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CULTURA ARTÍSTICA

DIBUJO Y PINTURA
El ser humano nació para aprender, y por medio de esto ha logrado las
grandes maravillas que se contemplan en la actualidad. Todas ellas parecían
imposible años atrás, sin embargo la constancia del hombre por perfeccionarse
lo ha llevado a la superación en cada generación que ha posado sus pies en este
planeta. Veremos en esta serie de notas, los conceptos básicos del dibujo y la
pintura.

La imitación de la naturaleza y su perfección nos conducen a caminos

llenos de magia, y en cada uno de ellos podemos descubrir la grandiosidad del
ser vivo, que con su inteligencia ha colaborado a enmarcar con bellas obras de
arte la majestuosidad de la creación. No cabe duda que la imaginación que
llevamos dentro es capaz de lograr maravillas inigualables, por el hecho de que
cada quien tiene su propio sentido de la vida. Solo basta identificar nuestras
posibilidades artísticas para explorarlas profesionalmente o simplemente, como
pasatiempo.

El dibujo y la pintura están catalogados como Artes Decorativas, y

especialmente como Artes Cromáticas aplicadas en diversos materiales. Se
puede decir que una pintura ejecutada sobre una superficie dada, tiene algo de
mágico porque ha surgido un fragmento de “vida” al darle luz, color, espacio,
volumen, movimiento y expresión.

¿Qué es el Arte? El arte aplicado a la pintura según algunas definiciones

“Es un diálogo entre el hombre y la Naturaleza” o bien “Arte es la Naturaleza vista
a través de un temperamento”. Por supuesto
estos conceptos han ido variando a través del
tiempo, sobre todo cuando el hombre se
desprende de su imitación de la naturaleza y
comienza a expresarse de formas más
contundentes y simples, como es la abstracción o
el esencialismo. Terminemos con una sentencia
del maestro Miguel Ángel: “Todo el arte consiste
en que la mano obedezca al entendimiento”.
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CONCEPTO DE DIBUJO

El dibujo es un arte gráfica, que consiste en plasmar sobre algún soporte

real o virtual: papel, cartón, vidrio, madera, o el ordenador (en este último caso
se denomina dibujo digital) los contornos de un objeto real o ficticio, el que puede
pintarse con colores o ser blanco y negro o sombreado. Por lo tanto un dibujo
puede o no estar pintado. El lápiz es el instrumento fundamental del dibujante.

El dibujo fue una expresión cultural que ya practicaron los primeros

hombres en la Prehistoria y una muestra de ello son las pinturas rupestres. En
la Edad Media como expresión del pensamiento oscurantista de su época, los
dibujos representaban figuras esencialmente religiosas. Con el Renacimiento,
los dibujos comenzaron a graficar imágenes humanas, en consonancia con un
mundo cuyo fin era satisfacer las necesidades de las personas.

Los dibujos pueden ser figurativos, representando objetos de la realidad

o no figurativos (abstractos). Algunos dibujos incorporan la técnica de la
perspectiva, que grafican los objetos según la distancia y ubicación donde se
hallan en la forma en que son vistos por el observador.

La persona que dibuja se llama dibujante, y plasma sus visiones y

sentimientos mediante imágenes visuales, que son captadas por los
destinatarios por el sentido de la vista.
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En cine los dibujos animados son un conjunto de ellos, representativos del

movimiento en distintas fases, para ser filmados.

A diferencia del dibujo artístico que no necesariamente debe concordar

con la realidad, el dibujo técnico debe ser exacto, preciso, coincidente en
extremo con la realidad, y requiere conocimientos matemáticos y de geometría.
En la industria se utiliza el dibujo para representar piezas industriales o
maquinarias.

TÉCNICAS

La técnica del dibujo y la pintura toma su denominación de acuerdo al

procedimiento empleado.

