LA PRIMA RIVISTA al MONDO DI PROGRESSIVE ROCK

MARILLION AR
Misplaced Childho EA
od Au guri Crac!
17 giugno 1985. Da Pseudo
Silk Kimono  a Curtain 40 an ni di creativa
Call. L’eredità pr ovoc azione musicale
progressiva di Fish,
Steve, Mark, Pete e Ian

GENESIS In Ita
Tutti i concerti dal 1972 al lia.
1975

OSANNA > Palepolitana • ANEKDOTEN > Nuovo album

PFM > new life? • STEVEN WILSON > Che prog sia!
OZRIC TENTACLES > L’astronave Spacerock

Steven Wilson
Hand. Cannot. Erase.
(4 DISC SET / 2CD / 2LP)
Il tanto atteso nuovo album dal fondatore
della leggendaria cult band Porcupine
Tree, plurinominato ai Grammy.
DAL VIVO:
21/9 CREMONA, TEATRO PONCHIELLI
22/9 ROMA, AUDITORIUM DELLA
CONCILIAZIONE

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Teide 2390
(CD/DVD AUDIO VISUAL SET)
Il nuovo concerto dei Nosound dallo
strabiliante Osservatorio di Teide, allo
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Starmus Festival di Tenerife.
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| post-progressive sounds
Katatonia Porcupine Tree
Sanctitude Anesthetize
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Lo Sbalorditivo concerto dall’intimo (CD&DVD / BLU-RAY)
show “Unplugged & Reworked” ripreso 130 minuti dal vivo ripresi dal vivo in
nella magica atmosfera della Union Olanda allo 013 di Tilburg, con una
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Gavin Harrison !"#$%&'()*+%,(-&
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(CD/DVD / LP) 3456&7&489:
lo storico batterista dei PORCUPINE Il nuovo doppio album degli epici Ozric

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Tentacles per un totale di 90 minuti di
tracce della band in maniera brillante ritmi pulsanti, elettronica e atmosfere
e sorprendente. da grandi eventi.
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 Welcome
ricomincia da dove avevamo lasciato… dallo Speciale N°2 di Classic Rock, edito sul finire
del 2014 e dedicato alla scena rock italiana degli anni ’70, ovviamente quella a tinte pro-
gressive. Il volto indimenticabile di Francesco “Big” Di Giacomo del Banco sulla copertina
rossa e oro, a cui era inevitabilmente dedicata… e non solo per l’ancora recente scom-
parsa (21 febbraio 2014). Un numero che pensavamo fosse destinato a rimanere unico,
almeno nel breve periodo; d’altronde da sempre ci dicono che questi percorsi non sono
adatti al mercato dell’edicola, che la gente non ha più interesse per la musica, tranne
che per i suoni da sottofondo o per i dischi più alla moda… ma alla moda per chi? E, pur-
troppo, in gran parte è vero, basterebbe analizzare i tristi dati discografici e dei concerti
per rendersene conto… ma ogni tanto qualcosa spariglia le carte! Il gradimento ottenuto
dallo Speciale ha convinto il nostro editore, che già pubblica la versione italiana di «Clas-
sic Rock Lifestyle», a mettere in piedi la versione italiana dell’inglese Prog Magazine,
affidandone la direzione al sottoscritto. Stesso formato e numero di pagine di Classic
Rock ma dedicate al rock progressivo e dintorni, senza tralasciare nulla, non solo quello
che la maggior parte della gente accomuna a questa definizione, ovvero il rock sinfonico
e romantico… non solo Anni 70 perché questi territori magici sono ancora attuali e ric-
chi di artisti che producono la propria musica. Questo numero, ancora a metà strada tra
lo Speciale e la rivista, è un secondo stimolo per voi lettori che, se ci confermerete con
l’acquisto e il passaparola il gradimento già tributato allo Speciale Prog Italia, ci darete la
possibilità da settembre di rendere periodico il nostro appuntamento in edicola. La prima
LA PRIMA RIVISTA AL MONDO DI PROGRESSIVE ROCK
copertina è dedicata ai migliori 120 album dal 1969 al 2015, divisi in italiani e stranie-
ri… scelti attraverso un sondaggio internazionale tra giornalisti, ascoltatori, discografici,
musicisti, grafici e qualsiasi persona interessata, oltre ai dati già raccolti in questi anni di
MARILLION
lavori progressivi. La redazione di Prog ha partecipato come tutti con i propri voti, pari a
MISPLACED CHILDHOOD AREA

quelli di qualsiasi altro appassionato. La seconda al 30° anniversario della pubblicazione

AUGURI
17 GIUGNO 1985. DA PSEUDO CRAC!
SILK KIMONO A CURTAIN 40 ANNI DI CREATIVA
CALL. L’EREDITÀ PROVOCAZIONE MUSICALE
PROGRESSIVA DI FISH,
STEVE, MARK, PETE E IAN

GENESIS IN ITALIA.
TUTTI I CONCERTI DAL 1972 AL
1975
di MISPLACED CHILDHOOD dei Marillion… solo il primo passo del cammino che vorrem-
mo intraprendere per capire meglio l’universo prog…
Amo molto due concetti. Il primo è: senza memoria non c’è futuro… il secondo fa, più
o meno, così: ognuno di noi ha il diritto e il dovere di avere dei sogni da coltivare, che,
almeno ogni tanto, si devono materializzare per poter continuare ad evocarli. Spero che
Prog possa servire anche a questo. E allora? E allora “musica”, come sempre, oggi più di
ieri, sempre più forte accanto a chi la vive ancora come un bisogno primario… d’altronde
OSANNA > Palepolitana • ANEKDOTEN > Nuovo album
senza musica che vita sarebbe?!
PFM > new life? • STEVEN WILSON > Che prog sia!
OZRIC TENTACLES > L’astronave Spacerock
Guido Bellachioma
 sommario
#1 • Prog music 2015

8120 greatest prog album

1969-2015 I dischi scelti dal popolo prog
attraverso un sondaggio via internet…

34 Steve Hackett WOLFLIGHT,

l’ex chitarrista dei Genesis propone uno
dei migliori album della sua carriera solista

39Maurizio Di Vincenzo
Esiste l’anima prog nei disegnatori…

40Osanna Da PALEPOLI a PALEPOLITANA,

suoni e visioni del Pulcinella Rock
Francesco Desmaele

46Fabio Zuffanti Storie in

musica per l’instancabile artista dei suoni
progressivi

50Anekdoten UNTIL ALL THE

GHOSTS ARE GONE è il sesto album del
gruppo svedese

56 Nuova Raccomandata
con Ricevuta di
Ritorno Un disco live per Trick

58Ozric Tentacles
L’astronave space rock porta in dono
TECHINCIANS OF THE SACRED

62Area Buon Compleanno CRAC! Un

capolavoro non sempre capito…

70Premiata
Marconi
Forneria
Dall’ultimo concerto
con Franco Mussida al primo con Marco Sfogli,
racconto fotografico

40
Osanna

50
Anekdoten
Luca Fiaccavento
 74Marillion Il monumentale
MISPLACED CHILDHOOD compie 30 anni

88Steven Wilson Lo si ama o lo

si odia… impossibile ignorarlo

92Nosound Disco live per Giancarlo

Erra, un italiano alla corte della K-Scope

94Renaissance
melodie pop
Rock sinfonico e

98Genesis Tutti i concerti italiani

dell’era Gabriel nel libro Genesis in Italia

104EG Records La prima

Francesco Desmaele

puntata della storia sulle etichette

leggendarie del progrock

108La Batteria Il nuovo gruppo

italiano tra rock progressivo e
colonne sonore

111Delirium
genovese
L’ERA DELLA
MENZOGNA, il nuovo album del gruppo

114Van der Graaf

Generator
per tutte le stagioni
Un generatore

126Not a Good Sign

Secondo lavoro per uno dei migliori
gruppi della nuova scena italiana

128Banco del Mutuo

Soccorso Vittorio Nocenzi
non ammaina bandiera tra nuovi concerti e
l’opera L’Orlando Furioso

70
PFM
(Franz Di 88
Steven
Cioccio) Wilson
Riccardo Arena

6
 news
Forza Chris…
che la forza sia con te…
Un
fulmine a ciel sereno e una preoccu-
pazione enorme. Chris Squire, storico
bassista degli Yes, è affetto da una rara
forma di leucemia che gli impone di sottoporsi im-
mediatamente a tutte le cure del caso. Le date estive
degli Yes insieme ai Toto sono confermate, anche se,
come ha sottolineato lo stesso artista inglese, sarà la
prima volta dal 1968 che sul palco la band dovrà fare a
meno di lui. Spiega Squire: “Abbiamo concordato con
gli altri che Billy Sherwood è in grado di sostituirmi
in maniera eccellente, quindi lo spettacolo non sarà
assolutamente deficitario. I fan avranno ugualmente
modo di vivere la stessa ‘Yes experience’ che il grup-
po propone con successo da anni”. Chissà, però, cosa
proverà realmente il gigante di Kingsbury, chiuso nel-
la sua casa di Phoenix, nel vedere il suo Rickenbacker
4001 temporaneamente parcheggiato in un angolo.
Del resto, finora la sua vita musicale è stata quasi inte-
ramente dedicata agli Yes. Poche le digressioni dal glo-
rioso marchio, con cui ha realizzato oltre 20 album in
studio, tra il 1969 e il 2014: un disco solista, splendido,
pubblicato nel 1975 e intitolato FISH OUT OF WATER,
il progetto Conspiracy, proprio con Billy Sherwood, e,
più recentemente, Squackett, partnership di successo
con Steve Hackett. Da segnalare, nel 2005, il suo bre-
ve ritorno alle origini con i redivivi Syn, formazione
da cui alla fine degli anni 60 nacquero in pratica gli
Yes. Negli anni 70 la fase di scrittura era saldamente
in mano al duo composto dal chitarrista Steve Howe
e dal cantante Jon Anderson, il profilo di Squire all’in-
terno degli Yes è sempre stato alto. Il suono, metalli-
co e potente, del suo basso (ottenuto amplificando in
maniera separata le frequenze alte e quelle basse), il
peculiare groove ritmico, quasi solistico, e le sue ar-
monie vocali sono diventate da subito un vero e pro-
prio marchio di fabbrica, così come la sua dinamica
ed esuberante presenza sul palcoscenico. Puntiglioso
e meticoloso nelle scelte artistiche, all’inizio degli anni
80, con gli Yes di fatto ridotti alla sola sezione ritmica
dopo le defezioni di Rick Wakeman, Jon Anderson e
Steve Howe, fu proprio lui con il batterista Alan White
a mantenere in vita la storica sigla. Dopo aver tentato
una difficile aggregazione con l’ex Led Zeppelin Jim-
my Page, riuscì a pescare il jolly grazie all’arrivo del
chitarrista e compositore sudafricano Trevor Rabin.
Come per magia, non solo gli Yes erano risorti dalle
ceneri, ma erano di nuovo pronti a spiccare il volo, ot-
tenendo con il singolo Owner Of A Lonely Heart il loro
più grande successo di sempre. I dissapori nati con i
vecchi compagni alla fine di quella decade per il pro-
getto ABWH, sfociati in una lunga guerra legale per
l’utilizzo del marchio Yes, non gli impedirono qualche
anno dopo di riabbracciarli ancora una volta e provare
a rilanciare l’anima prog del gruppo. Nato il 4 marzo
del 1948 sotto il segno dei Pesci, deve a questo, oltre
che alla sua abitudine di concedersi lunghe pause nel-
la vasca da bagno, il suo soprannome storico: “The
Fish”. E allora, in bocca al pesce. Tieni duro Chris.
7
 Le migliaia di risposte ottenute da tutto il mondo con questo referendum,
probabilmente stimolate dalla grande risposta ottenuta dal precedente
Speciale «Prog», dedicato a Francesco Big Di Giacomo, hanno dato il proprio
responso: 120 dischi che raccontano una storia importante tra l’Italia e il Resto
del Mondo. Senza il web, posta elettronica e i social network queste “pazzie”
non si possono fare… in questo caso “vintage è peggio”!
Testi: Guido Bellachioma

erto che potevamo pure farla più facile e
scegliere direttamente noi i dischi che più
apprezzavamo nei tanti anni che separano
il 1969 dal 2015, il presente dal passato,
ormai remoto, eppure ancora vivo e attuale.
Ma non sarebbe stata la stessa cosa e poi, noi
chi? «Prog» Italia diventa “noi” quando è un
tutt’uno con “voi”, la gente che ama davvero
questa musica, altrimenti varrebbe solo per
il peso della carta impiegata nella stampa, e
noi non vogliamo che le cose vadano in que-

DAGLI AUTORI DI CLASSIC ROCK
non credo si sia mai preoccupato di farlo. Non
poteva mancare l’analisi della categoria stru-
mentale a cui il prog deve molto: le tastiere,
un riepilogo dei modelli più utilizzati nel corso
di questo lungo percorso. E avremmo voluto
parlare ancora di tante cose, ma ci saranno
altri appuntamenti per farlo, mica vogliamo
finirla qui. Abbiamo già appuntato ciò che ci
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!-<=>*
è venuto in mente mentre compilavamo que-
sta lista. La storia potevamo narrarla in molti
modi e risultare ugualmente credibile, perché
!"#$%&'!(&)"*'"
+,(-"#!))"#./
Artegiani • Battiato

sto modo. Certo, non è stato facile mettere in non ci sono necessariamente i migliori, bensì
De Scalzi • Dei Rossi • Di
Di Giacomo • Fariselli
Cioccio

Lanzetti • Leone • Minieri

Mussida • Nocenzi
012345
ordine tutti i voti: dieci per ognuna delle otto gli album che hanno ricevuto il maggior nu-
Pagani • Pagliuca • Regoli
Rocchi • Senese • Simonetti
Sorrenti • Stratos • Tagliapietr
a
1#678793
:&'&#
"),+"',;

Tommaso • Tofani

categorie, fino ad arrivare ai quindici più ap- mero di voti tra tutti quelli che ci hanno invia-
Vairetti • Vescovi • Zarrillo
E TANTI ALTRI

prezzati, 15 per ognuna delle otto sezioni in- to le loro preferenze, amici e sconosciuti, ita-
MUSIC PROG
#2
BIM
2014
€ 9,90

teressate. Un delirio, anche se estremamente liani e stranieri: tantissimi e questo ci riempie

Distributore: Press-Di Distribuzione Stampa e Multimedia S.r.l. - 20134 Milano

interessante, perché dalle risposte sono emer-
se davvero tante cose, un universo variegato
e neanche “triste”, come vogliono, invece, gli
stereotipi dell’ascoltatore prog medio. Ventisei
pagine che, oltre a riportare i risultati con uno
spazio per periodo storico, parlano di tante
realtà, anche se in questo caso abbiamo fat-
to una scelta quasi autarchica, privilegiando
quelle italiane, altrimenti lo spazio non sareb-
be bastato: fanzine (non me ne voglia il mio
amico Franco Vassia, che ho nel cuore con la
sua «Nobody’s Land», ma ne abbiamo prese
tre come primo esempio), trasmissioni ra-
dio, intervista a uno dei gruppi
vincitori, però in due categorie
(1980-1989 e 1990-1999, ov-
viamente tra i dischi italiani), «Le news su Prog Italia
e una pagina dedicata al perso-
naggio con cui il prog italiano
le trovate sul sito
ha dovuto confrontarsi a lungo:
www.progressivamente.com
Mauro Moroni: uno che non
passa certo inosservato… ma
di fiducia per il futuro. Non sempre siamo stati
d’accordo con quanto emerso dalle votazioni,
ma è il bello della “democrazia diretta”: alcuni
dischi ci sembravano penalizzati e altri meno
meritevoli della posizione ottenuta… ma
tant’è… quello che trovate nelle prossime pa-
gine non è stato ritoccato per piacerci di più.
Sarebbe stato stupido e con il solo risultato di
perdere un sacco di tempo. Avremmo redat-
to le liste fin da subito secondo i nostri gusti,
risparmiando anche molta fatica. Invece rin-
graziamo tutti quelli che hanno partecipato e
anche tutti quelli che non lo hanno fatto… ma
lo faranno la prossima volta. In
Italia ci sono, fortunatamente,
ancora molte “entità progressi-
ve” che vanno, pur faticosamen-
te, avanti e rendono ancora viva
questa musica, anche se poi è
»
difficilissimo vendere dischi o
far andare la gente ai concerti,
ma questo non riguarda solo

8
il prog. Il nostro mondo è costituito per senso. Il prog è un’emozione importante
prima cosa, ovviamente, da chi produce per la nostra vita ed esige un po’ di se-
il suono progressivo, ovvero gli artisti, rietà nella metabolizzazione, accompa-
altrimenti qualsiasi discorso di questo gnata, però, da un pizzico di sana ironia:
tipo non avrebbe senso. Ma non bisogna diffido sempre dai talebani di ogni tipo e
sottovalutare il lavoro delle etichette di- da chi vive tutto come se fosse una guer-
scografiche (AMS/BTF, Black Widow, Al- ra religiosa. Ognuno ha il territorio che
trOck, Ma.Ra.Cash, Electromantic, vuole dentro sé. E all’interno di questo
MP & Records, etc.), di chi si sbatte per si perde, si ritrova, si smarrisce e si rac-
i concerti (La casa di Alex a Milano, conta. Progressive rock. Emozioni. Sto-
2DAYS PROG+1 a Veruno, Progressiva- ria. Melodia. Tecnica. Cuore. Canzoni.
mente e Progressive World Live Experi- Racconti. Testa. Sangue. Passione.
ment a Roma, la sezione prog del FIM a Vita. Memoria. Memoria, non sterile
Genova, Prog Fest a Verona, Fasano Jazz rilettura del passato. Capace d’impa-
Festival, sempre con un occhio attento rare dai propri errori, senza rinnegare
al prog), di chi non abbandona la vo- nulla, anzi… svelare con rinnovata
glia di parlare e scrivere “around prog” energia nuovi confini culturali, socia-
in radio e sul web (Hamelinprog, Athos li, artistici. Album, canzoni… tutto è
Errile, «Rotter’s Magazine»). Non ce ne ormai inciso nel nostro DNA, non si
vogliano i troppi non citati perché è im- può sfuggire al verbo prog… poi decli-
possibile riportare tutti ma è solo grazie natelo come vi pare.
alla passione collettiva che questa splen-
dida musica, la prima forma di crossover
adulto nella storia del rock, ha ancora un

Alcuni numeri di Nobody’s Land

e di cartoline promo della trasmissione
«Progressivamente , in onda tutti i
martedì sui 103,3 di Radio Popolare Roma e in
streaming su www.radiopopolareroma.it.

9
 Italia
1969-1979

La folgorazione
progmediterranea
on l’inizio degli anni 70 l’Italia co-
nobbe per la prima volta una vera
scena rock, non troppo organizzata
proprio per inesperienza, capace di
costruire in poco tempo il proprio
codice espressivo. Fortunatamente non era
sempre mutuata dai modelli anglofoni, anzi
una delle qualità migliori del prog italiano fu
immettervi elementi della nostra cultura me-
diterranea: alta (musica classica, l’Italia, in-
sieme alla Russia e alla Germania, è patria del
mondo classico) o popolare (folk italico o del
bacino mediterraneo). Il «Salvadanaio» è sta-
to di gran lunga l’album più votato in questa
sezione e il secondo in assoluto dopo IN THE
COURT OF THE CRIMSON KING, per il resto
non ci sono state differenze così marcate, alme-
no nelle prime 30 posizioni. Esclusi per pochi
voti, e per questo citati: Goblin/PROFONDO
ROSSO (1975), Metamorfosi/INFERNO (1973),
Il Rovescio della Medaglia/LA BIBBIA (1971) e
CONTAMINAZIONE (1973), Le Orme/UOMO DI
PEZZA (1972), Area/CRAC! (1975), Garybaldi/
NUDA (1972), Trip/CARONTE (1971) e ATLAN-
TIDE (1972), Alan Sorrenti/ARIA (1972), Arti &
Mestieri/Tilt (1974), Maxophone/MAXOPHO-
NE (1975), Franco Battiato/SULLE CORDE DI
ARIES (1973). Una vera sorpresa sono stati i
relativi pochi voti raccolti dai dischi del Peri-
geo, gruppo amatissimo ma più considerato
complessivamente che per un singolo album,
comunque il loro più votato è stato ABBIAMO
TUTTI UN BLUES DA PIANGERE (1973).

1 Banco del Mutuo 2Banco 3Le Orme 4Premiata

del Mutuo
Soccorso Forneria Marconi
Soccorso DARWIN! (1972) FELONA E SORONA (1973) PER UN AMICO (1972)

BANCO DEL MUTUO SOCCORSO

(Il Salvadanaio) (1972)

5 Balletto di Bronzo 6Premiata

Marconi
Forneria
7Banco del Mutuo
Soccorso
YS (1972) STORIA DI UN MINUTO (1972) IO SONO NATO LIBERO (1973)

8Area 9Museo Rosenbach 10 Locanda delle fate 11New Trolls 12Osanna

ARBEIT MACHT FREI (1973) ZARATHUSTRA (1973) FORSE LE LUCCIOLE NON SI CONCERTO GROSSO PALEPOLI (1973)
AMANO PIÙ (1977) PER I NEW TROLLS (1971)

13Ilperbiglietto
l’inferno 14Le Orme
IL BIGLIETTO PER L’INFERNO COLLAGE (1971)
(1974)

15Osanna 15 Premiata Forneria

Ex aequo

Marconi
L’UOMO (1971) L’ISOLA DI NIENTE (1974)

10
 Resto del mondo
1969-1979

Sotto il segno
dei King Crimson
e datazioni non sono mai precise,
come il tempo scandito dagli oro-
logi, sempre un po’ prima, sem-
pre un po’ dopo. Ma se chiedete
agli appassionati prog, di qualsi-
asi generazione e nella maggior parte dei casi,
con quale album per loro inizia davvero il rock
progressivo ti risponderebbero IN THE COURT
OF THE CRIMSON KING, nel 1969. Risposta
quasi scontata, infatti non c’è stata battaglia,
questo fantastico disco ha distaccato tutti di
svariate lunghezze, risultando il più votato in
assoluto. I KC sono presenti con tre lavori tra
i primi dieci, sette tra i primi trenta: pratica-
mente tutti quelli in studio, non hanno rice-
vuto preferenze solo i due live, EARTHBOUND
(1972) e USA (1975). Il meno votato, ma sem-
pre tanto, è stato ISLANDS. Vista la popolarità
dei Pink Floyd, è strano constatare che l’unico
loro album tra i primi cinquanta sia uno dei più
tosti, mentre DARK SIDE e WISH hanno raccol-
to davvero poco e, onestamente, questa cosa
non mi dispiace affatto, ATOM è davvero un
grande album. I primi degli esclusi, alcuni dav-
vero per una manciata di voti: King Crimson/
IN THE WAKE OF POSEIDON (1970), LIZARD
(1970), ISLANDS (1971) e STARLESS AND BI-
BLE BLACK (1974), Robert Wyatt/ROCK BOT-
TOM (1974), Genesis/NURSEY CRYME (1971)
e THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY
(1974), Gentle Giant/GENTLE GIANT (1970),
ACQUIRING THE TASTE (1971), THREE FRIEN-
DS (1972) e IN A GLASS HOUSE (1973), Yes/
FRAGILE (1971), TALES FROM TOPOGRAPHIC
OCEANS (1973), RELAYER (1974) e YESSONGS
(1973), Hatfield and the North/THE ROTTERS’
CLUB (1975), Gong/YOU (1974), Pierre Moer-
len’s Gong/GAZEUSE! (1977), Peter Hammill/
THE SILENT CORNER AND THE EMPTY STA-
GE (1974), Van der Graaf Generator/H TO HE
WHO AM THE ONLY ONE (1970) e STILL LIFE
(1976), Soft Machine/THIRD (1970).

1 2Genesis 3Van 4Yes

der Graaf
Generator
King Crimson SELLING ENGLAND BY THE
POUND (1973)
PAWN HEARTS (1971) CLOSE TO THE EDGE (1972)

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING

(1969)

5Emerson
& Palmer
Lake
6Jethro Tull 7King Crimson
TARKUS (1971) THICK AS A BRICK (1972) LARK’S TONGUES
IN ASPIC (1973)

8Jethro Tull 9King Crimson 10Genesis 11Emerson

& Palmer
Lake
12Pink Floyd
AQUALUNG (1971) RED (1974) FOXTROT (1972) EMERSON LAKE & PALMER ATOM HEART MOTHER (1970)
(1970)

13 Gentle Giant 14Caravan

OCTOPUS (1972) IN THE LAND OF GREY
AND PINK (1971)

15Traffic
JOHN BARLEYCORN MUST DIE
(1970)

11
 olo C orciulo
Testo: Pa

ebbene i primi stentati suoni (la fila- Suono, rivista gna arrivare agli inizi del 1900 affinché venga
strocca inglese Mary Had A Little Lamb) utilizzata in tal senso la valvola termoionica,
siano stati riprodotti nel lontano 1877 di hi-fi, nasce nel 1971 il primo componente elettronico attivo in gra-
per merito del fonografo di Thomas e ha sempre avuto do di fornire il segnale di potenza, amplificato
Alva Edison, solo un occhio di riguardo con una fonte esterna di energia. D’altronde il
molti anni più XX secolo, oltre che secolo breve, verrà defini-
tardi la riproduzione so- per il rock progressivo. to come quello dell’elettricità, proprio perché
nora diventerà fruibile Il suo editore ha consentito il funzionamento, attraverso il
per una larga moltitudi-
ne di persone. I dischi di
ci riepiloga un po’ di cose primo network galattico, quello elettrico, di
tutti quegli apparecchi che hanno bisogno di
cera, infatti, erano par- su tecnologia forza motrice, inclusi quelli per l’intratteni-
ticolarmente delicati e il e riproduzione sonora mento domestico. In un primo tempo il costo,
flebile suono del gram- sia del grammofono che del suo eventuale
mofono aveva bisogno di dalle origini a oggi, amplificatore a valvole, era tale da relegar-
essere amplificato! Biso- versus progressive… li unicamente ad applicazioni professionali:

Registratore a bobine Registratore a cassette

Technics RS 1500 Revox B 215

È l’epoca dei possenti

valvolari e dei grandi
diffusori ad alta efficienza, per
L’ arrivo dei
giapponesi e dei
transistor rendono
compensare le ridotte potenze i prodotti per la
offerte dal tubo termoionico. riproduzione musicale
Grazie alle repliche, abbastanza meno costosi e più
fedeli, di alcuni must dell’epoca efficienti, vengono
è possibile oggi godere di quelle sviluppati diffusori di
sonorità. Accanto al giradischi e minori dimensioni.
al vinile, che evolve da A quell’età dell’oro
78 a 33 giri, la fonte s’ispirano alcuni
elettiva è anche il costruttori attuali. Al
registratore a nastro. giradischi si affianca il Diffusori
Graham LS 5/9
registratore a cassette
che diventerà il media
Giradischi più diffuso sul pianeta.
Garrard 301

Amplificatore
Yamaha A – S2100
Finale di potenza
McIntosh MC. 75

Preamplificatore
McIntosh C22
Giradischi
Thorens TD 125
Diffusori
Klipschorn

12
 L’ arrivo del compac disc (1983) determina una vera rivolu-
zione nell’ascolto della musica. Il piccolo supporto (13 cm)
a caduta determina la parziale smaterializzazione della musica
(codificata in forma digitale), c’è la possibilità di realizzare si-
stemi di ridotte dimensioni senza penalizzare eccessivamente
la qualità della riproduzione.
Sistema coordinato
Sony CMT CP 11
in particolare nella
transizione tra cine-
ma muto e sonoro,
quando a metà degli
anni 20 le grandi or-
chestre vengono so-
stituite da sistemi di
riproduzione sonora
(dischi fonografici in
bachelite da 78 giri)
assai meno costosi!
Il cinema e la radio
sono grandi fattori
aggreganti delle per-
sone, le aziende c’investono, nasce una vera
industria e anche la sempre più raffinata at-
tenzione alla riproduzione sonora. Tutto ciò
approda nell’ambito domestico (ma solo a
metà degli anni 40 la Altec, casa produttrice
di sistemi sonori per il cinema, realizza un si-
stema definito domestico pur di dimensioni
ancora enormi). La nascita del mercato do-
mestico stimola l’industria a sviluppare un
supporto più facile da realizzare e da distribu-
ire, così nel 1948 nasce il disco in vinile. Agli
inizi del decennio successivo viene commer-
cializzata la stereofonia e cresce l’attenzione
alla qualità delle registrazioni, passando dalla
presa diretta alle più raffinate registrazioni
in studio; contestualmente viene offerta
ad artisti, produttori e arrangiatori la
possibilità di registrare più parti,
sia una alla volta che simultanea-
mente. Il merito è principalmen-
te di Les Paul (vero nome Lester
William Polfuss, nato il 9 giugno
1915 a Waukesha, morto il 12 agosto
2009 a New York), che, oltre a essere il creato-
M entre la tecnologia digitale
prende piede, la spallata tec-
nologica determina una piccola
rivoluzione nel panorama delle
aziende per la riproduzione mu-
sicale. Alcuni marchi storici ven-
gono sostituiti da concorrenti più
agguerriti, quelli più consumer
lasciano il campo ai cosiddetti
costruttori hi-end, che contrap-
pongono l’impostazione umani-
stica a quella puramente scien-
tifica utilizzata in precedenza. Alla supposta freddezza del digitale,
si contrappone una riproposizione sonora dove alcuni parametri
(la profondità della scena sonora, il “calore” della rappresentazio-
ne) vengono esaltati, approccio che sussiste tutt’ora.
L
a transumanza digitale si completa
e la musica… diventa liquida! Attra-
verso una infrastruttura di tipo informa-
tico è possibile riprodurre file musicali in
tutto e per tutto identici a quelli realiz-
zati in studio di registrazione (alta riso-
luzione). Attraverso il network galattico
del terzo millennio (internet) l’archivio
musicale può essere delocalizzato, con-
sultabile individualmente ovunque. Il
paradosso è che torna di moda il vinile.
Sistema Streaming
Sonos Play 1
Giradischi stand alone
(stadio fono e l’ampli cuffia incorporato) VPI Nomad.
Diffusori
Linn Tukan
Sistema
Linn Classik
re delle chitarre Gibson, è stato, anche grazie
alla collaborazione con la Ampex, colui che
ha sviluppato la prima macchina multitrac-
cia. È un passaggio epocale, che determina la
possibilità di aumentare la complessità delle
partiture, e risulterà decisivo nel rock. Si può
tranquillamente affermare che, altrimenti,
STG. PEPPER (1967) dei Beatles, considerato
uno dei prodromi del progressive non sarebbe
mai nato. Fu registrato agli Abbey Road Stu-
dios, usando due macchine Studer J37. Quan-
do qualche anno fa ho visitato gli Studios,
dove i Beatles hanno effettuato la loro celebre
camminata, quel registratore veniva mostrato
con grande orgoglio trai cimeli aziendali! Allo
stesso modo parte della fattibilità del WHITE
ALBUM è dovuta all’utilizzo del primo regi-
stratore a 8 tracce, mentre difficilmente Mike
Oldfield senza un Ampex a 16 tracce avreb-
be potuto effettuare da solo, in multitraccia
differita, le musiche di TUBOLAR BELLS. E,
ancora, probabilmente non è un caso che i
Guano Apes, quando nella loro reunion hanno
tentato di distaccarsi dallo stereotipo metal a
favore di sonorità più sperimentali, abbiano
provato anche a sfruttare le possibilità offerte
dalla tecnologia digitale multicanale (per la
verità di poco successo a livello di consu-
matore finale, come già accaduto con la
quadrifonia). Oggi, con Pro Tools, o altro
software e un buon computer, tutto que-
sto è possibile facilmente; infatti, viene
da sorridere pensando alle difficoltà e ai
limiti espressivi di allora se non fosse per
quella ricchezza espressiva e raffinatezza,
che pur tra mille difficoltà usciva fuori e che
merita, oggi come ieri, di venire ben ripro-
dotta!
13
 Italia
1980-1989

Eppur
qualcosa si muove
eneralmente si è portati a pen-
sare che negli anni 80 i fremi-
ti progressivi siano ridotti ai
minimi termini, nonostante
l’esplosione progressiva sia
relativamente vicina. In effetti, è quasi vero,
soprattutto nella prima metà della decade,
mentre gli ultimi due/tre anni rappresentano
l’anticipazione di quella che è generalmente
considerata “l’altra” stagione d’oro del prog
italiano, più che altro per la possibilità di cir-
colazione della musica: gli anni 90. Il primo
degli Ezra ha preso un buon margine a tutti,
non solo è stato citato ma quasi sempre nelle
posizioni più alte. Il disco è ancora nel cuore di
tanti, lo si evince anche da piccole considera-
zioni con cui molti hanno motivato la propria
scelta. Evidentemente non si deve fare quell’o-
pera di “ritocco”, che prevede il risuonarne al-
cune parti, di cui ogni tanto mi parla Mauro Di
Donato di Ezra, perfezionista e insoddisfatto
della resa tecnica di MYTH OF THE CHRYSA-
VIDES; la gente lo ama con i suoi inevitabili
difetti audio, conseguenza dello scarso bud-
get economico a disposizione per registrare e
missare. E poi io sono generalmente contra-
rio a qualsiasi opera di revisionismo artisti-
co… e non solo. Appello agli Ezra: realizzate
finalmente il vostro terzo disco, ovviamente e
doverosamente anche in vinile, e non pensate
a rimettere mano ai vecchi master… sono già
trascorsi 25 anni dall’ultimo disco che avete
pubblicato. Curiosità: è stato il titolo più stor-
piato in assoluto, lo avete scritto nei modi più
disparati! Esclusi per poco: Opus Avantra/
STRATA (1989), Guercia/GUERCIA FIGURA
GOFFA (1982), Area/TIC TAC (1980), Goblin/
PHENOMENA (1984), Le Orme/PICCOLA
RAPSODIA DELL’APE (1980).

1 Ezra Winston
MYTH OF THE CHRYSAVIDES
2Nuova Era
DOPO L’INFINITO (1989)
3Picchio dal Pozzo
ABBIAMO TUTTI I SUOI
PROBLEMI (1980)
4Nuova Era
L’ULTIMO VIAGGIO (1988)

(1988)

5Pierpaolo Bibbo 6Sithonia 7 Leviathan

DIAPASON (1980) LUNGO IL SENTIERO DI PIETRA EARTHQUAKE (1988)
(1989)

8Edith 9Devil Doll 10Mo.Do. 11Stormy Six 12Arcansiel

…A SPACE BETWEEN EVER AND THE GIRL WHO WAS… DEATH LA SCIMMIA SULLA SCHIENA MACCHINA MACCHERONICA FOUR DAISIES (1988)
NEVER… (1989) (1989) DEL RE (1980) (1980)

13Aton’s 14Mad Puppet

A.I. 2984 (1988) MASQUE (1982)

15PFM
SUONARE SUONARE (1980)

14
 Resto del mondo
1980-1989

Marillion: l’asso
pigliatutto del prog
l primo posto troviamo ancora
i King Crimson, unica band/
artista a far entrare almeno
un album nei primi quindici di
ogni spazio temporale analiz-
zato. Sopravvivono i Genesis con un lavoro che
non amo, ma questa è un’altra storia. Due al-
bum degli Yes, anche se agli antipodi come for-
mazione e approccio musicale; 90125 li porta in
cima alle classifiche mondiali grazie al singolo-
tormentone Owner Of A Lonely Heart, che li fa en-
trare anche nelle discoteche di tutto il mondo.
Ma la vera rivoluzione sono i Marillion, presenti
con quattro 33 giri… tutti quelli pubblicati con
Fish! Si arrendono solo a DISCIPLINE dei soliti
King Crimson, anche se in realtà i vecchi e i nuo-
vi musicisti parlano un linguaggio piuttosto dif-
ferente rispetto alla decade precedente. SCRIPT,
MISPLACED e FUGAZI sono separati davvero da
pochissimi voti, in proporzione alle tante perso-
ne che hanno partecipato, mentre CLUTCHING
è un po’ distaccato. Tranne i due titoli degli I.Q.,
sono praticamente assenti altri rappresentanti
del New Prog britannico come Twelfth Night,
Pendragon e Pallas. Non pensavo, invece, che
l’opera dei brasiliani Bacamarte avrebbe otte-
nuto riscontri così positivi; a distanza di tanti
anni regge discretamente botta, nonostante sia
penalizzata dall’incisione insufficiente che non
fa rendere al massimo le sofisticate soluzioni
melodico-sinfoniche, pur se in alcuni momenti
troppo leggere nell’utilizzo della voce, belle le
parti di chitarra classica/elettrica, flauto e sin-
tetizzatori. Fuori dai quindici per poco: Peter
Gabriel/IV (1982) e SO (1986), Camel/NUDE
(1981), Bill Bruford/GRADUALLY GOING TOR-
NADO (1980), Jethro Tull/THE BROADSWORD
AND THE BEAST (1982), Ozric Tentacles/PUN-
GENT EFFULGENT (1989).

1 King Crimson
DISCIPLINE
2Marillion
SCRIPT FOR A JESTER’S TEAR
(1983)
3Marillion 4Marillion
MISPLACED CHILDHOOD (1985) FUGAZI (1984)

(1981)

5Yes 6Peter Gabriel 7Yes

90125 (1983) IV (1982) DRAMA (1980)

8I.Q. 9King Crimson 10Peter Hammill 11Queenryche 12I.Q.

TALES FROM THE LUSH ATTIC THREE OF A PERFECT PAIR AND CLOSE AS THIS (1986) OPERATION: MINDCRIME (1988) THE WAKE (1985)
(1983) (1984)

13Genesis 14Marillion
DUKE (1980) CLUTCHING AT STRAWS (1987)

15Bacamarte
DEPOIS DO FIM (1983)

15
 Autunno 1988,
scalinata dietro
il Campidoglio di
Roma. Da sinistra:
Fabio Palmieri,
Mauro Di Donato,
Daniele Iacono,
Paolo Lucini.

Il fumetto prog
Testi: Guido Bellachioma

Il nome del gruppo

romano è ispirato

di Ezra Winston…
al personaggio del
fumetto «Mort Cinder»,
creato nel 1962
dal grande Alberto
Breccia: l’antiquario
risultati del referendum di «Prog» Italia
hanno detto che tanti appassionati ama- Ezra Winston.
no gli Ezra Winston, nonostante quasi Mauro Di Donato
nessuno li abbia mai ascoltati dal vivo – i
loro concerti si contano sulle dita di una e Paolo Lucini, colonne
mano – e non incidano da talmente tanto di EW, hanno ancora un
tempo da far pensare che si siano sciolti.
In realtà, dovrebbe essere così per tutte grande amore
le persone sensate, ma loro lo sono in per il prog, nonostante
modo particolare: hanno il Three Fates
Studio in comune, dove continuano sembri il contrario
a ragionare in chiave Ezra e a mettere per il lungo silenzio
nel cassetto le idee buone per l’ipotetico
terzo lavoro. Ma in questo senso sono ottimista, trascorso dal secondo
l’amore per questa musica, diversa e senza para-
occhi, alla fine l’avrà vinta e arriverà anche il loro
disco: solo 25 anni!!! Ma
nuovo disco… forse! Intanto MYTH OF CRYSA- non hanno mai smesso
VIDES (1988) e ANCIENT AFTERNOONS (1990)
hanno ottenuto il primo posto tra i dischi italiani
di comporre musica…
1980-1989 e 1990-1999. Mica male per un grup-
Paolo Lucini
po praticamente ibernato…

Gli appassionati ancora apprezzano

gli EW dopo 25 anni, non dovrebbero,
invece, averli dimenticati?
Mauro: Non ho idee precise in merito. Credo che
quei dischi rappresentino in Italia la nascita e la
presa di coscienza di un fandom. Il prog arriva da
Mauro Di Donato

16
un ambito mainstream, è un fenomeno
legato alla grande industria musicale,
ma negli anni 80 è migrato definitiva-
mente nel circuito indipendente. I dischi
realizzati in quel periodo segnano quel
passaggio. In qualche modo hanno con-
tribuito a creare il contesto di ricezione
in cui tutt’ora sopravvive. Poi non so…
evidentemente piacquero a qualcuno.
Come si formò Ezra, non tanto dal
punto di vista biografico quanto
del perché mettersi a suonare
rock progressivo in quel periodo?
Mauro: Il percorso ricalca quello di al-
tre band… conosciuti a scuola, passioni
musicali in comune, il piacere di suonare
assieme. Ascoltare progressive rock era
abbastanza naturale all’epoca. La frat-
tura del punk, l’arrivo di MTV e dell’e-
Ezra Winston
PLAYLIST
I vostri dieci album progressivi,
senza distinzioni di tempo
e nazionalità
Paolo:
1 Nice
ARS LONG VITA BREVIS e FIVE BRIDGES
2 E.L.P.
TRILOGY e BRAIN SALAD SURGERY
3 Jethro Tull
THICK AS A BRICK
4 Yes
THE YES ALBUM e RELAYER
5 Genesis
THE LAMB LIES DOWN ON
BROADWAY, A TRICK OF THE TAIL
e WIND AND WUTHERING
6 Gentle Giant
THREE FRIENDS
7 Rush
HEMISPHERES e FLY BY NIGHT
8 Magellan
TEST OF WILLS
Sono più di dieci…
ho “sforato” in tutti i sensi!
Mauro: Allora mi limito
a integrare…
9 Genesis
NURSERY CRIME
10 Gentle Giant
OCTOPUS
11 Pink Floyd…
ATOM HEART MOTHER
e poi ci sono i King Crimsom,
i Van der Graaf Generator…
impossibile, sono troppi.
Lucini,
Three Fates
Studio,
Roma.
lettronica avevano cambiato tanto il panorama
musicale, ma il progressive aveva ancora molti esti-
matori. Non si trattava di revival, bensì della nuova
generazione che aveva formato i propri gusti ascol-
tando i dischi dei fratelli più grandi. Insomma esi-
steva ancora continuità con la grande stagione del
prog. E del resto, nei primi anni 80, i gruppi storici
erano ancora in attività. Quando abbiamo iniziato
a suonare non avevamo idea che in Inghilterra ci
fosse un movimento New Prog. Non conoscevamo
i Marillion o gli IQ, li abbiamo scoperti dopo. Noi
ascoltavamo i Genesis, gli Yes, i Gentle Giant e vole-
vamo fare quella musica li. Non c’era l’idea di riesu-
mare qualcosa. Semplicemente suonavamo quello
che ci piaceva. Poi, quando abbiamo terminato il
primo disco, abbiamo iniziato a guardarci attorno
e abbiamo scoperto le fanzine, come «Paperlate»,
gruppi di appassionati e, soprattutto, nuove band
inglesi, vedi i Marillion. All’epoca, internet non esi-
steva e questi movimenti erano un po’ come delle
sette esoteriche. Esistevano le fanzine fotocopiate,
convention nei posti più improbabili, scambio di
materiali inediti e tutto ciò solo con il passaparola,
altro che Facebook. Ovviamente ci è sembrato il ca-
nale adatto per diffondere il nostro materiale, così ci
siamo accodati al New Progressive ma, in realtà, ne
siamo sempre stati piuttosto distanti dal punto di
vista dei gusti e dello stile. I nostri riferimenti erano
quelli degli anni 70.
Paolo: Per quel che mi riguarda, provenendo da
studi musicali classici, l’unico modo per “evadere”
dall’eccessivo, pur se indispensabile, accademismo
del conservatorio era quello d’immergersi nel rock
sinfonico… “un colpo al cerchio e uno alla botte”.
Concordo con Mauro. Avevamo un atteggiamento
più distaccato e critico nei confronti del New Prog,
comunque in quel periodo erano attivi i vari Yes,
Pink Floyd ed era ancora possibile trovare qualche
altra piccola perla sparsa in giro.
Cosa vuol dire oggi rock progressivo?
Mauro: Domanda difficile. Io penso che il prog esi-
sta ancora, a suo modo. O meglio, c’è una linea di
ricerca e sperimentazione che si può far risalire al
prog. Penso a gruppi come gli Elbow o Radiohead,
che sono più recenti. Un pezzo come Any Day Now
degli Elbow è prog, secondo me. Più che altro il
lato sinfonico e romantico del progressive mi pare
molto ridimensionato. Anche la tecnica e il virtuo-
sismo oggi sono meno presenti. Ma questo non mi
dispiace particolarmente. Il tecnicismo alla lunga
annoia. Ciò che è radicalmente cambiato è il mer-
cato musicale in genere. Oggi l’industria musica-
le è una propaggine di quella televisiva. E quindi
deve sottostare alle regole televisive. La parabola
di MTV si è compiuta finendo per ribaltare le ge-
rarchie. Però, a fronte di questo processo, c’è mol-
to fermento sui canali di distribuzione alternativi.
Internet è pieno di gruppi interessanti. E gli appas-
sionati di musica ormai si rivolgono quasi esclusi-
vamente a queste nuove piattaforme di diffusione.
Penso sia positivo, in fondo. L’industria musicale
non ha più nulla da dire e, in un certo senso, attra-
verso il web la parola torna ai musicisti e al pubbli-
co. Da questo punto di vista credo che ci sia ancora
spazio per la creatività e la sperimentazione.
Paolo: Se solo considerassimo la vecchia termi-
nologia usata per identificare questo tipo di mu-
sica, ovvero “rock sinfonico” o sue innumerevoli
varianti, che io ancora preferisco a “progressive”,
si capirebbe meglio che questo tipo di espressione
artistica è concepita al di fuori di qualsiasi vincolo
non prettamente musicale. Esattamente come era
per la musica sinfonica in ambito classico. Va da
sé che su questi presupposti si tenda a produrre
opere assolutamente fini a se stesse, libere da ogni
forma d’interferenza non artistica che ne possa in-
fluenzare lo stile, la durata o il testo.
Ezra Winston,
l’antiquario
del fumetto
«Mort Cinder»,
creato nel 1962
dal disegnatore
Alberto Breccia.
 ascolti

From Genesis
To Revelation
La trasmissione è in onda tutti i lunedì dalle 23:35 su Radio Popolare,
su Popolare Network e in streaming su www.radiopopolare.it.
Il fascino del prog intorno a mezzanotte…
Testi: Renato Scuffietti

poradicamente attiva già da nel tempo molte iniziative, ma quella

molti anni, con il consolida- alla quale siamo più affezionati è “su-
mento del palinsesto e della ite per un anno”, un lavoro a più band
redazione a partire dall’e- che hanno realizzato un’opera unica,
state del 1999, ha iniziato inedita e originale. La strada della spe-
a trasmettere regolarmente un’ora di rimentazione è aperta.
rock progressivo alla settimana, “sfo-
rando” spesso in notturna, dilagando Nick Barrett dei
Per scalette, notizie e informazioni
a volte per tutta la notte. La redazione Pendragon, Roma, siamo su www.facebook.com/
è composta da tre persone: io, collabo- 17/10/08. groups/48557126664/facebook
ratore di lunga data di Radio Popolare
con la grande passione per il prog ca-
nonico dei megagruppi dei Seventies e
della ondata albionica di newprog (Ma-
rillion, Pendragon, Twelfth Night); da
Matthias Scheller, fan del prog sinfo-
nico, della scena italiana, discografico
per passione e per professione, attento Stratos con la
figlia Anastassia
osservatore della cosiddetta borderline Castello di Scipi ,
one,
progressiva (psichedelia, space, goti- Salsomaggiore,
1971.
co); da Franco Cibei, enciclopedico co-
noscitore della scena italiana, nonché
raro esempio di tassista progressivo.
FGTR nasce come divertissement ma in
breve tempo è diventata un preciso
punto di riferimento, presentando no-
vità, classici, fanzine, oscuri inediti, in-
terviste, case discografiche, concerti e
dedicando piccole ma preziose mono-
grafie ai sottogeneri. Sempre per gioco,
e grazie al lodevole intervento di un
webmaster appassionato della trasmis-
sione, è nato il nostro sito che “progres-
sivamente” si è spostato su Facebook,
ampliando la possibilità d’intervento
e discussione anche al di fuori dello
spazio radiofonico. Da sempre FGTR ha
organizzato e organizza concerti per le
nuove leve del prog italiano, cercando
anche di riproporre gruppi storici che,
dal palco del Bloom di Mezzago (nel
cuore della Brianza) e dall’auditorium
di Radio Popolare, non a caso intitola-
Luca Fiaccavento

to a Demetrio Stratos, riescono ancora

a entusiasmare il sempre più numero-
so pubblico. La trasmissione ha varato

18
 fascino
fanzines
il
delle

«Paperlate»
Tutto nasce, narra la leggenda, in una birreria milanese tra quattro amici.
Non esiste il giornale che vogliamo? OK, ce lo facciamo da soli, e allora vai
con macchine da scrivere, fotocopie e distribuzione in due negozi di dischi:
il primo numero di «Paperlate», prima fanzine prog italiana, esce nell’aprile 1984.
Testi: Ezio Candrini

inverno del 1983 non cali milanesi si riusciva a organizzare una profonda riflessione. Se la rivista
passerà certo tra quelli qualche rassegna prog con i gruppi ita- ha cessato da qualche anno la sua
memorabili per la sto- liani emergenti di allora, e addirittura attività, la redazione è rimasta unita
ria del prog; i vecchi due “Progressive Party” a base di video nell’amicizia, con lo stesso entusia-
dinosauri dei Seventies e rarità, con un’affluenza (600 parte- smo di quando iniziammo. E questo
ormai capitolati, con i soli Genesis (o cipanti) perfino superiore a quella di entusiasmo potrebbe fare in modo che
quasi) a tentare mutazioni, più o meno altri concerti più significativi da noi l’esperienza di «Paperlate» ritrovi vita,
commerciali e di dubbia rilevanza arti- organizzati, come quelli di IQ, Pendra- magari con altri progetti o sotto altra
stica. Proprio dalla passione e il ricordo gon e Arena. Il ventennale, nel 2004, forma.
dei fasti genesiani si formò un nuovo venne festeggiato con un nu-
gruppo di amici, conosciuti per inter- mero “storico” e l’altrettanto
posta persona o tramite annunci sul storica intervista fiume a Franz
buon vecchio «Ciao 2001», quando le Di Cioccio. Ma l’epoca non era
copertine viravano inevitabilmente più già più la stessa di quando ini-
sui Duran Duran che sui Jethro Tull. ziammo con tanta passione e
Si cominciò con poche fotocopie, una qualche ingenuità. L’avvento
pinzatrice, le prime cronache di chi di nuove forme di tecnologia
fra noi era stato a Londra a scoprire il e comunicazione, la chiusura
nuovo fermento, l’eco di gruppi nuovi Due degli ultimi
di tanti negozi di dischi (vei-
totalmente sconosciuti, i Twelfth Night numeri di «Paperlate», colo parallelo per diffusione
al Marquee Club, i Pallas e poi loro: i il 55 (aprile 2008) ne sul territorio di «Paperlate»)
Marillion. Erano le prime avvisaglie avrebbe sancito la fine. ci costrinsero nel tempo a
dell’esplosione new prog, che, nel giro
di pochi mesi, divenne, a torto o ragio-
ne, connotazione di «Paperlate»; le te-
lefonate, il tam tam delle informazioni,
la presenza ai concerti fece il resto. Nel
novembre 1984 eravamo già in grado
di organizzare la trasferta di trenta per-
sone a Ginevra al seguito di Fish e soci.
L’esplosione mediatica di MISPLACED
CHILDHOOD, l’anno successivo, ci
costrinse ad aprire un nuovo canale
d’informazione con la fanzine, Real To
Read, in parallelo alla nascita del fan
club ufficiale marillico in italia, oggi
The Web Italy. Con gli anni la nostra
strategia editoriale, grazie anche all’in-
gresso di sempre nuovi collaboratori,
ha trovato l’equilibrio, affiancando il
new prog a retrospettive, approfondi-
menti e interviste alle vecchie glorie
come Gabriel, Hammill, Jon Anderson,
Banco, PFM, ma anche spazio per la Dedica di Fish, camerini prima
del concerto milanese di giugno.
contemporanea scena progressiva che Sopra Candrini, Manuela
non fosse quella inglese; era il tempo e Claudio Cozzutto con Fish
dei primi Änglagård, Echolyn, Isildurs e Steve Rothery.
Bane, Cast, mentre in parallelo nei lo-

19
 Italia
1990-1999

Sembrava fosse
un rinascimento…
a seconda metà degli anni 80
lasciava presagire che qualcosa
stava cambiando in meglio. Il
rock progressivo, grazie anche
al sostegno appassionato di
piccole realtà, capaci però di muovere persi-
no le montagne, circolava più liberamente e,
in verità, la qualità delle produzioni era me-
diamente più alta. Si stampavano più dischi,
si suonava un po’ di più, anche se questo è
sempre stato un punto dolente persino negli
anni 70, d’altronde per far rendere bene que-
sta musica dal vivo ci vogliono strutture tec-
nicamente migliori, altrimenti si perde un po’
la dimensione sonora complessiva. I dischi
italiani andavano parecchio pure all’estero
e questo era un segno decisamente incorag-
giante. Purtroppo, con l’avvento dei 2000
si sarebbe persa parte di questa circolazione
delle idee. Gli Ezra Winston pubblicano il se-
condo album a distanza di soli due anni dal
primo, lasciando capire di aver trovato il pas-
so giusto e che presto ne sarebbe arrivato un
altro… ancora stiamo aspettando. Tanti altri
avrebbero meritato di entrare tra i primi 15,
anche con più dischi. Quelli esclusi ma a ri-
dosso dei primi sono: Germinale/…E IL SUO
RESPIRO ANCORA AGITA LE ONDE… (1995);
A piedi nudi/ECLISSI (1998), Aufklärung/DE’
LA TEMPESTA… L’OSCURO PIACERE (1995),
Moongarden/MOONSADNESS (1994), Host-
sonaten/HOSTSONATEN (1997), Nodo gor-
diano/NODO GORDIANO (1999), Le Orme/IL
FIUME (1996), Montefeltro/IL TEMPO DI FAR
LA FANTASIA (1992), Devil Doll/ SACRILE-
GIUM (1992) e DIES IRAE (1996), Dunwich/
SUL MONTE È IL TUONO (1993), Aria Palea/
ZOICEKARDIÁ (1996), Garden Wall/PATH OF
DREAMS (1994).

