T1 Temario PSVD 2018-2019

TECNICO EN
VIDEO DISC-JOCKEY Y SONIDO

(IMSEM01 IMAGEN Y SONIDO)
MODULO PROFESIONAL 03 / T1
PREPARACIÓN DE SESIONES DE VIDEO-DJ
Familia profesional: IMAGEN Y SONIDO

Área profesional: Espectáculos en vivo
Equivalencia en créditos: ECTS
Código: 1301
© 2018 Ismael Rivas

Marco Profesional
La figura del Deejay, siempre ha estado asociada al ocio nocturno, la

música, y los momentos de esparcimiento social entre amigos. Es una figura
de relativa nueva creación, tenemos constancia de su aparición allá sobre los
años 60 en Estados Unidos, y en España un poco mas tardíamente, sobre los
70, pero el problema es que la mayoría de la gente siempre ha visto al Deejay
NO como un profesional de la música y la animación, sino como alguien que
siempre ha estado ahí poniendo música a la banda sonora de sus vidas pero
sin connotación profesional alguna, es mas ¡¡ casi como alguien que hace un
hobbie y no una profesión; frecuentemente ha estado asociado al oscuro
mundo de la noche, por lo que su figura era criticada y no salía muy bien
parada la mayoría de las ocasiones en el ámbito social y cultural.
Pues bien, después de 30 años de trayectoria profesional no reglada, y
gracias a la evolución de la tecnología, los medios de comunicación, la cultura
y la sociedad en general, esta visión un tanto retrograda del Deejay ha sufrido
un cambio radical que la ha llevado a dar un vuelco de 180º; en la actualidad
el Deejay es un icono social, un comunicador de masas, y un profesional al
que todo el mundo quiere parecerse, por su imagen de éxito, empresario, y
personaje publico de alto standing etc.
A pesar de este cambio tan significativo, sigue habiendo un vacío profesional
en el marco legal de esta profesión, en cuanto a donde situar a Deejay como
profesional, que aptitudes y conocimientos profesionales tiene que tener para
afrontar esta profesión con garantías de éxito.
Es precisamente en este punto donde nos encontramos hoy, en intentar dar a
la profesión de Deejay su merecido lugar en la escala profesional y que la
sociedad vea que esa persona es un profesional cualificado, que desempeña
una profesión como otra cualquiera, eso si, apasionante ¡¡¡, que esta reglada y
se puede aprender en organismos oficiales, con una certificación profesional
oficial y con varias salidas profesionales.

1. Selección de tipologías musicales para sesiones de animación
musical y programas de radio:
Determina las características tipológicas de la música adecuada a la sesión de

animación musical o al programa de radio, anticipando sus efectos sobre el
público de salas o la audiencia de radio.
1. Constitución de los sonidos y sonoridad.

2. Elementos del lenguaje musical: estructuras rítmicas
basadas en frases, compases y beats; estructuras tonales;
melodía; instrumentación, técnicas vocales y de ejecución.
3. Armonía, intervalo, escala y acorde. Altura tonal y
entonación.
4. Estructura de los temas musicales: Intro, fraseo, interludio
y estribillo.
5. Distinción de los instrumentos en un tema musical, sus
características, familias, frecuencias etc.. a partir de la
escucha relativa y absoluta.
6. Organización de la Biblioteca Musical.
7. Caracterización de los estilos musicales contemporáneos
desde el siglo XX hasta nuestros días: géneros y
subgéneros, evolución histórica, intérpretes, sellos
discográficos representativos, repertorio fundamental de
los géneros Jazz, Rock, Pop, Hip Hop y Electrónico y de
los subgéneros Blues, Soul, Rithm and Blues, Punk,
Country, Trip hop, Techno, House, Break y Ambient.
8. Diferenciación entre los diferentes estilos musicales a
través de la escucha.

Criterios de evaluación:
a) Se han determinado los elementos del lenguaje musical propios de las

piezas que se van a programar en una sesión de animación, tales como
estructuras tonales, armonías, instrumentaciones y técnicas de ejecución,
analizándolos mediante una escucha inteligente, absoluta y relativa.
b) Se han clasificado piezas de diversos estilos y tendencias musicales en
función de su adecuación a diferentes tipos de sesión de animación musical y
visual, teniendo en cuenta el género, la época, el sello discográfico, los
intérpretes, los instrumentistas, el ritmo y la melodía.
c) Se han determinado las estructuras rítmicas de piezas musicales que hay
que seleccionar para la sesión mediante el análisis de frases, compases y
beats por minuto, clasificando las piezas afines para una mezcla posterior
d) Se han definido los estilos y las características de diversas tendencias de
animación musical para salas de ocio y espacios de eventos, adaptándolos a
las cualidades funcionales y ambientales de diversos tipos de locales y a la
diversidad de público potencial en diferentes entornos geográficos. e) Se han
determinado los estilos musicales acordes con los criterios de programación
de una emisora de radio en sus diferentes horarios de emisión, seleccionando
épocas, artistas, sellos discográficos y tendencias musicales.
f) Se han justificado selecciones musicales adecuadas a diversos programas
radiofónicos, atendiendo a sus objetivos comunicativos y expresivos, a sus
franjas horarias y a la variedad de audiencias a que van destinados.

Selección de tipologías musicales para sesiones de animación musical; conceptos
básicos.

Introducción: La musica; un lenguaje universal y atemporal.

Quien es capaz de concebir un mundo sin musica ?

Parece una tontería, pero si echamos la vista atrás, nuestras vidas están llenas de
momentos asociados a diferentes piezas musicales que las han marcado sin que
muchas veces nos hallamos percatado de ello, y es que la musica tal y como la
conocemos siempre ha estado ahí de manera atemporal.

Podemos decir entonces que la musica nace prácticamente con el ser humano, por lo
que es una manifestación universal. La historia de la musica se remonta desde hace
unos 50.000 años hasta el dia de hoy, aunque es muy difícil de datar con exactitud; ya
en la prehistoria el hombre era capaz de emitir sonidos con su propia voz de manera
un tanto musical, y era capaz de utilizar utensilios tales como huesos, palos para
producir sonidos con algo parecido a un patrón rítmico. Esta habilidad fue
evolucionando y ya en el año 3000 A.C se tiene constancia de determinados
instrumentos de percusión y cuerda tales como Liras o Arpas.

De lo que si estamos seguros es que todo comenzó con sonidos que se fueron
transformando con el paso de los siglos hasta evolucionar a la musica tal y como la
conocemos hoy, por ello que mejor que comenzar la unidad mínima de la que consta
cualquier pieza musical, el sonido.


1. Constitución de los sonidos, sonoridad; del sonido, a la musica.

• El sonido como materia prima.

Para adquirir una sólida base de conocimiento de cualquier materia hay que
empezar por sus principios básicos. En lo que se refiere a la música, habrá que partir
de su unidad fundamental que es el sonido entendiendo por sonido la sensación o
impresión producida en el oído por un conjunto de vibraciones que se propagan por un
medio elástico, ya sea aire, agua o medio solido. Partiendo de esta definición básica de
sonido debemos manejar unos términos adjuntos como son sonoridad, sonorización,
insonorización.

La sonorización, la entendemos desde dos puntos de vista completamente opuestos,
la sonorización entendida por dar cobertura musical a algo; sonorizar un evento, un
archivo de video, es decir poner una banda sonora una película, poner una pieza
musical a una cuña de radio o poner musica en un club etc.

Y la sonorización entendida como el proceso por el cual conseguimos que un espacio,
sala o lugar suene de la mejor forma posible gracias a procesos de tratamiento del
sonido y del espacio con diversos materiales acústicos.

Por el contrario la insonorización, lo que busca por medio de procesos acústicos y
materiales de construcción e insonorización , es que el sonido no salga ni se transmita
por medio de la vibración de un determinado espacio o lugar.

Dominando estas premisas básicas vamos a analizar como se comporta el sonido en
determinadas situaciones, como sus ondas salen y se reflejan ( reflexión del sonido )
en determinadas superficies, comportándose de una u otra manera y produciendo
determinados fenómenos acústicos.
El sonido, lo podemos definir como la sensación en el oído por un conjunto de

vibraciones que se propagan por un medio elástico, por ejemplo el aire, esa seria su
definición mas conceptual, pero tambien lo podríamos describir mas llanamente como
la manera de determinada se sonar que tiene un determinado objeto.
El sonido que perciben los humanos consiste en ondas sonoras y acústicas que se
producen cuando las oscilaciones de la presión del aire, son convertidas en ondas
mecánicas en el oído y percibidas e interpretadas por el cerebro.

Para cada uno de nosotros el sonido, es percibido con una determinada intensidad, a
ese fenómeno lo denominamos sonoridad que según su definición:

• Sonoridad: es una medida subjetiva de la intensidad con la que un sonido es
percibido por el oído humano.

Es decir, la sonoridad es la cualidad que nos permite ordenar sonidos en una escala del
de mayor intensidad al de menor intensidad. La intensidad sonora (sonoridad) se
agudiza para los sonidos débiles, y disminuye para sonidos fuertes, a lo que se debe a

que la audición humana no sea lineal, sino logarítmica, por lo que llamamos umbral de
audicion a la intensidad mínima de sonido audible capaz de impresionar el oído
humano. Normalmente, para medir el sonido y por consiguiente la sonoridad, se
utiliza el decibelio, cuya escala se mide de 0 a 130 dB. Su valor inicial se sitúa en 0 dB,
pero por el contrario el otro extremo lo denominamos umbral de dolor que es la
intensidad sonora a partir de la cual el sonido produce en el oído sensación de dolor y
cuyo valor medio se sitúa en torno a los 110-130 dB, este valor lo tendremos que tener
muy presente en nuestro trabajo como deejays y trabajadores relacionados con el
ámbito del sonido, ya que debido a la sobre exposición podemos llegar a tener serios
problemas de audicion.

● Decibelio: Unidad de medida del sonido que va de 0 a 130 (dB).

La sonoridad depende de la intensidad de un sonido, pero también de su frecuencia,
amplitud y otras variables, como sobre todo puede ser la sensibilidad del oído de quien
escucha y de la duración del sonido. Como la sonoridad no es una magnitud absoluta,
sino relativa a la persona que lo percibe, lo que se hace es medir el nivel de sonoridad,
de un sonido en relación con otro percibiendo así un sonido como mas fuerte o débil
que otro.

Los sonidos, están compuestos por ondas mecánicas elásticas longitudinales u ondas
de compresión en un medio, eso significa que para propagarse necesitan un medio
material, aire, agua, o cuerpo sólido, que transmita la vibración (viaja más rápido en
los sólidos, luego en los líquidos donde va mas lento, y aún más lento en el aire, y en el
vacío no se propaga). Es el propio medio el que produce y propicia la propagación de
las ondas con su compresión y expansión. Para que pueda comprimirse y expandirse es
imprescindible que este sea un medio elástico ya que un cuerpo totalmente rígido no
permite que las vibraciones se transmitan, así pues, sin medio elástico no habría
sonido, ya que las ondas sonoras no se propagan, y ese es el caso del vacío.

Esas ondas sonoras se desplazan en línea recta y en tres dimensiones, sus frentes de
onda, son esferas concéntricas que salen desde el foco emisor en todas las direcciones
y al chocar con algún obstáculo se reflejan cambiando de dirección, la velocidad de su
desplazamiento depende del medio por el que se trasmitan:

• En el aire recorre 340 metros por segundo.
• En el agua es de 1500 metros por segundo.
• En los sólidos va desde 2500 hasta 6000 metros por segundos.

Gracias a la tecnología, el hombre ha conseguido la transmisión del sonido a grandes
distancias, convirtiendo las ondas sonoras en ondas de radio que se desplazan por el
espacio a la velocidad de la luz y convirtiéndolas luego en sonido (sonidos de la radio y
la televisión), e Igualmente ha convertido el sonido en impulsos eléctricos, conducidos
por cables hasta un mecanismo que los vuelve a transformar en sonidos, el teléfono.
Sonido y silencio alternan como materia prima esencial de la musica desde sus anales,
y a lo largo de la historia el ser humano ha inventado una serie de reglas para
ordenarlo hasta construir algún tipo de lenguaje musical. Una de las clasificaciones

posibles es por categorías tales como: sonidos largos y cortos, fuertes y débiles,
agudos y graves, agradables y desagradables y otra la mas extendida según sus
cualidades básicas que son: Altura, Duración, Intensidad y Timbre.
Cualidad Característica Rango
Altura o
Frecuencia de onda Agudo, medio, grave
tono
Duración Tiempo de vibración Largo o corto
Intensidad Amplitud de onda Fuerte, débil o suave
Armónicos de onda o forma

Depende de las características de la fuente
Timbre de la onda. Análogo a la
emisora del sonido (metálico)
textura

• Percepción humana de las ondas sonoras.

Se considera que el oído humano puede percibir diferentes frecuencias u ondas
sonoras de en un rango de frecuencias entre los 20 Hercios y los 20.000 Hercios (HZ)
en lo que denominamos:

• Espectro del sonido que es la distribución de la amplitud de cada frecuencia
representado en ondas.

Dicho espectro lo podemos ver representado gráficamente en un equipo de medición
electrónica que denominamos analizador de espectro y que refleja el ancho de banda
o lo que es lo mismo la amplitud de la frecuencia. Ese analizador de espectro puede sr
tanto un equipo físico, como un plugin integrado en un secuenciador.

• Secuenciador: software dedicado a la producción musical que permite grabar y
reproducir sonidos dentro de un único entrono virtual en un ordenador.

• Pluging: emulación virtual de un instrumento musical, efecto de sonido, caja de
ritmos o equipo para la reproducción y grabación del audio dentro de un
secuenciador en un ordenador o como aplicación independiente.


Los múltiplos universales también sirven para la medición de los hercios. 1.000 hercios
es 1 kilohercio. Por lo tanto, 20.000 hercios, son 20 Kilohercios (KHz).

Infrasonido – 20 Hz Graves 20 Hz-250 Hz Medios Agudos Ultra
250 Hz - 2.000 Hz- sonido
2.000 Hz 20.000 Hz +
20.000
Hz

• El Hercio (Hz) es la unidad que expresa la cantidad de vibraciones que emite
una fuente sonora por unidad de tiempo (frecuencia).

Las ondas que poseen una frecuencia inferior a la audible se denominan infrasonidos
(-20 Hz) y las superiores ultrasonidos (+20.000 Hz).

• Frecuencias sonoras.

Por otro lado, una fuente de ondas sonoras puede ser una superposición de distintas y
múltiples frecuencias dentro de ese espectro del sonido. Cada frecuencia estimula una
parte diferente de nuestro oído de ahí la clasificación general de las frecuencias *
(detallada en el cuadro inferior) . Cuando escuchamos una onda sonora con una sola
frecuencia predominante escuchamos una nota (do). Pero en cambio un simple silbido
al estimular todos los receptores del oído, diremos que contiene frecuencias dentro de
todo el espectro audible del sonido.

La mayoría se sonidos de sonidos que escuchamos en nuestro entorno cotidiano los
calificamos frecuentemente como ruido y contienen frecuencias de todo el espectro
audible, al igual ocurre con la música, esta compuesta por multitud de frecuencias
dentro del espectro perceptible por el oído humano. Esta clasificación general de las
frecuencias aplicadas a nuestra profesión significa mayoritariamente que vamos a

encontrar 3 tipos de frecuencias agrupadas entre rangos, (agudos / medios / graves.) y
por las que se rigen la mayoría de mesas de mezclas y aparatos asociados al DJing.

Estas frecuencias estarán presentes de forma constante y muy importante en los
procesos de manejo de equipos de mezclas, así como en la manera de gestionar esos
equipos en cuanto a la mezclas de materiales sonoros, canciones; de ellas dependerá
que manejemos los equipos de manera apropiada, previniendo cualquier tipo de
deterioro del material así como del aparato auditivo así y nos permitirán distinguir
entre los diferentes tipos de elementos que conforman las canciones
independientemente de su estilo musical (estructuras, instrumentos, melodías, etc.)

Los humanos tenemos la capacidad de escuchar los sonidos en stereo ya que al poseer
dos oídos captamos las señales auditivas por esos dos canales y siempre de diferente
manera debido a la sonoridad, ubicación, interferencias ambientales etc. Por eso
cuando decimos que una señal es Stereo, es aquella que se ha grabado o se reproduce
por dos canales.

El fin de grabar un sonido stereo es hacerlo mas natural al ser escuchado por el oído
humano, para que al menos se distingan los sonidos que vienen de izquierda y derecha
de la fuente de donde ha sido grabado cada sonido. El sonido stereo ha sustituido en
casi todo al sonido mono o monofónico, aquel que ha sido grabado o reproducido por
un solo canal, en la actualidad el cine, la radio la televisión, los videojuegos, los
reproductores de cd, smartphones, tocadiscos y un largo ect, son todos stereo, frente
a la teléfono o los aparatos auditivos que siguen siendo stereo.

Forma de onda de una señal grabada en Stereo por un secuenciador

Forma de onda de una señal grabada en mono por un secuenciador

* TABLA DE FRECUENCIAS SEGÚN SU RANGO DENTRO DEL ESPECTRO

- 20 Hz Son infrasonidos.
No escuchamos las frecuencias por debajo de 20 Hz.

Aunque sí los sentimos, por ejemplo, las vibraciones que hacen

temblar los cristales al pasar cerca un avión.

20 Hz a Frecuencias graves.
250 Hz. Las que emite un bombo o un bajo.

Frecuencias medias.
250 a La mayor parte de instrumentos musicales se desenvuelven
2.000Hz en ellas, al igual que casi todas las voces humanas, los varones
tienden a las graves y las mujeres a las agudas.

Frecuencias agudas.
2.000 a Los platillos de la batería están dentro de este rango.
20.000Hz Son esos tonos de algunas cantantes de opera que quiebran
una copa de cristal.

+

20.000 Hz Son ultrasonidos.
Los humanos no los podemos escuchar, muchos animales sí.


Una vez sabemos que el sonido esta compuesto de diferentes y múltiples frecuencias,
tenemos que hacer referencia a su comportamiento en determinados espacios, es
decir lo que denominamos:

• Comportamiento acústico: comportamiento del sonido para su adecuada
propagación en un determinado espacio o recinto (abierto o cerrado).

Dicho comportamiento puede variar en función de distintos fenómenos físicos como
son las reflexiones, la reverberación, el eco, o la resonancia entre otros, y en lo
referido a nuestro campo siempre deberemos buscar el optimo comportamiento
acústico entre la fuente del sonido (P.A), en referencia al espacio donde
desempeñemos nuestro trabajo. Mediante el análisis del sonido en un espacio y según
como se comporta el sonido en dicho espacio, podremos determinar la posibles
deficiencias acústicas y corregirlas con los materiales apropiados para la sonorización o
insonorización según proceda, así como corregir determinadas conductas puntuales
del sonido como la inteligibilidad, la cobertura, o el delay, es lo que denominamos el
tratamiento acústico.

● Insonorización: Aislamiento acústico de un lugar. *
● Sonorización: Adaptación de un lugar para la mejora del sonido.**

* Ejemplos de procesos de insonorización acústica con diferentes materiales.


** Ejemplo de procesos de sonorización con paneles en estudio de producción.

Dependiendo del comportamiento acústico del sonido en un espacio determinado,
encontraremos una serie de fenómenos físicos naturales que condicionan dicho
comportamiento y son necesarios para entender el porqué del mismo.

Reflexión / Reverberación / Eco / Inteligibilidad:

• La reflexión es el fenómeno que ocurre cuando el sonido al choca con algún
obstáculo y es rebotado en otra direccion.

• La reverberación o reverb es un fenómeno sonoro producido por la reflexión
que se produce en un recinto cuando un frente de onda o campo directo incide
contra las paredes, suelo y techo del mismo y consiste en una ligera
permanencia del sonido una vez que la fuente original ha dejado de emitirlo.

Cuando nuestro oído recibe un sonido, este nos llega desde su emisor a través de dos
vías: el sonido directo y el sonido que se ha reflejado en algún obstáculo, como las
paredes del recinto.

• Eco: Cuando el sonido reflejado en un obstáculo es inteligible o comprensible
por el oído humano como un segundo sonido se denomina eco.


Pero cuando debido a la forma de la reflexión o al fenómeno de persistencia acústica
es percibido como una adición que modifica el sonido original se denomina
reverberación. El conjunto de dichas reflexiones constituye lo que se denomina campo
reverberante. La reverberación, al modificar los sonidos originales, es un parámetro
que cuantifica notablemente la acústica de un recinto. Para valorar su incidencia en la
acústica de un espacio se utiliza el «tiempo de reverberación». El efecto de la
reverberación es más notable en salas grandes y poco absorbentes y menor en salas
pequeñas y absorbentes.

El parámetro que permite cuantificar el grado de reverberación de un espacio es el
Tiempo de Reverberación (TR), además del tiempo total, la reverb se caracteriza por el
tiempo de la primera reflexión, que corresponde a lo que tarda el sonido en llegar al
oyente después de reflejarse en obstáculo más cercano. El tiempo de la primera
reflexión caracteriza el tamaño aparente de la sala, desde el punto de vista acústico.
Todas aquellas primeras reflexiones que llegan al oyente en los primeros 50
milisegundos, desde la llegada del sonido directo son aceptadas por el oído humano y,
en consecuencia, su percepción no es diferenciada respecto al sonido directo.

Cuando el sonido emitido es un mensaje oral, tales reflexiones contribuyen a mejorar
la inteligibilidad o comprensión del mensaje y, al mismo tiempo, producen un aumento
de sonoridad.
Por el contrario, la aparición en un punto de escucha de una reflexión con un retardo

superior a los 50 ms es totalmente contraproducente para la obtención de una buena
inteligibilidad de la palabra, ya que es percibida como una repetición del sonido
directo. En tal caso, dicha reflexión se denomina eco. El retardo de 50 ms equivale a
una diferencia de caminos entre el sonido directo y la reflexión de 17 metros,
aproximadamente.

• -------- Sonido directo
• Reflexiones


El llamado "color de la reverb" es un factor importante de la calidad del sonido de una
sala. Las diferencias de color o timbre se deben a los distintos factores de absorción de
los materiales de recubrimiento de las paredes, techo y suelo, para distintas
frecuencias. Las reverberaciones "claras" o "brillantes" se producen en salas
recubiertas de materiales que reflejan mejor la región aguda del espectro de
frecuencias. Si el sonido reflejado por estas superficies es rico en sonidos de la parte
baja del espectro, la reverberación es "opaca" u "oscura". En ambos casos, si el efecto
es muy pronunciado, la inteligibilidad de la palabra hablada se ve perjudicada, pues la
comprensión del habla depende de las frecuencias medias. El único tipo de sala que no
altera el espectro de los sonidos que se escuchan en su interior es la sala anecoica, que
no presenta ningún tipo de reverberación porque todas las superficies que la delimitan
son completamente absorbentes.

Los cantantes, actores u oradores necesitan que el recinto donde desempeñan su
actividad, comúnmente un escenario, tenga una cierta reverb para escucharse con
claridad a sí mismos (en ausencia de monitorage). El tiempo de la primera reflexión no
debe ser muy largo, especialmente en bandas, orquestas o coros, para mantener la
sincronización de todo el grupo. Los solistas prefieren tiempos de reverb largos, ya que
ello favorece la sensación de calidad y de que su emisión se hace de forma eficiente, si
el tipo de música es rápido, el tiempo de reverberación debe ser corto para evitar la
confusión entre notas y acordes sucesivos. Así pues, hay una relación directa o entre la
utilidad de una sala, según sus diferentes usos, y el tiempo de la reverb que presenta
en función de su tamaño, forma y tipo de materiales de recubrimiento (sonorización).
Se denominan salas "afinables" aquellas que permiten modificar el tiempo de la
reverb. Las técnicas para conseguir que una sala se pueda afinar consisten en procesos
de sonorización mediante el uso de materiales fijos y paneles que puedan orientarse
en distintas posiciones según un tengan un recubrimiento acústico distinto en cada
cara junto a cortinas absorbentes.

Otros conceptos básicos en cuanto a conocimiento referido al sonido son los de
resonancia, delay, inteligibilidad y cobertura.

• Resonancia:

o En acústica, la resonancia se produce en reforzamiento de ciertas
amplitudes sonoras como coincidencia de ondas similares en
determinadas frecuencias.

o En la música son los sonidos que acompañan a uno elemental o nota
musical y comunican el timbre particular de la voz o instrumento.
La resonancia permite que las voces de cada uno de nosotros sean
completamente diferentes, y como nuestra fisiología es distinta en cada
uno de nosotros, esta hace que activemos otras frecuencias cuando
hablamos lo que se conoce también como armónicos.

• Delay o Retraso: es el tiempo que tarda en producirse un eco, suele medirse en
milisegundos o estar sincronizado con un tempo.

Entendemos el Delay como el efecto de sonido que consiste en la multiplicación y
retraso modulado de una señal acústica. Se procesa la señal, y se mezcla con la original
y el resultado es el clásico efecto de eco sonoro. Tiene dos parámetros básicos de, aun
que no son los únicos posibles.

• Feedback o retroalimentación: es la cantidad de veces que se repite la señal
sonora pudiendo ser cualquier valor entre uno e infinito.

• Mezcla: es la cantidad de sonido retrasado que se mezcla con el original.

Un ejemplo básico en cuanto a reverberación lo podemos experimentar en cualquier
mudanza. Nos podemos situar en el salón de nuestra casa vacío y dar una palmada
escuchando el sonido resultante con su reverb incluida según las dimensiones y
material del que este construido nuestro salón, de igual manera podemos hacer lo
mismo una vez el salón este completamente decorado con todo su mobiliario
dispuesto, cuadros, alfombras etc. y repetir la misma acción, dar una palmada,
podremos observar como la cantidad de reverb es completamente distinta debido a la
absorción de los materiales. El mismo experimento lo podremos repetir en el baño de
nuestra casa dotado seguramente de azulejos que al ser un material distinto al de las
paredes normales de otras estancias, el campo de reverberación será completamente
distinto y mucho mas pronunciados ya que el material reflecta el sonido de una
manera completamente distinta.
Por ultimo y como concepto que lleva implícito una pequeña parte de todos los
anteriores tenemos el fenómeno de la “cobertura” en relación con un espacio
determinado y sus fenómenos acústicos adyacentes e imprescindible para que haya
una buena inteligibilidad de la fuente sonora.

• Cobertura: es la acción de cubrir con sonido una determinada zona de escucha
por parte de una fuente sonora, el Angulo de cobertura mide el haz principal de
una fuente sonora.

• La inteligibilidad referida al campo de la acústica, hace referencia a la
capacidad que tiene una fuente sonora de trasmitir el mensaje y que este sea
entendido y recibido sin problemas por el receptor.

Es decir que pueda oírse de manera clara y nítida sin que sea percibido de manera
confusa por problemas de distorsión, retraso etc. Depende en gran medida del nivel de
reverberación de espacio y del nivel de ruido ambiental que haya. Es muy importante
que el sonido tenga una buena cobertura para que este llegue de igual manera a
todos los puntos de forma directa y sin reflexiones, por lo que será fundamental la
distribución y colocación de altavoces en todo el espacio.

El ejemplo mas sencillo es en un club o una sala de eventos, es situarnos en el extremo
mas lejano a la fuente principal de sonido que da cobertura a la sala; al principio de la

sesión o el espectáculo cuando la sala esta casi vacía la musica o la palabra si tenemos
una buena cobertura llegan de manera directa al receptor sin mas complicaciones, si
en cambio esa misma sala la llenamos de mobiliario, y la llenamos con publico hasta
completar aforo, la inteligibilidad desde ese mismo punto variara extraordinariamente
ya que la cobertura sonora de la sala tendrá que luchar con las reflexiones producidas
por el publico, muebles y demás que harán que la inteligibilidad de la fuente sonora
sea mucho mas complicada.


2. Elementos del lenguaje musical: estructuras rítmicas, compases y beats;
estructuras tonales; melodía; armonía e instrumentación.

El principal secreto del arte del mixing, mezcla o sincronización de canciones, reside en
la velocidad de la música, mezclar dos tracks supone igualar su velocidad para
sincronizarlas, hacer coincidir sus ritmos y a partir de ellos crear otros distintos.
Cuando hablamos de mezclar de forma genérica, nos referimos a mezclar música
publicada en el mercado discográfico en alguno de sus formatos (digital, vinilo o cd),
reproducida por un plato, un reproductor de cd o software especifico de Deejay a
través de una mesa de mezclas o controladora y que es distribuida en un espacio por
un sistema de sonido (bafles, monitores o sistema P.A (Public Adress).

Para realizar esa mezcla, necesitamos saber algunos conceptos básicos
imprescindibles, como la medida en la que se mide la velocidad a la que van dichas
canciones y el compas en el que están hechas (4x4, 3x4, etc.) ambos conceptos son
partes imprescindibles de lo que denominamos estructura musical.

BPM o Beat Por Minuto, es la velocidad a la que se reproduce la canción. El beat
(golpe) indica donde se producen los golpes del tempos dentro de la track (equivalen a
las notas negras) . Sirve para ajustar las notas de la canción en los tempos, y en la
música electrónica equivalen a los golpes de bombo o elemento dominante según el
compas musical que hay en una canción durante un minuto. Esta es la unidad
fundamental con la que se construyen las estructuras básicas en cualquier tipo de
genero musical, y que en la música dance es muy fácilmente identificable mediante los
golpes de bombo o caja. ( cuando decimos que una canción va a 127 BPM, quiere decir
hay lleva 127 golpes de bombo en un minuto).

El BPM es el indicador más aconsejable para empezar a sincronizar canciones y saber si
los discos que as elegido para ello, son compatibles rítmicamente.
Es muy complicado (aunque no imposible mediante diferentes técnicas) mezclar dos
canciones cuyo bpm es muy diferente; por ejemplo en una canción a 98 Bpm mezclada
con otra a 130 Bpm, la diferencia tan grande de Beats hace que al igualar los Bpm de
una con la otra mediante procesos electrónicos de modificación del Pitch, la canción
que sufre una modificación mas significativa de la velocidad sufra una distorsión tan
grande de la tonalidad y de la velocidad que sea prácticamente irreconocible.

El otro concepto fundamental a la hora de realizar las mezclas es el compas.

Para medir las BPM a la vieja usanza utilizamos una simple regla aritmética, a parte
claro esta de con los avanzados software de DJ y producción que hay a dia de hoy en el
mercado, lo único que tenemos que hacer en contar los Beats o pulsos de una canción
durante los primeros 15 segundos, y multiplicarlos por 4, es decir que si en 15
segundos contamos 30 Beats, 30 x 4 = 120 BPM.
Hay un ejerció bastante curioso para hacer en clase que consiste en poner una canción
poco conocida y contar los BPM interiormente, para luego ponerlo en común, lo
curioso esta en que de un grupo saldrán varios resultados distintos, debido a la
diferente percepción sonora que tenemos cada uno de nosotros.

El Compas:

Para un futuro Deejay la mejor manera de afinar el sentido del ritmo es escuchando
música, y más música.

Partiendo de que todos los temas tienen un Bpm lo que equivale como hemos dicho
antes a los beats del tema, podemos escuchar una canción y contar esos golpes
agrupándolos de cuatro en cuatro (1,2,3,4 - 1,2,3,4 …) esas agrupaciones de 4 o mas
golpes son lo que conocemos como compases o grupos de compases y conforman la
estructura de la música que escuchamos dia a dia.

• El compas es el espacio de tiempo que sirve para medir la música, es un
concepto usado para organizar el ritmo de la música, tiene partes acentuadas y
no acentuadas (atonas) y distribuye ese acento sobre un golpe de manera
periódica habiendo un pulso que recibe un énfasis cada dos, tres o cuatro
pulsos etc. (pulso fuerte-débil).

Los compases se representan con dos números, en forma de fracción X/X. El número
inferior (denominador) representa una figura y tenemos 7 figuras básicas, redonda,
blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa y semifusa. Partiendo de la redonda como
número 1, las siguientes figuras se numeran en función de cuántas entran en una
redonda.

REDONDA 1/1 Referencia de duración para el resto de figuras
BLANCA 1/2 Es la mitad de una redonda, o en la redonda dos blancas.
NEGRA 1/4 Es un cuarto de la redonda, la mitad de la blanca, en una
redonda caben 4 negras, y las negras equivalen a los
pulsos , es decir a los BPM.
CORCHEA 1/8 Es la mitad de la negra, caben 8 en una redonda
SEMICORCHEA 1/16 Es la mitad de la corchea, caben dos en una corchea
FUSA 1/32 Es la mitad de semicorchea, caben dos en una
semicorchea.
SEMIFUSA 1/64 Es la mitad de la fusa

La representación grafica de las figuras es la siguiente:

1 2 4 8 16 32 64


El número superior (numerador) indica cuántas de dichas figuras entran en un compás.
Ejemplo:

• 3/4 señala que entran 3 negras en un compás
• 6/16 señala que entran 6 semicorcheas en un compás
• 4/1 señala que entran 4 redondas en un compás

Los compases los podemos dividir en SIMPLES o COMPUESTOS dependiendo del tipo
de figura que vale un tiempo o pulso. Si dicha figura no tiene puntillo, el compás es
simple, y si dicha figura tiene puntillo, entonces el compás es compuesto.

El puntillo lo que hace es añadirle duración a la nota sumándole la mitad de su valor
convencional. Es decir: una blanca dura 2 pulsos (2 negras) por lo tanto una blanca con
puntillo tendrá un valor de tres pulsos o beats (3 negras).

