UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR

FACULTAD DE COMUNICACIÓN SOCIAL

TEORÍA DE LA IMAGEN

Datos personales:

Nombre: Alison Llumiquinga

Curso: 5° “A”

Fecha: 22/10/2019

Datos bibliográficos:

Libro: Las palabras y las cosas: una arqueología de las ciencias humanas. Cap. I “Las
Meninas”

Autor: Michel Foucault

Año: 1968

Editorial: Siglo XXI Editores, SA

Páginas: 375

Sinopsis:

El primer capítulo del libro “Las palabras y las cosas: una arqueología de las ciencias
humanas” de Michel Foucault describe y analiza un cuadro pintado por Diego
Velázquez “Las meninas”. En el cuadro se representan a once personajes y varios
elementos visibles y llamativos que dan vida a esta pintura. En primer lugar está el
pintor que nos observa, una ventana que apenas es indicada y que libera una luz que
inunda la escena, una serie de cuadros apenas visibles, la infanta Margarita, dos
meninas, un bufón, dos enanos y dos personajes más que se encuentran apartados.
Foucault explica las percepciones que se pueden tener de esta obra, tomando en cuenta
los diferentes puntos de vista, poniéndose en el lugar del espectador y de los personajes
plasmados en la pintura.
Citas:

1. “En él vienen a superponerse con toda exactitud la mirada del modelo en el

momento en que se la pinta, la del espectador que contempla la escena y la del
pintor en el momento en que compone su cuadro” (Foucault, M. 1968. Pág. 23)
En esta cita Foucault da a entender las tres perspectivas con las que el cuadro está
siendo analizado. En primer lugar menciona la mirada del modelo en el momento en
que se la pinta, este modelo es imperceptible, la única forma en la que se lo puede
ver es a través de un espejo que refleja dos rostros y se trata del rey Felipe IV y su
esposa Mariana. En segundo lugar habla de la mirada del espectador, quien empieza
haciéndose cuestiones acerca de la pintura y en determinado momento pasa a ser
parte de ella ubicándose en un escenario invisible donde es observado por el pintor,
la infanta y algunos otros personajes representados en el cuadro. En tercer lugar
habla del pintor que retrata su cuadro, este se encuentra mirando hacia el frente,
preparado para pintar sobre un lienzo que únicamente él puede ver. Este pintor tiene
una conexión con el espectador y también con el modelo al que pinta, pues es el que
nos hace parte de su obra, el que por un momento con su mirada nos obliga a ser
parte de esta escena al igual que el rey Felipe IV y Mariana.

2. “En última instancia, ¿qué hay en este lugar perfectamente inaccesible, ya que está
fuera del cuadro, pero exigido por todas las líneas de su composición? ¿Cuál es el
espectáculo, cuáles son los rostros que se reflejan primero en las pupilas de la
infanta, después en las de los cortesanos y el pintor y, por último, en la lejana
claridad del espejo?” (Foucault, M. 1968. Pág. 22-23)
Con esta cita se habla de las dos percepciones que componen el cuadro, una que es
completamente visible y está conformada por el pintor, la infanta, las meninas, el
bufón, los enanos y los dos últimos personajes casi ocultos en las sombras, pero
estos personajes están atentos hacia lo que pasa delante de ellos, hacia lo que
nosotros como espectadores tenemos que deducir, al ver el cuadro por primera vez
la deducción es que el pintor nos mira a nosotros, todos lo hacen y los protagonistas
del lienzo que está pintando somos nosotros mismos, conforme se observa con más
atención el cuadro, se puede ver el espejo que se confunde con uno de los tantos
cuadros de las paredes y que refleja a los verdaderos protagonistas de esta fascinante
pintura.
 UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR
FACULTAD DE COMUNICACIÓN SOCIAL
TEORÍA DE LA IMAGEN

Datos personales:
Nombre: Alison Llumiquinga

Curso: 5° “A”

Fecha: 22/10/2019

Datos de la obra:

Autor: Serguéi M. Eisenstein

Título de la obra: “"La escalera de Odessa" de El acorazado Potemkin

Fecha de creación: 1925

Sinopsis:

