La Pintura Abstracta 1

La Pintura Abstracta 2

"Año De La Integración Nacional y el Reconocimiento

De Nuestra Diversidad"

Institución Educativa
“Raúl Porras Barrenechea”
Pintura Abstracta
La Pintura Abstracta 3

Dedicatoria

A nuestros padres, familiares y todos aquellos

que nos brindan su apoyo, en especial nuestros
queridos profesores, para poder lograr el éxito
en nuestros estudios.
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INTRODUCCIÓN

El arte abstracto es el estilo artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias

múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo

XX.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa

y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.

Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que

exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o

bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones

geométricas y constructivas.
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LA PINTURA ABSTRACTA

Es un estilo artístico que surgió alrededor de 1910

y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él
una de las manifestaciones más significativas del
espíritu del siglo XX.

El arte abstracto deja de considerar justificada la

necesidad de la representación figurativa y tiende
a sustituirla por un lenguaje visual autónomo,
dotado de sus propias significaciones. Este
lenguaje se ha elaborado a partir de las
experiencias fauvistas y expresionistas, que
exaltan la fuerza del color y desembocan en la
llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que
da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

ABSTRACCIÓN LÍRICA.
La obra de Wassily Kandinsky ilustra la llamada abstracción lírica. Llegó, entre 1910 y 1912,
a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las
aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Munich Der Blaue Reiter, del que él
mismo formaba parte. En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las
teorías de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras
Formas circulares cósmicas abstractas, mientras que Frank Kupka exponía en el Salón de
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Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en 1913 Planos verticales azules y rojos. En la
misma época, en Rusia, Mijaíl Larionov y Natalia Goncharova llevaron hasta la abstracción
pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que denominaron rayonismo.

ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA.
La abstracción de Piet Mondrian se elaboró a partir
de la retícula cubista, a la que progresivamente
redujo a trazos horizontales y verticales que
encierran planos de color puro. Por su simplificación,
el lenguaje del neoplasticismo, nombre que dio a su
doctrina artística, satisfacía las exigencias de
universalidad del artista. En Francia, la abstracción de
Fernand Léger (Contrastes de forme, 1913-1914) y la
de Picabia (Udnie, 1913) utilizó formas cubistas sin
renunciar a la intensidad cromática. En Rusia, tras
haber sido el principal representante del cubo-
futurismo, Kazimir Maliévich rompió radicalmente
con todas las viejas concepciones del arte al pintar en 1915 Carré noir dando lugar al
suprematismo. Paralelamente, Vladímir Tatlin creó con sus relieves abstractos una de las
primeras formulaciones de lo que se llamaría el constructivismo. Alexandr Rodchenko, tras
haber pintado sus tres monocromos (Amarillo puro, Azul puro, Rojo puro, 1918), y El
Lissitzky, aprovecharon su conocimiento de la forma para ir avanzando hacia una concepción
utilitaria del arte que triunfó también en la Bauhaus en Alemania bajo el impulso de artistas
como László Moholy-Nagy o Josef Albers.

OTRAS FORMAS DE ABSTRACCIÓN.