Son compases simples aquellos cuyo numerador es 2, 3 ó 4
Son compases compuestos aquellos cuyo numerador es 6, 9 ó
12

Atendiendo a la subdivisión, es decir al número de tiempos (pulsos) que hay en un
compas podemos distinguir tres tipos:
1. Binarios: compases de dos tiempos

2. Ternarios: compases de tres tiempos
3. Cuaternarios que son compases de cuatro tiempos
Todos los compases simples son de subdivisión binaria, porque la unidad de pulso, al
no tener puntillo, puede subdividirse en dos figuras más pequeñas.
Todos los compases compuestos son de subdivisión ternaria porque la unidad de pulso,
al tener puntillo, puede subdividirse en tres figuras más pequeñas.

El Numerador indica el número de TIEMPOS en los compases SIMPLES:
• Num. 2 = Dos tiempos por compás (compás binario)
• Num. 3 = Tres tiempos por compás (compás ternario)
• Num. 4 = Cuatro tiempos por compás (compás cuaternario)

COMPASES SIMPLES

BINARIOS (2 tiempos) 2 / 4 dos negras, una por tiempo
TERNARIOS (3 tiempos) 3 / 4 tres negras, una por tiempo
CUATERNARIOS (4 tiempos) 4 / 4 cuatro negras, una por tiempo

*Una negra equivale a un bombo.


El Numerador indica el numero de SUBDIVISIONES por tiempo en los compases

COMPUESTOS:
• Numero. 6 = Dos tiempos por compás (compás binario)
• Numero. 9 = Tres tiempos por compás (compás ternario)
• Numero. 12 = Cuatro tiempos por compás (compás cuaternario)

COMPASES NUMERADOR 2 3 4
SIMPLES DIVISION BINARIA TERNARIA CUATERNARIA
Subdivisión Binaria
Denominador: FIGURA = 1 PULSO
COMPASES NUMERADOR 6 9 12
COMPUESTOS DIVISION BINARIA TERNARIA CUATERNARIA
Subdivisión ternaria
Denominador: FIGURA = SUBDIVISION ( 3 de ellas = 1 pulso)

A partir de los compases vamos a construir cualquier tipo de estructura musical
conocida. Cuando ponemos musica, lo que estamos haciendo realmente es contando
compases y tiempos; es muy importante educarnos musical y rítmicamente, ya que es
indispensable para ser Deejay. Cuanto antes interioricemos que esos compases van a
conformar el esqueleto de las estructuras rítmicas de las canciones antes seremos
capaces de realizar un mezcla correctamente.

Os pongo un ejemplo: porque esto es mas sencillo de lo que parece, me explico, una
agrupación de 16 compases ( 64 beats o golpes de bombo) dentro de una canción,
lleva implícito a parte de los bombos otros mucho elementos, percusión, línea de bajo,
efectos, melodía, armonía, voz etc. A medida que vamos contando mentalmente esos
compases (1,2,3,4 – 1,2,3,4 … ) veremos que siempre, y absolutamente siempre, salen
o entran elementos cuando termina una agrupación de compases es decir cada 8
golpes, 16, 32, 64, 128 etc. Dependiendo del estilo musical los elementos entraran y
saldrán antes o después (cada mas o menos grupos de compases) en la estructura
rítmica de la canción, pero siempre será en esos puntos no en ninguna otra parte del
compas.

¿Porque se hace esto así en la musica electrónica?, por una sencilla razón, cuando
realizamos una mezcla lo que buscamos es crear un nuevo patrón rítmico formado por
dos canciones distintas con todos o parte de sus elementos, si habitualmente
realizamos la mezcla en el ultimo tramo de la canción aunque podría ser en cualquier
parte, podremos observar como los elementos de la canción que entra se van
sumando cada 4 compases y los de la canción saliente se van restando cada 2
compases, por lo que al final es como un puzle en el que encajan las piezas, es decir y
para que os hagáis una idea con un ejemplo muy simple, cuando se va la palma de la
canción que termina, en ese mismo punto, entra la palma, la voz o cualquier otro
elemento de la canción que acabamos de poner.

Resumiendo todo lo anterior podemos sacar en claro que en la música electrónica
cada compás consta de 4 tiempos o golpes (cuaternario), por lo que habitualmente
trabajaremos exclusivamente en compás de 4 x 4.


A su vez los compases están reunidos en grupos de compases que exclusivamente
pueden ser múltiplos de 4, es decir 8, 16, 32 o 64 etc. La estructura habitual de la
música electrónica independientemente del estilo en el que nos centremos, es
siempre la misma, compases de 4 x 4 en grupos de 16 golpes de bombo; normalmente
cada 16 golpes (32, 64 etc.) se introduce un elemento nuevo que entra en la canción
(chaston, caja, palma, instrumento, etc.) dando paso a las diferentes partes que
conforman la estructura del tema, y esta misma dinámica se repite sucesivamente
introduciendo o quitando elementos según el desarrollo del track.

Compases clásicos.

4 x 4 Un golpe de bombo por cada tiempo. Éste es el compas clásico de música
electrónica o dance, que viene derivado de la música disco. Se denomina así porque el
bombo da cuatro golpes por compás, que tienen la misma intensidad, fuerte.

1 X 1 (En el uno) Un golpe de bombo en el primer tiempo de cada compás, seguido por
un patrón rítmico cualquiera a gusto del batería. Es muy utilizado en el Funk, Soul, Hip
Hop, Aren´ B, y todas las demás formas de ritmo quebrado. Se llama así porque todo
el énfasis rítmico esta puesto en el primer tiempo del compás.

4 x 1 (Cuatro arriba) Un golpe de caja en cada tiempo. El ritmo clásico de la música de
baile de los setenta. Actualmente utilizan este tipo de ritmo los grupos de música
Indie, Pop, Rock etc.
2.1 Conceptos musicales básicos.
La grandeza de la musica esta la capacidad que tiene el ser humano para desde el
punto de vista del músico, imaginarla y crearla, y desde el punto de vista del oyente
apreciarla y entenderla de muy diferentes maneras y puntos de vista; sonidos
sucesivos o simultáneos, distintos, parecidos, iguales, aislados o en multitud, todos van
a constituir la música, pero el modelo clásico establece una serie de elementos
esenciales que vamos a detallar a continuación que se hacen básicos para entender en
concepto de musica en su totalidad.
El ritmo. Es entendido como la combinación de duraciones y acentos de sonidos

(determinados o indeterminados).
Con frecuencia se establecen motivos rítmicos que se repiten configurando una obra
(patrón rítmico). Pero la variedad de planos en los que se producen acentuaciones
hacen pensar en el ritmo de una manera más general, entendido como las
combinaciones cambiantes de tiempo e intensidad y de todos los elementos, melodía,
armonía, sonoridad, el tempo y las interacciones de los distintos elementos de una
obra musical.
De entre todos los parámetros rítmicos destaca el pulso, beat en la música actual y que
equivale al latir de la música, es unidad que ordena acentos y silencios, y que siempre
subyace en las obras, la pulsación puede ser acentuada o no acentuada. La
combinación de pulsos acentuados y no acentuados da lugar a los compases.

La repetición regular y cíclica de un grupo de sonidos de manera reconocible en una
obra musical se denomina patrón rítmico. Es decir que un determinado instrumento en
cada compas, ejecuta un determinado patrón rítmico, pudiendo realizar variaciones en
los campases sucesivos generando así diferentes patrones rítmicos de un único
instrumento.
Podemos ver un ejemplo muy sencillo con el elemento que marca el ritmo en la musica
electrónica, el bombo; el compas de 4/4 establece 4 pulsos en un compas, si
mantenemos este patrón rítmico durante 3 compases y en el cuarto, quitamos el
ultimo bombo es decir 3 beats y un silencio, ya tenemos un patrón rítmico distinto, lo
mismo lo podemos aplicarlo a la palma, estas van siempre situadas en los pulsos pares
o débiles por lo que en un compas tendríamos 4 bombos y dos palmas en el 2 y el 4
pulso, una variación seria mantener este patrón durante 3 compases y en el cuarto
repetir la palma entre el tercer y cuarto bombo.
4/4 - COMPASES 1,2,3 COMPAS 4 VARIACION

BEAT BEAT BEAT BEAT BEAT BEAT BEAT SILENCIO
CLAP CLAP CLAP CLAP CLAP
Habitualmente en la musica electrónica la parte rítmica suele estar compuesta por la

sección de percusión, lo que conforma el esqueleto de la obra musical, es decir la
suma de elementos como el bombo, la caja, palma, hi-hat, ride, toms, congas … por
citar una mínima muestra de esta sección ya que tiene miles de variaciones e
instrumentos percusivos según países y culturas, por su puesto los instrumentos
musicales clásicos incluso los electrónicos pueden ser utilizados para formar parte del
ritmo con patrones mas cíclicos y repetitivos.
La melodía. Es la sucesión de sonidos de distinta altura tonal con libertad de

movimiento que busca alcanzar tensión y relajación, animada por el ritmo, se extiende
y contrae dotada de flexibilidad.
La melodía ha sido el elemento básico de la música tradicional occidental, ya sea sola,

simultáneamente con otras líneas melódicas (contrapunto) o en reciproco influjo con
la armonía (simultaneidad sonora). En general la melodía es la parte mas reconocible
de una obra musical, esa parte que todo el mundo silva o tararea y que se queda en la
cabeza repitiéndose y repitiéndose. Normalmente la melodía es el elemento principal
que destaca dentro de la obra musical, puede ir sola o acompañada de otras melodías
que la acompañan, tambien puede ir haciendo distintas variaciones según la
progresión de tema.
En la musica electrónica , en el caso de que esta sea melódica, la melodía siempre

suele ir en primer plano, o lo que denominamos “lead” y el acompañamiento y la
rítmica por detrás. Las melodías suelen ser bastante simples y repetitivas llegando
incluso a Hipnóticas y buscan ser muy pegadizas, para conseguir ese efecto del que
hablábamos antes.

Si quieres escuchar varias melodías épicas, aquí te dejo varios ejemplos:
Depeche Mode / Just can get enought

Faitless / Imsomnia
Avicci / Levels
Tiesto / Lethal Industries
Dj Rolando / Knives of Jaguar

3. Altura tonal y entonación. Armonía, intervalo, escala y acorde.

Si preguntamos a cualquiera cuales son las notas musicales, la contestación será fácil:
Do – Re – Mi – Fa – Sol – La – Si, pero en realidad la afinación, divide la octava en doce
partes iguales, a las que denominamos notas musicales, ¿cuales son las otras 5?.
Las 7 primeras se denominan notas naturales, y el resto se conocen como sonidos
alterados ya que son notas naturales a las que se les ha subido o bajado un semitono.
Y es que la distancia entre esas notas se mide en tonos (T) o semitonos (S), obviamente
dos semitonos hacen un tono, y el semitono es la distancia mas corta entre dos notas.
Si le subimos un semitono a una nota natural decimos que es sostenido #, si se lo
bajamos decimos que es un bemol b. Por lo que en definitiva esas 5 notas alteradas
reciben dos nombres según leamos la escala de manera ascendente o descendente,
FA# o SOL b. Para verlo mas fácilmente lo mejor es apreciarlo en un teclado.

Las teclas blancas se correspondes con los sonidos naturales, Do – Re – Mi – Fa – Sol –
La – Si, y las negras a las notas alteradas # / b

DO RE MI FA SOL LA SI DO
(8ª)
Do# Re# Fa# Sol# La#

Re b Mib Sol b La b Si b

TONO TONO SEMI TONO TONO TONO SEMI

OCTABA


Como podemos ver en la representación grafica del teclado, tenemos las 7 notas
naturales, mas el siguiente DO, y esta es la razón de que se denomine OCTABA, ya que
hay 8 notas de un DO al siguiente DO. Esa repetición de octavas no tiene fin, se va
subiendo de octava o bajando según las necesidades musicales; el oído humano es
capaz de escuchar hasta 10 octavas aproximadamente cuando el mas grande de los
teclados no supera nunca las 7 octavas.

Para terminar hay que tener en cuenta que en algunos países sobre todo anglosajones
la notación musical viene marcada por letras, es decir que las notas musicales se
sustituyen por letras, quedando de la siguiente manera.

C D E F G A B C
(8ª)
C # D # F # G # A #
D b E b G b A b B b
A lo largo de la historia y las culturas se han establecido diferentes escalas u

ordenaciones de sonidos pero es en el Renacimiento y el Barroco, cuando se implantó
como base la escala Heptatonica que se divide en siete grados. Ya en el siglo XX la
música entra en un periodo de experimentación y se aleja del publico, apareciendo
modelos mas abstractos que crean sus propios sistemas de organización tonal,
dodecafonía, serialismo, indeterminación y aleatoriedad, música textural... La mayoría
se caracterizan por su oposición a los parámetros tradicionales, por lo que la tonalidad
y la armonía caen en desuso, aun así, a la vez la música de consumo masivo, para
bailar, comercial o popular, como el folk, jazz, blues, pop, o rock, mantiene los
esquemas tradicionales, con determinadas peculiaridades, en donde de nuevo la
tonalidad y la armonía desempeñan una decisiva función en la organización de la obra
musical.
Escala: es un determinado numero notas que están en orden natural de los sonidos
musicales( do, re, mi, fa ,sol, la , si ). Las escalas diatónicas, tienen 7 notas musicales y
se caracterizan por la sucesión de tonos y semitonos.
La afinación, que divide la octava en doce partes iguales, o semitonos, posibilitaba el

uso de todos los acordes y la modulación sin límites:
do, do#/re b, re, re#/mi b, mi, fa, fa#/sol b, sol, sol#/la b, la, la#/si b
A partir de este concepto podemos construir cualquier otra escala que queramos
eligiendo la nota que da comienzo a la escala y respetando las distancias de la

tonalidad natural de do. Como ejemplo camparemos la escala natural de do con sus
tonos y semitonos y la escala de fa.
Do Do# Re Re# Mi Fa Fa# Sol Sol# La La# Si Do

Fa Fa# Sol Sol# La La# Si Do Do# Re Re# Mi Fa

Si las comparamos entre si podemos ver que todas las escalas mantienen las mismas
proporciones que la escala natural. Cuando llevamos por ejemplo una melodía de
compuesta en Do y por necesidades de un instrumento musical la tocamos el Re, esto
se denomina transposición, todas la melodías se pueden transponer para que de
adapten de la mejor manera al instrumento que las reproduce y a la composición de la
canción.
La distancia entre dos sonidos o notas musicales medida en tonos o semitonos se

conoce como intervalo musical, de esta manera encontramos intervalos de 2ª, 3ª,4ª,
5ª, 6ª, 7ª y 8ª .
Do Re Mi Fa Sol La Si Do

Como podemos ver en la figura de arriba, Re es la segunda de Do, Mi la tercera y asi

sucesivamente. Mi se encuentra a dos tonos de distancia, y por ello decimos que es
una tercera mayor.
Si tomamos La como referencia, la tercera de la seria Do, que esta a tono y medio
(semitono) de distancia y por ello decimos que el una tercera menor.
Las escalas mayores habitualmente tienen una sonoridad mas alegre y dinámica, por el
contrario las menores, suenan mas tristes y melancólicas, los músicos juegan con estos
factores para conseguir emociones a través de la musica.
La Armonía. Es el uso de alturas (tonos, notas) o acordes pero de forma simultánea.
A partir del establecimiento de la melodía, el uso de acordes se generalizo, definiendo

el Acorde como: un conjunto de tres o más notas diferentes que suenan
simultáneamente y que constituyen una unidad armónica. Pueden formarse acordes
con las notas de un mismo instrumento o con notas de diferentes instrumentos
(incluyendo la voz humana) tocados a la vez. Formalmente, un acorde posee entre tres
y siete notas de las doce que componen una octava; las notas pueden pertenecer a la
misma o a diferentes octavas. La distancia entre dos sonidos o notas musicales se
conoce como Intervalo Musical; los intervalos musicales, combinados, determinan los
diferentes tipos de acordes. Cada tipo de acorde puede presentar como tono
fundamental cualquiera de las doce notas musicales. Este tono fundamental (también
conocido como «nota fundamental», «fundamental», «nota tónica» o «tónica»)
determina la tonalidad del acorde y constituye la referencia para sus intervalos.

Tonalidad. Es la nota que más se repite dentro de una canción. Se realizará un análisis
de todas las cadencias que se dan en la canción y se almacenará su duración. La
́
tonalidad estará definida por la cadencia perfecta que mas tiempo este presente en la
canción.
I II III IV V VI VII

DO RE MI FA SOL LA SI

MI FA SOL LA SI DO RE

SOL LA SI DO RE MI FA

Do M RE M MI M FA M SOL M LA M SI M 5B

Las combinaciones de dos notas suelen llamarse díadas, las de tres, tríadas, las de
cuatro, tétradas, las de cinco, quintíadas, las de seis, sextíadas, y las de siete, septíadas.
La mayoría de canciones comerciales que escuchamos habitualmente están
compuestos por triadas (tres notas simultaneas). Los acordes funcionan como colchón
de la melodía como acompañamiento de esta para que no se pierda y siga el camino
adecuado sin caer en la disonancia. Estas triadas tienen una nota fundamental o tónica,
y les suman otras dos notas en un intervalo de tercera y de quinta de distancia de la
primera. De esta manera quedarían todos los acordes de triada, siendo los de la escala
Mayor I-IV-V (1-3-5) y los de la escala menor, I-III-VI (2-3-6), acorde semidisminuido VII.

Como tenemos tres acordes mayores y tres menores, formados por sus diferentes
notas, estos acordes tambien se pueden transponer como hacíamos anteriormente
con las notas.

A una sucesión de acordes se la denomina Progresión Armónica. En una canción, las
progresiones armónicas determinan de forma habitual el camino que debe seguir el
acompañamiento y, el que en bastante medida suele seguir la melodía principal, que
por razones de armonía debe y suele adaptarse en cierto grado al fondo musical.
Además, constituyen normalmente un elemento invariable entre diferentes versiones
o variaciones, con los mismos o con diferentes instrumentos, de un mismo tema
musical. Por ello, es normal resumir el acompañamiento de una canción en sus
acordes básicos para luego poder interpretarla libremente al piano o la guitarra con
dichos acordes como guía, sin perder la esencia de la composición, es decir, sin que
esta deje de ser identificable. En sentido inverso, también es típico componer una
canción para uno o varios instrumentos partiendo de la creación de una progresión de
acordes.
Los acordes más complejos, de 5 o más notas, se utilizan con frecuencia, además de en
la música orquestal, en géneros musicales como la canción melódica contemporánea,
y, con especial frecuencia, en el jazz.

Ejemplos de canciones populares hechas en acorde de triada:

Gotye I Somebody that i used to know I A#-C-Dm

Martin Garrix I In the name of love I C-D-Em

Michael Jackson I Beat it I A#-C-Dm

Maroon 5 I She Will be loved I Am-C-G

U2 I I still havent found what im looking for / A-D-E

UB40 I Red red Wine I A-D-E

Tears for fears I Shout I A-Em-G

The Beatles I Dont let me down I B-E-E#m

The blak eyed peas & David Guetta I I got a feeling I C-D-Em

The Chainsmokers I Closer I C-D-Em
Tenemos que tener en cuanta que todos los conceptos anteriores, melodía, armonía,
acorde, progresión armónica etc. forman en si una canción a la que habría que dotar
de otros conceptos mas sencillos pero en si igual de importantes, el primero de ellos:
El Tempo. El tempo representa la velocidad de ejecución de una pieza musical y

determina la duración de cada nota. Se define como el numero de pulsos por minuto.
El pulso es el latido de la música, el chasquido de dedos que todos realizamos al
escuchar una canción.
La Segmentación. Segmentar, es dividir en unidades mas pequeñas, se puede realizar

en función de muchos parámetros distintos: unidades rítmicas ( compases ), unidades
melódicas, frases / respuestas, etc.
La Entonación: es el concepto musical que se refiere a la percepción correcta del

músico respecto a una altura tonal, o bien, a la capacidad de un instrumento de
producir correctamente las alturas.
Y por ultimo el Género. Es una categoría que compila temas musicales que comparten
distintos criterios de afinidad, tales como su función (música de baile, música religiosa,
música de cine...), su instrumentación (música vocal, música instrumental, música
electrónica...), el contexto social en que es producida etc.

La clasificación de género es un punto muy importante en la organización de nuestra
biblioteca musical. Usamos estas clasificaciones en nuestro día a día, por ejemplo al
entrar a una web de música, recomendar una canción a un amigo o organizar nuestra
colección de discos.
4. Estructura de los temas musicales: Intro, verso, interludio y estribillo.
Análisis Musical.
A partir de todos estos conceptos anteriores, su unión y desarrollo en las canciones,

nos encontramos con lo que llamamos Análisis Musical la disciplina que estudia las
distintas obras musicales, desde el aspecto de la forma, estructura interna, técnicas de
composición. El análisis musical es un campo de la teoría de la música, cuya
especialidad como disciplina autónoma es reciente. El análisis musical es variado y
depende mucho de los distintos géneros musicales que existen.
La mayoría de las personas normales, cuando escuchan musica, no buscan otra cosa
que el mero entretenimiento, la distracción, abstraerse de la cosas cotidianas, el
acompañamiento mientras se realizan otras tareas, conducir, cocinar, trabajar, etc.
Pocos son los que van mas allá de esa mera distracción y buscan otro tipo de intereses
de como es la producción de esos temas, que sensaciones y emociones despiertan,
cuales son los artistas y sus trayectorias musicales etc, etc. Si estas leyendo este libro
es porque quizás seas de uno de estos pocos a los que la musica les despierta ese
sentimiento de curiosidad y afán por saber como esta hecha y cual es su historia.
La estructura musical, es lo que nos ayuda es a entender como esta hecha la musica, y
como Djs poder interpretarla y utilizar esas estructuras para hacer nuestras mezclas y
seleccionar los temas en nuestras sesiones. Este es el verdadero arte de la mezcla, el
saber seleccionar nuestro propio repertorio musical en cada momento, y el realizar la
mezcla con la técnica adecuada, interpretando las estructuras musicales y
combinándolas entre ellas para formar las transiciones entre las canciones buscando
producir unas sensaciones u otras con el fin de divertir, hipnotizar, excitar, calmar etc,
entre el publico asistente. Esta es la verdadera esencia del Dj y la mezcla, la parte
técnica, esta al alcance de cualquiera y con la practica seguro que se llega a dominar
con soltura, pero el gusto por la musica la, selección musical, y la capacidad para
combinar las canciones, eso no lo da ningún programa, ni aparato ni botón mágico, eso
se lleva dentro, y hay que hacerlo aflorar.
Los tipos de estructura que existen dependen la mayoría de las veces de la creación
personal del artista, aunque existen algunas ideas claras y establecidas para elaborar
una estructura.


4.1 Estructura y elementos de una canción contemporánea.

Tenemos una canción con todos sus elementos, Bpm, compases, melodías, acordes,
progresiones armónicas etc, que son la materia prima de la musica, todas estas partes,
se agrupan en estructuras mas grandes denominadas frases musicales que son la
unidad de medida de un tema musical. Esa frase, tiene un inicio, un final, y esta
compuesta por unos determinados patrones rítmicos, figuras y compases, tiene una
tonalidad y en la mayoría de la veces una armonía y una progresión armónica formada
por la melodía y los acordes.

El quiz de la cuestión esta en comprender la duración de esas frases dentro de la
propia canción donde se inician y donde acaban esas frases y por que elementos están
compuestas, dándoles un sentido dentro de un genero musical y posteriormente
manipularlas como Djs que somos a la hora de la mezcla, asignar puntos de corte,
reconocer partes definidas de la canción, ecualizar, filtrar, agregar efectos etc.

Las frases musicales como decíamos anteriormente normalmente suelen tener una
duración de dos, cuatro u ocho campases, siendo la de cuatro mas utilizada tanto en la
en la musica electrónica como en el resto de géneros contemporáneos. Si tenemos en
cuanta que el compas mas habitual dentro de la musica electrónica así como en la
comercial pop, rock, etc, es el 4x4, y que cada cuatro compases son 16 tiempos, cada 8,
32 tiempos ya tenemos la duración de las frases musicales mas comunes. Cada 4
compases tenemos una frase y cada 8 lo que denominamos periodo, la repetición de
dos o mas frases, con un principio, un final unos determinados elementos que pueden
repetirse, variar, o ausentarse a criterio del productor.

Para llegar a detectar todos estos conceptos y como se entrelazan no hay otra manera
mas que escuchar musica, musica y mas musica, prácticamente sin fin, no hay otra
manera. Si bien si que hay algunos consejos que puedes seguir; tales como escuchar
diferentes estilos para ver como se encadenan las frases en cada uno de ellos, seguir el
ritmo con la cabeza, pie o mano intentando identificar cada uno de los compases,
cuando empiezan y cuando acaban, según entran y salen los elementos de sus frases o
periodos. Es muy útil fijarnos en la percusión, redobles, golpes extra, ausencia de
golpes, nos avanzan la mayoría de las veces cambios de compas y de frases para poder
anticiparnos a lo que vendrá después. Otro de los trucos es fijarnos en la progresión
armónica, donde aparecen y desaparecen la melodía, la armonía, sus variaciones.

Esto es a los que los Djs denominamos “hartarse de contar” que es lo que todo el
mundo odia al principio para identificar las estructuras de las canciones y seleccionar
los puntos de corte para realizar las mezclas. Eso si no te preocupes con el tiempo se
hace de forma automática, el cerebro que sigue patrones muy recurrentes y
cuadriculados enseguida se habitúa a estas frases y patrones, y los identifica de forma
automática sin tener que estar contando de forma repetitiva.

Mi consejo personal es que cojas varias canciones de géneros diferentes, y una a una,
vayas a apuntando en una hoja a modo de listado cuantos compases tienen, cuántas
frases, periodos, estructuras identificables etc. Si lo quieres complicar anota tambien

los elementos que identificas a priori en dichas estructuras. Y por ultimo puedes
dibujar los bloques de los que esta compuesta la canción a modo de forma de onda
según salen o entran sus diferentes elementos, bombo, bajo, percusión, melodía
armonía etc.

Dentro de muestro particular análisis musical vamos a diferenciar dos tipos de
estructuras musicales, las aplicadas a la música contemporánea en general y mas
tradicionales, y las aplicadas a la música electrónica, mas abiertas y originales.

Las canciones tradicionales contemporáneas tienen una estructura básica mínima
denominada verso-estribillo. A esta estructura básica se le suman los distintos
elementos o secciones que cada artista utiliza para componer las canciones a su gusto
y obtener distintos resultados.

Estructura mínima de una canción contemporánea. Verso / Estribillo

Como ya habrás deducido la repetición de estructuras o secciones es la clave de la
composición musical. Patrones rítmicos, y progresiones armónicas, se repiten
formando frases y periodos que se repiten formando secciones mas largas que
veremos a continuación.

La razón de esta simetría musical es sencilla, en la musica mas comercial y popular se
busca desarrollar la memoria a corto plazo, quedarnos con esa melodía o frase fácil y
machacona que hace de un tema, un hit que todo en mundo canta y que enseguida
nos prendemos interactuando con la musica.

Frase 1 Frase 2 Frase 1 Frase 2 Frase 1 Frase 2 Frase 1 Frase 2
Periodo 1 Periodo 2 Periodo 1 Periodo 2
Sección 1 Sección 2

Las Secciones.

Intro.
En general es una parte única que aparece al inicio de la canción, suele usarse como
introducción una armonía, con una melodía o un fraseo, especialmente compuesta
para este inicio, aunque hay muchas y diferentes maneras de presentar una canción.
En la musica electrónica se suele plantear el ritmo con el tempo para hacerlo
mezclable con otra canción.

La introducción sirve para ir “haciendo” sonar la canción, es decir, como ir anticipando
lo que se va a escuchar. La idea principal de la introducción es captar la atención,
generar un ambiente y presentar una armonía. Otras veces se usa partes esenciales del
estribillo como la melodía o la progresión de acordes. También suelen usarse sonidos o
acordes sostenidos para genera tensión. La introducción promedio dura entre 4 y 8
compases y en algunas canciones dura más y en otras es muy breve uno o dos

compases, y por supuesto esto depende de la extensión de la canción y de la intención
del productor.

Verso.
Es donde se empieza a desarrollar la idea musical principal y la letra de la canción.
Aparece la lírica, se nos cuenta de que trata la canción, y ya hay una armonía bien
establecida. La duración de los versos y su cantidad antes del estribillo varía de canción
en canción. En general suelen ser entre 1 y 4 versos dependiendo de su duración, el
ritmo y la cantidad de líneas. Esta sección se suele repetir varias veces a lo largo de la
canción, aunque suele hacerlo variando la lirica o en el arreglo que cambia cada vez.

Vale remarcar que cuando dos o mas secciones de una canción tienen básicamente la
misma música y diferente letra esas partes tambien se la consideras versos de la
canción.

Pre-estribillo.
Es un pasaje o arreglo musical que permite una transición de la armonía. El pre-
estribillo funciona para conectar el verso con el estribillo. Cuando el verso y el estribillo
comparten el mismo patrón armónico, el pre-estribillo introduce un nuevo patrón
armónico para evitar que el estribillo se estanque en la monotonía.

En conclusión el pre-estribillo es utilizado o para generar un quiebre en una canción si
esta comparte un mismo patrón armónico o para generar una unión entre el verso y
estribillo

Estribillo.
En poesía se considera al estribillo como un pequeño grupo de versos que se repiten.
En la música se entiende como estribillo a una estrofa que se repite varias veces en
una composición.

La principal función del estribillo es destacar la idea de la canción tanto en la letra
como en la idea musical. En otras palabras el estribillo básicamente se usa para
destacar la “frase recurrente” de una canción. Esto sucede porque líricamente
hablando el estribillo suele ser más un comentario más reflexivo y menos narrativo
que el texto de los versos. Frecuentemente el estribillo contrasta con los versos en
ritmo, melodía y armonía y también se suele dar más dinamismo o mayor
instrumentación, aunque también se puede trabajar con los silencios para lograr esta
ruptura de los versos. En otras palabras, los estribillos suelen usar una melodía
diferente de los versos.

El estribillo es considerado la parte mas importante de la canción en la música
comercial y muchas veces el estribillo es repetido al inicio en medio y al final de la
canción. Suele ser la parte en la que la melodía o la lirica es mas pegadiza y suele ser la
mas fácil de recordar (memoria a corto plazo) además se repita prácticamente sin
variaciones a lo largo de toda la canción.


Puente musical.
El puente musical o “bridge” en ingles es un interludio que conecta dos partes de una
canción, construyendo una armonía entre ambas. El puente ayuda a que la canción no
caiga en una simetría y repetición predecible y suele ser usado para llevar la canción a
un clímax máximo, a una máxima tensión y para preparar el desarrollo final de la
canción. En la música rock, el puente musical suele aparecer como el solo de guitarra,
o lirica, el cual generalmente suelen suceder después del segundo versos y remplaza al
tercer verso. El estribillo después del puente musical es usualmente el último el cual
muchas veces suele repetirse hasta cerrar la canción.

Se puede decir que se considera puente a la pieza musical diferente del verso y del
estribillo.

Coda o final.
Una de las cuestiones posteriores a la creación de la base de la canción es como esta
debe terminar. Hay muchas formas y variantes, a veces suele usarse un quiebre brusco
generado por un silencio repentino o por una sucesión de acordes. Sin dudas, la forma
mas común de cerrar una canción es la repetición del estribillo hasta el silencio o como
se dice en ingles en “Fade out”. Otras veces se utiliza la repetición de la música del
Intro o una variante con el mismo efecto.
Es de una de las cuestiones mas importantes no musicalmente hablando pero si en
cuanto a ambiente y efectos. Para explicarlo claramente, no se produce la misma
tensión del oyente/publico, cuando una canción termina bruscamente en silencio, esto
genera muchísima mas tensión que cuando la canción simplemente se desvanece al
silencio. Este es un elemento a tener muy en cuenta en la composición de un disco.
Vale mencionar que muchas veces los finales de las canciones en los recitales suelen
tener variaciones respecto a la composición final para lograr estos efectos de mayor o
menos tensión posterior. En música clásica el cierre se denomina “coda”.

La estructura mas usada en una canción popular moderna es la siguiente, y suele
utilizarse habitualmente en las canciones de rock.

Introducción / Verso / Pre-estribillo / Estribillo / Verso / Pre-estribillo / Estribillo /
Puente musical / Estribillo / Coda.

Conclusión
Destacar que hay dos elementos básicos que forman la columna vertebral de la
canción: estribillo y verso. Como hemos visto la letra se desarrolla en los versos
mientras que en los estribillos se usa para destacar la idea de la canción expresada en
una frase. La Intro, el pre-estribillo y el puente son elementos opcionales, que pueden
estar o no presentes, pero sirven para decorar la canción, generar ambiente, tensión y
clímax o una ruptura. Los elementos no son obligatorios a la hora de componer una
canción y cada músico los utiliza a su gusto.