1 Ezra Winston
ANCIENT AFTERNOONS
2Eris Pluvia
RINGS OF EARTHLY LIGHT
(1991)
3D.F.A.
DUTY FREE AREA (1999)
4Finisterre
FINISTERRE (1994)

(1990)

5Deus Ex Machina 6Finisterre 7Nuova Era

DE REPUBBLICA (1995) IN LIMINE (1996) IL PASSO DEL SOLDATO (1995)

8Notturno Concertante 9Aviolinee Utopia 10Malibran 11Deus Ex Machina 12Devil Doll

EREWHON (1993) AVIOLINEE UTOPIA (1997) LE PORTE DEL SILENZIO (1993) DEUS EX MACHINA (1992) SACRILEGIUM (1992)

13 Il Trono
dei Ricordi
14Leviathan
BEE YOURSELF (1990)
IL TRONO DEI RICORDI (1994)

15Divae
DETERMINAZIONE (1995)

20
 Resto del mondo
1990-1999

Nuovi percorsi tra l’America

e la Scandinavia…
ispetto agli anni 70 e 80
la maggioranza dei dischi
presenti tra i primi 20 non
proviene dall’Inghilterra
bensì dagli Stati Uniti, dalla
Svezia, dalla Francia. Sul versante britannico
troviamo due lavori dei Porcupine Tree, band
di Steven Wilson, oggi considerato, a torto o
a ragione, il nume tutelare del prog presso la
gente “normale”, perché, è evidente, noi non lo
siamo, anche se ci può piacere Wilson; poi tre
vecchie volpi della scena come I.Q., Marillion
e King Crimson per una rassicurante continu-
ità. In realtà, di nuovo dalla terra d’Albione ci
sono solo gli Ozric Tentacles con ERPLAND,
la loro opera migliore, doppia, che non è pro-
prio progressiva nella più comune concezione
del termine. In effetti, quel periodo non è il
momento migliore per il prog inglese. AS THE
WORLD degli americani Echolyn ancora oggi
è splendido, le armonie vocali impreziosisco-
no le parti strumentali assolutamente di livel-
lo. Dei Dream Theater inutile disquisire, visto
che sono i più popolari del lotto. Dalla Svezia
arrivano gruppi interessanti, che ottengono
consensi persino maggiori degli storici Kaipa
di Roine Stolt, futuro Flower Kings, icona del
prog svedese anni 70: Änglagård, Anekdoten
e i grandi Landberk, che non sono arrivati
per poco tra i primi quindici. HYBRIS ha ot-
tenuto consensi uniformi dagli appassionati
di tutto il mondo, mentre gli Anekdoten han-
no preso la maggior parte delle preferenze in
Italia. Distaccati per una incollatura: Flower
Kings/RETROPOLIS (1996), Landberk/IN-
DIAN SUMMER (1996) e ONE MAN TELL’S
ANOTHER (1994), Roger Waters/AMUSED TO
DEATH (1992), Talk Talk/LAUGHING STOCK
(1991).

1 Echolyn
AS THE WORLD (1995)
2Änglagård
HYBRIS (1992)
3Dream Theater
IMAGES AND WORDS (1992)
4Porcupine Tree
SIGNIFY (1996)

5Echolyn 6I.Q. 7Porcupine Tree

SUFFOCATING THE BLOOM EVER (1993) THE SKY MOVES SIDEWAYS
(1992) (1995)

8Marillion 9Dream Theater 10Anekdoten 11Spock’s Beard 12 Minimum Vital

BRAVE (1994) METROPOLIS PT. 2: SCENES VEMOD (1993) THE LIGHT (1995) SARABANDES (1990)
FROM A MEMORY (1999)

13Ozric Tentacles 14Discipline

ERPLAND (1990) UNFOLDED LIKE STAIRCASES
(1997)

15King Crimson
THRAK (1995)

21
 Mauro Moroni è la figura più rappresentativa del rock progressivo italiano al
di fuori degli artisti che lo hanno creato, specialmente negli anni 90
con la sua Mellow Records. L’etichetta, fondata nel 1991 con Ciro Perrino (Il Sistema,
Celeste), ha creato un catalogo vastissimo, superato solo da quello della francese
Musea: gruppi nuovi, ristampe di classici, allora impossibili da trovare, tranne che sul
mercato collezionistico, prime pubblicazioni di lavori mai stampati negli anni 70.
Testi: Guido Bellachioma

l
a leggenda attribuisce a Mauro un
sacco di frasi a effetto, molte vere, al-
tre… forse. Piuttosto azzeccata, pur
nell’ironia quasi alla carta vetrata, la
seguente, che ben fotografa la situa-
zione della musica prog, ma non solo, da mol-
ti anni a questa parte: “Ci sono più musicisti
che ascoltatori”. Moroni ha un carattere forte,
spesso volutamente provocatorio, ma ciò non
può metterne in secondo piano l’enorme pre-
parazione e conoscenza in ambito prog, con
Alberto Tagliati
la psichedelia italiana degli anni 80: nel 1994
la Mellow aprì la sottoetichetta Fruit Salad
Division, dove trovarono posto anche gli Ef-
fervescent Elephants, creatura psichedelica di
Lodovico Ellena, stimolato da Moroni a realiz-
zare il libro Storia della musica psichedelica italia-
na) Decisamente rimarchevole l’idea di cosa
scrivere sulla propria tomba, il più tardi pos-
sibile, ovviamente: “Sono essenzialmente un
FOLLE COLLEZIONISTA DI VINILI, non certo
un businessman, e come tale preferisco esse-
ni in Italia e credo che non abbia concorren-
ti anche a livello internazionale. Per questo
numero di «Prog» non ha voluto parlare, ma
ne eravamo sicuri, e noi lo ricordiamo con le
sue considerazioni su alcuni classici del prog
italiano degli anni 70 e sui gruppi italici degli
anni 90 (considerato l’altro periodo “felice”
del prog dopo i Seventies). Le scrisse all’inizio
degli anni 2000 per il sito di From Genesis to
Revelation, trasmissione in FM su Radio Popo-
lare, condotta da Renato Scuffietti e Matthias

sensibilità spiccata in tutti i settori confinanti re citato e ricordato sulla lapide”. D’altronde Scheller. Sono ancora valide e le riportiamo
(ama il folk e ha una sana passione anche per la sua collezione di vinili prog non ha parago- senza nessun ammodernamento.

Finisterre
 I classici del Prog italiano anni 70 secondo Moroni
Premessa: ho escluso i quattro grandi (PFM, Orme, Banco e Area), di cui si spera sappiate tutto. Non ho messo nomi strani, che conosciamo in tre.
Le recensioni sono brevissime per ovvi motivi. Non ho citato singoli artisti solisti.

Alphataurus: ALPHATAURUS, DIETRO L’URAGANO Museo Rosenbach: ZARATHUSTRA

Insieme all’Uovo di Colombo e Cherry Five, il gruppo più L’album di prog italiano da avere in primis.
positivamente influenzato da ELP. Entrambi i Cd sono facilmente La Nuova Idea: CLOWNS
reperibili. Il migliore dei tre che hanno fatto. Difficili da avvicinare a qualcuno
Apoteosi: APOTEOSI in particolare, il che è un merito.
Tra Renaissance e PFM, un gioiello. Cd reperibile. Opus Avantra: INTROSPEZIONE
Arti e Mestieri: TILT, GIRO DI VALZER PER DOMANI Album sofisticatissimo che mixa avanguardia e musica classica.
Tecnicamente mostruosi, tra Mahavisnu Orchestra e prog classico. Osanna: PALEPOLI
Il Balletto di Bronzo: YS Un po’ datati ora, ma documento significativo del mix tra tradizioni
Forse il disco più importante di tutta la storia del prog nostrano. popolari e rock progressivo.
Aspettatevi un ascolto shock. Non dico altro.
Biglietto per l’inferno: BIGLIETTO PER L’INFERNO, IL
TEMPO DELLA SEMINA
Il migliore esempio in italia di hard/rock progressivo con Campo di
Marte. Entrambi i Cd disponibili.
Campo di Marte: CAMPO DI MARTE
Vedi Biglietto. Disponibile.
Celeste: PRINCIPE DI UN GIORNO, CELESTE II
Difficile essere obiettivi parlando del gruppo del co-proprietario
Mellow. Il primo è un capolavoro mellotroniano “Very Crimson
e PFM”; il secondo è completamente diverso, assai vicino ai Soft
Machine di THIRD. Entrambi facilmente recuperabili su Cd.
Circus 2000: AN ESCAPE FROM A BOX
I Jefferson italiani? Già il primo album è un gioiellino, il secondo è
colossale. Una volta si trovavano su Cd, ora non so…
Garybaldi: ASTROLABIO
Bambi Fossati, da sempre l’Hendrix italiano. Album imperdibile.
Jacula: TARDO PEDE IN MAGIAM VERSUS
Il disco più venduto nella storia delle ristampe prog. Che dire? A me Il Paese dei Balocchi: IL PAESE DEI BALOCCHI
non piace, ma tutti lo considerano un capolavoro del dark prog. In assoluto l’album che prediligo. Classico, sofisticato, mai banale.
Orchestra discreta, se dovessi trovare un difetto… la voce.
Jumbo: DNA
Difficili da etichettare al di là di qualche influenza tulliana, molto Saint Just: SAINT JUST, LA CASA DEL LAGO
originali e caratterizzati da un vocalist eccellente. Completamente differenti ma entrambi imperdibili. Da sentire e
giudicare di persona. Se li trovate fateli vostri.
Latte e miele: PAPILLON
I primi tre sono su un buon livello. Di chiara ispirazione classica e La Seconda Genesi: TUTTO DEVE FINIRE
molto melodici. Uno dei pochissimi dischi carissimi; eccellente anche sul piano
musicale. Classica, avanguardia, un briciolo di jazz, flauto dovunque.
Locanda delle Fate: FORSE LE LUCCIOLE NON SI AMANO PIÙ
Tra i primi 5 dischi da avere. No doubt. Sensations Fix: FRAGMENTS OF LIFE
Forse la band italiana che ha più venduto all’estero. Musica
Maxophone: MAXOPHONE
elettronica, no doubt, mai noiosa.
Altro gruppo mitico. Genesis e Mellotron dovunque. Da preferire la
versione italiana. The Trip: CARONTE
Uno degli album fondamentali per chi ama il rock tastieristico. Joe
Metamorfosi: INFERNO
Vescovi: un maestro nei dialoghi serratissimi con il chitarrista Gray.
Alcuni riferimenti a ELP ma assai originali per l’epoca. Il cantante
è un grande e la sezione ritmica è da paura. Evitare come la peste L’uovo di Colombo: L’UOVO DI COLOMBO
l’altro lavoro, E FU IL SESTO GIORNO. Una versione a tratti migliorata degli ELP e molto italiana.

DEUS EX MACHINA STANDARTE

I
FINISTERRE (se non continueranno BARROCK
migliori gruppi a voler diventare come i Blue Vertigo)

HOSTSONATEN
DFA
italiani attivi A PIEDI NUDI
RUNAWAY TOTEM
LEVIATHAN
degli anni 90 IMMAGIN’ARIA SUNSCAPE
In ordine assolutamente casuale.
NODO GORDIANO MOONGARDEN
Sono esclusi i gruppi di prog/metal. DIVAE MAD CRAYON
Ciascun disco di questi signori è in grado MALIBRAN SITHONIA
di spazzare via qualunque neo-progghettaro
albionico. Vogliamo continuare così, che se H20 VIRTUAL DREAM Divae
ne accorgano solo i giapponesi? EGOBAND DUNWICH
23
 fascino
fanzines
il
delle

«Arlequins»
L’Italia delle fanzines, oltre che dei comuni, è ben rappresentata da questo senese
di matrice prog, ancora appassionato di musica, e che, sono sicuro,
trasmetterà questa “malattia” a sua figlia Madeleine…
sua moglie Jessica era già contagiata prima di conoscerlo.
Testi: Alberto Nucci

ra il 23 giugno 1990. Alla tv si allargò, annoverando anche Luca di vita, «Arlequins» ha via via espanso
c’era Colombia-Camerun, Rodella, Marco Del Corno e Francesco le sue attività, cercando di collaborare
mondiali di calcio italiani; Fabbri; composizione che si manterrà fattivamente alla crescita e alla diffu-
a Scandicci si tenne la pri- stabile fino al 1997. Numerosi altri colla- sione del progressive rock in Italia, en-
ma riunione “ufficiale” della boratori si sono avvicendati nelle fila di trando nell’organizzazione di vari eventi
redazione di una nuova fanzine dedicata «Arlequins» durante gli anni, non solo di musica progressiva. Nello specifico,
al Progressive Rock. Il nome che venne da ogni parte d’Italia, ma anche dall’e- possiamo annoverare coinvolgimenti
scelto fu «Arlequins», un tributo agli stero (Brasile, Spagna, Francia, Svezia, fattivi e organizzazioni in prima persona
Ange, mitico gruppo francese, e anche Finlandia). Nel corso dei primi 7 anni di vari eventi, come Jesters, festival di
una certa esigenza di affrancamento
dall’anglofonia imperante. Alberto Nuc-
ci, Giovanni Baldi e Riccardo Maranghi
erano i nomi di quei fondatori, spinti
dalla voglia di parlare e scrivere del loro
genere musicale preferito, recuperando
e scoprendo entità musicali vecchie e
nuove, lontane dai riflettori. Da qui la
scelta che venne fatta, fin da subito, di
non parlare dei “grandi nomi” (Genesis,
Yes etc.), se non in modo marginale, con-
centrando l’attenzione sui gruppi minori
di una scena che, in quel periodo, stava
tornando a rinascere. Non nego – anzi! –
che c’era anche un certo spirito di emu-
lazione nei confronti della storica fanzi-
ne «Paperlate», non tanto nel tentativo
di soppiantarla quanto nel desiderio di
colmarne i buchi e di affiancarsi ad essa
nel supportare la musica che amavamo.
Fin dal secondo numero, la redazione

Tutti i numeri, 20,

editi da Arlequins, 14
come fanzine e 6 come
rivista registrata.

24
musica progressiva a Mondovì (CN), con
12 band italiane (1991); questo rappre-
sentò l’evento più importante messo in
opera dalla associazione Fondazione, nata
con l’intento di rilanciare il progressive
rock in Italia e che vedeva il coinvolgi-
mento di varie realtà del prog del mo-
mento (fanzine, negozi specializzati e
gruppi musicali), con grandi aspettative
ma, purtroppo, dalla vita molto breve.
Poi cinque edizioni del festival Musica
per la Libertà di Terni, in associazione
con Amnesty International, dal 1991
al 1995 (con varie band italiane quali
Nuova Era, Notturno Concertante, Ezra
Winston, Asgard, Aufklärung, Balletto
di Bronzo, Finisterre, Tale Cue, Eris Plu-
via ed altre, più gli spagnoli Galadriel). Il
Festival Progressivamente di Altomonte
(CS), con Anekdoten, Trono Dei Ricordi,
Progetto Osanna, Mad Crayon, Kraken
in the Maelstrom e Malibran (1994), in
cui ricoprivo il ruolo di direttore artisti-
co, voluto da un gruppo di appassionati
della cittadina calabrese con l’appoggio
di Guido Bellachioma, che concesse la
possibilità di utilizzare il nome PRO-
GRESSIVAMENTE, unica volta. Infine
poi vari altri concerti di Landberk, Ritual
e Anekdoten, tra cui quello di questi
ultimi al castello di Meleto (1996) che
venne organizzato grazie all’entusia-
smo della proprietà di questo magnifico
castello nel bel mezzo del Chianti, una
location d’eccezione che (assieme alla
produzione vinicola) affascinò il gruppo
svedese e richiamò un numeroso pub-
blico. Motivo di soddisfazione fu poi il
contributo fornito alla partecipazione de
A destra Alberto
Nucci con sua figlia
Madeleine e il nostro
Speciale «Prog».
Le Orme al Progfest 1997 a Los Angeles;
fu la prima uscita all’estero delle Orme
del “nuovo corso Prog” (successivo alla
pubblicazione dell’album IL FIUME).
Nel corso degli anni il formato e l’aspet-
to grafico muta varie volte, passando
dal formato fanzine (vengono pubblicati
14 numeri) degli inizi a un aspetto e uno
status professionale, fino alla costitu-
zione dell’Associazione Culturale Arle-
quins (1995) e la pubblicazione di una
rivista regolarmente registrata (6 nu-
meri) con Guido Bellachioma nella ve-
ste di direttore responsabile. In questo
periodo si ha la massima espansione,
con punti vendita in tutta Italia, nonché
in Spagna e Brasile, e abbonati anche
in molti Paesi stranieri. Nasce anche il
sito internet, il primo in Italia dedicato
al rock progressivo. Nel 1997 la redazio-
ne si scioglie; il timone resta in mano a
me solo e decido di andare
avanti, pur con l’ausilio di
qualcuno dei vecchi colla-
boratori. Nasce quindi «Ar-
lequins Newsletter», che
torna al formato originario
di fanzine, forte però dell’e-
sperienza acquisita in sette
anni. Di «Arlequins New-
sletter» vengono pubblicati
9 numeri, fino a quando, nel 2000, ces-
sano definitivamente le pubblicazioni in
versione cartacea e l’attività viene tra-
sferita interamente sul sito Internet, sul
nuovo dominio www.arlequins.it. Dal
2001 «Arlequins» è gestito congiunta-
mente da Alberto Nucci e Jessica Attene
attorno ai quali si è via via formata una
redazione affiatata e a tutt’oggi il sito
rappresenta un riferimento importante
all’interno della scena progressive rock
italiana. «Arlequins» accompagna così,
in un certo senso, il processo di smate-
rializzazione subito dalla musica negli
ultimi anni, segnato dalla scomparsa
dell’oggetto fisico e dall’affermarsi di-
lagante dell’era digitale, fatta di byte e
file, streaming e download. A dispetto di
ciò devo però dire che, molto romanti-
camente, continuiamo a occuparci solo
di chi pubblica ancora su supporti fisici,
ignorando del tutto gli album digitali! È
anche la crisi dei negozi di dischi, gli spa-
zi fisici d’incontro e scambio, che uno
dopo l’altro abbassano le saracinesche,
soppiantati da spazi virtuali, certamente
meno accoglienti ed affascinanti. In ve-
rità bisogna ammettere che permettono
di avvicinare all’istante gli appassionati
sparsi ai quattro angoli del mondo. An-
che per «Arlequins» è arrivata così una
pagina MySpace prima e una Facebook
dopo, oltre che un forum. Se continu-
iamo a esistere è proprio perché il prog
non è mai morto, anzi è riuscito sempre
a rigenerarsi, contando ancora oggi su
tanti nuovi artisti, anche in Italia. Non
è musica mainstream e sicuramente, al
di là dei nomi più importanti, c’è sempre
molto da scoprire e siamo qui proprio
per questo.
25
 Italia
2000- 2015

Nessuno demorde
onostante ci sia un grande
disordine sotto il cielo, che
in questi ultimi 15 anni ha
rivoluzionato il modo stesso
d’intendere la musica, com-
preso il metodo di produzione e distribuzione,
un’area di coraggiosi ancora continua a met-
tere la musica al centro della propria esisten-
za, prima per loro stessi, poi per chi ha ancora
voglia di ascoltare. Sempre più l’arte per l’arte,
visto che ormai si sono davvero ristretti gli spa-
zi di mercato, discografico e live. Sicuramente
ci vuole più coraggio a fare prog oggi, non solo
in Italia ma specialmente nel nostro territorio,
che non nelle decadi precedenti. Eppure la qua-
lità delle proposte non è proprio scarsa, anzi…
poi il discorso dell’originalità non è cosa che
riguarda solo questa epoca, anche negli anni
70 esistevano artisti che tracciavano la strada
e chi ci s’incanalava, con più o meno qualità.
E poi album rivoluzionariamente innovativi
non è che abbondino in altri campi musicali.
Questa sezione è una di quelle che complessi-
vamente ha ricevuto più voti. Le Orme è stato
l’unico gruppo sempre votato nelle quattro se-
zioni, anche se ha piazzato dischi nei primi 15
solo nella categoria 1969-1979. Vicini ai primi
15 ci sono: Gran Turismo Veloce/DI CARNE, DI
ANIMA (2011), Fonderia/FONDERIA (2002) e
RE<<ENTER (2006), Barrock Project/REBUS
(2009), Not a Good Sign/NOT A GOOD SIGN
(2013), La Maschera di Cera/PETALI DI FUOCO
(2010), Ingranaggi della Valle/IN HOC SIGNO
(2013), La Coscienza di Zeno/LA NOTTE AN-
CHE DI GIORNO (2015), Le Orme/ELEMENTI
(2001) e LA VIA DELLA SETA (2011), Sophya
Baccini/ARADIA (2009), NichelOdeon/IL GIO-
CO DEL SILENZIO (2010), Doracor/LA VITA
CHE CADE (2011).

1 2Deus Ex Machina 3Yugen 4Ildelle

Tempio
Clessidre
Il Cerchio d’Oro CINQUE (2002) LABIRINTO D’ACQUA (2006) ALIENATURA (2013)

DEDALO E ICARO
(2013)

5Museo Rosenbach 6Metamorfosi 7Fabio Zuffanti

BARBARICA (2013) PARADISO (2004) LA QUARTA VITTIMA (2014)

8Hostsonaten 9Moongarden 10Il Bacio della Medusa 11Presence 12Accordo

dei Contrari
THE RIME OF THE ANCIENT THE GATES OF OMEGA (2001) DISCESA AGL’INFERI D’UN GOLD (2001) KUBLAI (2011)
MARINER (2012) GIOVANE AMANTE (2008)

13Areknames 14Syndone
LOVE HATE ROUND TRIP (2006) ODISSEAS (2014)

15Unreal City
IL PAESE DEL TRAMONTO
(2015)

26
 Resto del mondo
2000-2015

La storia non è ancora

conclusa
siamo giunti ai giorni nostri
davvero in un battito di ciglia.
Le contaminazioni sul ceppo
originario del prog, già contami-
nato nella concezione originale,
sono più evidenti che negli anni 90 e ancora
più marcate nella mappa globale dei 700 tito-
li rappresentati. In questa classifica c’è anche
un ritorno alle origini coi soliti I.Q. e il super-
gruppo Spock’s Beard, che dopo un altro disco
avrebbe perso il leader Neal Morse… certo se
non amate il rock sinfonico molto appariscen-
te questo gruppo non fa per voi. Al secondo
posto una vera e propria multinazionale del
prog, i Transatlantic di Neal Morse (guarda chi
ritroviamo!), Roine Stolt (The Flower Kings),
Pete Trewavas (Marillion) e Mike Portnoy (ex
Dream Theater). Sui Transatlantic non è pos-
sibile alcuna mediazione… o si amano o si
odiano, magari per lo stesso motivo. Suono
bello gonfio e patinato, ovviamente tecnica-
mente ineccepibile, ma sarei stato sorpreso
del contrario. Steven Wilson stavolta appare
con il settimo sigillo dei Porcupine Tree, prima
volta con il batterista Gavin Harrison, e con
due dischi solisti: sempre più figura onnipre-
sente del mondo prog. Segnalazione d’obbligo
per gli straordinari Tool, elemento certamente
di confine, dove i ritmi si scontrano senza fine.
Metal, prog, rock schizzato? Per loro è diffici-
le veramente trovare una definizione calzan-
te ma, in effetti, non c’è bisogno. Ascoltarli
è d’obbligo, aspettarli anche… a nove anni
dall’ultimo passo, 10,000 DAYS (2006) si rico-
mincia a parlare di una nuova uscita dei Tool.
Magari, anche se non sarà facile andare oltre
quello già fatto. I primi esclusi, sempre per
pochi voti: Gazpacho/DEMON (2014), Opeth/
DAMNATION (2003).

1 Steven Wilson
THE RAVEN THAT REFUSED TO SING
2Transatlantic
SMPTe (2000)
3Tool
LATERALUS (2001)
4King Crimson
THE POWER TO BELIEVE (2003)

(2013)

5Big Big Train 6Spock’s Beard 7Porcupine Tree

ENGLISH ELECTRIC PART I V (2000) IN ABSENTIA (2002)
(2012)

8Marillion 9Echolyn 10Echolyn 11Steven Wilson 12The Mars Volta

MARBLES (2004) THE END IS BEAUTIFUL (2005) ECHOLYN (2012) GRACE FOR DROWNING (2011) DE-LOUSED IN THE
COMATORIUM (2003)

13I.Q. 14Haken
ROAD OF BONES (2014) THE MOUNTAIN (2013)

15Matthew Parmenter
ASTRAY (2004)

27
 Tastiere: non per forza
ma per amore
Non ci devono essere per forza le tastiere nel prog ma se ci sono… non dispiacciono!
Il tastierista romano, membro della Fonderia e della Batteria,
parla di alcuni amori tastieristici…
Testi: Stefano Vicarelli
Mellotron M-400 1970/1977 PFM Flavio Premoli
Tra gli utilizzatori: Tony Banks, Robert Fripp, Beatles, Led Zeppelin,
Rick Wakeman, Moody Blues, Patrick Moraz, Pink Floyd, Flavio Premoli.
on il rock progressi- Il primo, vero, campionatore con un frame di nastri per tasto. Ogni
vo nasce la conta- frame contiene tre suoni, selezionabili con il selettore a tre posizio-
minazione, più pro- ni per spostare le testine sul nastro. Suoni miscelabili tra il primo
fonda e organizzata e il secondo e tra il secondo e il terzo. Quelli storici del prog sono il
che in precedenza, 3 violins, l’8 choir, il flute, il brass. Alcuni frame avevano effetti so-
tra generi musicali, nori (Rick Wakeman sul finale del solo di YESSONGS). Strumento
riguarda il rock, la molto essenziale nel funzionamento ma con grandi problemi d’in-
musica classica, il jazz, il folk, la musi- tonazione, soprattutto
ca sperimentale e quella elettronica. Al nei primi modelli, do-
centro di questa nuova dimensione arti- vuti alle problemati-
stica c’è sicuramente stato, e c’è ancora, che della scheda mo-
uno strumento protagonista, entrato tore CMC-10. Questa
prepotentemente in scena: le tastiere. fu poi sostituita dalla

Fabio D’Emilio
Tale ruolo l’ha rubato principalmente più stabile SMS2, mi-
ai chitarristi, fino ad allora considerati i gliore in particolare
maggiori frontman insieme ai cantanti. sugli accordi con mol-
Se riteniamo temporalmente il nostro te note. Da citare anche il modello a due tastiere, il Mark
punto di partenza, la fine degli anni 60, II, usato principalmente dai Moody Blues e dai Beatles,
la tecnologia non offriva grandi risorse ma lo troviamo persino nei dischi di gruppi hard-blues
sonore. Fortunatamente nel 1968/1969 come i Free.
Robert Moog, ingegnere e pioniere
dell’elettronica (23 maggio 1934, New
York – 21 agosto 2005, Asheville) aveva Hammond C-3
già elaborato alcuni sistemi modulari, primi modelli 1949/50 – 1974
così qualche artista ne aveva assaggiato Tra gli utilizzatori: Keith Emerson, John Evans,
le potenzialità e il fascino. Si pensi ai Be- Eddie Jobson, Patrick Moraz, Rick Wakeman, Flavio
atles per ABBEY ROAD o Walter Carlos Premoli; Area, Jon Lord, Rick Wright, Kerry Minnear.
in SWITCHED-ON BACH, per limitarci ai Due tastiere, 5 ottave con preset, percussioni
più conosciuti. In quel periodo il tastie- e vibrato scanner. Elettromeccanico, utilizza la
rista aveva quasi sempre sotto le dita sintesi additiva delle forme d’onda armoniche
l’organo, principalmente Hammond, per generare i suoni. L’Hammond sfrutta un ge-
oppure un combo elettronico, tipo Farfi- neratore con ruote foniche (dette tonewheels), che
sa o Vox. L’organo Hammond con questa si muovono grazie al motore sincrono. Le forme
musica è strato stravolto dall’originario d’onda provengono da queste ruote meccaniche,
concetto di strumento liturgico: trattato che creano la variazione di campo magnetico in
e filtrato attraverso distorsori, modulato- Keith Emerson corrispondenza del pick-up, catturandone il suo-
ri ad anello, molle di riverbero e talvol- no. Sull’amplificazione dell’organo Hammond
ta anche muri di amplificazione Leslie, ci sono due scuole di pensiero: alcuni hanno
Marshall e Hiwatt. C’è anche chi lo ha mal- da sempre preferito la voce del suo Leslie, altri
trattato, accoltellandolo e sbattendolo a il suono diretto con potenti Marshall o Hiwatt,
terra, sfruttandone i lamenti provocati per ottenere una saturazione importante. Keith
dai feedback e dalle molle del riverbero: Emerson usava un muro misto, Leslie/amplifi-
stiamo parlando, ovviamente, del più catori statici (Hiwatt e Marshall). Il C3 a volte è
spettacolare atteggiamento da palco di sostituito dal modello B-3, tecnicamente identico
Keith Emerson durante la cavalcata di ma col mobile aperto sotto, sorretto da quattro
Rondò. Contemporaneamente comparve gambe.
nei dischi e sui palchi il Mellotron,

28
Hammond L-100/M-100. Hohner Clavinet D-6
Tra gli utilizzatori: Tony Banks, Keith Emerson, 1971/1978
Tony Pagliuca, Tony Kaye. Tra gli utilizzatori: Rick Wakeman,
Modelli definiti “spinette”, con due tastiere da quattro Peter Hammill, Gentle Giant,
ottave, alcune limitazioni di armoniche rispetto ai mo- Patrick Moraz.
delli più grossi C-3/B-3. L-100 è il modello usato da Keith
Emerson per le sue “battaglie”.

Fabio D’Emilio
Tony Pagliuca
Le Orme

Combo organs Compact Duo Farfisa

1965/1969
Tra gli utilizzatori: Rick Wright
Il classico combo organ, facilmente tra-
sportabile per le ridotte dimensioni, è
molto simile al suono degli organi Vox Strumento funky per eccellenza, a
(Doors). Il compact duo ha due tastiere, corde con pick-up simili a quelli di
quella inferiore ha due ottave con i colo- una chitarra elettrica; in sostanza
ri invertiti, nera e grigia, splittabile. L’i- è un clavicordo, dove ciascun tasto
dea era quella di suonare mellow chords termina con un gommino, viene
o linee di basso sulla tastiera inferiore e spinto contro la corda che comin-
linee soliste su quella superiore. cia a vibrare. Il classico sound del
Clavinet è particolarmente apprez-
zabile in Tank degli Emerson Lake &
Palmer nel disco di esordio, anche
se il modello in questione è prece-
dente al D6, esattamente si tratta di
un Clavinet L.

Genesis
Tony Banks
EMS VCS3
1969/anni 90
Tra gli utilizzatori: Pink Floyd,
Eddie Jobson, Who, Patrick Moraz
Il modello più famoso del marchio in-
glese EMS, il primo sintetizzatore a
voltaggio controllato, terribile come
strumento melodico ma eccezionale
per le prime sperimentazioni in campo

Fabio D’Emilio
di electronic music e psichedelia. Diffi-
cilmente interfacciabile con altri stru-
menti e di ardua programmazione.
strumento diventato uno dei simboli del
rock progressivo, una vera icona, e primo
vero campionatore a nastri. Poco dopo,
inizio anni 70, arrivò un’altra arma mi-
cidiale a disposizione del tastierista prog,
altra icona: il sintetizzatore monofonico
più famoso di tutti i tempi: il Minimoog.
Questo strumento ha rivoluzionato in
maniera definitiva il ruolo del tastieri-
sta prog (e non solo), permettendogli
Pink Floyd finalmente di fraseggiare alla pari con
Richard Wright i chitarristi, avendo a disposizione un
arsenale sonoro incredibile. In pratica,
tutta la potenza del mastodontico sinte-
tizzatore modulare si poteva finalmente
trasportare sotto un braccio. Sui palchi
la quantità di tastiere a disposizione
aumentava visibilmente, fino a diven-
tare vere e proprie “fortezze”, chiuse su
più lati (l’emblema è sicuramente Rick
Wakeman). Hammond, Minimoog (anche
più di uno), Mellotron, Hohner Clavinet,
piano Rhodes, altri sintetizzatori mono-
Fabio D’Emilio

fonici come Arp Pro Soloist e Odissey. A

metà degli anni 70 comparvero

29
 Minimoog model D
1970/1981
sul mercato i costruttori giapponesi e Tra gli utilizzatori: Keith Emerson, Geoff Downes, Rick Wakeman, Jan Hammer, Eddie Jobson, Patrick
con essi la spinta propulsiva verso la Moraz, Rush, Dave Sinclair, Steve Winwood, Kerry Minnear, Rick Wright, Flavio Premoli, Tony Pagliuca.
polifonia dei sintetizzatori. Mentre in Per la prima volta suonato in pubblico a New York nel 1970, tre oscillatori, il classic ladder filter
America la Moog cominciava a perdere 24db/ottava, due inviluppi, un amplificatore VCA. Alcuni componenti derivati dai precedenti sistemi
qualche colpo con il Polymoog, uno dei modulari, non tutti i Mini sono identici: nel corso della produzione ci sono stati alcuni cambiamenti
primi grandi polifonici fu lo Yamaha CS- nelle schede oscillatori. Alcune qualità hanno reso il Minimoog un classico delle tastiere: la sua por-
80 (Toto, Vangelis), successo commer- tabilità, il suo design, la facilità nella programmazione e soprattutto il suono, paragonabile solo ai
ciale derivato dal gigantesco prototipo suoi fratelli maggiori modulari.
GX-1, costosissimo e costruito in pochis-
simi esemplari, reso famoso, ancora una
volta, da Keith Emerson, WORKS VOLL
I/II. Successivamente, l’avvento del digi-
tale rese velocemente obsoleti i gloriosi
e sacri Hammond e Mellotron. In linea
teorica, con un polysynth, vedi il Prophet
5 o i nuovi Yahama e Korg, che stavano
dilagando sul mercato, si poteva evita-
re di portarsi dietro quegl’ingombranti
organi, piani elettrici e tutte le strings
machine dei primi anni 70 (Arp Solina,
Logan). Il tastierista aveva più sicurezza
e affidabilità, apparentemente più diver-
timento, nelle decine di preset con suoni
già pronti e già accordati; anche i roadies
erano decisamente più contenti… senza
tutti quei pesi da scaricare e ricaricare,
prima e dopo i concerti! Seguirono gli
anni della sintesi in fm (quella dello Ya-
maha DX-7), che si aggiunse ferocemente
a quella classica sottrattiva, ormai

Moog
1963

Vittorio
Fabio D’Emilio

Nocenzi
Steve Winwood

Patrick Moraz
Bob Moog

30
 Yamaha CS-80 1977/1980 Keith Emerson Yamaha CP-80
Yamaha GX-1 1975/fine anni 70 1978/1986
Tra gli utilizzatori del CS-80: Tony Banks, Kate Bush, Peter Tra gli utilizzatori: Peter Gabriel,
Gabriel, Klaus Schulze, Toto. Rick Wakeman, John Evans.
Keith Emerson per il GX-1. È un piano elettroacustico, il classico
Il CS-80 è stato un gran sintetizzatore polifonico, il quale, “electric-grand”, ancora oggi campio-
insieme forse al Prophet 5, ha rovinato la fama del concor- nato dalle moderne case di tastiere
rente Polymoog. Una tastiera di 61 note, 16 voci, 22 preset e e software. Il suono classico di Peter
aftertouch polifonico. Il GX-1 è famoso perché è il mammoth Gabriel solista. Anche se molto pe-
usato da Keith Emerson nel tour di WORKS, è anche il synth sante, era lo strumento che voleva
di Fanfare For The Common Man e di Pirates. Aveva un costo sostituire i classici pianoforti a coda.
originario di 50.000 sterline e ne sono stati costruiti meno di C’era la possibilità di averlo in ver-
10 esemplari. Il sintetizzatore più impressionante per l’epoca sione MIDI, per l’interfacciamento
con due tastiere polifoniche più una terza monofonica. con altri synth e moduli.

Rick Wakeman
Klaus Schulze

Guido Bellachioma
Klaus Schulze

Stefano Vicarelli

ARP PRO Soloist

1972/1977
Tra gli utilizzatori: Tony Banks, Jon
Lord, John Entwistle, Patrick Moraz,
Tom Coster.
Uno strumento semplice e dai sor-
prendenti suoni, specialmente di
flauti, brass, cello. Tastiera sensibi-
le, che permetteva ottima espres-
sività. Molto “traballante” elettro-
nicamente, non facile da suonare.
Nessuna interfaccia per collegarlo
ad altri sintetizzatori.

ARP Odissey
1972/1981
Tra gli utilizzatori: Brand X, John Evans, Gryphon, Jon Lord,
Jethro Tull, Patrizio Fariselli.
Il primo sintetizzatore bifonico, negli anni 70 famoso quasi
quanto il Minimoog: due oscillatori, due generatori di rumo-
re, un generatore di inviluppo e un generatore di rumore ad
anello. Molto aggressivo per la peculiarità del suo filtro, piena-
mente interfacciabile
Area
Patrizio Fariselli con altre macchine
analogiche. Ne esi-
stono tre versioni: la
Francesco Desmaele

prima, col pannello

bianco, la seconda
(1977) col pannello
nero e oro e la terza
Roberto Masotti

(1978) nera con le le-

gende arancioni.

31

quasi in declino. In fase di rivalutazione,
forse sono gli anni peggiori come resa
sonora. Ci sono stati alcuni personaggi
che hanno saputo trarre meravigliosa
ispirazione da questa novità tecnologica
digitale, soprattutto dalla nuovissima
sintesi di campionamento, suoni usati
in modo assolutamente nuovo e rivolu-
zionario. Uno su tutti: Peter Gabriel e il
Fairlight. Da qui fino al nuovo millennio
non ci sono grandi rivoluzioni (a parte la
discussa decade degli anni 80 con i suoi
suoni, oggi definiti “finti”, il massiccio
uso di drum machine e sequencer) se
non nel fatto che i suoni delle “tastiere
tutto fare”, come Yamaha Motif o Korg
Kronos, sono di gran lunga “migliori”.
Qualsiasi suono d’organo della Korg
Kronos è meglio dell’analogo suono del-
la Yamaha DX-7 degli anni 80. In genera-
le, viene rivalutato a pieno il sound delle
macchine analogiche, degli organi elet-
tronici, dei piani elettromeccanici, dei
sintetizzatori dal suono grasso come il
Moog, che il ventennio 80/90 aveva spaz-
zato via, ritenendoli obsoleti. Per questo
negli anni 2000 c’è stato un indiscusso
ritorno all’analogico, sia con macchine
e software “virtual analog” (Clavia Nord
Lead, per esempio), sia con le riedizioni
dei gloriosi strumenti d’epoca (Korg MS-
20, Arp Odissey, Minimoog Voyager, Prophet
08 e 12). Non solo: il Mellotron viene nuo-
vamente costruito, esattamente come
quello del 1970, cosi come Rhodes e Wur-
litzer. Ci sono ottimi cloni che emulano il
suono dell’Hammond e alcune ditte italia-
ne sono tra i maggiori produttori di cloni
Hammond. In ogni caso… tutti rivoglio-
no “quello vecchio”. Oggi ritroviamo sui
palchi bestie come i veri Hammond C-3,
Minimoog e Mellotron. La Moog Music
nel gennaio 2015 ha presentato la sua
nuova produzione di sistemi modulari al
NAMM di Los Angeles, la maggiore mo-
stra mondiale di strumenti musicali. Tali
sistemi sono perfetamente uguali a quel-
li degli anni 60 e 70, per far capire che
sono tornati all’analogico e a quei suoni
che hanno reso immortale il prog.
32
PolyMOOG
1975/1980
Tra gli utilizzatori: Tony Banks,
Rick Wakeman, Patrick Moraz.
O si odia o si ama.
Il primo vero polifonico marcato
Moog; all’epoca c’era anche l’O-
berheim 4 voice in produzione, ma il
Polymoog fu certamente di più facile
utilizzo. Tastiera a 72 note, con po-
lifonia totale, una vera rivoluzione
per l’epoca. Quando uscì era il sogno
di tutti i tastieristi, ma nel giro di
poco tempo la sua popolarità crollò.
Aveva numerosi problemi tecnici,
soprattutto, sembrava che non suo-
nasse affatto come il Minimoog o,
meglio, come il Minimoog polifoni-
co. Usato soprattutto per strings pad,
e alcuni suoni di piano/clavicembalo, i
preset avevano archi, piano, organo,
harpsichord, clavi, vibes e brass. Volumi,
filtraggio ed equalizzazione separati
per tre sezioni di tastiera.
Rick Wakeman
Prophet 5
1978/1984
Tra gli utilizzatori: Peter Gabriel,
Rick Wakeman, Geoff Downes, Eddie
Jobbson, Rick Wright.
Il più famoso sintetizzatore della
casa americana Sequential Circuits:
5 ottave, 2 oscillatori, 10 voci di po-
lifonia. Suono potente, ma partico-
larmente sensibile a problemi di sur-
riscaldamento e intonazione delle
voci. Molto utilizzato dai Pink Floyd,
da Rick Wakeman e Geoff Downes
(dischi di riferimento: CRIMINAL
RECORD, TORMATO, DRAMA).
Fairlight CMI
1980/1984
Il primo campionatore digitale a 8
bit, softwaresequencing e capacità
di sintesi additiva. Ogni campione
era di 20K. Tecnicamente oggi, pa-
ragonato alle capacità dei moderni
software, sarebbe ridicolo. Ma Peter
Gabriel, Stevie Wonder, Jan Ham-
mer ne hanno fatto il centro di pro-
duzione nei loro studi. Un classico
esempio del massiccio uso di Fai-
rlight: PETER GABRIEL IV.
Clavia Nord Lead
1995/2014
Il Nord Lead è stato il primo sintetizzatore digitale a emu-
lare la sintesi analogica. L’accezione “virtual analog” è sta-
ta coniata da Clavia. Utilizza DSP (Digital Signal Proces-
sor) programmati per emulare la sintesi FM e sottrattiva.
Il primo esemplare è uscito nel 1995, nel 2013 è arrivata
la sua quarta versione. Il synth è polifonico multitimbri-
co, filtro, inviluppo e LFO, un arpeggiatore e, soprattutto,
manopole analog-like dedicate alla programmazione. Oggi
non ci si fa più caso ma negli anni Novanta era un piace-
vole ritorno, dopo quasi due decenni di menù, sottomenù
e programmazione a pulsanti…
Korg M1
1988/1995
Tra gli utilizzatori: Rick Wakeman, Queen, Mike Oldfield,
Keith Emerson.
La Korg M1 negli anni 90 è stata la prima music worksta-
tion di grande diffusione. Il suo MIDI sequencer integra-
to, oltre alla gamma di suoni all’interno, consentivano di
ottenere arrangiamenti professionali. Ha superato nelle
vendite i due prodotti concorrenti dell’epoca: la Yamaha
DX7 e la Roland D-50.
Rick Wakeman
Minimoog VOYAGER
2002/in produzione
L’ultimo grande sintetizzatore prodotto da Bob Moog in
vita. Nel 2002 fu presentata la riedizione (migliorata) del
glorioso Minimoog model D. Come l’originale: 3 oscilla-
tori analogici, filtro passa basso; tra le feature moderne: il
midi, un touch control assegnabile, 2 modulation busses,
2 inviluppi, un LFO dedicato. Possibilità di memorizzare
le patch. Esteticamente è netto il richiamo al modello ori-
ginale del 1970, con finiture in vari tipi di materiale, le-
gno ovviamente ma ultimamente anche versioni speciali
in alluminio e ricoperto di tolex, come i portatili modulari
della fine degli anni 60.
 fascino
fanzines
il
delle

«Wonderous Stories»
L’ultimo appuntamento con l’universo dell’editoria alternativa nel prog è con una realtà
romana, l’ultima a cedere le armi sul versante cartaceo nel giugno 2012… ora è mutata
in «Open», solo sul web, ma è un’altra storia, sia pure in parte coincidente.
Testi: Paolo Carnelli

ell’ottobre del 1994, ve- anche se tutte le copie faticosamente rimise in moto. Pur dovendo abbando-
niva distribuito nei ne- prodotte andavano sempre esaurite in nare la vecchia veste a colori, la fanzine
gozi di dischi di Roma il pochissimo tempo. Tra i punti vendita iniziò il cammino che l’avrebbe portata
numero 0: un fascicolo romani, il negozio di dischi Revolver quattro anni dopo a diventare una rivi-
di sole 12 pagine in for- ne vendeva da solo quasi un centinaio, sta a tutti gli effetti, stampata in tipo-
mato A4 ripiegato, stampato in bianco mentre iniziavano ad arrivare da tutto grafia e registrata al Tribunale compe-
e nero, completamente gratuito. I con- il mondo lettere di altri appassionati tente. Dal luglio del 2004 al giugno del
tenuti? Yes, Pink Floyd, Peter Hammill, che chiedevano come fare per sotto- 2012 si sarebbero così succedute ben
ELP, Banco del Mutuo Soccorso, Peter scrivere un abbonamento alla nuova 21 uscite, che andando ad aggiungersi
Gabriel. Del resto, quell’anno erano pubblicazione, o di artisti che desidera- alle 23 precedenti portarono il totale
usciti TALK, THE DIVISION BELL, IN vano inviare demo tape e Cd per una complessivo a 44 numeri prodotti in
THE HOT SEAT, IL 13… insomma, sem- recensione. Dopo un periodo difficile, diciotto anni di vita. Dal 2014, «WS» si
brava proprio che i vecchi “dinosauri” in cui videro la luce solo 3 numeri in è reincarnata in «OPEN», progetto edi-
si fossero rimessi in moto e qualcuno 3 anni, con il nuovo millennio «WS» si toriale sul web: www.opento.it.
pensò che potesse essere il momento
giusto per ricominciare a parlare di
un certo tipo di musica. Se quella fu
l’idea per partire, presto «WS» avrebbe
modificato i suoi orizzonti, cercando di
diventare una pubblicazione che par-
lasse non solo del vecchio prog degli
anni 70, andando a riscoprirne la na-
scita e l’evoluzione ma, al tempo stes-
so, anche degli echi che questo genere
aveva prodotto nelle decadi successive.
Luca Fiaccavento

Luca Fiaccavento
Non a caso nel numero 1, del gennaio
1995, trovavano posto nel sommario Jeff Berlin Carnelli con David
anche Änglagård, Dream Theater, IQ Jackson (ex VdGG)
e Lethe, oltre ai ritrovati King Crimson Carnelli con Jimmy
di VROOOM. Le pagine erano già di- Spitaleri (Metamorfosi)
ventate 56, la copertina a colori, e la
squadra di collaboratori, coordinata da
Marco Leodori, iniziava ad allargarsi. E
così, grazie anche all’opera caritatevo-
le dell’amico Giovanni Quilici, sopran-
nominato “il mago” per la sua capacità
di gestire software e periferiche varie,
nuovi numeri di «WS» prendevano vita
tra abbondanti razioni di pasta, vino
rosso e qualche imprecazione. A dire il
vero, il tutto avveniva in maniera com-
pletamente aperiodica e artigianale: la
foliatura aumentava a ogni uscita, rag-
giungendo picchi di oltre 100 pagine
per numero e per di più a colori, con
il risultato di prosciugare con impres-
sionante rapidità i serbatoi delle stam-
panti a getto di inchiostro, che ormai
lavoravano ininterrottamente giorno e
notte. Realizzato in quel modo, era de-
stinato a essere un prodotto in perdita,

33
Cuore
selvaggio
Tra un appuntamento con un branco di lupi e la solita
voglia di confrontarsi con una stupefacente varietà di stili
musicali, il nuovo disco di Steve Hackett, WOLFLIGHT,
conferma come all’ex chitarrista dei Genesis
piaccia ancora mettersi in gioco.
“Non sto fermo un solo istante”, ci dice…
A settembre quattro date in Italia: 21 a Milano,
22 a Firenze, 23 a Roma e il 25 a Padova.
Testi: Rob Hughes
Immagini: Kevin Nixon

Lo scorso anno è stato uno dei migliori che abbia mai avuto,
per tutta una serie di motivi. Mi ha lasciato senza respiro.
Ed è un privilegio essere ancora qui

