Bisonte h. 15000 - 10000 a. C. Pintura rupestre Altamira, España.

ARTISTAS/PIEZAS descubierta en 1879.

PINTURA RUPESTRE: Algunos autores mencionan su uso para acceder a los espírit
mágico-religiosas para propiciar la caza. En las pinturas rupestres generalmente se
origen vegetal como el carbón vegetal, de fluidos y desechos corporales como las h
CARACTERÍSTICAS/ o grasa, albúmina, orina, savia, tuétano, sangre.
TIPO DE OBJETOS

EVENTOS HISTÓRICOS El Homo sapiens sapiens apareció alrrededro del año 120000 a.C.
PERÍODO/
MOVIMIENTO EDAD DE PIEDRA 2.5 millones a.C. – 2500 a.C.
 Caballo h. 15000 - 10000 a. C. Pintura rupestre Lascaux,
Francia. descubierta en 1940.

para acceder a los espíritus de los muertos y para obtener favores de los dioses. Se cree, en general, que está relacionado con prácticas
upestres generalmente se usaban uno o dos colores, incluyendo algunos negros, rojos, amarillos y ocres. Los colores también llamados p
hos corporales como las heces, compuestos minerales como la hematita, la arcilla y el óxido de manganeso, mezclados con un aglutinan

Final de la era del hielo (10,000 – 8,000 a. C.)

 CUEVA DE CHAUVET, FRANCIA.

dioses. Se cree, en general, que está relacionado con prácticas de carácter

negros, rojos, amarillos y ocres. Los colores también llamados pigmentos eran de
, la arcilla y el óxido de manganeso, mezclados con un aglutinante orgánico: resina

EDAD DE PIEDRA 2.5 millones a.C. – 2500 a.C.

VENUS DE LESPUGUE, VENUS DE WILLENDROF, VENUS DE DOLNÍ,
h. 26,000 - 24,000 a.C. h. 28,000 - 25,000 a.C. h. 29,000 - 25,000 a.C.

VENUS PALEOLÍTICAS: Son estatuillas femeninas de hueso, asta, marfil, piedra, terracota,
madera o barro, datadas en el Paleolítico Superior, dentro del cual constituyen la principal categoría de
arte mueble o mobiliar.

Primeros asentamientos permanentes (8,00

EDAD DE PIEDRA 2.5 millones a.C. – 2500 a.C.

 SKARA BRAE, 3180 a.C. - 2500 a.C.

MEGALITOS: Entre los megalitos más conocidos están los dólmenes (mesa) , los menhires (una piedra) y los cromlechs (conj
generalmente organizados de manera circular).

ntamientos permanentes (8,000 -2,500 a. C.)

 STONHENGE (CROMLECH), INGLATERRA, 3000 a.C. - 2000 a.C

dólmenes (mesa) , los menhires (una piedra) y los cromlechs (conjunto de piedras,

EDAD DE PIEDRA 2.5 millones a.C. – 2500 a.C.

CACERÍA DE ASURNASIRPAL II, 645-635 a.C.

RELIEVES: El arte sumerio se caracteriza por tener un carácter político principalmente. Los relieves de reyes y conquistador
Algunas similitudes importantes con el arte egipcio son: Ley jerárquica, ley de frontalidad y figuras con una anatomía poco d
Algunas diferencias con el arte egipcio son: Utilizaban el arte para la vida después de la muerte, y no con fines políticos, po
idealización de la simetría en sus pinturas y esculturas, diferente a los sumerios.

Sumerios inventan la escritura (3400 a.C.)

MESOPOTAMIA (3,500 – 539 a. C.)

 ESTELA DE NARAM SIN, CÓDIGO DE HAMMURABI.
2210 a.C 1750 a. C.

e. Los relieves de reyes y conquistadores se colocaban en lugares públicos como forma de proselitismo y dominación.
dad y figuras con una anatomía poco detallada.
la muerte, y no con fines políticos, por lo que se colocaban dentro de tumbas y no en lugares públicos. Además, Los egipcios tenían una

Hammurabi escribe su código (1780 a.C.)

MESOPOTAMIA (3,500 – 539 a. C.)

 ESTANDARTE DE UR, c. 2500 a. C. ORANTES DE ALABASTRO.

ESTATUILLAS: Los orantes son

un tipo de escultura muy
es públicos como forma de proselitismo y dominación. repetida en todo el arte
mesopotámico. Representa
tro de tumbas y no en lugares públicos. Además, Los egipcios tenían una ciudadanos sumerios orando
de pie.

e su código (1780 a.C.)

500 – 539 a. C.) MESOPOTAMIA (3,500 – 539 a. C.)

 ZIGURAT.

ARQUITECTURA: Un zigurat o zig-gu-rat es un templo de la

antigua Mesopotamia que tiene la forma de pirámide.

00 – 539 a. C.)
Lammasu, una de las puertas de Dur Sharrukin, 713 a. C. PUERTA DE ISHTAR, h. 575.

En la mitología mesopotámica, un lamassu es una divinidad protectora, un ser híbrido legendario,

principalmente de la mitología asiria, que posee cuerpo de toro o león, alas de águila y cabeza de hombre. Se
situaban en la entrada a la ciudad, por lo que todo el que entra los ve.

Abraham funda el monoteísmo

MESOPOTAMIA (3,500 – 539 a. C.)

 ESTATUA DE UNA PRINCESA DE
BUSTO DE NEFERTITI, 1345 a.C. AMARNA, c. 1345 a. C.

El arte egipcio se utilizaba principalmente dentro de tumbas, pues su cosmogonía centraba la producción de imágenes
para la vida después de la muerte. Presenta tres características principales:

IDEALIZACIÓN DE LA SIMETRÍA: No se presentan con sus defectos y características físicas reales. No fue sino hasta la
aparición del rey sol Akhneatón, que se empezó a representar a las personas con sus defectos físicos.

EGIPTO (3100 - 30 a.C.)

 BAJORRELIEVE

s, pues su cosmogonía centraba la producción de imágenes

ticas principales:

efectos y características físicas reales. No fue sino hasta la

ar a las personas con sus defectos físicos.
TJET Y LOS PORTAESTANDARTES DE NARMER, RELIEVE.

PERSPECTIVA JERÁRQUICA: Se representa a los personajes más importantes con un tono de piel más oscura y de mayor tam
seguidos por los personajes secundarios, y más pequeños los que tienen una importancia menor. En el relieve de los portaes
se puede ver al rey Narmer de mayor tamaño, seguido por su esposa, y a una menor escala los portaestandartes.

Narmer une el alto y el bajo Egipto (3100 a.C.)

EGIPTO (3100 - 30 a.C.)

 AKHENATÓN, NEFERTITI E HIJOS, 1345 a.C

ajes más importantes con un tono de piel más oscura y de mayor tamaño,
os los que tienen una importancia menor. En el relieve de los portaestandartes
or su esposa, y a una menor escala los portaestandartes.
SORTILEGIO 125 DEL PAPIRO DE ANI, LIBRO DE LOS MUERTOS, h. 1550 a. C.

LEY DE FRONTALIDAD: Se representa el cuerpo humano de una forma muy peculiar, de tal manera que en el otro mundo los d
como los demás seres y objetos del mundo terrenal.
Se representa ael cuerpo humano con la cabeza de perfil, los ojos de frente, el torso de frente, las manos de lado, todos los d
pies derechos.

Ramsés II lucha contra los Hitítas (1274 a.C.)

EGIPTO (3100 - 30 a.C.)

 NEBAMUN CAZANDO, 1400 a.C. JARDÍN DE NEBAMUN, 1400 a.C.

iar, de tal manera que en el otro mundo los dioses puedan tener una imagen clara de la anatomía humana, así

orso de frente, las manos de lado, todos los dedos con la misma longitud, la cadera de lado, los pies de lado, dos
COLUMNA PAPIRIFORME.

Los pigmentos naturales, extraídos de tierras de diferentes

colores, una pasta de color, que mezclaban con barro y
disolvían con agua. Los tintes base se obtenían: el negro, del
carbón, el blanco, de la cal o de yeso, el amarillo y rojo-
ladrillo, del ocre natural del desierto, el verde, de la malaquita
y el azul, del lapizlázuli.