EJEMPLO , ANÁLISIS MUSICAL, MÚSICA CONTEMPORÁNEA
ARTISTA: MICHAEL JACKSON / TÍTULO: BILLY JEAN
GÉNERO: POP / BPM: 100 / COMPAS: 4X4
ANALISIS DE ESTRUCTURA & SECCIONES

0-29 / INTRO / PERCUSION, BAJO, TECLADOS
29-53 / VERSO / + VOCES
53-110 / VERSO / + VOCES
110-126 / PRE ESTRIBILLO / + VOCES + TROMPETA
126-151 / ESTRIBILLO / + VOCES, COROS, GUITARRAS + PALMA
151-216 / VERSO / + VIENTO
216-231 / VERSO / + VIENTO
231-248 / PRE ESTRIBILLO / + CUERDAS COROS
248-330 / ESTRIBILLO / + VIENTOS, GUITARRAS, TECLADOS
330-345 / PUENTE / SOLO GUITARRA
345-354 / PRE ESTRIBILLO / VOCES
354-420 / ESTRIBILLO / VOCES
420-427/ PUENTE / VOCES COROS
431- 452 / FINAL / ESTRIBILLO FADE OUT
DIAGRAMA DE BLOQUES

FORMA DE ONDA


4.2 Estructura moderna aplicada a la música electrónica.
En cuanto a la musica electrónica podríamos decir que su estructura se basa

principalmente en la estructura clásica contemporánea, pero con el tiempo se han ido
incluyendo nuevas secciones características de estos géneros; su nomenclatura es algo
distinta ya que en este genero existe un cierta libertad, entre comillas para crear
estructuras que en principio no serian propias de la musica contemporánea tipo. Por
ello en la musica electrónica nos podemos encontrar con un sin fin de estructuras
según el criterio del productor, y cuanto mas underground es la musica mas ecléctica
puede llegar a ser la estructura, eso en ella podemos llegar a distinguir varios tipos de
elementos, aunque no tienen porque estar siempre todos ellos.
Introducción o Intro / desarrollo inicial de la canción normalmente solo con algunos

de los elementos musicales que aparecen en la canción, para presentar el ritmo y
hacer la canción mezclable.
Cuerpo / desarrollo total de la canción con la mayoría de elementos musicales y

rítmicos que aparecen en la canción.
Mini Break / parte muy pequeña de la canción de muy corta duración (un compas o
dos máximo) donde se despeja de elementos bien por que se quitan, o bien porque se
atenúan médiate técnicas de manipulación del sonido.
Drop o Clímax / lo que viene siendo el desarrollo principal de la canción con la

totalidad de sus elementos. Aquí podemos encontrar los sintetizadores que repiten la
melodía de manera hipnótica y repetitiva, la parte principal de la percusión donde
aparecen nuevos patrones, efectos para darle grandeza y conseguir la impresión del
publico. El drop suele ser instrumental, aunque tambien lo podemos encontrar con
lirica.
Breakdown o bajada / parte de la canción donde hay una caída brusca y se despeja de
elementos bien por que se quitan, o bien porque se atenúan médiate técnicas de
manipulación del sonido. Contrasta con el Drop, que pasa de todos los elementos de la
canción a tan solo unos pocos, o incluso llegando solo a haber sonido de ambiente,
pero sin perder el tempo de la canción.
Uplift, Build up o subida / es la sección que crece y crece y poco a poco va añadiendo
elementos para crear la máxima tensión antes de llegar al drop.
Salida o Outro / Parte final de la canción donde se descarga de elementos para

finalizar una canción.

EJEMPLO , ANÁLISIS MUSICAL, MÚSICA ELECTRONICA
ARTISTA: SWEDISH HOUSE MAFIA / TÍTULO: ONE (YOUR NAME)
GÉNERO: ELECTRONICA (EDM) / BPM: 125 / COMPAS: 4X4
ANALISIS DE ESTRUCTURA & SECCIONES

0-40 / INTRO / SONIDOS AMBIENTE + BOMBO + MELODIA
40-55 / CUERPO- BASE PERCUSIÓN / MELODÍA SINTE
55- 133 / BREAK DOWN - MELODÍA SINTES / ARMONÍA SINTES / VOCALES
133-158 / CLÍMAX: BASE PERCUSIÓN / MELODÍA SINTES / ARMONÍA SINTES / VOCALES
158-205 / MINI BREAK: SIN BOMBO
221-235 / BREAK DOWN / MELODÍA SINTES / ARMONÍA SINTES / VOCALES
300-314 / OUTRO / SIN BOMBO , SONIDOS AMBIENTE

DIAGRAMA DE BLOQUES

FORMA DE ONDA

Un ejercicio muy practico para todos los alumnos en clase, es ejemplificar las diferentes
secciones, con el análisis de diferentes estructuras de musica electrónica en diferentes
canciones y si el profe es un virtuoso de la producción, la creación de la estructura de una
canción con sus diferentes secciones, en directo en clase.

4. Distinción y características de los instrumentos musicales

A lo largo de la historia, los humanos y sus civilizaciones han utilizado la música y la
danza como elementos para manifestar sus sentimientos, celebrar sus fiestas, sus ritos,
contar historias y como mero entretenimiento. La musica ha tenido mucha
importancia desde que los primeros humanos habitaron la tierra, fabricaban
instrumentos con utensilios y materias primas comunes, huesos, maderas, sin ni si
quiera saberlo y puede hasta que descubrieran la musica sin querer, al golpear
accidentalmente una piedra con un palo o al oír soplar el viento por una caña de
bambú.

Si nos fijamos exclusivamente en el mundo musical en todas las culturas del mundo
está presente tanto la voz como los instrumentos musicales. El mundo de los
instrumentos musicales es todo un universo sin fin, debido a la gran variedad de
culturas y lenguas, y de los mismos instrumentos, que van recibiendo diferentes
denominaciones en cada país y cultura, a la par que van desarrollando infinidad de
variedades.

De la misma manera que existen muchos géneros musicales, tambien existen muchas
clases de instrumentos. Cada uno de ellos con su propia personalidad, que trasmite un
estado de animo y un tipo de sonido, suaves, altos, ásperos, relajados, excitados etc
etc. El tipo de sonido producido por cada instrumento, depende de su diseño y tamaño,
tambien depende del material con el que esta hecho y de la forma en que se toca.
Existen infinidad de instrumentos en el mundo pero todos están hechos con el mismo
fin, satisfacer y agradar tanto al que lo toca como al que lo escucha.

4.1 Elementos distintivos de la musica contemporánea general.

o Instrumentos Musicales: La orquesta etc.

El lugar donde podemos encontrar juntos una representación de los instrumentos
musicales mas comunes, es la orquesta. Esta, está compuesta por un grupo
indeterminado de músicos que tocan juntos ciertos instrumentos musicales. Estos
instrumentos musicales pertenecen a determinadas familias o secciones en las que se
agrupan para facilitar su clasificación.

La palabra orquesta procede del griego y significa "lugar para danzar". Esta definición
se remonta a alrededor del siglo V a. C. cuando las representaciones se efectuaban en
teatros al aire libre. En frente del área principal de actuación había un espacio para los
cantantes, bailarines e instrumentos. Este espacio era llamado orquesta.

Existen diferentes tipos de orquesta: de cámara, sinfónica, de cuerda …

La orquesta de cámara no tiene una formación concreta de instrumentos. Abarca todo
tipo de instrumentos siempre que el numero de músicos no sea muy elevado. El
termino “cámara” hace referencia a donde toca dicha orquesta, en este caso una

cámara, salón donde tocaban los músicos, refiriéndose especialmente a un habitáculo
donde cabe una orquesta reducida.

La orquesta sinfónica es una agrupación instrumental de gran tamaño que reúne
instrumentos de las tres familias. Generalmente tiene mas de 80 músicos, aunque
incluso puede llegar hasta los 100. Esto dependerá de la obra en tocada en cuestión y
del recinto donde se vaya a ejecutar.

La composición de la orquesta ha ido variando y evolucionando desde el Barroco
hasta la actualidad, tanto en la inclusión de nuevos instrumentos como en la posición
de los músicos en el escenario.

Actualmente forman parte de la orquesta los siguientes instrumentos:
• Cuerda: violín, viola, violonchelo, contrabajo, arpa y piano.

• Viento-Madera: flautín, flauta travesera, oboe, corno inglés, clarinete, fagot y
contrafagot.
• Viento-Metal: Trompas, trompetas, trombones, y tubas.
• Percusion: Esta sección no tiene instrumentos fijos, sólo intervienen los
necesarios para la obra que se va a interpretar.

De todos estos instrumentos, hay muchos que son vitales para la orquesta y nunca se
renuncia a ellos, y otros que son auxiliares y de acompañamiento y no siempre
aparecen en la orquesta, pese a ser parte del modelo general Por ejemplo, los violines
son imprescindibles pero el piano no siempre se encuentra. Todo ello depende de la
obra que se va a interpretar. De la misma manera, muchas veces intervienen
"instrumentos invitados", como el laúd, la guitarra, etc., también por necesidades de la
obra.


Disposición de los instrumentos en el escenario.

Cada sección o familia tiene una colocación determinada en el escenario en función de
su potencia sonora, así la sección de cuerda esta situada mas cerca del director y del
publico del mas agudo al mas grave, detrás esta situada la familia del viento, primero
madera y luego metal, y por ultimo la familia de la percusión, esta es la disposición
mas habitual.

El director de la orquesta el encargado de darle sentido y coherencia a la orquesta,
cumpliendo una función clave, mantener el tempo de la pieza y dar entrada a los
instrumentos, asi como interpretar la partitura de forma global manteniéndose fiel a la
obra original pero bajo su propia interpretación. La figura del director no apareció en
juego hasta el S.XIX .


o Instrumentos Sintéticos: sintetizadores, cajas de ritmos, samplers etc.

La constante evolución de la tecnología tambien a afectado a la musica como era
inevitable, el hombre a conseguido reproducir los sonidos naturales de los instrumento
clásicos y enlatarlos en maquinas y aparatos electrónicos para reproducirlos de forma
sintética. Hablamos de sintetizadores, cajas de ritmos, samplers etc.

Sintetizadores:
Un sintetizador o sinte es un instrumento musical electrónico, que genera señales
eléctricas que luego son convertidas a sonidos. Los sintetizadores pueden simular el
sonido de otros instrumentos o generar sonidos completamente nuevos.
Normalmente se tocan a través de un teclado (aunque sea un saxo) pero pueden ser
controlados con varios tipos de dispositivos de entrada, incluyendo secuenciadores,
editores, controladoras, baterías electronicas y otros. Los sintetizadores que no
cuentan con algún tipo de controlador son llamados módulos y son controlados a
través de lenguaje MIDI o control de voltaje. Usan varios métodos para generar una
señal. Entre las más populares técnicas de síntesis están: la síntesis substractiva, la
modulación de frecuencia o el modelado físico entre otros.

o Instrumentos virtuales: Plugins.

Los instrumentos virtuales tambien denominados plugins, son la emulación virtual, es
decir, a través de un software de ordenador que emula un aparato real, y que se
integra dentro de un secuenciador. Las propias marcas de sintetizadores físicos
normalmente tienen sus emulaciones virtuales a precios eso si mucho mas asequibles
ya que el mercado de estos programas a dia de hoy en infinito.

o La voz como instrumento musical.

Si te preguntaran un instrumento con el cual absolutamente todos podemos hacer
musica, o bien serias de los que se tiraría eternamente pensando, o bien te vendría
enseguida a la mente, cual ese instrumento, la VOZ ¡¡¡. La voz es el instrumento
natural mas antiguo, además ha demostrado ser el más versátil y sublime. En solitario,
formando parte de un coro, cantando a modo de oración o en impetuosos arranques
de sonidos sin palabras, la voz es una paradoja, pues utiliza el mismo medio que el
habla para permitirnos escapar de los límites del lenguaje.

A priori todos tenemos la capacidad de cantar y dar a nuestra voz una entonación
musical utilizando una escala y las notas musicales, lo que verdaderamente
denominamos canto. Esto se puede entrenar llegando a ser verdaderos instrumentos
musicales humanos, barítonos, tenores, etc. o hay personas que ya lo llevan dentro sin
necesidad de aprender, tan solo mejorar y afinar su voz.

La voces, se suelen agrupar de una manera muy simple:

o Según el genero: Masculinas I Femeninas
o Según la cantidad: Solistas I Coros
o Según el timbre:


Hombres Mujeres
Bajos: frecuencias graves Bajos: frecuencias graves

Barítonos: frecuencias grave medias Barítonos: frecuencias grave medias

Tenores: frecuencias medias Sopranos: frecuencias agudas

Contraltos: frecuencias agudas

4.2 Organización de los instrumentos musicales.

Organización de los instrumentos por familias.
• Viento
• Cuerda
• Percusion

Organización de los instrumentos por la forma de producir el sonido
• Aerófonos, vibra una columna de aire. Ej.: flauta, clarinete, trompa...
• Ideofonos, vibra el propio cuerpo del instrumento en si, Ej.: triangulo, caja
china.
• Cordófonos Vibran las cuerdas. Ej.: guitarra, piano, violín etc.
• Membranofonos, vibra una membrana tensa. Ej.: tambor, pandero, timbal...
• Electrófonos, el sonido se produce mediante impulsos eléctricos que se
convierten en sonido. Ej.: sintetizadores, cajas de ritmo.
Organización de los Instrumentos por su material de construcción

• Percusion madera, metal, piel.
• Viento madera, viento metal.

Organización de los Instrumentos por su altura tonal
• Determinada
• indeterminada

Familias de instrumentos.

La Organología, es la ciencia que estudia y clasifica los instrumentos musicales. Estudia
la historia de los instrumentos musicales en las diferentes culturas, aspectos técnicos
de los diferentes instrumentos y su clasificación.

La organología clasifica los instrumentos por familias, considerando estas como grupos
de instrumentos con características comunes, la mas importante de ellas que el
elemento que vibra y produce el sonido sea el mismo, y tambien son similares en
cuanto a forma, material de construcción y timbre.

Organización de los instrumentos por familias, forma de producir el sonido,
materiales de construcción y altura tonal.

o Viento (Aerófonos)

Los viento, aerófonos son aquellos instrumentos musicales que producen el sonido
mediante la vibración del aire contenido dentro del tubo, el sonido se produce al
soplar sobre un agujero (embocadura de bisel) o haciendo vibrar una caña de lengüeta
doble o simple. El timbre de estos instrumentos es más suave y melodioso que el de
los metales.

Características de los tubos.

• A mayor longitud del tubo, más grave es su sonido.
• A mayor diámetro o sección del tubo, más grave es su sonido.
• A mayor presión del aire más agudo es su sonido.
Desde muy antiguo se han realizado una serie de orificios en los tubos para modificar
su longitud, consiguiendo emitir más sonidos y con mayor facilidad, pero tan sólo con
los orificios que nuestros dedos pueden tapar.
Con el tiempo se fueron creando y perfeccionando sistemas con los que se pueden
acortar y alargar los tubos.

• Sistemas de llaves: Son mecanismos a modo de palancas y tapaderas que se
aplican a los orificios, permitiendo tapar y destapar un número de ellos que
manualmente sería imposible realizar. Este sistema se aplica a los instrumentos
de viento-madera (clarinetes, flautas...)
• Sistemas de varas: Consiste en empotrar un tubo dentro de otro, de manera
que pueda deslizarse, alargando y acortando el tubo, para obtener sonidos más
graves o sonidos más agudos. Este sistema se aplica al trombón.
• Sistemas de pistones y válvulas: Son dos sistemas que consiguen el mismo
objetivo, desviar las vibraciones sonoras por circuitos de diferentes longitudes.
Este sistema se aplica a los instrumentos de viento metal, (trompeta, tuba..).

Para clasificar los instrumentos de viento atenderemos por un lado al material con que
están construidos, y por otro al tipo de boquilla.

Así que tenemos dos grandes grupos, los podemos clasificar en viento-madera y
viento-metal, pero esta clasificación puede resultar un poco confusa porque, algunos
de los instrumentos de la familia de viento-madera se construyen en metal (por
ejemplo, la flauta travesera y el saxofón). En realidad, lo que va a determinar el tipo de
sonido es la clase de embocadura o boquilla que posea el instrumento.

En los instrumentos de viento la altura del sonido depende de la longitud del tubo;
cuanto más largo es éste, más grave es el sonido.


• Viento Madera.
Tradicionalmente son aquellos instrumentos de viento construidos en madera, aunque

en la actualidad también incluye algunos instrumentos construidos en metal. Esto se
debe a que el nombre les fue dado a la mayoría cuando aún eran fabricados de
madera. No obstante, se siguen clasificando dentro de las maderas por su timbre y su
sonido característico.
Podemos diferenciar tres tipos de instrumentos, según su embocadura:
Bisel: Es el tipo de boquilla que utilizan las flautas, y produce el sonido al cortar
mediante una arista afilada (bisel), el aire del soplo en dos partes; una se dirige al
interior del tubo y otra al exterior, obteniendo así la suficiente presión para producir
el sonido. En algunas flautas se produce esa división del aire de forma mecánica
como en las flautas dulces. En otras flautas son los labios del instrumentista lo que
producen esa división, al dirigir directamente la dirección del soplo siempre de
forma oblicua en el orificio del instrumento, es el caso de las flautas traveseras.
Lengüeta simple: La lengüeta es una lamina de caña
fina dotada de flexibilidad colocada en el lateral de
la boquilla que esta abierta, ajustándose mediante
aros metálicos con tornillos ajustables, el sonido se
produce por la vibración del aire al chocar con una
caña o lámina de madera que hay en la embocadura
del instrumento. Ejemplo: el clarinete y el saxofón.
Lengüeta doble: Es una boquilla que tiene dos
láminas muy finas y flexibles, atadas alrededor de un
pequeño tubo metálico llamado tudel. El tudel
encaja dentro de una base de corcho que se fija
firmemente en el extremo superior del instrumento.
Al soplar a través de las láminas o lengüetas, éstas
vibran chocando una contra otra, abriendo y
cerrando alternativamente la entrada de aire en el tubo, produciendo la vibración del
aire del interior del instrumento y el sonido. El sonido se produce por la vibración de
dos cañas de madera que chocan entre sí. Tienen este tipo de embocadura el oboe y el
fagot

• Viento Metal
Los instrumentos de esta familia tienen una boquilla con forma de embudo. El
instrumentista apoya sus labios contra la boquilla y al soplar hace que vibren de forma
parecida a la doble lengüeta. Las vibraciones de sus labios se transmiten a la columna
de aire en el interior del tubo surgiendo de este modo el sonido.

El timbre de un instrumento de metal depende del tipo de
boquilla que utilice, del diámetro del tubo, y del tamaño y
forma de la campana donde termina. La altura del sonido
depende de la longitud del tubo y de la tensión de los labios
para ejercer la presión, consiguiendo así mediante la
combinación de presiones, sonidos mas graves o mas agudos.
Están fabricados en aleaciones de metal, y el tubo del instrumento está plegado sobre
sí mismo para que sea más funcional. La altura del sonido depende de la presión de
aire que ejerza el músico sobre la boquilla y de un sistema de válvulas y pistones. El
timbre suele ser fuerte, brillante y con sonido metálico. El sonido en estos
instrumentos se produce por la vibración de los labios en una boquilla metálica en
forma de copa, que produce la frecuencia acústica.


Instrumentos de soplo mecánico.
Son aquellos instrumentos en los que la columna de aire se produce por otros
mecanismos, sin que intervenga el soplo del instrumentista. El elemento que produce
la corriente de aire es un fuelle.

Los dos principales instrumentos son, el acordeón y el órgano, ambos producen el
sonido mediante un mecanismo de fuelles y no precisan el soplo del músico para
producir el sonido.


Cuerda – Cordófonos
Los instrumentos de cuerda o cordófonos son instrumentos musicales que producen
sonidos por medio de las vibraciones de una o más cuerdas, usualmente amplificadas
por medio de una caja de resonancia. Estas cuerdas están tensadas entre dos puntos
del instrumento y se hacen sonar pulsando, frotando o percutiendo la cuerda.
En la orquesta clásica, se llama «cuerdas» al conjunto de instrumentos de cuerda
frotada formado por los grupos de violines (normalmente divididos en violines
primeros y segundos), violas, violonchelos y contrabajos. Lo mismo sucede con la
orquesta de cuerdas, que está conformada por los mismos instrumentos. De forma
similar se habla de un trío, cuarteto o quinteto de cuerdas, cuando se trata de
agrupaciones de violín, viola y violonchelo; 2 violines, viola y violonchelo; o 2 violines,
viola, violonchelo y contrabajo respectivamente. En una orquesta clásica los
instrumentos de cuerda se colocan en primera posición en la zona más cercana al
director seguidos por los instrumentos de viento y por último de percusión.
Características físicas de las cuerdas:

• Cuanto mayor sea la longitud de una cuerda más grave es su sonido.
• Cuanto más gruesa es la cuerda más grave es su sonido.
• Cuanto más tensa está una cuerda más agudo es su sonido.
Atendiendo estas característica y para obtener gamas sonoras más o menos

graves o agudas, los instrumentos se construyen con distinto tamaño. Además
cada instrumento tiene un juego de cuerdas con distintas longitudes, grosores y
tensiones.
Los instrumentos de esta familia se clasifican en tres grupos:
Instrumentos de cuerda frotada.

Pertenecen al grupo instrumentos de cuerdas frotadas o de arco aquellos cuyo sonido
se obtiene a través de un arco (generalmente con el arco hecho de madera, que es la
zona de sujeción, y un conjunto de cerdas de crin tensadas debido a que se sujetan a
los dos extremos del arco y con las que se frotan las cuerdas, aunque también existe
una técnica de "pellizcar" la cuerda, llamada pizzicato). El rozamiento produce la
vibración de las cuerdas, que es amplificado por el cuerpo en si del instrumento, los
mas habituales son de menor a mayor tamaño: el violín, la viola, el violonchelo, y el
contrabajo ( forman la sección de cuerda de la orquesta). El sonido va de mas agudo a
mas grave según el tamaño del instrumento, el violín es el mas agudo y el contrabajo el
mas grave.

violín Viola violonchelo contrabajo
El arco: Es un accesorio que se utiliza para tocar los instrumentos de cuerda frotada.
Consta de una vara estrecha y larga (aprox. 70 cm) en la se sujeta una cinta hecha con
crines de caballo o cerdas, que se pueden tensar mediante un tornillo. Las crines
deben estar impregnadas con resina para que se agarren bien a las cuerdas.
Instrumentos de cuerda pulsada

Los instrumentos de cuerda pulsada, pinzada o punteada son aquellos instrumentos de cuerda
en los que la cuerda vibra tras ser pulsada o punteada por los dedos, produciendo el sonido.
Además de los dedos, también se puede utilizar un plectro (púa). Algunos tienen un mecánico
de teclado conectado a las plectros que pinzan las cuerdas ( Ej. clavecín).
Los mas habituales son: (de izquierda a derecha) el laúd, la guitarra, el banjo, y el arpa.

Instrumentos de cuerdas percutidas o golpeadas
Los Instrumentos de cuerdas percutidas o golpeadas obtienen el sonido golpeando o
percutiendo las cuerdas (generalmente con unos pequeños macillos). Pueden ser de
una caja para obtener amplitud de sonido, o sin ésta. Los ejemplos mas conocidos de
este tipo de instrumentos son el clavicordio y el piano. En el piano, Al tocar sus teclas,
se accionan unos macillos que golpean las cuerdas, las cuales se encuentran en el
interior de la caja de resonancia.
(Ej.: Piano y Clavicordio)

Percusion.

De todos los grupos de instrumentos, la sección de percusión, el es que mayor
numero de instrumentos tiene, y el que presenta mayores diferencias entre ellos.

Es el grupo de instrumentos en los que el sonido se produce mediante el golpeo o
percusión (de hay su nombre) de una membrana, lamina de madera o metal o el
propio cuerpo del instrumento. En algunos el sonido se produce agitando como es el
caso de las maracas, en otros frotando (la zambomba), en otros rascando como el
Güiro incluso soplando como en el Kazu.
Características generales de la percusión:

• A mayor tamaño, más grave es el sonido que produce.
• El timbre del instrumento depende del material con el que está hecho (metal,
madera, plástico, etc.).
• El timbre depende también del tipo de percutor que se utilice: palillos de
tambor, baquetas duras o blandas, martillos, escobillas, etc.


Algunos de estos instrumentos son capaces de producir sonidos con escala musical, es
decir con notas y podemos interpretar melodías con ellos, son los llamados
instrumentos de percusión determinada.

Otros, no producen notas musicales y solo se pueden hacer ritmos con ellos. Son
los más numerosos y los llamamos instrumentos de percusión indeterminados.
Además de tener en cuanta esta característica, podemos clasificar los

instrumentos de percusión en dos grandes grupos:
Ideofonos.
Un idiófono es un instrumento musical que tiene sonido propio porque usa su cuerpo
como materia resonadora. Produce el sonido primariamente por la vibración del
propio cuerpo, sin uso de cuerdas, membranas o columnas de aire. Su cuerpo, de
madera, metal o piedra, es duro pero sonoro, con la suficiente elasticidad como para
mantener un movimiento vibratorio.
La familia de los idiófonos está formada por una gran diversidad de instrumentos,
desde campanas, castañuelas y xilófonos hasta platillos y gongs. La mayor parte de
los instrumentos de percusión que no usan membranas para producir el sonido.
Los idiófonos suelen clasificarse por la forma de hacerlos vibrar, por el movimiento
requerido para hacerlos sonar, su incidencia sobre el instrumento y sus componentes.
IDEOFONOS PERCUTIDOS
Marimba Vibráfono

IDEOFONOS ENTRECHOCADOS
IDEOFONOS SACUDIDOS
IDEOFONOS RASGADOS

Membranofonos.
Se llama membranófono al instrumento musical cuya vibración se produce en una
membrana tensa (también llamada parche) hecha de piel o de materiales sintéticos. A
veces pueden tener dos membranas tensas, como en el caso de algunos instrumentos
cilíndricos que tienen un parche en cada extremo.
En la mayoría de los casos las membranas se percuten con la mano, con palillos,
con baquetas o con escobillas metálicas.
TIMBAL
Electrófonos
En esta categoría podemos encontrar instrumentos de las tres familias, son
instrumentos musicales que producen el sonido usando la componentes electrónicos,
es decir, que son instrumentos en los cuáles el sonido se genera o se modifica
mediante corrientes o circuitos eléctricos. El mismo se distingue de un instrumento
tradicional eléctricamente electrificado que es parecido a su versión acústica, pero que
requiere amplificación se realice por medios electrónicos, como es el caso de
la guitarra eléctrica.

Los instrumentos electrófonos se dividen en 2 grupos:

• Instrumentos tradicionales eléctricamente amplificados, el instrumento es
como el acústico, pero la amplificación se realiza por medios electrónicos. Por
ejemplo, el Clavecín eléctrico o la guitarra eléctrica.


• Instrumentos con generación eléctrica completa. Tanto la vibración inicial
como la amplificación se realizan electrónicamente. El generador sonoro
acústico (cuerda, etc) es sustituido por otro de tipo electrónico.

Los electrófonos de generación eléctrica completa a su vez se sub dividen en 2
subgrupos:

! Instrumentos radio-eléctricos. Son los instrumentos en donde el
sonido es producido totalmente a partir de oscilaciones eléctricos.
Por ejemplo, los sintetizadores o el piano eléctrico.

!
!
!
!
!
!
!
!
! Instrumentos mecánico-eléctricos. Son los instrumentos musicales

que mezclan elementos mecánicos y eléctricos para generar el
sonido. Por ejemplo, Órgano Hammond, el Melotron o la batería
electrónica.

• Instrumentación y secciones.

Una vez que conocemos como se clasifican los instrumentos, vamos a conocer de
marera general como se introducen en las canciones, agrupados en secciones.

La sección rítmica: Se encarga de marcar el ritmo, el tempo del tema y muchas de las
veces tambien la base armónica, esta compuesta por la percusión y el bajo que
componen el esqueleto de las canciones, marcando el BPM de la canción mediante la
batería que da los golpes de bombo y la caja y luego se suceden todo tipo de patrones
y golpes percusivos de infinitos tipos. Los mas habituales son bombo, caja, palma,
toms, congas, bongos, d´jembe, timbal, cow, cabasa, shaker, hi-hat, chaston, ride,
guiro, y un largo y largo etc.

El bajo: es el elemento de mas cuerpo junto al bombo y se encuentra en la parte mas
grave de las frecuencias. El bajo es el encargado habitualmente de dar el tono musical
(la nota o notas tónicas) al resto del arreglo melódico. Puede ejecutar notas largas y
sostenidas dando un carácter de continuidad al tema, o notas cortas que imprimen a
las canciones un carácter mas rítmico y marcado. En los inicios de la musica los bajos
provenían del bajo eléctrico o del contrabajo, pero a raíz de la aparición de los
sintetizadores, las líneas de bajo pasaron a ser casi posesión exclusiva de esta excepto
en determinados géneros musicales mas clásicos y ecléticos como el rock, el country o
el folk.

Un claro ejemplo de bajo corto y marcado el de “Billie Jean de Michael Jackson” que
contrasta con el tema de Laurent Garnier “ The man with the red face” con sus
interminables notas sostenidas.


El sección melódica: aquí encontramos toda la instrumentación del tema ya sea
mediante instrumentos clásicos o bien sintéticos como teclados y sintetizadores, toso
ellos componen la línea melódica (melodía) armonías y progresiones armónicas de los
temas. Cualquier instrumento puede forma pate de esta sección, vientos, cuerdas,
leads, arpegios , órganos y por supuesto las voces, solistas.

Sección de acompañamiento: formada por los instrumentos que dan contexto y
colchón armónico a los temas, son instrumentos secundarios, y habitualmente
prescindibles, pero que si están mejoran de manera sustancial la percepción sonora y
armónica de la canción, y tambien de la voces que dan acompañamiento a los solistas,
los coros.

Como ejercicio os recomiendo escuchar diferentes temas de distintos géneros
intentando identificar cada sonido y viendo cuales son los elementos comunes y cuales
no.

o Organización de los instrumentos por frecuencias

Hemos clasificado ya formalmente los instrumentos mas habituales y comunes a todas
las culturas y países, sacando en claro como están organizados.
Instrumentos Naturales: propios de una orquesta: arpas, violas, trompetas, flautas,

violines, tubas, órganos, pianos, chelos, bajos, etc.

Instrumentos Electrónicos:

! Electrónicos: sintetizadores, cajas de ritmos, teclados,
! Electromecánicos: guitarras, órganos
! Virtuales: software con el nombre de plugin, emuladores de
instrumentos naturales, pianos, cuerdas etc. Y tambien
sintetizadores, efectos, cajas de ritmos, roomplers, samplers.

Cada uno de estos instrumentos, esta localizado en un rango de frecuencia dentro del
espectro sonoro.


Rango de frecuencia Instrumentos

40-50Hz Es donde están esos graves tan de moda
en música de baile.
Aquí, principalmente, encontramos, sub
graves, y el bombo o percusiones de
carácter grave.

70-100Hz • Bajo: Cuerpo y profundidad en 60-
70 Hz, presencia en 2.5 kHz y
ruido de cuerda a partir de los 3
kHz.
• Guitarra acústica: Cuerpo en 80
Hz, presencia en 5 kHz, sonido de
púa por encima de 10 kHz.
• Guitarra eléctrica: Pegada en 60
Hz, cuerpo en 100 Hz, estridente
en 600 Hz, presencia en 2-3 kHz.
• Batería: Cuerpo en 100 Hz,
apagada en 250-600 Hz, seca y
enérgica en 10 kHz.
• Voz: Cuerpo en 100-150 Hz
(hombre)

200-400Hz En este rango de frecuencias podemos
determinar el sonido de la caja, palma y
podemos también añadir calidez en las
voces o llenar un poco las guitarras.

Voz: cuerpo en 200-250 (mujer).
400-800Hz Podemos esclarecer el bajo en estas
frecuencias, también en este rango de
frecuencia se encuentran los primeros
armónicos de la caja.
En este rango de frecuencias podemos
también reducir las vibraciones existentes
en percusiones.

800-1000Hz Este rango es muy importante para las
voces, ya que le dará más fuerza, también
le dará claridad al bajo y más pegada al
bombo.

1-3KHz Aquí conviene realzar entre 1 y 2 kHz
para perfilar las guitarras y bajos;
evidentemente, al llegar a esta parte tan
sensible del oído deberemos disminuir las

voces alrededor de los 2,5KHz.

3-6KHz Este rango es bastante crítico para las
voces. Básicamente como hemos
mencionado antes podemos bajar el nivel
sobre los 3KHz, pero también deberemos
hacerlo alrededor de 6KHz, ya que ahí es
donde está el siseo en la palabra, de esto
se desprende que la parte comprendida
entre 3 y 5KHz nos dará mas claridad.

6-10KHz Percusión: Brillo y presencia en 10 kHz.

10-16KHz Aquí comienzan los instrumentos mas l
agudos, en estas frecuencias le podemos
dar más aire a las voces y los platos
también.

Rango de frecuencia Elementos rítmico-percusivo

FRECUENCIAS GRAVES ( 20 - 250 Hz ) PERCUSIONESY BAJOS

BOMBO ( BD, KICK, KICK-DRUM)
BAJOS ( BASE, BASE-DRUM)
BAJO GUITARRA ELECTRICA)
BAJOS EMULADOS SINTETICOS
PERCUSIONES ( PERK , PK,) TOMS , GONG,
TAMBORES.
Etc.

FRECUENCIAS MEDIAS: ( 250 - 2000 Hz ) PERCUSIONES Grave-medio:

CONGAS - BONGOS TIMBALES -
TIMBALESTAS
TOMS (GRAVES)
D´JEMBES
COW BELLS
MARINBAS - TABLAS
Etc.

FRECUENCIAS AGUDAS (2000 - 20000Hz ) (ABIERTAS (OPEN) o CERRADAS (CLOSE))
PERCUSIONES agudo:
CHASTON (CH)

HI HATS (HH)
RIDES (RD)
SHAKERS ( SH)
CRASHES (CS)
CIMBELS (CM)
TRIANGLES
Etc.

MULTI-FRECUENCIAS: 250-20000 Hz VOCES:
MASCULINAS (+ hacia el espectro grave )
FEMENINAS(+ hacia el espectro agudo )

SOLISTAS ( monofónicas )
COROS ( polifónicas )


4.3 Agrupaciones musicales

La Orquesta

Como ya describimos anteriormente la orquesta es el lugar donde podemos encontrar
juntos una representación de los instrumentos musicales mas comunes. Esta, está
compuesta por un grupo indeterminado de músicos que tocan juntos ciertos
instrumentos musicales. Estos instrumentos musicales pertenecen a determinadas
familias o secciones en las que se agrupan para facilitar su clasificación.