34

Steve Hackett:
Il nuovo album, WOLFLIGHT,
è uno dei lavori migliori del
chitarrista.
S
teve Hackett non ama perdere
tempo. Quando l’abbiamo contat-
tato per parlare del suo nuovo al-
bum, lo spettacolare WOLFLIGHT,
ci ha risposto che subito dopo l’in-
tervista sarebbe andato in studio per iniziare a
lavorare a nuove registrazioni. A 65 anni uno
potrebbe anche perdonarlo se volesse tirare il
fiato e riposarsi un po’, ma lui non ci pensa
proprio. Questo è il suo ottavo disco in otto
anni, quasi un record. “Sento il tempo che fug-
ge”, ci dice, facendoci notare come il suo pro-
gramma di lavoro comprenda anche una serie
quasi interminabile di concerti. “Immagina di
essere consapevole di stare nel pieno delle tue
capacità, e al tempo stesso di renderti conto
che il tempo sta passando inesorabilmente.
Per citare chi scrisse ‘Time seems to be slipping
away into the future’ [Steve Miller Band, Fly Like
An Eagle, mica uno qualsiasi], tutto accade
troppo in fretta”. “Ho dei giorni pienissimi.
Sono un uomo ricco d’impegni, è sempre stato
così. Lo scorso anno è risultato uno dei mi-
gliori che abbia mai avuto, per tutta una serie
di motivi. Mi ha lasciato senza respiro. Ed è un
privilegio essere ancora qui, perché moltissimi
non ce l’hanno fatta. È una vocazione. Che al-
tro posso dirti?”. Il 2014 “senza respiro” di Ha-
ckett ha rappresentato il momento culminan-
te del tour di Genesis Revisited II, durato ben
due anni, in cui ha brillantemente riproposto
alcune delle canzoni migliori del suo vecchio
gruppo. Solo l’anno scorso ha suonato in 20
nazioni differenti. Poi, verso la fine dell’anno,
c’è stato anche Genesis: Together and Apart, con-
troverso documentario della BBC. Ma ne par-
leremo dopo. Al pari del suo creatore, anche
WOLFLIGHT ha in sé qualcosa di ambizioso.
L’ambito multiculturale del disco – che spazia
dai miti greci all’Europa post-comunista, dalle
sabbie del Sahara alla lotta per i diritti civili
negli USA – si rispecchia nella varietà della
proposta musicale. C’è un’orchestra, dei tam-
buri tribali, ululati di lupi, qualche tocco di
esotismo: l’oud arabo, i flauti armeni, il didge-
ridoo australiano. Ma soprattutto, c’è l’esibi-
zione della maestria lirica di Hackett alla chi-
tarra, sia acustica che elettrica. Alcuni brani,
come l’epico pezzo che dà il titolo al disco o la
grandiosa Love Song To A Vampire, propongono
un affascinante scontro tra folk e musica clas-
sica, attraversato da una tessitura di chitarra
elettrica. Per farla breve, WOLFLIGHT appare
come un immenso dialogo musicale. “Parlan-
do di musica in senso ampio, ascolto di tutto,
da Bach a Stravinsky a Jimi Hendrix”, spiega
Hackett. “I compositori classici hanno già rea-
lizzato tutto quello che avevo in mente di fare,
ma sono sempre stato troppo occupato a
muovermi tra vari stili e non ho mai avuto
tempo per scrivere una sinfonia intera. Questo
non significa che non apprezzi cosa può fare
l’orchestra. Ed è qui che entra in gioco il nuo-
vo disco. Immagina gli atleti di una staffetta:
uno può essere la musica folk, l’altro il rock. E
poi c’è la parte sinfonica, con l’orchestra, che
può essere anche oscura e inquietante”. “Cre-
do che molti siano refrattari all’utilizzo dell’or-
chestra perché credono sia come invitare una
vecchia zia zitella a un’orgia, ma io non ho si-
mili pregiudizi. Amo quello che può fare l’or-
chestra, e mi piace quando generi musicali
differenti iniziano a dialogare. Succede che i
momenti di collisione, e al tempo stesso d’in-
tegrazione, generano improvvisi cambi di at-
mosfera. È come passare da un film western a
Star Wars”. La copertina vede Hackett a capo di
un branco di lupi dell’Europa orientale, attor-
niati dalle rovine di un monumento mentre la
luna illumina il tutto. Photoshop non c’entra:
come ci tiene a sottolineare Hackett, sia lui
che i lupi sono assolutamente reali. La foto è
stata scattata la scorsa estate poco fuori
Roma, durante una pausa del tour. Ammette
che all’inizio era un po’ spaventato, special-
mente dopo aver incontrato il maschio domi-
nante, ma più tempo passava in loro compa-
gnia, più se ne innamorava. “Mi salivano
sopra ed è stata una delle esperienze più in-
tense della mia vita. Si sono dimostrati incre-
dibilmente affettuosi e collaborativi”. E non è
solo una bella foto. Hackett ha usato il tema
del lupo come metafora del disco stesso.
WOLFLIGHT ha un impianto storico profondo,
ispirato alle popolazioni che
ci hanno aiutato a forgiare il
nostro passato, nei confron-
Credo che molti siano refrattari
ti delle quali Hackett ha ap-
prezzato la profonda sinto-
all’utilizzo dell’orchestra perché credono
nia con gli animali.
“Nell’idea sciamanica del
che sia come invitare una vecchia zia zitella a un’orgia,
Lupo come animale totemi-
co c’è qualcosa di molto in-
ma io non ho simili pregiudizi
tenso”, ci dice. “Penso che
all’inizio siano stati loro il
migliore amico dell’uomo.
Abbiamo sempre avuto un rapporto con loro,
dalla Mongolia ai Carpazi. Inoltre i lupi dove-
vano sopravvivere come nomadi, proprio
come fecero i nostri antenati”. Hackett insiste
che la parola WOLFLIGHT, che potremmo ren-
dere come L’ora (o La luce) del Lupo, si riferisce
36
all’ora appena prima dell’alba. Né giorno, né
notte, un momento di transizione dove i sogni
devono ancora svanire del tutto. È anche l’ora
in cui ultimamente il chitarrista è solito sve-
gliarsi. Un momento ideale per comporre mu-
sica. “Se ho passato una notte insonne e mi
ritrovo in piedi alle cinque o alle sei del matti-
no, posso buttare giù delle idee in un momen-
to molto creativo. Tra il sonno e la veglia la
logica è ancora addormentata. E la logica, al-
meno per me, ostacola la scrittura. Volevo che
la musica fosse strana e meravigliosa, psiche-
delica. Ma senza dover ricorrere a qualche tipo
di droga, che per me sono assolutamente
tabù. È questa, fondamentalmente, l’idea
dell’album”. Forse il pezzo più personale è The
Wheel’s Turning, profondamente radicato in un
ricordo infantile del parco divertimenti di Bat-
tersea. “La Londra degli anni 50 era un mondo
postbellico vasto e grigio”, ricorda il chitarri-
sta. “Pimilco, il posto dove vivevo, era stato
bombardato pesantemente durante la Secon-
da guerra mondiale. E da bambino non capivo
perché questi grandi palazzi in stile georgiano
pendessero tutti da una parte. La prima volta
che mi portarono al parco dei divertimenti fu
come se fosse il primo giorno a colori della mia
vita. Era pieno di sole, e ricordo l’odore delle
ciambelle appena cotte. Sembrava ci fossero
migliaia di persone, era un’esplosione di colo-
ri. Vivevo a 10 minuti di distanza da lì e, a 12
anni, ogni tanto mi capitava di lavorarci, cam-
biando i soldi a quelli che volevano i gettoni
per le slot machine. Rappresentò un momento
felice della mia infanzia e mi sentivo così im-
portante col mio cappotto marrone. Nell’aria
c’era questa colonna sonora di pezzi surf stru-
mentali come Wipe Out e Pipeline. Per puro
caso, sono cresciuto dalla parte opposta
dell’edificio raffigurato su una delle copertine
più celebri dei Pink Foyd, quella con il maiale
volante, la centrale elettrica di Battersea. Da
bambino era il panorama che vedevo dalla fi-
nestra della mia camera da letto. Anni dopo,
quando vidi la copertina di ANIMALS dei
Floyd, nel 1977, pensai: ‘Quella avrebbe dovu-
to essere la copertina di uno dei miei album.
Come ho fatto a farmela sfuggire?’”. The Wheel’s
Turning è evocativa, richiama il ricordo della
testa che gira per le giostre e i neon sgargianti
del luna park. Quello che colpisce è anche la è opulento, ricolmo di riferimenti classici con
un’orchestrazione dal sapore nordico. Superfi-
cialmente sembra quasi una qualche maesto-
sa celebrazione, anche se la chitarra elettrica
di Hackett, leggermente
sinistra e che compare
verso la fine, ci fa capire
meglio l’argomento del
testo: la canzone parla
infatti di violenze dome-
stiche. “I Beatles sono un
po’ come Shakespeare –
hanno fatto tutto, com-
prese le canzoni d’amore
migliori”, ci dice. “Ma io
volevo realizzare una
canzone d’amore con un colpo di scena, nel
presenza dell’armonica a bocca, un salto in- senso di evidenziare quel momento in un rap-
dietro al primo strumento che Hackett imparò porto dove le persone iniziano a pensare che si
a suonare, molto prima che il padre gli com- possiedono a vicenda. Il possesso, l’idea della
prasse una chitarra. Altri brani sono più in- Sindrome di Stoccolma [un fenomeno psicolo-
quietanti. Love Song To A Vampire, per esempio, gico per cui gli ostaggi sviluppano un’empatia
Hackett in uno dei rari
momenti di calma:
il seguito
di WOLFLIGHT
è già in cantiere!
con i propri rapitori] e tutti i libri di psicologia
che ho letto, dove le persone si ritrovano in
una relazione che pensano sia buona per loro
e invece non è così. Ho trovato il tutto affasci-
nante e visto che volevo scrivere una canzone
d’amore originale… Non credo che la musica
progressive debba evitare l’amore e parlare
sempre e solo di guerra. Ma di solito è così, per
cui a volte è necessario confrontarsi con
aspetti che altri non hanno ancora esplorato”.
È interessante che su Love Song To A Vampire al
basso ci sia Chris Squire degli Yes, con cui Ha-
ckett nel 2012 ha registrato A Life Within A Day,
sotto il marchio Squackett. (Quando gli abbia-
mo chiesto di un possibile sequel, Steve ha ri-
sposto che è “altamente probabile”). Hanno
partecipato il tastierista Roger King (co-autore
di gran parte del disco con Hackett e sua mo-
glie Jo), il batterista Gary O’Toole, il bassista
Nick Beggs, il sassofonista Rob Townsend e la
corista Amanda Lehmann. In effetti le armo-
nie vocali occupano un posto centrale nel di-
sco, sia in Corycian Fire, con la grandeur alla
Carl Orff, o in Loving Sea, che richiama alla
mente lo stile di CS&N con le atmosfere in
gran parte acustiche. Pensando al concept
musicale di partenza – e, soprattutto, al per-
corso originale che ha seguito nella sua carrie-
ra post-Genesis – viene da chiedersi se Hackett
non si sia sempre visto più come un artista
solista: “Prima dei Genesis avevo in mente di
fondare un gruppo tutto mio perché ero inte-
ressato a curare ogni dettaglio”, dice. “Ma non
avevo l’esperienza necessaria per guidare un
gruppo e così mi sono ritrovato a unirmi a una
band già costituita. Prima sono entrato nei
Quiet World e poi, ovviamente, nei Genesis.
Erano affermati. Avevano già due dischi alle
spalle e facevano concerti. Penso che volesse-
ro qualcuno che gli desse energia e io feci del
mio meglio”. A questo punto scoppia in una
risata. “La mia idea è sempre stata che tra un
gruppo e un’orchestra non dovrebbero esserci
distinzioni. È quel che ho sempre voluto con i
Genesis. Volevo spingere il tutto verso il ver-
sante classico”. “Erano tutti ottimi composito-
ri, e condividevamo l’amore per la musica”,
spiega Hackett. “Ma quel che successe con i
Genesis fu che prendemmo l’influenza classica
e il ritmo sincopato – il modo di suonare la
batteria di Phil Collins veniva da Buddy Rich
– e le fondemmo in un qualcosa di diverso. La
musica aveva uno swing assolutamente inu-
suale. C’era qualcosa di nostalgico, incorag-
giante, eccitante tra le note. Ma al tempo stes-
so il tutto poteva anche essere vagamente
istorico o isterico”. E questo ci porta al famoso
documentario. Hackett ha espresso pubblica-
mente il suo disappunto per Genesis: Together
and Apart, con la motivazione, totalmente con-
divisibile, che il suo contributo all’evoluzione
del gruppo nella versione finale sia stato smi-
nuito. Inoltre, la sua carriera da solista – a dif-
ferenza di quella di Peter Gabriel, Tony Banks,
Phil Collins e Mike Rutherford – è stata total-
mente ignorata. Hackett l’ha definito un “reso-
37

Raimondo Luciani
conto non corretto della storia dei Genesis”,
che “ignora totalmente” il suo lavoro da soli-
sta. Ripensandoci oggi, rimpiange di aver par-
tecipato alle riprese? “Ogni tanto penso che
forse sarebbe stato meglio se non mi fossi la-
sciato convincere”, ammette. “Perché è ovvio
che non sono stato coinvolto nel montaggio
finale e quindi ho sprecato un sacco di tempo.
Ma non voglio passare tutto il tempo a discu-
tere delle stesse cose. È roba passata. Sono
ancora amico con tutti i miei ex compagni dei
Genesis, e la cosa importante è poter dire ‘quel
che è stato è stato. Ora è finita’”. “Mi hanno
scritto delle lettere per scusarsi”, aggiunge. “È
stata una cosa straordinaria. Sono sempre or-
goglioso di quella parte di storia dei Genesis
che mi ha visto coinvolto. È stato un grande
gruppo. E farà per sempre parte del mio DNA”. I
fan di Hackett saranno contenti di sapere che lo
stesso DNA si trova in Wolflight. Ma la cosa
più bella è che c’è anche molto di più. Per dirla
in poche parole: è semplicemente uno dei suoi
dischi migliori. Hackett però non dà nulla per
scontato. “Posso solo dire che lo amo e amo
l’idea di tutti questi contrasti musicali”, dice. “È
il disco che ho sempre voluto fare. Mi sembra
davvero valido. Ma in questo momento penso
solo: ‘Piacerà alle persone?’”. Possiamo rassicu-
rarlo: non c’è motivo di preoccuparsi.
Per maggiori dettagli: www.hackettsongs.com
38
Roma 15 marzo 2009
“L’ex chitarrista dei Genesis strizza l’occhio ai King Crimson”
Con WOLFLIGHT l’artista inglese riprende il suo cammino verso una dimensione
musicale più personale…
C’è anche un pizzico di Italia nel nuovo lavoro di Steve Hackett: la foto di copertina, che ritrae il
chitarrista in compagnia di un branco di lupi, è stata infatti scattata vicino Roma, dove è presente
un allevamento dedicato esclusivamente al cane lupo cecoslovacco. Un’immagine suggestiva quella
della cover, che oltre a legarsi a doppio filo con il titolo dell’album, riflette bene anche il suo
contenuto musicale: la luce del lupo è infatti quella che illumina il giorno poco prima del sorgere
dell’alba, in un momento particolare che per chi lo vive assume contorni indefiniti e quasi mistici.
Proprio in questo quadrante orario, Hackett si è dedicato alla composizione delle dieci tracce che
fanno parte dell’album, cercando di lasciarsi guidare dall’intuito e dall’istinto piuttosto che dalla
logica e dalla ragione. A quattro anni da BEYOND THE SHROUDED HORIZON prosegue quindi il percorso
dell’artista inglese verso una dimensione musicale ancora più personale: l’ex Genesis decide infatti
di spaziare tra generi e atmosfere completamente differenti, se non antitetiche tra loro, mescolan-
dole in modo decisamente avventuroso e inusuale, ma quasi sempre convincente e affascinante. Il suo
interlocutore privilegiato, il più amato e riverito, rimane sempre l’orchestra: le partiture, di grande
impatto sonoro, sono evocate dai precisi campionamenti di Roger King e dagli interventi di violino
e viola a cura della brava Christine Townsend, mentre le coloriture sono affidate al sax e al duduk di
Rob Townsend. Completano la line-up il fido Nick Beggs al basso e Chapman Stick e i due batteristi
Gary O’Toole e Hugo Dagenhardt.
Si parte in modo convincente con i due minuti di Out Of The Body, baldanzosa ouverture sinfonica che
permette all’elettrica di Hackett di duettare con i violini in una serie di potenti unisoni strumentali,
ma è con il passaggio d’arpa che collega il brano d’apertura alla title-track che il sipario si apre su
uno scenario ben più stimolante: il didgeridoo e le note dell’oud annunciano infatti l’ingresso in
territori di confine, tra suggestive speziature che la chitarra acustica accoglie e rilancia su territori
prima classici, poi folk e poi rock, in un’ideale staffetta musicale. Negli otto minuti di Wolflight c’è
tutto l’Hackett attuale, compositore e alchimista, che assembla una dopo l’altra cellule differenti,
concedendosi pure un emozionante assolo di chitarra elettrica su un tempo di bolero. La successi-
va Love Song To A Vampire è senza dubbio il brano che al primo ascolto rimane più impresso: una
ballata cupa e solenne che richiama alla mente, nella cadenza e nell’apertura corale del ritornello,
addirittura In the Court Of The Crimson King, non a caso uno dei pezzi dei King Crimson che Hackett
aveva riproposto dal vivo nel 1996 nei celeberrimi TOKYO TAPES. Da segnalare la presenza al basso
di Chris Squire.
Il viaggio sulle montagne russe prosegue con The Wheel’s Turning, che riprende le atmosfere miste-
riose tipiche di un vecchio parco dei divertimenti, e con Hackett che torna a cimentarsi con profitto
anche con il suo primo strumento, l’armonica a bocca. Non si fa in tempo ad apprezzare la leggerezza
della melodia vocale, vicina alle strade battute da Moody Blues e Barclay James Harvest, che Corycian
Fire ci riporta nuovamente nelle terre d’oriente, dove i tamburi e il duduk, strumento a fiato dal
suono ipnotico e malinconico, ricavato dal legno di albicocco, preparano il campo a una sezione
corale da brividi.
Toccato il suo zenith, l’album ha un calo quasi fisiologico. Tutto rallenta e le traiettorie si fanno
più prevedibili, qualche soluzione armonica si ripete, le concatenazioni risultano meno marcate ed
efficaci, le scelte timbriche più di maniera. Nella sequenza finale, rappresentata da Dust and Dreams
e Heart Song, la melodia torna appannaggio della chitarra elettrica, che nella traccia conclusiva si
scioglie in un arpeggio molto vicino a quello di Afterglow dei Genesis, E a proposito di Genesis…
aspettando il terzo capitolo di rivisitazioni genesisiane da parte di Hackett, WOLFLIGHT entra di
diritto tra gli episodi più riusciti della sua discografia solista. Paolo Carnelli
 l’ anima
dei disegnatori

Maurizio Di Vincenzo
a magia di Progressivamente (www.progressi-
vamente.com) è ben rappresentata dallo straor-
dinario tratto di Maurizio Di Vincenzo, che na-
sce a Teramo il 7 maggio 1958. Dopo il diploma
all’Accademia di Belle Arti (corso di Pittura),
muove i primi passi come professionista nel 1985, realizzan-
do alcune illustrazioni per «L’Eternauta». A partire dal 1987,
disegna anche per «Skorpio», «Lanciostory» e «l’Intrepido».
In seguito, collabora a Udo di Acquascura, «Nero», «La Bion-
da», «Rivan Ryan», «ESP», la serie ideata da Michelangelo
La Neve. Attualmente è uno dei disegnatori di Dylan Dog. Di
Vincenzo vive a Roma, dove lavora come disegnatore e come
docente della Scuola Romana dei Fumetti.

39
 è l’am ore
LEPO LITANA li,
«PA o
per Nap egrado
nt ro il d
co
l’ille g alità»
e
 L’universo musicale di Lino Vairetti, anima degli Osanna, affonda
profondamente in Napoli, antica o moderna che sia: da PALEPOLI (1973),
a PALEPOLITANA (2015), passando per EL TOR (1975) di Città Frontale,
e SUDDANCE, il disco della rifondazione nel 1978, c’è sempre il marcato
rimando alla cultura di questa città così complessa.
Testi: Guido Bellachioma

41
Riccardo Piccirillo

In studio, Napoli

Riccardo Piccirillo
2015

on due anni di ritardo esce rappresenta il gruppo nel 2015. no descritta come

Riccardo Piccirillo
PALEPOLITANA, doppio Nel doppio Cd, uscito proprio in Nell’atelier napoletano esempio di degra-
Cd degli immarcescibili Osanna, questo periodo, brani inediti nel primo di Lello Esposito. do, violenza, delinquenza, illegalità e
la cui realizzazione era prevista e nel secondo la rilettura di PALEPOLI, camorra, anche se sicuramente vive
per il quarantennale di PALEPOLI piuttosto fedele nello spirito alla parti- le proprie contraddizioni e difficoltà
(1973- 2013). Il ritardo non è tura originale di quella pietra miliare ataviche. Esistono davvero il degrado
dovuto a pigrizia bensì del rock progressivo. PALEPOLITANA e l’illegalità dilaganti, dovute alla dif-
all’imprevista pubblica- nasce come omaggio alla napoleta- ficile sopravvivenza di un popolo op-
zione di altri loro pro- nità, come esaltazione dell’eccellenza presso da troppe dominazioni, ma non
dotti discografici tra il 2012 e il 2014: artistica, culturale, storica, musicale e è dissimile dalle realtà metropolitane
ROSSO ROCK (registrato dal vivo in paesaggistica di Napoli: vera e propria mondiali. Ebbene, proprio dagli Osan-
Giappone nel 2011, in diretta e senza dichiarazione d’amore, esorcizzando na, stanchi di assistere passivamente
sovraincisioni) e TEMPO, doppio Dvd, tutti quei luoghi comuni che la vedo- al dilagare di offese e calunnie con tan-
filmati storici e più moderni. Ricorda
Lino Vairetti: “Anche in questo caso la
storia si ripete. Già nel 1972 PALEPO-
LI, che doveva essere il nostro secondo
album dopo L’UOMO, fu messo da par-
te per onorare l’improvvisa e urgente
proposta della Fonit Cetra, nostra casa
discografica, per collaborare con Luis
Enriquez Bacalov e Sergio Bardotti alla
colonna sonora di Milano Calibro 9, film
di Fernando Di Leo. L’idea e il piacere
di suonare con una grande orchestra
sinfonica fu accettata all’unanimità
e, lasciando in pausa PALEPOLI, c’im-
mergemmo nell’avventura da cui uscì,
nel 1972, il 33 giri PRELUDIO, TEMA,
VARIAZIONI E CANZONA. Così è ac-
caduto nel 2012; mentre si lavorava
alla riedizione di PALEPOLI, eseguita
con spirito innovativo dall’odierna for-
mazione, arrivò l’imprevista proposta
dei promoter giapponesi a effettuare
un concerto a Tokio durante l’Italian
Progressive Rock Festival. Avremmo
dovuto eseguire, per la prima volta in
assoluto, l’intero MILANO CALIBRO 9
con l’orchestra sinfonica Tokyo Vielle
Ensemble; ancora una volta fu data la
priorità alla nuova avventura, facendo
slittare di qualche anno il progetto PA-
LEPOLITANA. Ritardo provvidenziale
perché con il maggior tempo a dispo-
sizione sono maturate nuove idee. In
questo modo abbiamo elaborato e pro-
dotto più materiale del previsto, che,
Riccardo Piccirillo

dopo un’attenta e scrupolosa selezio-

ne, ha dato modo di mettere a fuoco
ed evidenziare quello che realmente

42
ta superficialità, immorale e mediatica,
si alza forte il grido d’amore in difesa
della propria terra, delle proprie radici
e delle proprie tradizioni secolari, met-
tendo in risalto le positività, l’orgoglio
del passato, del presente e del futuro.
Una città ‘bella da morire’ e che è da
sempre la vera capitale del Mediterra-
neo. Da queste tematiche nasce la linfa
poetica dei moderni Osanna, per met-
terne in risalto le numerose eccellenze
che ha partorito e continua a partorire.
Il nome PALEPOLITANA nasce dalla fu-
sione tra Palepoli (quale nome storico
della città dopo quello primitivo, lega-
to alla sirena Parthenope) e Metropo-
litana (di cui sono famose le straordi-
narie “stazioni d’arte contemporanea”).
È un album concept, come L’UOMO e
Due versioni
del secondo album
degli Osanna.
PALEPOLI, e racconta la storia surreale
di un personaggio metà uomo e metà
androide. Uscito dal mare, tra gli sco-
gli di Megaride, nel golfo di Napoli, ma
flagellato da una tempesta di pioggia
improvvisa, si rifugia nella metropoli-
tana e scende velocemente sotto ter-
ra per raggiungere, istintivamente, la
meta sconosciuta e ignota, attratto dal
buio della galleria. Come un rimando
alla discesa di Enea negli Inferi del lago
d’Averno, descritta da Virgilio, si ab-
bandona alle strane apparizioni di ani-
me, fantasmi e “munacielli” (spiritelli
della cultura napoletana, sia benefici
«Il concept racconta
la storia di un
personaggio metà
uomo e metà
androide»
che dispettosi), umori, realtà virtua- Palepolitana
li e figure oniriche. Tutte espressioni
che appartengono profondamente alla PLAYLIST
storia della città, si manifestano, si ri- La storia nel primo Cd è ideata da Vairetti
(autore delle liriche di tutti gli album degli
velano attraverso il sudore delle pareti Osanna), ed è divisa in 12 tracce, collegate
tra loro senza soluzione di continuità.
e delle viscere di questa terra, profon-
damente ricca di sentimenti e sacralità
ancestrali. Il treno corre, corre, corre
nell’oscurità e ci porta a conoscere la
vera anima napoletana”. Così conclude
1Marmi
testo e musica: Vairetti
Vairetti…
2 Fenesta Vascia
testo e musica: Vairetti
Nel tunnel (con parte letteraria rielaborata)
della Palepolitana
Marmi è il canto poetico introduttivo
all’intero concept. Parte dal suono del-
3 Michelemmà
testo e musica: Vairetti
(con parte letteraria rielaborata)
le onde del mare per immergersi nel
vuoto della galleria sotterranea a bor-
do di un treno, che correndo si disperde 4 Santa Lucia
testo e musica: Vairetti
nell’oscurità tra le viscere della terra.
L’atmosfera, magica ed evanescente
(in bilico tra rimandi sonori a Blade Run-
5 AntoTrain
musica: Sasà Priore
(strumentale di solo pianoforte)
ner di Vangelis e alla psichedelia pin-
kfloydiana), si dilata fino a raggiungere
una dimensione onirica ed elevata, ma 6 Anni di Piombo
testo e musica: Vairetti
al contempo intimista e riflessiva. Il te-
sto (“Corri, corri, corri… e portami con
te, nel vuoto del tuo cuore vorrei mo-
7 Palepolitana
testo e musica: Vairetti
rire…”) descrive il senso d’abbandono
e di rassegnazione dell’uomo indigeno, 8 Made in Japan
testo: Vairetti / musica:
Vairetti e Pino Chillemi
legato al territorio da profondo amore,
che accetta l’amara sorte, affidando la
propria vita alla “terra madre, donna,
sorella, amante, vergine, guerriera e
9 Canzone Amara
testo e musica: Vairetti
schiava di una guerra”. Il canto finale
di leggiadre sirene, esorcizza la paura 10 Letizia
musica: Pako Capobianco
(strumentale di sole chitarre)
dell’ignoto e alimenta lo stato di grazia
tra “sacralità virtuali, miracoli e misteri
che l’uomo chiama amore”.
I testi di Fenesta Vascia e Michelemmà
11 Ciao Napoli
testo e musica: Vairetti
sono l’adattamento letterario di brani
che fanno parte del patrimonio della 12 Profugo
Irvin Vairetti / musica:
Lino Vairetti
canzone classica partenopea. Il primo
(più vicino alla “villanella” nella ver-
sione degli Osanna), è di anonimo del
1500, rielaborato nel 1800 da Giulio
Genoino. Il secondo, grintosa taran-
tella rock, sullo stile di Fuje ’a chistu
paese da PALEPOLI, è di anonimo del
1600 e in una seconda stesura attri-
buito al pittore e poeta Salvator Rosa.
In questo brano, molto corale, hanno
partecipato alcuni detenuti del carce-
re di Secondigliano di Napoli, legati a
Copertina ispirata
a una scultura
di Lino Vairetti.
Riccardo Piccirillo
43
 un progetto musicale promosso dal
CPM di Franco Mussida, condotto
da Lino Vairetti.
Santa Lucia, note ritmiche ini-
ziali marcatamente jazz/rock, è
l’invocazione a Santa Lucia e San
Gennaro (santo patrono di Napoli) per
chiedere la grazia, attraverso il mira-
colo, di salvare la propria anima dai
peccati del mondo, offrendo in cambio
tutta la propria dedizione con un inno
d’amore e di devozione. Il canto finale
diventa dichiarazione d’amore per la
propria città. Possiede grande energia
Francesco Desmaele
musicale, espressa dall’alternanza di
parti melodiche e corali, con accenni
ad atmosfere “zappiane”, dove emerge
il solo liberatorio della chitarra elet-
trica. In assolvenza sulla chiusura di
Santa Lucia entra AntoTrain, dinamico
solo di pianoforte acustico su un itera-
tivo in 7/8 e intreccio sonoro di parti
dissonanti, che diventano il treno im-
pazzito che corre nel buio. Attraverso
atmosfere vibranti, suoni di sintetizza-
tore, mellotron e double sax, si arriva
alla ballata Anni di Piombo, dove la voce
intensa ricorda gli anni della violenza
urbana e del terrorismo delle metropo-
li negli anni Settanta e Ottanta; voluta
la citazione al discusso film omonimo
di Margarethe von Trotta. Il brano si
chiude con l’intenso assolo di sax di
David Jackson, che ancora una volta
mostra la sua sensibilità e creatività.
In Palepolitana il suono è decisamente
rock, duro e dinamico (caratteristica
degli Osanna fin da Everybody’s Gon-
na See You Die e Lady Power dall’album
Francesco Desmaele
Due momenti
con Lino Vairetti. Roma,
8 maggio 2015.
Francesco Desmaele
Sopra Gennaro Barba, L’UOMO). Il po-
a destra Irvin Vairetti.
Roma, 8 maggio 2015. tente riff iterativo
e l’intreccio di quattro assoli – armoni-
ca, organo, chitarra elettrica e sax – si
alternano alle voci che cantano tutte le
sfaccettature e le contraddizioni dell’uo-
mo contemporaneo. La metropolitana
come luogo d’incontro-scontro tra es-
seri umani dove esplodono le isteriche
realtà, i comportamenti più irrazionali,
le passioni, le paure, le emozioni, le di-
versità, la violenza, l’indifferenza, anche
la crudeltà. Contraddizioni del vissuto
urbano che alberga ogni giorno nelle
stazioni delle metropolitane del mondo
e, nel caso specifico, nella PALEPOLI-
TANA degli Osanna. Made In Japan pone
l’accento sulla solitudine e sui problemi
dell’uomo in bilico e in conflitto conti-
nuo tra passato e futuro, tra l’accetta-
zione passiva del mondo digitale, robo-
tizzato e tecnologico, e la ricerca di una
vita naturale, ancora semplice e umile,
parafrasando un istintivo avvicinamen-
to al culto “parrocchiale”. La metropoli-
tana invasa da migliaia di persone che
non comunicano più tra loro, isolate nel
dialogo schizofrenico con se stessi attra-
verso cellulari, iPad e mezzi elettronici
vari. Le “paure” di ognuno nell’affronta-
re la solitudine e l’esistenza, sono mes-
Scatto inedito
del servizio per la
copertina interna
dell’album PALEPOLI.
se in relazione alla frenetica
vita contemporanea, che lo
rende schiavo e assuefatto
al consumismo “digitale”.
Musicalmente ha spunti me-
lodici in connessione a piani
sonori più dinamici. Canzone
amara, scritta sull’aria del fa-
moso Canone di Pachelbel del
1600, è vero canto d’amore
a tre voci in dialetto napo-
letano. Ospite la cantante
Sophya Baccini (Presence e
solista di valore). Il brano si
avvale del quartetto d’archi
di Gianluca Falasca (presen-
te come violino solo e come
quartetto d’archi in altre
composizioni). Le liriche
parlano dell’amore impossi-
bile tra il Centauro Vesuvio e la sirena-
dea Parthenope, i due amanti che il
geloso Zeus volle punire, trasformando
lui in un vulcano, come narra una delle
molte leggende sull’origine di Napoli, e
lei nella città di Napoli. Descrive la su-
blimazione dell’amore dei due amanti
pietrificati, messi vicino senza potersi
più toccare. Il canto d’amore prosegue
in Letizia, breve traccia strumentale per
sole chitarre acustiche e dal dolce in-
treccio melodico-armonico. Ciao Napoli
possiede il piglio decisamente rock di
PALEPOLITANA, vero inno alla napo-
letanità. Dall’oscurità delle gallerie at-
traversate nel percorso si ritorna alla
luce del sole, così si torna tra le onde
del mare, il cui suono si dissolve nelle
note cristalline dell’ultima traccia: Pro-
fugo. Il brano, cantato egregiamente con
interpretazione intensa da Irvin Vairetti,
affronta il tema dell’immigrazione, dei
diseredati, dei senza dimora, dei vaga-
bondi, dei “disperati” del mondo, non
in modo politicizzato ma umano. Il te-
sto, tratto da una poesia del palestinese
Mahmoud Darwish, è un libero adatta-
mento in dialetto napoletano dello stes-
so Irvin.
Umberto Telesco

La riscoperta
di PALEPOLI e la nuova
formazione
degli Osanna
La rilettura di PALEPOLI nel se-
condo Cd è fedele nello spirito
alla partitura originale pur con
inevitabili e doverose differen-
ze, dovute ai diversi interpreti
e ai 42 anni di distanza tra un
disco e l’altro. Il gruppo ripren-
de i tre brani che componevano
l’album: Oro caldo, Stanza città e
Animale senza respiro, scritti da
Lino Vairetti e Danilo Rustici,
chitarrista originario. Il cantan-
te ha ritrovato appunti d’epoca
che gli hanno permesso d’inse-
rire frammenti allora scartati
per la poca durata del 33 giri,
più o meno 20 minuti a facciata
per non scadere troppo di quali-
tà riproduttiva. In realtà PALEPOLI fu
concepito come doppio album e mol-
te idee rimasero fuori: Il castello dell’Es
fu ripresa in LANDSCAPE OF LIFE del
1974, altre rimasero nel cassetto ma
ora, sia pure solo come schegge di
un’epoca che fu, riemergono in que-
sta versione. A proposito di frammenti
Osanna: qualsiasi edizione in Cd di PA-
LEPOLI è… sbagliata! E pure i 33 giri,
OSANNA
Lino Vairetti
voce, chitarra acustica
e 12 corde e armonica
Gennaro Barba
batteria
Pako Capobianco
chitarra elettrica solista,
chitarra acustica e 12 corde
Nello D’Anna
basso elettrico
Sasà Priore
piano, Fender Rhodes,
organo e synth
Irvin Vairetti
voce, mellotron e synth
i cui master sono stati ripresi
dal Cd!!! All’epoca della nasci-
ta del Cd “qualcuno” si occupò
di digitalizzare i nastri originali
(allora ancora si trovavano negli
archivi della major discografi-
che, oggi mi sembra più difficile)
per la prima edizione del nuovo
supporto. Costui combinò un
mezzo casino, nel senso che l’i-
niziale Oro caldo (12.40) diventò
una sola traccia con Stanza cit-
tà (5.50), e da quel momento
a Stanza città (1.45) corrispose
ancora l’inizio di Oro caldo. Ci
sono rumori di sottofondo, che
ogni tanto salgono di volume e
pure all’improvviso, non quelli
Osanna al Planet Live di traffico presenti nell’originale, come
Club per l’anteprima un effetto voluto, ma in realtà sono un
di Palepolitana.
Roma, 8 maggio 2015.
nastro che gira al contrario. In questa
versione fantasma, certo non concepi-
ta dal gruppo, si distinguono le trame
orchestrali di There Will Be Time (Can-
zona) da MILANO CALIBRO 9… mah.
1’45” che non dovrebbero esistere ma
in più rispetto al 33 giri del 1973. Gli
Osanna tornarono in studio per regi-
strare una nuova versione di Canzona,
l’originale prevista da Bacalov era in
Re, troppo alta per Lino, e la incisero
nuovamente in Si bemolle. Il definitivo
del missaggio fu probabilmente copiato
successivamente, forse per risparmiare
spazio, sullo stesso nastro di PALEPO-
LI; col tempo e l’effetto copia Canzona
si è trasmessa come un virus all’altra
facciata della bobina e ha determinato
questo effetto… forse. Comunque un
album che ancora racconta, sia nell’e-
dizione del 1973 sia in questa del 2015,
la contaminazione del rock progressivo
con la tradizione popolare partenopea.
Un linguaggio multimediale che espri-
me la forte identità del gruppo, distin-
F. DESMAELE x2
guendolo dalla cultura rock anglofona.
La teatralità ha sempre caratterizzato
le performance del gruppo, rivisitando
in modo contemporaneo le maschere
e i costumi della tradizione nel “Pulci-
nella rock” (così definito negli anni Set-
tanta da Renzo Arbore nella prefazione
dell’album L’UOMO). Oggi Lino & Co.
tornano con nuove immagini, opera
del fotografo RicPic – Riccardo Picciril-
lo, create nell’affascinate atelier di Lel-
lo Esposito, uno dei più grandi scultori
napoletani, unico nel suo genere, che
ha saputo tradurre in opere scultoree
gli umori e le alchimie metafisiche dei
simboli della cultura popolare parteno-
pea. La copertina dell’album è ispirata
a una scultura di Lino Vairetti.
PALEPOLITANA è disponibile su etichetta
Afrakà, LVRG2626, in Cd doppio.
Info: www.osanna.it
Special guests:
David Jackson
sax e flauti in: Oro caldo, Animale
senza respiro, Anni di piombo e
Palepolitana
Sophya Baccini
voce femminile in: Marmi, Fenesta
vascia, Michelemmà, Canzone amara
Gianluca Falasca
violino solista in: Santa Lucia,
Palepolitana, Ciao Napoli
Falasca String Quartet
Marmi, Fenesta vascia, Michelemmà,
Canzone amara, Profugo
Angelo Salvatore
flauto in: Fenesta Vascia,
Michelemmà e Canzone amara
Registrazione, missaggio: Italy
Sound Lab, San Paolo Belsito, Napoli
Sound engineer: Alfonso La Verghetta
Mastering: Bob Fix
45
«In questi 20 anni
credo di avere
disorientato molti,
ma per me questo
è un vanto,
scusandomi
per il sadismo»
 L’alchimista
della musica
Uno, nessuno, centomila. Fabio Zuffanti
è il camaleonte del prog italiano. Classe 1968, genovese,
nei suoi primi vent’anni di carriera ha pubblicato oltre
quaranta album, tra cui un paio di opere rock…
Testi: Paolo Carnelli

N
el bene o nel male, Fabio Zuffanti porterà in nata passione, il fatto che ci davamo da fare, suonando
eterno un marchio, ovvero quello di essere sta- spesso dal vivo. Al budget non pensavamo neanche: ovun-
to, proprio all’inizio del suo percorso musicale, que ci chiamassero a suonare noi andavamo perché ci sem-
uno dei principali artefici della rinascita del brava giusto fare di tutto per far conoscere la nostra musi-
prog italiano. Correva infatti l’anno 1994 quan- ca. Siamo stati tra i primi “nuovi” a suonare all’estero, in
do su etichetta Mellow usciva il primo, omoni- Francia, USA, Messico… eravamo un gruppo di simpatici
mo album dei Finisterre. “L’avventura in realtà cazzoni che viveva in tutto e per tutto per la musica e que-
era cominciata alla fine del 1990”, ricorda Zuffanti, “quando sto entusiasmo era contagioso, arrivava a chi ci ascoltava e
a 22 anni ero entrato a far parte dei Calce e Compasso, ne- anche agli altri gruppi che a loro volta venivano contagiati”.
onata band composta dal chitarrista solista e cantante Ste- Dopo l’esordio con i Finisterre, per Zuffanti la strada da se-
fano Marelli, dal batterista Marco Cavani, dal chitarrista
ritmico Gianluca Faccio e dal cantante e percussionista Da-
vide Laricchia. Nel 1992 incontrammo il tastierista Boris
Valle, fresco di diploma in pianoforte, grande appassionato
di Genesis e Pink Floyd, soprattutto esperto conoscitore di
musica classico-contemporanea e minimalista. Unendo le
idee, iniziarono a uscire fuori delle cose interessanti. Dopo
aver realizzato un demo allo studio Birdland di Genova-
Sampierdarena nella primavera del 1993, entrammo in
sala di incisione nel settembre del 1994 per registrare il no-
stro primo disco. Lo studio era dotato di un gigantesco mi-
xer a 48 canali con tanto di registratore analogico, in teoria
per ottenere un suono caldo e pastoso. In realtà, un po’ per
inesperienza nostra e un po’ a causa delle scarse capacità
del fonico, il risultato sonoro fu terribile”. Nonostante le
problematiche emerse in sede di registrazione, il debut al-
bum dei Finisterre ricevette un feedback molto positivo, sia
da parte del pubblico che della critica musicale: “Qualcuno
dice che i Finisterre hanno dato l’avvio alla ‘vera’ nuova
stagione progressiva italiana, ma in realtà non sono stati i
soli. Io, ad esempio, debbo molto a quella grande band che
sono stati gli Ezra Winston. All’epoca c’erano buoni gruppi
ma quasi tutto quello che usciva era mal registrato, mal
prodotto. Nonostante ciò, uscivano bei dischi, si sentivano
forti melodie, belle costruzioni, un modo di fare prog anco-
ra “vero” e ruspante che oggi si è perso un po’ dietro alla
troppa proposta, spesso non mediata da etichette e produt-
tori. La tecnologia ha aiutato a far sì che tutto sia pulito e
perfetto ma l’inventiva è andata a farsi un po’ benedire e
sinceramente mi è sempre più difficile ascoltare un bella
canzone prog. Tornando ai Finistere, secondo me quello
che hanno avuto in più rispetto agli altri gruppi è che siamo
partiti da subito come delle macchine da guerra. I meriti
musicali indubbiamente c’erano, i dischi facevano parlare
Maurizio Raso

Maurizio Raso

di sé e vendevano bene ma quello che noi avevamo in più e

che forse ha fornito l’input più grande è stata la nostra sfre-

47
 Concerto per i 20 anni di carriera, 28 marzo 2015
a La Claque di Genova. Da sx: Agostino Macor,
Luca Scherani, Stefano Agnini, Boris Valle, Simona
Angioloni, Alberto Tagliati, Fabio Zuffanti, Stefano

Francesco Pullè
Marelli, Max Manfredi, Jenny Sorrenti, Alessandro
Corvaglia, Laura Marsao, Fabio Gremo, Martin Grice.

guire nell’alveo del prog sembra bel delineata.
Invece, due anni dopo, in concomitanza con
l’uscita del secondo album, IN LIMINE, è già
impegnato a svicolare, tratteggiando deliziosi
acquerelli sonori con il progetto Höstsonaten,
dal quale avranno vita ben sette altri capitoli.
A partire dal nuovo millennio, l’urgenza crea-
tiva di Zuffanti diventa palese e manifesta: la
sua discografia si arricchisce degli episodi più
disparati per stile musicale, quanto impecca-
bili nella progettualità e nella coerenza dei
contenuti. Dal post rock al jazz rock, dal can-
tautorato al glorioso pop italiano degli anni
Settanta, dalle colonne sonore alla musica
elettronica. L’artista approccia quasi ogni ge-
nere musicale, dimostrando di saperlo padro-
neggiare con intelligenza e soprattutto di es-
non vorrei che questo significasse essere lo che amano tutto ciò che faccio. Magari uno
‘Steven Wilson dei poveri’, cosa che non credo ama La Maschera di Cera ma non ama Hösto-
di essere. Immodestamente parlando, credo naten, oppure ama Finisterre ma odia le mie
che l’unica grande differenza tra noi due è che cose soliste. Conosco addirittura gente che tra
Wilson ha budget più ‘importanti’ a disposi- tutte le cose che ho fatto ama solo il disco de
zione per i suoi progetti, con tutti i benefici del laZona. In generale, comunque, ricevo più
caso. Mi piacerebbe molto se potessimo col- consensi quando faccio dei dischi di prog sin-
laborare insieme, così come con un fonico, ‘duro e puro’, piuttosto che
altro mio grande idolo, Franco Bat- quando mi lancio a sperimentare.
tiato”. In attesa che si materializzi Finalmente, però, dopo 40 album,
il futuro, però, dopo 20 anni di ho focalizzato quello che per me è
carriera è quasi inevitabile guar- ZUFFANTI l’ascoltatore ideale, una persona
darsi indietro e provare a fare mentalmente aperta a 360 gradi,
dei bilanci: “Ogni musicista PLAYLIST pronta al fatto che un giorno
con cui ho lavorato è stato un Dieci canzoni che amo particolarmente.
Non necessariamente famose ma importanti
può uscire un mio disco iper-
grande insegnamento e sti- per la mia crescita emozionale… sinfonico e quello dopo il
molo per me. Chiaramen- nuovo R.u.g.h.e. (progetto

1
sere capace di produrre sempre qualcosa di te, i musicisti dei Finister- Genesis noise-industrial). C’è da
coerente. Ne scaturiscono oltre 40 dischi in 20 re sono quelli con cui fin Window dire che, con la sempre
anni di carriera, di cui l’ultimo, lo splendido dalla giovane età ho con- (da FROM GENESIS TO REVELATION, 1969) maggior attenzione alla

2
LA QUARTA VITTIMA, sembra finalmente far diviso gioie e dolori del Buffalo Springfield mia carriera solista, queste
combaciare in un unico disegno tutti i pezzi fare musica e con i quali Expecting To Fly divergenze verranno sem-
del puzzle. Potremmo parlare tranquillamente mi sono confrontato mag- (da BUFFALO SPRINGFIELD AGAIN, 1967) pre di più convogliate ver-

3
di musica “totale”, di un’esperienza sonora giormente. Specie Boris
dove quasi ogni espressione stilistica esisten- Valle: ho sempre stimato
te è rappresentata degnamente e collegata il suo modo di comporre
Tim Buckley so un unico calderone.
Hallucinations Quello che come solista
(da GOODBYE AND HELLO, 1967)
vorrei raggiungere è una

4
credibilmente in un pentagramma in conti- ma per me, che non avevo
nua mutazione, che rende ogni volta l’ascolto le basi teoriche che aveva
lui, era più difficile. Nono-
Cocteau Twins musica che comprenda
Pearly-Dewdrops’ Drops
tutte le cose che amo, non
(da THE SPANGLE MAKER, 1984)
divise per progetto ma

5
un percorso ricco di sorprese. Forse è anche
Peter Hammill
per questo che dopo la realizzazione de LA stante questo, ho voluto fuse assieme nella manie-
The Lie
QUARTA VITTIMA Zuffanti è stato definito ‘lo dimostrare a me stesso (da THE SILENT CORNER AND THE EMPTY
ra migliore. Il futuro per
Steven Wilson italiano’. Un paragone a cui Fa- che potevo farcela e infat- STAGE, 1974) me sarà la compattazione

6
bio non si sottrae, anche se dopo aver fatto ti ho dedicato la mia vita Roy Harper di tutte quelle che sono le
qualche puntualizzazione: “Stimo molto Wil- a cercare di migliorare Another Day mie influenze musicali in
son e per molte cose lo come compositore. Sono (da FLAT BAROQUE AND BERSERK, 1970) un disco “onnicomprensi-

7
sento affine a me. Non affezionato a tutto ciò che Mellow Candle vo” che sia anche partico-
sempre quello che fa mi ho fatto e realmente non Sheep Season larmente d’impatto a li-
piace, ma ho un grande c’è un figlio favorito. Se, (da SWADDLING SONGS, 1972) vello di testi. Infatti, dopo

8
rispetto per il suo lavoro però, devo sceglierne un Angelo Branduardi il progetto La curva di Le-
e lo ammiro perché è ri- paio a tutti i costi direi il Notturno smo con Stefano Agnini e
uscito con grande vo- primo Finisterre per ra- (da LA LUNA, 1975) il nuovo Höstsonaten, se-

9
lontà ad arrivare al suc- gioni affettive, in quanto
cesso facendo prog. è stato il mio primo disco
Sono felice quindi di in assoluto, e ancora una
Kate Bush guirà un altro album soli-
And Dream Of Sheep sta che per ora posso che
(da HOUNDS OF LOVE, 1985)
definire come una sorta di

10
essere considerato volta LA QUARTA VITTI- Broadcast ‘rivoluzione copernicana’
The Be Colony
come la sua contropar- MA, che reputo il mio la- del prog italiano. Purtrop-
(da BROADCAST AND THE FOCUS GROUP
te italiana ma, come per voro più completo e riu- INVESTIGATE WITCH CULTS OF THE po ci sarà da attendere un
tutte le cose che sono ‘la scito. Credo, comunque, RADIO AGE, 2009) po’ per sentirlo, ma ne
versione italiana di…’, di avere pochi ascoltatori varrà la pena”. Anche dal

48
In arrivo dal Pianeta Z:
La curva di Lesmo
La Curva Di Lesmo è un progetto ideato da
Stefano Agnini e dal sottoscritto. Agnini è il
compositore e tastierista del gruppo La Co-
scienza Di Zeno, ci conosciamo e ci stimia-
mo da tempo reciprocamente. Visto che ab-
biamo anche moltissimi gusti musicali e ar-
tistici in comune, il passo naturale è stato
quello di unire le forze in un progetto con-
giunto. Il nome del progetto è stato scelto da
«Credo che del primo
Agnini in omaggio alla prima storia a fumetti
(risalente al 1965) in cui appare il personag-
Höstsonaten siano
gio di Valentina di Guido Crepax. Agnini e io
siamo grandi appassionati della corrente più
state vendute più di
“esoterica” del progressive, sia italiano che
internazionale, e la musica che compone que-
diecimila copie: del
sto nostro primo album è la naturale emana-
zione di queste passioni. Il disco è composto
resto all’epoca non
da tre lunghi brani (rispettivamente di 9, 17
e 26 minuti) dalle atmosfere che richiamano
esisteva ancora
spesso la scuola prog italiana degli anni Set-
tanta, ovvero band come Opus Avantra, Jacu-
il file sharing o i
la, Balletto Di Bronzo, Pierrot Lunaire, Semi-
ramis, Cervello e altri. Ma non solo. Il disco
masterizzatori…»
ha anche momenti in cui emergono frammenti
della scuola cantautorale genovese (De André)
e atmosfere elettro-vintage (quelle di oscuri
gruppi italiani dei Settanta come I Signori
Della Galassia, Automat e altri). Ci siamo av-
valsi, inoltre, di una larga serie di presti-
giosi ospiti per mettere su disco le idee. Uno
degli scopi di questo progetto è infatti quello
di operare una scelta aperta a livello di col-
laborazioni che sia il più possibile ad ampio
raggio e che spazi tra vari generi. L’album è
diviso in una parte ‘femminile’, con due pezzi
interpretati rispettivamente da Beatrice An-
tolini e da Jenny Sorrenti (con gli interven-
ti di Max Manfredi), e di una ‘maschile’ con
le voci di Matteo Merli e Claudio Milano. La
prima parte è maggiormente avventurosa e
spinge la musica de La Curva di Lesmo verso
atmosfere folk, pop, elettroniche, new-prog e
sinfoniche. La seconda parte è maggiormen-
te ‘classica’ con una lunga suite progressive
reminiscente il mio lavoro con La Maschera
Di Cera. Il disco è pronto e dovrebbe uscire

Francesco Pullè
a settembre.

Discografia consigliata
Finisterre,
In limine (1996, Mellow Records)
Fabio Zuffanti & Victoria Heward,
Merlin The Rock Opera (2000, Iridea Records)
Höstsonaten,
Seasoncycle part IV: Springsongs
(2002, Sublime Label)
La Maschera di Cera,
Luxade (2006, Immaginifica Records)
Rohmer,
Same (2008, AMS Records)
Aries,
Double Reign (2010, AMS Records)
Boris Valle & Fabio Zuffanti,
Same (2010, AMS Records, solo digitale)
Fabio Zuffanti,
La quarta vittima (2014, AMS Records)
punto di vista dei riscontri commerciali il bi-
lancio è comunque positivo, e Fabio preferi-
sce vedere il bicchiere mezzo pieno: “Teorica-
mente, con la mole di lavoro che ho alle
spalle, avrei dovuto raggiungere risultati più
importanti, ma se prendiamo in esame la
musica che faccio, osserviamo bene il pano-
rama musicale nostrano e il riscontro delle
band autoctone all’estero mi rendo conto, e
me lo confermano i numeri fornitimi della
mia casa discografica, che ho raggiunto il
massimo del raggiungibile per un artista
prog italiano. La mia ambizione è, però, ai
massimi livelli e quindi non intendo certo
fermarmi, c’è ancora molto da fare”. Magari
tra qualche anno si inizierà a parlare di Zuf-
fanti come il fondatore della scena ‘post-
prog’ italiana: “Perché no”,
sorride Fabio. “Gli artisti dell’eti-
chetta Kscope già si definiscono
come tali, sono dediti a esperienze che
partono dal prog ma si espandono inse-
rendo molte altre influenze, come certi suoni
alla Sigur Ros… elettronica, metal etc. La
trovo una cosa molto interessante, anche se
noto che spesso tutto è un po’ troppo ‘atmo-
sferico’. In realtà il prog già di per sé dovreb-
be essere ‘post’, nel senso che è un non-gene-
re in evoluzione e ne ingloba molti, sia vecchi
che nuovi”.
Per conoscere tutti i progetti di Fabio Zuffanti
è possibile visitare i siti www.zuffantiprojects.com
e www.fabiozuffanti.com.

49
 Il nuovo album della band svedese, UNTIL ALL THE GHOSTS ARE GONE,
è stato pubblicato a otto anni di distanza dal precedente A TIME OF DAY.
Lo presenteranno dal vivo, a Roma, il 18 settembre durante
il Progressivamente Festival al Planet Live Club.
Tord Lindman

Testi: Guido Bellachioma

Foto: Tord Lindman, Jaak Geebelen, Luca Fiaccavento
 l gruppo nasce nel febbraio 1990 come King Edward,
espressione artistica di due amici: il chitarrista Nic-
klas Berg (ha cambiato il nome in Barker dopo il
matrimonio) e il bassista Jan Erik Liljestrom. Quasi
subito si aggiunge il batterista Peter Nordins e na-
sce il repertorio a base di cover dei King Crimsom,
a cui devono, ovviamente, molto. Con questa line un
solo concerto l’11 maggio 1991: Djuråsrocken Festival,
Gagnefs Folkets Hus di Djurås. Eseguono Larks’ Tongues In
Aspic Part 2, Lament, The Great Deceiver, Red, Starless, 21st Cen-
tury Schizoid Man. La violoncellista Anna Sofi Dahlberg, che
ha assistito al concerto, li contatta e il 27 agosto dello stesso
anno entra nella formazione che cambia nome in Anekdoten,
abbandonando il repertorio King Crimson, tranne per alcuni
brani che ogni tanto eseguono. Primo demo a dicembre con
Karelia, The Old Man & The Sea, Thoughts in Absence, Darkness
Descends e Sad Rain. Secondo demo a dicembre 1992 con Where
Solitude Remains, The Longing e Wheel. Demotapes che non ven-
gono mai commercializzati. Il tempo è ormai maturo per pro-
vare a incidere un disco di canzoni originali e i quattro lo re-
gistrano tra marzo e aprile al Largen Studio di Roger
Skogh. VEMOD, questo il titolo dell’atteso
debutto, esce a settembre 1993 in Cd
e, a gennaio 1994, in Lp. Oggi sem-
brano non aver perso la voglia di
andare avanti e ci siamo fatti
raccontare qualcosa da Jan
Erik e Nicklas: Una storia
tutta da ascoltare.