En paralelo a la abstracción constructivista se desarrolló una abstracción llamada biomórfica,
que nació de las formas creadas por Jean Arp a finales de la década de 1910, retomadas por
artistas como Joan Miró y Alexander Calder. En el periodo de entreguerras, Theo van
Doesburg, después de haber sido uno de los principales defensores del neoplasticismo,
renovó de manera decisiva el arte abstracto al mantener que la creación artística sólo debía
estar sometida a reglas controlables y lógicas, excluyendo así cualquier subjetividad. El
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manifiesto del arte concreto, que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia del
mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en Suiza con Max Bill y de Richard Paul Lose, en
Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático nacidas después de
la guerra. Estas tendencias entraron entonces en competencia con las diversas corrientes
tachistas y gestuales (Jean Bazaine, Alfred Manessier, Pierre Soulages y Georges Mathieu,
entre otros) que el crítico Michel Tapié reagrupó bajo la denominación de arte informal.
La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales
de la década de 1940 con el Action Painting (Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline)
y con el Colour-Field Painting (Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still). Estas
tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista, que
marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura mientras que en Europa
y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas de gloria (Yaacov Agam, Jesús
Rafael Soto, Victor Vasarely, Nicolas Schöfer y Bridget Riley, entre otros). El final de la década
de 1960 vivió el desarrollo de una abstracción centrada en el análisis de sus propios
componentes, con los grupos BMPT y Support(s) - Surface(s) en Francia, o bien orientada
hacia los problemas de definición de la naturaleza de la imagen con Sigmar Polke y Gerhard
Richter en Alemania. Las tendencias a la vez neoexpresionistas y neogeométricas que se
pusieron de manifiesto durante la década de 1980 mostraron un nuevo periodo de interés
por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas
motivaciones.

Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor ruso
Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el
subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa. La llegada a la ciudad de Nueva
York durante la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores europeos de vanguardia como
Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy difundió el espíritu del
expresionismo abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950,
que también recibieron la influencia de la abstracción subjetiva de Arshile Gorky, pintor que
nació en Armenia y emigró a Estados Unidos en 1920, y de Hans Hofmann, pintor y profesor
alemán nacionalizado estadounidense, que hacía hincapié en la interacción dinámica de
planos de color.
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El movimiento del expresionismo abstracto tuvo su centro en Nueva York formando la

llamada Escuela de Nueva York. Aunque los estilos que abarca son tan diversos como los de
los propios pintores integrantes, se desarrollaron dos tendencias principales, la de la Action
Painting (pintura de acción) y la de los planos cromáticos.

ACTION PAINTING.
Corriente pictórica abstracta de carácter gestual
que adoptaron varios miembros de la escuela
estadounidense del expresionismo abstracto.
Desde el punto de vista técnico, consiste en
salpicar con pintura la superficie de un lienzo de
manera espontánea, es decir, sin un esquema
prefijado, de forma que éste se convierta en un
“espacio de acción” y no en la mera reproducción
de la realidad. El término fue acuñado por el
crítico estadounidense Harold Rosenberg en 1952
y se refiere principalmente a la obra de Jackson
Pollock. También resulta válido, con ciertas
limitaciones, para piezas o aspectos aislados de la
obra de otros artistas, tales como Arshile Gorky, Hans Hofmann y Robert Motherwell. A
veces se utiliza incorrectamente como sinónimo del propio expresionismo abstracto, aun
cuando muchos de los artistas pertenecientes a esta escuela jamás emplearon dicha técnica.

El Action Painting tiene sus orígenes en las creaciones automáticas de los surrealistas; por
ejemplo, los dibujos y pinturas de arena de André Masson. Sin embargo, la diferencia real
entre ambos movimientos no es tanto la técnica como el planteamiento inicial: bajo la
influencia de la psicología freudiana, los surrealistas mantenían que el arte automático era
capaz de desbloquear y sacar a la luz la mente inconsciente. En consecuencia, atribuían a
tales obras diferentes elementos simbólicos, e incluso figurativos, que desvelaban la psique
del artista. Por el contrario, la estética del Action Painting ponía el énfasis en el propio acto
de pintar, al margen de cualquier aspecto expresivo o representativo que pudiera poseer.
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Simplemente reflejaba un instante de la vida del artista, uno de sus actos y, por consiguiente,
un elemento único de la biografía de éste. Era la expresión de la personalidad del creador
de una manera muy primaria y básica. En el artículo “The American Action Painters”
(ARTnews, diciembre 1952), en el que se utilizaba por primera vez la expresión Action
Painting, Rosenberg describía tal actitud en los siguientes términos: “En un momento dado,
un pintor estadounidense tras otro comenzaron a contemplar el lienzo como un campo de
juego en el que actuar, más que un espacio en el que reproducir, rediseñar, analizar o
‘expresar’ un objeto, real o imaginario. Lo que había que plasmar en el lienzo no era una
imagen sino un suceso”. Consecuentemente, tales obras se entendieron a menudo en
términos muy formalistas como el mero resultado del encuentro entre un artista y sus
materiales.

