EL MATRIMONIO ARNOLFINI: Jan van Eyk

1) DETERMINAR:

a) TIPO DE OBRA: Pintura.

b) TÍTULO: Retrato de Giovanni Arnolfini y su

esposa.

c) AUTOR: Jan van Eyck (1390-1441).

d) FECHA: 1434.
.
e) LOCALIZACIÓN: National Gallery. Londres.
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f) ESTILO: Primitivos flamencos.

2) ANALIZAR:

A) Análisis técnico:

* FORMA: Pintura sobre tabla de roble. 82x60

cm.
* MÉTODO: Obra realizada al óleo, mediante
pincel.
* DESCRIPCIÓN GENERAL: El famosos cuadro de los Arnolfini nos presenta a la pareja
en el momento de contraer matromonio. Ambos personajes, retratados en primer plano,
se sitúan en una estancia con suelo de madera, e iluminada por una ventana que se abre
a la izquierda. A los pies de la pareja aparece un perro y, en un segundo plano pueden
observarse la esquina de una alfombra y el dosel de una cama. En el centro de la
composición figura una lámpara que cuelga del techo y, en la pared del fondo, un espejo
en el que se refleja todo el contenido de la habitación. A su izquierda cuelgan unos
rosarios y, sobre el marco, encontramos una inscripción en latín, en caracteres góticos,
con el siguiente texto: "Johanes de Eyck fuit
hic, 1434" (Jan van Eyck estuvo aquí, 1434).

Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud

seria, ricamente ataviado en color oscuro, con
capa y amplio sombrero. Su mano derecha,
levantada, parece jurar o bendecir, mientras la
izquierda sostiene la de su esposa Giovanna,
también ricamente vestida en color verde vivo,
con velo blanco. Su abultado vientre, sobre el
que apoya su otra mano, parece manifestar con
claridad que se encuentra embarazada, para
otros críticos no lo está.

Una suave luz envuelve la escena, dando de

lleno en el rostro femenino, mientras se atenúa
en torno al del mercader.
B) Análisis simbólico:

El cuadro de los Arnolfini ha originado una gran controversia entre los historiadores del
arte, por la gran cantidad de elementos simbólicos que incluye y la dificultad de
interpretación de algunos de ellos, hasta el punto de que los especialistas debaten si la
obra contiene realmente la escena de la celebración de un matrimonio, siendo como una
especie de acta del mismo, o una ceremonia de exorcismo de una pareja que trata de
alejar de sí el mal de no haber tenido descendencia. Entre los elementos simbólicos,
destacan los siguientes:

* Algunos de los objetos que figuran el el cuadro, así como la propia ambientación de la
escena, aluden a la riqueza del mercader
Arnolfini: la ropa, el mobiliario, la alfombra,
la decoración de la estancia o la presencia
de naranjas junto a la ventana lo que,
dada su procedencia del sur de Europa,
puede considerarse un verdadero lujo en
la Flandes del siglo XV.

* Los dos pares de zuecos (los de ella,

junto a la cama; los de él, en primer plano,
a la izquierda) relacionan a los esposos
con el hogar y el hecho de que los
supongamos descalzos alude a una idea
de fertilidad, muy común en la época en la
que el cuadro fue pintado.

* Los colores predominantes son también

claramente simbólicos: mientras el verde
alude a la fertilidad, el rojo lo hace a la
pasión.

* El perro es una alusión evidente a la

idea de fidelidad dentro del matrimonio.

* La lámpara, en la cual sólo encontramos una vela encendida (cuya luz pasaría
desapercibida en pleno día), es una clara referencia a Jesucristo y, al mismo tiempo,
viene a representar también la llama del amor, que puede consumirse.

* Los rosarios, situados a la izquierda del espejo, aluden a la necesidad de perseverar en

la oración.
* El espejo, de forma circular, y
en cuyo marco se nos muestran
diez de las catorce estaciones
del Víacrucis, muestra la escena
de la habitación desde una
perspectiva inversa, pudiéndose
apreciar la parte trasera de la
pareja, así como la presencia de
otras dos personas, las cuales
podrían asistir como testigos a
una ceremonia para la cual, en
aquella época, no era necesario
un sacerdote. Por tanto, el
espejo contendría el elemento
esencial para identificar
correctamente la escena
representada: un enlace
matrimonial en presencia de
testigos, uno de los cuales
podría ser el propio pintor.

* Tanto la borla que cuelga de la cama como el abultado vientre de Giovanna son claras
alusiones a la fertilidad. Precisamente, sobre la borla, en el cabecero de la cama, aparece
una figura femenina que podría ser Santa Margarita (patrona de los partos) o Santa Marta
(patrona del hogar).

* Sobre las manos de la pareja aparece una gárgola en actitud sonriente. Algunos autores
consideran que este elemento es básico para comprender el significado del cuadro: un
exorcismo mediante el que se pretende alejar el mal que atenaza a la pareja: la falta de
descendencia.

C) Análisis sociológico:

Giovanni Arnolfini fue un rico mercader italiano, procedente de Lucca, que se asentó en la
ciudad de Brujas (Flandes) atraido por las posibilidades comerciales de la zona, en la que
logró una extraordinaria fortuna, de la cual el cuadro que comentamos en buen reflejo.
Los objetos representados son, en si mismos, exponentes de las extensas relaciones
geográficas de su propietario.
Este es, precisamente, el contexto en el que se desarrolla la pintura de los artistas
denominados "primitivos flamencos", de los cuales van Eyck es el máximo exponente: una
burguesía consolidada, próspera en los negocios, atraida por la moda de la decoración de
interiores mediante tapices y, como en este caso, cuadros, entre los cuales los retratos
ocupan un importante papel.
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Jan van Eyck: "Retrato de Giovanni Arnolfini". (1435).

3) OTRAS CUESTIONES:

Para concluir, debe insertarse esta obra dentro

de la amplia producción del autor, entre la que
destacan especialmente el políptico de la
adoración del cordero místico (conservado en la
catedral de San Bavón, Gante), la Virgen del
canónigo van der Paele, asi como numerosos
retratos de personajes de la época, entre los
cuales conocemos otro que efectuó a Giovanni
Arnolfini.
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Van Eyck es considerado como el mejor
representante de esta escuela de primitivos
flamencos y, durante mucho tiempo se pensó
que había sido él quien inventó la técnica de la
pintura al óleo. Hoy se cree más bien que la
perfeccionó, de manera que su pincelada, de
secado más lento, le permitía representar con
mayor exactitud las figuras de sus cuadros. De
este modo, esta pequeña obra es una síntesis
de todas las características de la escuela:
minuciosidad, interés por el color, naturalismo y
estudio de la perspectiva.
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Finalmente, la colocación del espejo en el fondo de la escena supone una verdadera
innovación en el mundo de la pintura, pensándose que esta obra influyó decisivamente en
otros cuadros que emplean el mismo recurso, como ocurre en las Meninas de Velázquez.
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