Muerte de Cleopatra (30 a.C.)

EGIPTO (3100 - 30 a.C.)

PÍXIDE GEOMÉTRICA, TAPA DE CABALLO,
760 a. C.-700 a. C.

PERIODO GEOMÉTRICO S. IX y VIII a.C.

Toma su nombre del estilo decorativo de la cerámica, en la que predominan los vasos sin fondo usados en rituales
funerarios. Igualmente son habituales los temas relacionados con la muerte.

Atenas vence a Persia en Maratón (490 a.C.)

GRECIA (850 – 31 a.C.)

 ÁNFORA 804 DEL PINTOR DÍPILON, 760 a. C.-700 a. C. CLEOBIS Y BITÓN, h. 600 a. C.

PERIODO ARCAICO: S. VII Y VI a.C.

Las figuras masculinas (kuroi, en singular kuros κοῦρ

(korai, en singular kore κόρη) podían representar tant
a cerámica, en la que predominan los vasos sin fondo usados en rituales como a dioses, muestra de la antropomorfización de
temas relacionados con la muerte. elevación al rango semidivino o heroico de aquellos.

GRECIA (850 – 31 a.C.)

 KORE Y KUROS, 530 a.C. AQUILES Y ÁYAX JUGANDO A LOS DADOS, 540 a.C.

Y VI a.C. Se aprovecharon extensamente las posibilidades que las

distintas tipologías de vasos daban en ciertas partes de su
uroi, en singular kuros κοῦρος) y femeninas superficie (fondos de las copas, vientres y cuellos de las ánforas,
όρη) podían representar tanto a seres humanos etc.) para ejercer como soporte para la pintura griega, que se
e la antropomorfización de estos y de la expresó sucesivamente en dos estilos principales, denominados
vino o heroico de aquellos. "cerámica de figuras negras" y "cerámica de figuras rojas".

Guerra del Peloponeso (431 – 404 a.C.)

BRONCES DE RIACE, DISCÓBOLO DE MIRÓN, MINOTAURO, MIRÓN DE
490-450 a.C. 460-450 a.C. TESEO

ESTILO SEVERO, S. V a.C.

Marca la ruptura entre las formas canónicas del período arcaico anterior y la transición al
vocabulario y expresión grandemente expandidos del periodo clásico de mediados de siglo.
El bronce y el mármol eran los materiales más empleados, de entre los cuales era muy
famoso el mármol rosado del monte Pentélico, en Atenas.

GRECIA (850 – 31 a.C.)

Discóforo, Policleto, Amazona tipo Copia Atenea Varvakeion, Copia de Apolo
450-440 a.C. Capitolino, Policleto. Fidias, 438 a.C. Parnopio, Fidias.

CLÁSICO, S. V y IV a.C.

La escultura griega se caracteríza por la idealización del cuerpo humano (el cual es el principal motivo de representación) c
ello que los rostros y los cuerpos de los diferentes personajes son tan parecidos. Al avanzar en los periodos de la civilización
contraposto, en el que un lado del cuerpo se mantiene extendido mientras que el otro se mantiene en flexión. Además se des
se da una búsqueda por la tridimencionalidad y desarrollo de diferentes perspectivas.

GRECIA (850 – 31 a.C.)

 COPIA DE LA AFRODITA CNIDIA, HERMES CON DIONISIO,
PRAXÍTELES, 350-340 a.C. PRAXÍTELES 350-330 a.C.

pal motivo de representación) con vuelta a la simetría y perfección. Es por

en los periodos de la civilización griega, podemos observar el desarrollo del
tiene en flexión. Además se desarrollan los primeros escorzos en la pintura,

Conquistas de Alejandro Magno (336 -323 a.C.)

GRECIA (850 – 31 a.C.)

 Atlante en la abadía de St.
Columnas dórico, jónico y corintio. Florian, Austria.

ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS:
Se reconocen y distinguen los diversos órdenes fundamentalmente
por la forma de la columna, y más en concreto por la de su capitel. El
dórico siendo el más sencillo sin decoración, el jónico con Se llamaban atlantes las figuras de hombres que suele
decoración en forma de espiral, y el corintio con una decoración cornisas, etc. y que los latinos llamaban telamones. E
fitomorfa más elaborada. las cariátides.

ejandro Magno (336 -323 a.C.)

GRECIA (850 – 31 a.C.)

 Pórtico de las cariátides, Erecteion. Laocoonte y sus hijos, S. II-I a.C.

HELENÍSTICO: S. IV, III y II a.C.

Muchas de las más importantes obras de arte griego pertenecen a este per
s las figuras de hombres que suelen ponerse para sostener Laocoonte y sus hijos, la Venus de Milo, la Victoria de Samotracia, etc.). La
os latinos llamaban telamones. El equivalente femenino son innovaciones del segundo clasicismo: estudio de los ropajes, de la transpar
flexibilidad en las actitudes.
 Fauno Barnerini (copia), Venus de Milo,
ca. 200 a.C. ca. 130-100 a.C.

as de arte griego pertenecen a este periodo (el Altar de Pérgamo, el

Milo, la Victoria de Samotracia, etc.). La escultura helenística incorpora
o: estudio de los ropajes, de la transparencia en los vestidos, la

GRECIA (850 – 31 a.C.)

Panteón de Agripa o Panteón Romano, 118 y 125 d.C.

ARQUITECTURA:
Los romanos emplearon profusamente el arco y la bóveda.
Los romanos no sólo construyeron bóvedas de cañón y
cúpulas, sino rudimentarias bóvedas de arista y de crucería.

ROMA (500 a.C. – 476 d.C.)

C.

La construcción de una amplia sala redonda con un

pórtico rectangular, conformado como un templo clásico,
es una innovación en la arquitectura romana. El modelo
de espacio circular cubierto por una bóveda se había
utilizado por la misma época en las grandes salas
termales, pero era una novedad usarlo en un templo.

Julio César es asesinado (44 a.C.)

COLISEO, 72-80 d. C.

ANFITEATROS: Es como un teatro doble, es decir, circular y cerrado, como una plaza de toros y de mayores
dimensiones que el teatro. Se dedicaba a los espectáculos cruentos: lucha de gladiadores. El coliseo, el más grande.
La fachada se articula en cuatro órdenes, cuyas alturas no se corresponden con los pisos interiores. Los tres órdenes
inferiores los forman 80 arcos sobre pilastras y con semicolumnas adosadas que soportan un entablamento puramente
decorativo. El cuarto lo forma una pared ciega, con pilastras adosadas y ventanas en uno de cada dos vanos. Respecto
a los aspectos estéticos, vemos la combinación de arco y dintel y la superposición de órdenes toscano, jónico y
corintio.

ROMA (500 a.C. – 476 d.C.)

 ular y cerrado, como una plaza de toros y de mayores
culos cruentos: lucha de gladiadores. El coliseo, el más grande.
as no se corresponden con los pisos interiores. Los tres órdenes
emicolumnas adosadas que soportan un entablamento puramente
lastras adosadas y ventanas en uno de cada dos vanos. Respecto
co y dintel y la superposición de órdenes toscano, jónico y
Arco de Constantino, 315 d.C.

ARCOS DEL TRIUNFO: Un arco de triunfo es una estructura monumental en forma de arco con uno o más pasadizos
arqueados, a menudo diseñados para atravesar una calle o vía. Los dos elementos clave del arco de triunfo: un arco
redondeado y un entablamento cuadrado. El arco único era el más común, pero también se construyeron muchos arcos triple
La ornamentación de un arco tenía la intención de servir como un recordatorio visual constante de un triunfo o visita imperia
Las inscripciones en los arcos triunfales romanos eran obras de arte en sí mismas, con letras muy finamente cortadas, a vec
doradas.

ROMA (500 a.C. – 476 d.C.)

 Arco de Septimio, Severo, 203 d.C. Columna Trajana, 113 d.C.