! La orquesta de cámara no tiene una formación concreta de instrumentos.
Abarca todo tipo de instrumentos siempre que el numero de músicos no sea
muy elevado. El termino “cámara” hace referencia a donde toca dicha
orquesta, en este caso una cámara, salón donde tocaban los músicos,
refiriéndose especialmente a un habitáculo donde cabe una orquesta reducida.

! La orquesta sinfónica es una agrupación instrumental de gran tamaño que
reúne instrumentos de las tres familias. Generalmente tiene mas de 80
músicos, aunque incluso puede llegar hasta los 100. Esto dependerá de la obra
en tocada en cuestión y del recinto donde se vaya a ejecutar.

La Banda de musica

Las bandas son otra clase de agrupación musical que tiene sus propios tipos de
instrumentos según el genero musical que toquen.

! Las bandas que marchan usan instrumentos de viento metal, viento de
madera, y percusión; pero no de cuerda. Hay muchas clases de bandas, y estas
a menudo incluyen guitarras y el uso de amplificadores.

! Las bandas de Rock y Pop, suelen incluir guitarras eléctricas, bajos, baterías y
en especial las de pop teclados electrónicos, junto con otros instrumentos.


! Una banda de jazz puede compartir muchos de los instrumentos de una banda
de rock pero tambien suele incluir instrumentos de viento madera y metal y no
suele usar teclados electrónicos.

! Las bandas de musica latina normalmente incluyen instrumento extra de
percusión tipo xilófonos, marimbas, congas, d´jenbe etc.

Live Act. Por ultimo están los artistas que hacen Live, aquí es donde encuadramos a
artistas de musica electrónica que tocan su propio repertorio a través de
sintetizadores, cajas de ritmo, samplers, secuenciados a través de software especifico
como Ableton Live, Cubase o Logic Pro. (Ej.: Stephan Bodzin Live)


Diferenciación entre los diferentes estilos musicales a través de la escucha.

o Entrenamiento auditivo
o Oído – escucha absoluta / escucha relativa.
o Disociación de sonidos / frecuencias - de elementos musicales
o Diferenciación por estilos.
o Diferenciación por criterios de composición.
o La fusión; aparición de nuevos estilos.

La diferenciación entre los diferentes tipos de estilos musicales mediante la escucha,
responde, a un profundo conocimiento de cada uno de los estilos musicales básicos y
sus sub-estilos; es un proceso largo al que se llega mediante el continuo
entrenamiento del oído, la escucha, la asimilación y conocimiento de los distintos
sonidos, frecuencias, instrumentos, etc, propios de cada estilo musical. El análisis del
sonido, el conocimiento de los diferentes instrumentos propios de cada estilo musical,
y el análisis global o analítico de esos sonidos, determinaran una corriente musical u
otra, siendo en algunos casos una línea extremadamente delgada la que diferencia el
paso de un estilo a otro, incluso llegando a ser un percepción personal del artista que
quiere encuadrar su obra dentro de un determinado estilo o corriente musical.
Oído – escucha absoluta / escucha relativa.

La diferenciación entre los diferentes tipos de estilos musicales mediante la escucha,
responde, a un profundo conocimiento de cada uno de los estilos musicales básicos y
sus sub-estilos; es un proceso largo al que se llega mediante el continuo
entrenamiento del oído, la escucha, la asimilación y conocimiento de los distintos
sonidos, frecuencias, instrumentos, etc, propios de cada estilo musical.

Por ello debemos entrenar nuestro oído para que haga un escucha absoluta o global y
sea capaz de distinguir entre los diferentes géneros musicales mas habituales de
nuestro repertorio. Para ello debemos hacer un poco de historia y conocer de donde
vienen esos géneros, quien los ha impulsado, con se originaron, cuales son sus
elementos comunes y como han evolucionada hasta el dia de hoy.

Luego párate un momento y mira que emociones te trasmite, si te hace moverte,
bailar, o si te provoca estado de relajación y paz (escucha emocional) . Esta escucha
debe realizarse en un lugar tranquilo sin distracciones con baja luz, y sin que la pantalla
del ordenador ni el móvil te molesten, lo suyo es reproducir el sonido a través de unos
buenos cascos con el que aprecies todos los matices musicales, frecuencias etc, o bien
mediante un buen reproductor de musica, eso si a niveles sonoros normales no abuses
del volumen.

Ahora si esto no nos ha dejado indiferentes, es probable que queramos mas, y es aquí
cuando nuestro punto de vista se agudiza y pasamos a ver las cosas desde el punto de
vista del músico, y realizando una labor de producción a la inversa lo que
denominamos “deconstruir una canción” mediante la escucha analítica o relativa de
partes y elementos concretos de la misma. El secreto esta en que nuestro oído y

nuestra mente sea capaz de disociar por completo los sonidos y estructuras de la
canción, la mente debe hacer un esfuerzo para imaginarse esos sonidos en solitario e
identificarlos de forma correcta o lo mas aproximada posible.

Disociación de sonidos / frecuencias - instrumentos

En este momento es cuando nuestro oído es capaz de distinguir los diferentes
instrumentos, el bombo del bajo, los elementos de la sección de percusión uno por
uno, efectos, voces, la melodía, la armonía y los acordes por separado, incluso la
estructura de la canción y sus variaciones durante el tema, llegando hasta distinguir las
notas musicales y asignar a los sonidos que escuchamos sus frecuencias
correspondientes en el espectro sonoro. Es entonces cuando estamos en disposición
de hacer una escucha relativa o analítica de una canción.

Muchas veces es imposible determinar con exactitud y acierto el genero musical de
una obra, o los instrumentos y sonido que la componen, por lo que debemos recurrir a
las emociones y sensaciones que provoca la música en nosotros y nuestro estado de
animo para determinar aproximadamente de que genero musical se trata. Es cada vez
mas común la aparición de nuevos géneros y subgéneros musicales difíciles de
encuadrar en las tendencias o géneros mas globales y generalistas, por lo que nuestra
percepción de que a que estilo pertenece una canción, se convertirá en un apreciación
personal propia y un tanto subjetiva, ya que para otra persona esa misma obra podrá
pertenecer a un genero u estilo completamente distinto, estando los dos en la opinión
acertada para cada uno de ellos, ya que la que música produce distintas sensaciones
de intensidad en cada persona, percibiendo así cada estilo de distinta manera, en
distintas personas.

Diferenciación por estilos.

Si ya somos capaces de hacer una escucha analítica y global de una pieza musical,
entonces nuestro cerebro es capaz de procesar toda esa información proveniente de la
canción y que cuyo resultado final, va a ser el tipo de canción que estamos
escuchando, es decir el genero musical al que pertenece dicha pieza.

Diferenciación por criterios de composición.

Nuestro cerebro gracias al sistema auditivo es capaz de diferenciar los instrumentos de
una canción, si pertenecen a la orquesta, si son electrónicos, los tipos de estructuras
musicales, compases, las secciones, etc. Todo ello combinado con el estudio previo
que hemos hecho de las características musicales de los diferentes estilos, hace
posible que nuestro cerebro procese todas esas variables e informaciones y les de el
formato de genero, lo menos de manera aproximada, ya que muchas veces la fusión
actual que hay de géneros hace imposible diferencia el estilo en concreto.

Gracias a los criterios de composición musical somos capaces de asignar a una pieza
determinadas características según el estilo al que pertenecen. De esta manera si

tenemos en cuanta los diferentes criterios y los procesamos de manera lógica
llegaremos a dar con el genero musical de la pieza en cuestión.

CRITERIOS DE COMPOSICION GENERALES

8 El compas / 4x4, 3x4 ….
9 El tipo de estructura, rock, pop, electrónica.
10 Las escalas, mayores (alegría), menores (melancolía tristeza).
11 La melodía, con notas cortas, largas, repetitivas, espaciadas
12 La armonía, con acordes de triadas, cuatriadas, quintas etc.
13 La progresión armónica, simple, compleja, continua.
14 El tipo de instrumentos, orquesta, sintéticos, electrónicos, puggins.
15 Los tipos de sonido, leads, pads, strings, keys, organs, arpegios …
16 Las voces, femeninas, masculinas, coros ….
17 Los arreglos, Sound efects, breaks, uplifts, breakdown etc.
18 La duración, según el genero, maxi versión, radio versión edit.
19 Variaciones musicales: acústicas, instrumentales, dub, remix, covers.

La fusión estilos.

Nadie es capaz de imaginar la musica sin la fusión de estilos a la que se ha llegado
durante los dos ultimo siglos.

Esa fusión como el propio nombre indica, viene de fusionar los elementos de un estilo
musical, con otro, siendo resultante o un nuevo genero musical, o un subgénero del
genero dominante.

Y es que queda ya muy atrás cuando escuchábamos a A.C.D.C y podíamos afirmar sin
miedo a equivocarnos que eso era rock. Esa situación duro mas bien poco, y en el caso
especifico del rock, evoluciono a otras tendencias como el rock progresivo, el
psicodélico, el sinfónico, el metal o el Indi. De igual manera sucedió con el resto de
estilos, pop, soul, o jazz, y por supuesto tampoco se quedo fuera de esta evolución la
musica electrónica, cuyo máximo exponente de fusión se tradujo en el E.D.M y la
musica urbana. Un claro ejemplo del recientemente desaparecido artista de musica
electrónica Avicii, es su fusión de ritmos y melodías electronicas con arreglos de
musica folk y country, como es claramente identificable en su canción, “Hey Brother”.

La capacidad de los músicos sean del estilo que fuere, para crear y fusionar sonidos,
estilos, voces, e instrumentos y aplicarlos en la musica mediante la tecnología, va
mucho mas allá de las etiquetas que se generan para identificar esas tendencias y
están por encima de los géneros musicales. Un artista o banda de musica esta
perfectamente en su derecho de identificarse con un genero musical y sentirse mas
cercano a el, pero igualmente esta en su derecho de dar un giro hacia cualquier otra

tendencia y experimentar con la fusión, y otros géneros distintos a los que la
identifican con mas claridad, por lo tanto la identidad musical de un artista siempre
estará por encima de la necesidad de poner etiquetas que tenemos los humanos para
identificar lo que no sabemos como definir.

Si bien es cierto que todos los artistas, grupos y bandas de reciente creación son mas
cercanos y propensos a la fusión por que el concepto les es mas cercano en el tiempo,
la viejas y clásicas bandas de rock o pop si es verdad que llevan implícito una etiqueta
muy difícil de quitar que es la que les ha identificado y dado a conocer durante todas
estas décadas, U2, ACDC, Depeche Mode, Metálica ….. eso no implican que no hicieran
sus incursiones en otros géneros musicales, como por ejemplo U2 con el gospel o el
country; ya que la fusión aunque parezca fácil de llevar acabo por su profusión actual,
no lo es ¡¡¡ es un arte arriesgado y difícil de lograr, adaptar patrones rítmicos,
compases, instrumentos, bpm, de unos géneros a otros completamente distintos y
lograr algo, estético y agradable al oído es muy difícil de conseguir, ya sea tango-
electrónico, o flamenco-soul.


Técnicas de localización y consulta de fuentes de información del mercado
discográfico y audiovisual

Esta claro que todo el mundo que se dedica a esta profesión quiere estar a la ultima en
cuanto a tendencias musicales, tecnología y manejo de equipos, eventos, artistas etc,
etc. El estar actualizado al 100 x 100 supone invertir mucho tiempo en procesos de
búsqueda de información, formación y puesta en practica, y la sociedad en la que
vivimos hoy es la sociedad del “ya”, internet, smartphones, tablets nos dan acceso
rápido y directo a todos los contenidos, pero es que además queremos que nos lo den
todo con las máximas facilidades posibles, y es que en esta profesión para ser el mejor
y estar a la ultima la filosofía del “ya” no existe hay que trabajar y buscar a fondo para
diferenciarnos de los demás y estar preparados para cualquier cosa que pueda venir.

Métodos de búsqueda, ordenación y filtrado de criterios en bases de datos.

Si nos vamos a dedicar al mundo de video Deejay, tenemos que tener bien claro que
nuestra materia prima van a ser la musica y la imágenes y para picharlas hay que
buscarlas primero, editarlas, ordenarlas y catalogarlas, para ello como decíamos antes
debemos hacer un trabajo previo buscando nuestro material de trabajo en distintos
medios de información audiovisual que faciliten nuestro trabajo.

Lo mas inmediato es acudir a las fuentes de información mas cercanas como amigos
que comparten nuestra curiosidad por el medio audiovisual al mismo nivel que
nosotros, si luego tambien tenemos acceso a profesionales del sector, otros deejays,
video deejays, diseñadores etc, no dudes en consultarlos que mejor que profesionales
para estar al dia y bien orientados.

En España contamos con numerosas webs, blogs y
foros de sobre musica electrónica y el mundo
audiovisual, abarcan desde uso de nuevas
Webs y blogs y foros de información audiovisual tecnologías, clubes, festivales, artistas y un largo
etc, de entre ellas podemos destacar, Clubbing
Spain, Hispasonic, Dj TechTools, Actualdj,
Urbanfire etc.

Algunas de ellas en papel pero cada vez menos,
sino tienes el formato digital, para los que les
gusta leer, Roling Stones, Rock Deluxe, Dj Mag,
Clubber-Mag, Babel Magazine, video popular,
Revistas especializadas y buscadores online panorama audiovisual, etc.
Por otro lado los buscadores on line mediante
etiquetas o tags, nos ponen la labor muy fácil, lo
obvio Google o safari, los mas especialistas,
Musipedia o Rate your Music.

Web de descarga audiovisual tanto de musica
Webs de descarga audiovisual sujetas a copyright como de imágenes, todas ellas de pago y sujetas a
derechos de copyright, entre ellas las mas
famosas, Beatport, iTunes, Spotify, Tracksource,
Qobuzz, What People Play, Acistock, Istock,

Fotolia.

Otra de las fuentes mas prolíficas en cuanto a
fuente de información audiovisual, djs artistas,
Redes sociales especializadas en contenido musica, tecnología son las redes sociales, seguir a
audiovisual. tus artistas favoritos y a su ves a sus fans mas
freaks y acérrimos resulta una fuente de
información inagotable. La mas fiables, Sound
Cloud, Mix Cloud, o hearthis.

A dia de hoy La tecnología domina nuestras vidas
con los smartphones a la cabeza y sus increíbles
Apps, a partes de tener infinidad de aplicaciones
Apps de compra on line, redes sociales, etc, esta la
inigualable aplicación Shazan para buscar en
cualquier momento ese tema que esta oyendo en
el club o haciendo la compra.

La ventaja que tenemos en la actualidad es que
cualquiera puede llevar la radio en su móvil, así
que no hay escusa para no invertir tiempo en
escuchar la musica que te gusta mientras que
Programas de radio, podcast etc. haces cualquier otra cosa, solo tienes que buscar
las emisoras, huyendo si es posible de la musica
mas comercial y lo que se escucha a todas horas
en los “40”, intentando sobre todo escuchar
emisoras de otros países donde se gestan las
nuevas tendencias y de los que se exportan los
nuevos sonido y artistas ¡¡

Cada vez son mas habituales las webs que ofertan
descargas de musica original sin derechos de
Webs de descarga audiovisual sin derechos de copyright gratuitamente, entre las mas famosas,
autor o free rights. están Archive, Creative Commons, Jamendo,
Sound Cloud, Free Audio Library, Pixabay, Pexel o
picography.

Ese raro espacio donde se compraba musica en
formato físico y de las que cada vez quedan
menos, pero en las que puedes encontrar
Tiendas verdaderas joyas escondidas en vinilo, cd o hasta
cassete, eso si primero tienes que localizarlas en
tu ciudad y cada vez es mas difícil. La ventaja es
que puedes charlar con otros melómanos, hacer
encargos y te puedan recomendar.

Por ultimo si escudriñas bien en la red, vas a
encontrar infinidad de compañeros que quieren
compartir contigo sus hallazgos, técnicas de
Tutoriales producción, fotografías, musica, etc etc, los
tutoriales son cada vez una potente herramienta
para llegar a contenidos que nunca hubiéramos
imaginado, los mejores los mas especializados.

Todos ellos son la mejor fuente de información
directa sobre sus actuaciones, producciones

Clubs, salas, festivales, productores, sellos, musicales, fotográficas, audio visuales, y todo ello
productoras etc. de primera mano ¡¡¡

La colección Musical

La organización del material musical es primordial para la correcta ejecución del
trabajo de un DJ sea cual sea su estilo y condición. Para ello nosotros utilizaremos un
sencillo método de clasificación dentro de nuestro ordenador , que a su vez lo
gestionaran diferentes programas de gestión de audio, ITunes, Record Box, Traktor etc.

Para el DJ supone muchísimas ventajas vivir una realidad profesional en la que de
manera mayoritaria las tecnologías digitales sin formato físico están siendo usadas EN
detrimento de los tradicionales formatos físicos.

Ya no hay que cargar con pesadas maletas de discos que pueden perderse, estropearse,
ser robadas... Nos ahorramos de hacer un gran esfuerzo físico y sobre todo económico.

No obstante las nuevas tecnologías y los nuevos tiempos también traen nuevos
problemas: el DJ profesional actual puede (y debe) comprar música, puede (y debe)
recibir música promocional y además puede (y debe) digitalizar toda su antigua
biblioteca musical por si le fuera necesario emplearla actualmente.

Estas tres circunstancias hacen que los DJs actuales manejen una enorme cantidad de
archivos digitales y datos que deben etiquetar, clasificar, ordenar y salvaguardar con
enorme rigor si quieren hacer un buen desempeño de su profesión.


La ordenación musical.

La ordenación de la biblioteca musical para cualquier DJ o Video-DJ es fundamental a
la hora de llevar a cabo sus sets y actuaciones ya que encontrar con rapidez y claridad
los archivos audio-visuales cuando estamos trabajando es completamente necesario
para desempeñar nuestra profesión con efectividad.

1. El primer factor que determinara el tipo de ordenación será el formato de los
archivos de audio, no es lo mismo necesitar un espacio físico para almacenar
vinilos, cds, o cintas de video o cassete, que trabajar solo con archivos digitales
y almacenarlos en un ordenador y catalogarlos con un software de organización
musical como ITunes.

2. El segundo será el tamaño de la biblioteca, cuanto mas grande mas difícil será
la organización. En una biblioteca pequeña nos bastaría con organizar por
orden alfabético según el artista, para tener todos nuestros archivos
localizados. Por el contario si la biblioteca es muy extensa, los criterios de
organización cambian y entra en juego el factor temporal y de genero.

3. EL tercero la cantidad, no por tener muchísimos archivos nuestra biblioteca va
a ser mejor, será mejor cuanto mas seleccionada este la musica y mejor
clasificada este, los melómanos siempre han sido del pensamiento de menos es
mas y por el contario los djs de cuanto mas mejor, por si acaso lo necesito en
algún momento, ese por si acaso nos lleva a acumular miles de tracks que ni
siquiera hemos llegado a poner ni de los que nos acordamos, lo único que
hacen es ocupar espacio, por lo que la utilidad de los archivos es un factor
fundamental , nuestro 4º factor, la utilidad.

4. La utilidad; no por tener miles de canciones nos van a ser mas útiles, es más,
muchas veces cuantas mas canciones tengamos mas difícil será decidir cual
utilizar, y mas difícil será buscar una determinada pieza, por lo que la utilidad
de la pieza para nuestros sets es fundamental, que sea realmente pinchable, y
que lo podamos hacer en el contesto adecuado, no por mucho que nos guste el
techno vamos a descargar miles de canciones de techno, si por desgracia no
pinchamos ese genero habitualmente.

5. El Genero; lo mas lógico y practico cuando tenemos una colección muy extensa,
es organizar por décadas o años, y dentro de estos los incluir los géneros y
subgéneros musicales que se vayan sucediendo con el paso del tiempo.


Formato y Almacenamiento

o Audio Analógico y su organización

! El vinilo
! La cinta de casette
! Cd, DVD, Minidisk.

El formato.

Ya sea vinilo, cinta de casette, CD o DVD, el formato físico lleva implícito disponer de
un espacio destinado para la organización ya sea mediante maletas de discos,
caseteras de cds, o estanterías destinadas a este menester. Según sea de grande
nuestra colección, necesitaremos mas o menos espacio y diferentes soportes de
almacenamiento, los mas socorrido es tener todo el material organizado en
estanterías, organizadas a su vez por criterio temporal, décadas años, y a su vez por
géneros con sus correspondientes separadores, cuanto mas se vaya complicando la
colección aumentando su volumen, podemos seguir sub dividendo por géneros y sus
atributos musicales, tales como, musical vocal, musica melódica, musica percusiva, las
bpm, el país de procedencia etc, etc.

Al final si la biblioteca se nos va de las manos, y vemos que nos hemos juntado con
10.000 vinilos lo mas sencillo es crear un catalogo o fichero de Excel que reúna la
ordenación musical que hemos creado asignándole un lugar dentro del espacio físico
de nuestra biblioteca.

Ejemplo: Década de los 90 / 1998 / House vocal ingles / 3ª estantería / 4ªaltura
primera casilla de la derecha.

o Audio digital
! Organizando el espacio: el método
! Los Tags

Si por el contrario nuestra biblioteca es en formato digital, lo tenemos algo mas fácil,
un ordenador con un disco duro de gran capacidad uno o dos teras, o incluso un disco
duro externo, nos lo harán todo mas sencillo, pudiéndolo organizar los tracks en
carpetas dentro del ordenador, pero de igual manera que en una biblioteca física solo
que teniéndolo mucho mas a mano y con muchas mas facilidades a la hora de
encontrar los archivos gracias a los software de catalogación musical, tipo iTunes,
RekordBox, Tracktor, Serato etc. Aquí entran en juego lo que denominamos etiquetas
o Tags, y que veremos ampliamente en próximos capítulos.


La organización de una colección digital en un ordenador no es difícil pero tiene su
método, hay que tener en cuanta el formato de audio en el que estén nuestros
archivos Wav, Mp3, Aiff etc ya que dependiendo del formato así ocuparan mas o
menos espacio en nuestro disco duro.

No es lo mismo tener toda una colección musical de archivos sin perdida o masters en
formato wav o aiif y que ocuparan mucho mas espacio en nuestro disco duro, que
tener la colección en formato Mp3 a máxima calidad 320 KB con la que podemos hasta
triplicar la capacidad de almacenamiento de archivos en dicho formato, sin que
aparentemente haya demasiada diferencia entre un formato y otro (aunque si la haya
realmente, pero solo para oídos expertos y entrenados).

En segundo lugar debemos de tener cuidado con donde ordenamos. Evidentemente va
ha ser dentro del ordenador, ya ser Mac o PC. Lo que la mayoría de la gente no tiene
tan claro es donde, pero es bien simple. Basta con echar un vistazo a la mayoría de
ordenadores de nueva generación y con eso me refiero a 10 año para atrás, y observar
que hay carpetas predefinidas o carpetas raíz, encontramos dos en particular con el
nombre de Musica e Imágenes que son de nuestro interés; esas carpetas están así
predefinidas para almacenar todo tipo de archivos de audio, y todo tipo de imágenes.

La ventaja que tiene ordenar los correspondientes archivos en dichas carpetas es
fundamental, cuando el ordenador hace una búsqueda detallada de archivos, mira
primero en las carpetas pre asignadas, por lo que si buscamos archivos de audio, los
encontrara con mucha mas facilidad y rapidez si están ordenados en su directorio
correspondiente, la carpeta raíz de musica en el ordenador. Allí encontraremos
tambien las carpetas de los programas relacionados con cualquier archivo de audio, po
ejemplo RekordBox, Cubase, Logic etc.

Una vez en la carpeta raíz de Musica, viene la labor de ordenación según nuestros
criterios de catalogación de mas generales, dejando los mas específicos para el
software con el que posteriormente trabajaremos.

• Lo primero será definir el nombre de nuestra colección, dentro ya de la carpeta
de musica, por ejemplo “Musicón”.
• Dentro de esa carpeta ya podemos definir criterios de catalogación los mas
generales, década si pinchamos musica de todos los géneros y épocas, o año si
queremos concretar un poco mas. Dentro de año podemos hacer una
clasificación mas detallada aun por meses, para tener un control mas
exhaustivo de la música.
• Por ultimo introducir dentro del año o mes en curso los géneros musicales que
vayamos a utilizar con mas asiduidad, pudiendo concretarlos con algún atributo
para distinguir entre temas vocales, melódicos, instrumentales, clásicos,
capellas, intros etc.


A partir de esta dinámica de organización, realizaremos la misma operativa siempre.

1. Descargar la musica en la carpeta de descargas.
2. Organizarla en nuestras carpetas correspondientes en el ordenador.
3. Añadir la musica al software de gestión musical, iTunes, Traktor, Rekord Box…

MUSICA (PC)

MUSICON

DECADA DE LOS
2018 CLASICOS CAPELLAS
90

ENERO

HOUSE
HOUSE VOCAL HOUSE
MELODICO

HOUSE HOUSE
PROGRESIVO PROGRESIVO VOCAL

HOUSE TRIBAL
HOUSE TRIBAL
VOCAL

TECHNO
TECHNO
MELODICO

MINIMAL
TECHNO

HARD TECHNO
HARD TECHNO
DETROIT


Empezamos la ordenación desde la raíz musica y vamos bajando rellenando las
carpetas con la musica descargada, aquí es cuando entra en juego el software de
catalogación para tener en una sola vista todas las carpetas con los tracks como listas
de reproducción y sin tener que ir navegando entre subcarpetas.

Desde las carpetas, del ordenador, añadimos los tracks a nuestras listas de
reproducción en el software de gestión cuyas listas de reproducción llevan el mismo
nombre que las carpetas.

Una vez en desde el software podemos crear nuevas listas, carpetas y mover archivos
a nuestro antojo sin miedo a perder ninguno ya que el programa con lo que trabaja es
con las rutas de los archivos pero sin modificar la localización del archivo de audio
original.

Otro de los métodos quizás mas sencillo y actualizado es hacer lo mismo pero
directamente desde el software de gestión dejándole al propio software a ordenación
de los tracks en sus carpetas correspondiente según su criterio, ya que hace una copia
del archivo original que hemos descargado, y de esta manera podemos borrar el
original para que no se nos duplique y nos ocupe el doble de espacio.

1.1 Criterios definitorios de la colección musical:

Como venimos repitiendo es imprescindible para cualquier video Deejay mantener
organizada su colección musical, para poder ejercer su profesión de forma profesional
y efectiva. Esa colección puede estar estructurada según diferentes aspectos:

Generales: Artista, titulo, genero, año de lanzamiento etc.

De composición: Bpm, tonalidad, estructura, compas etc.

Personales Favoritos, horas, características personales

Atributos Características propias de la canción según su
desarrollo y sus elementos de composición.

Todos estos aspectos componen muchos de los criterios de organización de la
biblioteca, y los podemos tener en cuanta a la hora de organizar nuestra biblioteca
tanto físicamente como en formato digital o mediante un software. Por supuesto estos
criterios son los mas generales y podemos ampliarlos o reducirlos según nuestras
necesidades.


Criterios Descripción

Titulo Nombre o titulo de la pieza musical

Autor Autor o autores de la pieza musical, mediante su verdadero
nombre, aka, apodo o nombre de agrupación.

Versión Tipo ve versión de la pieza musical, original, remix, edit, radio
versión, versión acústica, dub versión, instrumental versión etc.

Álbum Titulo de una agrupación de temas de un mismo artista o grupo
bajo un determinado formato.

Sello discográfico Entidad por la que se publica de forma comercial, un tema, un
release, un álbum o un recopilatorio enfocado a la venta al
publico. Es importante porque suelen delimitar bastante el
genero musical al que se dedican.

Genero Genero, sub genero, corriente estilo musical, cuanto mas
definido mejor para hacer la sub división lo mas correcta
posible.

Año de edición Año de publicación del álbum, track etc.

Año de inclusión Año de inclusión del track, álbum etc, en nuestra biblioteca
musical.

Década Década a la que pertenece el track, 80´s, 90´s, 2000 etc.

Bpm Velocidad a la que esta producida la pieza musical, y poder
encontrar así, similares.

Tonalidad Fundamental para selección musical de las mezclas en armónico,
y la realización de remixes, mushups.

Tipo de archivo Formato del archivo, mp3, mp4, wav, aiff etc.

Origen Origen del archivo, pagina web, archivo promocional,
intercambio etc.

Valoración Puntuación del 1 al 5 de las piezas musicales según nuestro
criterio, facilita la identificación de piezas según su calidad y
efectividad musical, hits etc, o el rango horario para ponerlas en
nuestros sets, 1ª hora, main hour, cierre etc.

Duración Duración temporal de las piezas musicales.

Comentario Comentarios que faciliten la identificación de los tracks, o como
pincharlos, peculiaridades, etc..

Formato Wav, Aiff, Mp3, Mp4, Acc.

Tools Efectos de sonido, loops, Stems,

Intensidad La intensidad que nos transmite la canción, alta, muy alta,
media, relajación, etc, viaja de la mano del estado de animo que
nos trasmite tambien la canción.

Hit Temas que sean autentico bombazos y que hacen bailar a todo
en mundo por la característica que sea, popularidad, intensidad
etc.

Atributo Según la producción musical del tema, sus atributos
característicos, tema melódico, vocal, instrumental, arpegiado.

Atributos

Vocal Cantada Melódica
Vocal Hablada Melódica instrumental
Vocal Rapeada Instrumental
Vocal Melódica Percusiva
Étnica Electrónica
Experimental Atmosférica
Horario Tools
Efectos Acapellas
Breaks Drop
Dub BPM
Tonalidad Compas


Técnicas de catalogación informatizada aplicadas a los materiales musicales
utilizados en sesiones de animación musical, en función de metadatos y referencias
universales. Las etiquetas o “tags”.

Los metadatos, son campos de información o etiquetas (tags) que se añaden a los
archivos digitales de audio y contienen además de sonido en formato digital
información acerca de la grabación musical, son tales como autor, nombre de la
canción, género musical, álbum al que pertenece, fecha de lanzamiento. Etc. Esa
información se almacena dentro del propio archivo, y hay veces en las que es posible
editarla, pero otras veces no como es el caso del formato de grabación, o el ratio de
beats.

Esos datos suelen colocarse al principio de del archivo dentro de un pequeño formato
contenedor que leen las diferentes aplicaciones de audio y los reproductores de audio
digital.

El mas utilizado es el formato estándar ID3, que fue creado con posterioridad al MP3
en el año 1996 por Eric Kemp. El estándar ID3 fue creado por la necesidad de ordenar
la música y disponer de información relevante para su clasificación, el evidente éxito
de este estándar ha hecho que haya perdurado hasta hoy sufriendo diversas revisiones
que han mejorado y ampliado su capacidad de clasificación.

En su primera versión el formato ID3 apenas permitía incluir el artista, nombre de la
canción, álbum, año de lanzamiento, un comentario y el género musical (mediante un
código numérico), y todo ello con una longitud de no más de 30 caracteres ASCII. Las
revisiones que ha tenido el ID3 han permitido ampliar el etiquetado de hasta 35
campos predefinidos de información sin límite de caracteres, uso de caracteres
Unicode, así como añadir etiquetas personalizadas por el usuario, imágenes, letras de
canciones.

Los programas que vamos a ver a continuación tienen la facultad de editar esas
etiquetas y de mostrarnos la música en listas ordenadas en función de ellas.

Para el correcto uso de un editor de etiquetas debemos tener en cuenta los siguientes
aspectos:

• Escribir perfectamente y sin ningún tipo de error los nombres de los artistas o
bandas y escríbelos siempre de la misma manera, no escribas una vez “The
Beatles” y en la siguiente “Beatles”.

• No todos los programas emplean todos los tags. Por ejemplo iTunes no lee el
tag Key (tonalidad) y Serato no lee el tag Puntuación (Rating).

• Si pinchas diferentes géneros musicales procura utilizar el tag Género. En unos
programas es una lista desplegable, no todos los programas tienen la misma
cantidad de géneros para elegir, en otros programas puedes escribir cualquier
cosa (Serato).

• Procura utilizar el tag fecha de lanzamiento o si no tienes el dato completo por
lo menos el tag año Es muy útil de cara a clasificar música al igual que la fecha
de inclusión en tu librería para tener los tracks ordenados de mas reciente a
mas antiguo (importantísimo y de mucha utilidad)

• Los programas que manejan grandes cantidades de música, como iTunes,
Traktor, Serato... al margen de los tags de los archivos de audio, generan sus
propias bases de datos, librerías con la info que leen de los tags, tanto la
primera vez que cargan los archivos como con las sucesivas modificaciones que
puedas ir realizando. Ten en cuenta que si modificas un tag desde un programa
externo al habitual, quizá el cambio no se refleje en tu programa habitual hasta
que no hagas que el software relea los tags del archivo y actualice su librería.

• Cuando desde un programa añades tags a un archivo de audio que no soporta
el formato ID3, como por ejemplo los archivos .WAV, la información queda
guardada únicamente en la base de datos del programa.


Software digital de catalogación musical.
ITunes: estándar del mercado.

• Operativa
• Listas de reproducción
• Listas Inteligentes
• Carpetas con Listas de reproducción
• Opciones de visualización
• Edición de tracks
• Copias de seguridad

iTunes es un software gratuito de catalogación musical para Mac y Pc con una

base de datos compatible con prácticamente con cualquier programa de DJ profesional,
tanto Traktor, como Serato o Rekordbox, así que todo lo que tengas en iTunes, tu
música, carpetas y tus Playlist, podrás tenerlo en tu programa favorito para mezclar
exactamente de igual manera. Eso quiere decir tambien que puedes cambiar de
programa para pinchar y no te supondrá ningún problema ya que la base de datos
principal de tu música estará en iTunes y no en el programa que empleabas para
pinchar.