Forzosamente, el Action Painting convirtió en

redundantes ciertas prácticas artísticas
tradicionales: por ejemplo, la idea de un boceto
dejó de tener sentido ya que podría sugerir que
el artista intentaba transferir una cierta imagen
predeterminada a la obra final y definitiva. Este
enfoque purista y crítico del Action Painting se
vio, sin embargo, debilitado por la práctica
artística. Pollock, por ejemplo, a veces
confeccionaba esbozos antes de ejecutar un
dripping y, posteriormente, retocaba las
pinturas para obtener un resultado más acorde
con sus intenciones. No obstante, la estética
sugería la posibilidad de una ruptura radical respecto de la tradición artística europea por
una vía que se les antojó liberadora a muchos artistas estadounidenses. De hecho, incluso
llegó a ejercer influencia sobre muchos artistas europeos, generando movimientos paralelos
como el tachismo, practicado por artistas como el francés George Mathieu. El Action
Painting también afectó a otros aspectos del arte moderno, principalmente a la idea de que
una obra de arte debía exhibir claramente la impronta de su proceso creativo.
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PLANO CROMÁTICO.
Mark Rothko creó rectángulos colmados de
colores vibrantes en sus obras, muchas de
las cuales son ejemplos de primer orden de
la pintura de planos cromáticos. Bradley
Walker Tomlin, Philip Guston, Robert
Motherwell, Adolph Gottlieb y Clyfford Still
combinaron en sus obras elementos de las
dos tendencias.

El expresionismo abstracto también floreció en Europa y su influencia se observa en pintores

franceses como Nicolas de Stael, Pierre Soulages y Jean Dubuffet. Las manifestaciones del
expresionismo abstracto en Europa son el tachismo (del francés tache, 'mancha'), en el que
priman las manchas de color, y el arte informal, que niega la estructura formal. Ambas
tendencias tienen grandes afinidades con la Action Painting de Nueva York. Entre los
pintores tachistas se encuentran los franceses Georges Mathieu y Camille Bryen, el español
Antoni Tàpies, el italiano Alberto Burri, el alemán Wols (seudónimo de Alfred Otto Wolfgang
Schülze) y el canadiense Jean-Paul Riopelle.

TACHISMO.
Fue una corriente dentro de la pintura abstracta que se desarrolló hacia 1954.
Aunque el término “tachismo” aparece en principio como un intento de Pierre Gueguin,
colaborador de la revista Art d’aujourd’hui, de ridiculizar las nuevas ideas estéticas del crítico
Charles Estienne, rápidamente pasó a designar una forma de ser del color provocada al azar.
Por lo tanto, según Charles Estienne, firme defensor y teórico de la abstracción, el tachismo
exige el rechazo de una estructura premeditada y la confianza en las propiedades físicas del
medio, es decir, unos criterios similares a los que podrían definir el arte informal o el
expresionismo abstracto.

Esta tendencia, representada entre otros por los cuatro pintores agrupados bajo la Étoile
scellée, muestra una abstracción radical, ni geométrica ni verdaderamente gestual, que se
centra en la difusión de la mancha de color. Al nuagisme (‘nebulosismo’) de los cuadros de
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Marcelle Loubchansky o a la dulzura del trazo aéreo ondulado de Jean Messagier (Chemin à
procession II, 1963) se oponen los signos de Jean Degottex o las aristas de René Duvillier
(Javelots et la mer - élévation, 1962), sin olvidar los cuadros de Hans Hartung. De hecho, la
composición de estos lienzos y la utilización desvaída del color recuerdan las primeras obras
de este pintor o, si nos remontamos aún más en el curso de la historia del arte, a los cielos
(e incluso las telas venecianas que rozan la abstracción) de Turner y a los sfumatos de
Leonardo da Vinci.

