Nota cómo el color rojizo de labios de la mujer emerge
suavemente de sus mejillas circundantes. Sargent
utiliza relaciones precio cerca y matices para llevarle
dentro y fuera de las formas más modeladas.
“Gainsborough lo habría hecho!”
Muy por el grito de guerra, ¿verdad? Si decide elegir un
artista para emular entonces por todos los medios
disparar alto. Al hacerlo se está ajustando la barra alta,
aceptando así una pena sacrificar desafío para.
Su negativa más de una vez dio lugar a escenas. En una ocasión, la señora que había hecho una
excepción a la prestación de su boca se puso histérica y se desmayó. Sargent era el último hombre en el
mundo para hacer frente a una situa- ción tales. Un amigo que ha pasado a la llamada lo encontró sin poder
hacer nada contemplando la escena. El modelo fue restaurado a los sentidos, pero la boca se mantuvo como
estaba.
Un cuidador ha dado la siguiente cuenta de ser pintado por Sargent en 1902:
“En una de mis sesiones durante el cual el Sr. Sargent pintó mis manos estaba sentado sin
moverse durante dos horas. Una cierta manera en la que me había puesto mis manos
inconscientemente le gustó mucho porque la postura, dijo, era claramente natural para mí. Me rogó que
no se mueva. Hemos trabajado muy duro - que con su pincel mágico, yo con mi determinación de
fidgets de control y los instintos inquietas a las que son propensos cuidadores cuando se ven obligados
a permanecer inmóvil durante cualquier periodo de tiempo. En su mayor parte nos quedamos en
silencio. O ^ casionally le oí murmurar para sí mismo. Una vez me llamó: “Gainsborough lo hubiera
hecho! Gainsborough lo habría hecho!”
Trabajó en un calor de fiebre, y era tan contagiosa que sentí mis sienes en simpatía con
sus esfuerzos, las venas hinchazón en la frente. En un momento pensé que iba a desmayar
con el sentido de la tensión y el miedo a estropear la pose que le había entusiasmado.
Al cabo de dos horas, declaró que las manos fueron un fracaso, y los borró.
“Debo intentar de nuevo la próxima vez,” dijo en un tono de melancolía. En la próxima sesión pintó
las manos rápidamente, ya que ahora aparecen, un tour de force en opinión de algunos, totalmente sin
éxito en la vista de los demás.
Mi marido vino varias veces a las sesiones. En una ocasión, el Sr. Sargent enviado especialmente
para él. Cabalgó a través del parque de la calle de Tite.
27

El Jaleo, también conocido como 1882, el bailarín español (con
detalles)
Manos y muñecas son unos pocos lugares en el cuerpo donde
los huesos del esqueleto de la subida a la superficie, de más
suave, más redondo, carne. prestar atención a la forma en
Sargent utiliza de una figura manos, muñecas, pies y tobillos,
como las notas de adorno para una pose. Estudiar estas partes
del cuerpo tanto como se podría estudiar la cabeza.
Encontró el Sr. Sargent en un de- pulsa el
estado de ánimo. Los ópalos le desconcertados.
Dijo que no podía pintarlos. Habían sido una
pesadilla para él, DE- clared, a través de la
pintura del retrato.
Esa mañana fue sin duda en la
desesperación. En la actualidad, dijo a mi banda
esposos: “Juguemos un dúo consta de cuatro
movimientos.” Jugaron, Sr. Sargent golpes a cabo
el bajo con los dedos fuertes y rechonchas. Al
concluir el Sr. Sargent se levantó bruscamente,
volvió al retrato y con unos pocos trazos rápidos y
se limpió en los ópalos. Llamó a mi marido para
venir a ver: “Me he hecho la cosa maldita”, se rió
entre dientes.
Mi hermana, con motivo de su visita al estudio durante mi última sesión, recuerda haber visto el
Sr. Sargent pintar mi bufanda con un movimiento de su pincel.
Lo que parecía interesarle más que nada cuando llegué era saber qué música me
había llevado conmigo.
Para activar de color a sonido, evidentemente, le refrescado, y, presumiblemente, el arte
estimula la otra en su cerebro.
28
Sargent y una nueva forma de ver