COLUMNA TRIUNFAL: Se erige en

uctura monumental en forma de arco con uno o más pasadizos conmemoración de hechos y
calle o vía. Los dos elementos clave del arco de triunfo: un arco personas. Normalmente
co era el más común, pero también se construyeron muchos arcos triples. marmóreas. Se levantan sobre un
ervir como un recordatorio visual constante de un triunfo o visita imperial. pedestal y a veces tienen escaleras
an obras de arte en sí mismas, con letras muy finamente cortadas, a veces interiores. Suelen ir decoradas con
relieves.

Augusto proclamado emperador (27 a.C.)

ROMA (500 a.C. – 476 d.C.)

 Monedas comunes en el imperio
As, c. 240-225 a.C. Romano.

En la consolidación del imperio fue de gran importancia la acuñación

de monedas, que son en realidad bajorrelieves en miniatura. El primer
vestigio de moneda circular es el aes, o as, que data
aproximadamente del año 280 a. C. La moneda oficial del imperio
romano era el denario argentum, hecha de plata. Aunque su fin era
mercantil, se utilizaban con fines proselitistas (políticos).

perador (27 a.C.)

 Augusto de Prima Porta (copia),
Representación de Tellus en el Ara Pacis, 13-9 a. C. Roma.

ESCULTURA:
El primer gran monumento de la escultura imperial fue el Ara Pacis, también obra maestra de la arquitectura romana.
Especialmente en períodos en que la descripción realista estaba en vigor con más fuerza, se observa de inmediato una
incongruencia entre la forma de representación del cuerpo y la cabeza. Mientras que la cabeza se mostraba a menudo con to
signos del envejecimiento, los cuerpos estaban representados de acuerdo con los antiguos cánones de la escultura clásica g
idealizados con una eterna juventud y fuerza. Se hacía a menudo simplemente sustituir la cabeza de una célebre estatua de
por la de un patricio romano o del emperador.

Diocleciano separa el imperio (292 d.C.)

ROMA (500 a.C. – 476 d.C.)


Genio de Augusto.
a arquitectura romana.
bserva de inmediato una
a se mostraba a menudo con todos los
nones de la escultura clásica griega,
eza de una célebre estatua de un dios
el imperio (292 d.C.)
ROMA (500 a.C. – 476 d.C.)
Busto de Marco Porcio Cato,
c.80 a.C. Retrato de matrona, dinastía Flavia.
RESTRATO:
Desde la época de la República el retrato fue muy bien valorado y con el tiempo osciló cíclicamen
una tendencia clasicista idealizante y otra de gran realismo. Entre los retratos, el busto y la cabez
formas más frecuentes. Mientras que los emperadores utilizaban los retratos principalmente para
del poder y su programa político, en la esfera privada se utilizaban en el contexto funerario.
 Busto del emperador Adriano,
Galería de los Uffizi, Florencia.
con el tiempo osciló cíclicamente entre
e los retratos, el busto y la cabeza eran las
os retratos principalmente para la reafirmación
n en el contexto funerario.
Caída de Roma (476 a.C.)
ROMA (500 a.C. – 476 d.C.)
Garbhadhatu Gandhara, siglo I
ARTE BUDISTA:
Aunque en India había una gran tradición de escultura y se dominaba el arte iconográfic
antropomórficamente, sino siempre a través de símbolos. Las representaciones antropo
I d. C. en el norte de India. Los dos principales centros de creación han sido identificad
región de Mathurā, al norte de India.
Nacimiento de Buda (563 a.C.)
ARTE ORIENTAL (653 a.C. – 1900)
 Buda calmando el océano,
Mathura, siglo II período Ayutthaya, Tailandia.

e dominaba el arte iconográfico, Siddharta no era representado nunca

Las representaciones antropomórficas de Buda comenzaron a aparecer a partir del siglo
creación han sido identificados como Gandhara en el actual Panyab, en Pakistán y en la

Se abre la ruta de la seda (siglo I)

ARTE ORIENTAL (653 a.C. – 1900)

Mahakala, El señor de la muerte. El festival Qingming junto al río, estilo Shan shui, S. XII

Deidad tutelar de la zona, Tibet. PINTURA CHINA:

Estos dioses, después de la llegada La pintura china clásica se puede considerar como una rama autónoma de la caligrafía c
de Padmasambhava fueron hasta el siglo I a.C. cuando la técnica se plasmara sobre papel. La pintura de paisajes co
sometidos y ahora deben servir a pintor que, tras la contemplación del paisaje, lo plasma en la pintura. La concepción con
Buda. marco cosmológico completo.
 En el silencio de un lago de Seis caballeros Ni Zan,
Luna y Melón, Zhu Da, 1689 montaña. Ca. 1602. 1345.

rama autónoma de la caligrafía china de la que partió, fundada sobre los cuatro tesoros de la escritura: (pinceles, tinta, tintero y papel).
e papel. La pintura de paisajes constituye el género más “noble” de la pintura china clásica. No es un arte figurativo que se haya modela
a en la pintura. La concepción confucionista del mundo se refleja, asimismo, en la pintura de paisajes en los que las figuras o las constru

Budismo se expande a China (siglo I-II d.C.) y Japón (siglo V d.C.)

ARTE ORIENTAL (653 a.C. – 1900)

 Reubicación de
Paisaje de las Montañas Fuchun, Huang Gongwang, c.1350 Ge Zhichuan

e la escritura: (pinceles, tinta, tintero y papel). La pintura china clásica aparece en torno al siglo III a.C., pero no sería
a. No es un arte figurativo que se haya modelado después, sino el resultado del sentimiento experimentado por el
de paisajes en los que las figuras o las construcciones humanas aparecen de forma muy reducida, situadas en un

ARTE ORIENTAL (653 a.C. – 1900)

En el santuario de Akiba en
Ukeji, Hiroshige, 1857.

XILOGRAFÍA:
Originaria de China, supuso la mecanización del proceso de impresión. Como método de impresión sobre tela, los ejemplos
más antiguos que sobrevivieron en China son anteriores al año 220. l texto o la imagen deseada se talla a mano con una
gubia o buril en la madera. Se utiliza habitualmente una sola matriz (llamada también taco) para cada página. A
continuación se impregna con tinta y presionándola contra un soporte (como el papel) se obtiene la impresión del relieve.

Invención de la xilografía (siglo V)

 Taira no Kiyomori ve apariciones sobrenaturales, Utagawa Hiroshige, 1840.

, supuso la mecanización del proceso de impresión. Como método de impresión sobre tela, los ejemplos
obrevivieron en China son anteriores al año 220. l texto o la imagen deseada se talla a mano con una
madera. Se utiliza habitualmente una sola matriz (llamada también taco) para cada página. A
pregna con tinta y presionándola contra un soporte (como el papel) se obtiene la impresión del relieve.

grafía (siglo V)

ARTE ORIENTAL (653 a.C. – 1900)

La gran ola de Kanagawa (1830 - 1833), grabado de Katsushika Naniwaya Okita de Kitagawa
Hokusai. Utamaro.

UKIYO-E: Pinturas del mundo flotante o "estampa japonesa", es un género de grabados realizados mediante xilografía o técn
producidos en Japón entre los siglos XVII y XX, entre los que se encuentran imágenes paisajísticas, del teatro y de zonas de
que podía ser producido de forma masiva. Por lo general, eran adquiridos por personas sin suficiente nivel económico como
original. El tema original de los ukiyo-e era la vida de la ciudad, particularmente actividades y escenas de lugares de entrete
técnicas permitían la producción de impresos a todo color, llamados nishiki-e, y datan de este periodo los ukiyo-e que se rep
calendarios. Utamaro, Hokusai, Hiroshige, y Sharaku fueron algunos artistas prominentes durante este periodo.
 El puente Ōhashi en Atake Los actores kabuki, Sharaku
(1857), Utagawa Hiroshige. 1794.

zados mediante xilografía o técnica de grabado en madera,

jísticas, del teatro y de zonas de alterne. El ukiyo-e era accesible, dado
uficiente nivel económico como para poder comprarse una pintura
y escenas de lugares de entretenimiento. A mediados del siglo XVIII, las
te periodo los ukiyo-e que se reproducen hoy en día en postales y
urante este periodo.

ARTE ORIENTAL (653 a.C. – 1900)

 Elementos islámicos
Santa Sofía de Constantinopla, Turquía, 360. bajo las pechinas, Santa Sofía.