ITunes admite todos los soportes de audio, wav, aiff, mp3, mp4, acc, a excepción del
formato Flac, además tiene la opción de optimizar la capacidad de almacenamiento de
la biblioteca en el rodenador convirtiendo archivos sin compresión al formato que el
utiliza por defecto, mp4, o al formato deseado incluida la calidad de audio que
deseemos, esto lo podemos hacer desde:

Preferencias / General / Ajustes de importación, aquí elegimos el formato de
importación y en / Personalizar, la calidad.

Teniendo en cuanta estas premisas generales, vamos a configurar iTunes para sacarle
el máximo rendimiento.

Copiar en iTunes Media los archivos añadidos a la biblioteca.

Esta opción no debe marcar porque servirá para centralizar en un único lugar toda tu
música según el criterio de organización de iTunes, ya que deberíamos ser nosotros
quienes decidiéramos como y donde organizar nuestra música. Independientemente
de donde hayamos descargado nuestros archivos musicales ya sean ripeados de un
vinilo, descargados de Beatport o los hayas recibido en forma de promo, en el
momento en que se reproducen con iTunes pasan a ser copiados en iTunes Media,
donde se genera una copia del original, siendo esta copia lo que se reproducirá cada
vez que demos al play. Por lo que se plantea un problema, la duplicación de archivos,
los originales descargados de internet y las copias que realiza iTunes, así que si no
queremos que esto ocurra y que nuestro disco duro tenga una vida mas larga no
deberíamos marcar esta casilla nunca, a no ser que utilicemos la ordenación sugerida
por iTunes y borremos las descargas originales utilizado solo las copias que realiza el
programa en iTunes media.

Mantener organizada la carpeta iTunes Media:

Esta casilla es opcional marcarla o no. Marcarla significa que todo el contenido de
iTunes Media, ya sea el que se ha copiado por reproducirse en iTunes o el que hayas
comprado en iTunes Store se organizará automáticamente en carpetas por nombre de
artista o banda y nombre de álbum, el nombre de los archivos se modificará y será el
nombre de la canción, y si hay un orden establecido de canciones dentro de un álbum
se añadirá un número al nombre del archivo. Esto tiene una ventaja y es que de
manera automáticamente todos los archivos están perfectamente clasificados por
carpetas, pero una desventaja, y es que si modificas desde iTunes el nombre del artista
o de la canción se modificará el nombre de la carpeta o del archivo, lo cual hará que
cambie su ubicación en el disco duro y que otros programas no puedan encontrarlo.
Por ejemplo, supón que agregaste un Playlist de iTunes a Traktor con una canción de
Richie Hawtin, tras añadir el Playlist a Traktor, en iTunes modificas el autor de la
canción a “Hawtin” a secas. Esto haría que iTunes cambiara el nombre de la
subcarpeta en el que está la canción, haciendo que Traktor no la encontrara la próxima
vez que desde Traktor trataras de reproducirla.


Compartir el XML de la biblioteca de ITunes con otras aplicaciones.

Aquí esta la gran ventaja de iTunes frente a otros programas de catalogación,
marcando la casilla de compartir el XML de la biblioteca de ITunes con otras
aplicaciones, el programa permite a nuestras aplicaciones de DJ que detecten la
colección musical y la puedan utilizarla tal y como la hemos ordenado, a partir de ahí,
podemos crear nuestras propias carpetas, carpetas inteligentes y listas de
reproducción simplemente con un clic y arrastrando los temas de una carpeta a otra
sin que se muevan los archivos originales.

Selección de etiquetas ID3.

Para seleccionar las etiquetas que queramos que aparezcan en las canciones de
nuestras listas de reproducción, solo tenemos que ir al menú visualización / opciones
de visualización y se desplegara un meno donde elegiremos en numero de etiquetas
que nos sea necesario para definir nuestra colección.


Una vez que hemos elegido las etiquetas, para editar los metadatos de cualquier lista
de reproducción, directamente hacemos doble clic sobre el metadato para editarlo, o
bien pulsamos con el botón derecho del ratón sobre el nombre de la canción y
seleccionamos “Obtener Información”, en la ventana emergente seleccionamos la
pestaña “Información” y ahí podemos editar los metadatos más frecuentes.

Si en el listado de canciones no podemos ver las columnas de etiquetas que nos
interesan o vemos unas que no nos sirven, podemos activar o desactivar columnas
pulsando sobre el título de cualquiera de ellas con el botón derecho del ratón y se
desplegará un menú con todo el listado de tags que maneja iTunes. También podemos
modificar el ancho de las columnas para adaptarlo a nuestro gusto y tamaño de
pantalla colocando el ratón sobre las líneas que separan los títulos de las columnas, al
cambiar el icono del ratón hacer clic y arrastrar la línea.


Intenta como mínimo tener siempre correctamente editados los tags de Nombre,
Artista, Álbum y fecha de lanzamiento o inclusión, procura tambien conseguir la
ilustración del release, si está disponible en la tienda de iTunes, y asegúrate de que el
nombre de artista y del álbum están bien escritos (es lo que usa iTunes para identificar
la ilustración), pulsa sobre el botón derecho sobre la canción y elige “Obtener
Ilustraciones de los Álbumes”. Si recibes un mensaje de error siempre puedes tratar de
obtener la ilustración en otros portales como Beatport o Discogs.

Para añadir la portada al archivo de audio, ponte sobre la canción, haz click con el
botón derecho en la ventana emergente de “Obtener Información”, y veras la pestaña
de “Ilustración”, arrastra cualquier archivo de imagen que quieras emplear y se
añadirá automáticamente.

Las ilustraciones de los lanzamientos discográficos nos ayudan visualizar la canción
mientras se reproduce el tema en los cds y en los software para djs, muchas veces se
asocia la portada a la canción, ayudando a recordar esta en un momento dado en que
la necesitamos para reproducirla.


De entre todas las etiquetas solo hay una muy útil a la hora de pinchar manteniendo la
armonía de los temas (mezclar en armónico) que no soporta iTunes, esa etiqueta es la
de Key o tonalidad, así que aunque tus archivos tengan el tag con la tonalidad, esta no
se podrá visualizaren iTunes, y mucho menos modificar esa información.

Listas de reproducción en iTunes.

Las listas de reproducción o Playlist, son listados de musica con una selección de temas
agrupados según los criterios de selección que te hayan parecido oportunos.
Generalmente se usan para agrupar la música de un determinado género, artista, bpm,
o según la fecha de publicación o inclusión en la biblioteca.

Es muy recomendable crear listas con los lanzamientos de un determinado género, y
dentro de este play list indicarle la etiqueta de fecha de inclusión para tenerlo
organizado por mes y año.

A parte le podemos otorgar puntuación, para indicarle dos cosas: su franja horaria
dentro de la sesión, o nuestra preferencia en mayor o menor grado por ese track.

Una lista con los hits (llámala... “Hits”) relativamente actuales que no fallan en la pista,
nos puede salvar de una catástrofe en un momento de indecisión cuando no sabemos
que poner, al igual que una lista con los clásicos mas aclamados de los últimos 4 o
años.

Podemos crear determinadas listas de reproducción con el nombre de los clubes
donde vamos a pinchar y seleccionar la musica mas adecuada para ese bolo.

Crear listas, para ello pincha en el menú superior / Archivo / crear lista.

El programa abrirá una lista vacía en la parte izquierda donde debemos ir arrastrando
toda la música que queramos incluir en ella. En la parte superior de ese espacio
debemos escribir el nombre de la lista y si una vez finalizada queremos añadir más
archivos, podemos elegir la lista a modificar y en la zona superior derecha pinchar en
“Añadir”. También podemos añadir en cualquier momento los elementos que
queramos a una lista si tenemos abierta la barra lateral, / Visualización / Mostrar barra
lateral / y en todo momento podremos ver las listas en la parte izquierda y arrastrar a
ellas canciones.
Si queremos fusionar varias listas solo hay que arrastrar una sobre otra, el contenido
de la primera se añadirá a la segunda.

Y por ultimo cada lista de reproducción la podemos configurar para visualizar
distintas columnas de etiquetas según nuestras necesidades.


Las listas inteligentes son aquellas cuyo contenido se añade automáticamente de la
biblioteca siempre que las etiquetas de ese contenido coincidan con unos criterios de
búsqueda indicados previamente.
Pulsando en el símbolo “+” de abajo a la izquierda elegimos crear una “Nueva Lista
Inteligente”, se abrirá una ventana para indicar las reglas de selección. Las reglas de
selección son condiciones que debe cumplir el texto de las etiquetas que
seleccionemos, por ejemplo podemos elegir dos etiquetas la de Artista , con el nombre
de David Guetta y la de año de edición “es superior a” y en el cuadro de texto escribir
2009, lo que serviría para que se creara una lista en la que se añadiera
automáticamente todo el contenido musical de David Guetta posterior al año 2009.
Podemos incluir múltiples criterios pulsando en el botón “+” que hay a la derecha del
primer criterio añadido y limitar el número de resultados con una opción que hay un
poco más abajo.

Las carpetas de listas de reproducción, son el último ítem que se puede generar con el
botón inferior izquierdo, “+”. La carpeta generada es un contenedor de listas de
reproducción útil para organizarlas. Dentro de una carpeta podemos ubicar otra u
otras. Software como Serato o Traktor reconocen sin problemas estas carpetas, y
pueden visualizarlas como contendores de otras listas.


Copia de seguridad en iTunes

Otra de las ventajas de iTunes, es que si necesitamos una copia de seguridad de todo
el trabajo que hemos realizado con el programa, podemos realizarla a traves del
servicio de pago iTunes Match, este realiza una copia de seguridad online de toda tu
librería, incluyendo música y listas.

La biblioteca de Match la podemos descargar en otros ordenadores, y trabajar con ella
cualquiera de ellos, para transferir las modificaciones que hagamos solo debemos
elegir Store / Actualizar iTunes Match / y el programa transferirá al servidor las
modificaciones de etiquetas, listas o inclusión de nuevos archivos.

Una vez terminado el proceso de ordenación, edición de etiquetas, creación de Playlist,
carpetas y demás, ya estamos en condiciones de comenzar a pinchan mediante
nuestro software favorito, y utilizarlo para hacer una ordenación mas especializada
con criterios mas técnicos propios del arte del DJing.

Consejos finales

Compra la musica no la piratees.

No incluyas etiquetas con el guión bajo “_” en sustitución del espacio en blanco, es un
error muy común y puede arruinar búsquedas posteriores.

Emplear inteligentemente la etiqueta de Comentario. Además de para incluir la
tonalidad, puedes usarlo para muchas más cosas simultáneamente. Muchos DJs lo
emplean para escribir el momento de la sesión en el que es mejor pinchar el tema,
otros anotan alguna advertencia respecto al tipo de sonido de la canción o su
estructura. Es una etiqueta muy versátil a la hora de su correcta utilización.

Si utilizas unidades externas para hacer tus copias de seguridad empléalas únicamente
con este fin, y absolutamente para nada más..

Si estás pinchando profesionalmente elimina toda la información de las webs de
descargas sean las que sean, evitará que quedes muy mal frente a otros compañeros
de cabina.


Alternativas a ITunes

• Songbird
• Media Monkey
• Double Twist
• Clementine
• Spotify

Sabemos que ITunes es uno de los mejores programas para la ordenación de nuestra
biblioteca musical, para ello no tenemos que ser profesionales de la musica, ¿quien no
tiene musica en su ordenador por el mero hecho de disfrutarla?, y no ha todo el
mundo le gustan los programas desarrollados por Apple, aunque en este caso ITunes
sea Multi plataforma. Por ello hay varias opciones si no queremos dejar nuestra
biblioteca musical en manos de los de la manzana.

1. Songbird

La primera de estas alternativas es Songbird. En ciertos sentidos es muy similar a
iTunes, pero es mucho mas intuitivo y rápido. Está disponible tanto para PC como para
Mac, aunque también hay una versión para Linux. Su valor reside en su simpleza: con
SongBird tenemos un programa completamente intuitivo en el cual ya somos expertos
simplemente con abrirlo.

Con este programa podemos crear listas de reproducción, organizar nuestra música de
según nuestros diferentes criterios, crear grupos, o sincronizar las canciones entre
múltiples dispositivos. Por ultimo destacamos la posibilidad de personalizar su diseño,
con cambios de colores y skins.
2. Media Monkey

Este programa ya sea en su versión gratuita, o de pago, nos ofrece la identificación de
canciones con sus correspondientes portadas, etiquetado con diferentes soportes,
listas de reproducción organizadas, sincronización con el disco duro cuando se hacen
nuevos cambios en la biblioteca musical, y posibilidad de descarga de música y podcast.
Podemos destacar su conectividad al poder conectarlo al televisor o con otros
dispositivos con soporte DLNA.

3. Double Twist

Disponible para Windows y Android, Es un gestor multimedia dado que nos permite
visualizar y gestionar las fotografías videos y canciones, que tengamos en la PC, no
consume muchos recursos del ordenador a la hora de reproducirse y uno de sus
valores diferenciales reside en su aplicación móvil, como dijimos disponible para
Android y soporta una variedad impresionante de formatos. Con AirSync, además,
podemos sincronizar nuestra biblioteca musical entre dispositivos y hacer streaming a
TVs, Apple TV, XBOX y Playstation 3.

4. Clementine

Potente administrador disponible tanto para Windows como para Mac. Con
Clementine podemos escuchar y administrar toda nuestra biblioteca musical, pero lo
realmente interesante es que además podemos escuchar canciones de fuentes online,
como pueden ser Spotify o Last.fm.
5. Spotify

De entre todas las aplicaciones y programas, creo que es la que mas daño ha hecho a
iTunes con diferencia, es una aplicación multiplataforma vía streaming para la
reproducción, y organización de tu biblioteca musical, seleccionada directamente
desde Spotify, no admite la inclusión de temas que no estén en sus colecciones. Tiene
un versión gratuita con publicidad y una versión Premium de pago. Te permite crear
tus propias listas de reproducción, escuchar las que te ofrece el programa o escucharlo
en modo radio.

El problema de iTunes es que al aplicarlo al DJing, no permite detectar la velocidad ni
la tonalidad de las canciones así como no nos permite hacer marcas, cues, o loops por
lo que tenemos que salir de el para finalizar y complementar la información de nuestra
colección. Todas las que vamos a ver a continuación son compatibles con ITunes
mediante la activación del archivo XML ofreciéndonos en mayor o menor medida
diferentes funciones para aplicar a la catalogación de nuestros archivos de audio.


Software especifico de catalogación musical para Djs. RECORD BOX.

Este software nativo de la casa Pioneer, ha sido el ultimo en llegar al mercado pero ha
tardado muy poco en hacerse con el dominio generalizado dentro de los programas de
ordenación de bibliotecas para catalogación de archivos de musica electrónica
mediante play list. Su ventaja es que permite la ordenación, catalogación y edición de
tracks para los todos los modelos de reproductores de Pioneer sin tener porque
tenerlos físicamente, basta tener es software de descarga gratuita bajo licencia para
poder ordenar toda tu biblioteca y llegar luego al club y que la lea con todas tus
etiquetas, puntos de cue etc. Es un programa de gestión musical y preparación de
sesiones. Hay que entender que esta aplicación no sirve para pinchar como si fuera
Traktor o Serato. Rekordbox sirve para gestionar tu música, analizar, clasificar Playlist
o aplicar puntos de cue, Hotcues o cues en modo Loop.
A continuación describiremos de manera practica su configuración interna, y su uso en

compatibilidad con cualquier reproductor de CDJ de uso profesional.

Descarga, registro e instalación.
Configuración interna.
Funciones básicas y avanzadas
Modo reproductor – Modo Mixer.
Browser: Etiquetas, Play List, ITunes etc.
Grabación de CUES, HOT CUES, LOOPS, CUE MEMORIES
Ajuste del Grid.
Compatibilidad con ITunes
Exportación de archivos a dispositivos USB externos.
Exportación de configuración del dispositivo de reproducción.


PROCESOS DE AUDIO: conversión a otros formatos, normalización, fundido y edición
de archivos. (Operativa en Secuenciadores)

El estado de nuestro archivos de audio es fundamental para realizar nuestro trabajo
dentro de un contexto profesional que nos exige el dominio de unas determinadas
herramientas para sacar el mayor rendimiento y la máxima calidad a nuestras
canciones. Se pre supone que como profesionales del sector utilizaremos siempre que
se pueda los formatos de máxima calidad como son en primer lugar el WAV o AIFF o
en su defecto y debido al gran peso de estos dos anteriores, el formato MP3 320. Por
ello deberemos ser capaces de dominar la conversión de unos formatos a otros
utilizando software de edición de audio profesional, en nuestro caso utilizaremos para
ello cualquier secuenciador profesional del mercado..

Tambien se supone que estos archivos han sido grabados a máxima calidad para su
optimo rendimiento pero cuando esto no sea así, o necesitemos de alguna
determinada característica especial de estos archivos deberemos ser capaces de
realizar una edición precisa del material de audio.
Estos procesos de edición de audio básicos los podemos describir en:

Normalización: Podemos describir la normalización de audio como la aplicación de una
cantidad constante de volumen a un archivo de audio para llevar la amplitud de pico a
un nivel objetivo optimo (0 Dbs). Esta se aplica comúnmente a archivos bajos de
volumen para optimizarlos y equipararlos al resto de grabaciones de nuestra biblioteca,
sin entrar en procesos de dinámica.

Fundido (Fade IN-OUT): los procesos de fundido consisten en regular la cantidad de
volumen de audio de un archivo generalmente de menos a mas es decir del silencio a 0
Dbs o a la inversa, según nuestras necesidades.

Corte: uno de los procesos fundamentales en la edición de audio es el corte y pegado
de archivos o fragmentos de archivos sonoros para la preparación de nuestras piezas
musicales, en este caso debemos tener en cuanta para llevar a cabo estos procesos, la
elección de herramientas adecuadas en nuestro software de edición, teniendo en
cuanta varios factores fundamentales:

• Búsqueda de puntos de corte adecuados.
• Procesos de corte por 0 Dbs.
• Utilización del zoom para la máxima precisión de la operación.
• Uso del Grid como herramienta para la manipulación del audio según el punto
de corte.
• Borrado de fragmentos desechados o innecesarios.
• Y el pegado de los fragmentos finales seleccionados.

5. Caracterización de los estilos musicales contemporáneos desde el siglo XX

1.1 Mapa sonoro de la musica contemporánea siglos XX y XXI . Antecedentes.

El concepto de música contemporánea se aplica a la música académica o docta creada
desde el siglo XX hasta hoy. Sus inicios se remontan a tres décadas antes cuando
autores como Edgard Varese, Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg, Anton Webern y
Alban Berg plantearon cambios radicales sobre los conceptos de armonía, melodía y el
ritmo. Es la época del expresionismo musical, la atonalidad, la dodecafonía y el
neoclasicismo.

A fines de los años 40, una nueva generación continúa con esas tendencias, dando
origen a los cambios más rápidos y progresivos que ha conocido la historia de la
música occidental. Se cuestionan la naturaleza de la música, la notación, los actos de
composición e interpretación y el lugar de la música en la sociedad.

En los países europeos se prefiere el término “new music” y bajo ella surgen corrientes
como el serialismo integral, la música aleatoria, la música concreta, la música
electroacústica, la electrónica y el minimalismo. Es por ellos que el siglo XX se
caracteriza por la rapidez con que se suceden los estilos musicales, y por
la coexistencia de distintas concepciones sobre la música. La cultura y el arte reflejan el
carácter convulsivo de los tiempos que se avecinan y los estilos clásicos conviven y se
fusionan con las nuevas tendencias creando nuevos géneros.


1.2 Géneros.

El Jazz, El blues, El Rhythm blues, El Soul, El Funky, El Disco, El Hip Hop, El Rock, El
Punk, El Country, El Pop, El Reggae.

• Orígenes-Raíces y desarrollo
• Características musicales
• Influencias y marco social
• Artistas Pioneros y destacados
• Sub Géneros

Toda esta vorágine de nuevos estilos, corrientes musicales y géneros de la musica
contemporánea o moderna, que deja atrás la musica clásica, no tiene sentido sino
tenemos claro los estilos que conforman la base de la musica contemporánea actual y
estudiamos sus principales características, donde se originaron, como evolucionaron,
quienes fueron sus precursores y como nos han llegado hasta hoy.

Es por ello que vamos a repasar las nociones básica e imprescindibles de cada uno de
los estudios citados anteriormente y ya que somos Djs, vamos a distinguir entre la
musica contemporánea mas masiva y comercial que llega a todo tipo de públicos (pop,
rock, blus, soul, hip-hop etc.) y voy a sacar de esa clasificación a la musica electrónica
para tratarla en un apartado a parte como se merece

Mapa sonoro de la musica contemporánea siglo XX-XXI


EL JAZZ

Según la creencia mayoritaria, el Jazz nació en Nueva Orleans entre los años 1895 y
1920, aunque no esta datado con exactitud, ya que muchos otros mantienen que
nació más o menos simultáneamente en distintos lugares de los EEUU e influido por
muchas corrientes: la música religiosa, la antigua música folklórica norteamericana, la
música de los Minstrel Shows (músicos con cara teñida de negro en vaudevilles),
canciones y danzas de esclavos de origen africano, piano del ragtime, y bandas las
ambulantes.

El continente africano hizo una gran aportación al jazz, al hacerlo un estilo de música
libre; muy rítmico, y con mucho swing, (la emoción e intensidad con que la que
interpretan su música folklórica los africanos y que tomo posteriormente en el jazz
como seña principal de identidad).

En el nuevo mundo hicieron suya la armonía y el concepto de la forma en la musica
occidental y condensando las ideas de la musica africana junto a la europea, dando un
nuevo estilo musical que puede ser denominado afroamericano, donde acaban
predominando las escalas europeas pero interpretadas con un profundo estilo swing.

La música que se alejaba de la clásica occidental, no se leía, brotaba de dentro, no se
copiaba, se producía en cada momento y contaba mucho la implicación de los
intérpretes. En un primer momento el instrumento más importante, además de todo
tipo de percusiones con instrumentos caseros, fue el banjo el más popular en los
orígenes fue el de 4 cuerdas, llamado hoy tenor. Fue usado mucho en las primeras
bandas de jazz, después se abandonó y en los 70 volvió a adquirir prestigio.

El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de se derivan
de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos, con tres
elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea:

1. Una cualidad rítmica especial conocida como el swing que es la "sensación" rítmica
creada por la interacción entre los intérpretes de la banda, especialmente cuando la
música se vive con el movimiento impulsivo de pies o de cabeza.

2. La Improvisación (En música, improvisar, es cuando ya no se puede aceptar las
condiciones de crear una melodía con un carácter propio tomando como referencia
una idea o modelo que el músico ha escuchado o imaginado previamente.

3. Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.

Durante los últimos dos siglos, el jazz ha pasado de ser una simple música para bailar,
celebrar, y medio de protesta popular, a una prestigiosa forma de arte con
reconocimiento mundial. Las actitudes hacia este tipo de música han pasado de ser
música de salvajes, a destacado modelo de expresión artística.


La historia del Jazz siempre ha estado marca por la innovación y la tradición de forma
paralela lo que ha provocado que sus artistas hayan buscado por una parte una
audiencia exclusiva y minoritaria por la rama mas innovadora, y un jazz para todos
desde la parte mas tradicional.

Los rasgos de identidad musical del jazz son muy complejos y difíciles de describir, ya
que el jazz es en realidad una familia de géneros musicales que comparten
características comunes, por lo tanto hay muchas ramificaciones que nunca convergen
en un todo unitario. Sus diversas funciones sociales (puede servir como música de
fondo para reuniones o como música de baile, o como musica ecléctica y de culto) lo
hacen muy universal; y el problema racial siempre ha estado presente desde el punto
de vista de toda la sociedad en general. Aun siendo un producto propio de la cultura
afroamericana, ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y
ejecutado por músicos de todas partes del mundo con diferentes tipos de
interpretaciones y trasfondos culturales. .

EL JAZZ

LUGAR DE ORIGEN Nueva Orleans, USA

FECHA Entre 1895 y 1920 aprox.

DESARROLLO: Apogeo entre 1920 y 1970 aprox, y hasta la
actualidad.

CARACTERISTICAS MUSICALES Alejamiento de la música clásica occidental.
Adopta su armonía y forma, predominando las
escalas europeas
Se caracteriza por su swing, se improvisa no se
leía, ni se copiaba, y se interpreta de forma
distinta cada vez.

INFLUENCIAS SOCIALES: El jazz puede servir tanto como música de fondo
para reuniones o como música de baile.
El tema racial siempre ha estado presente y ha
generado un profundo debate.
Siempre ha sido denominado música negra
porque en sus orígenes mas ancestrales, era
tocada por los esclavos negros en las plantaciones
de algodón para liberarse (entre comillas) de su
esclavitud.
RAICES MUSICALES: Tiene su origen en la música religiosa, la antigua
música folklórica norteamericana, la música de los
minstrel shows y las canciones y danzas de
esclavos de origen africano.

INFLUENCIAS MUSICALES Abierta a influencias de otras tradiciones
musicales, y ejecutado por músicos de diversas
partes del mundo con un trasfondo muy
diferente.
INSTRUMENTOS CARAZTERISTICOS : Todo tipo de percusiones con instrumentos
caseros, y el banjo, fue el instrumento más

popular, en los orígenes fue el de 4 cuerdas.

SUB GENEROS : Hot jazz, swing, bebob, acid jazz …

ARTISTAS PIONEROS : Sus principales figuras fueron, el baterista Papa
Jack Laine, el trompetista Nick La Rocca y sus
Original Dixieland Jass Band; los Louisiana Five de
Anton Lada; el trombonista Edward "Kid" Ory; o
los "New Orleans Rhythm Kings" del cornetista
Paul Mares.

ARTISTAS DESTACADOS : Louis Armstrong, John Coltrane, Billie Holiday,
Miles Davis…

SELLOS DISCOGRAFICOS DESTACADOS: Contemporary, Blue note, Atlantic, Riverside,
Prestige, Fantasy.

Escuchas recomendadas:
1 Strange Fruit / Billie Holiday.

2 What A Wonderful World / Louis Armstrong
3 Round Midnigth / Thelonious Monk,
4 Goodbye Pork Pie Hat / Mingus en honor al saxofonista Lester Young
5 Naima / John Coltrane
6 Body And Soul Gertrude Lawrence
7 Willow Weep For Me / compuesta por Ann Ronnel y cantada por Muzzy
Marcellino.
8 I Remember Clifford / Benny Golson.
9 Unforgetable / “Inolvidable” escrita por Irving Gordon para Nat King Cole
10 Time After Time / Cyndi Lauper.
11 Lush Life / Billy Strayhorn.
12 Darn That Dream / Eddie DeLange para la orquesta de Benny Goodman.
13 Im Old Fashione / Jerome Kern
14 Moon River / Rudy Van Gelder
15 Blue In Green / Miles Davis

EL BLUES

Es originado en el sur de Estados Unidos a principios del siglo XX aunque sus patrones
vocales y los estilos de interpretación son aun más antiguos.

En la década de los años 30 aparecieron los primeros artistas precursores de blues
como lo conocemos a dia de hoy, como son Robert Johnson y John Lee “Sonny Boy”
Williamson, que ya utilizaban la guitarra acústica, el piano y la armónica para
acompañar la parte lirica. A la figura de W.C. Handy se le atribuye la estandarización
de la estructura de la música de blues, al publicar las partituras de sus canciones
“Memphis Blues” y “St. Louis Blues”.

EL blues basa su estructura musical en compases de 4 golpes, lo que se denomina
estructura de “12 compases”, y cada agrupación de 12 compases se conoce como el
“coro”. Esta forma repetitiva de 12 compases suele formar la base de la canción.
EL blues suele estar tocado en una única nota (por ejemplo do), esa nota esta definida
por la escala musical y los acordes que se forman de ella.
Los ritmos distintivos del blues, son 4; el swing, aleatorio o improvisación, el rock y el
“cut time” o ritmo de dos compases.

La guitarra es el instrumento principal, con dos variantes acústica y eléctrica, pero a
pesar de su dominancia, la armónica sigue siendo el instrumento más relacionado con
este genero. Tambien el piano ha sido uno de los instrumentos tradicionales como
fondo para los cantantes, y es que los blues se construyen alrededor de la voces, aun
que a pesar de ello la mayoría de los artistas de blues son conocidos músicos en vez de
cantantes, aunque tenemos una gran excepción como Howlin’ Wolf, que a dia de hoy
su voz sigue siendo uno de los mas grandes referentes de sonido blues.


EL BLUES

LUGAR DE ORIGEN Sur de Estados Unidos.

FECHA Entre 1870 y 1900, y aprox entre 1900 – 1910 tal
y como lo conocemos hoy.

DESARROLLO: Apogeo entre 1920 y 1960 hasta hoy.

CARACTERISTICAS MUSICALES En el Blues la música se divide en “compases”,
cada compas en blues normalmente tiene 4
tiempos. En su mayoría, los blues se basan en una
estructura musical que se repite llamada de “12
compases”, cada set de 12 compases se conoce
como el “coro”. Una canción de blues
generalmente se toca en una sola nota y la nota
es definida por la escala musical y los acordes que
salen de ella. Tiene Mucha importancia el swing y
la improvisación ¡¡

INFLUENCIAS SOCIALES: EL Blues ha sido acusado de ser la «música del
diablo» y de incitar a la violencia y a todo tipo de

comportamientos delictivos. Durante los años
veinte este género gozaba de muy mala
reputación, porque El blues estaba interpretado
por trabajadores negros pobres, algunas de las
canciones formaban parte de la herencia nativa
de los esclavos y eran cantadas para recordar sus
orígenes mientras que otras fueron impuestas por
los dueños de los esclavos para aumentar la moral
de los mismos e incluso para hacerles trabajar de
una forma rítmica.. Los motivos sociales y
económicos del inicio del blues se conocen por la
coincidencia con la rebelión y emancipación de los
esclavos y la transición de la esclavitud hacia la
agricultura a pequeña escala en el sur de Estados
Unidos.

RAICES MUSICALES: Originario de las comunidades afroamericanas de
Estados Unidos, se desarrolló a través de las
canciones espirituales, canciones de oración,
canciones de trabajo.

INFLUENCIAS MUSICALES El blues influyó en la música popular
estadounidense y occidental en general, llegando
a formar parte de géneros musicales como el Jazz,
R&B, Rock & Roll, Heavy, Hip Hop.

INSTRUMENTOS CARACTERISTICOS : La guitarra es el instrumento que define el blues,
con dos estilos predominantes de guitarra,
acústica y eléctrica. Acompañado de la armónica y
el piano como fondo para los cantantes.

SUB GENEROS : Acid blues, Blues rural, urbano, Blues Menfis ….. (
por ciudades ) Jazz blues…


ARTISTAS PIONEROS : A WC Handy o cantantes femeninas como Bessie
Smith y Ma Rainey.

ARTISTAS DESTACADOS : En los años treinta aparecieron los artistas
precursores del blues como lo conocemos hoy en
dia, como Robert Johnson y John Lee “Sonny Boy”
Williamson, después siguieron nombres como tan
populares como el de Sam Cooke, o el de Marvin
Gaye.

SELLOS DISCOGRAFICOS DESTACADOS: Chess , Atlantic, Art Rupe, OKhe y en la actualidad,
el seno ingles One Day Music Ace, Sundazed, o
Bear Family.

Escuchas recomendadas.
1 The thrill is gone / BB King

2 Spoonfull / Willie Dixon
3 Hellhound on my trail / Robert Jhonson
4 Stormy Monday / T bone Walker
5 Manish Boy / Muddy Waters
6 Boogie Chillun / Jhon Lee Hooker
7 Elmore James Dust my broom
8 Boogie Woogie / Pinetop´s
9 Crazy blues / Mamie Smith
10 W.C Handy / Memphis Blues

RITHM BLUES

El Rhythm and Blues, a menudo denominado con las siglas R&B o RnB, es un género
de música popular afroamericana originario de EEUU entre los años 40 y 50 a partir de
géneros como el Blues el Jazz y el Gospel. Esta basado en los patrones rítmicos del jazz,
y es descrito como una genero musical con mucho movimiento, precursor de la musica
urbana y con un ritmo muy intenso, que ha constituido la base musical para la creación
del Rock & Roll. Sus instrumentos imprescindibles son las guitarras eléctricas y el piano
como acompañamiento, y se hace impensable sin la existencia de los micrófonos para
sus interpretes.

El término R&B ha sufrido diferentes variaciones de significado a lo largo de la historia.
En los primeros años de la década de los 50, se solía llamar Rhythm and Blues a los
discos de blues clásicos, para pocos años después referirse a el como “electric blues”
incorporando el Gospel y el Soul en sus raíces. En los años 70, el "Rhythm and blues" se
convirtió en un término genérico que incluía la música Soul y el Funk y por ultimo en
los 80, se desarrolló un nuevo estilo de R&B, alejado ya del original, que pasó a
conocerse como R&B contemporáneo. En la actualidad es habitual usar el término
Rhythm and blues (o R&B) para referirse a este último género contemporáneo.
EL R&B

LUGAR DE ORIGEN Género de música popular afroamericana con
origen en Chicago, Usa.

FECHA Aprox. en 1940.

DESARROLLO: Apogeo máximo entre los años 60 y la década de
los 80 hasta la actualidad.

CARACTERISTICAS MUSICALES El R&B no hubiera sido posible sin la existencia de
la guitarra eléctrica y el piano, como instrumento
de acompañamiento.