<<Alla fine abbiamo notato

che questo disco, probabilmente,
era il più pesante dai tempi
di NUCLEUS, ma, forse,
non è poi tanto strano. . . >>

51
 Jan Erik, Roma,
17.5.2008.
Luca Fiaccavento
J an Erik, puoi
sintetizzare
lo spirito di ognuno
dei vostri sei album
in studio.
VEMOD. Siamo partiti nel
1990 come una King Crimson
cover band e fu la prosecuzio-
ne di quell’inizio. Fu realizza-
to abbastanza di corsa e non
ci ha mai soddisfatti appieno
perché eravamo davvero ine-
sperti. La selezione dei brani
va bene, ma negli anni suc-
cessivi abbiamo realizzato
versioni migliori dei pezzi pre-
senti in quel disco.
Luca Fiaccavento
NUCLEUS. Un enorme passo
avanti. Le registrazioni furono
caotiche. Le basi le registram-
mo in uno studio e poi realiz-
zammo le sovraincisioni in un altro,
ma non ci rendemmo conto del sound
complessivo finché non arrivammo al
missaggio, e a quel punto saltò fuori
che avevamo esagerato. Non eravamo
mai stati così pesanti. Non avevo mai
sentito nulla del genere, e probabil-
mente è il nostro disco che ha avuto il
maggior influsso su altri. Ne sono an-
cora fiero!
FROM WITHIN. Fu davvero molto
difficile trasporre i brani di Nucleus dal
vivo e volevamo tornare a un approc-
cio più semplice. I brani sono potenti,
ma a ripensarci gli arrangiamenti non
sono all’altezza. Nicklas su Nucleus
aveva cantato poco, ma da qui in poi
assume il ruolo di cantante principale.
GRAVITY. Probabilmente il nostro
disco più pop. Ricordo che quando fu
pubblicato ne eravamo davvero fieri e
posso capire perché. Gli arrangiamenti
erano raffinati e la selezione dei pezzi
varia. Ricochet è probabilmente la cosa
più vicina a un’hit che abbiamo scritto.
A TIME OF DAY. Volevamo definire
meglio il nostro stile e questo è un vero
disco Anekdoten. Sfortunatamente sem-
bra un po’ ingessato (sia come suono
che come esecuzione) e il risultato finale
è troppo compresso. Però, a parte quello
nuovo, è il disco che ascolto di più.
52
Anna Sofi,
17.5.2008.
UNTIL ALL THE GHOSTS
ARE GONE. Siamo davvero
fieri di essere riusciti a sviluppare pie-
namente le idee musicali che ci erano
venute. Abbiamo cercato di elevare i
nostri standard e abbiamo chiesto a
qualche amico di aggiungere le ciliegi-
ne sulla torta, cosa che hanno fatto. A
mio modo di vedere è la nostra dichia-
Dall’alto verso il basso: razione musicale definitiva!
A TIME OF DAY (2007),
C’ èi brani
GRAVITY (2003),
FROM WITHIN(1999)
un tema che lega
del nuovo disco?
Jan Erik: quando tutti gli elementi
dell’album sono andati al loro posto è
stata una sorpresa notare come questo
disco fosse il più pesante dai tempi di
NUCLEUS, ma forse non è poi tanto
strano. Inizialmente, negli anni Ot-
tanta suonavamo hard rock e heavy
metal, anche se in precedenza aveva-
mo frequentato il mondo progressivo,
ma gli Anekdoten sono stati la nostra
prima e reale avventura nel progressi-
ve rock. Ora ci sentiamo abbastanza
a nostro agio da permettere al nostro
passato di risalire a galla. UNTIL ALL
THE GHOSTS ARE GONE è la conferma
di tutto quel che abbiamo appreso nel
corso degli anni. Nicklas negli ultimi
anni si è dedicato all’improvvisazione
con il gruppo My Brother The Wind e
ciò lo ha aiutato ad acquistare maggio-
re fiducia in se stesso come solista. Tra-
dizionalmente i dischi degli Anekdoten
non hanno mai avuto molti assoli, ma
stavolta ci sono in tutte le composizioni.
Shooting Star. È stato l’ultimo brano a
essere completato, ma ci sono le regi-
strazioni di alcuni frammenti che risal-
gono addirittura al 1998, per cui si può
dire che sono anni che ci lavoriamo.
Nicklas ha scritto la musica e poi ha re-
alizzato un demo dove suonava tutti gli
strumenti, usando anche la drum ma-
chine. Quando ci siamo messi all’ope-
ra abbiamo rispettato la struttura del
demo e c’è voluto molto tempo per fare
tutto bene. È la canzone più complessa
che abbiamo mai registrato per i nu-
merosi cambi di tempo, ma credo che
su disco il tutto fluisca in modo natu-
rale. Ho scritto il testo avendo in mente
Stargazer dei Rainbow, che fu la mia in-
troduzione al progressive; ricordo che
da ragazzo la suonavo nella mia came-
ra a tutto volume. A questo aggiungi
quel che succede in Medio Oriente,
che mi preoccupa come molte altre
persone. Qualche mese fa è accaduta
una cosa strana. Avevo appena finito
questo testo e ascoltavo la notizia della
decapitazione in Egitto di 21 cristiani
copti da parte dell’Isis, che aveva cer-
cato di costringerli a convertirsi all’I-
slam prima di essere decapitati; loro si
erano rifiutati e avevano continuato a
 Luca Fiaccavento
<< I Soft Machine, Nicklas,
17.5.2008.

i Moody Blues dato una mano suonando la 6/12 corde

e i King Crimson
hanno allargato
I confini del prog >>
pregare il nome di Gesù, finché non li
hanno uccisi. Mi sono sentito gelare il
sangue quando il giornalista ha detto
che la parrocchia copta, dove hanno
officiato la messa per i loro funera-
li, situata nel villaggio di Al Our dove
vivevano 13 dei giovani, ha cantato a
una sola voce: “Tieni alza la testa, sei
un copto”. Il ritornello di Shooting Star
ha un verso che dice: “Tieni alta la te-
sta”. All’improvviso i miei testi hanno
abbandonato la fantasia per diventare
terribilmente concreti.
Get Out Alive. Quando abbiamo regi-
strato batteria, basso e chitarra per la
coda finale non sapevamo bene come
usare il tutto per la canzone. Sono ri-
masto senza fiato quando Nicklas ha
aggiunto mellotron e organo. Non
solo avevano un perché, erano per-
fetti. L’arrangiamento complessivo è
talmente bello. Difficile credere che la
base sia stata registrata prima di avere
anche la benché minima idea della me-
lodia d’aggiungere.
acustica e l’elettrica, oltre ad aiutare a
rifinire l’intreccio voce-chitarra. È il
pezzo più sobrio del disco, ma verso la
fine diventa molto intenso.
Our Days Are Numbered. Lo abbia-
mo suonato dal vivo un paio di volte
e l’aggiunta del sax di Gustav Nygren
bizzarro accompagnamento, l’ha sal- Anekdoten 2015 proietta la seconda parte in un’altra
vata e l’ha anche resa il momento mi- dimensione. Gustav è un vecchio ami-
gliore. Theo è famoso nel mondo prog, co. Reine Fiske (Dungen, The Ama-
visto che ha suonato con Robert Fripp, zing, Motorpsycho, Morte Macabre,
Steven Wilson, David Sylvian, Daevid Landberk), Gustav e Nicklas avevano
Allen etc. e siamo stati felici che abbia un progetto assieme nel 1997, che però
suonato il flauto con noi. Sapevamo non pubblicò nulla, e Gustav una vol-
che apprezzava la nostra musica ma ta mi ha sostituito negli Anekdoten.
è sempre molto occupato, meno male Il mix del sax di Gustav e il suono di
che è riuscito ad aggiungere il suo pro- ottoni del Mellotron Mark II mi fa rizza-
fessionismo e il suo gusto purissimo al re ogni volta i capelli sul collo, mentre
brano. iniziano il viaggio verso il cuore delle
tenebre.
Writing On The Wall. Gli Prosegue Nicklas: Mi piacereb-
accordi per la parte canta- be lavorare ancora con Reine
ta ci seguono fin dagli anni Discografia consigliata Fiske. Credo sia uno dei miglio-
Novanta. All’epoca il brano ri musicisti in giro e tutto quel
Album in studio
aveva una melodia voca- VEMOD (1993) che ho fatto con lui mi ha aiu-
le diversa ma le cose non NUCLEUS (1995) tato a crescere musicalmente.
funzionavano. È l’unico che FROM WITHIN (1999) Abbiamo dei progetti in cantie-
canto io, e probabilmente è GRAVITY (2003) re e speriamo di far uscire qual-
quello più vicino allo stile A TIME OF DAY (2007) cosa l’anno prossimo.
dei nostri primi dischi. In- UNTIL ALL THE GHOSTS
sieme a Shooting Star ha ri-
chiesto maggior tempo per
l’incisione, visto che negli
ARE GONE (2015)

Album dal vivo

If It All Comes Down To You. La prima
canzone scritta per il disco. Avevamo
quasi deciso di togliere la parte cen-
trale perché non riuscivamo a risolvere
un problema, poi ci abbiamo ripensa-
to. Theo Travis, che suona un grande
assolo melodico di flauto sul nostro
anni abbiamo provato vari
arrangiamenti.
Until All The Ghosts Are
Gone. Marty Willson-Piper,
chitarrista dei leggendari
Church, ci ha aiutato molto
in questa composizione. Ha
T ranne che in VEMOD
e A TIME OF DAY,
il titolo del disco
LIVE EP (1997) è sempre stato quello
OFFICIAL BOOTLEG: di un brano presente.
LIVE IN JAPAN (1998) Jan Erik: Questo disco prima
WAKING THE DEAD, aveva come nome di lavoro
LIVE IN JAPAN 2005 (2005)
Haunted e non mi piaceva. Come
spesso accade, nei versi dei bra-
Antologia
CHAPTERS (2009) ni si nasconde un titolo più in-
teressante. Un giorno l’abbiamo

53
rinominata UNTIL ALL THE GHOSTS
ARE GONE, così è diventato chiaro che
potesse essere anche il nome del disco.
Si legava al tema di altri brani e ci forni-
va l’idea per la copertina. Nicklas aveva
suggerito di usare come immagine la
grande villa che si trova su un’isola al
largo di Stoccolma, purtroppo in rovina
da decenni. Dopo qualche ricerca ho
trovato il proprietario e fortunatamente
ha acconsentito a farci fare delle foto. Il
posto era favoloso e anche solo arrivarci
è stata un’avventura. Ma non abbiamo
visto nessun fantasma.
Anekdoten parte digitale, è stato effettuato in uno
dei migliori studi di Stoccolma, con
PLAYLIST Simon Nordberg, nostro amico produt-
tore e vincitore di un Grammy Award.
Ascolti sull’isola deserta I migliori mezzi tecnici a disposizione
sono importanti quando si arriva a
registrare, magari per rendere piena-
mente il suono che hai in testa, ma è
1 Van Der Graaf Generator
PAWN HEARTS
fondamentale scrivere dei pezzi in cui
credi. Ritengo che il sound sia il 50% di
un buon disco. Saper suonare bene è
2 Jethro Tull
MINSTREL IN THE GALLERY importante, ma non tanto quanto ave-
re un sound personale e brani sinceri,
3 David Sylvian
SECRETS OF THE BEEHIVE
buone idee e un sound scintillante.
Ecco cosa serve. Sicuramente è bello

S tudio di registrazione
e creatività…
Nicklas: Registriamo le basi in analo-
4 Black Sabbath
HEAVEN AND HELL
Anna Sofi Dahlberg
avere materiale nuovo da far sentire
in giro. Spero che dal vivo il pubblico
sia d’accordo con noi sul nostro sesto
gico all’Atlantis Studio di Stoccolma.
Le sovraincisioni poi le realizziamo 5 Peter Hammill
IN CAMERA
nel mio studio privato, in salotto e in
altri luoghi dove possiamo usare uno
straordinario microfono dei primi anni
6 Beach Boys
SURF’S UP

7
Settanta e un efficacissimo sistema Captain Beyond
di registrazione, entrambi Neve. Ab- CAPTAIN BEYOND
biamo usato Pro Tools alla massima
risoluzione possibile. Lavorare a casa,
senza stress, e dedicarsi con calma ai 8 The Beatles
SGT PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB BAND
particolari per rendere unico un disco
è meglio che perdere tempo in studio.
Il missaggio, in parte analogico e in
9 Scott Walker
SCOTT 4

10 Nick Drake
FIVE LEAVES LEFT
Jaak Geebelen

Jaak Geebelen
Jan Erik Liljeström

Tra Beatles e altre cose.

Nicklas: Non mi stancherò mai di
ascoltare i Beatles. Sono stati i com-
positori più grandi. I più progressivi,
i più audaci e hanno ottenuto un suc-
cesso planetario. Ricchi come struttu-
re musicali, eppure facili da ascoltare.
Cosa assolutamente incredibile. Sono
40 anni che li ascolto eppure nella lo-
ro musica scopro sempre cose nuove.
Oltre a John, Paul, George e Ringo,
nella storia della musica penso ci si-
ano alcune figure asso-
lutamente fondamenta-
li: Wagner, John Coltra-
ne, Black Sabbath, Beach
Boys, Elvis Presley, Pink
Floyd, Sex Pistols, Ve-
nom, James Brown, Pu-
blic Enemy, Can, Joy Di-
vision, Kraftwerk, Soft
Machine, King Crimson,
Mercyful Fate, Sonic
Youth, Michael Jackson.
Jan Erik: Per me Beat-
les, Beach Boys, Jethro
Tull, Scott Walker, King
Crimson, Pink Floyd,
Black Sabbath, Neil
Young, Deep Purple, Van
der Graaf Generator, Pe-
ter Hammill, Thin Lizzy,
Blue Öyster Cult, Aero-
smith, Rainbow, David
Sylvian. Se dovessi rifu-
giarmi su un’isola deser-
ta porterei qualche disco
per trascorrere il tempo
Jaak Geebelen

in modo piacevole.
Nicklas Barker Anekdoten 2015

54
 lavoro. Senza novità è meno interes-
sante andare in tour, ora non vedia-
mo l’ora di suonare anche in Italia.
Solo che dovevamo aspettare. Sarebbe
stato sciocco registrare quando non
eravamo pronti. Non abbiamo un ma-
nager o una casa discografica che ci
dice cosa fare. Il disco sarebbe arrivato
prima, forse, se ci fosse stato qualcuno
dall’esterno a spingerci, ma non credo
che sarebbe stato altrettanto buono.
Siamo molto fortunati ad avere un
pubblico così paziente, ancora interes-
sato a sentire cosa abbiamo realizzato
anche se sono passati otto anni. Suo-
nare dal vivo è la cosa più divertente,
ma quella più importante per me è
comporre e registrare.
Peter Nordins
A scolti
vari
Jan Erik: Negli ultimi anni ho usato
quasi esclusivamente il digitale in cuf-
fia, essenzialmente su Spotify o con file
ad alta risoluzione, ma compro ancora
Cd e qualche volta vinile.
Nicklas: A casa preferisco ancora i
vinili, ma uso anche il computer. Non
credo che il vinile sia il modo migliore
di ascoltare la nuova musica, per un
paio di motivi. Primo: oggi la maggior
parte della musica è registrata e mis-
sata digitalmente con una risoluzione
In alto molto elevata. Per cui se vuoi essere
VEMOD del 1993,
sotto UNTIL ALL THE
il più vicino possibile alla fonte devi
GHOST ARE GONE. ascoltare i file ad alta risoluzione e
non quelli a risoluzione più bassa
su vinile. Il secondo motivo è che
Jaak Geebelen
credo che la tecnica di stampa su
vinile di oggi non sia all’altezza
degli standard degli anni Sessan-
ta o primi anni Settanta. Si sono
perse le conoscenze. Se parliamo
di musica storicizzata preferisco le
stampe di quel periodo, che sono
la cosa più vicina alla fonte che
puoi trovare. Le vecchie registra-
zioni di musica classica della Dec-
ca o della EMI dei primi Sessanta
suonano 1000 volte meglio delle
riedizioni su Cd. I vinili dei nuovi
dischi sono divertenti e sicura-
mente sono un buon modo per
gustare la musica, ma l’ottimale
sono i file in alta risoluzione a
96khz/24bit. Comunque il mio
primo acquisto fu RING RING
degli ABBA su cassetta. Il primo
vinile, invece, DESTROYER dei Kiss.
Jan Erik: Nel 1979 mio cugino andò
a Londra e tornò con sei Lp per il mio
nuovo stereo. Tra loro c’erano RISING
dei Rainbow, JAILBREAK dei Thin
Lizzy e MAGICAL MYSTERY TOUR dei
Beatles. Aveva buon gusto per esse-
re un ragazzo. Come detto, il testo di
Shooting Star, che apre il nostro nuovo
disco, è ispirato da Stargazer, proprio
contenuto in RISING. A volte le nostre
canzoni mi ricordano i Rainbow, vo-
levo rendere omaggio a questo brano
perché mi fece capire come le canzoni
heavy potessero essere lunghe e avere
struttura sinfonica. Oltretutto volevo
ricordare il cantante migliore di tutti i
tempi, Ronnie James Dio. Il mio primo
45 giri fu uno dei Rainfall, gruppo sve-
dese dove suonava Björn Lodin, che
poi sarebbe entrato nei Six Feet Under,
Baltimoore e Krokus.
L ive
Memories…
Nicklas: Come gruppo direi, nel 1996,
il Burg Herzberg Open Air in Germa-
nia, uno dei più importanti festival
alternativi, nato nel 1968. In cartello-
ne con noi anche Groundhogs, Guru
Guru, Hawkwind, Pretty Things, Ri-
Tord Lindman
tual, Ax Genrich (Agitation Free) e
Uli Trepte (Guru Guru, Faust). Dove-
vamo suonare alle 8 di sera. Quando
abbiamo iniziato c’erano circa 10.000
persone presenti e il sole stava calan-
do. Il gruppo andava a mille e il pub-
blico lo sentiva. Ricordo che mentre
uscivamo di scena ci chiedevano altri
pezzi. Allora Jan Erik ha gridato: “Fac-
ciamo Starless”. Partimmo e i presenti
impazzirono. Quattro anni prima la
suonavamo per divertirci nello stan-
zino delle prove e nel 1996 eravamo
su quel palco, circondati dall’amore
di tutti. Non credo si possa superare
questo, anche se ci torneremo il pros-
simo 30 luglio. Stranamente, non ab-
biamo mai suonato in UK e la cosa è in
cima ai nostri desideri. Siamo felici di
tornare in Québec [concerto tenuto il
16 maggio al Terra Incognita Festival,
N.d.A.] perché le reazioni degli spetta-
tori nel 1994 furono incredibili e sarà
bello provare di nuovo quelle sensazio-
ni, nonostante sia noi che il pubblico
siamo un po’ invecchiati. Gli spettatori
in Canada sono più scatenati, mentre
in Giappone sono più riservati. Tutti i
tipi di pubblico hanno pro e contro, ma
siamo stati lontani dai concerti così a
lungo che non ho proprio idea di cosa
aspettarci questa volta. So che quando
tutto funziona siamo un gruppo forte
dal vivo, per cui stiamo lavorando per
raggiungere il nostro massimo.
A vete suonato molte
volte in Italia.
Qual è il vostro rapporto
col pubblico italiano?
Jan Erik: Siamo felici di tornare in
Italia perché è un luogo sempre molto
ricettivo per il prog e gli Anekdoten.
Nel nostro primo mini tour europeo
del 1994 suonammo in due date. Il
debutto italiano fu il 24 luglio al festi-
val Progressivamente nell’anfiteatro di
Altomonte, paesino della Calabria [or-
ganizzato dalla fanzine Arlequins e cu-
rato da Alberto Nucci. Nel programma
anche Mad Crayon, Malibran, Il Trono
Dei Ricordi, Progetto Osanna, Kraken
In The Maelstrom, N.d.A.]. Eravamo
ancora inesperti e non credo sia stato
un grande show, ma per noi fu un’e-
sperienza fantastica. Il 26 suonammo
al Parco del Turismo di Roma. Non
potevamo credere che potesse esserci
così tanto pubblico, ma la promozione
fu eccellente: grazie Guido! [all’epoca
curavo cose di questo tipo per una ra-
dio romana, N.d.A.]. Ricordo con piace-
re anche quello al Castello di Meleto,
zona del Chianti in Toscana, dove l’in-
gaggio non fu alto come soldi, ma gli
organizzatori ci donarono molte botti-
glie di ottimo vino. Anche l’ultimo in
Italia fu bello: 17 maggio 2008, sempre
a Roma. Ancora una volta rimanem-
mo stupiti dall’afflusso, e il pubblico ci
spinse a dare il massimo. Per noi fu il
concerto migliore di tutto il tour…
Info: www.anekdoten.se
55
 Il ricordo di un vecchio amico
e la (Nuova) Raccomandata
con Ricevuta di Ritorno
sforna il primo disco live
della sua carriera.
Ce lo siamo fatto raccontare,
e non poteva essere altrimenti,
da uno scattante
Luciano Regoli…
Testi: Paolo Carnelli

un lunedì mattina piovoso a Roma, e pioverà per

tutta la giornata, fino a sera. Il Teatro Agorà, si-
tuato nel cuore del quartiere Trastevere, tra il car-
cere giudiziario Regina Coeli e l’Orto Botanico,
è una struttura affascinante che ha un bel po’ di
storia sulle spalle: lo testimonia la sequenza qua-
si infinita di locandine che occupano le pareti del lungo
corridoio dal quale si accede alle sale dove si tengono gli
spettacoli. Nella prima sala è in corso l’allestimento
per la presentazione del disco LIVE IN ELBA della
Nuova Raccomandata con Ricevuta di Ritorno
di Luciano Regoli. Un live impeccabile sotto tut-
ti i punti di vista, che afferma e proietta nel fu-
turo la musica di uno dei gruppi più affascinanti
ed enigmatici del prog italiano degli anni 70: un
disco di culto (PER… UN MONDO DI CRISTAL-
LO), pubblicato nel 1972 su etichetta Fonit Cetra,
tanti concerti e poi l’improvviso scioglimento fino
al ritorno, inaspettato, e culminato nel 2010 nella
pubblicazione dell’ottimo album d’inediti, IL PITTORE
VOLANTE. Ora questa bella testimonianza dal vivo, regi-
strata nel dicembre del 2013, presso il Teatro dei Vigilanti
di Portoferraio, all’Isola d’Elba, dove Regoli risiede ormai
da anni e ha uno splendido studio dove svolge la sua atti-
vità di pittore. L’evento è nato nell’ambito di un’iniziativa
che ormai va avanti da diverso tempo, ovvero quella di
organizzare ogni anno un concerto in memoria di Pino
Catanzaro, detto Trick, storico fonico e roadie di band
Testi: Paolo Carnelli come la Raccomandata con Ricevuta di Ritorno, il Ritrat-
Immagini: Guido Bellachiomato di Dorian Gray, il Perigeo e di cantautori molto noti
come Venditti, Baglioni e Jannacci. “L’idea di realizzare
Luciano Regoli.
il live è nata mentre stavo sdraiato in spiaggia e pensavo
Claudio Lodi

Prog Exhibition, a Trick”, spiega Luciano Regoli nel foyer del teatro. “Era-
Roma, 6/11/2010

56
vamo molto legati, lui mi aveva seguito quando
mi ero trasferito all’Isola d’Elba ed erano ormai
vent’anni che viveva qui con la sua famiglia. A
un certo punto mi sono detto che per il concer-
to in teatro, che gli amici e i musicisti dell’Elba
organizzano in suo ricordo ormai da quattro
anni, era giusto coinvolgere tutta la Nuova Rac-
comandata e registrarlo. Allora ho telefonato a
Matthias Scheller, che è il mio discografico, e gli
ho proposto di pubblicare l’album. Lui ha detto
di sì e si è preso carico di tutta la parte tecnica:
ha chiamato i ragazzi di uno studio di Geno-
va, l’Hilary Studio, che hanno fatto una ripre-
sa audio straordinaria. Quella sera, oltre a noi
della Nuova Raccomandata, hanno suonato
anche La Maschera di Cera con Fabio Zuffanti
e un gruppo di ragazzi elbani, i Four Jumps in
Pot, davvero molto bravi: con loro ho cantato
If Six Was Nine di Jimi Hendrix perché Trick era
un grande appassionato di Hendrix. In qualche
maniera il cerchio quadra”. In effetti, uno dei
punti di forza di LIVE IN ELBA sta nella quali-
tà della registrazione, potente e cristallina, che
permette di apprezzare al meglio i nuovi arran-
giamenti dei pezzi tratti dall’album del 1972:
brani come Su una rupe, Sogni di cristallo, Il mondo
cade su di me e l’enigmatica Un palco di marionette
sono riproposti in modo scintillante. “Ascoltan-
do questo nuovo live e confrontandolo poi con
l’album in studio pubblicato negli anni Settanta
viene un po’ da sorridere. Il disco all’epoca ven-
ne registrato da quello che si era soliti chiamare
‘tecnico del suono’, ma a quei tempi i tecnici e i
fonici, soprattutto quelli delle grandi case disco-
grafiche come la Fonit Cetra, non erano abituati
a registrare la musica rock. Nel loro curriculum
c’erano cose tipo Claudio Villa e via dicendo.
Per questo i suoni di PER… UN MONDO DI CRI-
STALLO sono piccoli, la voce sembra uscire da
dentro un barattolo. Oddio, per l’epoca poteva
andare pure bene, ma se lo risenti adesso ti fai
due risate. In questo, invece, c’è una corposità
di suono molto moderna, molto anni Novanta:
essendo fondamentalmente un cantante hard
rock, mi piace avere più sostanza, preferisco un
suono più rock”. All’interno della track-list è im-
possibile non notare anche le cover di Baby I’m
Gonna Leave You dei Led Zeppelin e soprattutto
quella di Fire del Crazy World di Arthur Brown.
Una scelta singolare che Regoli rivendica con
forza: “Il concerto che nella mia vita mi ha più
colpito e travolto è stato quello di Arthur Brown
al Teatro Olimpico di Roma il 26 febbraio 1971
solo per me, basti pensare agli Osanna, a Battia-
to… qui in Italia in molti sono rimasti parecchio
colpiti da quella performance. Senza parlare poi
di gente come Alice Cooper. Però sono rimasti
tutti zitti, nessuno ha mai voluto confessare che
all’origine delle proprie scelte ci fosse proprio
quel pazzo di Arthur Brown. Poi l’ho visto anche
tante altre volte a Londra, alla Roundhouse, o
allo Stadio Flaminio nel 1973, con i Camel e i
Van der Graaf Generator. All’epoca con Arthur
Brown rompevo sempre i coglioni a tutti, i miei
amici mi prendevano anche un po’ in giro. Ma
del resto anche tutta la mia pittura, quella più
dark viene da lì, da quel mondo della follia,
dell’allucinazione, dal mondo interiore. Qual-
che giorno fa ho avuto una grande soddisfa-
zione perché gli ho spedito una copia del live e
lui mi ha risposto dal suo iPad facendomi tanti
complimenti: mi ha anche scritto che il finale
di Fire come l’abbiamo fatto noi è una soluzio-
ne geniale, che prenderà in considerazione per
i suoi prossimi concerti”. Ora, la Nuova Racco-
Guido Bellachioma
mandata sta preparando un nuovo album in
Luciano Regoli, studio, come conferma Regoli: “I demo del nuo-
Roma, maggio 2015.
vo disco sono già pronti, ora bisogna suonarlo
e cantarlo. S’intitolerà IN FUGA e alla versione
“Il concerto che in vinile sarà abbinato il mio libro, Le avven-
ture del pittore volante. Gli arrangiamenti sono
nella mia vita mi ha stati curati da Maurizio Pariotti: lo conosco da
più colpito è stato quando aveva 22 anni e suonavamo insieme
nei DGM. Lo stimo molto perché è veramente
quello di Arthur un grande arrangiatore: io arrivo con la chitarri-
Brown al Teatro na e lui pensa a tutto quanto. E poi c’è un’altra
novità, che non so se andrà in porto. All’epoca
Olimpico di Roma, della Raccomandata io litigai con gli altri del
gruppo perché non volevo andare al Festival
nel 1971. Eravamo di Sanremo: in quel momento andarci era una
una quarantina vergogna, se lo facevi eri considerato un vendu-
to, uno stronzo. Invece adesso vorrei provare ad
di persone a vedere andarci con un pezzo terribile, un po’ alla Black
questo marziano…” Sabbath, che si intitola Momento supremo. Parla
di un uomo steso sul letto di morte che si guar-
(«l’Unità» così riportava: “il cantante «pop» da intorno. Fortissimo. Potrà sembrare una scel-
Arthur Brown si esibirà, per la prima volta a ta incongruente, però mi piacerebbe. Del resto,
Roma, con il suo complesso «The Crazy World» se a San Remo c’è andata la PFM perché non ci
in due ‘recitals’ alle 16 e alle 21,30”). Eravamo può andare la Raccomandata…
una quarantina di persone a vedere questo
marziano vestito come il mago Zurlì, tutto psi- LIVE IN ELBA è stato pubblicato su etichetta AMS
chedelico, dipinto in faccia, che proponeva uno Vinyl Magic/BTF in Cd digipack, vinile standard
spettacolo teatrale a tutti gli effetti. Anche i suoi e vinile arancione. Info: www.lucianoregoli.com.
musicisti erano mascherati come lui. In Italia,
una cosa del genere non s’era mai vista, e poi
quella voce… Per me ha fatto scuola, ma non
Regoli mentre dipinge LO SBARCO DI NAPOLEONE
(cm 530x270). Il dipinto è nella Pinacoteca
Foresiana di Portoferraio all’Isola d’Elba.
57
 TECHNICIANS OF THE SACRED, uscito a maggio, è il primo doppio album
degli Ozric Tentacles dopo il leggendario ERPLAND del 1990. La band,
inglese d’origine ma ormai cittadina del mondo, l’ha presentato con un tour
europeo ad aprile/maggio e ora negli Stati Uniti.
Testi:
Guido
Bellachioma
uando si discute sugli Ozric è facile
cadere negli stereotipi più diffusi:
spacerock, prog elettronico in sal-
sa hippy, trance, neo-psichedelia,
groove rave, fusion elettronica,
psytrance, dub etnico, leggen-
da dell’underground inglese…
e chi più ne ha più ne metta. In
realtà, in loro coesistono tutte le vibrazioni musicali
che li hanno influenzati, non è che si pongano trop-
pe domande, sono liberi nelle scelte, esistenziali e
artistiche: vanno ancora in tour coi
mezzi propri e non vogliono alberghi,
ripartono dopo i concerti col proprio
nightliner, nel cui rimorchio hanno
un sacco di strumenti, schermi, pro-
iettori e tante altre cose. Ovviamente
non proprio come agli esordi, ora è un
pullman con letti, servizi, dove dor-
mono tutti insieme… decisamente
più confortevole del leggendario Mi-
crobus T2 della Volkswagen, meglio
conosciuto come Bulli o Kombi, con
cui si spostavano hippies e musicisti
tra gli anni 60 e i 70… figli dei fiori sì, ma tecnologici!
Nel corso degli anni e di tutti i viaggi effettuati, non
solo musicali, il gruppo ha perso per strada i compo-
nenti originali, tranne uno… lui, il vero Mister Ozric,
il chitarrista Ed Wynne (3 giugno 1961). La band ora
è più una famiglia che una comune come ai vecchi
tempi, visto che con lui suonano la moglie Brandi (3
maggio 1979), bassista e anche efficiente manager
degli Ozric, e il figlio Silas Neptune (20 maggio 1990),
tastierista. Il silenzioso Ed sul palco sembra sempre
che debba crollare esausto da un momento all’altro,
mentre, alla fine, a crollare esausti sono proprio mol-
ti ascoltatori, visto che i concerti durano spesso più
di tre ore… in occasioni speciali, come alcuni festival
all’aperto sembrano davvero non finire mai. Ma è me-
glio non metterlo alla prova, probabilmente sarebbe
in grado di suonare all’infinito, più o meno come i
Grateful Dead di Jerry Garcia, capaci di dilatare i brani
oltre ogni logica previsione. Nel corso della data ro-
mana al Planet Live Club parliamo con Brandi mentre
passeggiamo per le strade del quartiere Ostiense, tra
Testaccio e il Gazometro dell’Italgas, sorta di Colosseo
post industriale, a cui si dimostra particolarmente in-
teressata.
Il racconto di Brandi
TECHNICIANS è doppio e questo ha sorpreso persino
noi. Non volevamo programmarne la lunghezza, è
uscito così perché era giusto che ci fossero pro-
prio tutti questi brani; la cosa più interessante è la sua
spontaneità. Abbiamo scritto e prodotto la quantità
necessaria per un normale album ma alla fine, qua-
si per caso, abbiamo ultimato alcuni pezzi iniziati nel
corso del tempo e mai terminati. Ed aveva suonato per
20 anni alcune sezioni ma per qualche ragione non le
aveva mai registrate. I titoli dei nostri brani sono piut-
tosto bizzarri, d’altronde, essendo strumentali, rac-
chiudono lo spirito di ogni cosa riguardo quei suoni;
è sempre divertente vedere la gente ridere quando li
legge per la prima volta. C’è solo un titolo normale per
questo album degli Ozrics, Far Memo-
ry, dedicato alla memoria della non-
na di Ed, Joan Grant (12 aprile 1907
– 3 febbraio 1989), scrittrice e autori-
tà riconosciuta della teoria della rein-
carnazione. Winged Pharaoh, libro che
scrisse nel 1937, è considerato ancora
oggi un classico dai cultori New Age.
Far Memory è riferita alla sua abilità
nel ricordare le vite precedenti, che le
ha permesso di svelare ad archeologi
e storici avvenimenti del passato in
modo molto preciso, invece loro han-
no potuto accertarlo solo dopo molti anni in seguito
a scavi e a studi accurati. Lei lo aveva svelato sempli-
cemente ricordando il passato. Il brano è stato scritto
subito dopo che con un incendio avevamo perso la
casa, lo studio, i nastri registrati, il libro originale e
le foto di Joan. Lo abbiamo chiamato così perché nel
comporlo stavamo ricordando una vita passata [la
composizione possiede diversi piani sonori e più di
altri ricorda quelli spaziali del Pianeta Gong, N.d.A.].
Penso sia difficile pensare che gli Ozric possano mai
cambiare stilisticamente, hanno una identità ormai
troppo forte; producono musica strumentale dove
riescono a calarsi meglio, ma questo disco prova un
po’ di nuovi percorsi, forse l’inizio di un viaggio verso
altri regni sonori. Non ci sono ospiti, a meno che non
consideri tale Paul Hankin, il nostro vecchio percus-
sionista [proprio quello originale dei primi lavori: cas-
sette autoprodotte e album epocali come PUNGENT
EFFULGENT del 1989 ed ERPLAND del 1990, N.d.A.],
che si è riunito a noi per questo disco. Abbiamo regi-
strato veramente in totale isolamento sulla cima di un
monte nel Colorado, un’ora lontano dalla più vicina
cittadina. È stata una scelta molto privata, non voglio
dire egoistica, anche se quasi antisociale… una neces-
sità di fuga al nostro interno per ritrovare un po’ di
equilibrio. Avevamo avuto troppi casini nella nostra
vita. Due anni fa abbiamo perso la nostra casa e il no-
stro studio durante un incendio della foresta, quando
avevamo già inciso qualcosa per il nuovo disco. An-
che se in quel momento non avevamo la sensazione
59
 Live in Crozia,
Brandi Wynne,
Roma,
19/11/2010
Luca Fiaccavento
Silas Wynne,
Riccardo Arena
Set-list base
dei concerti italiani:
Kl Jurassic Shift • da JURASSIC SHIFT, 1993
Km Sploosh! • da STRANGEITUDE, 1991
Kn Changa Masala • da THE TECHNICIANS OF THE
SACRED, 2015
Ko Og-Ha-Be • da TANTRIC OBSTACLES, 1985
Kp Sultana Detrii • da WATERFALL CITIES, 1999
Kq Mooncalf • da THE YUMYUM TREE, 2009
Kr Epiphlioy • da THE TECHNICIANS OF THE SACRED, 2015
Ks Xingu • da WATERFALL CITIES, 1999
Kt Tidal Convergence • da ERPLAND, 1990
Lk Zenlike Creature • da THE TECHNICIANS OF THE
SACRED, 2015
Ll The Sacred Turf • da THERE IS NOTHING, 1987
Lm Coily • da WATERFALL CITIES, 1999
Ln Eternal Wheel • da ERPLAND, 1990
Lo The Throbbe • da ERPLAND, 1990
60
che la casa potesse bruciare, altrimenti
2013 avremmo cercato di prendere più cose.
Il rimorchio del mio mezzo di traspor-
to non era molto grande, quindi più
di tanto non potevamo portare; inoltre
tutti, in particolare i vigili del fuoco,
continuavano a dirci che tutto sarebbe
andato bene e che sarebbero riusciti a
domare le fiamme… che la nostra casa
non avrebbe avuto problemi, però do-
vevamo allontanarci perché potevano
stare in quella zona solo le persone che
lavoravano a quell’operazione. Fortuna
che non mi sono fidata del tutto. Al-
Ed Wynne, meno abbiamo portato via una cosa: il
Roma,
19/11/2010 computer principale dello studio, dove
avevamo al momento circa la metà del
disco, anche se in forma ancora non
definitiva. Abbiamo avuto solo tre ore
per prendere qualcosa. E pensare che
mi avevano detto che avrebbero risolto
la situazione: quell’incendio avvenne
nel giugno 2012 e fu il più grande nella
storia del Colorado! Da quel momento
per noi è iniziato un vero calvario. Sia-
mo stati alloggiati temporaneamente
in una casa della nostra compagnia di
assicurazioni; in seguito Ed ha subito un
Riccardo Arena
grave avvelenamento da cibo e ha impie-
gato tantissimo per recuperare. Abbiamo
traslocato 4 volte in quei mesi mentre
Ed era quasi sempre in ospedale. Dopo
un periodo lunghissimo abbiamo avuto
Roma,
una nuova casa, Ed è tornato con noi…
19/11/2010 davvero un grande sollievo. Da quel
momento siamo stati di nuovo felici: i
ragazzi sono al sicuro nella nuova casa
e abbiamo un piccolo posto, però bene
attrezzato, dove registrare. Per uscire de-
finitivamente dalle scorie psicofisiche di
quella tempesta emozionale dovevamo
cambiare marcia. Alla fine abbiamo fatto
l’unica cosa possibile per rientrare nella
nostra dimensione: prendere con noi il
necessario ed essenzialmente nascon-
derci in studio a suonare fino a quando
non ci siamo risentiti normali. Il risultato
di questo percorso liberatorio è TECH-
NICIANS OF THE SACRED. Per quanto
riguarda i concerti suoniamo una parte
di TECHNICIANS con Balázs Szende, il
nostro nuovo batterista ungherese, già
venuto con noi una volta in Italia prima
di entrare nella band. Ora si sta calando
sempre più nel suo ruolo e ci stiamo di-
vertendo un sacco. Non voglio dire che
dal vivo ci siano grandi sconvolgimenti,
ma i concerti, anche i prossimi, dovreb-
bero essere meglio di quelli dell’ultimo
tour, abbiamo suoni migliori, anche gra-
zie alla nuova chitarra di Ed. Non avevo
detto che qualche tempo fa, ovviamente
quando eravamo circondati da quel ne-
fasto influsso, Ed ha avuto un incidente
sul palco e gli è quasi esplosa la chitarra,
rischiando di farsi male sul serio. Ora è
molto contento del nuovo strumento e
anche io penso sia migliore. Cerchiamo
sempre di andare avanti e migliorarci,
atteggiamento che è parte della nostra
vita, la gente ci apprezza anche per que-
sto motivo: diamo sempre il massimo.
Amiamo molto l’Italia, la gente, il man-
giare, il bere, i posti in cui suoniamo e ab-
biamo suonato. Il posto più affascinante
in cui siamo stati è il Villaggio Globale di
Roma [un centro sociale situato dentro
l’ex Mattatoio nel quartiere Testaccio,
ma il concerto a cui si riferisce fu effet-
tuato nello spazio all’aperto, dove ora c’è
la Città dell’altra economia e la manife-
stazione Eutropia, N.d.A.]. Nel novembre
2004 vi abbiamo suonato in un tendone
da circo insieme a un gruppo italiano del
prog anni 70: Balletto di Bronzo. Ricor-
do i camerini comuni e il tastierista del
Balletto [Gianni Leone, N.d.A.], aveva un
incredibile specchio a batteria con le luci
e un’altrettanto incredibile borsetta per il
trucco con dentro qualsiasi cosa. Intorno
a noi c’era un casino bestiale ma per lui
esisteva solo quello specchio. Ma sul pal-
co mise in mostra una grande potenza
sonora, in definitiva la musica è sempre
la cosa più importante per un musici-
sta. Non bisogna mai dimenticarlo.
Info: www.ozrics.com
16,7  milioni   *
di  colori   *la profondità di colore nella computer grafica

Ma  i  colori  più  belli  

                                 sono  quelli  del  SUONO!

I colori del SUONO

Vintage, progressive, blues...
La rubrica con il meglio della musica, ogni mese su SUONO
 o n
bu anno
p l e
c o m
AC !
C R
Il terzo album degli Area, in mirabile equilibrio
tra l’urgenza espressiva della sperimentazione
e vere e proprie canzoni, compie quarant’anni
e oggi mette d’accordo tutti, o quasi, nell’essere
valutato tra le opere fondamentali della musica
contemporanea… ma non è sempre stato così…
Testi: Riccardo Bertoncelli, Demetrio Stratos,
Roberto Masotti, Guido Bellachioma
Foto: Roberto Masotti, Archivio Cramps,
Antonio De Sarno

R
ispetto alle copertine cu-
pe e minacciose dei pri-
mi due dischi, ARBEIT
MACHT FREI (1973), e
CAUTION RADIOTION
AREA (1974), l’imma-
gine colorata su fondo bianco di CRAC!
è falsamente rassicurante… non più
pistole, sia pure di cartone, manichi-
ni chiusi da sinistri lucchetti ma l’uovo
rotto dal cucchiaio raccontato in vari
modi, immagine di Gian Michele Mon-
ti, ispirata alla Pop Art. La connessio-
ne tra suoni e visioni è data dall’intro-
duzione affidata alle parole di Buena-
ventura Durruti Dumange (León, 14
luglio 1896 – Madrid, 20 novembre
1936), ferroviere anarchico spagnolo
e iscritto al sindacato dell’UGT, nato
in una città fortemente conservatrice.
“Le rovine non le temiamo. Ereditere-
mo la Terra. La borghesia dovrà farlo a
pezzi il suo mondo, prima di uscire dal-
la scena della storia. Noi portiamo un
mondo nuovo dentro, e questo mon-
do, ogni momento che passa, cresce.
Sta crescendo, proprio adesso che io
sto parlando con te”. CRAC! possiede
la forza ineluttabile e scardinatrice di
questo concetto ma lo colora con iro-
nia quasi inconsapevole, sia in alcune
sezioni musicali che testuali: “Il mio
mitra è un contrabbasso – che ti spara
sulla faccia – ciò che penso della vita
– con il suono delle dita – si combat-
te una battaglia – che ci porta sulle
strade – della gente che sa amare”,
da Gioia e rivoluzione. Nessuno
avrebbe immaginato che que-
sto disco sarebbe stato l’ulti-
mo con il chitarrista Giam-
paolo Tofani…

62
Roberto Masotti

Robero Masotti
Atto primo:
la recensione di Riccardo Bertoncelli
«Gong» 5, maggio 1975
S pinti dalla voglia di comunica-
re e forse consci della paranoia
cui erano giunti con il secondo disco,
gli Area ci offrono un’opera più tran-
quilla, serena, festosa, delle preceden-
ti, accoppiando alla rivoluzione, che
occhieggiava tra le pagine del passa-
to, una gioia che fondamentalmente
è divertimento con il suono. Compro-
messo? No di certo, anche scavando a
fondo nei significati. La consapevolez-
za non scende mai a patti, i testi non
la smettono mai d’insinuare e di por-
re dubbi, lo stile muta nelle virgole del
modus senza sbriciolar la sostanza: “Il
mio mitra è un contrabbasso / che ti
sputa sulla faccia”, cantano le parole a
un certo punto, ed è il fedele riassun-
to dell’esperienza Area, la voglia di far
qualcosa per i tempi con gli strumen-
ti a disposizione. Oltre agli orgogliosi
pronunciamenti, comunque, la stof-
fa della musica continua a presentare
smagliature. Il vecchio problema del-
la vocalità non è stato risolto, Deme-
trio Stratos continua a inseguir singul-
ti e libertà oppresso da rigide strutture:
e la musica stessa presenta inciampi e
aree di dubbio, costretta a scivolare tra
immagini audacissime e piccoli schemi
«CRAC! Ineluttabile
forza scardinatrice»
Demetrio Stratos
64
di pop di retroguardia. Come superare
l’errore? Forse bisognerebbe lasciarsi
andare all’ispirazione più cinica, forse
bisognerebbe dar ragione al panismo,
ostico e affascinante, di Nervi scoperti o
alle andature misteriose di Megalopo-
li: rendendo al contempo più elastica
la materia, spezzando l’ossessione dei
ritmi, colorando il timbro con un sa-
xofono che toglierebbe molti pesi dalle
spalle di Fariselli e farebbe chiacchiera-
re meno il sintetizzatore di Tofani. Re-
sta comunque la mano felice di molti
strumenti, la voglia di bruciarsi la pelle
con significati poco consumabili e mol-
to interessanti: anche se in fondo a tut-
to Area 5, un «gesto musicale» di Hilda-
go e Marchetti, che dovrebbe costituire
il nocciolo di questa presa di coscienza,
fallisce clamorosamente nella noia e
nell’isteria. I brani migliori sono quel-
li già citati, con l’ombra malefica di
un certo Cecil Taylor e l’urlo sincopa-
to della Mahavishnu Orchestra: Implo-
sion sta un gradino sotto, per un certo
impaccio dei temi spiegati, come l’ini-
ziale Elefante bianco, che abusa di segna-
li acustici mediorientali. Gioia e rivolu-
zione scherza col testo agrodolce, misu-
rando per la prima volta la bellezza del-
la ballad chitarristica; La mela di Odessa
chiude in gloria la situazione, sorriden-
do su un facile tema musicale con un
apologo malizioso, pieno di sottintesi e
di frammenti culturali siglati 1920.
Atto secondo:
la risposta di Demetrio Stratos
«Gong» 6, giugno 1975
C aro Bertoncelli, collezionista di di-
schi o Infermiere del Pop? fai tu. La
mia non è solo una risposta alla tua re-
censione su CRAC! ma una didascalia
sul piano tecnico-musicale concettuale,
politico, per recuperarti, anche solo per
un attimo, dalla tua narcolessia “musi-
cale”. Vediamo punto per punto:
1. Dove citi “il mio mitra è un contrab-
basso che ti sputa sulla faccia» erro-
re!”… noi non sputiamo in faccia alla
gente come faceva il tuo amico Zappa,
spariamo.
2. “Demetrio Stratos continua a inse-
guire singulti e libertà oppresso da rigi-
de strutture”.
a) Ciò che tu chiami singulti sono trilli
armonici con vibrato e cambiamento di
Area, 1975. timbro con passaggi di 4.a, 5.a, 7.a sul-
la fondamentale, giocati a volte in scala
cromatica.
b) In quanto a inseguire la libertà ti co-
munico che io l’ho raggiunta da un pez-
zo (basta prendersi il disturbo di ascol-
tare attentamente e non, il disco per
rendersene conto) e del resto la voce è
sempre in rapporto dialettico con gli al-
tri strumenti ed è frutto di un preciso
progetto iniziale di gruppo (sono queste
le tue rigide strutture?).
3. Ci rimproveri “l’ossessione dei ritmi”:
ma qui non ci intendiamo sulla termi-
nologia; per noi l’ossessione è quella
corrente dei 4/4 che gli Area hanno am-
piamente scavalcato, arrivando al limi-
te di rottura dell’elasticità ritmica con
gli 11/16 e i 33/16, ritmi pluri-composti
sconosciuti alla tua esterofilia musicale.
4. Ci consigli di “calcare il timbro con
un saxofono (piccolo peccato di este-
rofilia!) che toglierebbe molti pesi dalle
spalle di Fariselli e farebbe chiacchierare
meno il sintetizzatore di Tofani”. L’este-
tismo musicale (vedi colorare il timbro
con un saxofono) è stato superato. La
logorrea estetica del Musicista singolo
Copertine della rivista che toglie il peso a un altro non c’inte-
«Gong», mensile: ressa. In quanto ai sintetizzatore di Tofa-
maggio e giugno 1975. ni, che a tuo parere dovrebbe chiacchie-
rare meno, ma se è stato usato solo una
volta! (vedi introduzione di Implosion).
Vedi che a chiacchierare è il sintetizzato-
re (ARP) di Fariselli, e bene anche.
5. A proposito di Area 5 che fallisce cla-
morosamente nella noia e nell’isteria
non vale neppure la pena di discutere,
vista la tua presunzione nel voler giudi-
care due musicisti del calibro di Hildago
e Marchetti.
6. “L’ombra malefica di Cecil Taylor” a
me sembra offuscata da Conlon Nan-
carrow. Forse manca alla tua collezione
di dischi?
7. “L’urlo sincopato della Mahavishnu”:
se per te usare la stessa marca di stru-
menti e avere la stessa padronanza tec-
nica significa identità di urlo sincopa-
 Tracklist
L’elefante bianco Nervi scoperti
La mela di Odessa Gioia e rivoluzione
(1920) Implosion
Megalopoli Area 5

Testi: Frankenstein (I testi sono opera di Sergio Albergoni e

Sassi, con la collaborazione dei musicisti del gruppo)
Musiche: Patrizio Fariselli, Ares Tavolazzi, Paolo Tofani
Produzione: Cooperativa Nuova Intrapresa
Edizioni Cramps Music / Milano
Matrici CRS LP 5103/1 (lato 1) e CRS LP 5103/2 (lato 2)
Prima edizione, con adesivo incluso, distribuita dalla Dischi
Ricordi, seconda edizione distribuita dalla Baby Records (1975),
terza edizione, con diverso numero di catalogo (5205 103),
distribuita da Phonogram Italia (1978)
Meccanico del suono: Piero Bravin
Sala di registrazione: Fono-Roma-Milano Sound Recording Spa /
Milano
Missaggio: I.B.C. Sound Recording Studios Ltd / Londra
Art Director: Gianni Sassi
Designer: Edoardo Sivelli
Illustratore: Gian Michele Monti
Fotografi: Roberto Masotti, Fabio Simion

Percussioni / batteria: Giulio Capiozzo

Piano elettrico / piano acustico / clarinetto basso /
percussioni / sintetizzatore A.R.P.: Patrizio Fariselli
Robero Masotti

Basso elettrico / basso acustico / trombone: Ares Tavolazzi

Chitarra elettrica / sintetizzatore E.M.S. / flauto: Paolo Tofani
Voce / organo / clavicembalo / percussioni: Demetrio Stratos
 Demetrio Stratos, Palazzina
Robero Masotti
Prove
di copertina
CRAC!
to, ti posso dire che questi elementi non
bastano, visto che variano il linguaggio,
la cultura e la struttura di base. Magari
sei anche d’accordo.
8. Rimproveri Elefante bianco dicendo
che “abusa di segnali acustici medio-
rientali”. A parte l’evidente confusione
geografica, qui non si abusa un cazzo,
visto che i suddetti segnali acustici mi
appartengono per diritto di tradizione
e di cultura, e automaticamente appar-
tengono agli Area, visto che svolgiamo
un lavoro di gruppo. Noi! In questa re-
censione di CRAC! accusi di paranoia il
nostro secondo disco, ma non è da con-
fondersi la succitata paranoia con la no-
stra reale incazzatura sfociante in pro-
vocazione. Gli Area s’ispirano dalla re-
altà: in CAUTION RADIATION AREA
c’erano i riflessi della bomba di Brescia
e l’ombra di Ulrike Meinhof, in CRAC!
c’è la dimensione della gioia e della ri-
voluzione con la Grecia, il Portogallo e
il Vietnam liberati. Questo è il nostro
mondo… “ma forse per te il mondo è
ancora piatto (Odessa 1920)”.
66
Liberty, Milano. Atto TERZO:
Una per una secondo
Patrizio Fariselli e Paolo Tofani
aprile 2015
L’elefante bianco
PF: Il nostro “angolo dei Balcani”, in
ogni disco c’era un pezzo o due che por-
tava avanti l’esplorazione sui tempi di-
spari, su queste melodie, armonie, ritmi
e quant’altro.
La mela di Odessa
PT: Storia di un avvenimento dell’ini-
zio del 1900. Stratos così la descrive-
va nel live ARE(A)ZIONE: “Questo pez-
zo trae spunto da un fatto successo nel
1920, cioè quando un artista, un dadai-
sta di nome Apple dirotta una nave te-
Robero Masotti
desca regalandola ai russi, che avevano
appena fatto la rivoluzione. La portò a
Odessa, i russi fecero una grandissima
festa, facendo saltare sia la nave sia i te-
deschi”. Gianni Sassi con la sua intelli-
genza raffinata ci ha stimolato a realiz-
zare questo brano, molto divertente che
indicava nell’arrangiamento, e indica
ancora adesso, il movimento, il deside-
rio di uscire da qualcosa e andare verso
qualcos’altro. Forse è uno dei pezzi più
commerciali ma sotto certi aspetti più
significativi perché era legata alla real-
tà… ma tutti i pezzi degli Area erano le-
gati a qualcosa che era successo o che
sarebbe successo.
PF: una storia di cui nei libri non vi è
traccia, Gianni Sassi scrisse questo testo
con un recitato in forma di favoletta. Fu
la prima volta che realizammo una cosa
simile con Demetrio. Dal vivo mangia-
Archivio Cramps
vamo proprio una mela. La usavamo in
scena. Non sempre la gente capiva.
Megalopoli
PF: Non ricordo neanche chi l’ha scrit-
ta. Metà io e l’altra te? Tu le prime due
frasi e io la terza?
PT: L’idea era di rappresentare uno
spazio grande proiettato nel futuro in
cui tutto va male!
Area provini
Nervi Scoperti
PF: Eravamo incazzati perché c’era da
esserlo. È un pezzo duro a prescindere
dal discorso politico era una rappresen-
tazione del nostro stato d’animo per la si-
tuazione in cui eravamo coinvolti. Vole-
vamo risultati ma i risultati non c’erano.
Talvolta eravamo piuttosto arrabbiati.
Gioia e Rivoluzione
PF: Il contrario di tutto ciò, uno dei pri-
mi momenti che si mette giù il mitra/
contrabbasso e si canta una canzone
all’osteria, una ballata…
PT: Gianni in realtà aveva quest’imma-
gine del guerrigliero che la sera, alla fi-
ne della giornata, dopo aver fatto una
giornata di combattimenti, si rilassava
Robero Masotti
un po’… tipo Robin Hood. Si metteva
al fuoco, cantava e si preparava in un
1975: Mercato
Ortifrutticolo, Milano.
modo diverso alla battaglia del giorno
dopo. Il contrabbasso e anche il cuore,
davanti c’era il suono molto semplice e
nello stesso tempo molto forte: riapriva
il discorso che si era chiuso il giorno pri-
ma e che sarebbe stato riaperto anche il
giorno dopo.
PF: C’è da dire che Gioia e rivoluzione, al
di là di quello che significa il testo, na-
sce da una frase di John Cage che non
c’entra assolutamente niente! Un aned-
doto in cui lui tira fuori i Ching, le sue
monetine, e chiede all’oracolo se i suo-
ni terrificanti che stava producendo in
quel periodo fossero giusti, se, insom-
ma, doveva continuare. L’oracolo gli ri-
sponde che doveva continuare tranquil-
lamente a spargere “gioia e rivoluzione”
per il mondo.
Implosion e Area 5
PF: Area 5 è un brano composto da
Juan Hidalgo e Walter Marchetta, una
dedica; purtroppo rimasero, ahimè,
molto delusi, quando lo ascoltarono in
studio per la prima volta. 2 minuti… lo-
ro avrebbero voluto 2 ore! Marchetti dis-
se: “Come? Già finito?”. Lavoro interes-
sante, improvvisazione che non dava a
ciascuno di noi l’opportunità di ascolta-
re ciò che l’altro avesse fatto, quindi era-
vamo liberi di muoverci in un territorio
sconosciuto.
PT: Implosion è un altro tipo di atmosfe-
ra. Questo è uno dei dischi più strumen-
tali che abbiamo fatto e spesso i titoli so-
no legati alle sensazioni che il suono ti
produce. Questo concetto di implosione
scaturiva dalle suggestioni del suono.
PF: Direi che l’idea, forse inconscia-
mente, nasceva dal fallimento delle
azioni del movimento.
PT: È chiaro. Noi, in effetti, ci credeva-
mo e invece è successo quello che è suc-
cesso.
La Copertina
PF/PT: Rompere un po’ gli schemi e i
giochi fatti. Idea di Sassi.