El arte bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo IV, fuertemente enraizada en el mundo helenís
continuación del arte paleocristiano. La obra cumbre de la arquitectura bizantina es la Iglesia de Santa Sofía, antigua basílic
convertida en mezquita y actualmente en museo. Su arquitectura es eminentemente espacial, aunque el efecto exterior ha s
otomanos, que lo enriquecieron con minaretes, espolones y grandes contrafuertes.
La iglesia de San Vital de Rávena es uno de los templos más importantes del arte bizantino. En esta iglesia de San Vital está
característicos de la estilística en la arquitectura medieval de Occidente, sobre todo en los que se refiere al sentido vertica
horizontalidad precedente.

Justiniano restaura parcialmente el imperio romano d

ARTE MEDIEVAL BIZANTINO, 476 - 1453 d.C.

 San Vital de Rávena, 527.

e enraizada en el mundo helenístico y oriental, como

a de Santa Sofía, antigua basílica patriarcal ortodoxa, posteriormente
l, aunque el efecto exterior ha sido significativamente modificado por los

En esta iglesia de San Vital están ya prefigurados los rasgos más

que se refiere al sentido vertical de la construcción en detrimento de la

arcialmente el imperio romano de occidente (533 – 562 d.C.)

 Cristo Pantocrátor, iglesia Hagia
Cristo Helenizante, San Vital de Rávena. Sofía, S. XII

MOSAICO:

El gusto por la riqueza y la suntuosidad ornamental del arte bizantino, eminentemente áulico, exigía el revestimiento de los m
sólo para ocultar la pobreza de los materiales usados, sino también como un medio para expresar la religiosidad y el carácte

ARTE BIZANTINO, 476 - 1453 d.C.

 Justiniano y su séquito, San Vital.

lico, exigía el revestimiento de los muros de sus templos con mosaicos, no

expresar la religiosidad y el carácter semidivino del poder imperial.

Controversia iconoclasta (726 – 843 d.C.)

Teodora y su cortejo, San Vital.

Terminada la lucha iconoclasta, a mediados del siglo IX es cuando verdaderamente se configura la estética bizantina y su ic
cierta rigidez y monotonía, pero muy expresivas en su simbolismo, con evidente desprecio del natural y las leyes espaciales
cierta deshumanización.
Durante la Tercera Edad de Oro el mosaico continuó en uso hasta el siglo XIII, en esta época se enriquece la iconografía de
de los santos y evangélicos, a la vez, que por influjos italianos, se aprecia una mayor libertad compositiva y una evidente ma

ARTE BIZANTINO, 476 - 1453 d.C.

 Mosaicos del lado norte de la nave central de San Apolinar Nuevo, Rávena.

X es cuando verdaderamente se configura la estética bizantina y su iconografía. Las figuras acusan una
simbolismo, con evidente desprecio del natural y las leyes espaciales; son alargadas y con un aspecto de

uso hasta el siglo XIII, en esta época se enriquece la iconografía de los ciclos "marianos",
alianos, se aprecia una mayor libertad compositiva y una evidente manierismo en las estilizaciones.
El Evangelista San Lucas, S. X Virgen de Vladímir, S. XII La Virgen y el Niño, S. XIII

PINTURA: Se la consideraba materialización de la misma divinidad (revelación de lo divino o teofanía), en algunos casos incl
con la consideración de "realizada por manos no humanas" (acheiropoieta). El amaneramiento y el convencionalismo de la
pintura bizantina que ya desde el principio más o menos la acompañan se hicieron más sensibles en el siglo VIII y llegaron a
apogeo en el XIII por la falta de expresión y el exceso de rigidez y angulosidad que se manifiesta en las figuras. Las principa
técnicas de la pintura bizantina fueron el mosaico, el temple sobre tabla (iconos), el fresco y la iluminación de manuscritos;
aunque hay incluso testimonios de tapicería y seda bizantina.

ARTE BIZANTINO, 476 - 1453 d.C.

 Crucifixión, Santa
Catalina del Sinaí, siglo XIII.
vino o teofanía), en algunos casos incluso
amiento y el convencionalismo de la
s sensibles en el siglo VIII y llegaron a su
manifiesta en las figuras. Las principales
esco y la iluminación de manuscritos;
Caligrafía tuluth. Mequinez, Marruecos.
En el Corán se menciona que se tiene prohibido utilizar en obras artísticas cualquier imagen
basadas en imágenes geométricas y con tonalidades generalmente en color oro y rojo. Se ut
escritura (decoración caligráfica mediante versículos del Corán), dibujos geométricos o vege
también destaca la iluminación en los libros sagrados y profanos. Como consecuencia de est
grandes obras.
Nacimiento del Islam (610 d.C.)
ARTE MEDIEVAL ISLÁMICO, 476 - 1453 d.C.
 La Alhambra, Granada, España.

o utilizar en obras artísticas cualquier imagen relacionada con la figura humana. Es por esto que las obras pictóricas de esta cultura está
dades generalmente en color oro y rojo. Se utiliza sobre todo como elemento decorativo en las edificaciones, normalmente a través de la
sículos del Corán), dibujos geométricos o vegetales y, más raramente, mediante la representación figurativa de personas y animales. Per
grados y profanos. Como consecuencia de esta prohibición, los artistas musulmanes se interesaron en la arquitectura, y en ella se gene
 a figura humana. Es por esto que las obras pictóricas de esta cultura están
omo elemento decorativo en las edificaciones, normalmente a través de la
mente, mediante la representación figurativa de personas y animales. Pero
artistas musulmanes se interesaron en la arquitectura, y en ella se generaron
La Kaaba, dentro de la mezquita Masjid al-Haram, Alminares de la mezquita
en La Meca. El-Tabia, Asuán.

Una mezquita es un lugar de culto para los seguidores de la fe islámica. Hoy en día la
mayoría de las mezquitas tienen cúpulas elaboradas, minaretes y salas para orar. La Kaaba
es una construcción cuya forma es la de un prisma rectangular que está dentro de la
mezquita Masjid al-Haram en La Meca (Arabia Saudita). Representa el lugar sagrado y de
peregrinación religiosa más importante del islam. Es la «casa de Dios», y hacia ella orientan
su rezo los musulmanes de todo el mundo ubicando el oriente.

Conquista musulmana (632 – 732 d.C.)

ARTE ISLÁMICO, 476 - 1453 d.C.

La Mezquita Azul en Estambul, Turquía, con sus seis minaretes.

Los minaretes o alminres son las torres de las mezquitas musulmanas.

Desde ahí se realiza el adhan o llamada a la oración; su función ritual es
proporcionar un entorno elevado para que el muecín o almuédano efectúe las
cinco llamadas que cada día se hacen para convocar a la oración (salat).
Bandera de Arabia Saudita, con la Shahada.
La shahāda es la declaración de fe en un único dios: "No hay más dios
que Alá, y Mahoma es su profeta". El color verde es el màs
generalizado como símbolo en el Islam. La tradición dice: "Mahoma
usaba un manto verde". Representa la alegría,el éxito y la felicidad.
Tambièn la esperanza y la paz. Por consiguiente,los musulmanes
decoran las mezquitas y el interior de sus casas con este color.
ARTE ISLÁMICO, 476 - 1453 d.C.
Folio 292r del Libro de Kells
Arte hiberno-sajón , arte anglo-celta o arte insular son
arte producido en las Islas Británicas en la Alta Edad
decoración de entrelazado. Las superficies se decoran
intrincadas (nudo celta), que no intentan dar impresió
ARTE MEDIEVAL, HIBEROSAJÓN Y CELTA, S. V-XV
 Detalle de la Cruz de
Ruthwell. San Juan en el Libro de Mulling.

e anglo-celta o arte insular son denominaciones historiográficas para el

as Británicas en la Alta Edad Media. Se identifica especialmente con la
do. Las superficies se decoran profusamente (horror vacui) con tramas
que no intentan dar impresión de profundidad o volumen.