INFORMALISMO.
Fue un movimiento pictórico europeo
que tuvo gran aceptación en España,
desarrollado a partir de 1945 en paralelo
al expresionismo abstracto
estadounidense. El término informalista
se adoptó para referirse a la abstracción
lírica, opuesta a las tendencias más
próximas al cubismo o al rigor geométrico
(el neoplasticismo o De Stijl). Dentro de esta corriente artística se incluyen las obras de
Wolfgang Wols, Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Hans Hartung, o Alberto Burri, entre otros
muchos. Los informalistas, que huyen del arte figurativo para entrar en el abstraccionismo,
buscan la autenticidad de la pintura, del puro acto de pintar, esto es, la caligrafía, las formas,
la mancha y las texturas. En definitiva, la expresión del mundo interior del artista.

Aunque se ha utilizado con frecuencia como cajón de sastre donde incluir las más variadas
tendencias, el pleno informalismo se introdujo en España a mediados de la década de los
cincuenta de la mano de Juan Eduardo Cirlot y de los textos traducidos de M. Tapié. Se
pueden localizar dos focos artísticos: Madrid, con un predominio del informalismo
expresionista, y Cataluña, donde la mancha, las texturas, el relieve y los nuevos materiales
darán lugar al desarrollo del informalismo matérico. En el núcleo madrileño se puede incluir
la obra de artistas como Manuel Mampaso, los miembros del grupo de Cuenca (Fernando
Zóbel,
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Gustavo Torner y Gerardo Rueda), César Manrique, Salvador Victoria, Alberto Greco, Lucio
Muñoz y algunos integrantes del grupo El Paso (Antonio Saura y Manuel Millares). En
Cataluña destaca la figura de Antoni Tàpies, así como también algunas obras de Albert Ráfols
Casamada, Juan Hernández Pijuán, Josep Guinovart y Manuel Hernández Mompó.

AUTORES.
 Kandinsky, Wassily (1866-1944),
pintor ruso cuya investigación sobre
las posibilidades de la abstracción le
sitúan entre los innovadores más
importantes del arte moderno.
Desempeñó un papel fundamental,
como artista y como teórico, en el
desarrollo del arte abstracto.

Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866, estudió pintura y dibujo en Odesa, y derecho

y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a Munich para iniciarse
como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a
partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente
impresionado por la obra de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo
más colorista y adquirió una organización más libre. Murnau: la salida a Johannstrasse
(1908) y Pintura con tres manchas (1914), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de
Madrid (España), son dos de las obras que realizó en Munich antes de volver a Rusia tras
el comienzo de la I Guerra Mundial. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían
consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno:
no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el lenguaje
musical, del que tomaban los títulos.

En 1911 formó, junto con Franz Marc y otros expresionistas alemanes, el grupo Der Blaue
Reiter (El jinete azul, nombre que procede de la predilección de Kandinsky por el color
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azul y de Marc por los caballos). Durante ese periodo realizó tanto obras abstractas como
figurativas, caracterizadas todas ellas por el brillante colorido y la complejidad del dibujo.

Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo

aún mayor a través de sus actividades como teórico y
profesor. En 1912 publicó De lo espiritual en el arte,
primer tratado teórico sobre la abstracción, que difundió
sus ideas por toda Europa. Entre 1918 y 1921 impartió
clases en la Academia de Bellas Artes de Moscú, y entre
1922 y 1933 en la Bauhaus de Dessau, Alemania.

Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas,
a medida que se alejaba del estilo fluido de su primera época para introducir trazos muy
marcados y diseños claros. Composición VIII nº 260 (1923, Museo Guggenheim, Nueva
York, Estados Unidos), por ejemplo, es un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y
otras formas geométricas simples. En obras muy posteriores como Círculo y cuadrado
(1943, colección privada) su estilo se hace más elegante y complejo, y logra, así, obras de
un bellísimo equilibrio.

Fue uno de los artistas más influyentes de su generación. Como uno de los primeros
exploradores de los principios de la abstracción geométrica o pura, puede considerársele
uno de los pintores que sembró la semilla del expresionismo abstracto, escuela de pintura
dominante desde la II Guerra Mundial. Murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-
Seine, en las afueras de París.

 Ernst, Max (1891-1976), artista alemán nacionalizado francés que fue una figura
fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. Se caracterizó por la
utilización de una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales.

Nacido en Brühl, en 1909 ingresó en la Universidad de Bonn donde estudió filosofía y

psiquiatría. Se alistó en el ejército alemán durante la I Guerra Mundial. Cuando Ernst dejó
el ejército ya había surgido en Suiza el movimiento dadá; atraído por la revolución
dadaísta contra lo convencional, Ernst se instaló en Colonia y comenzó a trabajar en el
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collage. En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó a pintar obras surrealistas en
las que figuras humanas de gran solemnidad y criaturas fantásticas habitan espacios
renacentistas realizados con detallada precisión (L'eléphant célèbes, 1921, Tate Gallery,
Londres). En 1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de
un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage
(técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de
madera). Ernst fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes durante la
II Guerra Mundial; en la prisión trabajó en la decalcomanía, técnica para transferir al
cristal o al metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado. En 1941
emigró a Estados Unidos con la ayuda de Peggy Guggenheim, que se convertiría en su
tercera esposa en 1942. En 1953 regresó a Francia y a partir de entonces sus obras
gozaron de una notable revalorización.

A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador

infatigable. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres
dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.

 Hofmann, Hans (1880-1966), pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense en

1941, conocido como el decano del expresionismo abstracto. Nació en Weissenberg,
Baviera, el 21 de marzo de 1880, y estudió pintura en Múnich y París, Francia. Recibió
influencias del fauvismo, del cubismo y del expresionismo alemán. En 1915 abrió una
escuela de arte moderno en Múnich. En 1932 emigró a Estados Unidos y en 1933
inauguró una escuela en Nueva York. Después de 1940 su estilo, en el que se mezclan los
planos cubistas con la brillantez de la paleta fauvista, como puede observarse en Fantasía
en azul (1954, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York), comenzó a evolucionar
hacia una pintura gestual. Durante esos años muchos pintores expresionistas abstractos
acudieron a sus clases absorbiendo sus enseñanzas sobre el arte no representativo. En
1958 Hofmann abandonó la enseñanza para dedicarse a la pintura, con la que obtuvo
reconocimiento internacional. Murió el 17 de febrero de 1966 en Nueva York.
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 Kooning, Willem de (1904-1997), pintor

estadounidense de origen holandés,
perteneciente al expresionismo abstracto, que ha
tenido una enorme influencia de ámbito
internacional en los estilos artísticos posteriores.

Nació en Rotterdam, Países Bajos, y abandonó la

escuela a la edad de 12 años para trabajar como
aprendiz en una empresa de artistas comerciales y
decoradores. También asistió a clases de arte en la
Academia de Rotterdam. En 1926 se trasladó a
Estados Unidos y trabajó durante una época como pintor de brocha gorda y, algo
después, como artista comercial. Durante la década de 1930 pintó murales dentro del
programa de arte de la administración federal, dando muestras de conocer
profundamente a Picasso, más que cualquier otro artista de la época excepto Arshile
Gorky. En 1948 expuso por primera vez en Nueva York una serie de obras abstractas
realizadas en blanco y negro, lo cual le situó como uno de los creadores más significativos
del expresionismo abstracto de la escuela de Nueva York. El término action painting se
aplicó por primera vez a la obra de Willem de Kooning y hace referencia a sus trazos
vigorosos, amplios y muy marcados. Dos de los lienzos más sobresalientes que se
conservan de este periodo son Asheville (1948, Colección Phillips, Washington) y
Excavación (1950, Instituto de Arte de Chicago).