Ares Tavolazzi (sinistra)
e Patrizio Fariselli
Robero Masotti
(destra). Teatr. Teatro
Uomo, 4 maggio1975.
Atto quarto:
Le Areavisioni di Roberto Masotti e Silvia Lelli
dicembre 2013
L’ immagine negli Area svolge un
ruolo importante: forte, diret-
ta, penetrante e persino “romantica”…
immagine di veri caratteri e di sostanza
musicale. Roberto Masotti e Silvia Lelli,
entrambi artisti delle visioni, ne hanno
storicizzato un bel tratto grazie alle loro
fotografie e alla loro passione. Tra qual-
che mese uscirà un loro libro fotografi-
co sugli Area. Di seguito le parole di Ma-
sotti, la persona che più ha seguito le
vicende del gruppo a livello d’immagi-
ni. All’inizio dei Settanta la concezione
della fotografia legata allo spettacolo, e
più specificamente alla musica, non era
evidente. Se ne potevano cercare bran-
delli qua e là, inseguendo gli utilizzi in
forma di arte applicata; questo a parti-
re da ciò che compariva sulle coperti-
ne dei dischi, su riviste specializzate e
poster di particolare qualità. Si seguiva
il filo dello stile e della qualità, appun-
to, soffermandosi su ciò che emergeva,
che cambiava lo stato delle cose. Quan-
do decisi che non mi bastava più solo
ascoltare, dischi o concerti, presi a usa-
re la macchina fotografica e a osare di
avvicinarmi, a riquadrare il campo, per
catturare l’evento e i suoi protagonisti,
condensando la percezione del tutto.
Questo avvenne con il jazz e il rock tra
Bologna e Firenze. Dal 1973, gravitan-
do su Milano, cominciai con Battiato,
Stockhausen, la scena improvvisata e
jazz con Mazzon, Liguori, Gruppo Con-
temporaneo, Aktuala, Rava, Gaslini, la
Cramps di Gianni Sassi, gli Area e tutti
gli altri a seguire. Ecco, gli Area. Presa
ormai l’abitudine, anche l’obbligo pro-
fessionale, di avvicinare gli artisti, par-
larci, costruirci qualcosa giocando su
disponibilità, complicità e amicizia, mi
capitava spesso di essere sul palco con
loro… e la prospettiva, il punto di vista,
cambiava parecchio, entrava l’ambien-
te, il pubblico che, per gruppi come gli
Area, era non poca cosa. C’era un’aria
di avanguardia, di movimento, di prog
molto evidente quanto raffigurabile, a
starci attenti. E così accadde, soprat-
tutto ai festival… Parco Lambro 1975
in primis (praticamente in contempo-
ranea con la pubblicazione di CRAC!),
vere immersioni tra un pubblico impo-
nente, festante e non solo. Tutto que-
sto fino al CONCERTO PER DEMETRIO
STRATOS del 14 giugno 1979 all’Arena
di Milano, incredibile commemorazio-
ne-evento, Stratos era morto il giorno
prima, mesta e gioiosa a un tempo. Era
un continuo scendere e salire dal pal-
co, un continuo cambiare prospetti-
va, ma sempre maledettamente den-
tro. Gli Area vennero a casa e in stu-
dio per ritratti di gruppo e singoli,
di volta in volta commissionati da
Sassi-Cramps o per copertine e ser-
vizi di riviste, ad esempio «Gong»,
della cui redazione facevo parte. Per
la rivista li intervistai anche, uno
ad uno. Fondamentali furono alcu-
ne occasioni in sala d’incisione, Fono
Roma e poi Ricordi per i progetti soli-
stici di Demetrio, che rimangono parti-
colarmente interessanti per il carattere
analitico in sintonia con gli esperimen-
ti vocali che Stratos metteva in campo.
Va detto che queste ricerche fotografi-
che, molto partecipate per quel che mi
riguarda, venivano apprezzate da Gian-
ni Sassi che, da grande grafico e art di-
rector qual era, le esaltava nel loro si-
gnificare. È importante dire che la mu-
sica degli Area mi piaceva e che ne ero
coinvolto. L’energia, la forza del suono
e della struttura dei loro lavori diveni-
vano un percepire profondo del feno-
meno, ben lontano dal fanatismo. Al-
tre cose venivano fotografate secondo
quello spettro caleidoscopico che carat-
terizzava la cultura negli anni Settanta
saltando da un palcoscenico all’altro:
dallo scantinato, il luogo ex industria-
le, agli stucchi dorati della Scala. Qual-
che riga fa parlavo dell’aspetto analiti-
co che informa e conduce l’agire foto-
grafico. È meglio specificare a cosa ci si
riferisce introducendo alcuni elementi.
Il gesto innanzitutto, come la teatrali-
tà che è di poco più complessa e plura-
le. Se il primo si riferisce al singolo ar-
tista inquadrato, il secondo allarga la
visuale alle relazioni tra i diversi atto-
ri sul palcoscenico o nel luogo. Si pone
allora il problema di inquadrare e com-
prendere tutto il gruppo in azione, non
solo per documentare, ma per cogliere
nel momento espressioni, gesti, coreo-
grafia, energia, la composizione sceni-
ca della musica suonata in quella fase
precisa. Ecco, siccome si chiede spes-
so come si fotografa la Musica, essendo
un chiaro ossimoro il farlo, si può parti-
re da queste considerazioni per capire,
ma non sistematizzare, quello che si è
fatto e quello che si sta facendo, consa-
pevolmente. Gli Area, e il lavoro attor-
no a loro, sono un buon esempio di ciò
e per quel che riguarda un altro aspet-
to fondamentale: gli strumenti. In sala
d’incisione ci si divertì parecchio con
Demetrio per cogliere il rapporto con
le espressioni, i gesti, gli oggetti che ve-
nivano messi in campo e di cui Stratos
era un fervente collezionista bulimico.
La foto con la cartina Rizla a fior di lab-
bra o con la statuina del bambino che
fa pipì è un’icona per me. Ma ve ne so-
no tante altre. Come formidabile è la
sequenza che Silvia Lelli fece a Deme-
trio… andando oltre le mie pur anali-
tiche ricerche, penetrando attraverso
«Nessun
a ideolog
dell’imp
rovvisa ia
Demetr zion
io Strato e»
s
67
 la bocca, estraendogli la lin-
gua, andando verso le corde
vocali, cercando la Voce più
in profondità. Quella sequenza,
assieme ad altri suoi formidabili ritrat-
ti, è quanto di più aderente alla nostra
comune concezione fotografica appli-
cata alla musica e non solo. Silvia ha
rappresentato benissimo anche l’a-
spetto performativo di Stratos quando
allo Spazio Fiorucci, sul Treno di Ca-
ge o alla Settimana della Performan-
ce a Bologna giocava con specchietti,
ochette ecc. Non è un caso che assie-
me abbiamo fatto una mostra dedica-
ta a lui che lo vedeva con gli Area, la
“casa” di appartenenza, il laboratorio,
in cui solidarietà artistica e spinta ver-
so il nuovo tanto avevano prodotto, e
infine solista. Continuai a fotografare
gli Area anche dopo la separazione da
Demetrio e abbastanza recentemente
ho concepito i video che rivisitano due
brani di ANTROPOFAGIA di Patrizio
Fariselli. Ricordo ancora come “gustai”
allora il fare foto agli elementi di pre-
Patrizio
Fariselli
1975.
Archivio Cramps
Tofani AREA Live
Pierlombardo
6ottobre 1975.
68
parazione del pianoforte, mollette da
bucato, sassi di fiume, una bistecca. A
un certo punto scatta la necessità di ri-
trarre, d’indagare quel rapporto che si
instaura tra un occhio fotografico e il
personaggio con il suo carattere e con
la propria espressività. Spesso e volen-
tieri tra prove e concerti certi scatti ri-
sultano essere dei quasi-ritratti, ne si-
mulano l’intensità ma non sono frutto
di quel particolare stato d’animo che
connette il soggetto con l’operatore,
mettendo a nudo qualcosa. Ho sempre
amato estendere questa idea di ritratto
al gruppo, ricercandone le interne re-
lazioni. Queste si disegnano tra i vol-
ti, si riflettono negli sguardi e nei ge-
sti. Gli Area, coagulo di forti persona-
Antonio De Sarno
lità, anche dirette ed esplicite, hanno
richiesto questo “trattamento”, dicia-
mo pure imposto. Pena la superficiali-
tà. Sul web l’uso indiscriminato di no-
stre fotografie di Demetrio e gli Area, il
saccheggio in pratica, unito alla man-
cata citazione dell’autore è dilagante
e provoca in noi malumori frequenti.
Difficile rassegnarsi. Si dirà: così è
la legge di internet, tutto fluisce e
si disperde in mille rivoli senza sa-
pere di chi è cosa. Non credo sia
una buona strada, amen. Questo
oltretutto in assenza di strumenti
editoriali tipo album d’immagini
ragionati, biografie per immagi-
ni, saggi visivi, che in certo modo
mostrino e certifichino il lavoro
su un artista o un gruppo. Que-
sto varrebbe per tante altre situa-
zioni interessanti che vengono
trascurate in un mondo edito-
riale che, nel settore spettacolo,
guarda unicamente ai soliti no-
ti, travolti come sono da un’on-
da pop-trendy che liscia solo la
superficie, tralasciando figure
mitiche come Area, Stratos, e,
Robero Masotti
credetemi, tanti altri. Oppure si
rifugia nella nostalgia… amen.
Atto QUINTO:
Bertoncelli, CRAC!
quant’anni dopo, aprile 2015
H o avuto la fortuna di conoscere be-
ne gli Area ai tempi, di seguire pas-
so passo la loro evoluzione, di scoprirli
con entusiasmo, di litigarci anche. Ri-
cordo il viaggio insieme a Berna per un
Festival rock, subito dopo il primo Lp;
acerbi, un po’ impacciati ma già smanio-
si, pieni di cose da dire. Ricordo lo stu-
dio di Gianni Sassi, il pubblicitario che
si era inventato discografico e a un cer-
to punto li aveva scoperti (o dovrei di-
re modellati?) per la sua Cramps. Sas-
si era un cinico passionale (un ossimo-
ro?), con antenne sensibili. Aveva capi-
to che il vecchio tavolo discografico era
stato sparecchiato e si era seduto lui, che
pure di musica non aveva esperienza, a
giocare la nuova partita. Teneva il mazzo
con la sua faccia burbera, da sotto il cap-
pellone simil Gato Barbieri che gli piace-
va portare, e ogni tanto calava qualche
carta strana. Gli Area erano il suo asso.
Perché erano vogliosi, polemici, aggres-
sivi, voraci, perché si prendevano tutto
dei tempi, velleità slanci opportunità,
con la rabbia repressa “di chi ha suonato
per anni la musica dei padroni”; e allora
straordinari mix di Zappa e Taylor, musi-
ca improvvisata e kosmische musik, Miles
e Cage e Stockhausen, con una disinvol-
tura una libertà una naturalezza che og-
gi lasciano basiti. Testi libertari fra anar-
chia e situazionismo, scritti con lo pseu-
donimo di Frankenstein: dove si agitava
il mondo ribollente dei primi 70, l’antifa-
scismo militante e l’impegno per la Pa-
lestina, le lotte studentesche, il femmi-
nismo, la polemica contro il lavoro alie-
nante e i miti del capitalismo. Gli Area
sapevano di essere piccoli David con la
fionda in un mondo non solo musicale
di prepotenti Golia. Ma non ci stavano a
zittirsi, mulinavano le loro pietre e face-
vano saettare cerbottane pungenti. For-
se Jimmy Page non era il più corretto dei

Area 2015
Patrizio e Paolo.
bersagli; ma se si guarda la luna e non
il dito, allora la metafora dell’Abbattimen-
to dello Zeppelin andava benissimo, anzi,
andrebbe recitata ancora oggi, ogni se-
ra, come piccola orazione per vivere me-
glio. Non amo le canonizzazioni, quindi
non mi piace l’odore d’incenso che oggi
avvolge i “santi” Area. Troppo amore ren-
de ciechi, e profumieri. Io che ho vissuto
quegli anni in presa diretta, non posso
dimenticare i dubbi e le polemiche, an-
che feroci, tra il complesso e il suo pub-
blico e noi addetti ai lavori, che stavamo
in mezzo: “signorini che non danno in-
formazioni al pubblico ma fanno lette-
ralmente il bello e il cattivo tempo”, ci-
to Demetrio in una intervista a «Gong».
C’era un rumore di fondo che in qual-
che modo disturbava e oggi non si coglie
più, con la distanza del tempo e lo sva-
nire di tante problematiche. Ci sembra-
va (dico a noi di «Gong», ma non solo)
che gli Area fossero sempre sopra le ri-
ghe: troppo. Troppo aggressivi e genero-
si, troppo sensibili e suscettibili. A volte
un po’ maestrini e insolenti, per come ti
bacchettavano in punta di bambù, fos-
se musica o politica. Per carità, eravamo
esagerati anche noi. Li vedevamo im-
pegnati in un territorio importante, nel
campo dei miracoli della “musica totale”;
e pretendevamo tanto, tantissimo, forse
li avremmo voluti più ricercatori e meno
teatranti, più sognatori di musica e me-
no compagni militanti. Ci davano fasti-
dio certi happening in scena e L’Interna-
zionale che scattava come una sveglia a
richiamare all’ordine quando il concer-
to languiva: “o lo sventolio di bandiere
e i gesti, e le parole che a molti puzza-
no di slogan posticci per fare accettare
i suoni” (chiamo a testimonianza Peppo
Delconte, capo servizi di «Gong», 1975).
D’altro canto, gli Area stavano fra la no-
stra incudine e il martello delle frange
estreme della sinistra: che li rimprove-
ravano invece di opportunismo (non ba-
stava incidere per una etichetta indipen-
dente, era comunque il mercato del di-
sco) e avrebbero voluto concerti gratis e
non al prezzo abituale, sebbene politico,
di 1000 lire (mezzo euro. Fate un po’ il
paragone con la scena odierna). Questo
era il quadro, anzi il nastro, con il rumo-
re di fondo, senza Dolby. Gli facevamo le
pulci con puntiglio, e io so che era una
forma d’amore, per quanto perversa. Ri-
leggo vecchi articoli in cui i primi tre Lp
vengono definiti “non indegni”. Be’, in-
somma, erano molto di più; e il primo
soprattutto grida ancora fortissimo oggi,
anzi, più forte che allora. Anche CRAC!
grida fortissimo e quarant’anni dopo
lo riascolto con ammirazione e stupo-
re. Chissà perché non mi piacque all’e-
poca (meglio: perché gli trovai così tan-
ti difetti, visto che comunque era quella
la mia musica). Forse perché gli Area era-
no diventati “di moda” e non era
più tempo di scoperta da parte
AREA Parco Lambro
Maggio 1975 .
di pochi ma di venerazione (acritica) da
parte di molti, e volevo evitare di stare
in coda a porgere i miei omaggi. Lo so,
è un atteggiamento ingenuo ma avevo
vent’anni e un caratterino puntuto, con
il vizio tipico dell’epoca (anche zio Lester
faceva così!) di voler insegnare agli arti-
sti cosa fare e non semplicemente pren-
dere atto di ciò che avevano fatto. An-
davo d’istinto, di emozione, di pancia,
ero fazioso e tranchant, come una volta
mi rimproverò il povero Giaime Pintor ai
tempi di «Muzak»: “A Bertonce’, la mu-
sica si ascolta con le orecchie, non con
le palle!”. Dammi tempo Giaime, ora ti
do ragione senza fatica; e riascoltando
CRAC! le orecchie decifrano segnali belli
e profetici di Weather Report, di Zappa,
del Battiato periodo Bla Bla, degli Henry
Cow, dei Gong, del Miles electricus – in-
somma, tante tante cose che mi piace-
vano e che gli Area non scimmiottava-
no ma assorbivano con gusto e rumina-
vano nella loro rumorosa gidouille. Avrei
potuto scrivere qualcosa del genere, in-
vece buttai giù una recensione polemica
e scorbutica. Demetrio se la prese e mi
fece nero, non con una semplice “lettera
al direttore” ma con una “didascalia sul
piano tecnico-musicale-concettuale po-
litico”, così scrisse, con l’intento di edu-
carmi e recuperarmi “anche solo per un
attimo dalla tua narcolessia musicale”
(che dicevo prima?). Mi chiamò Peppo
dalla redazione, lesse lo sfogo in diretta
e mi invitò a replicare. No, grazie, meglio
prender su e portare a casa. Cosa avrei
dovuto rispondere in effetti? Gli svarioni
che mi rimproverava erano davvero tali,
le puntualizzazioni indiscutibili, esclusa
la mia orticaria per il finalino di Hidal-
go e Marchetti che, calibro o non calibro
di chi l’aveva composto, trovo ancor og-
gi smunto e traballante. La vicenda mi
servì da lezione, per inciso sono gli stessi
mesi di un’altra mia recensione sgrunt,
quella per STANZE DI VITA QUOTIDIA-
NA di Guccini, che suscitò ben altro che
una puntigliosa “didascalia” e fu una
sveglia giornalistica assai più sonora.
Insomma, se è vero che “si cresce negan-
do gli altri”, in quel senso stavo esage-
rando. Dovevo aprire le orecchie piut-
tosto, capire più che giudicare; e co-
sì credo di avere fatto, aiutato
dai musicisti più coraggiosi e
curiosi, fra cui naturalmente
gli Area (anche se, qui scopro
l’acqua calda, CRAC! sarà per
molti versi una fine). Me ne
andai su per il mondo come
la mela di Odessa, sicu-
ro che la Terra non fosse
piatta e mi attendessero
infiniti luoghi di mu-
sica da scoprire con
gioia. Peccato che
in questi viaggi
Demetrio mi ab-
bia fatto com-
Robero Masotti
pagnia solo
per poco.
69
 FRANZ DI CIOCCIO (voce e batteria).
Concerto al Teatro Olimpico, Roma, il 29 aprile.

Il 29 aprile al teatro Olimpico di

Roma c’è stato l’ultimo concerto della
PFM con Franco Mussida alla chitarra, il
30, alle prove del Concertone del 1° maggio a
Piazza S. Giovanni, la prima apparizione con
Marco Sfogli, il nuovo chitarrista. In queste pagine il
resoconto fotografico di quei due, epocali, momenti, e
una breve riflessione. Tra poco a parlare sarà la musica
del disco in arrivo…
Franz Di Cioccio e Patrick Djivas. Prove del
Concertone San Giovanni, Roma 30 aprile.

71
Testo: Guido Bellachioma
Immagini: Francesco Desmaele

la Premiata Forneria Marconi

ha deciso di andare avanti, anzi
sembra aver rinnovato stimoli ed
energie per mettere in pista un
sacco di nuovi progetti, non solo
rivisitazioni dell’antico materia-
le come negli ultimi anni. Se ne va Francone
Mussida ed entra Marco Sfogli, giovane arti-
sta napoletano (classe 1980), che ha sempre
vissuto in mezzo alla musica… d’altronde è
figlio di Fausta Vetere e Corrado Sfogli, voce
e chitarra della Nuova Compagnia di Canto
Popolare, il gruppo cardine per l’evoluzio-
ne della musica popolare in Italia attraverso
commistioni con le musiche del mondo. Il
ragazzo ha collaborato con il batterista Virgil
Donati (Planet X, Steve Vai, Scott Henderson,
Steve Walsh, Frank Gambale, Derek Sherinian,
Dave Stewart, Mick Jagger, Joss Stone, Allan Lucio “violino” Fabbri, Marco Sfogli,
Holdsworth etc.), il cantante James LaBrie dei Teatro Olimpico. Concertone.
Dream Theater, e al progetto Neon Karma con
Lorenzo Feliciati al basso e Roberto Gualdi alla
batteria (elemento della PFM attuale). In con-
temporanea, da segnalare l’ingresso di Alberto
Bravin, membro dei triestini Sinestesia (di cui
l’Aereostella aveva prodotto due album, nel
2007 e nel 2009). Innesti dalle nuove genera-
zioni per dare ulteriore linfa vitale. Non a caso,
già da qualche tempo, la nuova formazione ha
iniziato la produzione delle composizioni per
l’atteso album in studio, che manca da trop-
pi anni; se il gruppo fosse rimasto in stand by,
come negli ultimi anni, non l’avrebbe messo in
cantiere, almeno questa è la mia impressione.
Un lavoro che dovrà essere coraggioso e cre-
dibile, visto l’attimo davvero importante nella
lunga vita del gruppo, che ci può far capire se
riuscirà a far breccia nel cuore degli appassio-
nati, sempre attenti a capire la “nuova-antica”
PFM. Franz, Patrick, Lucio, Iaia, che ormai se-
gue la band come vero componente aggiunto
da tanto tempo, e gli altri ragazzi più giovani
devono capire che questa band è ormai “nu
piezz’ ’e core” per tanti, sempre in fibrillazione
quando cambia qualcosa nel suo status quo. Fi-
nora, le reazioni degli appassionati sono state
più che incoraggianti, se, ovviamente, ognuno
può avere la propria opinione. E poi, tanti con- LUCIO FABBRI
certi in Italia e all’estero, compresa la crociera violino, seconde tastiere e seconda chitarra
prog CRUISE TO THE EDGE (che li porterà sui
mari americani, partenza da Miami, dal 15 al ROBERTO GUALDI
19 novembre). Sempre nello stesso mese, la seconda batteria
PFM suonerà a Montreal (20), Quebec City
(21), New York (24). Parlando con Franz e Pa-
ALESSANDRO SCAGLIONE
tastiere, Hammond, minimoog
trick: “Marco Sfogli è davvero un grande chi-
tarrista ma non dovrà sostituire nessuno, visto
che ognuno ha la propria personalità. Dovrà
semplicemente essere se stesso e portare la FRANZ DI CIte OCCIO
sua identità all’interno di un gruppo come il voce e bat ria
nostro. Il nuovo disco sarà l’impulso per non
interrompere il filo conduttore che porta avan- MARCO SFOGLI
ti la PFM da tanti anni, al di fuori dei propri chitarre
componenti. Avevamo voglia di fare cose nuo-
ve e, finalmente, è arrivato il momento tanto PATRICK DJIVAS
atteso, quello giusto. Il disco sarà tra qualche
mese ma, probabilmente, uscirà nei primi
basso
mesi del 2016, dato che verso la fine del 2015 ALBERTO BRAVIN
saremo in tour all’estero”.
voce e tastiere aggiunte
72
 Roberto Gualdi,
Teatro Olimpico. Teatro Olimpico.

Concertone.
Ricordi d’infanzia
Un album che ha origine dall’amore perduto e dall’abuso di droghe:
MISPLACED CHILDHOOD è il capolavoro dark prog che trasformò i Marillion
in autentiche rockstar – e anche il disco che spaccò il gruppo. Nel suo 30esimo
anniversario, ci addentriamo nella storia del making of di un classico senza tempo.
Testi: Mark Blake
Illustrazioni e foto: Mark Wilkinson and Steve Rothery

74
75
S
econdo Fish, i Marillion devono
tutto a Terry Wogan. Il 20 marzo
1985, il gruppo fece la sua prima e
unica apparizione nel talk show
del conduttore irlandese. All’epo-
ca il programma televisivo, inti-
tolato Wogan, andava in onda in
prima serata e rappresentava la
perfetta vetrina per un gruppo con un
singolo da promuovere. Negli studi te-
levisivi della BBC, situati a Sheperd
Bush, i Marillion eseguirono Kayleigh,
quello che il conduttore definì il loro
“attuale successucolo”. Alla fine della
canzone, Fish, il cantante, fece un ti-
mido sorriso alla telecamera. E dopo
tutto cambiò. A quasi 30 anni di di-
stanza, Fish, nato col nome Derek Dick,
ricorda ancora quella esibizione. Mal-
colm Hill, capo promozione della EMI,
dopo lo spettacolo, lo prese da parte.
“E mi disse: ‘Quel sorrisetto che hai fat-
to alla fine ha spezzato il cuore di tutte
le mamme davanti alla tv’”. Poco dopo,
Kayleigh era al secondo posto in classi-

ce, sono occupati a scrivere un nuovo

fica, regalando ai Marillion quello che
sarebbe stato il più grande successo
della loro carriera. “È stato Wogan”, dice
Fish. “Ha acceso la miccia e dato il via
ai fuochi d’artificio”. A giugno, MI-
SPLACED CHILDHOOD, il loro terzo al-
bum in studio, scalzò BOYS AND GIRL
di Brian Ferry, ex Roxy Music, dalla vet-
ta delle classifiche di vendita. Contro
tutte le previsioni i Marillion erano di-
ventati uno dei gruppi più importanti
della Gran Bretagna. “Di punto in
bianco passammo dall’essere un grup-
po prog, relativamente sconosciuto,
all’avere in classifica un singolo e un
33 giri dall’enorme successo”, si stupi-
sce ancora Fish. “In pratica, con MI-
SPLACED CHILDHOOD era come se
avessimo mostrato il dito medio a chi
pensava solo a fare soldi con la musi-
ca, dicendogli ‘Fottetevi! Siamo una
vera band!’”. Il 17 giugno di quest’anno
l’album compie 30 anni ed è tuttora il
maggior successo pubblicato sia dai
Marillion che da Fish. Il cantante, che
sta pensando di smettere con i concer-
ti, ne festeggerà il compleanno ese-
guendolo interamente, secondo la sca-
letta originale, nel tour Farewell to
Childhood, che attraverserà molte na-
zioni tra giugno e dicembre (Svezia,
Marocco, Olanda, Germania, Lussem-
burgo, Norvegia, Danimarca, Francia,
Polonia, Inghilterra). I Marillion, inve-
«È stato il disco
che ci ha salvato la carriera»
Mark Kelly
album. Si ha l’impressione che per loro
il passato – e specialmente il passato
con Fish – sia come un territorio a cui
si sentono ormai estranei. Ma ricorda-
no con piacere MISPLACED CHILDHO-
Sopra: I Marillion OD, come ammette Mark Kelly, il loro
a bordo del Learjet tastierista: “È stato il disco che ci ha
affittato dalla EMI per
salvati”. Nel 1984, ai loro fan – che, va
portarli da Berlino agli
Studi dove si registrava detto, erano in crescita – poteva sem-
Top of the Pops. brare ovvio che i Marillion fossero sul
Centro: Il gruppo con il punto di esplodere. Avevano avuto cin-
capo della promozione que singoli nella Top 40 e due album
EMI, Malcolm Hill.
Sinistra: Fish nel nella Top 20, grazie a SCRIPT FOR A JE-
camerino a Top of the STER’S TEAR (1983) e a FUGAZI
Pops. (1984). Ma, in realtà, correvano il serio
rischio di essere mollati dalla propria
casa discografica. “Ci eravamo ficcati
in un vicolo cieco con la EMI”, ci spiega
il chitarrista Steve Rothery. Le cose
erano peggiorate quando i Marillion
avevano deciso d’investire per il video
del loro ultimo singolo, Assassing, quasi
la stessa cifra che avevano speso per
registrare l’intero album da cui era
tratto, ovvero FUGAZI. “E il 50% delle
spese erano a carico nostro”. “A ripen-

76
sarci eravamo – di-
ciamo – in bilico sul
baratro”, aggiunge
Kelly. SCRIPT FOR
A JESTER’S TEAR
aveva venduto cir-
ca 120.000 copie.
FUGAZI era costato il dop- Sopra: I manoscritti di Fish dove viene sviluppato lizzare un altro disco”, prosegue Kelly. I
pio e aveva venduto un pochino meno. il testo di Kayleigh. Marillion, tuttavia, ancora non aveva-
Se avessimo continuato così saremmo no detto alla EMI che il prossimo sareb-
divenuti finanziariamente poco soste- be stato un concept album. “Quella”,
nibili”. Era un’avvisaglia della situazio- ammette Rothery, “avrebbe potuto es-
ne in cui i Marillion si sarebbero ritro- sere la goccia che avrebbe fatto traboc-
vati alla fine degli anni Novanta, da cui care il vaso”. L’idea per MISPLACED
poi uscirono con ANORAKNOPHOBIA
(2001), prodotto tramite il crowdfun-
«Prima di Kayleigh eravamo CHILDHOOD venne a Fish durante un
trip con l’LSD. Il cantante era tornato
ding. Nel 1984, invece, fecero come
tutti i gruppi rock che cercavano dispe-
i detentori di un record: eravamo nella sua casa a Aylesbury, nel Bu-
ckinghamshire, alla fine del tour di FU-
ratamente di sopravvivere: pubblicaro- il gruppo che era stato più volte GAZI e si sentiva a pezzi, esaurito, ma
no un disco dal vivo. REAL TO REEL,
edito a novembre, fu registrato a Mon- a Top of the Pops, e che ha visto “cosciente che il gruppo aveva un terzo
disco molto difficile da pubblicare”. Po-
treal, Canada e in posti meno esotici
come Leicester, UK. Entrò nella Top 10 i propri singoli scendere sempre co dopo ricevette una lettera da una ex
fidanzata. “C’era scritto: ‘Credo che po-
e vendette bene nel resto d’Europa. “E
la cosa fece venire alla casa discografi- di più in classifica» trebbe piacerti’, e una pastiglia di acido
purissimo. Una sera stavo a casa da so-
ca il dubbio che forse poteva essere lo, mi annoiavo, e ne presi metà”, ricor-
conveniente darci la possibilità di rea- Steve Rothery da Fish. “Poi pensai: ‘Echecazzo, non

77
 Le bozze a matita per la
copertina di MISPLACED
CHILDHOOD. Dentro il buco a
forma di puzzle c’è un’immagine
che Mark non fece in tempo a
completare.

“Alla fine era

scaduto il tempo…”
L’artista Mark Wilkinson, famoso per aver collaborato con i Marillion dell’era Fish,
ci spiega come venne fuori la copertina di MISPLACED CHILDHOOD.

M ark Wilkinson ricorda ancora la sua reazione quando gli fu

comunicato quello che avevano in mente i Marillion per MI-
SPLACED CHILDHOOD.
“Eravamo a metà degli anni 80 e parlavano di fare un concept al-
bum! Ero convinto che i media li avrebbero massacrati e che sa-
rebbe stato un disastro dal punto di vista delle vendite. Questo
dimostra quanto ne capivo!”. L’idea per la copertina fu svilup-
pata nel corso di una serie di incontri tra il gruppo e l’artista.
“Per Fish, questa era l’ultima parte della trilogia iniziata con
SCRIPT FOR A JESTER’S TEAR ma ancora oggi non capisco perché
la pensasse in questo modo. Però su una cosa Fish fu inflessibile:
doveva essere l’ultima volta che si sarebbe visto il giullare su
una copertina dei Marillion. Lo presi alla lettera ed è per questo
che si vede il giullare uscire dalla finestra nel retro copertina”.
“Fin dall’inizio fu deciso che sulla copertina ci doveva essere
un ragazzo in uniforme. In testa avevo quest’immagine di Emil
Sinclair, il protagonista del romanzo di Hermann Hesse, Demian
– Storia della giovinezza di Emil Sinclair. Sembrava portare su
di sé il marchio di Caino. Ma non riuscivo a trovare un modello”.
Alla fine Wilkinson trovò la persona giusta proprio davanti casa. La copertina finale… che l’atteggiamento che mi servivano per la copertina”. Mead è
O per meglio dire, nel pub davanti casa: “Robert Mead era uno con un comodo spazio ritratto a piedi nudi, una scelta che Wilkinson ammette essere
dei figli del proprietario del posto. Aveva 10 anni e un giorno per i titoli dei brani! un omaggio ai Beatles e alla copertina di Abbey Road. “C’era
lo vidi dietro il bancone del bar e pensai che aveva sia l’aspetto Paul McCartney ritratto a piedi nudi, cosa che fece nascere tutta

78
 Barwell Court,
al cui interno il
gruppo compose
MISPLACED
CHILDHOOD.
Una foto
di riferimento
di Robert Mead,
Mark Wilkinson
funziona’. E buttai giù anche il resto…”.
usata per la
copertina.
Si ferma e ride. “Eh sì. Sempre lo stesso
errore”. Erano le sette di una calda sera
estiva. Il mondo attorno a lui stava per-
dendo progressivamente consistenza.
Fish inforcò la bicicletta e corse al vici-
no cottage di Steve Rothery. “All’epoca
io e Fish eravamo buoni amici”, ricorda
il chitarrista. “Eravamo i due scapoli
del gruppo, e stavamo molto tempo as-
sieme”. È vero che Fish era sotto acido?
Rothery ride: “Sì, molto probabilmente
sì”. Fish ricorda che guardarono il film
«A Berlino non ci conosceva nessuno
e potevamo fare quello che ci pareva.
E io ne ho fatte di tutti i colori»
Fish
Tess, tratto dal romanzo di Thomas
Hardy, con la bellissima attrice tedesca
Nastassja Kinski. “Steve era stracotto
di lei”, ricorda ridendo Fish. “Ma quan-
do gli effetti della droga divennero in-
sostenibili, Fish chiese a Rothery di ri-
accompagnarlo a casa. “E una volta
tornato mi dissi: ‘Ok, ora cerchiamo di
Rob posa lungo ricavare qualcosa da questa situazio-
il Muro di Berlino, ne’”. Fish mise su un disco, si rannic-
Mark Wilkinson
durante le riprese chiò sul pavimento, afferrò un taccui-
del video di Kayleigh.
no e inizio quella che chiama “scrittura
una serie di teorie pazzesche. E io feci riferimento a quell’im-
a flusso di coscienza”. All’epoca aveva
magine. Pensai anche a David Hockey (classe 1937; pittore, di- un quadro del pittore americano Jerry
segnatore, fotografo e scenografo britannico), che metteva dei Schurr, Padres Bay (“Ce l’ho ancora.
calzini ai suoi modelli perché non sapeva dipingere i piedi! L’ho appeso in camera da letto”). L’im-
Fu il mio modo di dire che anche i piedi sono importanti”. magine del mare e delle montagne era
“Iniziai dipingendo gli occhi di Robert, poi il resto del volto, e ipnotica. A Fish sembrò quasi di essere
passai un tempo infinito sull’uniforme che ha addosso. Troppo
tempo”. Le altre immagini presenti nella copertina sono ricche
entrato nel dipinto. L’esperienza allu-
di simbologia. “Il papavero era stato usato nella copertina di cinogena aveva dato i suoi frutti.
FUGAZI, e ovviamente è un simbolo di morte, cosa che Fish “Quella notte gettai le basi per quello
pensò fosse importante. L’arcobaleno e le gazze sono un rife- che sarebbe divenuto il lato A del di-
rimento a un verso dal brano Childhood’s End? – ‘E allora vidi sco. Intere frasi e versi che avevo scrit-
una gazza nell’arcobaleno, la pioggia era finita’. Ma se vi ricor- to sul taccuino finirono dritti nella ver-
date la vecchia filastrocca, una gazza significa tristezza, e due
invece gioia. Ecco perché ce ne sono due”. C’è anche uno strano
sione definitiva dell’album”. Uno dei
spazio vuoto sul retro copertina dove sono stati inseriti i titoli pezzi, Pseudo Silk Kimono, divenne il
delle canzoni. Ma in realtà si trova lì semplicemente perché brano di apertura. Dopo che l’effetto
Wilkinson aveva sforato la scadenza. “Quello spazio vuoto a dell’LSD scemò, Fish sentì di doverne
forma di puzzle non era previsto. Avevo intenzione di riempir- parlare con qualcuno. “Telefonai a
lo con qualcosa, ma avevo finito il tempo. Letteralmente. E mi Steve e gli dissi ‘Ce l’ho. L’ho inchioda-
succede sempre. MD
to’”. Alla fine il 27enne Fish ricavò il te-
ma portante del disco dalle sue espe-
rienze personali: il fatto di osservare
l’infanzia svanire a mano a mano che
gli anni passano; l’eccitazione e la
pressione schiacciante nel fare parte di
una rock band, e, cosa cruciale, la re-
cente fine della relazione con Kay, la
sua fidanzata. Era un concept album,
certo, ma fortemente radicato nella re-
altà. Le sessioni di scrittura iniziarono
nell’autunno del 1984 al Barwell Court,
una gelida struttura vittoriana, che si
trova a Chessington, nel Surrey. “Me ne
stavo nella sala tv col fuoco accesso a
scrivere i testi”, ricorda Fish, “e sentivo
gli altri che nella stanza vicina compo-
nevano tutte le musiche”. “Ricordo che
tutto avvenne molto in fretta”, dice Kel-
ly. “Attualmente stiamo lavorando a un
nuovo disco, e a ripensarci siamo tutti
stupiti di come all’epoca riuscimmo a
scrivere praticamente gran parte del la-
to A in una sola settimana”. Si tratta di
Pseudo Silk Kimono, Kayleigh, Lavender,
Bitter Suite suddivisa in più sezioni, e
Heart Of Lothian. “Se solo tutti i dischi
fossero stati così facili da comporre”,
sospira. A Barwell Court il gruppo co-
nobbe il suo nuovo produttore, Chris
Kimsey. “Non conoscevo affatto i Ma-
rillion”, spiega oggi Kimsey. “Ma il loro
addetto alle pubbliche relazioni, David
Munns, era un mio buon amico e mi
disse di andare ad ascoltarli. Arrivai a
Barwell Court mentre stavano compo-
nendo il disco e m’innamorai subito di
loro”. Il curriculum di Kimsey come tec-
nico del suono comprendeva FRAM-
PTON COMES ALIVE! di Peter Fram-
pton e SOME GIRLS dei Rolling Stones.
“Inizialmente fummo intimiditi da
Chris”, ammette Fish. “Ma si rivelò un
tipo davvero alla mano e oltretutto
aveva fatto anche BRAIN SALAD SUR-
79
GERY degli ELP”. Cosa ancora miglio-
re, Kimsey non dovette essere convinto
della bontà di un concept album. “Mi
stava benissimo”, ci dice. “Mi chiedi se
la EMI volesse o meno un concept al-
bum? Non credo proprio che la EMI
sapesse cosa voleva. Volevano solo un
singolo di successo”. E fu a Barwell
Court che i Marillion composero quel
singolo. Fish ricorda che quando sentì
per la prima volta Rothery giochicchia-
re col riff, che poi sarebbe divenuto
Kayleigh, lui era nella sala tv. “Quel riff
originariamente era nato perché vole-
vo mostrare alla mia futura moglie co-
me scrivevo le canzoni”, dice Rothery.
“Poi lo misi via, e grazie a una cosetta
del genere abbiamo estinto il mutuo”.
Inizialmente Kayleigh doveva essere so-
lo un altro capitolo nella storia di MI-
SPLACED CHILDHOOD. Nessuno lo ri-
teneva un potenziale singolo. Oltretut-
to i compagni di Fish avevano anche
delle riserve riguardo al titolo e al te-
sto. Il punto era che il secondo nome
della sua ex fidanzata Kay era Lee, e il
nomignolo con cui la chiamava il pa-
dre era ‘Kay-Lee’. La cosa era fin trop-
po evidente. “Il gruppo disse: ‘Ehm, ma
parla di Kay, non puoi cantarla’”, ci di- Sopra e a destra:
ce Fish. “E io, ‘Perché?’. E loro: ‘Perché due immagini delle
è troppo personale’”. “Io fui quello più riprese del video
contrario”, ricorda Kelly. “Kay era stata di Kayleigh a Berlino.
la ragazza di Fish fin da quando ero en-
trato nel gruppo. Ma ora si erano la-
sciati e dissi: ‘No. Non dovremmo chia-
marla Kayleigh’. E allora Fish rispose
[usando un tipico accento scozzese]: ‘E
come volete che la chiami? May-be?’”.
“Mi sentivo a disagio”, aggiunge Steve
Rothery. “Conoscevo bene Kay ed era
una ragazza adorabile. Ma per me il te-
sto era come un omaggio a Kay… e
parlava di come Fish avesse buttato
via tutto quello che avevano costruito
insieme”. Sia quel che sia, Fish si rifiutò

di cambiare il testo, visto che come ha
sempre detto da allora, in realtà si rife-
riva a più di una delle sue ex ragazze. E
così rimase Kayleigh. Nel frattempo i
Marillion tornarono in pista per un
tour prenatalizio nel novembre del
1984. La set-list ora comprendeva gran
parte del primo lato di MISPLACED
CHILDHOOD. “Kayleigh non era ancora
definita del tutto”, dice Fish, “e se ascol-
tate i bootleg di quel tour potete senti-
re che a volte improvviso le parole”. I
Marillion ultimarono i demo del nuovo
materiale negli studi Bray nel Berkshi-
re, prima di spostarsi negli studi Hansa
Ton a Berlino, nel marzo del 1985. Ne-
gli stessi studi, Chris Kimsey aveva ap-
pena prodotto NIGHT TIME dei Killing
Joke e il loro singolo Love Like Blood.
“Era anche uno studio molto economi-
co”, ricorda Mark Kelly, “e ripensandoci
la cosa ha una sua logica, dato che la
casa discografica stava valutando di
mollarci”. Comunque c’erano posti
peggiori di Berlino per registrare un di-
sco. Stare a Berlino era, come dice il ta-
stierista, “come vivere nel Far West”. O,
come invece dice Fish, “in un parco
giochi per adulti”. Prima della riunifica-
zione nel 1990, Berlino Ovest non face-
va ufficialmente parte della Germania.
Questo significava che i ragazzi resi-
denti lì non avevano l’obbligo del servi-
zio militare come nel resto del Paese.
Dice Rothery: “E così era pieno di ra-
gazzi, artisti, musicisti. Quel posto ave-
va un feeling unico”. Gli Hansa Studios
si trovano in un ex municipio e aveva-
no una lunga storia. Il salone principa-
le, Der Meistersaal, durante la Seconda
«Mi rinchiusi nel mio mondo
e diventai un pezzo di merda»
Fish
Mark Wilkinson
guerra mondiale era stato usato dai
nazisti per concerti a fini propagandi-
stici. Ed era stato agli Hansa che negli
anni 70 Bowie aveva registrato la sua
‘Trilogia Berlinese’ (LOW, HEROES e
LODGER). Kimsey affittò un apparta-
mento in periferia. Il gruppo (Fish, Kel-
ly, Rothery, il bassista Pete Trewavas e
il batterista Ian Mosley) si piazzarono
all’Hervis Hotel, che si affacciava pro-
prio sul Muro. Le prime cose che il
gruppo vedeva ogni mattina erano il fi-
lo spinato, i graffiti e i posti di guardia
delle sentinelle sulle garitte. In studio
inizialmente ci furono dei problemi: il
banco del mixer, un Neve su cui Kimsey
doveva lavorare, era rimasto danneg-
giato quando i Killing Joke ci avevano
usato un estintore sopra, pochi mesi
prima. “Era starato, e gracchiava”, ri-
corda Rothery. “Le prime settimane
tutto quel che registrammo suonava in

80

modo molto pedestre”. Kimsey ricorda
che Mosley si lamentava che la batteria
“non fosse abbastanza imponente”. Ro-
thery ricorda: “Appena Chris equalizzò
tutto, le cose cominciarono a ingrana-
re. Ma, all’inizio, eravamo davvero sfi-
duciati”. In breve, anche l’assistente
tecnico di Kimsey, Thomas Steimler,
conquistò la stima del gruppo grazie
alle sue doti di procacciatore. “Thomas
telefonò a Bösendorfer, la famosa ditta
di pianoforti austriaca, e disse che c’era
un gruppo rock inglese molto famoso
in studio e se potevano mandarci un
pianoforte”, ricorda Kelly. Poco dopo un
pianoforte da concerto Bösendorfer ar-
rivò agli Hansa e fu portato a spalle su
per le scale per essere consegnato a
quello che in realtà era un gruppo rock
inglese non-così-tanto-famoso. Risolti
i problemi tecnici e con un nuovo pia-
noforte a disposizione, gruppo e pro-
duttore adottarono una routine lavora-
tiva molto comoda. “Iniziavamo nel
tardo pomeriggio”, dice Steve Rothery.
“Si lavorava fino a sera, poi cena, usci-
vamo con Kimsey, si beveva un sacco,
si tornava in studio e si cercava di lavo-
rare ancora un po’”. ‘Cercava’ esprime
bene l’atmosfera. Per ottenere il sound
che aveva in mente, Kimsey persuase
Fish a cantare dopo aver infilato la te-
sta nella sfera di plastica che abbelliva
il telefono a gettoni presente in studio.
Fish, invece, ricorda con toni cupi di
aver avvertito una ‘presenza non ben
identificata’ mentre una notte il grup-
po stava registrando Perimeter Walk,
una sezione di Blind Curve. “La sala, do-
ve stavamo, un tempo era stata un
punto di ritrovo per ufficiali delle SS”,
dice. “Sono convinto che ci fosse qual-
cos’altro a parte noi. Ho avvertito
un’altra presenza”. Ma va detto che Ber-
lino offriva talmente tante distrazioni
che non era insolito che qualche com-
ponente del gruppo lavorasse in uno
stato, per così dire, alterato. “La città
non si svegliava prima di mezzanotte”,
dice Kimsey. “Se avevamo un giorno li-
bero lo passavamo in giro per i locali, e
alla fine ci si ritrovava tutti al Cri Du
Chat, un club che apriva alle sei di mat-
tina”. La Tequila divenne il carburante
principale, consumata in tali quantità
che, ricorda Rothery, alcuni del gruppo
caddero addormentati durante la visio-
ne a tarda notte di Metropolis, il classico
di Fritz Lang del cinema muto. “Certo,
il fatto che i sottotitoli fossero in tede-
sco non fu d’aiuto”. Chris Kimsey fu an-
che vittima di uno scherzo frutto di una
sbornia. Mentre guidavano per Berli-
no, i Marillion persuasero Thomas
Steimler a schiantare la sua Volvo con-
tro l’automobile che Kimsey aveva pre-
so a noleggio, giusto per il gusto di far-
lo. “Chris era nella sua Honda Jazz”,
svela Kelly, “e Thomas gli entrò dentro
a un semaforo, e passammo i successi-
«Tra tutti i dischi che abbiamo
pubblicato ce n’è qualcuno che non ho
voglia di riascoltare. Ma non
MISPLACED CHILDHOOD.
Regge bene ancora oggi»
Mark Kelly
vi 20 minuti a spingerlo con la nostra
macchina finché l’auto non iniziò a fare
un rumore preoccupante e dovemmo
mollarla. Quando hai 22, 25 anni pensi
di non finire mai nei guai, strano no? E
in un certo senso riuscimmo a farla
franca anche quella volta”. “Potrei ri-
empire un libro con aneddoti su Berli-
no”, ci dice Fish. “Ma dovrete aspettare
che lo scriva”. Momenti topici del perio-
do includono la “prima e ultima espe-
rienza con l’eroina” del cantante, denu-
darsi al ristorante, e lanciare mattoni
al di là del Muro per cercare di far scop-
piare qualche mina. “Era divertente”,
dice. “A Berlino nessuno sapeva chi
fossimo, e potevamo fare tutto quello
che ci pareva. E io ne ho fatte di tutti i
colori”. Il lavoro fu così duro e il diverti-
mento così intenso che, secondo Ro-
thery, nei tre mesi passati all’Hansa era
come se i Marillion fossero “invecchiati
tutti di cinque anni”. Nel frattempo la
EMI chiedeva novità sui brani da utiliz-
zare come singoli. “La EMI si ritrovava
con ciò che aveva seminato”, dice Fish.
“Non ci avevano dato uno straccio di li-
nee guida. Avevano solo mandato dei
loro manager ad ascoltare quello che
stavamo facendo, ma noi li avevamo
Il Muro di Berlino, chiusi in una stanza, fatti incavolare, e
lungo la strada che poi gli avevamo passato un paio di spi-
portava allo studio
nelli”. “Uno era talmente scazzato che
di registrazione.
si addormentò durante l’ascolto”, ride
Kelly. “Alla fine però ci disse: ‘Tutto
qui?’”. L’unico pezzo nuovo che aveva-
no era Lady Nina, che non c’entrava
niente col concept dell’album. “Glielo
facemmo ascoltare e lui esclamò: ‘Oh,
questo sarà il singolo’”, aggiunge Kelly.
“e noi dicemmo ‘No’. Per cui se ne tor-
nò a casa convinto che non ci fossero
potenziali singoli”. I Marillion sapeva-
no benissimo che dovevano pubblicare
qualcosa e alla fine furono d’accordo
su Kayleigh, con Lady Nina come lato B.
“Ma la scelta era considerata come il
La EMI voleva che meglio del meno peggio”, dice Kelly.
Lady Nina, che non “Nessuno credeva che la canzone sa-
faceva parte del
concept di MISPLACED rebbe stata un successo”. Secondo
CHILDHOOD, fosse Chris Kimsey, inizialmente il singolo fu
pubblicata come missato agli Abbey Road Studios, e poi
singolo. Alla fine uscì il master fu spedito a Berlino per l’ap-
solo negli USA,
nel 1986. provazione. Kimsey si portò il nastro
per ascoltarlo nel suo appartamento.
“E faceva schifo”, sospira. “In cucina
c’era una di quelle Ghetto Blaster anni
80. Ci misi il nastro, mi sdraiai con la
testa tra gli altoparlanti e presi nota di
come potevo migliorare la cosa. Poi il
giorno dopo andai in studio e mi misi
all’opera. Insistetti perché tutto il disco
fosse mixato a Berlino”. La EMI aveva
bisogno anche di un video per il singo-
lo. Per un meraviglioso scherzo del de-
stino, il video di Kayleigh, un pezzo sulla
ex fidanzata di Fish, avrebbe visto all’o-
pera Tamara Nowy, la donna che in se-
guito sarebbe diventata la sua prima
moglie. Fish l’aveva incontrata in una
delle sue scorribande notturne a Berli-
no e cercava una scusa per passare del
tempo con lei. Ma il resto del gruppo
bocciò l’idea di coinvolgerla, e al suo
posto furono scelte altre due modelle.
Una si ruppe la caviglia, e l’altra si bec-
cò un avvelenamento da cibo poco pri-
ma delle riprese. “Per cui alla fine le
dissi ‘Amore, ti va di fare un video?’”, ri-
dacchia Fish. Oltre alle riprese dei due
che si sbaciucchiano in giro per Berli-
no, guardandosi teneramente negli oc-
chi, nel videoclip è presente come atto-
re anche Robert Mead, 10 anni, il mo-
dello per il ‘tamburino’ nella copertina
realizzata da Mark Wilkinson. Quell’im-
magine, dice Fish, fu ispirata anch’essa
da un incontro soprannaturale. “Kay
81