Incursiones vikingas por toda Europa (793 – 1066)

OSAJÓN Y CELTA, S. V-XV


Letra capital del Libro de Kells.
En los manuscritos ilustrados pueden existir letras capitales con
imágenes en su interior: «capitales historiadas». Fueron invención
del arte insular de las islas británicas en el siglo VIII. Las capitales
historiadas que contienen espirales en forma de plantas, con
pequeñas figuras de animales u hombres son conocidas como
«capitales habitadas».
Planta, alzado y sección de la
Capilla palatina de Aquisgrán.
ARQUITECTURA CAROLINGIA: Es la denominación histor
durante el Imperio carolingio, la época iniciada por Carlo
desde el 800) y que termina con la muerte de su hijo Lud
restauración de la arquitectura romana. Las principales
Aquisgrán y el oratorio de Germigny-des-Prés.
Batalla de Hastings (1066)
ARTE MEDIEVAL CAROLINGIO
 Oratorio de Germigny-des-Prés, C. 803 - 806

GIA: Es la denominación historiográfica del estilo arquitectónico desarrollado

gio, la época iniciada por Carlomagno (rey de los francos desde 768 y emperador
na con la muerte de su hijo Ludovico Pío (840). Es un "renacimiento" o deseo de
ctura romana. Las principales obras fueron debidas a Eudes de Metz: el palacio de
Germigny-des-Prés.
Bóveda del Oratorio de Germigny-des-Prés

En la arquitectura carolingia se ofrecen características que anuncian el estilo románico. El crucero (nacido en las basílicas
se acusa ahora claramente. Proliferan los ábsides contiguos, precedentes de la cabecera cluniacense. Aparece el arco perpi
semejante al fajón— y el crucero se alumbra con torre-linterna. Se crea el deambulatorio: pasillo detrás del altar mayor prolo
naves laterales. Al principio iba por el exterior del templo acabó penetrando dentro del recinto. Las cubiertas eran de mader
emplea el pilar compuesto. Las mismas torres son de madera.

Basílica de Santa Práxedes, Roma. C. 780
ue anuncian el estilo románico. El crucero (nacido en las basílicas paleocristianas)
os, precedentes de la cabecera cluniacense. Aparece el arco perpiaño —
erna. Se crea el deambulatorio: pasillo detrás del altar mayor prolongando las
acabó penetrando dentro del recinto. Las cubiertas eran de madera, también se
era.
ARTE MEDIEVAL CAROLINGIO
Evangeliario de Godescalco,
ca. 781-783
PINTURA CAROLINGIA: De la pintura, tanto de temas
fragmentos, pero de extraordinario valor, en Saint-Ger
Máximo de Tréverisop, así como las pinturas de San J
La miniatura carolingia está representada por una div
de Ada, Escuela de Tours, Escuela de Reims.
 Evangeliario de Ebo, ca. 823 Codex Aureus de Lorsch

NGIA: De la pintura, tanto de temas sacros como profanos, quedan pocos

e extraordinario valor, en Saint-Germain de Auxerre (Yonne) y en la cripta de San
sop, así como las pinturas de San Juan de Müstair.
ngia está representada por una diversidad de escuelas: Escuela palatina, Escuela
e Tours, Escuela de Reims.
Panteón de los Reyes de la Basílica de San Isidoro de León

El arte románico fue un estilo artístico predominante en Europa Occidental durante los siglos XI, XII y parte del XIII. Fue sob
todo un arte religioso, que reflejaba los valores de la nueva sociedad feudal, que a la vez era
guerrera y cristiana. Algunas características del importante arte románico catalán son: Empleo del arco de medio punto, Pie
escuadrada pero no pulida, Cabeceras de semitambor adornadas con arquillos y bandas rítmicamente dispuestas (arcos o ba
lombardas), Los templos se cubren con bóvedas pétreas de cañón y horno, Las naves son más amplias y elevadas, al menos
comparación con antiguos edificios prerrománicos, Se emplean los pilares como sustentación, No hay figuración escultórica

Cruzadas I – IV (1095 – 1204)

ARTE MEDIEVAL ROMÁNICO, S. V-XV


Notre Dame La Grande.
Europa Occidental durante los siglos XI, XII y parte del XIII. Fue sobre
va sociedad feudal, que a la vez era
ante arte románico catalán son: Empleo del arco de medio punto, Piedra
ornadas con arquillos y bandas rítmicamente dispuestas (arcos o bandas
de cañón y horno, Las naves son más amplias y elevadas, al menos en
mplean los pilares como sustentación, No hay figuración escultórica
Pantocrátor del Ábside de Sant
Climent de Taüll.
PINTURA ROMÁNICA: Los temas, muy repetidos, son casi ún
generalizado, además de incluir contenidos alegóricos sólo a
vacui, la necesidad de llenar los espacios vacíos, tanto en la
sintetizadas y simétricas, delimitadas por trazos rígidos (con
de los edificios como del ambiente vital. En entornos conven
perspectiva jerárquica), las figuras son hieráticas y simplific
ritmos repetitivos (como también hace la decoración abstrac
Peste negra (1347 – 1351)
 Madonna de la escuela de "Manuscrito Rupertsberg" (ca.
Lucca, ca. 1200. 1165-1180) Hildegarda de Bingen.

as, muy repetidos, son casi únicamente religiosos y se encuadran en una función didáctica imprescindible dado el analfabetismo
ir contenidos alegóricos sólo accesibles a una minoría iniciada (la élite monacal y el alto clero). La plástica románica está dominada por
os espacios vacíos, tanto en las páginas de los manuscritos como en los muros de las iglesias, de formas y colores; preferentemente for
mitadas por trazos rígidos (contornos de líneas negras), y colores puros y brillantes, lo que se ha interpretado como una reacción a la os
ente vital. En entornos convencionales, sin sombras ni profundidad, con poca o ninguna representación de paisaje, y sin perspectiva line
guras son hieráticas y simplificadas (por ejemplo, los pliegues paralelos, los rasgos faciales idénticos), yuxtapuestas y frontales, multipli
ién hace la decoración abstracta en bandas, cenefas o grecas).

ARTE MEDIEVAL ROMÁNICO, S. V-XV

 Mosaico del ábside de la basílica de Santa Pudenciana, Roma.
una función didáctica imprescindible dado el analfabetismo
te monacal y el alto clero). La plástica románica está dominada por el horror
los muros de las iglesias, de formas y colores; preferentemente formas
ros y brillantes, lo que se ha interpretado como una reacción a la oscuridad tanto
con poca o ninguna representación de paisaje, y sin perspectiva lineal (pero sí
os, los rasgos faciales idénticos), yuxtapuestas y frontales, multiplicadas en
La guerra de los cien años (1337 – 1453)
Basílica de Saint-Denis, C. 1140- 1144
ARQUITECTURA: A nivel arquitectónico, el estilo gót
de este movimiento la basílica de la abadía real de S
innecesarios los muros en beneficio de los vanos, el
Será una luz física, no figurada en pinturas y mosaic
tratase; a la vez que es una luz transfigurada y color
irreal y simbólico.
ARTE GÓTICO, S. XII-XV
 Rosetón Norte, Notre Dame de
nis, C. 1140- 1144 Paris

ivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada como el primer monumento
a basílica de la abadía real de Saint Denis. Como las nuevas técnicas constructivas hicieron virtualmente
os en beneficio de los vanos, el interior de las iglesias se llenó de luz, y la luz conformará el nuevo espacio gótico.
no figurada en pinturas y mosaicos; luz general y difusa, no concentrada en puntos y dirigida como si de focos se
es una luz transfigurada y coloreada mediante el juego de las vidrieras y los rosetones, que trasforma el espacio en

Introducción de la xilografía en Europa (siglo XIII)

 Arbotantes de la Catedral de
Catedral de Milán, 1386-1965. Notre Dame, Paris.

La utilización de uno de sus elementos, el arco apuntado, al que suele llamarse ojival, del que
se deriva la bóveda de crucería que permite desplazar los empujes a contrafuertes externos, que se
alejan aún más de los muros mediante el uso de arbotantes. Eso permitió la construcción de
edificios mucho más amplios y elevados, y el predominio de los vanos sobre los muros.