INFLUENCIAS SOCIALES: El término musical Rhythm and blues fue
introducido en USA por Jerry Wexler Sustituyó al
término "race records" (discos de raza, referido a
la raza negra), considerado ofensivo en la época

de la posguerra, y empezó a usarse como
categoría en las listas musicales de Billboard en
junio de 1949, nació como consolidación de la
música negra después de la abolición total de la
esclavitud, y se empezó a extender y a apoyar por
los blancos.

RAICES MUSICALES: Esta basado en los patrones rítmicos del jazz, y es
descrito como una genero musical con mucho
movimiento, precursor de la musica urbana y con
,
un ritmo muy intenso que ha constituido la base
musical para la creación del Rock & Roll. Tiene
fuertes influencias del jazz, de la música gospel y

compases africanos.

INFLUENCIAS MUSICALES Posteriormente, en los años 60 y 70, el Rhythm &
blues tradicional evolucionó hacia nuevos estilos
como fueron el Soul, el Funk y la musica disco.

SUB GENEROS : New Jacking Swin, Quiet storm, Neo Soul, Ska.

ARTISTAS PIONEROS : Arthur Burnett, Samuel Hopkins, Sonny Boy
Williamson.

ARTISTAS DESTACADOS : Muddy Waters. John Lee Hooker. B.B king, Chuk
Berry.

SELLOS DISCOGRAFICOS DESTACADOS: Chess, Xtas, Atlantic Rec.

Escucha recomendadas.
1. "I Heard It Through The Grapevine" - Marvin Gaye

2. "What'd I Say" - Ray Charles
3. "What You Won't Do For Love" - Bobby Caldwell
4. "Real Love" - Mary J. Blige
5. "Never Too Much" - Luther Vandross
6. "As" - Stevie Wonder
7. "Un-break My Heart" - Toni Braxton
8. "I'll Make Love To You" - Boyz II Men
9. "My Girl" - The Temptations
10. "Dancing In The Streets" - Martha and the Vandellas
11. "Black Or White" - Michael Jackson
12. "Ain't Nobody" - Chaka Khan
13. "I Got You (I Feel Good)" - James Brown
14. "Always" - Atlantic Starr
15. "I Will Always Love You" - Whitney Houston


EL SOUL

Este genero musical se origina tambien en Estados Unidos entre los años 50-60; toma
prestados elementos de otros géneros como el R&B y el Góspel y se caracteriza por el
apasionado uso de la voz, atractivos ritmos, expresividad corporal, el uso de palmadas
y aplausos y un cómplice diálogo entre el solista y el coro.

Esta definido como la música que surge de la experiencia de la población negra en
Estados Unidos por la transformación del Góspel y el R&B, para convertirse en una
forma de declaración secular y funk. Debido a su combinación de elementos, el Soul
presenta una gran variedad de estilos y es uno de los ritmos más influyentes de la
música negra.

Se dice que este estilo nació específicamente en 1954 , con el cantante Ray Charles y
su canción “I Got a Woman”, siguiendo su estela otros dos grandes, Solomon Burke y
Little Richard. Aunque el Soul realmente llego a lo mas alto con la aparición artistica
de Aretha Franklin, y sus canciones “I Never Loved a Man (The Way I Love You) y
“Respect”.

A partir de los 80, el Soul ha sido influido por otras corrientes musicales emergentes
como el Hip Hop y la música electrónica. Algunos productores como Jimmy Jam, Terry
Lewis, o Babyface, contribuyeron enormemente a la expansión mundial de la musica
Soul, produciendo éxitos para grandes artistas como Janet Jackson, TLC, Bobby Brown,
Whitney Houston o Sade que lograron gran éxito mundial.

En la actualidad, el Soul ha adquirido un alto grado de reconocimiento mundial y es
que es un ritmo que aún está de moda gracias a artistas como, Amy Winehouse, Alicia
Keys, Duffy, Anastacia o Beyoncé, entre otros.


EL SOUL

LUGAR DE ORIGEN Estados Unidos.

FECHA De entre los años los 50 a 1967 90.

DESARROLLO: Se desarrolla con la revolución Soul entre el 67-
70, la revolución disco en los 70, y sus nuevas
tendencias 80.

CARACTERISTICAS MUSICALES Sus orígenes se encuentran en las melodías de
Rithm and blues cantadas por las comunidades
afroamericanas y los sonidos religiosos del
gospel. Se distingue por una técnica vocal
bastante profunda y elaborada;. También cuenta
con un esquema: llamada-respuesta, entre el
intérprete de una canción y el coro que lo
acompaña, cuando el mismo canta una palabra o
frase en específico y ellos le contestan en el
estribillo. Marcar el ritmo con las palmas de las
manos y utilizar movimientos corporales para
acompañar cada composición, es algo muy
común.

INFLUENCIAS SOCIALES: Tras la Segunda Guerra Mundial, llegó un periodo
de posguerra lleno de pobreza, y en especial para
las capas más bajas de la sociedad, donde estaba
la población negra. Aparece el fenómeno de las
migraciones de la población hacia el norte y el
oeste por la inmensa presión que aguantaban de
la población blanca. El Soul comienza a ser
aceptado por parte de la población blanca.
Actores negros como Sidney Potier y Harry
Belafonte, se convierten en estrellas, y Dorothy
Dandrige es nominada al Oscar. Con la aparición
de la musica disco, el soul obtiene un mayor
desarrollo y expansión y desaparece la etiqueta
de música racial.

RAICES MUSICALES: Tiene su base en la combinación de elementos
del Gospel y el R&B.

INFLUENCIAS MUSICALES Su influencia mas directa deriva en un estilo que
supuso una autentica revolución la musica disco
con artistas tan conocidas como Gloria Gaynor y
Donna Summer, su influencia ha repercutido de
manera definitiva en corrientes como el rock y el
pop.

SUB GENEROS : Retro Soul, Soul sinfónico y Soul Psicodelico.

ARTISTAS PIONEROS : Sam Cooke, Ray Charles y James Brown, son
considerados los pioneros del género.


Algunas de las grabaciones de Solomon Burke a
finales de los años 1950 y principios de los 60 en
Atlantic como "Cry to Me", "Just Out of Reach" y
"Down in the Valley", codificaron el estilo y le
dieron algunas de sus bases.

ARTISTAS DESTACADOS : Aretha Franklin, The Supremes, The Supremes,
The Temtations, Stevie Wonder, Marvin Gaye, Ray
Charles. En 1968 artistas como James Brown
empiezan a dar un nuevo sentido al Soul.

SELLOS DISCOGRAFICOS DESTACADOS: Motown, Xtax, Atlantic.


1 Otis Redding / (Sittin’ On) The Dock Of The Bay (1968)
2 Aretha Franklin / Respec (1964)
3 George Benson / My Woman’s Good To Me (1969)
4 Aretha Franklin / Don’t Play That Song For Me (1970)
5 Al Green / Let’s Stay Together (1972)
6 Lamont Dozier / Why Can’t We Be Lovers (1972)
7 Marvin Gaye / Please S Harold Melvin & The Blue Notes: Tell The World How I
Feel About ‘Cha (1975)
8 L.T.D. / Love Ballad (1976)
9 Stevie Wonder: As (1976)
10 Rance Allen Group: Reason To Survive (1977)
11 Luther Va Luther Vandross: Don’t Wanna Be A Fool (1977)
12 ndross: Don’t Wanna Be A Fool (1977)
13 Lenny Williams: ‘Cause I Love You (1978)
14 Jackie Ross: The World Needs More People Like You (1980)
15 Drizabone: Real Love (1991)

EL ROCK

Definimos el Rock o música Rock a un estilo musical que surgió en las décadas de los
años 50, 60 entre el Reino Unido (UK) y E.E.U.U y que significaría uno de los cambios
más importantes en la historia de la música universal hasta nuestros días.

El rock tiene sus raíces en numerosos estilos musicales que lo moldean y que lo hacen
evolucionar hacia las nuevas estructuras actuales. Entre estos géneros debemos
remarcar la incidencia que han tenido, el blues, el country, y el jazz. Se caracteriza por
tomar elementos de diferentes estilos musicales para crear un nuevo estilo en el cual
el ritmo, las guitarras eléctricas y la sencillez del su estilo vocal son elementos
centrales.

Una banda de rock (entendida como agrupación de músicos tocando diferentes
instrumentos) se compone normalmente de un guitarrista principal, un batería, un
bajista y algún otro músico accesorio como pianista. El cantante por lo general no
necesita contar con estudios en su disciplina y mientras más informal sea su estilo,
mejor será. Además, el rock sería uno de los primeros estilos en necesitar claramente
de la presencia de instrumentos eléctricos que transformaran cualquier sonido en un
sonido más moderno.

Los subgéneros del rock

A lo largo de varias décadas, han ido apareciendo diferentes subestilos que se que han
ido variando, desapareciendo algunos y manteniéndose otros hasta hoy. Entre estos
subestilos podemos mencionar el rock progresivo, el rock alternativo, el grunge, el
hardcore, el metal, el indie rock, y el punk entre otros. Cada uno de ellos tuvo mayor o
menor éxito de acuerdo al espacio en el que surgieran, quedando algunos de ellos muy
atados a su región de nacimiento.

Entre los representantes más importantes de la historia del rock debemos mencionar a
grupos como The Beatles (quizás los responsables de todo este movimiento junto con
Elvis Presley), The Rolling Stones, The Doors, Led Zeppelin, Pink Floyd, Queen, AC/DC,
U2 y muchísimos otros.

En sus inicios ligado fuertemente a la rebeldía juvenil frente a los valores sociales, el
rock apareció como una corriente minoritaria en contra de la sociedad e incluso mal
vista por ella. Obviamente esta rebeldía que se dejaba ver tanto estéticamente en sus
adeptos, como en las letras la las canciones, y está en estrechamente ligada con el
momento histórico donde surgió, el movimiento hippie exigiendo libertad y el
enfrentamiento con el sistema autoritario que no aceptaba su nueva filosofía de vida.
El rockero canta y hace música para expresarse y lograr difundir ese mensaje de
libertad e ir contra corriente. Esa rebeldía y ese ir en contra, implicaban presentarse
ante el público de una manera irreverente, con una puesta en escena transgresora,
cantando y moviéndose por el escenario haciendo movimientos provocativos y
sugerentes. Con el paso del tiempo y al convertirse en uno de los estilos musicales mas
masivos y con mas seguidores en el mundo, el rock se ha convertido en un genero

popular aceptado socialmente por todas las culturas y países suavizando sus formas de
manera significativa frente a sus primeras manifestaciones.

EL ROCK

LUGAR DE ORIGEN Estados Unidos / UK

FECHA 1950-60 aprox

DESARROLLO: Apogeo entre 1970 – 2000 y hasta la
actualidad

CARACTERISTICAS MUSICALES El rock se caracterizó por tomar elementos
de diferentes estilos musicales para crear un
nuevo estilo en el cual el ritmo, la presencia
de guitarras eléctricas y la sencillez vocal
fueran elementos centrales.

INFLUENCIAS SOCIALES: Esta asociado desde sus inicios con la
rebeldía de los jóvenes, desde la forma, la
estética, y las letras está en estrecha
vinculación con la época histórica en la cual
surgió, el movimiento hippie exigiendo
libertad y el enfrentamiento con el sistema
autoritario que no aceptaba su propuesta,
entre las cuestiones más relevantes.

RAICES MUSICALES: Blues, R&B, country, folk, jazz y el rock & roll

INFLUENCIAS MUSICALES Pop Rock, Pop punk.
SUB GENEROS : Entre estos subestilos podemos mencionar

el rock progresivo, el rock alternativo, el
glam, el grunge, el Hardcore, el heavy metal,
el indie rock, el punk, trash metal.
INSTRUMENTOS CARAZTERISTICOS: Presencia de guitarras eléctricas, bajos,

baterías, y mayor presencia vocal del
cantante, teclados, pianos etc.

ARTISTAS PIONEROS : Chuck Berry, Little Richard, Bill Haley, Jerry
Lee Lewis y Roy Orbison Elvis Presley

ARTISTAS DESTACADOS : Elvis Presley, Los Beattles, The Rolling
Stones, The Doors, Led Zeppelin, Pink Floyd,
Queen, AC/DC, U2, Nirvana.

SELLOS DISCOGRAFICOS DESTACADOS: Warner Music Group, EMI Records, Sony
Music, Universal Music Group, BMG.

Escurras recomendadas.

1 Elvis Presley - Jailhouse Rock
2 The Beatles - Let it Be
3 The Rolling Stones - Paint it black
4 Deep Purple - Smoke on the Water
5 Bob Dylan - Knockin´on Heaven´s Door
6 Jim Morrison - The Ghost Song
7 David Bowie - Life on Mars
8 Queen - Another One Bites the Dust
9 Janis Joplin - Cry baby
10 Led Zeppelin - Whole Lotta Love
11 Kiss - Rock and Roll All Nite
12 AC/DC – Thundertruck
13 Aerosmith - Pink
14 Scorpions - Still Loving You
15 Bon Jovi - You Give Love a Bad Name
16 Metallica - Master of Puppets
17 Nirvana - Smells Like Teen Spirit
18 Evanescence - Bring To My Live
19 The Wallk - Pink Floid
20 The Police - Every Breath you take
21 Oasis - Wanderwall
22 U2 - With or without you


POP

La música pop (del apócope de popular) es un género musical surgido en Inglaterra a
principios de la década del sesenta .

Su principal característica musical es la introducción de los primeros elementos
electrónicos procedentes de la música disco, sintetizadores y la cajas de ritmos como
la “909”. Las canciones se caracterizan por una sencilla estructura; una melodía,
pegadiza y repetitiva y una estructura musical basada en, verso-estribillo-verso.

La diferencia mas notable frente al resto de las corrientes musicales es que las voces
ocupan un primer plano (siendo el principal elemento y mas importante) junto a las
pegadizas melodías y las percusiones que dan un carácter repetitivo y lineal a las
piezas musicales, dotándolas de una acusada sencillez. Esta extrema sencillez ha
motivado la rápida difusión del estilo, lo que ha dado lugar a la explosiva aparición de
cantantes y bandas de pop a lo largo de todo el mundo.

En sus comienzos este género musical fue bastante criticado debido a su sencillez por
los puristas de la música de culto, entre los que se encontraban el jazz, el funky o el
folk. Así mismo, el pop tuvo que lidiar además con la creencia de que esta música, por
su simplicidad, estaba destinada únicamente a gente con escaso background y oído
musical incluso de escasa cultura general.

A pesar de esta creencia inicial hoy en día y gracias a los máximos exponentes del
género como Madonna o Michael Jackson, entre otros, el género no solo se quito de
encima esta valoración peyorativa, sino que además se ha convertido en la corriente
musical más exitosa y seguida por millones de jóvenes; incluso desbando al rock del
primer lugar que ostentaba.

Bajo este marco, numerosos grupos se han adaptado a los tiempos incorporando
elementos propios del pop a sus distintos estilos y formas. Así, distintos cantantes y
bandas han oscilado entre estos estilos, incluso con un formato propio que, en
ocasiones es difícil de definir en una forma musical única, dando origen a la aparición
de numerosos subgéneros, entre los que se cuentan como mas destacados: el pop
latino, el pop tradicional, pop electrónico, indie pop, new pop y pop comercial.


EL POP

LUGAR DE ORIGEN UK (ENGLAND)

FECHA Entre principios de los 50 y 60

DESARROLLO: Entre principios de los 50 y 60 A apogeo entre los
80 y 90 y hasta dia de hoy.

CARACTERISTICAS MUSICALES Se introducen los primeros elementos electrónico
procedentes de la música disco.
Todas las canciones se caracterizan por su
estructura sencilla, verso y melodía pegadiza y
estructura de verso-estribillo-verso.
Las voces ocupan un primer plano y las
percusiones son lineales y repetidas.

INFLUENCIAS SOCIALES: El término pop fue utilizado en oposición al
concepto del rock, para describir una forma
musical más comercial, efímera y accesible que no
trataba de dar ningún mensaje político ni social
sino que simplemente se escuchaba en pro de la
diversión y entretenimiento.

RAICES MUSICALES: Toma prestado elementos de otros estilos siendo
una derivación del rock and roll, en combinación
con otros géneros musicales el rock, la música
latina, el Rhythm and blues o el folk y en country
tambien tiene una fuerte carga de raíces mas
profundas como el jazz y el blues.

INSTRUMENTOS CARCTERISTICOS Presencia de instrumentos electrónicos
sintetizadores teclados, pianos, baterías, cajas de
ritmo y presencia en primer plano de la voz.

SUB GENEROS : El pop latino, pop electrónico, indie pop, new pop
y pop comercial.

ARTISTAS PIONEROS : Bob Dylan, Joan Baez, Elton John, Simon &
Garfunkel o The Beach Boys.

ARTISTAS DESTACADOS : Los artistas más representativos de la música pop
son Michael Jackson, Madonna, Britney Spears,
Robbie Williams, Backstreet Boys, Spice Girls,
Shakira, Elton John, George Michael, Kylie
Minogue, Prince, Miley Cyrus entre muchos otros.

SELLOS DISCOGRAFICOS DESTACADOS: Emi, Warner Music, Bmg Ariola, Metropol,



1 Thriller – Michael Jackson

2 Take on me – A ha
3 Like a Prayer – Madonna
4 I Wanna dance with somebody – Witney Houston
5 Just can get enought - Depeche Mode
6 Bohemian Rapsody - Queen
7 Loosing my Religion – R.E.M
8 Girls just wanna have fun - Cindi Lauper
9 Zombie - The Cramberries
10 Around the World - Daft Punk
11 Eurithmics - Sweet Dreams
12 Up Town Kunk – Mar Bronson & Bruno Mars
13 Wrecking Ball - Miley cirus
14 Sorry - Justin Bieber
15 I used to know - Goytie
16 Rolling in the Deep – Adele
17 Fire Work – Katy Perry
18 Umbrella – Rihanna
19 Poker face – Lady Gaga
20 Rehab - Amy Winehouse

HIP HOP

El Hip Hop es una corriente artística y cultural surgida en Estados Unidos a finales de
los 50, dentro de la comunidad afroamericana de los barrios mas bajos y populares
neoyorquinos como El Bronx, Queens y Brooklyn. Surgió como consecuencia de la
aparición de las fiestas callejeras o “block parties” que se volvieron en muy frecuentes
en la ciudad de Nueva York, y especialmente en el Bronx, en respuesta a lo poco
accesibles que resultaban para su gente la entrada a los clubes y discotecas que había
en zonas pudientes de la Gran Manzana, (como The Loft y Studio 54, donde es
empezaba a escuchar house y acid house).

Esas fiestas a pie de calle se amenizaban musicalmente hablando, con ritmos de funky
& Soul, hasta que los auto considerados primeros DJ’s empezaron a aislar y extender
los patrones rítmicos de la percusión y el bajo para que la canción se volviera más
bailable (sampling técnica exportada de Jamaica procedente de la música dub). A esta
nueva adaptación de los beats se le sumo otra nueva técnica lirica mas dinámica y
versátil llamada rapping (EL Rap, una técnica de canto rítmica y basada en la
improvisación y muchas veces sin entonación musical a cargo del MC o Master of
Ceremony) . Se conectaban los amplificadores de los equipos en las farolas de la 163rd
Street y de Prospect Avenue, para que el Dj pionero de este movimiento y oriundo de
Jamaica, DJ Kool Herc, hiciese alguna mezcla con samples de los gritos de la multitud y
cantos de algunos bailarines, mientras algún MC animaba las fiestas y rapeaba al ritmo
de los diferentes beats, al tiempo que los bailarines competían entre ellos por ver
quien era el mejor.

Desde el principio el Hip Hop estuvo acompañado de diferentes manifestaciones
artísticas asociadas a este estilo musical; la música (funk, disco , blues, el DJing), el
baile (hustle, uprocking, lindy hop, popping, locking, break dance) y la pintura (aerosol,
bombing, murals, graffiti).

El grupo Afrika Bambaataa fue el primero en utilizar el término Hip Hop en esos
momentos, y años más tarde KRS One, grupo originario del Bronx, quiso unificar y
estandarizar la cultura Hip Hop en sus 4 elementos principales:

o El MC ( Master of Ceremony, persona que rapeaba sobre los ritmos samplados)
o El DJing (turntablism). Los precursores del DJ.
o El break-dance (b-boy). Los bailarines y sus peculiar y eléctrico estilo de bailar.
o Y el Grafiti. La expresión artística mediante la pintura callejera.

La idea era simplificar la definición de hip hop; pero la realidad es que para los mas
puristas de esta corriente muchas otras manifestaciones artísticas asociadas quedaron
excluidas de esta clasificación, como el beatbox, el beatmakin, el popping entre otros.

1 La unión de los dos elementos principales, el MC (Master of Ceremony) y el DJ
(Disc Jockey), conforman el estilo musical del hip hop y su particular forma de
expresión, el rap.


2 El b-boying es el baile mas popularmente conocido como break-dance. La
persona que practica este baile se denomina b-boy o b-girl, y lo practican por
cuestiones meramente culturales y por aportar elementos nuevos, innovando y
llevando el nivel de dificultad a nuevas dimensiones. Posteriormente y cuando
este estilo alcanzo sus máximos niveles de popularidad apareció la figura del
Breaker que es bailarín que lo practica exclusivamente por ánimo de lucro y ó
moda, y no tiene conciencia del movimiento hip- hop, y no sabe la historia ni de
sus fundamentos.

3 El grafiti es la rama artística (pictórica) de esta cultura aplicada sobre
superficies urbanas tambien llamada pintura callejera. La gran importancia de
la estética de los grafitis ha influido profundamente en la historia de la musica y
en el diseño de ropa, portadas de discos y otros objetos. Quienes practican esta
faceta se denominan Writers (escritores) o Grafiteros (siendo esta ultima una
definición mas despectiva) .

4 El beat box aunque no esta incluido en la clasificación original, es digno de
mencionar ya que está inspirado en el arte originario de la cultura mayas y
azteca que consistía en imitar sonidos de la naturaleza con la boca y que
resurgió en Nueva York como la técnica de emular sonidos de percusión o
instrumentos propios de la música rap con la boca. Los practicantes de esta
faceta se conocen como human beat box. Se originó este arte en la época de
los 80 porque los raperos no tenían suficiente dinero para comprar equipos de
audio, entonces empezaron a imitarlos con la boca.

EL HIP-HOP

LUGAR DE ORIGEN Nueva York, USA

FECHA Finales de los años 60

DESARROLLO: El origen de la cultura se deriva desde finales de
los 60 hasta hoy donde el hi hop es uno de los
géneros musicales mas importantes y reconocidos
a nivel mundial ¡¡

CARACTERISTICAS MUSICALES La principal característica del hi hop es el aislar los
breaks de percusión de las canciones más
populares, para crear bases rítmicas de percusión
sobre las que luego, rapear y scratchear. Se hacen
imprescindibles para las producciones las cajas de
ritmos y la técnica del sampling.

INFLUENCIAS SOCIALES: Surgió como consecuencia de la aparición de las
fiestas callejeras o “block parties” que se
volvieron en muy frecuentes en la ciudad de
Nueva York, y especialmente en el Bronx, en
respuesta a lo poco accesibles que resultaban

para su gente la entrada a los clubes y discotecas
que había en zonas pudientes de la Gran
Manzana, (como The Loft y Studio 54, donde es
empezaba a escuchar house y acid house). Se
asocia fácilmente con la pobreza y la violencia que
subyace al contexto histórico que dio nacimiento
a la subcultura. Para este grupo de jóvenes, ofrece
una salida reaccionaria a las desigualdades y
penurias que se vivían en las áreas urbanas de
escasos recursos de Nueva York, así que el "hip-
hop" funcionó inicialmente, como una forma de
autoexpresión que propondría reflexionar,
proclamar una alternativa, tratar de desafiar o
simplemente evocar el estado de las
circunstancias de dicho entorno, favoreciendo su
desarrollo artístico.

RAICES MUSICALES: EL H-H se arraiga fuertemente a otros géneros
norteamericanos como lo son el blues, jazz y rock
and roll, inspirándose mayormente en el soul, el
funk y la música disco .

INFLUENCIAS MUSICALES La unión de los dos elementos principales, el MC
(Master of Ceremony) y el DJ (Disc Jockey),
conforman el estilo musical del hip hop y su
particular forma de expresión, el rap.

ARTISTAS PIONEROS : DJ Kool Herc es mundialmente reconocido como
el "padre" del hip hop junto al grupo Afrika
Bambaataa, que acuñó el término hip hop en
aquella época, aunque años más tarde KRS One,
originario del Bronx, quiso unificar en cuatro los
elementos del hip hop: el MCing (rapping), el
DJing (turntablism), el breakdance (bboying) y el
graffiti.

ARTISTAS DESTACADOS : N.W.A, Public Enemy, De La Soul, A Tribe Called
Quest, RUn DMC, Snoop Dogg, Jay-Z y Nas,
Beastie Boys, Ice T, MC Hammer, Wu-Tang Clan,
Big L y The Notorious B.I.G. Dr.Dre, 50 Cent.

SELLOS DISCOGRAFICOS DESTACADOS: Ruthlees Rec. Sugar Hill Records, Aftermath
Entertainment, 2Shady, Records, 3G-Unit.



1 'King Kunta' – Kendrick Lammar.

2 'Big Rings' – Drake ft. Future.
3 'Move That Dope' – Future ft. Pharrell, Pusha T, Casino.
4 'I Don't Fuck With You' – Big Sean ft. E-40.
5 'Fuck tha Police' – N.W.A.
6 'Genocide' – Dr Dre ft. Kendrick Lammar, Justus.
7 'Love Me' – Lil Wayne ft. Drake, Future.
8 'The Message'– Grandmaster Flash and Furious Five
9 'Planet Rock'– Afrika Bambaataa and the Soulsonic Force
10 'Sucker M.C.'s'– Run-DMC
11 'Mind Playing Tricks on Me'– Geto Boys
12 'Nuthin' but a 'G' Thang'– Dr. Dre feat. Snoop Doggy Dogg
13 'Fight the Power'– Public Enemy
14 'Juicy'– The Notorious B.I.G.
15 C.R.E.A.M.'– Wu-Tang Clan
16 'Big Pimpin'– Jay Z feat. UGK
17 'Dear Mama'– 2Pac
18 'Paul Revere'– Beastie Boys
19 'In da Club'– 50 Cent . 'Rock the Bells'– LL Cool
20 'Lose Yourself'– Eminem

Visionado del material filmográfico recomendado:
o YouTube – Historia y evolución del Hip Hop
o Netflix - Straght out to Comptom
o Netflix – The defiant one.


EL PUNK

El punk es un género derivado del rock que surgió a mediados de los 70
simultáneamente en USA y UK. Musicalmente se puede decir que es un estilo de rock
simple, con canciones rápidas, cortas y fáciles de tocar, justamente todo lo contrario a
los grupos rock que triunfaban en la época. Y es que eso mismo era el punk: ir
contracorriente.

El contexto histórico donde nace el punk se sitúa a finales de los años 60 y comienzo
de los 70, en Inglaterra y Estados Unidos. Ambas sociedades saturadas de normas
socioculturales y estereotipos de lo que debería ser un buen ciudadano, y que
intentaban ocultar la opresión social y cultural que sufrían los jóvenes, sin ningún
futuro, en una sociedad que se enfrentaba a una gran crisis socio-económica.

En el mundo del rock, gracias al movimiento hippie, triunfaban las “megabandas” de
rock sinfónico y psicodélico, de composiciones súper técnicas, escenarios enormes y
grabaciones costosas. Este estilo poco tenia que ver con el mundo real en el que vivían
los jóvenes de barrio de clase baja, que no podían identificarse con esta corriente
musical ni con ese modo de vida.

Aun así en este mismo contexto de finales de los 60, también nacen grupos que si
tienden hacia las raíces del rock, con un sonido más crudo y composiciones más
simples. Influenciados por estas bandas como The Who, The Stooges, The Velvet
Underground, New York Dolls, Television, o Iggy Pop … nacerían poco después los
primeros grupos considerados con el termino despectivo PUNK.

Los epicentros del movimiento punk se pueden situar en 2 ciudades: Nueva York y
Londres, si bien es en esta ultima, por su mala situación económica, es donde más se
cumplen todos los componentes que definen el movimiento punk mas allá de la
música y mas en el ámbito socio cultural.

En los barrios mas desfavorecidos, los jóvenes comienzan a tocar sus instrumentos sin
ningún tipo de complejo y con muchas cosas que decir, a modo de reivindicaciones. Su
objetivo era diferenciarse de forma extrema de todas las normas de una sociedad que
los había marginado. Ropa militar desgastada, crestas de colores, pinchos, parches,… y
una actitud y filosofía que poco tenia que ver con los pacifistas hippies.

Como movimiento alternativo generó su propio mercado: tiendas de ropa, locales de
ensayo, conciertos, discográficas independientes donde los grupos grababan,… el punk
creció tanto, que a partir de 1977, la sociedad ya no lo pudo ignorar y paso a ser el
nuevo genero musical de moda entre los jóvenes de todo el mundo con los 3 grupos
punk mas representativos de la época y seguramente mas conocidos de todos los
tiempo, a la cabeza: The Ramones, Sex Pistols y The Clash.


EL PUNK

LUGAR DE ORIGEN UK (ENGLAND) & USA

FECHA Se sitúa a finales de los años 60 y comienzo de los
70 y hasta finales de los 90 hoy resiste pero de
forma minoritaria.

DESARROLLO: Los epicentros del movimiento punk se pueden
situar en 2 ciudades: Nueva York y Londres, si bien
es en esta ultima, por su mala situación
económica, donde más se cumplen todos los
componentes que definen el movimiento punk
mas allá de la música. Pero el movimiento no
perduro mucho en el industria musical popular ya
que la actitud de las bandas era anti-comercial. En
los 90s, después de que la prensa musical hubiera
dicho de que el punk había muerto, reaparece en
a nivel mundial gracias a la aparición de la banda
Nirvana, caracterizados por tendencias más
cercanas al punk, y seguidos muy de cerca por la
banda californiana Off Spring.

CARACTERISTICAS MUSICALES Musicalmente se puede decir que el punk es un
estilo de rock simple, con canciones rápidas y
cortas y fáciles de tocar, Las líneas de guitarra se
caracterizan por su sencillez y la crudeza del
sonido amplificado y distorsionado, generalmente
creando un ambiente sonoro ruidoso o agresivo.
El bajo, por lo general, sigue solo la línea del
acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos
la melodía. La batería por su parte lleva un tiempo
acelerado, con ritmos sencillos de rock. Las voces
varían desde expresiones fuertes e incluso
violentas o desgarradas, expresivas caricaturas
cantadas que alteran los parámetros
convencionales de la acción del cantante, hasta
formas más melódicas y elaboradas.

INFLUENCIAS SOCIALES: El contexto histórico donde nace el punk se sitúa a
finales de los años 60 y comienzo de los 70, en
Inglaterra y Estados Unidos. Ambas sociedades
saturadas de rígidas normas socioculturales y
estereotipos del buen ciudadano, que intentaban
ocultar la opresión social y cultural de la época
que sufrían los jóvenes, que no veían ningún
futuro, en una sociedad que se enfrentaba a una
crisis económica profunda. En los barrios mas
desfavorecidos, los jóvenes comienzan a tocar sus
instrumentos sin ningún tipo de complejo y con
muchas cosas que decir, a modo de
reivindicaciones. Su objetivo era diferenciarse de
forma extrema de todas las normas de una
sociedad que los había marginado. Ropa militar

desgastada, crestas de colores, pinchos,
parches,… y una actitud y filosofía que poco tenia
que ver con los pacifistas hippies.

RAICES MUSICALES: EL PUNK deriva del mundo del rock, rock
sinfónico y psicodélico, Pero en este mismo
ambiente de finales de los 60, también nacen
grupos que si giran más hacia las raíces del rock,
con un sonido más crudo y composiciones más
simples. Influenciados por estas bandas como The
Who, The Stooges, The Velvet Underground, MC5,
New York Dolls, Television, Iggy Pop … nacerían
poco después los primeros grupos considerados
con el termino despectivo PUNK.

SUB GENEROS : Hardcore, Hardcore punk, H. Melódico, post punk,
no wave.

ARTISTAS PIONEROS : The Who, The Stooges, The Velvet Underground,
MC5, New York Dolls, Television, Iggy Pop.

ARTISTAS DESTACADOS : The Ramones, Sex Pistols y The Clash.

SELLOS DISCOGRAFICOS DESTACADOS: CBS Records, BMG Ariola

1 God Save the Queen – Sex Pistols.

2 London Calling – The Clash.
3 Kick Out the Jams – MC5.
4 Holiday in Cambodia – Dead Kennedys.
5 Waiting Room – Fugazi.
6 Complete Control – The Clash.
7 Search and Destroy – The Stooges
8 Anarchy in the UK – Sex Pistols
9 Where Eagles Dare – The Misfits
10 I Wanna Be Sedated – Ramones
11 In the City – The Jam
12 Straight Edge – Minor Threat
13 Johnny Hit and Run Pauline – X
14 Celebrated Summer – Husker Du
15 White Man – The Clas
16 California Uber Alles – Dead Kennedys
17 See No Evil – Television
18 Bastards of Young – The Replacements
19 Gloria – Patti Smith
20 Come Out and Play – The Offspring

EL COUNTRY

El Country (también llamado country & western o música campirana) es un género
musical surgido entre los años 1920 y 30 en las regiones rurales del Sur de EEUU,
Canadá, y Australia.

En sus orígenes, combinó la música folclórica de algunos países europeos
principalmente Irlanda, con otras formas musicales afroamericanas ya arraigadas en
Norteamérica, como el Blues, la musica espiritual y el gospel. El término country
comenzó a ser utilizado en los años 1950 en detrimento del término HillBilly que era la
forma en que se le conocía hasta entonces, terminando de consolidarse su uso en los
años 1970.