La escalera de Odessa, la escena está basada en hechos reales que tuvieron lugar en el
puerto ucraniano de Odessa en junio de 1905. La diferencia entre la realidad y la
ficción es que las manifestaciones realmente ocurrieron, pero la matanza fue creada por
el autor de la película Eisenstein. Comienza mostrando varias barcas en movimiento, y
una multitud de gente observándolas. Todos se juntan ya en tierra y la gente de las
barcas les ofrece todo tipo de comida a los hombres que estaban en tierra, estos eran los
hombres del Acorazado. De pronto la multitud reunida huye despavorida, pues habían
aparecido los cosacos armados que dispararon a cualquier persona que se les cruzara,
provocando así una matanza.
Comentario:

Lo primero que se nota en la película es como el autor juega entre el plano general y el
primer plano en los que refleja la alegría y después la desesperación en los cuerpos y los
rostros de las personas. En la película está presente el recurso del efectismo, pues en
cada escena busca crear una emoción en el espectador, ya sea alegría, miedo,
desesperación, tristeza. Los soportes que priman en la obra son los humanos ya que gira
en torno a la gente que recibe a los hombres del acorazado y a los cosacos armados que
los disparan a matar. Una variante de la película seria la del color ya que se nos presenta
una imagen a blanco y negro. Su tipo es figurativo pues al contar la historia todos los
elementos que utiliza son fácilmente perceptibles para el ojo humano y da una cercana
representación de lo que sucedió alguna vez en Odessa.

UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR

FACULTAD DE COMUNICACIÓN SOCIAL
TEORÍA DE LA IMAGEN
Datos personales:
Nombre: Alison Llumiquinga

Curso: 5° “A”

Fecha: 4/10/2019

Datos de la obra:

Título de la obra: “Guardianes del secreto”

Autor: Jackson Pollock.

Fecha de creación: 1943

Técnica: Óleo sobre tela

Ubicación: San Francisco

SINOPSIS

Jackson Pollock pintó el cuadro “Guardianes del secreto” en 1943. La técnica que
utilizó para hacer la obra fue el óleo sobre tela, utiliza también colores variados y
vivaces. En esta pintura se incorporan varios elementos tales como el fuego, un coyote,
dos grandes figuras que están ubicadas en la parte izquierda y derecha del cuadro, en
medio de ellas se puede distinguir un rectángulo con símbolos dentro de él, estos
símbolos podrían representar el secreto que el autor menciona en el título de la obra.

Comentario:

Lo primero que se viene a la mente al

mirar la obra “Guardianes del secreto” es
que tiene una conexión con lo tribal por
las representaciones que presenta de
elementos como el fuego, animales en
este caso el coyote, pictogramas y dos figuras que sobresalen como si fueran dos seres
que custodian aquel rectángulo que esta entre ellas y está grabado por varias pinceladas
de colores y símbolos. El tipo de pintura que se presenta es abstracta dado que resulta
algo difícil reconocer a ciencia cierta lo que plasma la obra es decir solo podemos sacar
ciertas ideas generales de ella y de esta forma hacernos una idea sobre lo que quiso
plasmar el pintor. El cuadro tiene también un uso estético por su elaboración , la forma
en la que se usa los colores y se organiza a los personajes.

UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR

FACULTAD DE COMUNICACIÓN SOCIAL
TEORÍA DE LA IMAGEN

Datos personales:
Nombre: Alison Llumiquinga

Curso: 5° “A”
Fecha: 4/10/2019

Datos de la obra:

Título de la obra: “Retablo”

Autor: Hilma Af Klint.

Fecha de creación: 1915

Técnica: Óleo sobre tela

Ubicación: Moderna Muséet de Estocolmo, Estocolmo (Suecia)

SINOPSIS

Hilma Af Klint fue una de las pioneras en el arte de la abstracción, ella era una mujer
espiritual así que se decía que pintaba guiada por entidades espirituales. “Retablo” es
una obra conformada por las figuras geométricas con grandes círculos concéntricos,
destaca una serie de paneles forman un camino hacia dichos círculos. Hilma en sus
pinturas quería transmitir energía pura utilizando estos brillantes colores. Los triángulos
que se plasman en sus pinturas representan la evolución del espíritu humano.