ARTE GÓTICO, S. XII-XV

 Madonna con ángeles y San Francisco,
Simone Martini (1285–1344) Cimabue, h. 1280

PINTURA GÓTICA: La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificada
idealizadas representaciones del románico. Con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas se tendió a aproximar la repre
los personajes religiosos en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos, rompiendo e
y formalismo románico. La pintura se practicaba en cuatro técnicas principales: pintura mural, vidrieras, pintura sobre tabla
miniaturas.

ARTE GÓTICO, S. XII-XV


Crucifijo de Giunta Pisano, Cimabue
cada vez mayor, frente a las simplificadas e
eligiosas se tendió a aproximar la representación de
emociones y sentimientos, rompiendo el hieratismo
ura mural, vidrieras, pintura sobre tabla y
Lamentación sobre Cristo muerto,
Giotto, c.1305-1306
En el principio del periodo gótico, el arte se producía principalmente con fines relig
cristianismo visible para una población analfabeta; otras eran expuestas como icon
del gótico conservaban la memoria de la tradición bizantina, pero también crearon
en el uso de la perspectiva y de otras cuestiones técnicas en pintura en cuanto al
mobiliar), los pigmentos y los aglutinantes. Se atribuye a Jan Van Eyck la inveción
 La expulsión de los diablos de Arezzo, Las muy ricas horas del Retrato de Giovanni Arnolfini y
Giotto duque de Berry. su esposa, Jan van Eyck, 1434.

te se producía principalmente con fines religiosos. Muchas pinturas eran recursos didácticos que hacían el
analfabeta; otras eran expuestas como iconos, para intensificar la contemplación y las oraciones. Los primeros maestros
la tradición bizantina, pero también crearon figuras persuasivas, con perspectiva. En efecto, se produjeron lentos avances
uestiones técnicas en pintura en cuanto al tratamiento de los soportes (que permiten la mayor difusión de un arte
tes. Se atribuye a Jan Van Eyck la inveción de la pintura al óleo.

ARTE GÓTICO, S. XII-XV

La Puerta del Paraíso, Cúpula de Santa María del
Lorenzo Ghiberti, h. 1425. Fiore, Bruneleschi.

El concepto de renacimiento se aplica a la época artística que da comienzo a la Edad Moderna. El término «renacimiento» s
clásica griega y romana, y se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contempla
un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa medieval. Se inventa la perspectiva aérea, con el sfu
varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como u
Filippo Brunelleschi, arquitecto y escultor renacentista, como inventor de la perspectiva cónica o lineal (una de las cinco for
pictórico; las otras son tamaño, escorzo, detalle y perspectiva aérea.

Gutenberg inventa la imprenta de tipos móviles (1447)

RENACIMIENTO, S. XV-XVI
 San Juan Evangelista,
Fachada del Spedale degli Innocenti, Bruneleschi. Donatello.

tística que da comienzo a la Edad Moderna. El término «renacimiento» se utilizó reivindicando ciertos elementos de la cultura
como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de
ecida en la Europa medieval. Se inventa la perspectiva aérea, con el sfumato (técnica pictórica que se obtiene por aumentar
proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de antigüedad y lejanía). Se considera a
sta, como inventor de la perspectiva cónica o lineal (una de las cinco formas de representar la profundidad en el plano
erspectiva aérea.

a imprenta de tipos móviles (1447) Los turcos conquistan Constantinopla (1453)

 Puerta de los
Apóstoles, Donatello.
do ciertos elementos de la cultura
raleza tras siglos de predominio de
ica que se obtiene por aumentar
edad y lejanía). Se considera a
la profundidad en el plano
uistan Constantinopla (1453)
La primavera (1481-1482). Temple sobre tabla, Sandro Boticelli.
Características que distinguen la pintura renacentista de la pintura medieval: Evocación de lo antigu
La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas, Dominio de la perspectiva, y d
luces y sombras como el claroscuro o la grisalla, decoraciones murales al temple y al fresco, Se ext
alegorías y temas históricos. Aparece el desnudo.
RENACIMIENTO, S. XV-XVI
 El nacimiento de Venus (1484). Temple sobre lienzo, Boticelli.

pintura medieval: Evocación de lo antiguo, Observación viva de la naturaleza,

as cosas, Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas, Los efectos de
es murales al temple y al fresco, Se extiende el uso del lienzo, temas mitológicos,
San Juan Bautista, Da Vinci.

El claroscuro es una técnica de

pintura que consiste en el uso de
contrastes fuertes entre volúmenes,
unos iluminados y otros
ensombrecidos, para destacar más
efectivamente algunos elementos.
La Anunciación, Da Vinci.

Leonardo da Vinci aportó muchas innovaciones que condujeron a la historia de la pintura hacia
nuevos rumbos. Quizá su principal aportación fue el sfumato, delicada gradación de la luz que otorga a
sus pinturas una gran naturalidad, a la vez que ayuda a crear espacio. Estudiaba cuidadosamente la
composición de sus obras, como en la Última Cena, donde las figuras se ajustan a un esquema
geométrico.

Descubrimiento de América (1492)

La Piedad, Miguel Ángel. El David de Miguel Ángel.

Miguel Ángel, fundamentalmente escultor, se dedicó a la pintura de forma esporádica. Los

frescos de la Capilla Sixtina muestran el atormentado mundo interior de este artista,
poblado de figuras monumentales, sólidas y tridimensionales como si fueran esculturas, y
de llamativa presencia física. En su obra cobra mucha importancia el desnudo, aun
cuando la casi totalidad de la misma fue hecha para decorar iglesias.

RENACIMIENTO, S. XV-XVI
 Los desposorios de la Virgen
La escuela de Atenas, Rafael Sanzio, 1510-1511 de Rafael Sanzio.

Rafael Sanzio completa la tríada de genios del clasicismo. Su estilo tuvo un enorme éxito y
se puso de moda entre los poderosos. La pintura de Rafael buscaba ante todo la grazia, o belleza
equilibrada y serena. Sus madonnas recogen las novedades de Leonardo en lo que se refiere a
composición y claroscuro, añadiendo una característica dulzura. Anticipa claramente la pintura
manierista en sus últimas obras, cuyo estilo agitado y dramático copiarán y difundirán sus
discípulos.

Lutero inicia su reforma (1517)

Pietà: Cristo muerto sostenido por la Virgen y San Juan,
1460, Giovanni Bellini.

Carácter especial presenta Venecia, en contacto constante con oriente, lo que da a este centro artístico un aire diferente, e
el que el color predomina sobre la línea y el paisaje sobre la persona humana, justo a la inversa de lo que ocurre en Florencia
sobresalientes pintores venecianos de la época fueron los Bellini, en particular Giovanni Bellini.

RENACIMIENTO VENECIANO Y DEL NORTE (1430 – 1550)

 Asunción de la Virgen,
Venus dormida (h. 1510), Giorgio Barbarelli da Castelfranco. 1516-18, Tiziano Vecellio.

o constante con oriente, lo que da a este centro artístico un aire diferente, en Trascendente en la evolución del renacimiento
aje sobre la persona humana, justo a la inversa de lo que ocurre en Florencia. Los más y que acabó viviendo en Venecia, aportando la
fueron los Bellini, en particular Giovanni Bellini. Giorgione, al que se pueden atribuir cuadros co

Concilio de Trento y contrareforma (1545 – 156

 Adán y Eva (1507), Alberto Durero. La boda campesina (c. 1566 - 1569), Pieter Brueghel el Viejo.

n la evolución del renacimiento veneciano es la obra de Antonello da Messina, pintor siciliano que se formó en Flandes
endo en Venecia, aportando la minuciosidad flamenca. Una destacada figura veneciana de principios del siglo XVI fue
e se pueden atribuir cuadros como la Venus dormida, La tempestad y Los tres filósofos.

to y contrareforma (1545 – 1563)

RENACIMIENTO VENECIANO Y DEL NORTE (1430 – 1550)

El jardín de las delicias, Jheronimus van Aken (El Bosco).