por Thomas Jefferson Cristóbal

29

“Elegir temas sencillos, cerca de los objetos en
primer lugar. No trate de hacer una imagen
bastante tanto como para generar efectos
veraces “. John Singer Sargent
Sargent y una nueva manera de ver por Thomas
Jefferson Cristóbal
Sargent se dispuso a desafiar muchas de las convenciones artísticas de su tiempo
empujando constantemente los límites de lo que sería su audiencia AC- CEPT. La
importancia de esto se hace evidente cuando se compara su traiture por- contra la naturaleza
conservadora de los que lo encargó
- la aristocracia y la alta sociedad de Francia e Inglaterra, y las grandes familias de la clase
alta de América.
Sargent finalmente se cansó del retrato formal y convertido en tema más personal,
viajando en busca de inspiración. Una vez liberado de las restricciones del cliente, Sargent
empezó a experimentar con ideas visuales que preocupar al resto del mundo para el arte de
treinta cincuenta años más tarde. En particular, el aplanamiento del espacio ilusorio y la
integración dis- de la forma.
Desde el día 15 hasta el siglo 19 a mediados de la expectativa principio colocado sobre el
pintor era la necesidad de crear un lusion il- tridimensional en un plano de dos dimensiones, o, como
un pintor no puede captarlo, para crear una ventana un visor podría mirar a través de en otro mundo.
Sin embargo, por la década de 1850 el medio por el cual un artista puede crear una ilusión tales
habían sido ampliamente trazado, dejando poco para los pintores er Lat para explorar. Durante
generaciones, los artistas habían sido juzgados en lo bien que estaban en la creación de tales
ilusiones hasta que al hacerlo comenzó a sentir lucro mulaic a cualquiera que esté interesado en
desarrollar una nueva forma de pintar.
Se ha observado Sargent prefiere normalmente para describir un ambiente más
íntimo sobre una más amplia o no su tema fue dentro o hacia fuera. Si su tema era al
aire libre, o si era el paisaje
30
sí, solía elegir una configuración que incluye una barrera para el espacio profundo: una sala de
dibujo, la fachada exterior de un edificio, una calle estrecha ing eólica, una fila densa de árboles, o
en sus cercanías cadena de montañas. Era como si Sargent estaba más preocupado por el
potencial compositivo de mover el ojo del espectador hacia arriba y abajo o izquierda y derecha de
moverlo en hacia un horizonte lejano.

Además, Sargent aplicó su pintura de tal manera que anima al espectador a tomar
conciencia de la propia superficie, que es otra forma de aplanar profundidad y evitar la
creación de espacio ilusorio. Hizo pocos intentos de ocultar la naturaleza de su pincelada
caligráfica, y en su lugar, construido encima de textura gruesa con su pintura. Sargent trabajó au
premier golpe lo más rápidamente posible, empujando pintura húmeda en la pintura húmeda
hasta separadora Ar- el efecto más inmediato posible y útil - y, si un paso de pintura no iba a
raspar a la lona y construirlo de nuevo. Sin embargo, a pesar de tales normas exigentes
Sargent quería que su audiencia a sentir como si estuvieran viendo una representación
improvisada de la vida salió corriendo con facilidad y las instalaciones, una impresión que logró
transmitir al integrar el gesto de su roce con los planos de superficie de su tema. Todo lo cual
mantiene la atención del espectador sobre la superficie de la imagen de la misma manera un
reflejo puede mantener el ojo en la superficie de un estanque. En este sentido Sargent no fue
el primero de su especie. Siglos antes, Diego Velásquez y Frans Hals comenzaron a
abandonar intencionalmente NO- pinceladas ticeable en su obra terminada, También
contrarrestar la ilusión de profundidad, y al hacerlo, Velásquez y Hals estaban proclamando su
mano era tan importante como el patrón que sería ver la obra. Así que debe venir a la sorpresa
de nadie para aprender Velásquez y Hals fueron una gran influencia en Sargent.

31
 Hay otras cosas Sargent hizo para aplanar el espacio que merecen escrutinio. Hay
sus numerosas composiciones sorprendentes ya veces inusuales. Hasta mediados del
siglo 19, la pintura- er clásico de mente era probable que colocar su tema hacia el
centro de la tela en una disposición simétrica y pintar un entorno de apoyo a los
márgenes. En esencia, lo que se pone en el primer plano medio se considera más
importante y lo que estaba a un segundo plano o fuera de los bordes se considera
secundaria. Por el contrario, Sargent empezó a organizar su tema claramente
descentrado, incluso yendo tan lejos como para recortar bruscamente fuera del lado o
parte inferior del lienzo.