El country tradicional, se tocaba esencialmente con instrumentos de cuerda, como la
guitarra, el banjo, el violín y el contrabajo, aunque también intervenían
frecuentemente el acordeón y la armónica. En el country moderno se utilizan sobre
todo los instrumentos electrónicos, como la guitarra eléctrica y el bajo eléctrico, los
teclados, el dobro, o la steel guitar.

La familia Carter fue la primera en grabar en disco una canción country, junto a Jimmy
Rogers consolidando este género musical con el nombre inicial de HillBilly, que luego
dejaría paso al de simplemente "country". Ambos influyeron con sus respectivos
estilos a numerosos cantantes que les sucedieron. En los años 1940 fueron sobre todo
cantantes como Hank Williams los que contribuyeron a su creciente popularidad.

En la década de 1960, la música country adquirió elementos del rock and roll
(influencias de Johnny Cash, Elvis Presley y Bill Halley) género que por aquel entonces
vivía un enorme apogeo, y que aportó ritmos y melodías más desarrolladas.

Hoy en dia se pueden escuchar toda clase de variantes del country, el que se
combinan con el rock, y más recientemente con el pop es el que más éxito tiene ante
el público masivo.

El término Country, actualmente es un pozo sin fondo en el que confluyen diferentes
géneros musicales: como el sonido Nashville, la música de los Westerns de Hollywood,
el sonido Bakersfield, o el Honky Tonk. Cada estilo es único en su ejecución, y en el
uso de ritmos y acordes, aunque muchas canciones han sido adaptadas para los
diferentes estilos. Como ejemplo, la canción "Milk cow blues", una antigua melodía
blues de Kocomo Arnold, interpretada en una amplia variedad de estilos del country,
desde Aerosmith a Bob Willis pasando por Willie Nelson o Elvis Presley.

A dia de hoy el Country se restringe prácticamente al aparte sus de Estados Unidos y
poco mas, eso si con un fortísimo arraigo a pesar del paso del tiempo incluso entre los
mas jóvenes. Siendo uno de los máximos exponentes Billie Ray Cirus y en sus inicios su
mas que popular hija a dia de hoy Miley Cirus.


EL COUNTRY

LUGAR DE ORIGEN Surge en las regiones rurales del Sur de EEUU, y
las marismas de Canadá y Australia.

FECHA Surgido entre los años 1920 y 30

DESARROLLO: La familia Carter fue la primera en grabar en disco
una canción country, junto a Jimmy Rogers
consolidando este género musical con el nombre
inicial de HillBilly, que luego dejaría paso al de
simplemente "country". Ambos influyeron con sus
respectivos estilos a numerosos cantantes que les
sucedieron. En los años 1940 fueron sobre todo
cantantes como Hank Williams los que
contribuyeron a su creciente popularidad.
En la década de 1960, la música country adquirió
elementos del rock and roll (influencias de Johnny
Cash, Elvis Presley y Bill Halley) género que por
aquel entonces vivía un enorme apogeo, y que
aportó ritmos y melodías más desarrolladas.
Hoy en dia se pueden escuchar toda clase de
variantes del country, el que se combinan con el
rock, y más recientemente con el pop es el que
más éxito tiene ante el público masivo.

CARACTERISTICAS MUSICALES El country tradicional, se tocaba esencialmente
con instrumentos de cuerda, como la guitarra, el
banjo, el violín y el contrabajo, aunque también
intervenían frecuentemente el acordeón y la
armónica. En el country moderno se utilizan sobre
todo los instrumentos electrónicos, como la
guitarra eléctrica y el bajo eléctrico, los teclados,
el dobro, o la steel guitar.

INFLUENCIAS SOCIALES: En la década de los años 30, si bien la Gran
Depresión había golpeado los bolsillos de los
norteamericanos, éstos seguían disfrutando de
sus estrellas en la radio y además, el cine trajo a
los vaqueros cantantes, quienes introducían
abundante Música Country en sus semanales
aventuras. Recordemos que por esa época, al no
existir la televisión, la gente podía ir semana a
semana a ver a sus héroes favoritos al cine, con el
surgimiento de las primeras series o seriales. El
cine popularizó el sub-estilo country llamado
Western Music, que con suaves armonías y
rítmicas guitarras, imitaba el cabalgar de los
caballos, con letras que narraban la vida de estos
héroes.

RAICES MUSICALES: Combina la música folclórica de algunos países
europeos de inmigrantes, principalmente Irlanda,
con otras formas musicales afroamericanas ya
arraigadas en Norteamérica, como el blues, y la

música espiritual y religiosa, como el gospel.

SUB GENEROS : El sonido Nashville, la música de los Westerns de
Hollywood, el sonido Bakersfield, o el Honky
Tonk..

ARTISTAS PIONEROS : The Carter family, Hank Williams o Jimmie
Rodgers.

ARTISTAS DESTACADOS : Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, Bill Haley, Kenny
Rogers, Billy ray Cirus, o Bruce Springteen.

SELLOS DISCOGRAFICOS DESTACADOS: RCA, BMG ARIOLA

1 Kenny Rogers, ‘The Gambler’ (1978)

2 Loretta Lynn, ‘Don’t Come Home A’ Drinkin’ (With Lovin’ on Your Mind)’
(1966)
3 George Strait, ‘All My Ex’s Live in Texas’ (1987)
4 Bob Wills & His Texas Playboys, ‘New San Antonio Rose’ (1940)
5 Glen Campbell, ‘Witchita Lineman’ (1968)
6 Kitty Wells, ‘It Wasn’t God Who Made Honky Tonk Angels’ (1952)
7 Hank Williams, ‘Settin’ the Woods on Fire’ (1952)
8 Buck Owens and the Buckaroos, ‘I’ve Got a Tiger By the Tail’ (1964)
9 Stanley Brothers, ‘Man of Constant Sorrow’ (1951)
10 Waylon Jennings and Willie Nelson, ‘Mammas, Don’t Let Your BabiesGrow
11 Dolly Parton, ‘Jolene’ (1973)
12 Ray Charles, ‘You Don’t Know Me’ (1962)
13 Jimmie Rodgers, ‘Standing on the Corner (1930)
14 Hank Williams, ‘I’m So Lonesome I Could Cry’ (1949)
15 Johnny Cash, ‘I Walk the Line’ (1956)

EL REGGAE

Este genero musical es originario de la isla de Jamaica y esta inspirado en otros dos
géneros anteriores propios de ese mismo territorio: el Ska y el Rock-Steady, tenemos
conocimiento de el hacia finales de la década del sesenta.

La principal característica que distingue a este estilo musical es su ritmo lento, dulce
lleno de parsimonia, muy repetitivo y sumamente sencillo con un tipo de acentuación
off-beat, el reggae acentúa tanto el segundo como el cuarto beat de cada compás, y es
en el tercer beat, cuando la guitarra lleva a cabo la mencionada acentuación, es decir
fuera del beat habitual.

Es imposible mencionar el Reggae y que no surja el nombre y la música de su máximo
exponente mundial, Bob Marley, pero lo que poca gente sabe es que en realidad fue
un compatriota y amigo suyo, Count Ossie, a quien se le debe el origen de esta fusión
de ska y rocks-teady conocida como Reggae y que posteriormente popularizo Bob
Marley, junto a la agrupación The Wailers, una agrupación conformada por Peter Tosh,
Bunny Wailer y el propio Marley.

Robert Nesta Marley, más conocido como Bob Marley, es el intérprete y compositor
más identificado con el reggae a nivel mundial, como indicábamos antes, primero a
través de la agrupación de The Wailers y luego ya en solitario. No woman no cry, I shot
the sheriff, Could you be love o Jamming, son algunos de sus temas más conocidos y
populares.

Bob Marley fue el más importante pero no el único artista de este estilo, también
hubieron otros intérpretes y productores como Coxsone Dodd, Duke Reid, King Tubby,
o Leslie Kong que invirtieron sus esfuerzos y su talento en convertir al reggae en un
estilo popular para llegar a las masas.
EL REGGAE

LUGAR DE ORIGEN Isla de Jamaica.

FECHA Finales de la década del sesenta.

DESARROLLO: Desde los 60 hasta hoy y su apogeo entre los 60 y
80.

CARACTERISTICAS MUSICALES Ritmo lento, parsimonioso, repetitivoy sencillo.
Basado en la acentuación off-beat. Sus
instrumentos imprescindibles: guitarra, bajo,
batería, órgano Hammond, teclados, trompetas e
instrumentos de origen étnico para acompañar.

INFLUENCIAS SOCIALES: Para los jamaicanos que recién habían estrenado
su independencia de Gran Bretaña en 1962, este
periodo estuvo identificado por grandes
movimientos de población con creciente

desigualdad socioeconómica y la represión
gubernamental hacia los sectores de población
mas marginados. La música se convirtió entonces
en una alternativa económica. Parte de los
músicos de ska, rock-steady, y luego del reggae
provenían de las áreas de población marginadas
de la capital, Kingston, y muchas de sus canciones
hacen referencia a la pobreza y a la crítica
situación socio-urbana que experimentaba el país,
como canto reivindicativo de esa situación.

RAICES MUSICALES: Inspirado en el Ska y el Rocks-teady.

SUB GENEROS : Roots reggae, Early reggae, Dub, drum & base.

ARTISTAS PIONEROS : Count Ossie, a quien se le debe el origen de esta
fusión de ska y rocks-teady conocida
popularmente como reggae, y posteriormente
llevada a la cumbre por Bob Marley, juntoa otros
pioneros como Prince Buster, Desmond Dekker o
Annie Acosta.

ARTISTAS DESTACADOS : La agrupación The Wailers, una agrupación
conformada por Peter Tosh, Bunny Wailer y Bob
Marley, sería la que en el año 1963 popularizaría
el género hasta límites impensados

SELLOS DISCOGRAFICOS DESTACADOS: Iroko, Pressure Sounds, Sugar Shack Records

1. No Woman, No Cry - Bob Marley y los Wailers

2. Israelites - Desmond Dekker
3. Revuélvalos - Bob Marley
4. Caída de presión - Toots y The Maytals
5. Cuanto más dura vienen - Jimmy Cliff
6. One Love - Bob Marley / The Wailers
7. 54-46 That's My Number - Toots & the Maytals
8. Satta Massagana - Los abisinios
9. Funky Kingston - Toots & The Maytals
10. Montego Bay - Notas de Freddie y The Rudies
11 . Many Rivers To Cross - Jimmy Cliff
12. Marcus Garvey - Burning Spear
13. Legalize It - Peter Tosh
14. Redemption Song - Bob Marley
15. Aquí vengo - Dennis Brown
16. Get up, stand up - Bob Marley
17.Rudy Got Soul - Desmond Dekker y los Ases
18. The Tide Is High - Los Paragons
19. Tres Pequeños Pájaros - Bob Marley y los Wailers
20. Todo lo que poseo - Ken Boothe

Mapa sonoro DE LA MÚSICA ELECTRONICA
6. Mapa Sonoro de la musica electrónica.

La musica electrónica o tambien denominada dance, se ha convertido con el paso de
los años, en un genero por todos conocido, cuyos artistas, llenan estadios y festivales
al igual que lo hacían las grandes bandas de rock y pop hace 20 y 30 años.

Hasta llegar a este punto, este tipo de musica a sufrido una autentica revolución en
estos últimos 10 años originando lo que conocemos en la actualidad como la “cultura
Dj” y que vuelve locos a miles y miles de jóvenes hipnotizados a ritmo de musica
electrónica.


6.1 Orígenes, una historia muy reciente.

Casi todo el mundo al que le gusta la musica electrónica o ha experimentado algún
interés por este genero e ir poco mas allá de lo musical, sabe que este genero es de
relativa reciente creación, 30 años atrás a lo sumo, pero lo que no saben, es que los
verdaderos comienzos de este genero datan de 1910, con un personaje llamado Luigi
Russolo, considerado el primer compositor de este género.
Luigi Russolo fue un personaje muy peculiar; manifestaba un interés muy futurista y
vanguardista para su época, en cuanto a las artes literarias, musicales y escénicas. . En
aquellas fechas redactó un manifiesto llamado “El arte de los ruidos” dónde explicaba
que “el arte de los ruidos no debe limitarse a una simple tentativa de reproducción…
Debemos ampliar y enriquecer el campo sonoro”.
Luigi Russolo construyó junto a su compañero Piatti el primer instrumento de música

electrónica: una máquina con el nombre del Explosionador. Era un aparato de grandes
dimensiones que reproducía automáticamente solo 10 notas y el sonido era idéntico al
ruido de un motor. Juto a ese instrumento y a otros mucho con nombres tan singulares
como el Ululador, el Guglulador, el Silbador, el Crepitador y el Rascador, de este
modo recrearon la estructura de una orquesta denominada Intonarumori.
Russolo, fue el pionero, pero detrás de el vinieron grandes nombres con increíbles
ideas propias dl futuro, uno de ellos fue el ruso Leon Sergevych Termen, más conocido
por Leon Theremin. Creador del primer sintetizador conocido como tal, el Theremin, ,
supuso un aporte trascendental para el género al poder empezar a experimentar con
el sonido. Tras el y a partir de finales de los años 40, aparecieron grandes nombres con
mentes priviliegiadas y una visión de la musica impropia de su epoca como el
compositor francés Pierre Schaeffer, o los alemanes Robert Beyer, Herbert Eimert y
Karlheinz Stockhausen En Estados Unidos, destaca el padre de la música aleatoria,
John Cage.
El sintetizador Theremin.

Ahora que ya conocemos los verdaderos orígenes de la musica electrónica vamos a
estudiar como los diferentes géneros musicales han ido integrando la tecnología
fusionándose e influyéndose unos con otros para la creación de otros nuevos.
En sus orígenes y derivada de la musica funk y disco, la musica electrónica era un

sonido minoritario, muy purista, que utilizaba los sintetizadores, cajas de ritmo y
samplers para llegar a crear un sonido puro, distinto a lo que había hasta entonces,
gracias a la interacción hombre – maquina.

Creada en ambientes muy distintos a lo habitual, no se componía en estudios, sino
garajes, habitaciones en casas, y compartiendo experiencias tecnológicas entre los
pocos afortunados que se hacían con alguna de estas maquinas, era rechazada por el
resto de géneros populares como el rock, el pop o el funk, ya que su producción era
completamente sintética sin que interviniera ningún tipo de voz o de mano humana
tocando un instrumento. Debido a estas razones, es muy injusto el tratamiento que se
le ha dado a la musica electrónica hasta hace bien poco, tachándola poco mas que de
basura musical. Pero ese mismo trato se le dio en su dia al rock tachado de diabólico, y
al pop, calificado como musica simple y para analfabetos, convirtiéndose al final en los
dos estilos mas populares y dominantes de todos los tiempos. Gracias a artistas y
grupos como, Kraftwerk o Giorgio Moroder o Pink Floid que comenzaron a utilizar son
primeros sintetizadores como el Theremin o el archí famoso Moog, entre los años 60 y
70, otros muchos se decidieron tambien por hacerlo, nombres como the Beatles,
Donna Summer o David Bowie fueron producidos por Moroder, que fue el primero en
introducir comercialmente los sonidos mas sintéticos en la musica. A partir de aquí una
ristra sin fin de bandas y grupos que han marcado épocas se sumaron a esta corriente
de utilizar estructuras clásicas de rock y pop con sintetizadores, cajas de ritmos,
ordenadores y demás tecnología para fusionar la musica de siempre con la electrónica,
nombres como Pet Shop Boys, Depeche Mode o Duft Punk y muchos otros, se
sumaron al carro para crear nuevas corrientes musicales, y así entre finales de los 70,
80 y hasta los 90, aparecen por fin los géneros de musica electrónica que la han
marcado la historia de esta corriente musical hasta dia de hoy, el house, el techno y
trance.


Llegados a este punto he de decir que la musica electrónica goza de una extraordinaria
salud y esta ahora mismo en lo mas alto y es comparada con los estilos de mas
prestigio, los artistas que antes no querían saber nada de ella, introducen sus arreglos
en sus producciones y sus bajos y melodías sintéticas resuenan hasta la saciedad
acompañando a sus liricas. Es mas se pelean por ser remezclados por los artistas top
de electrónica y sus derivados.

De lo que no cabe ninguna duda es de que la música electrónica es hoy por hoy, la
última evolución de este universo musical en el que vivimos los Djs. En la ultima
década ha sido la fuente más prodiga en creatividad e imaginación, contando ya con
más de treinta años de apasionante historia. Páginas llenas de descubrimientos,
tesoros, basura musical, sentimiento, locura y mucha electrónica.
La electrónica ha hecho ya un largo recorrido histórico adoptando diferentes formas a
través del ritmo, fusionándose con sus mas directos predecesores, el funk, la música
disco, el dub, y el hip hop o incluso el pop, y dando como resultado un universo sin fin
de diferentes estilos y corrientes musicales que pasan por denominaciones tan
dispares como el electro, la música industrial, el house, el techno, el Acid, la mákina, el
ambient, el pop electrónico, el down-tempo, el jungle, el deep, el breakbeat o el UK
Garage por citar una leve minoría, y creo a ciencia cierta que casi no habría espacio en
ningún libro para contabilizarlos, describirlos y enumerar a sus máximos
representantes, es por ello que hemos decidido hacer una selección de los estilos mas
representativos y que marcaron la historia y la tendencia en clubs y discotecas hasta el
dia de hoy.

6.2 Géneros:

El house. Acid house, Deep House, Tech house, Funky House, Tribal House,
Progressive house, Electro, El Techno, El Minimal, El Trance, El EDM, El Ambient,
Chilout:

• Orígenes-Raíces
• Desarrollo
• Características musicales
• Influencias y marco social
• Artistas Pioneros
• Artistas Destacados
• Sellos Discográficos
• Sub Géneros

o Otros géneros a tener en cuenta: la musica urbana, el reggaetón, Trap, dubstep etc.

EL HOUSE
La musica denominada “House” nace en las ciudad de New York entre finales de los 70
y los años 80. Se caracteriza por sintetizar la musica de baile proveniente del disco y el
funk y el mas reciente techno-pop con del grupo alemán Kraftwerk a la cabeza, en
patrones rítmicos de compas cuatro por cuatro con sencillas líneas de bajo y acusadas
percusiones graves y profundas, utilizando para su construcción, samplers, cajas de
ritmo, sintetizadores y vocoders que modificaban la voz humana, para darle mas
tensión e interés a las piezas musicales propias de la época.
El un principio, el género se origina como una reacción a la saturación producida por la

música disco para renovar la pista de baile de un sonido aburrido y ya obsoleto, y cuyo
fin principal es hacer bailar a la gente. A posteriori el genero fue evolucionando
experimentando diferentes transformaciones hacia la experimentación y las corrientes
mas minimalistas
Se producía en casas, garajes y todo de lugares no habituales para la producción
musical tal y como se conocía hasta entonces y en parte lleva ese nombre por esa
razón, la otra es porque el nombre proviene de la contracción del nombre de uno de
los clubs de la época, el club Warehouse, su nombre era demasiado largo y todo el
mundo para abreviar lo dejaba el “house” .
Aparece por primera vez como corriente musical en el club The Loft en Nueva York, y
es a manos del el disc-jockey Frankie Knuckles quien lo lleva a Chicago para la
inauguración del club del que toma su nombre The Warehouse. En un principio el
genero esta orientado hacia la comunidad negra homosexual y solo se escucha en los
clubs, hasta que Farley Jackmaster uno de los Djs de Funk mas influyentes de Chicago
mezcla el recopilatorio Hot Mix 5 y Tony Humphries, otra de las figuras legendarias del
House, lo estrena en la radio en Nueva York.

Es entonces cuando la música house empieza a adquirir otra dimensión y hacerse
popular gracias a sellos discográficos como Trax Records, en donde publican Marshall
Jefferson y Frankie Knuckles aunque fue con el tema “Jack Your Body” de Steve Hurley
(1986) con el que este estilo se reafirma llegando a ser muy popular entre ciertas
poblaciones de Estados Unidos, que empieza a exportar ese sonido a otros países
como Inglaterra y Holanda. Debido a este fenómeno enseguida aparecen diferentes
subgéneros y figuras relevantes como el Dj Larry Levan y su club Paradise Garage
donde comienza a pinchar pegadizas melodías de piano provenientes del funky y el
Soul. El lanzamiento de Phuture “Acid Trax” (1987), con su característico sonido de
bajo (generado por el sintetizador Roland 303), marca un antes y un después en la
historia de este genero, al que se suman éxitos como This is Acid” (1987), de DJ
Maurice, y “We Call It Acid” (1988), de D-Mob. Y sencillos como “Gypsy Woman”, de
Crystal Water, y “Finally” de CeCe Peniston, ambos de 1991, que significaron la llegada
del house al top de ventas internacional.
David Mancuso, Frankie Knuckles, Larry Levan, o el francés Farncois Kevorkian son las
figuras pioneras que dan tremendo impulso a este genero para que otros Djs como, DJ
Pierre, Tood Terry, Marshall Jefferson, 808 State o los mas que conocidos Pet Shop
Boys lo popularizaran al máximo a partir de finales de los años 80. Y desde entonces un
sin fin de apariciones estelares de los Djs internacionales que realmente consolidaron
el genero House en todo el planeta, Erik Morillo, Roger Sánchez, David Morales,
Armand Van Helden, Hernán Cattaneo, Satoshi Tomiie, Danny Tenaglia, Pete Tong,
Steve Lawler, Deep Dish, Eddie Amador, y un largo y largo etc.

En España el House no empezó a arraigar hasta finales de os años 90, con figuras tan
relevantes como Wally López, el popular dj, locutor, y productor musical, pionero en
publicar en sellos de referencia mundial como M.O.S, Defected, Fluential, o
Yoshitoshy, pioneros a su vez en el estilo. Bajo su estela nombres como Chus &
Ceballos, J.L Magoya, o D- Formation desarrollaron el genero hasta lo mas alto bajo
otras corrientes o subgéneros como, el progressive house, tribal house o el deep.

Wally López © 2018

En definitiva podríamos afirmar que el house es uno de los géneros que conforman la
base y las raíces de la música electrónica, junto con el techno y el trance, con los que
se fusiona para dar lugar a otros muchos tipos de sonidos que ahora pasaremos a
estudiar.


ARTIST TRACK ID LABEL
Frankie Knuckles Your Love Trax Records
Tood Terry Keep on Jumping Manifesto
Wally López Amman Fluential
Danny Tenaglia Elements Twisted America
Eddie Amador House music Yoshitoshi
Chus & Ceballos That Feeling Defected
Stardust Music Sounds better with U Roule
(Thomas Bangalter, Daft punk)
Armand Van Helden The funk Fhenomena Henry Street


Corrientes dentro del sonido HOUSE:
ACID HOUSE
El “Acid” surge directamente derivado de la aparición un aparato

denominado TB-303 de la casa Roland, el mítico secuenciador de bajos, tan
difícil de programar como imprescindible para este subgénero musical,
evoluciona el house a un sonido acido, crujiente, retorcido y secuencial, muy
repetitivo. Su icono y por el cual se conoce mundialmente a este estilo es el
famoso “Smiley”, y sus inventores el grupo Phuture, con Dj Pierre y Spanky a
la cabeza y su tema “Acid Trax” (editado en 1987).
La expresión Acid, entre otras teorías a cada cual mas increíbles, se cree que
proviene de la moda entre los Djs, los músicos y la industria de los clubs
nocturnos, de consumir drogas psicodélicas a mediados de los 1980. Otras
decían que ese nuevo estilo era tan “hot” que quemaba la pista de baile
como el ácido, pero en general la opinión más difundida es, por supuesto, la
de los propios autores de Acid Trax. Según ellos le dieron ese nombre a la
canción porque el sonido que producía la TB 303 se parecía al sonido que
produce el acido cuando cae en algún objeto consumiéndolo y retorciéndolo
(aplicado a bajos y melodías), en este caso como si hubiera caído ácido sobre
la 303.
129
Tecnico en video disc-jockey y sonido por Ismael Rivas
A finales de la década e los 80 el Acid fue dado de lado por la sociedad y la
industria musical debido a los problemas originados por las raves y las drogas
de diseño. Solo unos pocos siguieron prodigando esta corriente
convirtiéndose en el exponente del genero el grupo Hardfloor, con temas
como “Mahogany roots”. A partir de aquí el Acid y ligado a la corriente
Trance que hacia estragos por toda Europa, propicio el nacimiento de dos
grandes corrientes que mezclan estos dos géneros, el Psytrance y el Goa
Trance. En cuanto al house, su máximo representante lo encontramos en
Filadelfia Usa, Josh Wink son su todo poderoso sello Ovum Recordings.

Hardfloor Mahogany Roots Hardfloor
Emanuel Top Acid face Atack rec.
Jost wink Higher State of conciousness Manifesto
Maurice This is Acid Trax Rec.
Dj Pierre y Spanky Acid Trax Trax rec.
130
DEEP HOUSE
El Deep House, ese gran desconocido, presente en multitud de ocasiones en

nuestra vida cotidiana, eventos, celebraciones, clubs, comercios, restaurantes
y un sin fin de circunstancias en la que nos pasa completamente
desapercibido, ese ritmo lento, cadente, que todo el mundo considera hasta
aburrido, pero que sin quererlo todo el mundo lo baila, o en su traducción
literal ese house profundo.
Descendiente directo del House de Chicago e influenciado directamente del

Soul y funky se caracteriza principalmente por su bajo numero de beats, entre
los 100 y 120 BPM; sus sonidos cálidos, dulces, envolventes acompañados de
atmósferas, y sonidos electrónicos mas sus trabajadas melodías, arpegios,
largos e interminables pads y dulces y cuidadas vocales lo caracterizan como
un genero elegante y con clase.
Se desarrollo a partir de los años 80 en San francisco, Nueva york y Chicago

llegando a Ibiza donde se arraiga profundamente. Artistas como Blaze, Joe
Smooth, Deep Dish, Kerry Chandler, Kascade, Miguel Migs, o Jimster
pioneros del genero, o ya mas cercanos en el tiempo, Maya James Cole,
Booka Shade, Dixon, Solomun o Maceo Plex, encabezan la elite de este
característico sonido.
La adaptación de este genero a cualquier circunstancia hace del mismo una

corriente muy versátil y que se adapta a muchos y diferentes registros dentro
del mismo genero, y que con el paso del tiempo se ha mantenido baste fiel a
sus características iniciales.
En la actualidad podríamos decir que el Deep house es una de las corrientes

mas de moda en todo el mundo, en vías de expansión, con su epicentro en
Ibiza, tiene su mayor representante mundial en su vertiente mas
underground, en el dj germano Solomun o sellos de referencia como Get
Phisical, KittBall, Lapsus, Spinnin Deep … Por otro lado tiene su corriente mas
comercial y masiva en el nuevo modelo de negocio que poco a poco se
expande por todo el mundo como son los restaurantes con DJ en directo en
los que el Deep House el la música predominante en su versión mas soft y
Cool.
131

Mandy & Booka Shade Body Language Get Phisical
Blaze How deep is your love Shelter Rec.
Maceo Plex Can´t leave you Crosstown Rebels
Joe Smooth Promise Land Boy Rec.
Maya Jane Cole What they say Real Tone
132
FUNKY HOUSE
Como dice la propia palabra, el Funky House, es una variación del género
House, con profundas influencias del funk y la musica disco. Destaca
principalmente por el uso de voces muy cercanas al gospel y la musica negra
en donde las acapellas, y “solos” tanto de voz como de instrumento son
elementos destacados en su composición, el uso de pianos, vientos (saxo,
flauta) y demás instrumentos propios de la orquesta hacen de este genero el
mas cercano a la musica contemporánea clásica.
Sus pegadizos riffs de piano y teclados hacen del funky house un genero de
musica electrónica mas cercano a lo comercial. Sus principales abanderados
fueron en un principio las grandes estrellas del house que en un momento
dado se vieron influidos por esta tendencia, hablamos de figuras como David
Morales, Erik Morillo, Soul Central o Stone Bridge, muy populares entre
finales de los 90 y la primera década del 2000, o David Pen nuestro
abanderado y precursor de este genero en España con publicaciones en
sellos identificativos del genero como Head Candy, Subliminal o M.O.S
(Ministry of Sound).
En la actualidad y por la evolución que ha sufrido la musica electrónica hacia
sonidos mas sintéticos y electrónicos, esta corriente se ha visto prácticamente
abandonada y sin peso en el mercado discográfico internacional.

Soul Central Strigs of Life Defected
Stone Bridge Can´t get enought Hed Kandi
David Morales In da Guetto Manifesto
David Pen & Dj Chus Sunshine Black Vinyl
Erick Morillo Dancing Strictly Rythm
133
TRIBAL HOUSE
Evidentemente este sub genero del house es resultante de la mezcla entre los
sonidos de percusión mas étnicos, provenientes de las tribus africanas, de
tintes energéticos, rítmicos, incluso hipnóticos, y sampleados y procesados
para su utilización en la musica electrónica junto a los sonidos del mas puro
estilo house.
En un principio puede asemejarse a derivados de la musica latina, como la
samba, o la cumbia…… aunque debido a su evolución y la utilización de
percusiones mas agresivas, como toms, cajas, tambores, o darbucas hacen
que el genero desemboque en enérgicos y contundentes beats, dando ese
toque salvaje y tribal a sus composiciones.
El trival como se denomina comúnmente, se identifica en un primer momento
por su alejamiento de la parte melódica de las composiciones del house mas
tradicional, otorgando a los temas un toque “dark”, oscuro, que caracteriza a
gran parte de estas composiciones por el uso de esas contundentes
percusiones y gran cantidad de efectos de sonido que sustituyen a las
melodías y armonías del house. A posteriori los productores y Djs de Trival
añadirán a sus composiciones, simples pero efectivas melodías muy lineales y
repetitivas, dándoles un toque oscuro y melancólico que desembocaría en el
denominado Progressive House.
Productores como Danny Tenaglia, Murk, Tom Stephan aka Superchumbo,
Deep Dish o D-Formation se convirtieron en los djs referentes del genero,
con publicaciones en sellos tan importantes como Trival América, Twisted, o
Yositoshi, hasta que hacia el año 2000 hizo su aparición en escena el sello que
se convertiría en referente mundial de este popular sonido, Stereo
Productions. Con base en España, Madrid, sus dos fundadores DJ Chus &
Ceballos, hicieron mas que popular por todo el mundo su mas que conocido
Iberican Sound.
134

Manaca, Chus & Ceballos Strong Rythm Stereo Productions
Celeda The underground Star 69
Delgado Coffe Beats vol 2 Defected
John Creamer, Sthephan K Forget the World Global Underground
Circuit Boy The Door Twisted
John Creamer, Sthephan K I Love U Acetate
135
PROGRESSIVE HOUSE
Este derivado del house y originario del reino Unido en los años 90, adopta el
termino progressive o progresivo al igual que hizo el rock y otros tantos
estilos cuando quisieron desmarcarse de los estándares de la musica ya mas
comercializada dando a sus composiciones un toque mas experimental y
oscuro.
Sus patrones rítmicos y las estructuras de las canciones con largos y pausados
desarrollos llenos de capas musicales, se basan en el dub, y en el trance,
aunque adoptando unas BPM mucho menores entre 124 y 130. Su complejas
melodías, armonías y voces, sucedidas paso a paso, con grandes breaks y
subidas hacen de la palabra progresivo toda una realidad en este estilo
musical.
El sonido progressive se populariza en el año 1992 gracias a los dos djs
residentes del popular club de Mansfield (UK), Renaissance, Sasha y John
Digweed fueron los responsables de dar a conocer y difundir por todo el
mundo su sonido original hasta nuestros días.
Desde su concepción original, el progressive house a adoptado diferentes
patrones; a la par que el trance se iba popularizando el progressive se
convertía en su alternativa mas underground, oscura y menos comercial, y
adoptaba patrones rítmicos de otros géneros como el Trival o el Deep,
sumando a su sonido melódico y atmosférico el ritmo y la contundencia
popularizándose asi en otros países que lo adoptan como corriente musical
de moda que arrasa en las pista de baile. Es el caso de la escena australiana
con destacados artistas como Luke Chable o Phil Kieran apoyados por los
pioneros del genero Sasha y John Digweed y otros artistas internacionales
destacados como Hernán Cattaneo, Dave Seaman o Anthony Pappa. Sellos
como Hooj Chons, Soma, Baroque, Bedrock o Deconstrucion se convirtieron
en iconos de este sonido influenciando sobremanera al trance, y generándose
cantidad de subgéneros como “Armada Music”, cuyo propietario es Armin
Van Bureen, o "Anjuna Deep" creado por en su dia por Avove & Beyond.
En España tengo el orgullo de haber contribuido a consolidar, trasmitir y
expandir por toda la geografía nacional y posteriormente fuera de nuestras
fronteras, este inimitable genero musical durante los años 2000 a 2006 como
uno de los Djs y productores mas influyentes de esta corriente musical,
consiguiendo por ello numerosos premios Dj Mag y publicando en sellos
referentes como Armada, Stereo, Global Underground o Yoshitoshi.
Ah sido un verdadero privilegio vivir en primera persona la evolución a nivel
mundial de un genero musical, conociendo en persona a sus pioneros Sasha y
136
John Digweed y compartiendo cabinas y clubes por todo el mundo con el
resto de djs referentes como Cattaneo, Satoshi Tomiie, Matthew Dekay, Guy
J, Chus & Ceballos, D-Formation, James Holden, y un largo y largo etc.
A partir 2006 la popularidad del progressive house descendió en picado,

debido en parte al giro musical que dieron los Djs mas influyentes, hacia
electro, el minimal y el tech, con sonidos mas simples y menos complejos que
sacaban al publico de la oscuridad y melancolía del progressive house en sus
ultima expresión. A dia de hoy el progressive vuelve con fuerza de nuevo
abanderado por aquellos que en su dia lo hicieron popular y como respuesta
a la misma causo por la que cayo en desuso, la monotonía y simplicidad de los
beats de uno de los géneros que lo sustituyo, el tech house.