viveva a Earls Court dove c’era una sca-
la che portava al suo appartamento, e
una notte le sembrò di vedere un ra-
gazzo in cima alle scale, quasi una pre-
senza spettrale”. Crescendo, Fish era ri-
masto affascinato dalla storia militare,
e l’uniforme da tamburino sarebbe di-
ventata il suo nuovo costume di scena.
“Ma era abbastanza stretto”, dice, “per-
ché non fanno giubbetti militari misu-
ra XXL”. Pubblicato il 7 aprile 1985,
Kayleigh cambiò la vita dei Marillion.
Per la prima volta uno dei loro singoli
veniva passato in radio in orari popola-
ri, e ascoltato non solo da chi compra-
va «Sounds» e sentiva il Friday Rock
Show su Radio One. Non era difficile
capire la differenza tra Kayleigh e i pre-
cendenti singoli dei Marillion, come
Assassing o Punch And Judy: era una
grande e universale canzone d’amore.
Secondo Kimsey, poi, “Il riff iniziale di
chitarra di Steve alla radio suonava
davvero bene”. Ma fu l’esibizione dei
Marillion a Wogan che sancì definitiva-
mente il trionfo. “Prima avevamo un
record: eravamo il gruppo che era stato
82
La colazione dei
campioni: Mark Kelly
mangia fiocchi d’avena
a Barwell Court.
più volte ospite a Top of the Pops, e che
aveva visto il proprio singolo scendere
sempre di più in classifica,” afferma Ro-
thery. “Con Kayleigh, volammo dritti
dall’Europa in Learjet solo per suonare
a Top of the Pops”. Inevitabilmente la do-
manda a cui tutti volevano avere rispo-
sta era: chi è Kayleigh? “«The Sun» la
cercò”, ricorda Kelly. “Ma Kay era una
«Qualcuno nel gruppo
festeggiò troppo»
Steve Rothery
persona molto riservata, e così cercam-
mo di mantenere tutti il segreto”. MI-
SPLACED CHILDHOOD fu pubblicato il
17 giugno e, spinto dal successo del
singolo, alla fine arrivò al numero 1. In
un anno vendette un milione e mezzo
Steve Rothery
e Mark Kelly
agli Hansa Studios.
Chris Kimsey
si prepara
a mettersi
all’opera.
di copie diventando disco di platino. “E
i giornalisti, che prima dicevano che
eravamo solo dei cloni dei Genesis, ini-
ziarono improvvisamente a scrivere:
‘Oh, questo è un gruppo rivelazione”,
aggiunge Fish. Riascoltando oggi il 33
giri nella sequenza originale, la robo-
ante parte narrata di Fish nell’apertura
con Pseudo Silk Kimono e la sezione Brief
Encounter di Bitter Suite sembrano resi-
dui dei dischi precedenti, e per quanto
possa dare fastidio l’etichetta di ‘cloni
dei Genesis’, ci sono echi fin troppo fa-
miliari per tutto il disco. Ma alla resa
dei conti i Marillion avevano raffinato
il sound ed erano diventati più accessi-
bili. Come ammette Fish: “Avevo inizia-
to ad allontanarmi da quel falsetto un
po’ forzato. Stavo trovando la mia vera
voce”. Inoltre questi non erano il grup-
po un po’ melenso e molto tolkieniano
di Grendel ‘and his mossy home beneath the
stagnant mere’. In massima parte MI-
SPLACED CHILDHOOD parla della vita
reale e di emozioni vere. Ebbe più suc-
cesso dei dischi precedenti, FUGAZI e
SCRIPT FOR A JESTER’S TEAR, perché
riusciva a parlare a più persone. Mal-
grado i problemi iniziali, Kayleigh fu se-
guito da un altro brano nella Top 5 a
settembre, Lavender. E due mesi dopo
arrivò anche l’inno Heart of Lothian, ter-
zo e trascinante singolo. I Marillion
trascorsero la maggior parte del 1985 e
del 1986 in tour, suonando ogni notte
il nuovo disco per intero. Negli USA
aprirono i concerti dei Rush e si trova-
rono davanti un “mare di persone che
si chiedevano: ‘E questi chi cazzo so-
no?’”, dice Fish ridendo. In Gran Breta-
gna fu un’altra storia. Sul palco si esi-
biva senza l’abituale make-up, come se
volesse mostrare il suo vero volto. La
critica musicale mainstream e i quoti-
diani ora facevano la fila per parlare col
ciarliero frontman scozzese. “E la cosa
disturbò il gruppo”, dice. “Perché tutti i
riflettori erano puntati su di me ed ero
quello più in vista all’interno della
band”: “Fish sembrava voler essere
sempre più al centro dell’attenzione”,
dice Rothery, che ammette come il ‘ba-
gno di fama’ dei Marillion lo mettesse a
disagio. “Non mi piaceva il fatto di non
potermi mai rilassare un attimo”. Fish
ovviamente non aveva di queste preoc-
cupazioni: “Quando ero adolescente e
sognavo di far parte di un gruppo rock”,
dice, “immaginavo che sarebbe andata
proprio così”. “Fish bramava la celebri-
tà”, osserva il chitarrista, “e questo ali-
mentò il conflitto che più tardi scoppiò
tra noi. Gli piaceva bere e fare festa. E
qualcuno nel gruppo festeggiò troppo”.
Quando i Marillion iniziarono a pensa-
re a un altro disco, le crepe all’interno
della band erano ormai evidenti.
CLUTCHING AT STRAWS, pubblicato
nel 1987, sarebbe stato l’ultimo disco
di Fish col gruppo e realizzarlo non fu
una bella esperienza. “Dovevo con-
frontarmi con molte cose, a livello pro-
fessionale e personale, compreso il
mio ego”, ammette Fish. “Diciamo che
mi ero chiuso nel mio mondo ed ero
diventato un pezzo di merda”. Senten-
do queste parole Rothery se la ride.
“Be’ anche io mi prendevo troppo sul
serio all’epoca. Ero tutto preso dalla
musica e dall’arte, cazzo!”. Alla do-
manda su cosa pensi adesso di
quell’album, Rothery dice di esserne
fiero, ma anche che “ha rappresentato
la calma prima della tempesta”. Nel
2005 Fish ha riproposto integralmente
MISPLACED CHILDHOOD nel corso
del suo tour Return to Childhood.
Quest’anno, per festeggiare il 30esimo
anniversario, farà lo stesso. Ma gli sa-
rebbe piaciuto risuonarlo almeno una
volta dal vivo con i Marillion. “Sarebbe
stato bello”, sospira. “Ma sono passati
30 anni, per Dio, avremmo dovuto ab-
bassare la tonalità dei brani, e invece
Steve ha dichiarato a tutto il mondo
“Steve, ti va di provare a fare questa?”
Steve Hogarth racconta cosa si prova a cantare le canzoni di MISPLACED CHILDHOOD.
“Prima di entrare nei Marillion non avevo mai ascoltato MISPLACED CHILDHOOD. Avevo sentito Kayleigh e Lavender
alla radio, e basta. In un certo senso ancora non ho davvero ascoltato tutto il disco, ho scoperto i brani uno per
volta. Ogni tanto qualcuno del gruppo mi dice: ‘Che ne pensi se facciamo questa?’, e allora ascolto il pezzo imma-
ginando come rifarlo dal vivo. A volte funziona, e a volte no”. “Nel modo di scrivere e cantare di Fish ci sono dei
momenti di rabbia, direi anche di violenza. E io non sono un cantante arrabbiato o violento. Posso anche esserlo,
ma non a comando. Non sono un cane ammaestrato. Per cui ci sono pezzi dell’era Fish che non riesco proprio a
fare”. “Allo stesso tempo, credo che Fish abbia scritto cose eccellenti e Kayleigh ha un testo molto valido. Versi
come ‘dancing in stilettos in the snow’ e ‘loving on the floor in Belsize Park’ ovviamente si riferiscono a cose
successe davvero, a ricordi reali. E posso capirlo. Posso condividere questi sentimenti. Li senti autentici”. “Heart
of Lothian è strana perché ovviamente io non sono di Edinburgo. Ma mi piace cantarla. Non la eseguiamo spesso,
ma lo facciamo sempre quando siamo oltre il confine, in segno di rispetto”. “Per cui, parlando delle canzoni di
MISPLACED CHILDHOOD, il mio pensiero è il seguente: se è una canzone sincera, onesta e non troppo gotica o ar-
rabbiata, o che quando l’ha scritta il cantante era strafatto, posso farla… in realtà posso anche farne una in cui
il cantante era strafatto, ma in quel caso devi anche darmi un po’ di quella roba lì”. MB
che non avrebbe cambiato una virgo- se che la canzone parlava di lei”.
la”. Si ferma un attimo, e sembra abba- Trent’anni dopo, nel 2015, alcune can-
stanza irritato. “Ma chi se ne frega in zoni tratte da MISPLACED CHILDHO-
che tonalità è?”. Ovviamente ai Maril- OD sono ancora nella set-list dei Ma-
lion importa. E trasporre le canzoni rillion. “Tra tutti i dischi che abbiamo
per adattarle alla voce di Fish non è pubblicato ce n’è qualcuno che non ho
qualcosa che gli piaccia fare. “Se non voglia di riascoltare. Ma non MIS-
può cantarle nella stessa tonalità del PLACED CHILDHOOD. Regge bene an-
disco allora non le suoneremmo come cora oggi”, dice Kelly. Detto questo,
sono nel disco”, dice Rothery. “Non re- avendo registrato più dischi con il can-
galeremmo alla gente la stessa esper- tante Steve Hogarth di quanti ne ab-
ienza. Meglio lasciare in pace i ricordi”. biano fatti con Fish, i Marillion non si
Ma per Fish questo disco è colmo di ri- crogiolano troppo nel passato. Fish in-
cordi, davvero molto personali. Nel Re- vece si concede un ultimo tuffo nella
turn to Childhood Tour il cantante ha ri- nostalgia. “Fu un disco cruciale per me
visto la sua vecchia fiamma, Kay. “È e per i Marillion”, dice, “e non ne cam-
venuta a Edinburgo e le ho dato una bierei nulla. Per cui voglio salire sul
copia del disco. Mi ha scritto dicendo palco e cantarlo un’ultima volta”. Cele-
che aveva pianto per tutto il tempo”. brandone il 30esimo anniversario
Esita, ”mi ero sempre ripromesso che vuole rendere l’ultimo omaggio alle
non avrei mai parlato di lei… Ma ok… persone e ai luoghi che lo hanno ispi-
Era una farmacista e lavorava allo Sto- I tre singoli tratti rato e, probabilmente, chiudere final-
da MISPLACED
ke Mandeville Hospital. Abbiamo con- CHILDHOOD. Dall’alto:
mente la porta sul passato.
tinuato a scambiarci email, parlando Kayleigh, Lavender,
dei nostri figli… e un giorno mi ha det- Heart Of Lothian. Il libro di Steve Rothery Postcards
to che le avevano diagnosticato qual- From The Road è ordinabile
cosa. E poi è sparita”. Poco dopo, Fish su www.postcardsfromtheroad.co.
apprese che ‘Kayleigh’ era morta di Per altre informazioni su Fish
cancro. ”I suoi amici mi dissero che e sui Marillion: www.fish-thecompany.com
verso la fine fece in modo che si sapes- e www.marillion.com.
83
the italian
rendezvous
MISPLACED CHILDHOOD è l’album dei Marillion che di fatto
sancisce l’incontro tra il gruppo inglese e il pubblico italiano.
Un fenomeno di massa con attese, conferme,
entusiasmo e una piccola dose d’incrollabile scetticismo…
Testi: Paolo Carrelli
Immagini d’archivio: Marco Leodori, Ezio Candrini
C’
è una strana coincidenza che
lega i Marillion all’Italia: il 17
giugno, data ufficiale di uscita di
MISPLACED CHILDHOOD, è anche
quella del primo concerto italiano
del gruppo inglese nello scompar-
so Rolling Stone di Milano. L’hit
single Kayleigh era stato pubblicato
in tutto il mondo all’inizio di aprile, rag-
giungendo in Italia l’onorevole ventiset-
tesima posizione nella classifica di vendi-
ta. Il risultato fu quello di calamitare
l’attenzione del grande pubblico sulla
band, fino a quel momento considerata
solo dagli appassionati di rock progres-
sivo. Chi, in quel periodo, era interessa-
to alla nuova scena prog inglese, infatti,
aveva sicuramente seguito le gesta dei
Marillion su riviste come «Kerrang»,
«Sounds» o «Melody Maker», dove il
volto dipinto di Fish era un bel vedere
per le copertine, mentre in Italia qual-
che timido articolo era comparso qua e
là, ad esempio su «Rockerilla» o «Ciao
2001», già nel 1983. Qualcuno, come i
ragazzi della neonata fanzine «Paperla-
te», invece, non aveva resistito ed era
andato a vederli l’anno precedente in
Francia e in Svizzera, come ricorda Luca
Benporath: “Bisogna considerare che i
Marillion in Italia ci sono arrivati tardi,
rispetto a tutti gli altri Paesi europei,
84
«I Marillion hanno resuscitato
un fantasma mai morto, quello del rock
sinfonico, ammantandone gli echi
di nuove e più moderne sonorità»
Paolo Zaccagnini
dove la band aveva suonato in lungo e
in largo nel 1984, incluso il Lussembur-
go, ma la reazione del pubblico italiano
fu fantastica. Personalmente li avevo
visti già due volte: nel maggio 1984 a
Parigi nel tour di FUGAZI, davanti a un
pubblico prevalentemente di metallari,
che non si aspettava melodie e testi che
parlassero di giullari, cenerentole o del-
la guerra nel Nord dell’Irlanda, e nel no-
vembre dello stesso anno a Ginevra.
Quello fu il primo grande “esodo” dei fan
italiani per vedere la band all’estero.
Quando, nel giugno 1985, la band arri-
vò finalmente in Italia, Kayleigh era usci-
ta da circa un mese, e il successo di quel
singolo si mischiò all’immagine di cult
band creando una miscela di pubblico
strana e disomogenea. Sia nel debutto
al Rolling Stone di Milano che, il giorno
dopo, all’Arena Puccini di Bologna, un
cinema all’aperto piuttosto squallido,
ma con un’acustica quasi perfetta, si
poteva trovare il teenager, venuto sulla
spinta radiofonica del singolo, e gli
emuli di Fish col make-up sul viso. Non
mancavano gli appassionati dal capello
che iniziava a imbiarcarsi… giusto per
verificare di persona come suonassero
realmente gli “eredi dei Genesis”, eti-
chetta che i Marillion si sono tenuti fino
a quando Fish ha fatto parte della band”.
Indubbiamente la loro crescente popo-
larità, raggiunta tra l’altro senza edulco-
rare in maniera significativa il proprio
sound, solo raffinando i tratti presenti
Sotto Il tour program fin dall’inizio della propria carriera, rap-
di MISPLACED presentava per gli appassionati di rock
CHILDHOOD. progressivo un momento se non di ri-
valsa, perlomeno di riscossa”. Sottolinea
Ezio Candrini, fondatore di «Paperlate»:
“Ho il ricordo di un sogno che andava
materializzandosi. Personalmente li se-
guivo dal tour di FUGAZI, estate 1984,
ma già a novembre con la redazione di
«Paperlate» ci organizzammo per pren-
dere parte ai concerti svizzeri, dove av-
venne la prima, imbarazzante, intervi-
sta a Fish, che non voleva sentir parlare
di Pallas e Twelfth Night. Quando arri-
varono in Italia i fan erano abbastanza
preparati ad accoglierli, come testimo-
niano le riprese di Videomusic della data
Armando Gallo
di Bologna, visibili ancora oggi su You-
Tube. Loro erano alle stelle, divertiti,
quasi meravigliati di tanto seguito. Il
pubblico italiano era caldo, ricettivo,
consapevole che qualcosa di nuovo e
importante stava accadendo nel prog”.
Ricorda Benporath: “La scaletta fu qua-
si la stessa nelle serate di Milano e Bolo-
gna, al Rolling Stone la band era ancora
un po’ timida e il pubblico meno caldo,
«A Bologna Fish utilizzò il make-up
per l’ultima volta. Era ormai avvenuto
l’ingresso della ‘cult band’
nel giro che conta»
Luca Benporath
Pete Trewavas,
Fish e Mark Kelly
al Colosseo il 21 ottobre.
la sera dopo a Bologna, forse complici le
telecamere di Videomusic che filmavano
lo show, il gruppo fornì una prova maiu-
scola. Forgotten Sons rappresentò proba-
bilmente l’apice della serata, con Fish
che s’infilò il casco e iniziò a “mitraglia-
re” il pubblico con l’asta del microfono.
Ma tutto il concerto fu notevole: una
band in forma con Rothery e Fish in evi-
denza. I giorni dei problemi vocali per il
85
 Fish nell’unico
concerto italiano
del 2014: Smaila’s,
Campoverde/Aprilia.
Bruno Tamiozzo
Mark Kelly, Roma,
24 aprile 2007.
cantante scozzese erano ancora relati-
vamente lontani”. In Italia la band visse
una pazzesca escalation di visibilità du-
rante l’estate 1985, presente pratica-
mente a tutti gli appuntamenti che con-
tavano sulla tv italiana: Orecchiocchio,
Vota la voce, Roxy Bar di Red Ronnie
(dove Fish dovette rispondere imbaraz-
zato a una critica dei Righeira secondo i
quali la band non valeva nulla) oltre
alla rotazione su Videomusic dei vari vi-
deoclip e del concerto di Bologna di giu-
gno. Poster della band comparvero
come per magia in allegato sia a «Ciao
2001» che a «Cioè» (insieme agli Arca-
dia, succursale dei Duran Duran). Pro-
segue ancora Benporath: “Quando i
Marillion tornarono a ottobre in Italia
erano diventati un fenomeno da Hit Pa-
rade con attesa spasmodica del pubbli-
co. A Milano, il gruppo suonò al Teatro
Tenda, all’epoca una delle venue più
capienti, seconda solo allo stadio e al
palazzo dello sport, dove aveva suonato
86
gente come gli U2, America, Miles Da-
vis, Iron Maiden o Eric Clapton. Niente
gruppi di supporto ma uno show rapi-
do, teatrale, centrato sull’esecuzione
integrale di MISPLACED CHILDHOOD,
in cui trovano spazio anche pezzi quasi
dimenticati come Chelsea Monday e la
preistorica The Web. Fish si presenta con
un lungo mantello al pubblico giovane
del Tenda, quasi sold-out, e con pochi
fan dei Settanta”. Se vogliamo trovare
un piccolo neo nel legame tra i Maril-
«Già con il secondo album divennero
più aggressivi… Assassing è un brano
che i Genesis non avrebbero mai
potuto scrivere»
Ezio Candrini
Isabella Latini
Nel tour program lion e il nostro Paese, questo è rappre-
di MISPLACED
sentato dalla diffidenza con cui il pub-
CHILDHOOD molte date,
tra cui quelle italiane, blico prog più adulto si avvicinò alla
dovevano essere musica del gruppo: “In effetti”, conferma
ancora confermate. Benporath, “la band veniva un po’
snobbata da chi aveva vissuto il ‘perio-
do d’oro’ dei Genesis e la reputava mera
fotocopia, pure sbiadita, di Gabriel e
soci. In Italia il fan tipo dei Marillion era
piuttosto il teenager o il ventenne, che
non aveva pregiudizi nei confronti della
‘new wave of progressive rock’ e di tutte
quelle band (IQ, Pallas, Pendragon,
Liaison, Solstice), salite alla ribalta sulla
loro scia, nate in quella fucina di talenti
che era il Marquee di Londra”. Diffidenza
che si evince anche nell’inizio della re-
censione di Paolo Zaccagnini sul «Mes-
saggero», 22 ottobre al Teatro Tenda
7up di Roma (posizionato nell’area
dove oggi sorge l’Auditorium Parco del-
la Musica): “Confessatelo. Vi dispiace-
rebbe proprio tanto trovarvi di fronte un
gruppo che vi desse le stesse sensazioni
dei Beatles o dei primi Rolling Stones?
Personalmente sarei contentissimo. E
allora mi sembra davvero inutile stare a
 palco con efficacia. Gli applausi, i regali
– persino un grosso cetriolo verde e vari
pupazzetti di plastica – lanciati sul pal-
co, le richieste di bis, prontamente sod-
disfatte, i cori, l’amore dimostrato dal
pubblico, tutto meritato visto che, fru-
gando nel passato, i Marillion hanno
saputo metter su uno spettacolo e una
musica che danno qualche punto a
gruppi, pericolosamente innumerevoli e
quasi tutti uguali, dell’ultrasuperiperex-
travanguardia”. Resta comunque il ricor-
do di un periodo unico, quasi irripetibi-
le. Un breve momento in cui il
progressive rock ritornò a essere “di
Promo Shot per il tour
di MISPLACED moda”, con una band di nicchia che di-
CHILDHOOD, 1985. ventava improvvisamente conosciuta, e
in cui finalmente, oltre alla disco dance
discutere ancora di come i Genesis e la e alla new wave, sugli scaffali dei negozi Fish in copertina su
loro musica abbiano influenzato i Maril- di dischi e nelle radio faceva capolino «Ciao 2001»: numeri
47 del 22.11.1985
lion. L’influenza c’è, si sente e si vede, qualcosa di diverso. E resta anche il ri- e 14 dell’11/04/1986.
ma Fish e i suoi quattro compagni han- cordo del rapporto creato tra il gruppo e
no saputo costruire qualcosa che, sep- i fan italiani della primissima ora, come
pure non sia nuovo, il rock sinfonico, ricorda Candrini: “Potrei parlarne, rac-
piace soprattutto perché, in era di com- contare per ore con il rischio di annoia-
puter e musica elettronica, permette di re. Fu un rapporto bellissimo: contatti
vedere cinque musicisti sgobbare sul sudati e guadagnati con la presenza ai
A NIGHT IN ROME,
22/10/1985
Recensione concerto di Maria Cristina Gasparetti
(dal libro Marillion, Fratelli Gallo Editore 1985)
S otto un fascio di luci azzurre, Mark, Steve, Ian e Pete fanno il loro
ingresso sul palco: lui, Fish, entra per ultimo. È vestito di nero, la
casacca ha una fascia anteriore bianca che va da una spalla all’altra Live in Italy 1985
e le scarpe sono un paio di Adidas bianche con una riga azzurra di
lato. È avvolto da un mantello blu scuro con su disegnati delle righe
e dei rombi neri e rossi di diverso tipo; la fronte è fasciata da un
17 giugno - Milano, Rolling Stone
foulard bianco annodato sulla nuca. Prende delicatamente il micro- 18 giugno - Bologna, Arena Puccini
fono con le due mani, staccandolo dall’asta, e inizia: “So here I am
once more”… l’audience sta già cantando, tutta protesa verso l’irre- Setlist: Assassing, Cinderella Search,
sistibile magia che si sprigiona dai suoi modi e dalla sua voce, rapi- Script for a Jester’s Tear, Punch and
ta da un magnetismo tanto grande quando spontaneo. Canta e fa Judy, Jigsaw, Emerald Lies, Misplaced
roteare il mantello in mille modi, fino a che lo slaccia e lo rende Childhood (Part 1), Incubus, Fugazi,
coprotagonista della mimica impeccabile. Ondeggia, salta, cammina, Forgotten Sons.
vive la pedana con quell’esuberanza che è oramai tanto cara a tutti i Encore: Garden Party, Market Square
fan, e tiene banco nel cuore e negli occhi di una platea straripante e Heroes
magnetizzata. Il pubblico farebbe qualunque cosa lui chiedesse, per-
ché il gigante di Dalkeith è un trascinatore di folle, e questo è inne-
gabile. È il momento di The Web, applauditissima, dove la scenogra- 22 ottobre - Roma, Teatro Tenda 7Up
fia prevede l’ombra di un ragno sulla ragnatela per tutta la durata 23 ottobre - Firenze, Palasport Scandicci
del brano, unita a un suggestivo gioco di luci bianche riflesse da una
grossa sfera a specchio posta in alto al centro della scena. L’effetto è 24 ottobre - Milano, Teatro Tenda
quasi quello di una pioggia luminosa che sembra scendere dal nulla
per ruotare su tutta l’audience. Poi Fish si allontana dietro la parete Setlist: The Thieving Magpie (La Gazza
delle casse acustiche e le luci si abbassano completamente, mentre Ladra), Emerald Lies (Intro), Script
Mark, dall’alto della pedana sulla quale è sistemato insieme a tutte for a Jester’s Tear, Incubus, Chelsea
le sue tastiere, attacca Pseudo Silk Kimono, primo brano di MISPLA- Monday, The Web, Misplaced Childhood
CED CHILDHOOD. Il pubblico l’ha riconosciuto alla seconda nota e (Part 1 & 2), Fugazi.
applaude con entusiasmo. Un faro azzurro riaccompagna Fish al cen- Encore: Garden Party, Market Square
tro del palco; ora indossa una camicia bianca senza bottoni e aperta Herpes.
sul petto fino all’altezza dello sterno, un paio di pantaloni scozzesi e
un kimono bianco e nero. Quando risale sul palco per il bis si accuc-
cia per un attimo al centro del palco, proprio davanti all’asta del
concerti all’estero, senza nessuna facili-
tazione e con la tecnologia dell’epoca,
quindi né mail né internet. Nonostante
la sorveglianza della casa discografica,
del loro manager e del tour manager, ri-
uscimmo a coinvolgere i componenti del
gruppo in serate e cene, dove la distanza
tra fan e musicisti era praticamente az-
zerata. Le cose più divertenti accadeva-
no quando due o tre di loro venivano in
Italia per interviste o promozione, senza
l’assillo di concerti e spostamenti con i
tour bus. Indimenticabili alcune serate
sui Navigli milanesi, quando riuscimmo
addirittura a procurarci strumentazione
e microfoni, improvvisando con loro una
specie di Marillion karaoke”. Non a caso,
nel 1986, da una costola di «Paperlate»
era nato il fan club italiano ufficiale dei
Marillion con fanzine annessa, chiamata
«Real to Read». Negli anni la fanzine è
approdata sul web e si è trasformata in
«The Web Italy» – www.thewebitaly.it –
ancora una finestra sempre aperta sul
mondo Marillion, insieme ovviamente
al fan club italiano di Fish. The Com-
pany Italy – www.the-company.it
Biglietto del concerto
di Roma, Teatro tenda 7up.
microfono e raccoglie un applauso che è più
che altro un’ovazione. Ha il microfono nella
mano destra, viene avanti e annuncia, sem-
plicemente, Garden Party. Gli striscioni, che
per tutta la durata del concerto si sono agi-
tati e hanno sventolato per attirare l’atten-
zione della band, ora sono sulle spalle degli
stessi che li hanno esibiti instancabilmente,
come bandiere dopo un combattimento vit-
torioso: centinaia di ragazzi e ragazze
indossano le bellissime magliette dei Maril-
lion, le sciarpe multicolori del tour 1985
avvolgono il collo e le spalle di molti altri
fan, e le copertine dei loro album sono in
mano a moltissimi…
87
 In molti lo aspettavano al varco dopo il capolavoro del 2013,
ma da uno come Steven Wilson era impossibile aspettarsi
un semplice sequel. L’artista inglese torna dopo soli due anni
con un album che modifica in parte quello che sembrava
un sound ormai consolidato, ma soprattutto con
una nuova macabra storia da raccontare. Due concerti
italiani a settembre: 21 a Cremona, 22 a Roma.

Testi: Paolo Carnelli, Claudio Lodi e Roberto Paravani

prima traccia di questo HAND.
CANNOT.ERASE racchiude in
soli due minuti, apparente-
mente interlocutori, molto
del senso dell’intero album:
una finestra su un mondo si
apre, una matassa di poten-
ziali connessioni si dipana
intorno a noi, ma la sensa-
zione di disagio e di straniamento è comunque
palpabile nell’aria. Niente è come sembra. Non è
la cavalcata tutta muscoli e Rickenbacker di 3 Ye-
ars Older a minare le nostre certezze di ascoltatori
che hanno da tempo incoronato Wilson come il
nuovo messia e salvatore del Prog, ovviamente,
ma quello che arriva subito dopo. La sua carriera
solista è stata un crescendo di qualità: dopo un
primo album, INSURGENTES (2008), decisamen-
te bello; un secondo, GRACE FOR DRAWNING
(2011), ancora migliore; e un terzo, THE RAVEN
THAT REFUSED TO SING (2013), considerato da
molti un capolavoro assoluto. L’attesa per questo
lavoro è stata relativamente breve ma ugualmen-
te spasmodica, visto che era chiaro che dopo THE
RAVEN non sarebbe stato facile ripetersi, soprat-
tutto per un artista che odia le ripetizioni. Wilson
spiega molte cose di questo lavo-
ro. “Quando compongo non credo
di fare molto caso al tipo di pres-
sione che può esserci, o alle attese
del pubblico. Certo è molto gratifi-
cante essersi sentiti definire uno
dei personaggi più importanti
all’interno di un certo genere mu-
sicale o addirittura colui che ha
riportato la musica progressive al
passo con i tempi, ma cerco di non pensare a tutto
questo quando scrivo. Tutto avviene in maniera
molto naturale. La musica per me è stata un pas-
so in avanti, album dopo album, e proprio per
questo motivo HAND.CANNOT.ERASE è diverso
dai precedenti. Quello che più mi stimola è l’av-
versione verso il ripetere me stesso: la paura di
fare due volte la stessa cosa mi stimola molto”. La
fonte di ispirazione per questo quarto capitolo so-
lista è ben nota, ed è purtroppo costituita da un
fatto reale: qualche anno fa a Londra venne ritro-
vato il corpo di una ragazza morta da circa tre
anni, senza che nessuno tra parenti, amici e vici-
ni, se ne fosse accorto. Da qui prende l’avvio per
raccontare una storia di emarginazione e solitudi-
ne in un contesto tecnologico e metropolitano: “Il
nome della ragazza era Joyce Carol Vincent. Fu
trovata morta nel suo appartamento a Londra, nel
2006, dopo che era rimasta lì per più di due anni
senza che nessuno l’avesse mai cercata. Proprio a
Londra. Quattro anni fa è stato realizzato il docu-
mentario DREAMS OF A LIFE, che esplorava la vita
e la morte di questa donna. La cosa interessante è
che quando ascolti questa storia per la prima volta,
come sicuramente ho fatto anch’io e molte altre
persone, pensi che Joyce Carol Vincent fosse la
classica vecchietta, piccolina di
statura, curva e stanca. Invece in
realtà era una donna giovane, at-
traente, che aveva molti amici e
una famiglia… e tutto questo rende
la storia decisamente straordina-
ria. Come era potuta sparire per
così tanto tempo senza che nessu-
no sentisse la sua mancanza? Per
me è diventata un simbolo di cosa

88
 «Amo il
progressive
rock perché è
la musica con
la quale sono
cresciuto»

Simone Cecchetti
 31/3/2015, Roma .
Riccardo Arena
LE covER
di WiLSon
N
el marzo del 2014 Steven Wilson ha pubblicato un doppio
Lp che raccoglie tutti i brani del progetto Cover Version.
Dal 2003, Wilson ha infatti realizzato una serie di sei sin-
goli registrati in completa solitudine e con un arrangiamento
minimale. Ogni singolo era disponibile sia in formato Cd che in
vinile da 7’’ e conteneva una cover nel lato A e un brano origi-
nale nel lato B. Ora, come detto, tutti i dodici brani sono dispo-
nibili in un’unica confezione in vinile di alta qualità e anche
su Cd. Le sei cover proposte da Wilson fanno sicuramente parte
della crescita musicale dell’interprete ma risultano al tempo
stesso spiazzanti, visto che i pezzi sono Thank U di Alanis Mo-
rissette, The Day Before You Came degli ABBA, A Forest dei Cure,
The Guitar Lesson di Momus, Sign O’ the Times di Prince e Lord
of the Reedy River di Donovan.
90
«Per me il
progressive
rock
raccoglie al
suo interno
qualsiasi cosa:
dal metal, al
jazz, alla
musica
elettronica»
significhi vivere in città nel ventunesi-
mo secolo, con il caos, lo stress, la con-
fusione, il terrorismo e tutto il resto.
Sembra impossibile, invece è estrema-
mente facile per una persona essere
inghiottita all’interno di una grande
città, e per me questa ragazza è diven-
tata il simbolo di tutto questo”. Come
nella migliore tradizione prog, HAND.
CANNOT.ERASE è di fatto un concept
album. “Il personaggio protagonista
dell’album, pur essendo basato chiara-
mente sulla figura di Joyce, è un perso-
naggio inventato. Ma quando crei una
figura, per fare in modo che gli ascolta-
tori finiscano per credere che sia reale
devi donarle qualcosa di tuo, qualcosa
della tua vita e della tua esperienza per-
sonale, devi darle una parte delle sen-
sazioni vissute, dei tuoi sentimenti e
dei tuoi ricordi. E in realtà l’album par-
la di molte cose: dei tempi moderni,
della confusione che regna nel nostro
mondo tecnologico, della nostalgia,
dell’adolescenza, di Internet e anche
della città. Parla veramente di tante
cose diverse anche se c’è, indubbia-
mente, una storia, una linea narrativa.
È come se fosse piuttosto un film o un
racconto. Ha la sua struttura, sia nella
musica che nei testi, Io so, il concept
ha una storia molto precisa, che parte
dall’infanzia del personaggio, si muove
verso l’adolescenza, come accade nella
vita reale, fino al suo arrivo nel centro
di Londra e al suo progressivo isola-
mento dal mondo esterno. Sì, è decisa-
mente un album guidato da una sto-
ria”. Qualcosa di simile lo aveva fatto
già con i Porcupine Tree: “È vero, ma
penso che questo sia più concept di IN-
CIDENT, perché quello ha un soggetto
comune ma non è una storia continua,
non devi ascoltarlo per forza in se-
quenza. In questo caso, invece, per ca-
pire la storia al meglio devi ascoltare la
musica come se leggessi un libro. È
come un film, lo devi guardare sequen-
zialmente altrimenti non avrebbe sen-
so… ma allo steso tempo mi piace pen-
sare che all’interno siano contenute
canzoni che possono essere ascoltate e
apprezzate separatamente, per quello
che sono, ovvero dei brani pop o pro-
gressive rock”. Torniamo alla musica, e
a quello che succede dopo la seconda
traccia dell’album, 3 Years Older. La tit-
le track, e soprattutto la successiva Per-
fect Life, certificano l’istanza di un cam-
biamento. Il basso pulsante, la batteria
in quattro quarti, la voce femminile, gli
strappi di chitarra e le aperture melodi-
che testimoniano l’ingresso in un terri-
torio apparentemente più familiare ai
colleghi di etichetta Anathema che
all’artista londinese. “Questo album
rappresenta di fatto un viaggio nella
mia storia musicale. Al suo interno ci
sono canzoni pop, ci sono momenti più
lunghi e progressive rock, c’è la musica
elettronica, ci sono addirittura dei riff
metal, tutta la parte cantata e le canzo-
ni, le cosiddette ballad. È un album
molto vario, che racchiude molti aspet-
ti della mia personalità musicale, e an-
che qualcosa di nuovo come in Perfect
Life. Per come la vedo io, è un disco de-
cisamente più accessibile rispetto ai
precedenti, più caldo, ma penso che
dipenda anche dal soggetto, dalla sto-
ria, che è molto radicata nel ventunesi-
mo secolo, nella società moderna. Sia-
mo nel cuore della città e per questo
motivo c’è spazio per un sound molto
più elettronico piuttosto che vintage,
ma ci sono anche storie legate all’ado-
lescenza e in questi momenti il suono
diventa più nostalgico. È un concept
che mi ha permesso di raccogliere i
sentimenti e gli stili che sono parte del-
la mia personalità”. Perfect Life è stato il
brano a essere scelto come apripista
con un videoclip diffuso qualche setti-
mana prima dell’uscita del disco.
Un’occhiata al testo, dove vengono ci-
tati Dead Can Dance, Felt e This Mortal
Coil, sembra rivelare qualcosa anche
sull’orizzonte musicale su cui si appog-
gia idealmente l’intero album. “Perfect
Life è quella che definirei una canzone
sulla nostalgia. In questo caso il perso-
naggio ha in sé qualcosa che viene di-
rettamente dalla mia infanzia: parla di
quel momento dell’infanzia in cui la
vita, soltanto per un piccolo momento,
non sembra poter essere più bella, più
perfetta. Quando cresci e ti trovi a ri-
cordare quel momento, hai la sensazio-
ne che all’epoca non sei stato realmen-
te in grado di apprezzarlo in tutto il suo
valore. La protagonista aveva 13 anni e
un rapporto così stretto con la sorella
che la vita in quel momento era perfet-
ta. Le immagini vengono dalla mia
vita, quando guardavo le barche che
passavano sul fiume o il tramonto esti-
vo, direttamente dalla mia infanzia e
sono come cristallizzate nella mia
mente. E quando ripenso a quei mo-
menti dico a me stesso: ‘Sì, la vita era
perfetta, la vita era senza stress, senza
responsabilità, senza paura’, e questi
momenti nostalgici sono anche malin-
conici, perché quando invecchi realizzi
che non riuscirai mai più a catturare
quel tipo di sensazione. È triste ma c’è
comunque anche una sorta di bellezza
nella nostalgia, perché per definizione
è qualcosa che fa riferimento a una
perdita: momenti che non potrai vivere
di nuovo. Ogni momento perfetto pas-
sa e muore, e rimane la tristezza”. Ste-
ven Wilson non si nasconde quando
viene chiamato in causa il progressive
rock, sottolineando il ruolo che sta
svolgendo nel rilancio del genere: “Mi
rendo conto che la mia musica viene
dalla tradizione del progressive rock, è
logico, lo so, è la musica che amo e con
cui sono cresciuto. Ma allo stesso tem-
po non mi sono mai sentito di dover
steveN
wilson
discografia
essenziale
1 Insurgentes
(Kscope, 2008)
2 Nsrgnts rmxs
(Kscope, 2009)
3 Grace for drowning
(Kscope, 2011)
4 Catalogue / Preserve / Amass
(Headphone Dust, 2012)
5 Get all you deserve
(Kscope, 2012)
6 The raven that refused to sing
and other stories
(Kscope, 2013)
7 Drive home
(Kscope, 2013)
8 Cover version
(Kscope, 2014)
«In futuro? Ci sarà ancora
qualcosa di diverso, perché
è quello che mi rende
felice e motivato».
produrre musica che facesse contente
le altre persone, non ho mai sentito la
necessità di farla in un modo specifico,
secondo un determinato genere. Come
dicevo prima, HAND.CANNOT.ERASE
contiene delle canzoni perfettamente
pop, come anche pezzi elettronici, pos-
siede molte anime. Ma, in un certo sen-
so, è la definizione stessa di progressive
rock che raccoglie all’interno qualsiasi
cosa, dal metal al jazz alla musica elet-
tronica, quindi per me va bene che la
mia musica sia considerata dentro alla
tradizione del rock progressivo”. A que-
sto punto rimarrebbe da chiarire solo
una piccola cosa: cosa significa il titolo
dell’album e perché le tre parole che lo
compongono sono separate da dei pun-
tini? La risposta di Wilson è laconica:
“Quando scrivi canzoni e pubblichi al-
bum come faccio io, devi per forza dare
un titolo a qualsiasi cosa: devi dare un
titolo a tutte le canzoni e a un intero al-
bum. Questa, a volte, può essere una
sfortuna, perché quando scegli un titolo
Francesco Desmaele
è come se dicessi ai tuoi ascoltatori
‘questo è l’argomento di cui parla l’al-
31/3/2015, Roma.
bum’ e in questo caso si parla di tante,
tantissime cose. Magari lo avrei potuto
intitolare THE LONELINESS OF LIVING
IN THE CITY… ma in questo modo sa-
rebbe stato troppo specifico, sarebbe ri-
sultato tutto troppo chiaro. Proprio per
questo ho scelto un titolo che fosse mi-
sterioso, ed è una cosa che mi piace.
Ambiguo, e non è molto chiaro cosa vo-
glia significare. E mi piace che rimanga
così”.
HAND.CANNOT.ERASE è disponibile su
etichetta Kscope in Cd singolo e in versione
box set doppio Cd + BlueRay e Dvd. Info:
stevenwilsonhq.com
Francesco Desmaele
Da sinistra: Nick Beggs,
Steven Wilson,
Marco Minneman,
Guthrie Govan,
Adam Holzman.
31/3/2015, Roma.
 Un osservatorio spaziale su un’isola, a 2390 metri di altezza:
è il contesto decisamente atipico in cui i Nosound
hanno deciso di registrare il loro primo album ufficiale dal vivo…
Caroline Traitler
uardando le foto e i filmati del con-
certo che i Nosound hanno tenu-
to lo scorso settembre allo Star-
mus Festival, la sensazione è un
po’ quella di un LIVE AT POMPEII
proiettato nel futuro. Nonostante
rispetto al celebre sito archeologico le condi-
zioni ambientali non potessero essere più dif-
ferenti, un osservatorio astronomico sul mon-
te Teide, all’altezza di 2390 metri, nell’isola
spagnola di Tenerife, l’immagine del gruppo
che suona nell’oscurità, illuminato da poche
lampade elettriche, richiama immediatamen-
te alla mente quella dei Pink Floyd durante Set
the Controls for the Heart of the Sun. Ma è so-
prattutto la musica a costituire un ponte tra le
due formazioni: quelli proposti dai Nosound
sono brani dai toni ambient e post rock che
si rifanno in maniera suggestiva alle lunghe
92
Testi: Paolo Carnelli e Lorenzo Barbagli
cavalcate psichedeliche dei Pink Floyd e dei
primi Porcupine Tree. Anche i suoni catturati
in TEIDE 2390 sono curatissimi: pacati nelle
<<Se non sei Peter
Gabriel o i Ki ng Crimson
tog liert i da Spot ify non
è un at to di protesta ma
sem plicemente un modo
per tag liarsi le gambe
e favorire la pirateria
dei download…>>
parti cantate ed epici negli assoli chitarristici
che spesso ornano i crescendo finali. Sicura-
mente il luogo e l’altezza, con la sua aria fredda
e rarefatta, possono essere servite come meta-
fora e come scenario privilegiato per gustare
certe atmosfere: “Il concerto era all’aperto, per
cui abbiamo un po’ sofferto il freddo”, ricorda
il compositore e leader del gruppo Giancarlo
Erra, “ma il calore e l’attenzione delle persone
salite fin lassù per ascoltarci, sentendo ancora
più freddo di noi, è stato la nostra benzina per
concentrarci al solito su ciò che vogliamo co-
municare con la nostra musica, che ha poco
a che vedere con l’essere cool o complicata o
dura o catchy o prog, ma è tutta incentrata sul
messaggio trasmesso dall’unione delle parole
e del tappeto sonoro. Indubbiamente il conte-
sto ha aiutato tutto ciò… a volte ci capita di
esibirci in dei live club dove mentre suoniamo
il pubblico mangia e
chiacchiera, sminuen-
do l’impatto della no-
stra performance. Que-
sto è uno dei motivi per
cui cerchiamo sempre
di selezionare le nostre
date prediligendo la
qualità sulla quantità
dei concerti. La nostra
non è musica che vuole
semplicemente cattu-
rare l’attenzione dell’a-
scoltatore, ma richie-
de un’immersione nel Nosound
suono quasi totale da sull’isola
di Tenerife.
parte del pubblico”. La
dinamica che ha porta-
to i Nosound a essere coinvolti nella seconda
edizione dello Starmus Festival merita di esse-
re raccontata: “Uno dei momenti più belli per
me”, confessa Erra, “è stato venire a sapere che
il chitarrista dei Queen, Brian May, è stato co-
lui che ha dato inizio alla catena di eventi che
ci ha fatto suonare a Starmus. L’organizzatore
del festival, Garik Israelian, era in macchina
con Brian e stava ascoltando il nostro primo
album SOL29. Durante il pezzo strumentale
The Moment She Knew proprio Brian ha chiesto
chi fosse questo gruppo che stava suonando,
perché gli piaceva moltissimo quel tipo di mu-
sica e secondo lui era uno di quei gruppi che
magari avrebbe potuto suonare allo Starmus.
Era meravigliato del fatto che non ci avesse
mai sentito prima e che non fossimo più cono-
sciuti”. Non a caso, allo Starmus il neo dottore
in astrofisica Brian May si è poi esibito anche
in veste musicale insieme al tastierista degli
Yes, Rick Wakeman. “Dopo il suo concerto con
Luca Fiaccavento
Brian May abbiamo avuto modo di chiacchie-
rare un po’ e devo dire che venire a sapere che
Rick Wakeman vive vicino a me nel Norfolk è
stato davvero divertente. È una persona che
ti prende, dotata di un ‘wicked sense of hu-
mour’ davvero eccezionale”. Per chi ama le
ricorrenze, vale la pena ricordare che TEIDE
2390 arriva a dieci anni esatti di distanza dal
debutto discografico, avvenuto proprio con
quel SOL29, che ha garantito al gruppo la
partecipazione al prestigioso festival iberico.
Un lasso di tempo considerevole in cui sono
successe tantissime cose, ma soprattutto un
periodo di grande crescita in cui i Nosound si
sono trasformati da semplice ‘visione’ di un
giovane musicista romano in una delle real-
tà musicali più originali e apprezzate a livello
internazionale. “All’epoca non avevo nessun
obiettivo commerciale, né conoscevo etichet-
te particolari da contattare per fargli ascoltare
il mio lavoro”, spiega Erra. “Ho faticato due
anni per raccogliere i soldi che mi servivano
per stampare duemila copie del mio album
così come me lo immaginavo, con un packa-
ging costoso, dicendo a me stesso che nella
peggiore delle ipotesi avrei semplicemente re-
alizzato il mio sogno di pubblicare un disco!
Ricordo quando ho messo l’album in vendi-
ta online con Paypal, prima che Facebook o
Twitter fossero i siti che conosciamo oggi. Ri-
cordo quando arrivarono a casa i Cd stampati,
con etichette e buste pronte per spedire le co-
pie che ‘forse’ avrei venduto e quelle gratuite
diffusa. Il resto è storia
nota: siamo approdati
alla Kscope, forti delle
nostre vendite con i pre-
ordini del secondo disco,
e ancora oggi il nostro
sodalizio con Kscope
continua con reciproco
impegno e soddisfa-
zione”. Forse non tutti
sanno che uno dei pa-
drini di Giancarlo Erra
all’inizio dell’avventura
Nosound è stato proprio
Steven Wilson, da cui il
compositore romano ha
Giancarlo Erra ricevuto una pubblica
attestazione di stima e di
incoraggiamento. Visto il successo che sta ot-
tenendo, possiamo dire che Wilson ha trovato
la formula giusta per rilanciare il progressive
rock? “In realtà non credo che lui abbia scrit-
to molte cose prog”, puntualizza Erra. “Piut-
tosto definirei la sua proposta come un rock
concettuale, e in tal senso credo che sia stato
sicuramente uno dei personaggi chiave per
rivitalizzare una musica che non vuole essere
pop o metal o prog ma comunque profonda
e contaminata. Personalmente di Steven ap-
prezzo moltissimo il primo periodo Porcupine
Tree, quasi tutti i suoi side projects (in parti-
colare Bass Communion, IEM e Storm Corro-
sion), mentre dei suoi lavori solisti mi piace
soprattutto il primo INSURGENTES e l’ultimo
appena uscito, ovvero forse quelli meno pro-
gressive. Dunque, per rispondere alla tua do-
manda, penso che sia davvero un musicista
e un produttore incredibile, un grandissimo
lavoratore. Merita tutto il successo che sta
avendo e anche di più, ma credo che la sua
forza non sia affatto limitata all’ambito e al
pubblico prog, è riuscito a riportare la musica
emozionale al grande pubblico che la sa ap-
per i vari giornali e distributori in tutto il mon- prezzare”.
do. Il primo mese credo di aver venduto solo
cinque copie, tutte ad amici, e aver trascorso TEIDE 2390 è disponibile su etichetta Kscope in
un sacco di tempo a scrivere email in ingle- un’edizione Cd + Dvd AV allegato, che oltre al
se a tutti i siti che potevo trovare, allegando contenuto audio del concerto in HD e 5.1 riporta
un link a un download in mp3, chiedendo se alcuni estratti video. Info: http://nosound.net
desiderassero ricevere una copia gratuita del
disco. Migliaia di email e telefonate dopo,
sono cominciate ad arrivare le prime en-
tusiastiche recensioni e i passaggi in
radio. La media di ordini giorna-
lieri è passata da zero a cinque
e poi a venti, trasformando il
tutto in un vero e proprio
lavoro, seguito ben pre-
sto dai primi ordini da
parte dei distributori
in tutto il mondo. A
un certo punto ho
dovuto cominciare
a chiedere aiuto ad
amici e familiari
per poter gestire
il tutto, finché le
prime e anche le
seconde duemila
copie non sono
andate esaurite, e
la voce si era ormai
93
 «Ho pensato:
‘Devo andare
avanti?’ è stato
mio amico
per 41 anni.
Ne abbiamo
passate tante
assieme»

Annie Haslam
fotografata
per «Prog»,
febbraio 2015.