Comentario:

En la obra “El retablo” lo primero que se visualiza es el

protagonismo del color y de las figuras geométricas que Hilma
utiliza, esta pintura resulta estética por la armonía de los colores
y el equilibrio que presentan entre si las figuras que está
plasmando. Este cuadro es abstracto pues no representa algo en
específico, si no que más bien representa entidades que no tienen
un modelo real, tal como la evolución del ser humano, la
espiritualidad o la energía.
 UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR
FACULTAD DE COMUNICACIÓN SOCIAL
TEORÍA DE LA IMAGEN

Datos personales:
Nombre: Alison Llumiquinga

Curso: 5° “A”
Fecha: 4/10/2019

Datos de la obra:

Título de la obra: “Amarillo, rojo y azul”

Autor: Vasili Kandinsky.

Fecha de creación: 1925

Técnica: Óleo sobre lienzo

Ubicación: Museo Georges Pompidou

SINOPSIS

Vasili Kandinsky fue un pintor ruso que se destacó en el arte abstracto, pone una
especial atención en la combinación de los colores de sus pinturas, trabaja también con
las figuras geométricas dándoles diferentes relaciones con distintos elementos, de esta
forma en su cuadro “Amarillo, azul y rojo” destacan las figuras, los colores, líneas y
puntos. El autor no busca mostrar una figura real y visible, sino que más bien busca
transmitir sensaciones ya sea de alegría, tención, tristeza, armonía o cualquier otra que
provoque una sensación espiritual en el espectador.

Comentario:

La obra “amarillo, azul y rojo” tiene bastante colorido, pero existen zonas que se
destacan más, por ejemplo en la parte izquierda los colores son más luminosos,
predomina el amarillo y el naranja. En la zona de
la derecha los colores tienden a ser más obscuros
y las líneas son mucho más gruesas. Los colores
que aquí predominan son el azul, el morado y el
rojo. En la zona central por su parte hay una
intersección entre los colores luminosos y los
obscuros, las líneas delgadas y las más gruesas se mezclan de igual manera. Resulta
armoniosa la combinación de los colores, las líneas y las figuras que el autor utilizó. Es
abstracto porque no tiene una forma bien definida pero todos sus elementos en conjunto
logran transmitir sensaciones a quien aprecia la obra.

UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR

FACULTAD DE COMUNICACIÓN SOCIAL
TEORÍA DE LA IMAGEN

Datos personales:
Nombre: Alison Llumiquinga

Curso: 5° “A”
Fecha: 4/10/2019

Datos de la obra:

Título de la obra: “Estar embarazada después de la prohibición de tener hijos de las

FARC”

Autor: Catalina Martin.

Fecha de creación: 2018

SINOPSIS

Catalina Martin es una fotógrafa franco-española, su trabajo es parte de la tradición de

la fotografía humanista. Yorladis está embarazada por sexta vez, luego de que otros
cinco embarazos fueron interrumpidos durante sus años en las FARC. Ella dice que
logró ocultar el quinto embarazo de su comandante hasta el sexto mes usando ropa
suelta. Desde la firma de un acuerdo de paz entre el gobierno colombiano y el
movimiento rebelde de las FARC en 2016, ha habido un baby boom entre las ex
guerrilleras, muchas de las cuales viven en los campamentos de desmovilización
establecidos para ayudar a los miembros de las FARC en la transición a la vida
cotidiana. Se pensaba que el embarazo era incompatible con la vida guerrillera.

Comentario:

Esta fotografía es una representación de

la realidad que muchas mujeres viven al
estar dentro del mundo de la guerrilla.
En la fotografía se representan a la mujer
sentada en una silla mostrando su
embarazo, junto a ella un hombre
recostado en una cama. Se encuentran en
una habitación iluminada por lo que
podría ser una ventana o una puerta abierta, esta luz da directamente a los protagonistas
de esta fotografía. Los elementos que complementa la imagen son aquellos presentes en
la cotidianidad de un hogar. El concepto de la fotografía es figurativo pues es una
representación explicita y entendible de la realidad, tiene un uso documental porque la
imagen retrata un hecho concreto y su grado de referencialidad es media porque siempre
se pudo acomodar elementos como la luz o las poses de los personajes.