Venecia siguió dando grandes pintores, con obras plenas de sensualidad y colorido. Tiziano destacó en el retrato, temas mit
Renacimiento alemán, y uno de los grandes maestros de la Pintura occidental fue Alberto Durero (1471-1528). Adoptó ciertos
una realista representación de la naturaleza, destacó como grabador usando la técnica de la xilografía y también la calcogra
desnudo que hace en los muy clásicos Adán y Eva (1507) que se conservan en el Museo del Prado.
 Virgen del canónigo Van der Paele (1434), Jan van Eyck.

olorido. Tiziano destacó en el retrato, temas mitológicos (Venus, Baco y Ariadna) y religiosos. El pintor más destacado del
al fue Alberto Durero (1471-1528). Adoptó ciertos rasgos de la pintura flamenca como el plegado de los paños. Inclinado al dibujo y a
la técnica de la xilografía y también la calcografía (grabados en cobre). Destaca toda su serie de autorretratos y el estudio de
en el Museo del Prado.

Copérnico comprueba que la tierra gira alrrededor del sol (1543)

RENACIMIENTO VENECIANO Y DEL NORTE (1430 – 1550)


El Descendimiento, Rogier van der Weyden.
s, Baco y Ariadna) y religiosos. El pintor más destacado del
pintura flamenca como el plegado de los paños. Inclinado al dibujo y a
en cobre). Destaca toda su serie de autorretratos y el estudio de
del sol (1543)
Il Trasporto, de Pontormo,
ca. 1526-1528.
Aunque inicialmente se definió como la imitación de la maniera d
ejemplo, el propio Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ánge
reacción contra el ideal de belleza clasicista y una complicación
exageración de los movimientos, los escorzos, las texturas, los a
arquitectónicos) como en lo conceptual (forzando el decorum y e
prefigura el "exceso" característico del Barroco.
MANIERISMO (1527–1580)
 Perseo con la cabeza de Medusa,
San Marcos liberando al esclavo (Tintoretto, 1548). Benvenuto Cellini, 1554.

nte se definió como la imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto Renacimiento (por
Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear como Tiziano), posteriormente se entendió como una
l ideal de belleza clasicista y una complicación laberíntica1 tanto en lo formal (línea serpentinata, anamorfosis,
s movimientos, los escorzos, las texturas, los almohadillados, alteración del orden en los elementos
como en lo conceptual (forzando el decorum y el equilibrio altorenacentistas, una "violación de la figura"), que
so" característico del Barroco.

Viajes de Magallanes (1520 – 1522)

El Martirio de San Mauricio. Retrato de Lucrezia Panciatichi, Las tres Gracias, Pedro Pablo
El Greco (1580-82). Agnolo Bronzino. Rubens

El arte se volvió más refinado y ornamentado, con perv

El manierismo es considerado subjetivo, inestable. Los artistas
se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo
a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre
todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en
sentido helicoidal ascendente.
más dinámicas y efectistas y un gusto por lo sorprende
una preponderancia de la representación realista: en u
realidad. Por otro lado, a menudo esta cruda realidad s
manifiesta en una cierta distorsión de las formas, en e
tendencia al desequilibrio y la exageración.

MANIERISMO (1527–1580) BARROCO (1600 – 1750)

 La tormenta en el mar de Galilea,
La ronda de noche, 1642, Rembrandt. 1633. Rembrandt.

do y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero adoptando formas

y un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se observa
presentación realista: en una época de penuria económica, el hombre se enfrenta de forma más cruda a la
nudo esta cruda realidad se somete a la mentalidad de una época turbada y desengañada, lo que se
torsión de las formas, en efectos forzados y violentos, fuertes contrastes de luces y sombras y cierta
la exageración.

La guerra de los treinta años entre católicos y protestantes (1618

 Judit y Holofernes 1598-1599. Caravaggio. Baco Enfermo, Caravaggio (1593).

El Barroco fue un estilo heredero del escepticismo manierista, que se vio reflejado en un
sentimiento de fatalidad y dramatismo entre los autores de la época. El arte se volvió más
artificial, más recargado, decorativo, ornamentado. Destacó el uso ilusionista de los efectos
ópticos. Surgieron nuevos conceptos estéticos como los de «ingenio», «perspicacia» o «agudeza».
En la conducta personal se destacaba sobre todo el aspecto exterior, de forma que reflejara una
actitud altiva, elegante, refinada y exagerada que cobró el nombre de préciosité.

os entre católicos y protestantes (1618 – 1648)

BARROCO (1600 – 1750)

Juramento de los Horacios de 1784, La muerte de Marat (1793),
Jacques-Louis David. Jacques-Louis David.

El término neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los
desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía y que consecuentemente se habían transmitido a todos
deseo de los filósofos de la época de la Razón (filosofía) por racionalizar todos los aspectos de la vida y del saber humanos.
de la existencia del hombre) por una ética laica que ordenará desde entonces las relaciones humanas y llevará a un concept

La ilustración (siglo XVII)

NEOCLÁSICO (1750 – 1850)

 La gran odalisca (1814), Dominique Ingres.

co que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que
emente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. La Ilustración representaba el
ectos de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el papel de la religión (como organizadora
ciones humanas y llevará a un concepto científico de la verdad.
Edipo y la Esfinge, 1864, Dominique
Ingres. La boda pueblerina, 1761, Jean-Baptiste Greuze.

Los pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, reprodujeron los principales hechos
de la revolución y exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con los valores de la
revolución. La claridad estructural y el predominio del dibujo sobre el color son algunas de las
principales características formales de la pintura neoclásica. Obras como el Juramento de los
Horacios, por ejemplo, plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer
plano. Jean-Auguste-Dominique Ingres aunque no fue un pintor neoclásico, tiene obras —como La
fuente— que representan este movimiento artístico.

Revolución industrial (1760 – 1850)

NEOCLÁSICO (1750 – 1850)

Teseo y el Minotauro (1781),
Antonio Canova. Náyade, Antonio Canova.

Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin
policromar. El desnudo tiene una notable presencia. Antonio Canova (1757-1822) y Bertel
Thorvaldsen (1770-1844) resumen las distintas tendencias de la escultura neoclásica.

NEOCLÁSICO (1750 – 1850)

Puerta de Brandenburgo (1789-1791),
Carl Gotthard Langhans.
Los modelos greco-romanos dieron lugar a una
arquitectura monumental que reproduce frecuentemente el
templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad
civil. El perfil de los Propileos de Atenas le sirvió al alemán
Carl Gotthard Langhans para configurar su Puerta de
Brandeburgo en Berlín (1789 a 1791)-
El caminante sobre el mar de
nubes, Caspar David Friedrich.
Su característica fundamental es la ruptura con la tradición c
constante, por eso su rasgo revolucionario es incuestionable
humano mismo, es que se presenta de manera distinta y part
tendencias, proyectándose ello también en todas las artes.
ROMANTICISMO (1780 – 1850)
 La ruina de Eldena, h.1825, Caspar David Friedrich.

ental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda
go revolucionario es incuestionable. Debido a que el Romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, así como a la vida y
e presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla, e incluso dentro de una misma nación, se manifiestan distint
e ello también en todas las artes.

Revolución Norteamericana (1775 – 1783)

 La Balsa de la Medusa, 1819, Théodore Géricault.

o de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda

es una manera de sentir y concebir la naturaleza, así como a la vida y al ser
esarrolla, e incluso dentro de una misma nación, se manifiestan distintas
Caballo árabe (c. 1824). Théodore Géricault.

El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:
La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón dieciochesca, dotada de capacidades va
fantasía y el sentimiento. La primacía del genio creador de un Universo propio, el poeta como demiurgo. Valoración de lo dife
lleva una fuerte tendencia nacionalista. El liberalismo frente al despotismo ilustrado. La originalidad frente a la tradición cla
cánones. Cada hombre debe mostrar lo que le hace único. La creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses
paraísos perdidos (de la infancia o de una nación). La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluid

ROMANTICISMO (1780 – 1850)

 Mefistófeles volando sobre
La libertad guiando al pueblo (1830). Eugène Delacroix. Wittenberg, litografía, Delacroix.

píritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:

y, frente a la universalidad de la razón dieciochesca, dotada de capacidades variables e individuales como la
o creador de un Universo propio, el poeta como demiurgo. Valoración de lo diferente frente a lo común, lo que
ralismo frente al despotismo ilustrado. La originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los
hace único. La creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses de Atenas. La nostalgia de
ón). La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada

Revolución Francesa (1789 – 1799)

Lluvia, vapor y velocidad, pintado en 1844. Turner.