En 1953, Willem de Kooning mostró al público un conjunto de seis obras denominadas

Mujer, figuras demoníacas pintadas con colores violentos y gruesos empaste. Era una
serie innovadora porque unía la pintura figurativa con el arte abstracto. A finales de la
década de 1950 evolucionó hacia un estilo más abstracto en sus obras, que evocan formas
paisajísticas y, desde entonces, alternó el estilo figurativo y el abstracto, combinándolos
en ocasiones. Al mismo tiempo también hizo litografías y, desde 1969, esculturas
figurativas en bronce. En 1980 ganó junto al español Eduardo Chillida el Premio Andrew
W. Hellon en el Pittsburgh International. En el Museo Whitney de Arte Americano de
Nueva York se celebró en 1983-1984 una exposición retrospectiva de su obra.
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 Gottlieb, Adolph (1903-1974), pintor expresionista abstracto estadounidense. Entre

1941 y 1951 pintó una serie de obras, influido por el surrealismo europeo, a las que llamó
pictografías, que consistían en dividir los cuadros en una serie de compartimientos que
rellenaba con símbolos procedentes de la fantasía y del inconsciente. Ejemplo de esta
serie es El retorno del viajero (1946, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York,
Estados Unidos). Las obras de su serie Paisajes imaginarios (1951-1956) son
composiciones parcialmente abstractas, que están divididas por una línea horizontal y
en las que aparecen unos discos u ovoides que representan el Sol. Su última serie,
Explosión (a partir de 1957), muestra unos estallidos de grandes esferas de color que
recuerdan a cuerpos solares.
 Piet Mondrian. Aspiraba a una pintura no sentimental, no subjetiva, independiente de
cualquier carga histórica, cultural o geográfica. Lo consigue limitando el vocabulario a la
línea recta y el ángulo recto, es decir, a la horizontal y al vertical y a los tres colores
primarios (rojo, amarillo y azul) junto con el blanco, el gris y el negro, y no los que
resultan de sus combinaciones. A este nuevo lenguaje artístico lo llamó Neoplasticismo.

Composición en rombo con rojo, gris, azul, amarillo y negro o Composición con río,
amarillo y azul son ejemplos del neoplasticismo.

 Malevich. Creó un estilo de formas básicas y de colores puros llamado Suprematismo.

Busca reducir la pintura a elementos geométricos, rectángulo, cuadrado, círculo y
triángulo, hasta llegar al cuadro como único elemento geométrico. También practica un
uso restrictivo del color, hasta llegar al uso exclusivo del blanco y el negro.
 Vladimir Tatlin. Paralelamente a Malevich, Vladimir Tatlin, creó en Rusia el
constructivismo con sus contrarelieves. Se dedicó a la elaboración de piezas escultóricas
abstractas por medio de la utilización de diferentes tipos de materiales industriales, y es
de ahí de donde surge el nombre. La idea de los contrarelieves es investigar las
propiedades de los materiales componiendo formas geométricas totalmente abstractas
buscando un arte que no fuera mimético en la naturaleza y que además no necesitasen
de materiales costosos.
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El verdadero auge del arte abstracto se producirá después de la Segunda Guerra Mundial
con el Expresionismo abstracto, el Informalismo europeo, la action painting o el minimal
art.

Inicialmente, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas, pero con el paso
del tiempo se ha convertido en un filón inagotable para los artistas de nuestro siglo y
nadie se atreve ahora a poner en duda su vitalidad.