94
 Canzoni per
tutte le stagioni
In occasione del primo tour inglese dei Renaissance negli
ultimi tre decenni, la cantante Annie Haslam racconta a
«Prog» come nel 2012 il gruppo sia sopravvissuto alla tragica
morte di uno dei suoi membri fondatori, ovvero Michael
Dunford, e di come ora il futuro sia tornato a essere luminoso.
Testi: Paul Sexton Foto: Frank White

M
algrado tutti i recenti inconve-
nienti, le malattie e le tragedie
che li hanno colpiti, e dopo un
percorso che ha visto protago-
nisti gli stessi musicisti per mol-
ti decenni, per i Renaissance è arrivato il momen-
to di un nuovo Rinascimento. Per la prima volta
da quattordici anni a questa parte, un’autentica
istituzione del prog è tornata a esibirsi in patria,
nell’ambito di un vero e proprio tour che ha tocca-
to anche l’Europa. La cantante Annie Haslam non
potrebbe essere più felice, ma negli ultimi tempi la
strada è stata piena di difficoltà, soprattutto dopo
l’improvvisa scomparsa di Michael Dunford – o
Micky, come l’ha sempre chiamato – amico e com-
plice musicale per oltre 40 anni nei Renaissance e
non solo. “Quando lo chiamavo Micky si arrabbia-
va sempre”, dice ridendo. “Quando invecchi i no-
mignoli ti danno un po’ più fastidio, non è vero?
‘Chiamami Michael!’. E io gli dicevo: ‘Non posso,
Mick. È come se tu mi chiamassi Anne invece di
Annie – ti prenderei a calci’. E così ci scherzavamo
sopra”. Nel novembre 2012 Dunford è rimasto vit-
tima di un’emorragia cerebrale nella sua casa nel
Surrey. È venuto a mancare proprio mentre il
gruppo stava preparando il ritorno sulle scene con
un nuovo disco, Grandine Il Vento. La Ha-
slam e gli altri componenti del gruppo sono rima-
sti comprensibilmente molto scossi, oltretutto
avevano già dovuto cambiare i loro piani quando
la stessa Haslam aveva avuto un grave problema
alla schiena. “Abbiamo dovuto cancellare tre
quarti di quel tour”, ricorda, “peccato perché stava
andando benissimo. Avevamo appena iniziato a
ingranare. Poi Micky è tornato a casa con l’ultimo
volo da Philadelphia prima che arrivasse l’uraga-
no Sandy, e due settimane dopo era morto”. Sem-
bra confusa, anche dopo tutto questo tempo. “Fu
come… non sapevo cosa fare”. Dice: “Ho pensato
‘Devo andare avanti?’ Micky era stato mio amico
per 41 anni. Ne avevamo passate tante assieme.
Anche quando non eravamo impegnati con i Re-
naissance collaboravo in qualche modo ai suoi
musical – stava lavorando a un fantastico musical
su Scheherazade. Erano anni che ci lavorava e l’ave-
vo aiutato a realizzare alcuni demo. Nel gruppo,
noi due eravamo quelli più vicini. E siamo sempre
rimasti più vicini di chiunque altro”. Tutto quel che
è seguito alla morte di Dunford è stato fatto come
omaggio a lui e come sostegno a sua moglie Clare
e ai loro figli. “Avevamo praticamente finito il di-
sco, stavamo solo lavorando sulla copertina”, dice
la Haslam. “E ho pensato che non potevamo la-
sciar perdere. Sarebbe stato terribile aver lavorato
così tanto per realizzare tutti questi nuovi brani,
che poi nessuno avrebbe ascoltato”. “Da quel mo-
mento ho capito che avrei dovuto prendere il pro-
getto sulle spalle, da sola, e così è stato. Fortunata-
mente c’era Rave Tesar, il tastierista del gruppo,
che ora è diventato il nostro direttore musicale. È
dal 1988 che lavoriamo insieme. Ha fatto parte del
mio gruppo da solista, mi ha aiutata molto, come
anche gli altri, i miei amici, i fan… dandomi la for-
Annie Haslam
e il compianto
Michael Dunford.
za per andare avanti”. Il risultato è stato un album
che ha visto la luce grazie soprattutto alla passio-
ne dei fan. ”La cosa successiva da fare era pubbli-
care il disco. Abbiamo fatto così: prima lo abbiamo
messo in vendita su Amazon, e poi abbiamo utiliz-
zato Kickstarter. Il risultato è stato stupefacente”, ci
spiega. “Alcuni credono che basti mettere qualco-
sa in vetrina e poi la gente ti riempirà di soldi. Be’,
il punto invece è che devi avere una base molto fe-
dele. E quello che i nostri fan hanno fatto per noi è
stato incredibile”. In un secondo momento, il con-
tratto di distribuzione che il gruppo è riuscito a ot-
tenere ha portato a una modifica dell’artwork, del
titolo e ad altre aggiunte, una delle quali ha messo

95
in gioco l’altro talento della Haslam – il suo
essere pittrice. “Ho realizzato un nuovo di-
pinto e abbiamo cambiato il titolo in
SYMPHONY OF LIGHT, dal nome di un
nuovo brano che parla di Leonardo Da
Vinci. Rave e io abbiamo anche scritto
un pezzo intitolato Renaissance Man che
parla di Michael Dunford, e che chiude
questa nuova versione del disco. È in-
teressante pensare che tutti e due sono
chiamati nella stessa maniera, ossia Uomi-
ni del Rinascimento”. Probabilmente la Haslam
sembra relativamente noncurante di queste
sfide perché ha sempre affrontato il suo lavoro
con coraggio, fin da quando nel 1971 ha sosti-
tuito Anne-Marie Cullom, che a sua volta ave-
va rimpiazzato per un breve periodo la cantan-
te originaria del gruppo, Jane Relf. “Quando
entrai nel gruppo ero solo alla seconda espe-
rienza come cantante”, ricorda la Haslam. “Fui
molto fortunata. Ma non credo di essermi mai
sentita nervosa prima di andare in scena. Pri-
ma di salire sul palco devo solo fare pipì, come
fanno un po’ tutti, anche quando non mi va!”.
I Renaissance a New York,
1976 (s-d): Jon Camp, Michael
Dunford, John Tout, Annie
Haslam e Terry Sullivan.
Negli anni Settanta i Renaissance hanno mes-
so insieme un catalogo di tutto rispetto e han-
no avuto anche un singolo nella Top 10 con la
celeberrima Northern Lights. Il senso dell’umori-
smo della Haslam si nota soprattutto quando
ricorda quel periodo, in cui il suo partner dell’e-
poca, Roy Wood, rappresentava una grande
fonte di ispirazione. Fu Wood che nel 1977 pro-
dusse il suo primo album come solista, Annie In
Wonderland. “Credo davvero che Roy sia un ge-
nio”, ci dice, prima di portare la conversazione
su un territorio inaspettato. “Avevamo questo
enorme letto ad acqua rotondo dove dormiva-
mo, e una notte, proprio a notte fonda, Roy ini-
ziò a canticchiare nel sonno. Era incredibile.
Una melodia che ti entrava in testa”. “Me ne sta-
vo lì, sdraiata e pensavo: ‘Devo alzarmi e pren-
dere il registratore. Devo fare qualcosa’. Non so
quanto a lungo sia rimasta lì. Credo sia passata
un’ora intera, cercavo di trovare il modo di al-
zarmi dal letto senza smuovere l’acqua, così
che non si svegliasse”. “Ovviamente si svegliò, e
quando il mattino dopo gli raccontai l’accadu-
to mi rispose: ‘Piazziamo un registratore vicino
al letto’. Facemmo così e naturalmente non
successe mai più niente di simile! Mi ha inse-
gnato davvero tanto sulla musica”: successiva-
mente al primo scioglimento del gruppo, avve-
nuto nel 1983, dopo il disco Time-Line, Wood fu
coinvolto nella produzione del disco del 2001,
Tuscany, che vide la reunion dei Renaissance, co-
96
Grande: Annie Haslam e Rave Tesar.
Sinistra: SYMPHONY OF LIGHT, con in
copertina un incredibile dipinto della
Haslam.
«Abbiamo eseguito una versione
leggermente diversa di Prologue.
C’è stata una standing ovation come
non ho mai visto in tutti questi anni di
carriera. Ho dovuto farmi forza per non
piangere. L’emozione era incredibile»
sa che diede il via a un tour in Giappone e all’ul-
timo concerto in Gran Bretagna prima di que-
sto nuovo tour. Ma appena i Renaissance tor-
narono sul palco dopo la morte di Dunford, la
Haslam avvertì qualcosa. “I primi concerti furo-
no nell’aprile 2013. Riuscimmo a recuperare al-
cune delle date che erano saltate in Florida e ad
Atlanta. Credo fossero circa 12. La prima serata
era in questo posto adorabile a Norfolk nel Con-
necticut, la Infinity Music Hall. Ci avevamo già
suonato. Con noi c’era un chitarrista nuovo, Ry-
che Chanda”. “Avevamo finito il soundcheck, e a
quel punto sono scesa per dare uno sguardo di
insieme al palco. Da quando ho iniziato a dipin-
gere sto sempre molto attenta che tutto sia per-
fetto anche sotto il profilo visivo. Non ci ho mes-
so più di cinque minuti, e quando sono tornata
sul palco davanti all’asta del mio microfono c’e-
ra una piuma rosa. Quando Clare e Micky si era-
no sposati, Clare era stata avvolta da una piog-
gia di piume bianche. Quando l’ho vista ho pen-
sato: ‘È stato lui’. La mia piuma era rosa perché
sapeva che mi avrebbe fatto ridere”. Il gruppo
ora è di nuovo lanciatissimo. “Lo scorso ottobre
abbiamo suonato a New York”, ci dice la Ha-
slam, “e abbiamo eseguito una versione legger-
mente diversa di PROLOGUE [il loro grande di-
sco del 1972]. C’è stata una standing ovation
come non ho mai visto in tutti questi anni di
carriera. Ho dovuto farmi forza per non piange-
re. L’emozione era incredibile. Erano tutti in pie-
di e non la smettevano di fischiare e di applaudi-
re. È stato fantastico. E così stiamo andando
avanti. Spostarci più lontano della East Coast
per noi è difficile perché siamo in sei, più lo staff.
Uno dei motivi per cui non l’abbiamo mai fatto”.
Durante i concerti, i fan da lunga data dei Re-
naissance possono ascoltare molti dei brani più
famosi. “Non li facciamo perché siamo costret-
ti”, dice la Haslam. “Li suoniamo perché amia-
mo farlo e perché sono canzoni che coinvolgono
il pubblico, specialmente nei posti dove non le
eseguiamo da molto tempo. Iniziamo con Prolo-
gue, poi proseguiamo con Carpet Of The Sun, Mo-
ther Russia. E dopo Running Hard, Northern Lights,
Ocean Gypsy. Dal nuovo disco facciamo Sympho-
ny Of Light e altri due pezzi molto forti come
Grandine Il Vento e The Mystic And The Muse. E per
finire Ashes Are Burning”. È come una sintesi di
quanto abbiamo prodotto negli anni Settanta,
ma con un occhio anche al futuro. “Ho qualche
idea su quello che mi piacerebbe fare”, ci dice la
Haslam. “Un paio di anni fa la Royal Philharmo-
nic Orchestra mi ha contattata perché gli spetta-
coli che abbiamo fatto con loro negli anni Set-
tanta sono stati un successo, e mi hanno chie-
sto: ‘Che ne diresti se li ripetessimo?’. Certo, per
realizzare questa cosa dovremmo vincere alla
lotteria, ma è una delle idee su cui punto. Sareb-
be fantastico rifarlo. E forse anche un nuovo di-
sco. Ma prima dobbiamo continuare a suonare
SYMPHONY OF LIGHT dal vivo”.
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OFFERTA VALIDA SOLO PER L’ITALIA

 Peter Gabriel,
Charisma Festival,
Roma, 22/1/1973.
Fabio D'Emilio
 ino Profumo è uno
dei più competenti
appassionati dell’uni-
verso Genesis a livel-
lo mondiale e con il suo libro soddisfa
le bramosie di tutti quelli che vogliono
sapere qualcosa sui concerti dei Gene-
sis nel nostro Paese… qualsiasi cosa!
Tutto ebbe inizio una sera del dicembre
1974… ero un fedele ascoltatore delle
poche trasmissioni radio che davano
spazio alla musica rock, a parlarne oggi
sembra impossibile ma all’epoca esi-
steva solo la Rai… due canali tv e tre ra-
diofonici. Uno dei miei programmi pre-
feriti, oltre ai vari Popoff e Per voi giovani,
era Supersonic che trasmetteva sempre
qualcosa d’interessante e in quell’oc-
casione il dj di turno mise in onda The
Carpet Crawlers dei Genesis, tratto dal
nuovo album THE LAMB LIES DOWN
ON BROADWAY. Da notare che questo
brano non era il singolo ufficiale appe-
na uscito, Counting Out Time, bensì una
scelta personale del conduttore che,
però, fu buon profeta. Nella primavera
successiva The Carpet Crawlers venne
pubblicato anche su 45 giri con in co-
pertina un bel disclaimer con la dicitu-
ra “un successo di Supersonic”. Ebbene,
questa canzone, con le sue atmosfere
particolari, l’avvolgente progressione
sonora e la straordinaria voce di Peter
Gabriel mi accese il cuore. Una passio-
ne che dura ancora oggi, così forte da
abbracciare in seguito tutti gli aspetti
collezionistici legati a quel periodo. In-
fatti, pur seguendo con affetto le varie
carriere soliste e la successiva, discu-
tibile, svolta pop del gruppo madre,
il mio interesse primario rimane indi-
scutibilmente l’era Gabriel, dal 1968 al
1975. Credo che ben pochi gruppi, in
un lasso di tempo così ristretto, siano
Avete mai sognato di sapere tutto
sui concerti italiani della band
britannica dal 1972 al 1975, ovvero
quelli dell’era Gabriel? Penso di sì
e allora il libro Genesis in Italia
(www.edizionisesgno.it)
di Mino Profumo fa proprio
al caso vostro… e nostro.
Testi: Guido Bellachioma, Mino Profumo,
Steve Hackett, Richard Macphail
riusciti a produrre dischi di tale bellez-
za come NURSERY CRYME, FOXTROT,
SELLING ENGLAND BY THE POUND e
lo stesso THE LAMB.
Un rapporto speciale
Quasi a ogni intervista e in qualunque
biografia dei Genesis viene sempre
sottolineato il rapporto speciale della
band con l’Italia – dice Profumo. Se
il Belgio è stato il primissimo Paese a
tributare un certo successo al gruppo
fuori dall’Inghilterra, non c’è dubbio
che nella nostra nazione i Genesis be-
neficiarono della spinta decisiva per la
loro carriera in un momento cruciale,
quando i dubbi sul loro futuro inizia-
vano a seminare preoccupanti germi di
un precoce scioglimento. Il quintetto
infatti raccolse nel nostro Paese all’i-
nizio degli anni Settanta successi im-
portantissimi quando ancora in patria
veniva snobbato da critica e pubblico
suonando davanti a poche centina-
ia di persone, confinate nelle aule dei
college o in angusti club della periferia
londinese mentre qui da noi ventimi-
la persone stipavano il palasport di
Roma. L’obiettivo di questo libro è pro-
prio quello di scrivere una parola defi-
nitiva sul felice rapporto tra i Genesis e
l’Italia, usando come paradigma l’esat-
ta e completa cronistoria dei concerti
cominciando da quei primi due tour
del 1972, rispettivamente aprile e ago-
sto, sulle cui date c’è sempre stata una
nebbiosa confusione che nessuno, fino
a oggi, era riuscito a diradare. Per arri-
vare infine al canto del cigno gabrielia-
no nel palasport di Torino, il 24 marzo
1975, l’ultima apparizione italica dei
Genesis nella formazione più amata da
tantissimi fan: è infatti innegabile che
Biglietto della data nel cuore della penisola sia rimasto,
di Reggio Emilia, che anche a distanza di anni, il line-up clas-
prese il posto di quella
sico con Peter Gabriel alla voce e Steve
prevista lo stesso
Hackett alla chitarra, oltre al nocciolo
giorno al Palalido di
Milano. duro costituito da Banks, Collins e Ru-
therford. Per ricostruire quei concerti
con la massima precisione possibile
sono stati contattati diversi testimoni
dell’epoca e si può dire con certezza
che questo volume, oltre a offrire per la
99

prima volta un elenco definitivo di tut-
te le esibizioni italiane della band, con-
tiene moltissimi particolari, aneddoti
e curiosità mai rivelati in precedenza.
Sono presenti inoltre svariate fotogra-
fie inedite fornite sia da normali spet-
tatori presenti ai concerti sia da profes-
sionisti del settore, unite a locandine,
ritagli di giornale e memorabilia d’epo-
ca. L’opera diventa così, anche a livello
iconografico, una novità assoluta e un
tassello fondamentale per comprende-
re al meglio il loro mondo live. Genesis
in Italia è quindi un frutto che matura
da molto tempo, ovvero da quel dicem-
bre 1974, come detto prima, che vede-
va tanti adolescenti come me attacca-
ti ogni sera alla radiolina per captare
quelle poche trasmissioni che lancia-
vano una musica nuova, oltre gli stret-
tissimi confini dell’austera e miserrima
programmazione dell’epoca. Da quella
sera sono passati più di quarant’anni
ma la passione, mia e di tanti altri, è
rimasta intatta e, strato dopo strato, ha
posto le basi per accumulare un patri-
monio materiale e spirituale così inte-
ressante da meritarsi infine una degna
100
Roberto Masotti
A sinistra Steve mentre molti altri gruppi preferivano
Hackett, Charisma guardare principalmente all’Ameri-
Festival, Roma, ca ma io credo che noi riuscimmo in
22/1/1973. In alto
Peter Gabriel, Reggio sostanza a fondere le due influenze
Emilio, 4/2/1974. geografiche, talvolta attraverso l’im-
Fabio D'Emilio
probabile rotta della mitologia greca.
La capacità narrativa è una parte im-
portante dello stile dei primi Genesis.
Mentre in Inghilterra, a casa nostra,
pubblicazione. Per questo ho ritenuto suonavamo spesso davanti a un pub-
opportuno dedicare i miei sforzi al pe- blico poco ricettivo, voi italiani istin-
riodo che conosco meglio e che credo tivamente capivate e apprezzavate la
sia rimasto nel sentimento immagi- natura avventurosa delle nostre can-
nifico di tanti appassionati. Con due zoni: ascoltatori cresciuti con le arie
obiettivi, semplici e ambiziosi allo stes- di Verdi e Puccini abbracciarono as-
so tempo: raccontare a chi non c’era sai più facilmente degli inglesi o degli
una sfolgorante avventura ricreando le americani un tipo di rock più articolato
atmosfere dell’epoca e far rinascere nel e complesso. Come i Britannici furono
cuore dei fortunati che c’erano ricordi soggiogati dai Romani, i Genesis furo-
ed emozioni di una storia irripetibile… no conquistati dal calore delle platee
Walkerprint
Steve Hackett Foto
from one fan to all others. italiane. Eravamo parte di una stessa
Steve Hackett e l’Italia
promozionale con
dedica per il libro. famiglia e con la stessa idea ispirati-
va. Ricordo in particolare
quando nel soundcheck pro-
Mino Profumo è un grande amico vammo Watcher Of The Skies
da molti anni ed è sempre una gio- al palasport di Reggio Emi-
ia trascorrere del tempo insieme a lia, il mellotron scuoteva le
lui. Il suo stesso Paese d’origine, fondamenta dell’edificio e la
l’Italia, è sempre stato tremenda- stessa cosa accadde quan-
mente entusiasta e partecipativo do suonammo la canzone
sin dai primi anni Settanta quan- completa live al Palasport
do, come membro dei Genesis, ero di Roma, nel 1973. L’intro
stupefatto nell’osservare che gli di Watcher era sempre da
spettatori italiani rispondevano brividi alla schiena ma spe-
immediatamente alla nostra mu- cialmente di fronte a una
sica. Per certi aspetti i Genesis tra- folla trionfante di oltre ven-
evano ispirazione da fonti europee timila persone. Avevamo
già goduto di accoglienze fantastiche
come a Treviso, Verona o Pesaro, solo
per citarne alcune; a volte arrivavamo
in una città scoprendo che la sede del
concerto era stata cambiata all’ultimo
momento, magari per una con mag-
gior capienza. Questo sarebbe stato
impossibile in qualsiasi altra parte del
mondo ma l’entusiasmo italiano non
conosceva limiti, non si fermava certo
davanti a considerazioni pratiche. L’I-
talia è un sogno continuo che si fonde
con quello dei Genesis attraversando i
normali confini del tempo, le antiche
mura di Roma e Verona raccontano
ancora oggi la loro storia, una canzo-
ne infinita e un peana ad amori, vite e
glorie perdute. L’unione tra l’Italia e la
musica inglese è duratura per tutti noi:
grazie Italia per averci invitato al tuo
sogno straordinario, la Musica ti è per
sempre in debito.
furgone seppelliscilo e torna a casa in
traghetto”. Così ad aprile attraversam-
mo la Manica, guidammo per tutta la
Francia fino alle Alpi, col Monte Bianco
che torreggiava su di noi, passammo il
tunnel del San Bernardo e piombammo
in Italia dalla Val d’Aosta. Il primo con-
certo fu in un piccolo teatro della costa
est, ad Adria, di cui ho poche memorie
e in generale i concerti si svolgevano in
piccoli club o nei Palazzi dello Sport (o
Palazzo dello Sprots, come una volta
venne erroneamente scritto). I ricordi
si annebbiano con gli anni ma la no-
stra tipica giornata si apriva con l’arri-
vo nella hall verso le undici del mattino
quando iniziava il set up. I palazzetti
erano di solito costituiti da un enor-
me spazio vuoto al centro con il nostro
stage di legno situato a una delle due
estremità. Parcheggiavamo il furgone
proprio dietro al palco e scaricavamo

Richard Macphail: uno

l’equipment direttamente su di esso;

che li conosceva bene

Per i Genesis il 1972 è stato il classico
anno del dentro o fuori. I primi due di-
schi pubblicati per la Charisma, TRE-
SPASS nel 1970 e NURSERY CRYME
nel 1971, erano passati praticamente
inosservati agli occhi del mondo. Ma
improvvisamente, all’inizio del 1972,
arrivò l’offerta di Maurizio Salvadori
per una dozzina di date in Italia. Era-
vamo già stati all’estero, in Belgio, per
una breve serie di concerti, ma l’Italia!
Era davvero un’altra cosa. In quei gior-
ni eravamo soliti noleggiare i nostri
furgoni da un variopinto personaggio
dell’East End chiamato Reg King. Reg
era stato in precedenza l’autista di
Andrew Loog Oldham, il manager dei
Rolling Stones, e aveva visto tantissi-
mi concerti negli anni Sessanta, era un
tipo eccentrico ma molto divertente. La
nostra attrezzatura stava crescendo in
quantità, avevamo bisogno di un van
poco dopo mezzogiorno tutto era siste-
mato e pronto per il soundcheck. Uno
dei miei ricordi più nitidi è legato all’a-
custica di quei palasport, in particolare
uno che se non sbaglio era quello di
Siena. Mi ero messo al centro dell’are-
na battendo una volta le mani e l’eco
si riverberò per dodici secondi! Tony
Banks era contentissimo per come
l’intro di mellotron in Watcher Of The
Skies si espandeva nell’aria ma quando
intervenne anche il resto della band
tutto il suono diventò un indistingui-
bile sciabordio, ma i fan italiani non se
ne preoccupavano affatto. Dopo che il
soundcheck era finito Maurizio diceva
“mangiare” oppure “time for lunch!” e
dovunque fossimo c’era sempre un ec-
cellente ristorante dietro l’angolo. Devi
sapere, caro lettore, che noi venivamo
dall’Inghilterra dei primi anni Settanta
dove il cibo era autentica spazzatura.
Qui invece mangiavamo pasti deliziosi,
preparati con freschi ingredienti loca-
li (chi ne aveva mai sentito parlare?) Phil Collins, Charisma hotel per chiudere gli occhi e fare una
Fabio D'Emilio

adatto e Reg ci fornì il primo Ford. Non
credo fosse un mezzo con tutte le carte
in regola per andare in Italia, un classi-
co per Reg, e poco prima di partire mi
disse: “Rich, qualsiasi cosa accada al
d’incredibile qualità, senza contare na-
turalmente il vino! Verso le quindici e
trenta eravamo perfettamente a posto
e dopo aver mangiato e bevuto l’uni-
ca cosa da fare era tornare al nostro
Festival, Roma, bella siesta. Debitamente rinfrescati,
22/1/1973.
tornavamo poi sul luogo del concerto,
pronti per lo spettacolo. Durante quei
primissimi tour una delle cose più ec-
citanti era la consistenza numerica del
pubblico e il suo entusiasmo. Fummo
sorpresi nello scoprire il considerevole
seguito che avevamo in Italia e questo
diede alla band una grande fiducia che
in quel momento era estremamente
necessaria. Il giornalista del «New Mu-
sical Express» Tony Tyler ci raggiunse
in aprile e viaggiò con noi per alcuni
giorni, scrivendo poi una pagina intera
sul successo che quelle serate stavano
ottenendo. Una notte, dopo uno show,
era nel furgone insieme a noi e ricordo
che scrisse una frase sull’aroma di una
esotica sigaretta che riempiva l’aria
mentre guidavamo nella pioggia lun-
go l’autostrada. Quando tornammo
Due esempi di
a casa, dopo il primo tour italiano, il
copertine italiane gruppo si chiuse subito in studio per
dedicate ai Genesis. registrare il nuovo disco che sarebbe

101
diventato poi FOXTROT. Immediata- Mike Rutherford,
Fabio D'Emilio
Charisma Festival,
mente dopo, Tony Banks e Margaret Roma, 22/1/1973.
si sposarono, hanno da poco celebra-
to il loro quarantesimo anniversario,
per cui non ci fu il tempo per la luna di
miele e così Margaret si unì a noi per le
date estive in Italia. Il primo concerto
era fissato a Rimini, una località della
riviera adriatica, in un club chiamato
La Locanda del Lupo: nome davvero
strano, nessuno in Inghilterra si sareb-
be sognato di chiamare così una con-
cert hall. Per vari motivi rimasi blocca-
to alla frontiera col furgone e raggiunsi
Rimini con qualche giorno di ritardo,
tra la preoccupazione della band che
era già sul posto, causando lo spo-
stamento del concerto alla settimana
successiva. La mia ultima apparizione
in Italia al seguito dei Genesis fu nel
gennaio 1973 per il Charisma Festival.
Il minitour si chiuse a Roma di fronte
a ventimila persone, di gran lunga il
più grande pubblico che avessimo mai
avuto. Ironicamente una settimana
dopo, ritornati a casa, suonammo in
una cittadina chiamata Peterborough e per fortuna molti altri seguiranno dopo un paio di brani, quello di Roma
davanti a circa venti persone! L’Italia la breccia aperta dagli italiani. Uno di nemmeno inizia e di conseguenza la
è stata il primo Paese ad abbracciare loro ha scritto questo libro e insieme a data di Bologna viene inevitabilmente
compiutamente la musica dei Genesis lui abbraccio tutti voi. cancellata. Il promoter delle esibizioni

TORINO, Palazzo dello

dell’ex Velvet Underground è sempre

Sport, lunedì 24 marzo

David Zard, lo stesso che dovrebbe or-

1975… nessuno pensava

ganizzare le performance dei Genesis,
un mese dopo, ma questi sconsiderati

che sarebbe stata

incidenti fanno maturare la decisione

l’ultima volta…
Mentre il tour europeo dei Genesis ap-
proda in Europa, le voci su possibili
date italiane si fanno sempre più allet-
tanti, indicando dagli otto agli undici
concerti collocati nel periodo che va
dal 14 al 27 marzo 1975. Purtroppo la
situazione dalle nostre parti nel frat-
tempo si surriscalda ulteriormente e
precipita in maniera definitiva durante
Il Balletto di Bronzo, gli spettacoli di Lou Reed a febbraio,
nonostante fosse
annunciato, non suonò
con Angelo Branduardi e gli sfortuna-
durante il Charisma ti String Driven Thing come opening
Festival. acts: lo show di Milano è interrotto
di limitare il Lamb tour italiano a una
sola apparizione: al Palasport del Parco
Ruffini di Torino, una città comunque
tra le meno turbolente in quel caotico
periodo. L’attesa spasmodica dei fan
italiani è infatti gelata pochi giorni
dopo dalla Bibbia nostrana, il glorioso
«Ciao 2001», sul quale viene data la
conferma che dei concerti italiani ne
resterà soltanto uno, immortale come
Highlander.
Brani eseguiti: The Lamb Lies Down On
Broadway / Fly On A Windshield / Broad-
way Melody Of 1974 / Cockoo Cocoon / In
The Cage / The Grand Parade Of Lifeless
Packaging / Back In NYC / Hairless Heart

102
/ Counting Out Time / The Carpet Crawl-
ers / The Chamber Of 32 Doors / Lilywhite
Lilith / The Waiting Room / Anyway / Here
Comes The Supernatural Anaesthetist / The
Lamia / Silent Sorrow In Empty Boats /
The Colony Of Slippermen / Ravine / The
Light Dies Down On Broadway / Riding The
Scree / In The Rapids / IT – bis : The Musi-
cal Box / Watcher Of The Skies.
I Genesis arrivano a Torino nel tardo
pomeriggio di domenica 23 marzo e al-
loggiano in un albergo del centro città,
con ogni probabilità il Principe di Pie-
monte, dove la sera stessa si tiene un
incontro con la stampa. Tra le dichia-
razioni più o meno scontate spicca la
conferma che l’entourage della band è
a conoscenza della cancellazione del-
le altre date italiane, contrariamente
a quanto sostiene l’addetto alle slide
David Lawrence ma forse la road crew,
viaggiando separatamente rispetto alla
band, non aveva notizie aggiornate. Il
quotidiano torinese «La Gazzetta del
Popolo» afferma che i Genesis sono ar-
Marino Gianesin

rivati direttamente dall’Inghilterra, fat-

to teoricamente possibile ma assai im-
probabile se si considera che il concerto
precedente si era svolto nella località
francese di Annecy (tra l’altro non mol-
to lontana dal capoluogo piemontese)
solo il giorno prima, sabato 22. Moltis-
simi giovani invadono Torino fin dalle
prime ore di quella memorabile gior-
nata mentre i tir della Edwin Shirley
Trucking, con l’imponente attrezzatura
del Lamb tour, piombano nell’area del
Parco Ruffini. Nel soundcheck viene
eseguita, spezzata in più parti, Lilywhite
cati. Per fortuna gli incidenti, con le so- Tony Banks a colori
lite cariche delle forze dell’ordine unite (Viareggio, 20/8/1972.
Ph Marino Gianesin)
al lancio di lacrimogeni alle quali si e in B/N (Charisma
contrappongono gli assalti dei teppisti Festival, Roma,
armati di bastoni, pietre e oggetti vari, 22/1/1973.
rimangono confinati all’esterno della
struttura presidiata da ingenti schie-
ramenti di carabinieri, presenti perfino
nel parterre, più duecento agenti della
squadra narcotici travestiti da hippie, abio D'Emilio

Lilith. Poco prima dell’inizio dello spet- trecentocinquanta militari antisom-

tacolo, previsto alle ore ventuno, im- mossa in borghese e un consistente
mancabili scoppiano i tafferugli, com- numero di poliziotti privati Mondial- calità del Sestriere dichiarando di voler
plice la calca indescrivibile che preme pol assoldati personalmente da David a tutti i costi tornare in Italia a maggio
per entrare dove si annidano, insieme Zard: “Qui c’è qualcuno che vuole il per altre quattro date, con la speranza
a spettatori con regolare biglietto, pa- morto, le polemiche sulla musica pop di una normalizzazione delle tensioni
recchie persone che vorrebbero l’in- non c’entrano, vogliono che mi trovi esistenti. Purtroppo non sarà così e,
gresso gratuito, e un discreto numero un cadavere sulle spalle e io non ci sto. nonostante gli sforzi del manager Tony
di facinorosi arrivati col solo scopo Inoltre non si guadagna abbastanza, i Smith e del coordinatore del tour eu-
di disturbare il regolare svolgimento Genesis mi costano, comprese le spese ropeo Harvey Goldsmith (Mole Valley
dell’esibizione oltre che, quasi certa- collaterali, dieci milioni”. Subito dopo Management, di cui Smith è socio), il
mente, diversi e misteriosi provocatori la fine della performance i Genesis, ec- tentativo di riprogrammare il tour ita-
di professione mai seriamente identifi- cetto Steve Hackett, raggiungono la lo- liano due mesi dopo fallisce in favore
di concerti extra in Germania e Fran-
cia. Il Lamb tour si conclude definitiva-
mente il 22 maggio 1975 nella locali-
tà francese di Besançon a causa della
cancellazione del concerto di Tolosa,
previsto due giorni dopo: il pubblico
non sa nulla ma Peter Gabriel ha già
deciso da tempo di lasciare i Genesis e
questo è il suo ultimo hurrà. Nei came-
rini, prima del concerto, suona all’oboe
The Last Post di fronte a compagni, ma-
nagement e tecnici muti e commossi:
è la fine di un’era. Il 26 agosto 1975,
per porre fine a una fuga di notizie or-
mai incontrollabile, e a questo punto
difficilmente smentibile, il press agent
della Charisma Peter Thompson ema-
na un laconico comunicato col quale
Mauro Serpe

A sinistra Peter
Gabriel, Torino, ufficializza la fuoriuscita del cantante
24/3/1975. dal gruppo.

103
 Le Etichette
che hanno fatto il Prog!
“Matti come cavalli, ma di successo”. Breve storia della EG Records
Riviviamo la magia di alcune delle più grandi label di tutti i tempi…
P
er molto tempo la EG Re-
cords non è stata un’eti-
chetta discografica in senso
stretto. In realtà era una
compagnia di gestione e
pubblicazione di contenuti, che licen-
ziava a terzi i lavori dei propri artisti. La
EG aveva un rapporto privilegiato con
la Island Records, prima di passare alla
Polydor nei tardi anni 70. A quel punto
divenne un’etichetta vera e propria, col
marchio Editions EG, finendo per esse-
re distribuita dalla Virgin. Fu fondata da
David Enthoven (E) e John Gaydon (G),
con l’obiettivo, come scrisse nel 1989
Ray Coleman, autore ed ex redattore di
«Melody Maker», “d’individuare, soste-
nere e progettare una tipologia ben pre-
cisa di Rock, non necessariamente aven-
do come scopo finale vendite smisurate”.
Sembra quasi l’autocelebrazione della
marginalità all’interno del mondo del
rock: gli eccentrici, gli esoterici, i diversi.
È chiaro che si trattava di ragazzi ricchi
che giocavano con la musica, ma dona-
rono al mondo gioia e una forte spinta
verso il cambiamento. Inoltre non erano
a digiuno di cosa fosse il rock: Gaydon
aveva suonato la chitarra ritmica in un
gruppo londinese del quartiere di Har-
row, chiamato A Band Of Angels (con
Mike d’Abo come cantante, successiva-
mente con Manfred Mann e nel disco
della versione originale di Jesus Christ
Superstar, dove interpretava Erode) ed
Enthoven era stato il loro road mana-
ger. “Erano come due aristocratici che
104
Testi: Daryl Easlea
giocavano”, ricorda Brian Ferry. “Ave-
vano delle moto Harley Davidson ed
erano come Hells Angels al liceo, con
giubbotti di cuoio e stivali da cowboy”.
Ci sono pochi collezionisti fanatici della
EG come, per dire, della Deram o della
Island, ma l’influenza della EG sul mer-
cato discografico si è dimostrata molto Il disco di debutto
più ampia di quel che si può pensare. Il dell’etichetta EG:
EXPOSURE di Robert
suo successo è collegato particolarmen- Fripp, giugno 1979.
te a quello della Island, che gli diede una
casa e sostenne il suo incredibile catalo-
go di talenti. “La EG fu una compagnia
EG I Fatti:
I dettagli dell’etichetta.
Primo disco pubblicato: IN THE COURT OF THE
CRIMSON KING dei King Crimson, ottobre 1969.
Fin dalla copertina di Barry Godber, pochi altri
dischi hanno avuto lo stesso impatto.
Primo singolo pubblicato: In The Court Of The
Crimson King (Parte Uno)/In The Court Of The
Crimson King (Parte Due) dei King Crimson, novembre 1969.
Primo Lp a raggiungere il n.1 in classifica: STRANDED dei
Roxy Music, dicembre 1973.
Comprendeva due delle migliori ballad di Ferry, ossia Mother
Of Pearl e A Song For Europe. Molti sono stupiti che questo sia
stato il primo album dei Roxy a raggiungere la prima posizione.
Ultimo Lp n.1: STREET LIFE – 20 GREAT HITS di Bryan Ferry e
dei Roxy Music, aprile 1986.
Primo singolo al n.1 in UK: ONE – JEALOUS GUY dei Roxy
Music, febbraio 1981.
Primo disco pubblicato direttamente dall’etichetta EG:
EXPOSURE di Robert Fripp, EGLP 101, giugno 1979.
di successo – matti come cavalli, ma di
successo. Fare parte di quella realtà era
elettrizzante”, disse Enthoven nel 2008 a
David Sheppard, biografo di Brian Eno.
GLI INIZI
Dopo lo scioglimento di A Band of An-
gels, Enthoven e Gaydon iniziarono a
lavorare alla Noel Gay Artists, una delle
agenzie più grandi e famose del paese.
Incoraggiati dalla situazione dell’epoca,
misero in piedi la loro agenzia di ma-
nagement, mettendo immediatamen-
te sotto contratto i King Crimson, che
irruppero fragorosamente nella scena
rock nel 1969. I due si erano resi conto
delle capacità di Robert Fripp, leader
dei Crimson, grazie A THE CHEERFUL
INSANITY OF GILES, GILES AND FRIPP
(1968). Nel gennaio del 1969 Fripp in-
vitò Enthoven e Gaydon a vedere il suo
nuovo gruppo mentre provava in una
cantina del Fulham Palace Café. Nel giro
di sei mesi i due assicurarono ai Crimson
un contratto con la Island, il cui fonda-
tore, Chris Blackwell, proveniva an-
che lui da Harrow. Suggerì alla coppia
di stipulare un accordo di ‘licenza dei
master’, per cui gruppo e management
avrebbero finanziato la registrazione
del primo album dei King Crimson, poi
avrebbero dato in licenza le bobine alla
Island per la stampa e la pubblicazione,
ma la EG avrebbe comunque conservato
tutti i diritti. La Island avrebbe pubblica-
REX FEATURES
to il disco in tutto il mondo tranne che
nel Nord America, dove invece sarebbe
 King Crimson, 1970 (s-d):
Mel Collins, Pete Sinfield,
Robert Fripp, Andy
McCulloch, Gordon Haskell.

Brian Eno

GETTY
GETTY

Bryan Ferry ad dal vivo agli

Amsterdam riceve Hilversum
il disco d’oro per Studios,
AVALON dei Roxy Olanda, 1975.
Music, 1982.
PHOTOFEATURES

UK, 1978 (s-d): Allan

Holdsworth, Bill Bruford,
John Wetton, Eddie Jobson.

105
 The King
of Crimson:
Robert Fripp
nel 1972.
GETTY
stato pubblicato dalla Atlantic, all’epo-
ca una delle etichette discografiche più
importanti. Enthoven ipotecò la casa
per pagare le spese di registrazione di IN
THE COURT OF THE CRIMSON KING.
Fortunatamente l’incredibile succes-
so del disco permise ai due di farsi un
nome nel mondo del rock e di costituire
un selezionato roster artistico. Nel 1970
ebbero sotto contratto per breve tempo
Marc Bolan, lo incoraggiarono a suona-
re in piedi, non seduto, e a passare dalla
chitarra acustica alla chitarra elettrica.
Grazie ai contatti stabiliti con Greg Lake
ai tempi dei King Crimson, gestirono il
supergruppo più super di tutti, ossia
Emerson Lake & Palmer. Molti dei dischi
della EG ebbero un grande impatto sul
prog e sul rock. Anche se pochi di loro,
a parte i King Crimson, possono essere
considerati autenticamente prog, tutti
hanno contribuito ad allargare i confini
del rock. Pete Sinfield dei King Crimson
raccomandò loro i Roxy Music, capita-
nati da Brian Ferry, dopo che non aveva
superato il provino proprio per i King
Crimson. I Roxy Music firmarono con la
EG il 14 febbraio del 1972 e diedero una
grande spinta innovativa alla musica
pop. “Costruimmo della musica che vo-
lutamente non metteva da parte alcun
aspetto dei nostri differenti background
musicali”, scrisse nel 1972 Brian Eno,
che nei Roxy suonava i sintetizzatori
e cantava. Tutto era sorretto dal beat,
incredibilmente preciso, di Paul Thom-
pson alla batteria. “Se non fosse stato
per Paul i Roxy Music sarebbero stati
solo un altro gruppo art-rock”, disse Eno.
Come era già avvenuto con i Crimson,
anche loro, tramite la EG, firmarono il
contratto con l’Island. Pochi mesi dopo,
il gruppo, grazie a Virginia Plain, aveva il
primo singolo di successo nella Top 10.
A quel punto Enthoven e Gaydon fecero
entrare nella loro organizzazione Mark
Fenwick, un finanziatore (della famiglia
Fenwick, proprietaria di molte catene di
negozi al dettaglio) e Sam Adler, un con-
tabile, per aiutarli nella gestione della
106
Roxy Music, 1972 (s-r):
Paul Thompson,
Bryan Ferry,
Andy Mackay,
Brian Eno,
Phil Manzanera.
compagnia. Come notò David Sheppard:
“L’unione del fiuto per gli affari, al tem-
po stesso astuto e hippie, con la gestione
rigorosa dei conti e l’afflusso di capitali,
fece sì che la EG diventasse una presen-
za importante nella scena musicale bri-
tannica dei primi anni 70”.
IL PERIODO D’ORO:
Situati nel quartiere londinese di Chel-
sea, gli uffici della EG riflettevano lo sti-
le rilassato, al tempo stesso sofisticato,
che era alla base dell’intero progetto.
L’apice fu nel 1973/1974, quando i King
Crimson vivevano il loro periodo più
sperimentale con la loro terza forma-
zione, guidata come sempre da Fripp.
Brian Eno aveva lasciato i Roxy Music,
in coincidenza con un cambio di para-
digma nel loro stile art-rock, che era di-
venuto più commerciale, combinando
delle grandi ballate con brani da clas-
sifica più tirati, influenzati dal soul. I
Roxy erano una gallina dalle uova d’oro.
Bryan Ferry, parallelamente al gruppo,
portava avanti una brillante carriera
solista, il cui culmine sarebbe stato una
versione glamour e rimaneggiata di A
Hard Rain’s A-Gonna Fall di Bob Dylan.
Il chitarrista dei Roxy, Phil Manzanera,
pubblicò il seminale DIAMOND HEAD
e poco dopo avrebbe messo assieme il
gruppo glam-prog 801, mentre il sasso-
fonista Andy MacKay con IN SEARCH
OF EDDIE RIFF offriva uno stupefacente
esempio di come poteva suonare il rock
strumentale. Eno, probabilmente il più
influente artista del movimento art-rock
inglese, pubblicava il suo primo disco da
solista, HERE COME THE WARM JETS, e
fondava la Obscure Records. Poche sigle
erano ritenute affidabili come la EG. Era
una situazione in cui la gente pensava:
“Se loro sono coinvolti allora il prodotto
deve essere valido”.
COSA ACCADDE DOPO:
Gaydon se n’era già andato nel 1971, ma
il cambiamento maggiore si ebbe quan-
do anche Enthoven mollò nel 1976.
Detto questo, alla fine degli anni 70
pochi marchi sembravano più in auge.
L’influenza di Eno aumentava, grazie al
suo lavoro con David Bowie e come pro-
In alto a sinistra:
duttore con i Talking Heads. Fu anche
A Band Of Angels,
1964. l’apice della ‘small mobile unit’, coniata
da Robert Fripp, con il chitarrista che si
ritagliava un’incredibile figura pubblica
grazie a frasi indimenticabili, tipo: “Per
me la Disco è un movimento politico in
cui la gente vota coi piedi”. I Roxy Music
erano risorti con MANIFESTO, album
che entrò nelle classifiche grazie al ma-
trimonio tra la vocazione art-rock origi-
naria e poderosi, bellissimi brani pop,
mentre gli UK tenevano alta la solitaria
bandiera del prog. A questo punto la EG
era diventata una vera e propria etichet-
ta discografica, con la EG e la Editions
EG (distribuita dalla Polydor). Ristampa-
rono il catalogo della Obscure Records

GETTY
di Eno, producendo dischi nuovi di ar-
tisti come i Lounge Lizards. Nel 1979
Robert Fripp pubblicò EXPOSURE, il suo
primo disco con la EG. Poco dopo, una
nuova versione dei King Crimson avreb-
be seguito la strada dei Talking Heads.
La Penguin Café Orchestra di Simon Jef-
feys, protetta da Brian Eno, suonava una
musica stimolante e inquietante al con-
tempo, mentre i Killing Joke offrivano un
mix assolutamente personale di punk,
prog, funk, e qualcosa di ancora più
oscuro. Anthea Norman-Taylor divenne
il capo del marketing ma poco dopo la-
sciò la EG per fondare la Opal con suo
marito Eno. Bryan Ferry lasciò l’etichet-
ta alla fine degli anni 80. Così, all’inizio
degli anni 90, la EG era in affanno. Sam
Alder e Mark Fenwick avevano fatto de-
gli investimenti con i Lloyd di Londra
e soffrirono per le perdite finanziarie
del gruppo. Robert Fripp citò Fenwick e
Alder dando il via a una disputa legale
sulle royalties non pagate, che durò ol-
tre sette anni; alla fine ottenne di potersi
riprendere i diritti sia del suo catalogo
solista che di quello dei King Crimson,
in modo da pubblicarlo con la DGM, sua
nuova etichetta, sul cui sito ricostruisce
tutta la vicenda in modo accurato. Per
una volta sembra proprio che gli artisti
della EG non fossero stati trattati come
avrebbero dovuto.
OGGI:
L’etichetta passò alla Virgin nel 1992 e
alla fine nel 1996, quando la EMI com-
prò la Virgin, ne fu assorbita. Oltre che
nei vari artisti, ormai divenuti famosi,
Simon Jeffes
della Penguin
Cafe Orchestra.
GETTY
Prog-punkers:
Killing Joke, 1980.
GETTY
l’eredità della EG si può ricercare nella
ie:music, compagnia di management
musicale, diretta da Enthoven e da Tim
Clark, veterano della Island, che gesti-
sce nomi come Robbie Williams e Will
Young. John Gaydon fa il produttore a
Hollywood, e Mark Fenwick è il manager
di Roger Waters. Il catalogo EG è prin-
cipalmente gestito dalla Universal Mu-
sic, mentre come detto i dischi dei King
Crimson sono nel catalogo DGM
PERCHÉ È IMPORTANTE:
Come ha fatto notar Ray Coleman nel-
le note per il box set, in occasione del
20esimo anniversario dell’etichetta,
“il profilo pubblico della EG può anche
essere stato più sommesso a paragone
di altri nomi presenti nella confusione
degli anni 70, ma la sua politica a favo-
re degli artisti non può essere messa in
dubbio… era un’etichetta fiera e matu-
ra che esplorava nuovi orizzonti”. Come
sempre, come si parte e quel che si di-
venta possono essere due cose molto di-
verse; la capacità di Enthoven e Gaydon
d’individuare le novità musicali e in-
coraggiare i nuovi talenti agevolò l’af-
fermazione dei King Crimson, dei Roxy
Music e in seguito dei vari progetti cor-
relati. Non c’è dubbio che questi gruppi
avrebbero avuto successo a prescindere,
ma la libertà di manovra concessa ga-
rantì l’approdo in un’etichetta discogra-
fica realmente interessata alla loro pro-
posta musicale. Visto il numero ridotto
di artisti gestiti, nel catalogo EG ci sono
poche cose strane o imbarazzanti. Non
ci sono dischi di cui vergognarsi e anche
quando i loro protetti si misero ‘a fare la
disco’ (Fripp, Roxy) lo fecero sempre con
estrema eleganza.
La summa EG
I dischi e le canzoni pubblicate dalla EG da non perdere
The 20th Anniversary Album:
A Unique Collection Of The Best
Of EG Artists 1969-1989
(EG/Polydor 1989)
Era il quarto in un box set di quattro Cd,
ma oggi si può trovare in linea econo-
mica. Contiene 16 brani che racchiudono
perfettamente quelle che erano le ambi-
zioni dell’etichetta.
21st Century Schizoid Man
King Crimson
(da In The Court Of The Crimson King, 1969)
Uno dei dischi che ha dato il via al prog
rock come lo conosciamo oggi. Il primo
brano del lato A non ha definito solo il
gruppo e un genere, ma anche il periodo.
Ancora oggi suona in maniera pazzesca,
non c’è mai più stato un disco come questo.
Ladytron
Roxy Music
(da Roxy Music, 1972)
Prodotto da Peter Sinfield dei King
Crimson, il sound postmoderno dei Roxy
Music incorpora elementi di vari gene-
ri. Ladytron è l’illustrazione perfetta
dell’ampiezza delle ambizioni del gruppo.
Red
King Crimson
(da Red, 1974)
L’apice e la fine di quella che può essere
considerata la formazione migliore dei
King Crimson. Il muro sonoro prodotto dal
trio formato da Robert Fripp, John Wetton
e Bill Bruford si è dimostrato incredibil-
mente influente ed è stato il modello per il grunge e il prog metal.
Another Green World 
Brian Eno
(da Another Green World, 1975) 
L’impatto del personaggio di Brian Eno
come “non musicista” che siede sul pal-
co assieme al gruppo fu rivoluzionario.
In precedenza questo tipo di stranezze
nel rock erano usate solo come pettego-
lezzi. Qui facevano parte integrale del sound. Quando lasciò
i Roxy nel 1973 il suo lavoro, un misto tra pop infantile e
atmosfere eteree, prese una nuova direzione con lo sviluppo
dell’ambient a metà degli anni 70.
In The Dead Of Night
UK
(da UK, 1978)
Wetton! Bruford! Jobson! Holdsworth! Uno
degli ultimi ruggiti della prima ondata
del prog, gli UK furono un supergruppo
che metteva assieme Crimson, Roxy e Soft
Machine. L’unico problema è che si mi-
sero insieme nel momento più sbagliato. Un brano incredibile
dove ogni componente del gruppo è al massimo della forma.
Under Heavy Manners 
Robert Fripp
(da God Save The Queen/Under Heavy
Manners, 1980)
Non ha quasi niente a che vedere col
prog, ma è perfetto per capire cosa suc-
cesse dopo, quando Fripp si mise a spe-
rimentare con i “discotronics”. I suoi
loop di chitarra si poggiano sulla sezione ritmica molto funk
di Busta Jones e Paul Diskin, permettendo a David Byrne dei
Talking Head di cantare i testi disarticolati di Fripp.
107
Amarcord musicale i legge come si scrive, ma non
intelligente e ben significa quello che sembra.
La Batteria, detto così, po-
confezionato, il debut trebbe essere il marchio di un
album de La Batteria ensemble di percussioni. Invece
il nome di questa nuova formazione
flirta seriamente con romana ha poco a che fare con gli
strumenti musicali: il rimando è
il cinema italiano piuttosto ai gruppi di elemen-
degli anni 60 e 70 e ti organizzati che negli anni
Settanta si rendevano pro-
inchioda alla sedia tagonisti di azioni criminali
di natura anti-capitalistica e
l’ascoltatore… anti-borghese, ed è in questo
completamente funzionale al tipo
Testi: Paolo Carnelli di proposta musicale presente nell’omonimo al-
Immagini: Valerio De bum d’esordio. L’omaggio è alle colonne sono-
Berardinis re del cinema italiano di genere, periodo 1968-
108
1980, quelle, per intenderci, firmate dai vari
Ennio Morricone, Stelvio Cipriani, Alessandro
Alessandroni, Armando Trovajoli, Bruno Nicolai
o da gruppi come Goblin e Osanna. Dodici brani
originali, e ascoltandoli ci si diverte parecchio: è
un vero piacere riassaporare di nuovo quelle tim-
briche inconfondibili – il wah wah, la fisarmoni-
ca, il mandolino, il fischio e i vocalizzi femminili
– tanto che viene da chiedersi come mai questo
tipo di suono, pur fortemente legato a una produ-
zione musicale di un certo periodo storico, possa
suonare ancora così attuale e avvincente. Spiega
il chitarrista Emanuele Bultrini: “Questo senso di
attualità dipende da vari fattori. Sicuramente ne-
gli ultimi anni c’è stata una riscoperta dell’epoca
d’oro delle colonne sonore italiane, sia in ambito
cinematografico che in quello strettamente di-
scografico, cui ha concorso anche la produzione
 di libri, film e serie tv, che da Romanzo criminale
in poi hanno riportato alla ribalta l’immagi-
nario e l’estetica degli anni Settanta… anche
se credo ci sia anche una ragione più profon-
da. Noi siamo convinti che i compositori e la
produzione musicale cui facciamo riferimento
abbiano rappresentato le pagine migliori del-
la musica italiana dal dopoguerra in poi, in
termini di originalità, innovazione, ricchezza
e sperimentazione. Una musica che, infatti,
è largamente apprezzata in tutto il mondo
anche a tanti anni di distanza”. Eppure, no-
nostante siano passati decenni, si tratta di
un filone tutt’altro che esaurito: all’epoca si
sviluppò prevalentemente nel cinema, dove i
compositori riuscivano a muoversi parados-
salmente con più libertà che nel pop e nella
musica leggera, ma di recente ci si è resi con-
to che quel suono ha una sua consistenza e
ragion d’essere anche senza essere accompa-
gnato dalle immagini. Un suono che il grup-
po stesso ha definito ‘prog-funk cinematico’,
come ribadisce il batterista David Nerattini:
“Essendo nato nel 1969, gli anni Settanta
coincidono con i miei primi 10 anni di vita,
quindi nel mio imprinting musicale c’è una
buona dose di prog rock. Per giunta sono cre-
sciuto a Velletri, ai Castelli Romani, e fra gli
amici dei miei c’erano i fratelli Falco e Mario
Achilli (mio primo maestro di batteria) che
erano stati nella prima formazione del Ban-
co e che all’epoca formavano i Crash, la band
che poi accompagnò Rino Gaetano per gran
parte della sua carriera. Ricordo che i primi
due album del Banco erano una costante a
casa mia, così come ricordo a sei anni di aver
accompagnato mio padre nell’unico negozio
di dischi del paese per comprare THE LAMB
LIES DOWN ON BROADWAY, dopo che aveva-
mo consumato SELLING ENGLAND BY THE
POUND e FOXTROT negli anni precedenti.
Quindi Banco e Genesis prima di tutti e poi
Yes, King Crimson, Gentle Giant, Van Der
«Il prog più che un genere vero e proprio è un
Gabriele Gianni & Paolo Barberi
approccio, un modo per affrontare da europei la
musica rock adattandola alla nostra cultura…»
Graaf Generator, oltre a PFM, Goblin e Area.
Gruppi diversissimi fra loro ma con una ca-
ratteristica comune: la lontananza dai canoni
del blues, quindi dall’essenza stessa del rock
& roll, in favore di una marcata influenza della
musica classica e della tradizione folk euro-
pea. Il prog, più che un genere vero e proprio,
mi è sempre sembrato un approccio, un modo
per affrontare da europei la musica rock adat-
tandola alla nostra cultura”. In questo senso
La Batteria è sicuramente un gruppo vicino
al prog, specie a quello italiano che, come nel
caso delle colonne sonore e delle sonorizzazio-
ni, ha caratteristiche proprie che lo distinguo-
no da quello degli altri Paesi. Al progressive
rock rimanda anche l’attenzione particolare
da parte del gruppo per la strumentazione vin-
tage, che per quanto riguarda il settore tastie-
ristico va dall’organo Hammond al Clavinet,
passando per il Fender Rhodes, il Minimoog e
l’immancabile Mellotron. Ribadisce il bassista
Paolo Pecorelli: “Esagerando si potrebbe dire
che questo tipo di musica non è nemmeno
pensabile senza un’adeguata strumentazione
vintage, senza il suono di un vero Mellotron, di
un Moog ‘d’annata’, di un organo Hammond e
così via. In realtà, gran parte della possibilità
d’impiego di queste timbriche così speciali vie-
ne dal nostro tastierista Stefano Vicarelli: nel
corso degli anni ha accumulato un autentico
arsenale di tastiere perfettamente funzionan-
ti, che fa bella mostra di sé allo Studiosette
Recording Factory dove è stato interamente
registrato e prodotto questo nostro primo la-
voro. Ma oltre alle tastiere abbiamo dedicato
particolare attenzione anche alla scelta degli
altri strumenti, utilizzando una vecchia bat-
teria Hollywood, chitarre e bassi Fender degli
anni Settanta e un glorioso e rumorosissimo
riverbero a molla italiano marcato Davoli”. E se
vintage chiama vintage, l’approdo all’edizione
in vinile è, più che consequenziale, inevitabi-
le. Come conferma il tastierista Stefano Vica-
relli: “Noi quattro del gruppo siamo tutti degli
‘splendidi’ ultra quarantenni, quindi il vinile
ci riporta indietro alla nostra infanzia/adole-
scenza, quando i dischi si ascoltavano seduti
in salotto o in cameretta, con le cuffie o senza,
ma sempre dall’inizio alla fine. Senza dubbio si
tratta anche di una scelta estetica, perché solo
la copertina di un vinile può valorizzare l’ope-
ra del grafico che la realizza, e nel nostro caso
la bellissima copertina realizzata da Emiliano
Cataldo e il logo di Luca Barcellona vengono
valorizzati maggiormente dal formato vinile
che dal solito booklet di un Cd. Poi, a livello
di suono, l’album è stato pensato per il forma-
to del vinile: dura poco più di 47 minuti ed è
stato masterizzato in maniera molto dinamica,
cioè senza quella compressione estrema che si
usa adesso, spesso a sproposito. Quindi nella
scelta di pubblicare il nostro album in vinile
c’è sicuramente anche una componente au-
diofila”.
LA BATTERIA è disponibile su etichetta Penny Re-
cords in Cd, Lp e digital download. Info: www.la-
batteriaband.it
109
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separati dal nostro batterista storico
è che lui aveva la mentalità della
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voce e r edo o le a rtin G ru ppo. O iv a dop
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,
tri- Ettore Vigo

111
 ce,
Martin Gri
Da sinistra rvaglia
o Co
Alessandr

L’angelo del fango o la stessa title

track, c’è spazio per la speranza. L’ERA DEL-
del 1973 di un’altra LA MENZOGNA potrebbe essere anche un
band ligure: il Museo Rosenbach. buon manifesto su come e dove intervenire per
Solo nell’ultimo brano, Il castello del mago provare a cambiare le cose… ma qui mi fermo
Merlino, le liriche del nuovo album tornano per la mia nota opinione sulle scarse capacità
ad atmosfere più “tipiche” del prog con la del nostro Paese di risvegliarsi e reagire”. Musi-
dedica all’ormai ultracitato mago di artu- calmente, la cifra stilistica dei Delirium
riana memoria. Corvaglia chiari- viene rispettata anche

der
«David Jackson, ex Vanersona
sce: “Mauro si è in questo nuovo al-
Antonio De Sarno

lanciato in un’a- bum, grazie all’alter-

ap
Graaf Generator, è un Belgio
Ettore Vigo nalisi/invettiva nanza tra momenti più
sulla società odier- cupi e complessi e altri

squisita. Una volta in rante

na, andando a col- in cui a essere privile-
Registrazioni effettuate presso lo studio di Van- pire specialmente quan- giata è la melodia e

mi fa: vieni sul palco duti avanti

dresi nell’arco di due anni, più di quanto previ- to di più negativo c’è l’orecchiabilità, an-
sto in partenza. Spiega Vigo: “La nuova forma- nelle persone che, dal che se il tutto suona

Theme One… siamo anda»

zione è indubbiamente fresca e piena di potere istituzionale agli meno jazz rispetto al
entusiasmo, anche se non si tratta di un disco spazi di vita quotidiana (i solito. Non a caso

un’ora e mezza
allegro, tutt’altro. Diciamo che se prendiamo in media, tanto per specifica- Grice parla di “prog
considerazione i testi potremmo parlare di un re), giocano sulla sinceri- sinfonico, più rock e
concept fantapolitico, se così si può dire”. I testi, tà e sulla fiducia della meno operistico”.
effettivamente molto incisivi e attuali, sono di gente per scopi truffaldini Martin Grice Secondo Corvaglia:
Mauro La Luce, paroliere dei Delirium dall’al- o criminali veri e propri. È “La prospettiva cambia
bum LO SCEMO E IL VILLAGGIO, 1972. Tra i un ritratto di ciò che molta rispetto al progressive classico, sposando un pa-
suoi lavori, oltre a NEL NOME DEL VENTO, fi- parte della nostra classe politica e dirigente norama molto più ampio con l’utilizzo di sono-
gurano i testi di ZARATHUSTRA, capolavoro esercita sulla gente, anche se ogni tanto, vedi rità attuali, soprattutto per ciò che concerne le
 Michele Cusato
altro aspetto a cui i vecchi fan dei Delirium
dovranno fare l’orecchio è sicuramente la
timbrica vocale di Alessandro Corvaglia: se
dall’uscita dal gruppo di Fossati l’orienta-
mento era stato
«Ammiro Piero Pelù o…
sempre quello di tro-
vare il modo di emu-
per la sua presenza suUno
larne, più o meno
velatamente, le ca-
lui è un Numero
ratteristiche (il prece-
dente cantante dei
e io uno scolaretto»
Delirium, Roberto So-
linas, era praticamen-
te un clone) ora lo
stacco rispetto al pas- Alessandro C
sato è molto netto.
Conferma Corvaglia:
“Essendo entrato nei Delirium ad aprile 2014,
ho trovato, per così dire, le cose già fatte, a li- che oggi si avvicinano al prog lo fanno con una
vello strutturale e compositivo. Il mio apporto
è stato pertanto essenzialmente ricreare le
parti vocali, modificandole ove opportuno,
aggiungere tutti i cori e le armonizzazioni.
Quando sono entrato in studio di registra-
zione ho capito subito come le melodie e
le tonalità fossero abbastanza diverse dal
mio usuale stile interpretativo. Ho accet-
tato la sfida: cercare di rendere meno mo-
notono il mio timbro e di adattarlo ad at-
mosfere meno psichedeliche di quanto
avessi affrontato precedentemente con La
Maschera di Cera. Fortunatamente, ho già
avuto modo di constatare, durante un paio
di concerti, di non aver causato troppi trau-
mi agli aficionados dei Delirium. Al di là della modo di lavorare. All’epoca si suonava con un
banale speranza che la mia voce colpisca
favorevolmente gli ascoltatori, ho la curio-
sità di vedere come verrà recepito il cambio
di orizzonte, in termini di diversità e non cer- gli rispondevo: ‘O noi o loro!’. Adesso siamo ar-
to di qualità, dato che la mia voce si è andata
a innestare su brani nuovi non solo per data
tastiere e le chitarre elet- di nascita ma per fisionomia stilistica”. Ora
triche. Anche lo stile abbraccia più che il disco è pronto, il nostro primo obiettivo è
suggerimenti e influenze, concedendo spazi poter suonare dal vivo con maggiore continui-
alla maggiore facilità di assimilazione, che non tà, proponendo una scaletta con nuovi brani e
vuol dire banalità, e la scorrevolezza del disco classici. Ammette Vigo: “Ripensando ai vecchi
non ne perde in alcuna misura. Potremmo par- tempi e ai concerti degli anni Settanta, c’è un
lare genericamente di ‘prog melodico’ ma del po’ di nostalgia, in realtà neanche tanta. Rim-
resto la predilezione per la melodia è stata una piango i festival pop di Palermo o Reggio Emi-
caratteristica sempre presente all’interno della lia, il fatto di poter suonare davanti a tante per-
discografia Delirium, basti pensare a brani sone. Ricordo ‘Un disco per l’estate’ e i
come Dolce acqua, Canto di Osanna, Dio del silen- ‘Cantagiro’, cose impensabili oggi: l’aereo pri-
zio, Favola o storia del Lago di vato della RAI per an-
Kriss. Il giusto dosaggio tra dare da Palermo a Ve-
melodie, più o meno imme- Alfredo Vandresi, nezia a fare il
batteria
diate, e fraseggi ricercati. ‘Festivalbar’. Tecnica-
Ascoltando il risultato fina- mente, per la parte
le, credo che l’aspetto mag- audio è più semplice
giormente ‘prog’ sia negli adesso. Hai a disposi-
arrangiamenti, che spesso zione tutto, mentre
risultano tutt’altro che ca-
nonici. Ne sono un esempio
il richiamo, per certi versi
sorprendente, al canto gre-
goriano in Basta, i fraseggi
armonizzati plurifiatistici
con l’utilizzo dei brass en-
semble. Il tutto senza cadere
in uno scolastico richiamo
agli stilemi sonori del genere,
come l’utilizzo spasmodico
Antonio De Sarno
del mellotron o del moog”. Un
prima per avere certi suoni dovevi per forza por-
tarti dietro Mellotron e Hammond, con tutto il
loro ingombro e il loro peso. Le difficoltà sono
date dal fatto che siamo
diventati anziani e per-
ché è più difficile trova-
re posti dove suonare.
l palc
Anche se è vero che ci
sono dei giovani pre-
senti ai concerti, ho la
sensazione che gran
parte del nostro pub-
blico sia della genera-
orvaglia
zione di quegli anni.
Non un pubblico di-
verso, ma spesso proprio la
stessa gente che è cresciuta con noi”. Su questo
punto anche Corvaglia è d’accordo: “I giovani
mentalità conoscitiva, nel senso che vogliono
conoscere un genere che ha detto tanto in Italia
ma, sia chiaro, conoscerlo è diverso dal viverlo.
Il fermento culturale di allora è irripetibile, chi
si approccia al prog oggi lo fa perché è stuzzica-
to dall’articolazione, dalla lunghezza dei brani,
da un certo modo di comporre… cose sicura-
mente affascinanti, ma non si vive più il prog
come un fenomeno di cultura vero e proprio”. In
compenso, un aspetto degli anni Settanta che
sembra definitivamente superato è l’esclusiva
appartenenza dei musicisti a un unico progetto,
e la conseguente rivalità tra band che non favo-
riva certo lo scambio e la circuitazione delle
idee. Dice Grice: “È cambiato completamente il
gruppo di persone e basta. Quando il mio primo
batterista mi diceva: ‘Sabato prossimo non pos-
so perché devo suonare con qualcun altro’, io
rivati al punto che qualche settimana fa ho suo-
nato con i New Trolls… tutto questo una volta
sarebbe stato impossibile. Eravamo come cani
e gatti. Ma quei tempi sono finiti, ormai abbia-
mo una certa età e non siamo più negli anni
Settanta”.
L’ERA DELLA MENZOGNA è disponibile in Cd
e Lp su etichetta Black Widow.
Info: www.blackwidow.it.
Fabio Chighini,
basso
Martin Grice,
sax/flauto
113
A due anni dagli
ultimi concerti
dal vivo, arriva
finalmente il tanto
atteso live dei
Van der Graaf
Generator,
contenente anche
la mitica suite
A Plague Of
Lighthouse
Keepers…

Testi: Paolo Carnelli

19/4/2011,
Teatro Carisport
di Cesena.

