Giotto: pieza clave para el desarrollo artístico del humanismo.

El término “RENACIMIENTO” literalmente significa renacer y se ubica como el periodo de la

civilización europea que sucedió a la Edad media. Este periodo de tiempo concibió por primera vez
al pasado clásico como una totalidad, como un ideal y no como una realidad alcanzada, por lo que
su arte buscó direccionarse hacia dichos ideales.

Uno de los grandes principios del renacimiento es aquél que concibe al hombre como medida de
todas las cosas, como centro del universo lo que llevo a la idea del que el ser humano debía abarcar
todo el conocimiento y llevar su potencial al máximo, lo que a su vez dio origen al HUMANISMO.

El humanismo es el movimiento renacentista que se centró en el ideal de Humanitas que significaba

el desarrollo de la virtud humana en todas sus formas y en toda su extensión, este no era un término
atravesado por la moralidad ya que hablaba de la benevolencia y de compasión, pero también de la
fuerza, el juicio, la prudencia y el amor al honor (ARETÉ). Se visualizaba a la persona como participe
de la vida activa ya que la acción sin reflexión se consideraba bárbara y la reflexión sin acción era
infértil e imperfecta.

GIOTTO COMO ANTECESOR DE TODO EL NUEVO PARADIGAMA RENACENTISTA FUE EL PIONERO EN

LOS 3 CAMBIOS QUE TRAJO EL HUMANISMO EN EL ARTE:

1. LA INTRODUCCIÓN DE LAS MATEMÁTICAS COMO PRINCIPIO ARTÍSTICO

La aplicación de las matemáticas en Giotto la podemos ver claramente en la escena en donde un

hombre extiende su capa a los pies de San Francisco debido a que las murallas de la ciudad y las
líneas que fluyen desde las montañas circundantes convergen hasta la cabeza de San Francisco
guiando el ojo del espectador hacia el núcleo de la acción.

Giotto es el primer pintor en jugar con la perspectiva como lo podemos ver en la renunciación a los
bienes terrenales en donde logra plasmar 3 dimensiones cuando en tres mil años nadie había
mostrad interés en hacerlo, convirtiéndolo en su precursor.

2. TENDENCIA A IMITAR LA NATURALEZA

El pintor Giotto se concentró primeramente en los temas cristianos, usando a San Francisco como
su modelo por excelencia. Lo que nos sorprende es lo preciso de sus pinturas, la anatomía de su
figura de cristo superó todas las formas conocidas hasta ese momento.

En la renunciación a los bienes terrenales, el santo tiene un delgado y atlético cuerpo y desde aquí
comenzamos a notar la presencia del humanismo que creía que el hombre debía llevar su potencial
al máximo ya fuese físico o intelectual. El santo es atlético lo que a mi parecer da muestra del
esfuerzo corporal y la tendencia hacia la mejora y evolución, aquí Giotto profundiza en la anatomía
de una forma muy REALISTA y se centra en los detalles de su cuerpo en todas las etapas de su vida,
mostrando del cansancio, el dolor y la alegría en las facciones de sus personajes, como en la escena
de un hombre extendiendo su capa a los pies de San Francisco en donde da muestra de una emotiva
serie de gestos y expresiones en sus personajes. Las bocas abiertas de sus cantores resultan ser una
gran innovación para su época.

Uno claramente se imagina a Giotto fascinado por los montes y la naturaleza de su tiempo , cosa
que plasma en su obra renunciación los bienes terrenales en donde vemos las calles de asís
sólidamente adoquinadas, sus casas, calles y muros . Maestro de la realidad, paredes, torres y
monumentos son retratados con precisión en la escena de la expulsión de los demonios de Toscana
y los detalles de la carpintería de la cruz vista desde atrás en el cuadro son prueba de su exquisitez
y realismo. Las pinturas de determinados edificios por su detalle y precisión nos hacen sospechar
que también era el arquitecto de dichos monumentos.

3. EMPLEO DE LA ANTIGÜEDAD CLÁSICA COMO MODELO

Giotto pinto los cruceros de las importantes iglesias de su tiempo, escenas de leyendas clásicas y
del nuevo testamento tomaron forma en las secciones superiores de la nave de la iglesia de San
Francisco y estos frescos marcaron el albor del humanismo que tomaba como ejemplo todo el ideal
griego y romano, posteriormente Giotto también comenzó a dibujar personajes externos al
evangelio.

La capilla Scrovegni da muestra de la madurez artística de Giotto, miradas y elementos naturales la

hacen inolvidable como beso entre Joaquín y Ana. Encontramos escenas de distintas edades,
animales, destaca la importancia de los gestos. En toda esta obra vemos constantemente el bien
contra el mal, Giotto quedo anclado en lo humano, angustia, locura y desesperación. Según el video
que vimos en esta capilla se busca la emocionalidad del espectador, la compasión y el terror hacia
dichas escenas lo que me llevo inmediatamente al ideal trágico de Grecia en la búsqueda de
anagnórisis de la representación y aquí nuevamente queda evidenciada la persecución por el ideal
griego.