Si bien es cierto que en el pasado ya se produjeron algunas incursiones en el campo de

la abstracción principalmente durante
la Prehistoria, época en la que era frecuente la
estilización y el geometrismo-, no lo es menos
que hasta nuestros días esta tendencia no ha
florecido con plenitud.

ABSTRACCIÓN Y PINTURA ABSTRACTA

El arte abstracto prescinde de la representación de
un tema o un asunto figurativo y lo sustituye por un
lenguaje visual autónomo, con significado propio.
Se entiende por pintura abstracta aquella que
prescinde por completo del objeto y de la figura y el cuadro se compone mediante la
combinación de líneas y colores.
Surge en torno a 1910, pero fueron varias las tendencias de la vanguardia histórica las que
acabaron desembocando en creaciones no figurativas. La abstracción es el resultado de una
tendencia a resumir y sintetizar que comienza a finales del S. XIX, con Gaugain, Van Gogh y
Cézanne, y que continúa con la simplificación del tema a través del Fauvismo, Cubismo y el
Futurismo. Así pues, nos encontramos ante un movimiento que ya se iba perfilando desde
el siglo anterior y que busca la renovación absoluta de la pintura.
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La abstracción no es un movimiento único, tampoco obedece a un programa estético común.

Ha ella podemos llegar a través de dos vías, ambas nacen de la búsqueda de un orden y de
una racionalidad exentos de referencias inmediatas al mundo exterior.

La primera se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas que exaltan

la fuerza del color y se denomina abstracción lírica. La segunda, llamada abstracción
geométrica, se apoya en la estructuración cubista.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa

y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.
Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que
exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o
bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones
geométricas y constructivas.

ABSTRACCIÓN LÍRICA
Defiende un lenguaje basado en la función expresiva y simbólica de los colores. A través de
una serie de manchas de color pretende plasmar el estado anímico del artista o causar una
impresión anímica en el espectador.
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ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA
Basada en las leyes de la geometría y en las
matemáticas, busca la simplificación de las formas hasta
su presentación más elemental y genérica. Los dos
pioneros de la abstracción geométrica son Mondrian y
Malevich.

La primera manifestación de esta tendencia es

Cuadrado negro sobre fondo blanco y su obra más
radical es Cuadrado blanco sobre fondo blanco. Es un
cuadrado blanco suspendido en un fondo blanco con
una ligera modificación en la textura y en la intensidad
del blanco para distinguir las figuras y el fondo. El
cuadrado es la forma más elemental, y al suprimir el
color, elimina cualquier resto simbolismo cromático.

TIPOS DE ABSTRACTISMOS.
1) El expresionismo abstracto: Se apoya en la emoción, en la expresividad del color, y en
las manifestaciones psicológicas del artista. Rechaza totalmente la figuración. Su
fundador fue Vasilij Kandinskij, seguido por Paul Klee, Armando Barrios, Hugo Baptista,
Fracncisco Hung, Enrique Ferrer, etc.

2) El Neoplasticismo: Mondrián prefirió éste término al de abstraccionismo geométrico,

por cuanto sostenía que su trabajo no era una abstracción sino una metáfora de la
realidad. En el fondo es un arte que excluye toda emoción, y mira al rigor matemático,
y a la simplificación radical de la geometría. Entre estos tenemos a: The Van Deosburg,
Mercedes Pardo, Pedro Briceño.

3) El Constructivismo: Es una manifestación artística tridimensional, y fue propuesta por

los rusos Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Casimir Malévitsch En Venezuela esta
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manifestación plástica es amplia y artísticamente representada. Destacan, entre otros,

Esteban Castillo Oswaldo Subero, Domenico Cassasanta, Edgar Guinand, etc.