Y sin embargo, para todos exploraciones de composición de Sargent, cuando ing pintura-
en aceite Parecía satisfecho de limitarse a la utilización de una paleta de grises y marrones neu-
trales, dando forma a sus sujetos con una estructura de valores bien afinado y cálido exagerada
y color frío turnos. la restricción de Sargent con el color es notable porque vivió y trabajó durante
una época de gran agitación artística cuando los químicos estaban inventando todo tipo de
pigmentos intensos y los impresionistas franceses estaban tratando de retratar a los efectos de
la luz utilizando teorías ópticas que Sargent no siguió con cualquier gran entusiasmo. Aun así,
Sargent era un amigo cercano de Claude Monet, el único impresionista alguna vez admirado, y
Sargent hizo incorporar algunas de las ideas de Monet en sus métodos - como fying
intensificación del efecto de la luz reflejada en las sombras. Pero Sargent parecía casi
indiferente a los otros principios esenciales del impresionismo; tales como las leyes de Chevreul
de contraste de color y la expulsión de negro

32
de la paleta. En el fondo, cuando la pintura en aceite, Sargent se mantuvo fiel a la pintura valor.

Pero hubo otro fuerte vínculo entre Sargent y los impresionistas franceses y se manifiesta
en el deseo común de salir del estudio y la pintura en la luz natural. En los primeros días de la
carrera de Sargent, pintando aire en plein seguía siendo un fenómeno relativamente nuevo
habilitado por la invención de pinturas con cámara de aire y la capacidad para apretar a lo
profundo de viaje en el campo por ferrocarril. Antes de estos dos inventos del artista que quería
pintar el paisaje haría pequeños estudios al aire libre y regresó al estudio para completar más
grande, el trabajo más global. Gent SAR fue de una nueva generación de paisajistas, un artista
que comenzar y terminar una importante fuera del trabajo el estudio, un artista que quería que
nada se interponga entre él y el objeto. Para Sargent, el ideal era comenzar con un lienzo sin
marcar y el trabajo directamente de la vida lo más rápidamente posible. Pero siempre después
de mucho estudio y preparación. Su trabajo puede haber parecía ser espontánea, pero nunca
nada fue dejado al azar.

Al final, la formación de Sargent, habilidad, experiencia, velocidad y resistencia permitírseles que le

permite capturar la mayoría de los efectos transitorios de la naturaleza - los efectos que a menudo fueron
perdidas, olvidadas, o desconocer por otros artistas que trabajaron en el interior. Su trabajo disciplinado
ética, combinado con un fuerte deseo de estar en el lugar, le permitió ver y captura de lo que la mayoría de
los artistas antes de él no tenían - el juego de luz y color en tiempo real.

Thomas Jefferson Cristóbal

33
Pinturas seleccionadas ...

34
la composición dramática: Mira cómo Sargent ha dispuesto una línea horizontal bajo de guitarristas oscuro, y los bailarines esperan su turno a lo largo de la pared del fondo, todo
dentro de una cueva cerrada. Nota cómo el bailaor se ha colocado en un ángulo, iluminada desde abajo, y la forma en que sus compañeros de baile girar y girar, agitando sus brazos
en respuesta a la música. Qué contraste entre la estática y dinámica!

35
una opción tan simple para un tema:
una escalera que conduce hacia arriba
y hacia fuera, iluminado con luz directa
y reflejada. Sin embargo, las vides en
la apertura nos impiden ver más allá de
la abertura, y de nuevo, Sargent
contrasta la geometría rígida de las
paredes de estuco con sombras
angulares que corte a través del
espacio.

36
Más espacio poco profundo: Pero esta vez, la complejidad del tema da Sargent la oportunidad de variar su aplicación de pintura y pinceladas, la construcción física de la textura de
la pintura. La abstracción se convierte casi como un Jackson Pollock. (Ver detalle en la siguiente página ...)

37
38
Una vez más, Sargent utiliza pintura gruesa - pero ahora en

conjunción con una representación de una fuerte luz moteada

tanto a ocultar y revelar lo que está pasando en esta pintura.

Es posible detectar el ermitaño desnuda rápidamente, pero

muchos de los espectadores se pierda los otros animales

Sargent ha ocultas en esta escena. Una vez más, la

profundidad ilusoria se mantiene al mínimo absoluto.

39
La hermosa colección de azules y verdes en esta sala se
han manejado con pintura gruesa y expresivo. Existen
múltiples fuentes de luz que entra en esta habitación y
cada uno de ellos es claramente identificable por el color.
Cuanto más caliente, la luz del sol se cuela entre las
rendijas de las persianas venecianas, como si el sol
estaba justo al otro lado de la pared. Hay luz indirecta
rebotando desde el cielo azul a través de una ventana
abierta a nuestra izquierda, fuera de la vista. Por lo tanto,
el color de cualquier superficie que se volvió a nuestra
izquierda se ha desplazado hacia el azul por el que la luz
del cielo, y cualquier plano dado la espalda a la ventana
abierta ha sido iluminado por una luz de un color diferente.

