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1 Este trabajo fue presentado como ensayo para el curso de doctorado de «Semiótica literaria y
semiótica de la cultura» (Programa de Doctorado de Teoría de la literatura y del arte y literatura
comparada de la Universidad de Granada, curso académico 2007-2008). Se publica por primera
vez en Entretextos. Todas las imágenes con autoría de David Nebreda, pertenecen a sus
diferentes catálogos de obra. A falta de ellos, se han obtenido de los sitios web aquí señalados.
2 Autoportraits, David Nebreda, Editions Léo Scheer, Paris, 2000; Coffret David Nebreda, Editions
Léo Scheer, Paris, 2001; Chapitre sur les petites mutilations, Editions Léo Scheer, Paris, 2004; Sur la
revelation, Editions Léo Scheer, Paris, 2006.
Dirección y edición: Manuel Cáceres Sánchez · Universidad de Granada · Facultad de Filosofía y Letras · Departamento de Lingüística
General y Teoría de la Literatura · Campus de Cartuja, s/n · 18071-Granada (España) · redaccion.entretextos@gmail.com
Entretextos Nº 11-12-13 2008/2009
Revista Electrónica Semestral de Estudios Semióticos de la Cultura
ISBN 1696-7351 hhtp://www.ugr.es/local/mcaceres/entretextos.htm
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detenta ningún rango de poder, aun cuando existan fotógrafos que hayan
hecho del retrato un verdadero arte, como Diane Arbus o Yousuf Karsh.
Esta cuestión del retrato pictórico como signo de poder continúa
vigente, en tanto que los presidentes de los países, los reyes y otros altos
mandatarios han sido inmortalizados en su momento mediante algún retrato
encargado ex profeso a algún pintor de connotada reputación dentro de su
contexto. Así, cabe reconocer que jamás se utiliza la palabra inmortalizar para la
fotografía. Esta representación de las personas vivas es la representación de
una jerarquía dentro de una estructura de poder, puesto que adoptan posturas
o vestimentas que refuerzan dicho discurso.
Por su parte, el autorretrato ha
respondido a la necesidad de responder qué o
quién soy que se hace el ser humano desde el
comienzo de los tiempos; es el rostro en el que
recae lo fundamental del ser específico, en el
que radican las características de único e
irrepetible.
Mirar el cuerpo, propio o ajeno,
remite a las propias sensaciones, al tacto, al
olfato, al oído, al placer y al dolor; es
automático en ese instante del uso de la
empatía, entendida ésta como la respuesta
emocional que procede de la comprensión del
estado o la situación de otra persona y es
David Nebreda similar a lo que la otra persona está sintiendo,
Fuente: <http://www.solromo.com>
es decir, la capacidad de comprender al otro y
ponerse en su lugar. A esto se agrega que los seres humanos temen lo que le
ocurre al que observan, por la posibilidad, real o no, de que les suceda a sí
mismos.
La pintura establece una barrera en la recepción, dado que existe el
acuerdo previo de que lo que se ve es real pero no es real, consigna otorgada
por la representación bidimensional de lo tridimensional
Sin embargo —dice Lotman— la incompleta proyección [proektivnost’] del
plano de la expresión sobre el plano del contenido es ocultada mediante un
efecto ilusionista: se trata de inducir al receptor a creer en una completa
semejanza. En el icono (y en el símbolo en general) la no proyección del
plano de la expresión sobre el plano del contenido entra en la naturaleza del
funcionamiento comunicativo del signo. El contenido únicamente titila a
través de la expresión y la expresión únicamente alude al contenido (Lotman
1996: 155).
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Untitled # 153, 1985, Cindy Sherman Ciudad de México, 1979 (fragmento), Enrique Metínides
Fuente: <http://www.cindysherman.com> Fuente: <http://www.antonkerngallery.com>
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una ficción. De ahí que, para que el juego volviese a ser, se precisa jugar con
estos elementos de realidad-ficción al gusto. Es decir, el espectador puede
decidir que es cierto o no lo que ve o que oscile entre estos dos polos. Esto es
una característica común de la obra de arte; la ventaja que ofrece la fotografía al
analizarla en este sentido es que, al ser un arte tan nuevo, es posible identificar
los puntos de frontera.