Francesco Pullè
 Peter Hammill,
VdGG a Umbertide,
22/7/2007.

un dato di fatto come dalla sorprendente

reunion del 2005, i Van der Graaf Gene-
rator abbiano già pubblicato ben quat-
tro album dal vivo (di cui due anche in
formato Dvd), compreso questo nuovo
MERLIN ATMOS, testimonianza del
tour che nel 2013 toccò anche il no-
stro Paese. Verrebbe da dire passo,
se non proprio per la presenza di
A Plague Of Lighthouse Keepers: la
mitica suite, cupa e visionaria,
contenuta nell’album forse
più rappresentativo dei Van
der Graaf, quel PAWN HE-
ARTS che nel 1971 ne
contrassegnò il vertice

Peter Hammill,

«Penso che quella Charisma Festiva

22/1/1973.
l,

di Milano sia stata

la data migliore
del tour del 2013.
In qualche modo
la scelta dei brani,
la qualità del suono
e la partecipazione
del pubblico hanno
contribuito a dare
vita a qualcosa
di speciale»
Luca Fiaccavento

Guy Evans
Fabio D’Emilio

dell’espressionismo timbrico e com-
positivo. Oggi non siamo in grado di
affermare con certezza quanta attesa ci
fosse all’epoca per l’esecuzione live di
A Plague Of Lighthouse Keepers, ma sem-
bra scontato che il gruppo dovette fare
i conti con la necessità di proporne la
complessa architettura sonora anche
dal vivo. E qui iniziarono i problemi.
Del resto esistono, nel repertorio di
ogni artista, brani destinati a diventa-
re dei veri e propri cavalli di battaglia
in concerto e altri destinati a godere
di minore fortuna, spesso a causa di
problematiche varie che ne pregiudi-
cano la riproposizione. Ai Queen, ad
esempio, non è mai stato perdonato il
fatto di non essere stati in grado di ese-
guire dal vivo la versione integrale di
Bohemian Rhapsody, uno dei loro brani
più importanti, e di aver dovuto ricor-
rere nei concerti all’uso di una sezione
registrata. Nel caso dei Van der Graaf
Generator il problema è sempre stato
di natura strettamente tecnica, come
ricorda l’organista Hugh Banton: “C’e-
ra un punto in particolare dove era im-
possibile modificare i settaggi dell’or-
gano in tempo reale. Lighthouse Keepers
era originariamente composta da tanti
pezzi separati, che poi erano stati regi-
strati e uniti tra loro in fase di mixag-
gio: era fuori dalle possibilità umane
pensare di suonare tutto di seguito.
Nel 1972 la eseguimmo alla televisio-
ne belga dal vivo, però fui costretto a
chiedere alla produzione di poter ef-
fettuare una pausa durante le riprese,
in pratica di poter dividere il brano in
due parti e resettare tutti i miei stru-
menti”. Prima della pubblicazione di
MERLIN ATMOS, infatti, l’unica ripro-
posizione integrale della suite esisten-
te risaliva al marzo del 1972, quando
il gruppo fu chiamato a registrare in
studio quell’esibizione di circa trenta
minuti, apprendendo solo all’ultimo
momento di doverla eseguire. Spiega
il batterista Guy Evans: “La televisio-
ne belga chiedeva sempre ai gruppi di
filmare due spettacoli differenti, perché
doveva tenere conto sia del pubblico
francese che di quello fiammingo. La
maggior parte dei programmi televisivi
in Europa erano molto facili, come Top
of the Pops, e le band dovevano solo fare
finta di suonare, così immaginammo
di dover semplicemente mimare qual-
cuno dei nostri pezzi più accessibili,
come Theme One o Refugees. E infatti fu
proprio così, la mattina registrammo lo
spettacolo destinato al pubblico fran-
cese e suonammo un nostro brano in
playback. Poi ci spostammo in un al-
tro studio per la tv fiamminga, che era
molto più underground, più hippie:
con nostro grande stupore, scoprim-
mo che avevano allestito tutto quanto
per farci suonare A Plague Of Lighthou-
se Keepers. Avevano già preparato la
scenografia con le candele e le stelle
filanti, era tutto definito. Fummo colti
Francesco Pullè
Hugh Banton:
19/4/2011,
Teatro Carisport
di Cesena.
dal panico: nessuno ci aveva avvertito
e a quanto pare non c’era modo di ri-
fiutare. Dovemmo provarla per un paio
d’ore prima di registrare, perché erano
mesi che non la suonavamo, eravamo
terrorizzati. Praticamente per noi era
come doverla imparare da capo”. L’ul-
teriore conferma di quanto fosse inu-
suale per la band l’idea di confrontarsi
con il materiale del lato B di PAWN HE-
ARTS, arriva dalle immagini televisive:
lo stesso Hammill, infatti, per cantare
è costretto a utilizzare il foglio dei te-
sti, originariamente incluso all’interno
dell’album, per potersi disimpegnare
al meglio, posizionandolo sul leggio
del piano elettrico. Ad ogni modo, la
Sopra: copertina cesura di cui parla Banton venne ben
di MERLIN ATMOS
Sotto copertina
mascherata dal montaggio televisivo e
AFTER THE FLOOD - la performance del gruppo, nonostante
AT BBC 1968-1977. tutto, risultò abbastanza convincente,
117
 Ifan dei Van der Graaf Generator e i collezionisti le hanno in-
seguite per tanti anni. Hanno popolato decine di bootleg, pri-
ma in vinile e poi in formato digitale, e sono state oggetto di
furiosi scambi clandestini attraverso le vecchie registrazioni
su audiocassette. Stiamo parlando delle mitiche BBC Sessions,
ovvero le performance che il gruppo ha inciso negli studi della
radio inglese nel corso degli anni, spesso su suggestione e in
compagnia del celeberrimo dj John Peel. Hanno rappresenta-
to un vero e proprio Santo Graal per tutti gli appassionati,
soprattutto per la loro qualità tecnica e artistica. AFTER THE
FLOOD – AT THE BBC 1968/1977 raccoglie in due Cd materiali
provenienti da nove session differenti, per un totale di ben 22
brani, ma la strada verso l’esaustività è ancora lunga. Soprat-
tutto, la qualità delle varie registrazioni è decisamente poco
omogenea: le cose migliorano con i brani registrati nella secon-
da metà degli anni 70, ma chi si aspettava di ascoltare versio-
ni più nitide, risalenti alla prima parte della decade, rimarrà
inesorabilmente deluso. In generale, data l’ufficialità del pro-
dotto (pubblicato su etichetta EMI/Virgin) era lecito aspettarsi
qualcosa di più. Peccato.
Sopra copertina
di PAWN HEARTS
A sinistra immagine
pubblicitaria anni 70
(sopra) e manifesto
Pistoia Blues del 2013
(sotto).
«La sfida più grande nel riproporre
dal vivo A Plague Of Lighthouse Keepers
è stata riuscire a ricordarsela
dall’inizio alla fine…»
118
oltre che divertente: l’immagine di
Hammill che alza sorridente un cali-
ce di vino rosso verso la telecamera,
mentre gli altri musicisti sono alle
prese con il maestoso finale della com-
posizione, è una sorta di manifesto di
quello che era l’approccio della band
alla propria vita e alla propria arte.
La sorpresa, quindi, è stata grande
quando nel 2013, a oltre quarant’an-
ni dalle riprese televisive allo Studio
Mathonet di Brussels, sul sito uffi-
ciale di Peter Hammill è comparso il
suo annuncio relativo alla imminente
tournée europea del gruppo: “Durante
i nostri prossimi concerti estivi abbia-
mo deciso di eseguire un paio di brani
molto lunghi.
no di questi è Flight, ori-
ginariamente incluso in
un mio album solista del
1980, A BLACK BOX, che
abbiamo già riproposto dal
vivo lo scorso anno in America e Giap-
pone. Proprio grazie al buon risultato
ottenuto con Flight ci siamo convinti a
cimentarci con qualcosa di ancora più
ambizioso… e pericoloso. La nostra in-
tenzione è di provare a suonare dal vivo
tutta A Plague Of Lighthouse Keepers. Non
c’interessa riprodurre esattamente la
versione originale, speriamo piuttosto
Hugh Banton
Guy Evans:
Hugh Banton:
19/4/2011,
Francesco Pullè
Teatro Carisport
di Cesena.
di produrre un nuovo arrangiamento,
più attuale, di questo brano così im-
portante per noi, eseguito solo pochis-
sime volte dal vivo”. Tanti anni dopo la
suite del guardiano del faro è una bella
sfida con cui il gruppo – da diversi anni
ridotto a un trio costituito da Peter
Hammill (voce, pianoforte e chitarra
elettrica), Hugh Banton (organo e bass
pedals) e Guy Evans (batteria e percus-
sioni) – accetta di misurarsi con corag-
gio, riuscendo a ben districarsi tra note
e fantasmi. Durante il tour del 2013 la
band la lascia quasi sempre per la parte
finale dei concerti, sa che la gente è lì
soprattutto per quel momento.
L’esecuzione del brano è fedele e priva
di sbavature, forse in alcuni momenti
anche troppo schematica; rispetto al
disco non ci sono grandi aggiustamen-
ti, i tempi delle varie sezioni vengono
totalmente rispettati e certamente Pic-
tures/Lighthouse, con la drammatica col-
lisione delle navi e il passaggio spettra-
le di organo che la collega a Eyewitness,
valgono da sole l’acquisto dell’intero
MERLIN ATMOS. L’unico rimaneggia-
mento importante arriva nella coda
finale, nella sua conclusione: l’ascen-
sione vertiginosa di We Go Now, che in
studio rimaneva sospesa e in un certo
qual modo irrisolta, s’interrompe bru-
scamente; l’arpeggio di pianoforte di
Eyewitness fa nuovamente la comparsa
in maniera sottilmente inquietante,
«Le BBC Sessions in realtà non erano
aprendo il campo alla chiusura baroc-
ca, che sa di macabro epitaffio: sicura-
quasi mai veri e propri “live”, ma
mente se Edgar Allan Poe fosse stato
ancora in vita, avrebbe apprezzato.
si trattava di esibizioni registrate
Conferma Banton: “La sfida più gran-
de nel riproporre L-K, come l’abbiamo
in studio e poi mandate in onda
ribattezzata durante il tour, è stata riu-
scire a ricordarsela dall’inizio alla fine;
qualche settimana dopo»
ancora una volta, però, si è manifesta- Peter Hammill
to quello strano fenomeno chiama-
to ‘memoria fisica’, grazie al quale le
mani sembrano ricordarsi esattamente
come suonare qualcosa, nonostante
siano passate alcune decadi dall’ulti-
ma volta. La cosa strana è che, prima
di ogni tournée, sono, invece, alcuni
dei brani più recenti del nostro reper-
torio a richiedere maggior lavoro”. E i
problemi tecnici che pregiudicarono
l’esecuzione del lungo brano negli anni
Settanta? “Per me la difficoltà principa-
le rimane ancora come passare da una
sezione all’altra. Ai giorni nostri la cosa
è resa più facile dalla possibilità di utiliz-
zare dei pre-set memorizzati sulle tastie-
re, o almeno dovrebbe essere così… se
il mio set-up non fosse così complicato
da gestire!”. Anche Hammill ora sembra
tirare un sospiro di sollievo: “Effettiva-
mente avevamo un po’ di apprensione
prima del tour riguardo al fatto di dover
suonare A Plague Of Lighthouse Keepers,
soprattutto perché abbiamo annuncia-
to che l’avremmo inserita in scaletta an-
cora prima di averla provata; dovevamo
per forza fare così per essere noi stessi
completamente convinti e motivati.
Abbiamo dovuto prendere insieme del-
le decisioni sull’approccio da adottare
ma alla fine è risultato forse più sem-
plice suonare L-K rispetto a Flight”. Ma
cosa si prova a vestire di nuovo i panni
del guardiano del faro dopo così tanti Peter Hammill, VdGG
anni? Prosegue Hammill: “È come per al Marquee di Londra,
Luglio 1976.
tutti gli altri brani. La musica inizia,
ti butti dentro, t’immergi e in qualche
modo esci fuori alla fine del tunnel.
Una percezione ‘normale’ non è con-
templata. E, soprattutto con i Van der
Graaf, non c’è mai tempo per elaborare
le sensazioni in corso d’opera”. MERLIN
ATMOS è stato pubblicato in varie edi-
zioni, tra cui una limitata che prevede
anche un secondo bonus Cd, conte-
nente altri sette brani registrati durante
il tour del 2013. Peccato, però, che la
qualità di queste tracce non sia impec-
cabile. Niente d’insostenibile, intendia-
moci, ma la differenza rispetto al mix del
primo disco, di cui si è occupato perso-
nalmente Hugh Banton, si sente. Così
come il rombo del motore riprodotto dal
geniale organista all’inizio di Flight, che
richiama probabilmente quello con cui
erano equipaggiati i veivoli inglese du-
rante la Seconda guerra mondiale. Un
capolavoro ingegneristico che prendeva
appunto il nome di Merlin.

MERLIN ATMOS è disponibile su etichetta Esoteric

Antenna in Cd e Lp singolo o in versione doppio
Cd. Info: www.esotericrecordings.com/antenna.htm
 Quanto sono Prog i Toto?
Negli anni 80 hanno partorito delle mega-hit che ancora oggi sono presenti in tutti i
tribute show incentrati sulla storia del rock, ma erano anche in grado di scrivere dei
pezzi pop da tre minuti. Allo stesso tempo, erano ispirati dai grandi nomi del prog e nei
loro album ci sono momenti di grande spessore musicale. In più, sognano ancora di
scrivere un concept album. E allora poniamo questa domanda…
I
componenti dei Toto se la ridono
di gusto. E fanno bene. Hanno
appena pubblicato un disco che
dimostra come anche nel 2015 i
Toto siano qualcosa di più di un
semplice gruppo per nostalgici. Non a
caso, il nuovo album è stato accostato,
in modo positivo, al mitico TOTO IV del
1982. “La colpa è mia, sono stato io a fa-
re riferimento a quel disco”, sottolinea il
tastierista Steve Porcaro. “Ho detto a
qualcuno che per me TOTO XIV era il
suo successore naturale. Con questo
non volevo snobbare tutto quello che
abbiamo fatto dopo, solo che secondo
me musicalmente avremmo dovuto
muoverci nella direzione attuale. Que-
sto è un album che incarna tutto il no-
stro credo artistico”. E se si parla di appar-
tenenza musicale, è assolutamente
chiaro in quale contesto i Toto si senta-
no maggiormente a proprio agio.
“Quando abbiamo iniziato, nel 1977,
volevamo essere considerati un gruppo
prog rock, ma con una spiccata sensibi-
lità melodica”, rivela il chitarrista Steve
Lukather. “Siamo tutti cresciuti con i
miti prog degli anni Settanta: Yes, Gene-
press/ Heather Porcaro
Ho sempre
amato il
modo in
cui i Toto sanno
miscelare una
tecnica superba alla
capacità di scrivere canzoni
incredibilmente orecchiabili
Richard West, Threshold
sis, Pink Floyd. E per le armonie vocali ci
siamo ispirati tantissimo ai Gentle
Giant”. L’altro tastierista, David Paich,
conferma ancora di più l’amore per il
prog, chiarendo cosa l’ha colpito la pri-
ma volta che ha visto suonare Steve
Lukather. “Lo vidi in un gruppo durante
un ballo alla High School. E lo sai cosa
stava suonando? Dei pezzi degli Yes. Ca-
pii subito che un giorno avrei dovuto
collaborare con lui. Quando abbiamo
dato vita ai Toto, le nostre principali
fonti di ispirazione erano ELP e Yes. Vi-
visezionavamo i loro dischi, cercando di
capire cosa li rendesse speciali, e utiliz-
zavamo quello che riuscivamo a scopri-
re come la base su cui costruire le nostre
robert burress
canzoni”. Secondo Porcaro, è stato lui a
mantenere i Toto sul sentiero del prog,
mentre gli altri componenti del gruppo
erano impegnati alacremente a espan-
dere il sound della band. “Portammo
dentro il groove, il jazz, la fusion, il
rock’n’roll e moltissime altre cose, dato
che i ragazzi avevano lavorato, tra gli al-
tri, con gli Steely Dan e Boz Scaggs. Ma
personalmente ho sempre insistito sul
fatto che non dovessimo allontanarci
troppo dal substrato prog che ci aveva
fatti incontrare. Volevo sperimentare al
sintetizzatore, ma nessuno mi ha mai
realmente incoraggiato a farlo. Ero
quello un po’ bacato. Ora però le cose
sono cambiate e agli altri piace quello
che faccio”. Chiaramente, molte persone
Sopra: il nuovo disco conoscono i Toto solo per la loro raffica
TOTO XIV. Sotto
(s-d): Joseph Williams,
di singoli, tra cui Hold The Line, Rosanna e
Steve Lukather, Steve Africa. E Lukather ammette senza pro-
Porcaro, David Paich. blemi che per il gruppo la cosa è legger-
mente frustrante. “Senti, io sono felice
di aver realizzato quei successi. Mi han-
no permesso di vivere bene. Ma avrei
anche voluto che la nostra etichetta di
quel periodo [la Columbia] avesse pub-
blicato come singoli alcuni dei nostri
pezzi più complessi”. “Qualcuno ci cono-
sce come ‘Quelli di Africa’. Ci sono molte
persone che ci conoscono solo per le
hits, ma che quando vengono a sentirci
dal vivo restano a bocca aperta, quello
che realizziamo in studio è solo una par-
te della storia. Come per i nostri eroi
prog, anche per noi i dischi sono solo
dei semplici trampolini di lancio”. “Ho
sempre amato il modo in cui i Toto san-
no miscelare una tecnica superba alla
capacità di scrivere canzoni incredibil-
mente orecchiabili”, ci rivela con genui-
121
 no entusiasmo Richard West, tastierista
dei Threshold. “Per me I Won’t Hold You
Back è una delle ballate rock migliori
che siano mai state scritte. Sono stato
uno dei primi a mettermi in fila per
comprare una copia di TOTO XIV. Mo-
menti come questo non capitano spes-
so”. Porcaro crede che il gruppo abbia
compreso l’importanza di avere succes-
so a livello commerciale prima di gruppi
del calibro di Yes o Genesis. “Abbiamo
sempre apprezzato l’arte di scrivere can-
zoni pop da tre minuti e mezzo, e abbia-
mo sempre avuto ben presente la loro
importanza per lo sviluppo della nostra
carriera. Non c’è nulla di male nello
scrivere questo tipo di materiale, fintan-
to che fai le cose in modo intelligente e
non vai a disconoscere ciò che credi sia
importante nella tua musica”. “Sembra
che siamo arrivati a questa conclusione
qualche anno prima che altri, come gli
Yes, facessero lo stesso. Quindi siamo
stati dei pionieri nel dare al prog un po-
sto nelle classifiche dei singoli più ven-
duti? Non direi mai una cosa del genere.
Sono sicuro che altri, come gli Yes, sia-
no arrivati a prendere una decisione si-
mile attraverso una strada diversa dalla
nostra”. Malgrado il fatto che per qua-
rant’anni i Toto siano stati inseriti nella
scena del prog americano, il gruppo,
sottolinea Paich, ha poco in comune
con gruppi come gli Styx o i Kansas. “Ci
sono parecchie cose tra quelle fatte da
queste band che mi piacciono. Ma per
me sono molto più tendenti al pop loro
di quanto lo siamo mai stati noi. I Toto
erano – e sono – più in linea con la sce-
na inglese. Non ci siamo mai allontana-
ti troppo da quelle radici, anche se non
siamo mai rimasti fermi a livello musi-
cale e abbiamo sempre cercato il modo
di percorrere nuove strade”. Parlando di
tecnologia, i Toto sono sempre stati
pronti a sperimentare con le ultime no-
vità, come ci spiega Porcaro. “Per noi es-
Francesco Desmaele
122
David Paich in sere davvero progressive significa essere
studio nel 1982, sempre consapevoli di come stiano
apparentemente pronto
a darsi al prog più
cambiando le cose. E attualmente in gi-
sfrenato. ro ci sono moltissime cose interessanti
che vorremmo innestare nel nostro
sound. Per esempio, quando ascolti
quello che stanno facendo nel campo
della EDM [electronic dance music =
Musica Dance Elettronica] ti rendi con-
to che c’è moltissimo che possiamo an-
cora fare per far progredire la nostra
musica”. “L’ultima cosa che vogliamo è
rimanere al palo”, aggiunge Lukather.
“Ci annoieremmo subito se dovessimo
fare e rifare sempre le stesse cose. A quel
punto diventeremmo un gruppo rétro:
magari a qualcuno potrebbe anche an-
dare bene ma non è quello che ci spinge
ad andare ancora avanti”. “È stupefa-
Steve Porcaro, e il disco cente quanto talento ci sia in giro. Ma-
con cui vinsero, TOTO IV gari musicisti che non rientrano in quel-
(sopra). la che è l’idea convenzionale di prog, ma
Quando
abbiamo dato
vita ai Toto,
le nostre principali
fonti di ispirazione
erano ELP e Yes.
Vivisezionavamo i
loro dischi, cercando
di capire cosa li
NEIL ZLOZOWER/ATLASICONS.COM
rendesse
speciali
David Paich
che possono proporre un nuovo modo
di guardare alla musica. Pensa ad esem-
pio a Skrillex. È un ottimo produttore, dj
e compositore in ambito EDM. Lo so per
certo perché di recente è stato assieme a
noi in studio. Ed è stata una collabora-
zione davvero proficua. Quando lo vedi
lavorare al massimo delle sue capacità,
ti rendi conto di quanto sappia essere
innovativo. Mi ha aperto le orecchie a
nuovi modi di ottenere nuovi suoni, e
questo può solo essere un beneficio per
il futuro. Ti rendi conto quanto oggi sia
facile riuscire a fare qualsiasi cosa”.
Paich riconosce che per i Toto il modo in
cui è cambiata la tecnologia degli studi
di registrazione ha rinforzato l’impor-
tanza della creatività. “Se ti rendi conto
che puoi ottenere tutto grazie al sempli-
ce tocco di un pulsante”, dice, “allora
puoi investire più tempo sul lato artisti-
co della tua musica”. Questo tipo di
mentalità emerge chiaramente in TOTO
XIV, un album che – anche il gruppo è
concorde – vede i Toto nuovamente
all’apice della loro forma. “Di questi
tempi non ha senso per un gruppo “sto-
rico” – credo che ci definiscano così – fa-
re un disco solo per farlo”, insiste Luka-
ther. “Devi sentire di avere qualcosa di
importante da offrire al pubblico. E noi
sappiamo di averlo. Magari potrebbe
anche essere l’ultimo disco dei Toto, chi
può dirlo? Per questo motivo il nostro
approccio è stato quello di dare tutto
noi stessi, e di spingerci fino al limite in
tutti i sensi. Eravamo come sei tori chiu-
si in una stanza con una mucca – in ca-
lore!”. Paich loda anche il produttore C.J.
Vanston per essere riuscito a tenere tutti
concentrati. “Ha già lavorato con noi,
 Toto: un gruppo
Toto Live a Verona: prog in incognito?
Steve Porcaro,
Steve Lukather
e Joseph Williams.

press/toto management

Prendi gli Yes e i Pink Floyd,

poi aggiungi gli Steely Dan
e John McLaughlin,
e alla fine ci butti dentro qualcosa
dei Deep Purple. E quel che
ottieni sono i Toto
Francesco Desmaele

Steve Lukather

Francesco Desmaele
per cui sa come funzionano i Toto. Il suo
non è stato un lavoro facile perché sia-
mo tutti abbastanza testardi, ma è una
persona che sa ascoltare le idee di tutti
ed è riuscito a fare in modo che ci fosse
equilibrio tra l’aspetto sperimentale e
l’accessibilità della nostra musica”. Ma
possiamo dire che i Toto hanno uno sti-
le o un sound ben preciso? Qualcosa di
unico? Lukather dice, molto semplice-
mente: “Prendi gli Yes e i Pink Floyd,
poi aggiungi gli Steely Dan e John
McLaughlin, e alla fine ci butti dentro
qualcosa dei Deep Purple. E quel che
ottieni sono i Toto. Sono questi i vari
elementi che hanno sempre costituito il
nostro sound. Quando lo analizzi in
questo modo, sembra tutto molto sem-
plice. Ma posso assicurarti che non lo
è”. Paich, invece, è meno convinto che il
gruppo abbia un suo sound ben defini-
to. “Sinceramente non sono così sicuro
che ne abbiamo mai avuto uno. Puoi
identificare alcuni temi presenti nei no-
stri brani. Ci sono molte armonizzazio-
ni – motivo per cui è ottimo poter con-
tare su quattro cantanti nell’attuale for-
mazione – un bel beat, un groove, me-
lodie potenti, una buona tecnica
musicale… e di solito c’è qualcosa di di-
verso nel modo in cui arrangiamo tutto
quanto”. “Credo che la nostra vera abili-
tà stia nell’essere capaci di suonare
qualsiasi cosa, e in ogni modo possibi-
le: siamo molto flessibili e siamo in gra-
do di decidere molto velocemente, sia
in studio che dal vivo. Alla resa dei con-
ti, questo è quello che può essere consi-
derato il nostro approccio prog alla mu-
sica. Poi lascio ad altri il compito di de-
cidere in che modo tutto ciò possa dare
luogo a un particolare tipo di sound”.
Lukather cita anche l’intesa tra i mem-
bri storici del gruppo, compreso il can-
tante Joseph Williams, tornato nei Toto
da qualche anno, come uno degli ele-
124
Steve Lukather menti cardine del nuovo disco. “Ci co-
alla Casa del Jazz nosciamo così bene che non c’è biso-
di Roma, 4/8/2011.
gno di parlare. Ci basta un’occhiata.
Capiamo tutti istintivamente quando
una canzone è pronta per essere pub-
blicata. Ci siamo divertiti talmente tan-
to lavorando a questo nuovo disco che
mi sento di nuovo come se avessi 15
anni. Da fuori possiamo sembrare dei
vecchietti, ma dentro siamo sempre dei
giovani teppistelli”. Malgrado tutto
quello che il gruppo ha ottenuto finora,
i Toto hanno ancora molte ambizioni
per il futuro. Per esempio, Porcaro vor-
rebbe fare… “un concept album! Sono
un tastierista nerd, per cui ho sempre
pensato che a un certo punto dovessi-
mo creare la nostra versione di TALES
FROM TOPOGRAPHIC OCEANS…”.
“Veramente siamo andati vicino a pub-
blicare un concept album”, ride Paich.
“Quando abbiamo scritto l’ultima can-
zone del disco, Great Expectations, aveva
un tema narrativo così potente che ho
pensato che sarebbe stato interessante
farne il centro dell’album, e far ruotare
tutti gli altri brani attorno. Ma non sia-
mo riusciti a far funzionare l’idea. Così
alla fine ogni brano ha una sua storia,
ma non sono legate assieme. Lukather,
però, insiste che anche per un altro
aspetto l’album è molto legato a quello
che facevano gli Yes e gli altri gruppi
prog 40 anni fa. “Abbiamo fatto un di-
sco che scorre. Oggi troppi gruppi si ac-
contentano di avere una o due canzoni
Lontano da AFRICA: decenti in un Cd. Ma un disco non è so-
HYDRA (in alto) lo un insieme di brani scollegati tra lo-
e MINDFIELDS hanno ro. Deve farti venire voglia di ascoltarlo
mostrato il lato
più sperimentale dall’inizio alla fine più e più volte. Ci
del gruppo. piace pensare che stiamo aiutando la
gente a riscoprire quel piacere che ren-
de ascoltare un disco un’esperienza as-
solutamente speciale”.
Info: www.totoofficial.com.
YES
CONNECTION
26 date in America e la speranza
di vederli insieme
anche in Europa…
Sembra quasi fatto apposta: si parla
di prog ed ecco che i Toto annunciano
che dal 7 agosto al 12 settembre sa-
ranno in tour in America con gli Yes.
“I promoter cercano sempre di accor-
pare insieme le band che hanno avu-
to successo tra la fine degli anni Set-
tanta e l’inizio degli anni Ottanta, e
noi finora ci eravamo sempre chia-
mati fuori”, spiega Lukather. “Ma gli
Yes sono i nostri miti d’infanzia, per
noi è come un sogno che si avvera. E
poi, magari, in questo modo avremo
la possibilità di conquistare qualche
nuovo appassionato anche tra i prog
fan, dato che abbiamo sempre avu-
to un nostro lato prog che ogni tan-
to ci piace mostrare”. In realtà, non
è la prima volta che le strade di To-
to e Yes si incrociano: nel 1988 David
Paich, Steve Lukather, Steve Porcaro,
Jeff Porcaro e Joseph Williams prese-
ro attivamente parte alla realizzazio-
ne di IN THE CITY OF ANGELS, quin-
to album solista dell’ex cantante degli
Yes, Jon Anderson. Nello stesso anno
Anderson restituì il favore incidendo
le backing vocals per Stop Loving You,
singolo di successo tratto dall’album
dei Toto THE SEVENTH ONE. Da ricor-
dare anche altri due incontri, seppur
all’interno di progetti di breve dura-
ta: i Chris Squire Experiment, in cui
all’inizio degli anni Novanta assieme
al bassista degli Yes ha militato anche
il tastierista dei Toto Steve Porcaro, e
YoSo, supergruppo che riuniva alcuni
ex membri degli Yes (il tastierista To-
ny Kaye e il bassista Billy Sherwood) e
l’ex cantante dei Toto, Bobby Kimball.
Gli YoSo hanno pubblicato nel 2010
il loro unico album, intitolato ELE-
MENTS, prima di interrompere l’atti-
vità l’anno successivo.
Paolo Carnelli
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 Tra le tante nuove prog di uno dei brani scritti evidenti punti di con-
dal chitarrista France- tatto e di affinità con
band attualmente in sco Zago, Not A Good la scena prog nordica
circolazione, poche sono Sign appunto, rispon- degli anni Novanta
deva perfettamente alle (Landberk soprattut-
riuscite a rendere la loro nostre esigenze, oltre to), ma è come se al
musica così attinente a fuggire l’ingenua posto delle brume e
tendenza che sembra- delle montagne in-
alla realtà che viviamo vamo aver dimostrato nevate trovassimo lo
in questo complesso fino a quel momento di
voler a tutti i costi tro-
smog della tangenzia-
le di Milano e i palazzi
periodo storico e sociale vare dei giochi di paro- di periferia. Tutto, per
come i Not A Good Sign... le in una lingua in fin
dei conti non nostra.
giunta, visto e vissuto
‘da una certa distan-
Ci è piaciuto da subito za’. L’uomo schizoi-
l’aspetto del presagio, de del ventunesimo
ati nel 2011 come una sorta di ‘su- quindi quella tipica secolo si è guardato
pergruppo’ composto da elementi sensazione che qualco- allo specchio e ha
di Yugen e La Coscienza di Zeno, sa stia per andare storto, senza tuttavia ripor- perso mordente, si è scoperto invecchiato,
entrambi appartenenti alla scu- tare lo scoraggiamento della consapevolezza intristito, abbattuto. “Indubbiamente l’espe-
deria AltrOck, i Not a Good Sign che qualcosa di negativo sia già successo. L’ab- rienza King Crimson gioca un ruolo primario
hanno impostato con meticolosi- biamo reputato il perfetto equilibrio per poter nelle influenze della musica che costruiamo
tà il loro campo d’azione fin dall’o- descrivere, come del resto già stavamo facendo con Not a Good Sign”, conferma Botta, “Penso
monimo album d’esordio del 2013. In questo con la musica, delle sensazioni che stanno in che sia uno dei gruppi più rispettati da tutti i
senso, anche la scelta del nome del gruppo ha quella zona molto vicina a quella malinconica musicisti della band, passati e presenti, e cre-
voluto essere rivelatrice di un orientamento (molto frequentata da certo postrock), ma che do che per l’eterogeneità della proposta mu-
ben preciso, marchiandone a fuoco la produzio- ne attenua le componenti di piacere a favore di sicale, per le affinità e per la notevole perizia
ne musicale: “Volevamo trovare qualcosa che sfumature di disagio e distopia”. È un progres- strumentale potrebbe continuare a esserlo per
restituisse un’idea del tipo di musica che stava- sive rock in scala di grigio, più che in bianco e lungo tempo. Personalmente ho apprezzato la
mo sviluppando, ma nessuna delle proposte ri- nero, quello dei Not a Good Sign. Ovviamente musica dei King Crimson solo in un secondo
sultava particolarmente convincente”, ricorda il non si tratta di una caratterizzazione negativa momento rispetto alla scoperta del prog rock.
tastierista Paolo «Ske» Botta. “Ci abbiamo mes- ma semplicemente di un dato di fatto. In FROM Nell’adolescenza, infatti, ho passato parecchi
so qualche mese a capire che in realtà il titolo A DISTANCE, loro secondo album, emergono anni attratto quasi esclusivamente dal prog

Segni
premonitori te s t i pao l o carne l l i
126
i mm a g i n i ant on i o de s a r no
italiano dei Settanta, con la sola eccezione degli
ELP. Tramite amici, ero venuto in contatto con
alcune cose dei Genesis, dei Van Der Graaf Ge-
nerator e dei King Crimson, ma non era scattata
la scintilla. Solo dopo qualche anno la chiusura
di un negozio di dischi locale con conseguente
svendita totale, mi diede lo stimolo a dare una
seconda chance a queste band tanto declama-
te ma da me poco frequentate. M’innamorai
di band come Gentle Giant, Hatfield and the
North e King Crimson, appunto. Dei KC mi in-
trigava in particolare la varietà stilistica della
prima parte della loro discografia, ognuno un
capitolo a sé stante. In effetti alcuni dischi li
adoro, alcuni mi piacciono mentre altri quasi
non li sopporto”. Sicuramente ai King Crimson
era molto legato il chitarrista Francesco Zago,
considerato in Italia (e non solo) il perfetto al-
ter ego di Robert Fripp. La chitarra di Zago è
ancora presente anche in FROM A DISTANCE,
nonostante attualmente non faccia più parte
del gruppo. Spiega ancora Botta: “Poco prima di
cominciare le sessioni di registrazione, France-
sco Zago, chitarrista, cofondatore, compositore
e autore dei testi, ci ha annunciato la decisione
di non continuare il suo percorso con il gruppo.
Conoscendo e collaborando con Francesco da
parecchi anni, ho subito capito che su questa
decisione non ci sarebbero stati ripensamenti.
Francesco avrebbe coperto un ultimo concerto
col vecchio repertorio e le registrazioni del di-
sco in studio, ma avremmo dovuto fare a meno
di lui per la parte di promozione del nuovo di-
sco. Fortunatamente non siamo persone che
si perdono d’animo facilmente e, a seguito di
una fitta discussione sulle possibili alternative,
abbiamo quindi fissato una serie di provini con
alcuni musicisti interessanti e interessati. Ci ha
colpito in particolare uno di loro, Gian Marco
Trevisan, chitarrista cresciuto a pane e Genesis
ma musicalmente onnivoro, con una formazio-
ne a tutto tondo. Abbiamo quindi cominciato
a provare il materiale nuovo quasi in parallelo
all’attività di studio e, per marcare il suo ingres-
so nella band, gli abbiamo fatto registrare delle
chitarre e in particolare il solo in Flying Over Ci-
ties, un po’ il nostro singolo se vogliamo, pro-
prio per sottolineare l’importanza che vogliamo
dare al suo contributo al sound della band sin
da subito”. Una delle caratteristiche peculiari e
vincenti dei Not a Good Sign è anche quella di
provare ad applicare elementi prog alla forma
canzone. Ad esempio, finora la lunghezza dei
brani pubblicati non ha mai superato un mas-
simo di sette minuti e mezzo. Conferma Botta:
“Effettivamente, fino a questo momento siamo
riusciti a evitare la tentazione di estendere le
composizioni a dismisura, solo per il gusto di
arrivare a un dato minutaggio. Al contrario,
alcuni dei brani di FROM A DISTANCE sono de-
cisamente corti. Personalmente non ho niente
contro i brani lunghi o lunghissimi, alcuni dei
miei brani prog preferiti superano i 10 minuti.
Ritengo però sin troppo facile allacciare tra di
loro dei frammenti musicali che non hanno in
realtà altro motivo di coesistere nella stessa
composizione se non quello di allungare il bro-
do. Trovo al momento più interessante cercare
di asciugare le idee e ridurle alla loro struttura
essenziale, per essere poi in grado di giocarne
le più seducenti sfumature in una struttura che
mantenga un suo equilibrio formale distinto.
Allo stesso tempo non ritengo assolutamente
che i tempi composti o la polimetria siano una
regola inderogabile del prog. Ironicamente, un
brano come I Feel Like Snowing, che forse è il più
propriamente “progghettone” del disco, è in
realtà un 4/4 dall’inizio alla fine. Non bisogna
dimenticare che all’interno di qualsiasi metro,
e quindi anche del 4/4 o del 6/8, può esistere
tutto un mondo di accenti che, se usati sapien-
temente, possono fornire infinite combinazioni
ritmiche in grado di soddisfare persino il prog-
ger più incallito”.
FROM A DISTANCE è disponibile
in Cd su etichetta AltrOck/Fading Lights.
Info: www.notagoodsign.org

“C’interessa essere aderenti alla

realt cos come la percepiamo
attualmente, evitando le fughe nel
regno dell’immaginazione che tanto
hanno regalato anche e soprattutto al
mondo storico del progressive rock...”

127
 Inevitabile ricominciare

P
da Francesco…
iù che “ricominciare” di-
rei che si “prosegue da
Francesco”. Intendo dire
che tutto accadrà nel
modo più naturale e par-
tecipato, sia per noi che per il pubblico.
Il materiale del Banco, che Francesco
e io abbiamo scritto insieme in questi
40 anni, è qualcosa di speciale, che
non può non proseguire a racconta-
re le visioni di vita diventate musica,
le percezioni, pubbliche e private, che
abbiamo condiviso, le opinioni, i desi-
deri, i valori. Tutto questo proseguirà a
raccontare Francesco e il Banco in ogni
concerto che da ora in avanti faremo.

Banco punto e a capo…

che percorso?
Nel 2015, il Banco porterà in tour UN’I-
DEA CHE NON PUOI FERMARE. Non
può essere altrimenti. L’autenticità dei
motivi che hanno ispirato questo la-
voro è tale da spingermi a proseguire
nella direzione intrapresa: le voci del
grande teatro e del grande cinema ita-

Sun’idea
liano, come Tony Servillo, Valerio Ma-
standrea, Rocco Papaleo, Moni Ovadia,

empre
Franca Valeri, danno vita ai testi scritti
da Francesco e continueranno a intrec-
ciarsi con la musica live del Banco fino
a dicembre 2015. In questi ultimi mesi
ho scritto molta musica inedita per il
Banco e qualcosa potrebbe vedere luce
prima della fine dell’anno, mentre s’in-
tensifica il lavoro sull’ORLANDO, vera

…
e propria opera rock. Insomma, da
un lato l’intenso lavoro di scrittura e

puoi
dall’altro i concerti. Il momento in cui

che non
incontri la gente con la tua musica re-
sta sempre, al di là di tutto, il momento

re
della verità. È bello per questo.

ferma …
A 15 mesi da
lla scompars
a
o
ce sco “B ig ” Di Giacom anti
di Fra n
a in p is ta p er portare av
il Banco torn e e le su e emozioni.
id e
anche le sue n zi il B a nco del Mutu
o
o c e
Per Vittorio N vero “un’idea che non
av
Soccorso è d m e c re de che Big sa
rà
”, co
puoi fermare gli altri ragaz
zi.
re co n lu i e
semp 8 (Cassino),
6 (Roma), 1/
In concerto: 6/ o(6/9),
ta), 6/9 (Verun arletta).
22/8 (Macera 6/11 (Pa lermo), 5/12 (B
la),
10/10 (Sinisco
Bellachioma
Testi: Guido

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La nuova formazione
in concerto, cosa deve
attendersi il pubblico?
La serata del 6/12/2014 al Gran Teatro
di Roma sarà il riferimento ideale sia
per noi che per i fan: una formazione
elettrica allargata alle voci, percussio-
ni, trombe e due ospiti d’eccezione che,
insieme a noi, potranno offrire l’ascolto
dei brani storici del Banco riarrangiati,
sottolineandone la potenza ritmica e
armonica. Sul palco ci saranno vecchi
e nuovi compagni di avventura: Tizia-
no Ricci al basso, vera colonna ritmi-
ca; Filippo Marcheggiani alla chitarra,
sempre più ispirato; Nicola Di Già alla
chitarra, entrato ormai in pianta stabi-
le nel gruppo; Vito Sardo alla batteria;
Arnaldo Vacca alle percussioni, elet-
troniche e acustiche; Stefano Monastra
e Andrea Priola alle trombe. A tutti i
concerti del tour parteciperanno anche
Maurizio Solieri, chitarra storica di Va-
sco Rossi e autore di molte sue canzo-
ni, e John De Leo che, con la sua formi-
dabile vocalità, intrerpreterà alcuni dei
Vittorio con
Alda Merini.
brani più classici del BMS. Ma le voci,
durante il concerto, non si limiteran-
no solo a quella di John e alla mia. Ci
saranno anche due nuovi protagoni-
sti dei nostri concerti (Giacomo Voli
e Margary Signorino), scelti fra le
voci selezionate per l’ORLANDO.
Insomma, una formazione che
prevede 11 persone sul palco per
più di due ore di concerto. Credo
proprio che sarà grande musi-
ca. La produzione sarà curata da
Giancarlo Amendola, manager
del BMS da diversi anni.
L’Orlando Furioso…
Come annunciato a settembre,
ORLANDO sarà la nuova opera ine-
dita del Banco del Mutuo Soccorso. Si
articolerà in tre atti e, probabilmente, in
Giovanni Coccia
altrettanti Cd. S’intrecceranno fra loro
vari linguaggi musicali, dall’opera lirica
al progressive, ovviamente, alla musica
etnica, alll’elettronica. Io e mio figlio
Michelangelo da gennaio abbiamo
iniziato a trasferire le partiture, scritte
sulla carta, nei computer e al momento
siamo a 50 minuti di registrazioni. Nel
frattempo la Banco Factory ha già indi-
viduato alcune voci di grande bellezza
per dare vita all’opera. Un fatto parti-
colarmente importante è stato trovare
in Paolo Logli, scrittore, sceneggiatore,
fan del Banco, amico mio e di France-
sco, il coautore ideale per il libretto e i
testi. Dico importante perché da un lato
mi è risultato davvero naturale intera-
gire con lui nello scrivere testi e libretto,
dall’altro l’eredità poetica di Francesco
esigeva un’intesa speciale, diversa da
un semplice rapporto di lavoro. C’era
bisogno di profondità e questa è arriva-
ta. La musica e le parole mi sembrano
di particolare intensità, ispirate molto
dalla genialità dell’opera di Ludovi-
co Ariosto. L’Orlando Furioso è visione
profetica di un’umanità osservata con
occhi uguali, in cui l’uomo è al centro
del mondo con i suoi sogni e i suoi af-
fanni, senza che categorie universali lo
costringano in gabbie di appartenenza,
tali da stravolgerne il destino. Il respiro
dell’uomo rinascimentale vive in questa
opera, ricca d’ironia, creatività, ma so-
prattutto di un’attualità sconcertante.
Differenze e similitudini
tra ieri e oggi, non solo
per il Banco…
Alcune differenze. L’ascolto della mu-
sica nel 1972 avveniva in gruppo e si
ascoltava più volte di seguito uno stes-
so brano; oggi ascoltiamo da soli, quasi
mai più di una volta lo stesso brano. I
giovani di allora e quelli di oggi: la mia
generazione è stata fortunatissima per-
ché avevamo dietro le spalle il passato
recente della guerra e delle sue mace-
rie, materiali e morali. Davanti c’era
per forza qualcosa di meglio perché
non sarebbe potuto accadere niente di
peggio della guerra. Il nostro coraggio
era figlio del proprio tempo ed è stato
meno eroico di quello che devono ave-
re i ragazzi oggi. Ad essi noi abbiamo
rubato la speranza: è la cosa più grave
che una generazione possa fare a quel-
la successiva.
Le similitudini. Ancora una volta sono
i giovani che interpretano, nonostante
tutto, la speranza collettiva: se non ci
fossero loro a sfidare l’imbarbarimento
generale col cuore oltre l’ostacolo…
noi saremmo alla frutta. Quando sento
parlare male di loro o li vedo nomina-
re paternalisticamente o, peggio, a fini
elettorali, avverto la stessa rabbia dei
miei vent’anni. Non stronchiamoli ma
sosteniamoli, ridiamogli fiducia in se
stessi: sono loro la musica d’autore,
quella vera.
Roma , 6 dicembre 2014.
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copertine storiche rielaborate da artisti e designer
del WEB e non… in questo numero una cover di “MDAX”
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Direttore Responsabile: Luca Sprea
PROG MUSIC
a cura di Guido Bellachioma
Coordinamento di Paolo Carnelli
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Corciulo, Antonio De Sarno, Malcolm Dome, Daryl Easlea, Rob Hughes, Claudio
Lodi, Roberto Masotti, Alberto Nucci, Roberto Paravani, Mino Profumo, Paul
Sexton, Renato Scuffietti, Franco Vassia, Stefano Vicarelli  Per informazioni contatteci allo 02924321
Foto: Archivio Cramps, Riccardo Arena, Paolo Barberi, Guido Bellachioma, Ezio
Candrini, Simone Cecchetti, Valerio De Berardinis, Antonio De Sarno, Francesco
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Marco Leodori, Tord Lindman, Claudio Lodi, Raimondo Luciani, Roberto Masotti,
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