4) El Informalismo: Es un arte abstracto no geométrico, que reivindica la materialidad de

la pintura, y sus múltiples posibilidades técnicas. Como rechaza la forma figurativa y
no figurativa, asume el color como su materia y sujeto del cuadro. La forma se la
imprime la extensión directa de la expresión del artista.
La importancia que se le ha dado lo demuestra el número y la calidad de sus
representantes: Hans Hartung, Jean Fautrier, Georges Matchieu, Alberto Burri,
Antonio Saura, Arschile Gorky, Franz Kline, Jackson Pallock, Mark Rothko, etc. En
Venezuela, contamos, entre otros, con Jorge Gori, Héctor Poleo, Rolando Maruja,
Humberto Jaimes Sánchez.
5) El Abstraccionismo Lirico: El sosiego, la quietud, el equilibrio la armonía, se convierten
en la temática de estas composiciones. En venezuela, representan, entre otros, esta
tendencia artística: Alirio Oramas, Ramón Vásquez Brito.

LOS DISIDENTES.
Fue fundado en parís por un grupo de artistas venezolanos:
Alejandro Otero, Mateo Manuare, Pascual Navarro, Herminy Perán,
Rubén Núñez, J. M. Guillermo Péres, Luis Guevara Moreno, y Carlos
Gonzáles Bogen, que se adhirieron a las nuevas propuestas del arte
abstracto. Fundaron una revistacon el mismo nombre, que apenas
duró cinco números.

El programa de los disidentes se redujo al enjuiciamiento de la cultura tradicional existente

en Venezuela, y de las instituciones como el Museo de Bellas Artes, los salones oficiales, y
las escuelas de artes plásticas. Por lo tanto, fue un movimiento de protesta que criticaba
las estructuras culturales de nuestro país, pero sin proponer un planteamiento estético-
cultural renovador.

En cambio, fue mayor su aporte cuando regresaron al país, y gestaron el movimiento

abstracto a partir de 1951.
 La Pintura Abstracta 21

CONCLUSIÓN

 Es la acción mediante el cual se separa por medio de una operación intelectual las
cualidades de un objeto para considerarlas aisladamente o para considerar el mismo
objeto en su pura esencia o noción
 Abstracción en filosofía es un acto mental en el que se aísla conceptualmente un objeto
o una propiedad de un objeto.
 Abstracción en psicología un proceso que implica reducir los componentes
fundamentales de información de un fenómeno para conservar sus rasgos más
relevantes.
 Abstracción en informática consiste ignorar detalles específicos del mismo, buscando
generalidades que ayuden a resolver el problema lo que conlleva un proceso de
descomposición del problema.
 El arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura abstracta),
escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas abstractas), además de las
otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no plásticas
(música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta).
 El pensamiento abstracto supone la capacidad de asumir un marco mental de forma
voluntaria.
 La abstracción tiene una gran relación con la investigación científica.
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RECOMENDACIONES

El haber llevado a cabo nuestro trabajo nos ha permitido el poder esbozar las siguientes
recomendaciones:

1) El que nuestra biblioteca Escolar pueda contar con mayor información con respecto
a las diferentes disciplinas artísticas, sea ésta pintura, canto, literatura, etc.
2) Que, el curso de Educación Artística debería trabajar de la mano o en coordinación
con el de Comunicación, teniendo en cuenta que la literatura es un arte que debe
ser apreciado por todos y por consiguiente, dársele un mayor manejo y estudio.
3) Que, se debería desarrollar especie de ferias y/o exposiciones sobre arte, así como
concurso de pintura, dibujo, declamaciones, entre otros.
4) Que, nuestro docente pueda proyectar películas y/o documentales con respecto al
arte.
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BIBLIOGRAFÍA
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Psicología. Universidad nacional de Córdoba. Revista neuro psicológica, neuro psiquiátrica y
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 Debby Avendaño, aproximaciones a la nueva abstracción formal y su naturaleza arquetípica,
revista de arte y estéticacontemporánea, medida –julio/diciembre 2008.
 Facultad De Bellas Artes Departamento De Pintura Universidad de Granada, pintura y
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 Gabriel Navarro, abstracción de datos, Universidad de Granada, España, 2009.
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