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artistas dedicados al body art. Este tipo de expresión artística acusó su auge
sobre todo en los años sesenta y setenta, a raíz de la libertad sexual y la
decadencia de los metarrelatos. Ya no fueron sólo el lienzo o la piedra los
soportes, sino el propio cuerpo sobre el cual se pintó, se narró, se protestó.
Fue usado para dignificarse a sí mismo pero también como instrumento para
expiar los males del mundo, para ejemplificar temores ancestrales como la
castración, para ejemplificar la incapacidad de comunicación, para integrarse al
contexto o evadirse de él, para mostrar la fragilidad y la inmaterialidad. El
cuerpo había dejado de ser mero objeto de goce visual o deleite erótico, ahora
se reivindicaba su papel como parte del discurso del poder.
Y, como ya se mencionó, la publicidad también ha tenido un papel
importantísimo en la aceptación/negación del cuerpo, en lo que representa
dentro de cada sociedad, de acuerdo a cultura, puesto que su definición es
dinámica.
Un ejemplo que ayuda a comprender esa dialéctica es el del fotógrafo
Oliviero Toscani, quien, contratado por la firma Benetton, ha realizado un par
de fotografías que, si bien escandalizaron en su momento, lograron su meta de
equiparar con igualdad de valor la salud pública y la moda: el uso de
determinada marca de ropa es tan importante como la muerte o el hambre por
voluntad propia. El trabajo fotográfico de este italiano es conocido por las
masas porque se exhibe en grandes espectaculares en las principales ciudades
del mundo y aparece en revistas, en diarios y en internet. De sus imágenes se
citarán dos ejemplos representativos.
Un enfermo de sida,
agonizante, está rodeado de una
familia, rolliza, ejemplo claro del
mundo consumista imperante. El
moribundo, con un rostro que
semeja a cualquier Cristo
lacerado, es abrazado por su
padre como reafirmación del
amor filial a pesar de una posible
homosexualidad o drogadicción,
Oliviero Toscani del perdón que siempre llega en el
Fuente: <http://anamarcosramirez.files.wordpress.com>
último momento. Evidentemente
muere en casa, rodeado de lo que ‘pudo’ haberle evitado morir. Todo es una
ficción, pero retrata el flagelo que vive la humanidad desde los años ochenta
del siglo XX.
Esta fotografía en particular resume la situación tanto moral como
económica y social que atraviesa el mundo en los últimos años, donde la
obesidad convive con la desnutrición; la doble moral es la que rige las
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(Lotman 1982:37-38). Y continúa Lotman: “La relación del texto (el mensaje)
con el código es uno de los principales problemas de la semántica, puesto que
para que un mensaje pueda ser enviado y recibido, debe ser codificado y
descodificado como es debido” (2000:75). Yo agregaría que existe otra
posibilidad más en el proceso; que el autor ha creado un código nuevo que no
es entendido de inmediato por el receptor, el cual puede pasar por los cuatro
casos arriba citados antes de que este esté en condiciones de decodificar el
texto que se le presenta. Es preciso un periodo de asimilación de dicho código
y es hasta entonces cuando la obra puede ser ‘leída’ de la forma adecuada. Un
ejemplo de esto es Les demoisilles d’Avignon, de Pablo Picasso, que rompió los
cánones de la pintura y fue motivo de polémica; pasaron varios años para que
el cubismo fuese entendido y el desnudo deformado aceptado. O el Cuadro
blanco sobre blanco, de Kasimir Malevich; incluso el paso de lo figurativo a lo
abstracto. El arte se nutre del no-arte; lo que hoy es arte ayer no lo fue. Los
códigos nuevos son proporcionados por el autor a la colectividad. Y aún más,
existen mediadores que llevan a cabo el proceso de decodificación, como lo
son los críticos o los investigadores quienes se acercan a la obra aun sin
recibirla como el emisor espera. Se trata de un proceso dinámico en el que
están implícitas causas de naturaleza social.