Frente a la afirmación de lo racional, irrumpió la exaltación de lo instintivo y sentimental. «La belleza es verdad». También r
pasiones y de los instintos que presenta el «yo», subjetivismo e imposición del sentimiento sobre la razón.

ROMANTICISMO (1780 – 1850)

 Steam-Boat off a Harbour's Mouth in Snow Storm, 1842
Turner.

altación de lo instintivo y sentimental. «La belleza es verdad». También representó el deseo de libertad del individuo, de las
bjetivismo e imposición del sentimiento sobre la razón.

Napoleón coronado como el emperador de Francia (1803)

 The Battle of La Hogue, c. 1778, Benjamin West.

ambién representó el deseo de libertad del individuo, de las

El estanque de Ville-d'Avray, Camille Corot.

Realismo es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo
principal representante es Gustave Courbet. El compromiso con las clases bajas y los movimientos políticos de izquierda (e
contexto de la revolución de 1848) marcó la sensibilidad social e ideológica de este grupo de pintores realistas, que conecta
vertiente más comprometida socialmente del realismo literario: el naturalismo posterior.

REALISMO (1848 – 1900)

 Recuerdo de Mortefontaine (1864), Camille Corot.

órico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo

con las clases bajas y los movimientos políticos de izquierda (en el
ial e ideológica de este grupo de pintores realistas, que conectaría con la
rio: el naturalismo posterior.

Revoluciones democráticas en Europa (1848)

El origen del mundo, 1866, Gustave Courbet.

Ya desde épocas anteriores se apreciaba un cansancio de los valores románticos y el deseo, entre los
artistas más inquietos, de incorporar las experiencias más directas y objetivas en sus obras. El proceso es
gradual aunque rápido, y entre el romanticismo pictórico y el realismo se establece una continuidad, sin embargo
sus planteamientos ideológicos y formales serán muy distintos.
 El desesperado, autorretrato. Courbet.

cansancio de los valores románticos y el deseo, entre los

eriencias más directas y objetivas en sus obras. El proceso es
mo pictórico y el realismo se establece una continuidad, sin embargo
erán muy distintos.

REALISMO (1848 – 1900)

El vagón de tercera clase, 1864. Honoré Daumier.

Los pintores realistas franceses de mediados del siglo XIX compartieron una estética basada en la representación directa d
este principio básico varió desde la crudeza objetiva de Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el fi
radicalidad de los temas: ante la trascendencia que concedían al tema romanticismo y academicismo, los realistas entendía
cuestión puede ser objeto de interés pictórico.
 Las espigadoras, 1857. Jean-François Millet.

lo XIX compartieron una estética basada en la representación directa de la realidad. La manera cómo se materializaba
de Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el filtro idealista de Millet. En cualquier caso, todos compartían la
concedían al tema romanticismo y academicismo, los realistas entendían que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier
 Cazando pájaros de noche, 1874, Jean-François Millet.

irecta de la realidad. La manera cómo se materializaba

por el filtro idealista de Millet. En cualquier caso, todos compartían la
entendían que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier

REALISMO (1848 – 1900)

Los Almiares, Claude Monet.

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en
Normandía (Giverny y la costa normanda principalmente)— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz
«impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. De Turner tomarían los impresioni
gusto por la fugacidad, las superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos, así como
descripción de un momento visual más allá de la descripción formal, en el que la luz y los colores dan lugar a una «impresión
poderosa.

IMPRESIONISMO (1865 – 1885)

 Nenúfares, 1915. Claude Monet.

la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en

racterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la
e aquello que la proyectaba. De Turner tomarían los impresionistas su
el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos, así como la
formal, en el que la luz y los colores dan lugar a una «impresión» más

Guerra Franco-prusiana (1870 – 1871)

El almuerzo sobre la hierba, 1863. Eduard Manet.

En su Almuerzo sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son
humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de
conexión de unos personajes con otros: tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las
miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposición en primer plano (cesta y comida),
en segundo (grupo) y tercer plano (mujer en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los
impresionistas en la desatención del modelo y de la narración.
 La ejecución del emperador Maximiliano, 1868-69,
Eduard Manet.

un bodegón. Pese a que las figuras representadas son

a una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de
sonajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las
rsonaje hablando y la disposición en primer plano (cesta y comida),
gua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los
e la narración.

IMPRESIONISMO (1865 – 1885)

Almuerzo de remeros. Óleo. 1881. Pierre-Auguste Renoir. Lise cosiendo (1866), Renoir.

La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nue
los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del
ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del co
es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo con
Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores complementarios que, a la v
característica principal es el uso de complementarios, de la luz a la sombra y en un mismo valor, esto se denomina modulad

Alemania unificada (1871)

 Castaño en Louveciennes', c. 1870, Camille Pissarro.

ue permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que

ieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en
rtistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color
el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos.
ores complementarios que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. La
valor, esto se denomina modulado del color.

IMPRESIONISMO (1865 – 1885)

Visión tras el sermón, Paul Gauguin.

Diversos estilos personales. Los postimpresionistas

continuaron utilizando colores vivos, pinceladas
distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar
más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes
reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la
naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del
mundo.

POSTIMPRESIONISMO (1885 – 1910)

La noche estrellada de Vincent van Gogh.

Van Gogh se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones
internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada, precedió el expresionismo.

Belle Epoque (finales del siglo XIX)

 El dormitorio en Arlés (1888). Vincent van Gogh.

osas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones

iva, ejemplificada en Noche estrellada, precedió el expresionismo.
Jugadores de cartas, Paul Cézanne, 1890.

Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales

de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes
y relaciones entre superficies. Su interés por las formas
geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de
la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo.

POSTIMPRESIONISMO (1885 – 1910)

Un domingo de verano en la Grande Jatte de Georges Seurat.

Georges Seurat, denominado neoimpresionista por sus criterios

más próximos al impresionismo, inventó una técnica denominada
puntillismo, cuyo ejemplo más destacado es el cuadro Un domingo de
verano en la Grande Jatte

Japón vence a Rusia (1905)


En el Moulin Rouge, Toulouse-Lautrec, 1892-1895.
Henri de Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente
influenciado por las composiciones lineales de los
grabados japoneses, y su obra se caracterizó por los
intensos grabados de contorno y los colores planos.
Su obra se centra en plasmar el ambiente de los
cabarets y prostíbulos de la época. Es uno de los que
introdujo el cartel como pieza artística.
Le chat noir, de Théophile
Alexandre Steinlen, 1896.
Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de re
finales del siglo xix y principios del xx, durante el periodo denominad
países recibió diversas denominaciones: Art Nouveau –en Bélgica y F
en Alemania y países nórdicos–, Sezession –en Austria–, Modern Style
en Países Bajos– y Liberty o Floreale –en Italia–.
MODERNISMO, ART NOUVEAU (finales de siglo XIX y inicio del XX).
 Savonnerie de bagnolet, 1897.
Alfons Mucha. El beso, de Gustav Klimt.

no con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a

ncipios del xx, durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque. En distintos
denominaciones: Art Nouveau –en Bélgica y Francia, España e Hispanoamérica–, Jugendstil –
rdicos–, Sezession –en Austria–, Modern Style –en los países anglosajones–, Nieuwe Kunst –
ty o Floreale –en Italia–.

Es creada la Women's Social and Political Union (1903)

UVEAU (finales de siglo XIX y inicio del XX).

 Weibliches Liebespaar, de Egon Schiele.

Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara
ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como
(realismo o impresionismo). Dos ideas son fundamentales para entender la cultura moderna que estaba emergiendo: la conc
futuro ya ha comenzado”, que se relaciona con el concepto de progreso; y la convicción de que para tener futuro no sirven la
doctrinas de etapas anteriores, sino que es necesario crear sus propias normas.

litical Union (1903)

 Café Montmartre, de Santiago Rusiñol.

n de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una

e tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas
ara entender la cultura moderna que estaba emergiendo: la conciencia de que “el
de progreso; y la convicción de que para tener futuro no sirven las pautas o
sus propias normas.