Atlas , Tarrantella y Redanka Comapass error rmx Plastic Fantastic
Chable & Bonnici Ride Alernative Route
Pryda Aftermath Pryda Rec.
Mattew Dekay If i could fly Deep Rec.
Eric Pridz Opus Pryda rec.
Maceo Plex , Royksopp Sordid Affair Ellium
137
ELECTRO

Heredero directo del Electroclash, nació en los albores de la década de los 80, y para
ello se dieron una serie de condicionantes que lo hicieron posible. El primero en el cine,
el impacto de La guerra de las galaxias de George Lucas junto a la aparición de
videojuegos tan populares como Space Invaders o Pac-Man, acompañados de la
llegada del tecno-pop, hicieron que los afroamericanos optaran por una salida
futurista a la opresión del mundo blanco que conduciría al nacimiento del electro, un
espacio sonoro donde se entrecruzaban los cálidos ritmos del Bronx negro con los fríos
robots cromados de Kraftwerk.
Pasión y precisión, tecnología, futuro y un sonido robótico y maquinal invadió la
emergente escena hip hop, house y en ultimo lugar electroclash, aportando ritmos
fríos y eléctricos que repoblaron la escena musical electrónica hasta convertirse entre
2004 y 2006 en uno de los subgéneros más influyentes de la Música electrónica.
En cuanto a estructura que lo distingue, esta fuertemente marcada por el Acid y el
Hard House, combinando un ritmo robótico y sincopado 4x4 con bombos y bajos muy
marcados aliñados con potentes sintetizadores analógicos, guitarras y de vez en
cuando pianos, eso si todos ellos fuertemente distorsionados, incluso llegando a ser
desagradables al oído. Ese sonido distorsionado característico del electro, busca una
crudeza y dureza que lo desmarca completamente del house y demás tendencias todo
ello aderezado con efectos de vocoder y la evocación futurista y galáctica de todo tipo
de ruiditos y bleeps.

El más obvio precursor del movimiento Electro es Afrika Bambaataa, el es el verdadero
padrino del electro, en una noche de locura parió junto al famoso productor Arthur
Baker el absoluto himno del género, Planet Rock.

Después de el, Djs como Hell, Felix da Housecat o los franceses Mr. Oizo, o mas
recientemente los suecos Swedish House Mafia, han dado una nueva dirección en el
Electro hacia el House haciendo del electro un sonido maxivo en todo el mundo
llevado hasta la cima por artistas como Xkrillex, Steve Aoky, Dimitry Vegas & Like Mike
o Zeed.

Afrika Bambaataa, Arthur Baker Planet Rock Tommy Boy
Mr. Ozio Flat Beat F.Communications
DJ Hell & Richard Bartz Rock My Body To The Gigolo
Beat
Swedish House Mafia Greyhound Virgin
138
Skrillex Scary Monsters And Mau5trap
Nice Sprites
TECH HOUSE

En la continua evolución paralela entre el house y techno y según su inevitable
decadencia a lo largo de los años, el tech house nace como una fusión entre estos dos
estilos. El techno baja su intensidad y sus bpm hacia sonidos menos oscuros, y el house
adopta la potencia y energía del techno acompañado de ese toque lineal e hipnótico,
que combina elementos melódicos, percusivos, potentes líneas de bajo, efectos por
doquier con una cadencia continua y prolongada en el tiempo en un beat entorno a los
120 y 128 bpm.
Esta nueva fusión atribuida en sus inicios al Dj británico Eddie Richards, ha
evolucionado adoptando a lo largo de estos últimos años elementos de numerosos
subgéneros del house, acid, progressive, deep; una de sus peculiaridades es su
sensación de continuidad, música bastante lineal que no te deja parar de bailar, en la
que no hay sensación de Breaks ni paradas pero si grandes subidas, y la fusión de
muchos elementos musicales.

La fusión de todos estos elementos lo han convertido en estos últimos 5 años en el rey
absoluto e indiscutible de la música electrónica y la pista de baile, con iconos pioneros
como Terry Francis, Silicon Soul o Layo & Bushwacka, como referentes y la flor y nata
del tech house mundial en la actualidad, Steve Lawler, Nic Fanciully, Luciano, o Marco
Carola; sellos se influencia internacional como Viva Music, Cadenza, Material, o el sello
español de referencia internacional líder en descargas digitales en todo el mundo,
Suara con su ceo, Coyu y artistas españoles de renombre internacional como, Uner,
Edu Imbernon, Dosem, o Ramiro Lopez.


Coyu y Edu Imbernon El baile alemán Suara
Technasia Obsessión Technasia Rec.
Ame Rej Innervisions
Oxia Whole life 8 Bit
Uner Pallene Cadenza
Patrick topping Forget Hot creations

139
TECHNO
Henry Ford, forjo a historia de la industria del automóvil a mediados de los 50 en una
ciudad llamada Detroit, en Estados Unidos, todo fue muy bien hasta la segregación
racial provocaron graves disturbios y la industria empezó a caer en picado, provocado
un panorama sociocultural que nadie quería ni imaginarse, la población blanca
comenzó a emigrar y la ciudad se vio desolada, y con una población negra que no sabia
que hacer, o eras muy creativo y te buscabas la vida o eras muy negativo y te ibas de la
ciudad o te dedicabas a la delincuencia. Estas circunstancias fueron exactamente las
que provocaron la aparición de Techno en la ciudad de Detroit.

Su verdadero origen hay que buscarlo a partir de 1978 en los programas de radio del
mítico DJ de radio The Electrifying Mojo, que mezclaba a Parliament con los B- 52’s,
Visage, Kraftwerk y Prince. En las afueras de Detroit, en el Instituto de Belleville se
conocieron tres estudiantes que compartían su pasión por los programas de The
Electrifying Mojo.

Esos tres chicos eran Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderson, los denominados
padres del Techno junto al cuarto en discordia que pronto aparecería en escena, Jeff
Miles. Ellos realizaron los primeros experimentos electrónicos en aquella ciudad,
exhibiéndolos en fiestas universitarias, lo que pronto daría lugar una nueva escena
local. Es precisamente Juan Atkins quien publica en 1984 producciones bajo el nombre
de Cybotron el legendario Techno City. Al poco tiempo Atkins sería entrevistado para
la revista inglesa The Face, donde se le pregunta cual es el encuadre musical de
Cybotron en cuanto a géneros, a lo que contesta: «Call it techno».

A partir de aquí Atkins decide crear su propio sello, Metroplex, y con el a.k.a de Model
500 publica su primer single, No UFOs, con el que se inaugura la era techno. Sus
amigos Derrick May y Kevin Saunderson crean, respectivamente, los sellos Transmat y
KMS, que se convertirán en vehículos para la edición de sus discos, así como en viveros
para nuevos artistas como Eddie Fowlkes, Blake Baxter, u Octave One .
En esa primera etapa se gesta esa verdadera escena underground del techno, maxis
sin portada y artistas con multitud de alter egos, nadie pone cara a nadie, solo existe la
musica y la experimentación, eso si todo ello perfectamente definido bajo el nombre
de techno de Detroit, con un sonido cromado, limpio, funky, creado con las cajas de
ritmos TR-808 y TR-909 y que no difería al principio en mucho del house de la vecina
Chicago. De hecho, hasta que Virgin edita a nivel internacional la recopilación Techno!
The new dance sound of Detroit en 1988, no se empieza a hablar propiamente de
techno.
Temas como Nude photo de Mayday, When we used to play de Blake Baxter, Big fun y
Good life de Inner City, o el magistral Strings of life de Rhythim Is Rhythim, se
convertirían en los primeros grandes himnos de un género, pero a pesar de todo, el
techno seguía siendo una corriente minoritaria reducida a la vida de la comunidad
negra americana.

140

Entre 1988 y 1989 Derrick May y Kevin Saunderson, se ven fuertemente influenciados
en sus producciones por la escena house de Chicago, en ese momento con Terry Farley
o Jack Master Flash con su mítico House Nation (1986) a la cabeza; la escena techno
tenia su epicentro en el club The Music Institute, donde pinchaba Derrick May, y que
serviría de semillero de los nuevos artistas de la denominada segunda generación del
Detroit techno, como Stacey Pullen, Kenny Larkin, Carl Craig, Richie Hawtin
(procedente de Windsor, Canadá) o Underground Resistance, una célula techno-
anarquista situada entre Public Enemy y Kraftwerk, en la que militaban Jeff Mills, Mike
Banks y Robert Hood.
Es en ese momento es cuando el Techno comienza a adoptar patrones muy similares a
los del house, compas 4x4, con un bombo muy marcado, y la consecuente utilización
de aparatos electrónicos como sintetizadores y samplers. A diferencia de otros
géneros como el electro pop, el techno no utiliza la estructura de una canción al uso,
sino que esta estructurado de manera cíclica y repetitiva, para maximizar el efecto
hipnótico de la música de baile.
Hasta entonces el techno había esta fuertemente influido por uno de los grupos
pioneros de la música electrónica, Kraftwerk, sus producciones, Man Machine (1978) y
Computer World (1981) exhibían ya las primeras sonoridades minimalistas y tecnoides
de que se tiene en conocimiento dentro de la música popular.

Alemania, cuna del techno en Europa
El desarrollo del techno en Europa se puede considerar un fenómeno de ida y vuelta,
ya que la música de Kraftwerk y de los abanderados del synthpop salió primero de
Europa hacia Detroit y Chicago, para después regresar en los años 90 al viejo
continente.

Es a finales de los ochenta, cuando este género se empezó a popularizar en Europa,
gracias al lanzamiento de la compilación, Techno, The New Dance Sound Of Detroit
(Virgin Records, 1988) primero en Gran Bretaña y después en el resto de aquel
continente. Una de las primeras ciudades donde llega en Europa es a Francfort en el
sur de Alemania, convirtiéndose así esta en el centro de la movida techno europea.
Es allí donde surgen diversos sub géneros derivados del techno como el Hardcore y el
Schranz y es también el primer país europeo en difundir la cultura techno a través de
sus fiestas Rave o la Love Parade en Berlín junto a las primeras revistas especializadas
en techno, como Frontpage.
Pasa lo mismo con los sellos discográficos son los casos de Eye Q, creado por Sven
Vath, o en Berlín el mítico club Tresor ya desaparecido que tenía su propio sello con el
mismo nombre, o sellos míticos como Superstition y Noom Records.
A su vez en los primeros años de la década de los 90 y la escena inglesa se pobló de
grandes nombres como Orbital, Autechre, Future Sound of London, 808 State, o
Underworld, mucho mas interesados en la construcción de una arquitectura sonora
que en la realidad social y los problemas raciales, como Detroit.
141

Mientras Gran Bretaña vive con intensidad la cultura de las raves y del sampling en
Europa surge el trance (derivación psicodélica del techno) en la ciudad de Francfort,
con el dj Sven Väth a la cabeza.

El techno es ya un fenómeno de masas y a partir de aquí, se suceden sus infinitas
derivaciones: desde el ethno-techno (raíces y cables) hasta la cyberdelia, pasando por
el electro-techno de Anthony Rother o Dave Clarke, el revolucionario digital punk de
Alec Empire y sus Atari Teenage Riot, el tech-funk de Cristian Vogel y Steve Bug, el jazz
futurista de Innerzone Orchestra (proyecto de Carl Craig), Ian O´Brien y Kirk DeGiorgio,
el techno-dub de Leftfield, el hard techno de Carl Cox, Surgeon y Óscar Mulero, el
minimal techno de Richie Hawtin, Jeff Mills o Michael Mayer, el actual nu-trance de
Nathan Fake y James Holden, o las diversas ramificaciones del tech-house, una
corriente muy extendida en la actualidad.

Desarrollo posterior del techno en EE.UU.
Mientras Europa el techno vivía su máximo apogeo y se hacia máximo, en Estados
Unidos, Detroit el género se desarrollaba de manera muy underground ,surgía así uno
de los sellos referentes del techno mundial de todos los tiempos, U.R (Underground
Resistance) fundado por Jeff Miles y Mike Banks en el año 89. Gracias a este sello, las
producciones techno estadounidenses se hacían cada vez más populares en Europa.
En 1994 también en Detroit nace un nuevo concepto musical: el Minimal Techno
(creado por Robert Hood y su álbum Minimal Nation) del que Richie Hawtin, se ha
convertido a dia de hoy en el principal icono del techno tanto con su nombre como su
aka Plastic Man y su sello MINUS.
Comercialización
Debido al boom experimentado por este genero en ambos continentes en la década de
los 90, las discográficas vieron que podía ser un negocio muy muy rentable, y por ello,
se crearon productos comerciales como Dass Boot de U96 , James Brown Is Dead de
L.A Style o Don't You Want Me de Felix. Estas fueron las primeras producciones del
denominado “Techno comercial” alejado de los beats mas underground de Detroit y
que dieron origen al denominado Eurobeat, mezcla entre mezcla entre Techno, Pop y
Hip Hop cuyo sonido estuvo encabezado por Culture beat y 2 Unlimited.
La comercialización del techno tambien originó la aparición de los charts y listas de
éxitos donde aparecían los rankings de ventas y de canciones recomendadas por los
djs mas influyentes como mecanismo de marketing para poner de moda determinados
temas impulsados por las discográficos.

Internacionalización
Si bien el techno siempre tuvo y tendrá su epicentro en Detroit y posteriormente en
Alemania, el resto del mundo tambien se vio inmerso en esa cultura techno creada a
partir de su llegada masiva a Europa. Su progresiva exportación gracias a grandes
142
eventos como Love Parade o Street Parade, no solo se queda en Europa Occidental,
sino que llega a Sudamérica y hasta a Japón derivando en otros genérenos a posteriori.
Por su puesto la escena no se ciñe solo a Detroit y Alemania, llega a Italia con
exponentes tan importantes del techno mas duro como Gaetano Parisio, Marco
Carola, o Danilo Vigorito.
Algo así también se da en España, donde en Valencia se dan los primeros sonidos del
denominados Mákina, y los sonidos techno de corte mas purista como Megabeat,
proyecto que comenzó en 1990 con gente como Gani Manero, Julio Nexus y Fran
Lenaers, y que tuvieron éxito gracias las producciones Strange, bajo el nombre de
Interfront, disco Invisible 01 y, un mes después, Es Imposible, No Puede Ser el Invisible
02.
Hacia el 94, Yugoslavia, pasa a ser uno de los epicentros del techno en el panorama
electrónico europeo. Con figuras como Umek y Valentino Kanzyani
En Suecia el techno llega a principios de los '90. Los DJs Cari Lekebusch y Adam Beyer
con su sello Drum Code icono sonoro junto a sellos como Soma, Tronic y U.R.
A partir del año 1995 comenzarían a nacer otras corrientes del techno que ya
habíamos citado con anterioridad, en Francfort nace el Schranz con Chris Liebing a la
cabeza.
A su vez tambien irrumpe en escena el Dub Techno con el proyecto Rhythm Sound (M-
SERIES) desde su sello Basic Channel con su sonido atmosférico cósmico Detroitiano
tan característico.
Por ultimo el minimal techno estadounidense llega a Europa para instalarse en
Alemania y servir como caldo de cultivo para grandísimos productores como Paul
Kalkbrenner, Ellen Allien, Magda, Modeselektor, o Alexander Kowalski.
Nace como un sonido minoritario muy exclusivo solo apto para mentes abiertas y
cultivadas en el genero electrónico y las artes, ya que esta fuertemente influenciado
por la pintura (Mark Rothko) y la escultura, pero que rápidamente pasa a ser un
fenómeno de masas gracias a una de las figuras mas importantes e influyentes en la
musica electrónica universal el canadiense sir Ritchie Hawtin con su EP en el sello
Minus, Orange en 1999, un track con estructuras inconfundibles de Techno pero con
contenido Minimal. Luego vendría su mayor éxito es el álbum Closer (NovaMute,
2003).
A partir de aquí el techno sigue creciéndose y fusionándose continuamente, techno
melódico, industrial, psico techno y mil corrientes mas aparecen y desaparecen hasta
nuestros días, en España Oscar mulero y Cristian Varela se convierten en los
estandartes del techno español, junto a Ángel Molina y en la Actualidad unos de los
mejores djs de techno del mundo, Paco Osuna.
Aparecen muchos sellos entre los que destacan Primate Records y Pornographic
propiedad de Cristian Varela y Pole Group propiedad de Oscar Mulero, y muchos clubs
de renombre mundial, cuna del techno en España, como Florida 135, Fabrik, Family
Club, Club 4, Code, Sonar Monegros Desert festival, o Dreambeach Villaricos,
143
VISIONADO DE EL DOCUMENTAL:
DETROIT TECHNO – the creation of techno music (subtítulos en español)
CRISTIAN VARELA, mejor DJ Techno del Mundo 2007 y 2013

Jeff Miles The Bells Purpose maker
Surgeon La real Counter balance
Juan Atkins Model 500 Metroplex
Joy Beltran Energy Flash Transmat
Luke Slater Astra Naut-E GPR
Under World Born Slippy Junior Boiz Own
Robert Hood Minus Tresor
DJ Rolando Knights of the Jaguar U.R
Laurent Garnier Crispy Bacon F Communications
Cybotron Alleys of your maind Deep Space
Dave Clark The Storm Bush
Adam Beyer Lost & Found Conform
Oxia Domino Speicher - Kompakt
Julian Jewell Air Conditione Skrypton
Thomas vs Filterheadz Sunshine Intec
144
MINIMAL

Si hablamos de minimal como genero musical, tenemos que mencionar
obligatoriamente la corriente artística denominada minimalismo nacida en la década
de los años 60, y que influyo poderosamente sobra la mayoría de corrientes artísticas a
partir de los 90 y sobe todo en la musica electrónica a partir del año 2006, 2007. Su
definición es bien sencilla reducir a lo esencial despoblando a las piezas de elementos
sobrantes.
El termino minimal lo podemos aplicar a tanto a géneros como a subgéneros musicales
creando a su vez nuevos subgéneros evolucionados dentro de otras corrientes de
música electrónica, véase el ejemplo del minimal techno, o minimal house entre otros.
que fueron perdiendo gradualmente los elementos que los ligaban a otros géneros,
hasta quedarse reducidos a la mas simple expresión.
El minimal se caracteriza por usar la tecnología mas vanguardista para manipular el
sonido y obtener texturas abstractas creando música a partir de sonidos mas que de
melodías, y armonías. Si podemos encontrar fragmentos muy pequeños en algunas
canciones denominados Glitch resultado del acortamiento de los sonido y las notas y
aplicándoles distorsión.

Otra de las características particulares del género es utilizar la vanguardia lo
transgresor lo avanzado para romper con las normas y aplicar nuevos conceptos
rítmicos a las piezas musicales, abandonar por completo el compas 4x4 adoptando
otras formas musicales rítmicas como el 3/4 7/8 ó tresillos.

Abanderado de este sonido aplicado al techno es el dj y productor canadiense Richie
Hawtin y sus sellos discográficos Plus 8 y Minus, junto a el Artistas como Gayser,
Audion, Robert Hood o Trentemoller se encargaron de difundir este sonido cada vez
mas en desuso precisamente por lo que lo llevo a estar en la brecha, su simpleza.

145
Richie Hawtin.

Visionado del documental:
PIONEROS DE LA MUSICA ELECTRONICA – Ritchie Hawtin (DVD castellano)


Plasticman Spastic Plus 8
Ricardo Villalobos Love Family Trax Goodlife Rec.
Slam Positive Education Soma Records
Jeff Miles Cycle 30 Axis 808
Robert Hood Minimal Nation M.Plant
Richie Hawtin Concept 1 Minus

146
TRANCE:

Después de toda la vorágine de géneros por los que hemos pasado ya, ahora nos
vamos a sumergir en otro de los mayores universos musicales junto al house y al
techno y que conforman los pilares de la musica electrónica universal, el Trance.

El trance nace como genero musical a principios de los 90, es el resultado de la fusión
de muchos y variados estilos, pop, ambient, musica clásica, acid house, techno, new
age, synth pop etc.

La palabra trance, deriva del estado de trance que puede alcanzar un persona a través
de determinadas técnicas de concentración mental, esta es una de las teorías del
origen del término al llevarnos la musica a adquirir ese estado, tambien esta la
corriente que defiende que puede derivar del álbum Trancefer, de Klaus Shulze
publicado en 1981. Si bien es cierto que este productor compuso entre mediados de
los años 1970 y comienzos de los 1980, varios álbumes de musica experimental,
caracterizados por sus atmosferas y todos los elementos ejecutados íntegramente
mediante sintetizadores y secuenciadores analógico, con riffs cortos y melodías muy
repetitivas, cambios de tonalidad en bajos, melodías y armonías de una complejidad
musical considerable y característica del trance como genero musical. Otra de las
influencias ejercidas sobre el trance proviene del músico francés Jean Michel Jarre con
su álbum Equinoxe publicado en 1978, donde desarrolló música electrónica con una
orientación más popular y comercial creando melodías electrónicas más asimilables,
aunque sin dejar de lado la creación de secuencias rítmicas y etéreas texturas
atmosféricas en muchos pasajes de sus obras.

Las primeras grabaciones donde podemos identificar los primeros rasgos musicales
que podrían coincidir con los del trance provienen del movimiento acid house, con
discos como "Jesús loves the acid" de ECSTASY CLUB, o Chime, del grupo Orbital en
1991.

El sonido posterior que reconoce al trance ya como genero musical nace en Alemania
y Bélgica, y viene de la mano del un disco conocido universalmente, The Age Love
(Whatch out for Stela) del grupo homónimo, y publicado en 1990, este es considerado
como base del sonido trance convirtiéndose en un himno para casi todos los djs
independientemente del genero musical. Algunos consideran incluso a The Age of Love,
como el primer single de verdadero trance de la historia.

Otro destacado tema de la primera época de la música trance fue Power of American
Natives, del grupo alemán Dance 2 Trance, publicado en 1992.

Algunos de los djs y productores pioneros del género son Jam El Mar, Oliver Lieb, Paul
van Dyk o Sven Vath, y entre los sellos de trance destacan Eye Q, Harthouse, Rising
Hight o MFS Records. Sus hits son innumerables, Jam & Spoom con
"Stella", Jaydee con "Plastic Dreams", Cygnus X con "Superstring"4 o Energy 52 con
Café del Mar.

147

Hacia mediados de los años 1990, el trance se hizo inmensamente popular, ocupando
un espacio con un sonido mas arriesgado que el del house, más tranquilo que el drum
and bass y más melódico que el techno, lo que lo hacía accesible a una mayor
audiencia.

Artistas como Armin Van Buuren, Tiesto, Above & Beyond, Markus Shulz, Ferry Corsten,
Cosmic Gate o Paul Oakenfold hicieron del trance un sonido universal apto para todos
los públicos, y siguieron sus pasos otros muchos como ATB, Rank 1, Chicane, o Sistem F,
pero como casi siempre en todos los géneros, esta tendencia muto hacia subgéneros
mas underground y sus artistas abandonaron esta corriente para dedicarse a otros
géneros como es el caso de Pascal Feos u Oliver Lieb, que pasaron a ser grandes
representantes del techno.

Cabe destacar la figura del Dj italiano Robert Miles, como representante y creador de
lo que se denominaría música Dream, un estilo de música que mezclaba adagios, con
toques de piano (pizzicatos), haciéndose durante algunos años inmensamente popular.

Como alternativa a la evolución antes señalada, a partir del año 2000, algunos de los
artistas mas representativos, han intentado fusionar el trance con otros géneros, pero
no obstante y a pesar del paso del tiempo muchos de ellos han intentado ser fieles a
sus raíces manteniéndose a la cabeza del genero en todo el mundo, entre esos
exponentes están artistas como Armin van Buuren, Tiësto, Paul Van Dyk, o Ferry
Corsten.

Tambien encontramos numerosos djs de esta corriente que han abandonado la escena
trance para incursionar en otros géneros de nueva creación como el Hard Style (Dj
Isaac), Vocal Trance (Kate Ryan) o una nueva corriente musical denominada EDM
(electronic dance Music) que ha hecho furor durante estos últimos años y que ha
convertido la música electrónica en masiva para un publico que ni siquiera la conocía.

Tiesto Lethal Industries Magik Musik
Paul Van Dyk For an Angel Deviant Records
Armin Van Buuren press. The Sound of Goobay Armind
Perpetuous Dreamer
Ferry Corsten & Vincent De Moor Carte Blanche Manifesto
Above & Beyond Far from love Ajuna Beats
Energy 52 Café del Mar Eye Q
The Age Love The Age Love What out for ZYX
Stella
148
E.D.M ( electronic dance Music )

La denominada música electrónica de baile, renombrada en este nuevo siglo como
E.D.M (por sus siglas en inglés electronic dance music), no es ni mas ni menos que un
el compendio de un montón de géneros unidos por el termino dance, donde
encontramos el house, techno, trance, eurodance, ítalo-disco, drum & bass, o el
híbrido dance-pop, entre otros herederos de la música de Kraftwerk y de la música
disco de los años 1970.

El termino dance fue popularizado en diferentes ambientes de club y discotecas hacia
los años 80 cuando la gente se quería referir a la musica producida simplemente para
bailar. Su evolución ya la hemos visto en estas ultimas paginas concretándose en los
géneros musicales electrónicos que hemos descrito con anterioridad y que se
afianzaron en la cultura y la sociedad ya hacia los años 90 hasta hoy.

A partir del año 2005, 2006 y debido a saturación del mercado de la musica electrónica
con tracks demasiado underground y sonidos electrónicos de texturas oscuras y
complejas demasiado repetitivas y escasas de contenido melódico, muchos de los
artistas de house, electro, trance y otras corrientes similares, vieron un vía de escape
muy de orientada al publico y la pista baile, en la fusión de estilos en formato
comercial para hacerlos llegar al gran publico en general, y presentar la musica
electrónica en un formato nunca conocido hasta entonces, el E.D.M, formato apto
para todos los públicos, incluso el que no sabía nada sobre musica electrónica, artistas
como Aswell, Sebastián Ingroso, Steve Angelo, Sharam de Deep Dish, o David Guetta
fueron los participes de este gran logro y a partir de ahí fueron los artistas de pop y
otros géneros los que se acercan a la musica electrónica, para llegar a todos los
públicos y sonar en todas las radios, es entonces cuando la musica electrónica
comienza a sonar realmente en todas las radios, quien se imagina hasta entonces que
Avicii pudiera sonar en los 40 principales …..

En la actualidad bajo el termino E.D.M la musica dance aglutina estructuras muy
sencillas orientadas a una formula comercial de ventas y posicionamiento en radio, sus
sonidos son simples, con ritmos sencillos y alegres de la escala mayor, y con acordes
de triada, sus ritmos básico pero muy marcados y efectivos en la pista, combinan
estructuras pop, muy simples: estrofas, estribillos, momentos de clímax, etc. Con
pasajes propios de la musica mas electrónica redobles, Breaks, mini Breaks, uplifts etc.
Los sonidos dominantes son el del bajo y el bombo con una gran pegada,
acompañados de una rítmica sencilla con percusiones con pocas variaciones tipo 909 y
algún barrido de filtro, y voces acompañadas por una pegadiza melodía principal
proveniente de algún potente sinte que este de moda y que cumple perfectamente su
función, que todo el mundo la recuerde. Todo ello enmarcado dentro del compas
típico de la musica electrónica 4x4 y tan solo con variaciones del BPM.
Hay una parte del E.D.M que si es mas underground y con sonidos mas agresivos y
contundentes mas aptas para las grandes pistas de baile, festivales etc.

Desde la aparición el EDM se ha evolucionado hacia otras corrientes musicales
actuales dentro de la electrónica como el Tropical house con sonidos melódicos mas
149
suaves , o el Bass house, derivados directos del E.D.M incluyéndose tambien dentro de
esta nueva concepción de la electrónica, géneros mas agresivos y extremos como el
Trap, Moonbahton, o el Dubstep con los que la electrónica nunca había comulgado y
ahora cabalga de la mano.

VISIONADO DE EL DOCUMENTAL:
DAVID GUETTA. El documental.
TOMORROWLAND – 10 años el documental.
SWEDISH HOUSE MAFIA - Take One (Documentary 2010).


Avicii Levels Not on label
David Guetta feat Sia Titanium Virgin-positiva
Sweedish house mafia The One Virgin
Martin Garrix Animals Not on label
Deadmau5 Strobe Mau5trap
Calvin Harris Feel so close Ultra Rec.
Otros géneros a tener en cuenta:

En la evolución constante de la música en general y de la música electrónica en
particular, hemos llegado a un punto de máxima fusión, en la que muchos estilos
influencian a otros llegando a crear nuevas corrientes basadas o influenciadas por los
géneros jamás pensados.

En este devenir de influencias musicales nos encontramos como la música pop actual a
adoptado patrones claramente dance en sus estructuras de 4x4 y artistas como
Beyonce, Gloria Stefan, Rihanna y un sin fin mas de nombres, se han acercado a la
corriente electrónica haciendo sus primeras incursiones en el dance, EDM o tropical
house actual.

Por otro lado las corrientes latinas de música convencional, bachata, salsa, merengue
etc. se han visto influenciadas igualmente por el movimiento EDM mas comercial y han
comercializado sus estructuras al incorporar de nuevo el compas 4x4; así nace el
Electro Latino con letras y ritmos fáciles muy comerciales con voces latinoamericanas
muy acusadas y que han invadido la escena dance mas comercial y masiva en cuanto a
bares musicales, pubs y discotecas destinadas a todo tipo de públicos se refiere.
Dentro de este genero cabe destacar Artistas de máxima popularidad como Pitbull,
Juan Magan ( máximo representante español de este genero en todo el mundo),
Daddy Yankee, Don Omar, o Gente de Zona, etc.…

150
Otros ejemplos claros son el Dubstep proveniente de Estados Unidos, con su ritmo
roto y sonidos sintéticos de gran impacto, y el Trap uno de los géneros que en la
actualidad arrasa entre los mas jóvenes, derivado del rap y con fuertes influencias del
reggaetón, al el se han acercado infinidad de artistas pop, y dance al regazo de sus
estrellas como Bad Bunny, Maluma, Ozuna, Becky G, y un largo etc.

Esta claro que tenemos que tener estos estilos en cuenta ya que son una realidad
tangible, aunque se alejan mucho del concepto original de la musica electrónica ya no
la mas purista como podría ser el techno o el house, sino de la música electrónica en
general, por ello se han agrupado en un termino musica de nueva creación
denominado, musica urbana, que aglutina tanto el trap, como el dubstep, reggaetón,
moonbahton, hip-hop y rap fusión, o infinidad de derivaciones musicales de actualidad.

151

T1 Temario PSVD 2018-2019

Caricato da

Informazioni sul documento

Titolo originale

Copyright

Formati disponibili

Condividi questo documento

Condividi o incorpora il documento

Opzioni di condivisione

Hai trovato utile questo documento?

Questo contenuto è inappropriato?

Copyright:

Formati disponibili

T1 Temario PSVD 2018-2019

Caricato da

Copyright:

Formati disponibili

TECNICO EN

VIDEO DISC-JOCKEY Y SONIDO

Familia profesional: IMAGEN Y SONIDO

© 2018 Ismael Rivas

La figura del Deejay, siempre ha estado asociada al ocio nocturno, la

© 2018 Ismael Rivas

Determina las características tipológicas de la música adecuada a la sesión de

1. Constitución de los sonidos y sonoridad.

© 2018 Ismael Rivas

a) Se han determinado los elementos del lenguaje musical propios de las

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

El sonido, lo podemos definir como la sensación en el oído por un conjunto de

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

Cualidad Característica Rango

Duración Tiempo de vibración Largo o corto

Intensidad Amplitud de onda Fuerte, débil o suave

Armónicos de onda o forma

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

Por el contrario, la aparición en un punto de escucha de una reflexión con un retardo

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

1. Binarios: compases de dos tiempos

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

2.1 Conceptos musicales básicos.

El ritmo. Es entendido como la combinación de duraciones y acentos de sonidos

© 2018 Ismael Rivas

4/4 - COMPASES 1,2,3 COMPAS 4 VARIACION

Habitualmente en la musica electrónica la parte rítmica suele estar compuesta por la

La melodía. Es la sucesión de sonidos de distinta altura tonal con libertad de

La melodía ha sido el elemento básico de la música tradicional occidental, ya sea sola,

En la musica electrónica , en el caso de que esta sea melódica, la melodía siempre

© 2018 Ismael Rivas

Depeche Mode / Just can get enought

© 2018 Ismael Rivas

A lo largo de la historia y las culturas se han establecido diferentes escalas u

La afinación, que divide la octava en doce partes iguales, o semitonos, posibilitaba el

© 2018 Ismael Rivas

Do Do# Re Re# Mi Fa Fa# Sol Sol# La La# Si Do

La distancia entre dos sonidos o notas musicales medida en tonos o semitonos se

Como podemos ver en la figura de arriba, Re es la segunda de Do, Mi la tercera y asi

La Armonía. Es el uso de alturas (tonos, notas) o acordes pero de forma simultánea.

A partir del establecimiento de la melodía, el uso de acordes se generalizo, definiendo

© 2018 Ismael Rivas

© 2018 Ismael Rivas

El Tempo. El tempo representa la velocidad de ejecución de una pieza musical y

La Segmentación. Segmentar, es dividir en unidades mas pequeñas, se puede realizar

La Entonación: es el concepto musical que se refiere a la percepción correcta del

© 2018 Ismael Rivas

4. Estructura de los temas musicales: Intro, verso, interludio y estribillo.

A partir de todos estos conceptos anteriores, su unión y desarrollo en las canciones,