Asimismo, el mensaje determinado que ofrece el texto será
identificado en la conciencia del receptor colectivo de acuerdo a su invariante
cultural; por lo tanto, el receptor de la obra de Nebreda asimila sus fotografías
y las ‘traduce’ tomando como base su propio bagaje cultural, social e incluso
económico; el código para acceder al trabajo del madrileño será aquél al cual ha
estado expuesto: proporcionado por una educación visual o meramente
bombardeado por lo que percibe a través de los medios.
Al intentar hacer un trabajo de disección se puede afirmar que David
Nebreda emplea un lenguaje que es conocido al público en tanto que recurre a
los mismos signos que otros fotógrafos interesados en capturar la esencia del
ser humano: es una fotografía, es un retrato, es un hombre, es un cuerpo, es un
cuerpo flagelado, es un hombre autoflagelado; hay objetos reconocibles como
navajas de afeitar, bisturís, flores, excrementos, halos de luz, espejos, reflejos.
Asimismo, el contenido de sus piezas es tanto su cuerpo como su
torso y la cara tapada, la cara cubierta de excrementos, la cara en el espejo, pero
también sus dedos y su pene. Cabe recordar que, a diferencia de la pintura,
cualquier parte del cuerpo ha resultado más importante para la fotografía. En la
pintura, lo tradicional es el resultado, como se aprecia en la práctica común que
ejercían tanto pintores como escultores en la creación de sus retratos: las
manos y otras partes del cuerpo eran tomadas de modelos que consideraban
perfectos, práctica que ya era común para Zeuxis de Heraclea y que
representaban el conjunto de la belleza fragmentada, a la cual la artista Orlan se
ha encargado de desmentir. En la fotografía, al contrario, los fragmentos
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adquieren otra connotación. Uno de los primeros que le encontró una utilidad
fue el policía Alphonse Bertillon, el creador de las fichas de sospechosos.
Además, el madrileño parece desnudo la mayor parte de las veces, no
hay vestidos a los cuales otorgar un significado específico que le acerque a la
conducta sígnica, sino que su propia desnudez le aleja de la conducta práctica y
se torna sígnica.
Aun así existe la dificultad para leer adecuadamente sus textos. Esta
afirmación está hecha con base en la recepción que tiene su obra en internet.
Cuando se realiza una exposición fotográfica (o de cualquier otro género) es
difícil capturar las reacciones del público, tener constancia de su lectura; sin
embargo, la diseminación de su obra, a través de la web, ha permitido acceder a
las opiniones de los espectadores. Cabe aclarar que en la red se encuentran
unas cuantas de sus piezas y éstas se han difundido sobre todo por medio de
blogs.
David Nebreda
Fuente: <http://www.solromo.com>
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BIBLIOGRAFÍA
REFERENCIAS ELECTRÓNICAS
<www.cindysherman.com>
<www.leoscheer.com>
<http://www.solromo.com/art_foto/nebreda>
<http://usuarios.lycos.es/mental/nebreda.html>
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<http://www.dispersense.com/2006/07/david-nebreda-autorretrato-de-una-
demencia/>
<http://analizarte.es/2007/07/15/las-fotografias-esquizofrenicas-de-david-
nebreda/>
<http://xmementoxmorix.blogspot.com/2007/09/david-nebreda.html>
<http://raquelizquierdo.blogspot.com/2006/04/david-nebreda-y-su-retrato-
ltimo.html>
<http://felatrix.iespana.es/felatrix/nebreda.htm>
<http://www.lainsignia.org/2006/junio/cul_015.htm>
<http://reconstruction.eserver.org/051/jones.shtml>
<www.cairn.info/article.php?ID_REVUE=FP&ID_NUMPUBLE=FP_007&
ARTICLE=FP_007_0093#Cairn_no8>
______________
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Alana Gómez. «Lectura del espejo: una aproximación semiótica a la obra de David Nebreda».
Entretextos. Revista Electrónica Semestral de Estudios Semióticos de la Cultura Nº 11-12-13
(2008/2099). ISSN 1696-7356.
<http://www.ugr.es/~mcaceres/entretextos/entre11-12/pdf/alana.pdf>
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