... A excepción de la explosión de color naranja y rojo

encontrado en la parte inferior de la pintura. No necesitamos
saber exactamente lo que está en esas maletas, pero
cualesquiera que sean, que reflejan un cálido resplandor de
la luz del sol deslizándose a través de las persianas,
calentando las inmediaciones - el suelo y otros contenidos
empaquetados en las maletas.

40
En esta pintura no hay luz solar directa en absoluto,
sólo el lavado suave luz en desde lo alto. Pero aún
así, todavía utiliza Sargent contraste calienta y se
enfría a formas de diferenciar y planos entre sí. Sólo
que esta vez los cálidos y fríos cambios de
temperatura son sutiles.

41
Cómo ves el colgante de la trucha en el agua? Se puede ver las sombras el elenco de la trucha sobre las rocas en el fondo del estanque? Se puede separar los peces, sombras, y las
ondulaciones de la superficie de uno al otro en una forma definitiva? Una vez más, Sargent nos da un tratamiento muy abstracta del tema, con poca profundidad.

42
Los bordes Perdido y Encontrado: Este estudio figura
está iluminado desde la luz natural desde arriba,
probablemente a través de una alta claraboya encima de
nuestra cabeza. Mira cómo Sargent estableció
simultáneamente y oscurecida ciertos bordes dentro de
esta pintura. Hay zonas donde se instaló una luz fuerte
contra una fuerte oscuro para crear un borde liso, y hay
zonas donde se reduce el contraste entre la luz y las
sombras para bajar el borde. Todo para mantener su ojo
comprometida y moverse.

Sargent era un maestro de la sugestión. En este caso

no sentía la necesidad de completar pendientes de la
chica en toda su extensión, pero en su lugar optó por
dejar la geometría incompleta, invitando así a que
termine la obra con sus propios ojos.

43
Plana, plana, plana ...

En esta pintura, Sargent se limitó a usar sólo dos

dispositivos de composición para colocar las flores y los
niños en el espacio: el tamaño y la superposición. Cuando
se combina esta manera, ambos pueden ofrecer una
solución decorativa, rítmica y gráfico para el problema
artística de crear profundidad.

44
Un buen ejemplo de la pintura plana directo e inmediato: la pintura es plana cuando el color y el valor de una superficie cambia a medida que se aleja o en la luz. En este caso, los planos
iluminados por el sol cuota de una cualidad común - un, más cálido tono más claro. Los aviones que están activados lejos de la cuota de sol de una cualidad común, así - un valor más oscuro
con una luz azulada de relleno. Tenga en cuenta que la punta de la montaña distante y las nubes detrás de ella se recorta intencionadamente fuera del marco, que los atrae visualmente más
cerca de nosotros.

45
La figura en primer plano se ha recortado con dureza a lo largo de la parte inferior de esta pintura, y en diagonal alineado con la caña de pescar celebrada por la segunda figura, que sí
mismo es duramente recortada de la parte derecha de la pintura. Y el fondo se recorta la parte superior también. Una vez más, creando el espacio gráfico plano y las formas negativas de
interés. 46
Y finalmente...

Espero que hayan disfrutado este pequeño folleto modesto y que de alguna manera humilde que ha
aumentado su aprecio y el conocimiento de la obra de Sargent. Si es así, por favor compartirlo con
tus amigos. Este esfuerzo no está destinado a ser definitiva, o incluso con autoridad, es sólo
pretende ser una mirada rápida en el tipo de artista Sargent era, y para algo concreto proporción de
su proceso artístico. En mi opinión, Sargent era un modernista naciente, un pintor que una vez fue
venerada por su instalación, y luego por desgracia, hacia el final de su vida, desatendido por ser
demasiado fácil - hasta el punto de caer en el olvido poco después de su muerte.

Ahora, casi cien años después, Sargent parece haber recuperado su lugar en el panteón de los

pintores importantes e influyentes. Entre muchos otros, habría estado orgulloso de asociarse.

Pero sin duda, el péndulo de la historia del arte se moverá de nuevo y otra ist arte-, vivo o muerto,

entrará en favor. Para eso es cómo funciona nuestra cultura. Sin embargo la próxima vez, cuando

sucede, creo Sargent llevará a cabo en su lugar. Desde luego trabajó largo y lo suficientemente

duro para lograrlo.

TJK

47