Dibujo a lápiz: realizado a base de lápiz y papel

Dibujo al carbón: el que se plasma sobre papel, utilizando una tiza
o una barrita de carbón vegetal (carboncillo).
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CONCEPTO DE PINTURA

El término pintura procede del latín “pigmenta”, que se traduce por tinte o
pigmento. Más allá de eso, el concepto de pintura puede hacer referencia a
varias cosas:

La pintura es el arte que usa pigmentos para hacer representaciones

gráficas. El resultado de esas representaciones también se llama
pinturas.
La pintura es el fluido que se aplica en capas delgadas sobre una
superficie y, al secarse, se convierte en una película que la recubre.
Aparte de pigmentos, que son los que dan el color, la pintura lleva otros
componentes como disolventes y aglutinantes.

TIPOS DE PINTURA DE ARTE

Los tipos de pinturas artísticas pueden clasificarse en base a cosas como

el estilo y los materiales empleados. Pero cuando la gente piensa en tipos de
pintura de arte, normalmente se refiere a los estilos o corrientes artísticas. Ha
habido muchas a lo largo de la historia y cada una de ellas ha tenido su momento
de gloria. Los principales estilos de pintura son los siguientes:
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Realismo

El realismo busca representar la vida de la forma más fiel. Para eso los
pintores realistas usan hábilmente la pintura, el color y el tono. Mucha gente
considera esta pintura como el “verdadero arte”.

Hiperrealismo

El hiperrealismo es un paso más allá del realismo. Se busca que la

realidad sea con mayor fidelidad que la fotografía. La pintura hiperrealistas suele
hacerse a partir de una fotografía.
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Surrealismo
Las pinturas del
surrealismo son a menudo
ilógicas y tienen una calidad
onírica, haciendo hincapié en el
subconsciente. Sin duda Salvador
Dalí es el pintor surrealista más
famoso de la historia.

Impresionismo
El impresionismo se fija
más en las formas que en los
detalles. Por eso muestra sus
preferencias por las pinturas de
paisajes (de hecho los
impresionistas prefieren pintar al
aire libre) y le dan especial
importancia a la luz.

Expresionismo
Como reacción al
impresionismo nace el
expresionismo. Se llama
expresionismo porque busca
reflejar la expresión de los
sentimientos y emociones más
que la realidad.

Arte abstracto
El arte abstracto se refiere
a un estilo de pintura que no utiliza
la realidad figurativa como
referencia. Se usan colores y
formas se utilizan para retratar las
emociones y el paisaje del mundo
interior de una persona.
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Arte Pop
El arte Pop gira alrededor de la cultura popular de los EE.UU: comics,
famosos, publicidad. Seguro que todos habéis visto el famoso cuadro de Marilyn
Monroe pintado por Andy Warhol.

TÉCNICAS

Pintura al óleo: aquella donde se utilizan pigmentos coloreados

emulsionados con un aceite.
Pintura al pastel: requiere lápices o barros fabricados con pigmentos
finamente pulverizados o mezclados en escasa proporción con
substancias adherentes. Estos trabajos se realizan sobre papel
especial.
Pintura a la acuarela: utiliza emulsiones de pigmentos en goma
pintando por transparencia, cuyo disolvente es el agua.
Pintura al gouache: requiere emulsiones de los pigmentos con goma
arábiga y otras gomas, pero de calidad cubriente, teniendo por
disolvente el agua.
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Pintura al temple: toda pintura cuyo aglutinante sea una emulsión en

la que intervenga el huevo. Para aplicar la pintura al temple sobre una
superficie exterior se requieren condiciones de solidez y de
permeabilidad, porque la pintura al temple es muy sensible a la
humedad.
Pintura al fresco: son las pinturas cuyos colores son diluidos en agua
de cal y aplicados sobre una porción de pared recién preparada. El
muro deberá estar libre sobre todo del salitre. Esta técnica requiere de
rapidez de ejecución.
Encáustica: es un método de pintar mezclando los pigmentos con cera
fundida e ir cubriendo con esta pasta una superficie. Esta técnica ha
pasado de moda y la sustituyen todos los materiales modernos como
acrílicos y mezclas especiales con caseínas y grasas especiales.

LUZ Y CLAROSCURO
Luz: la luz es el agente físico que ilumina los objetos y los hace visibles.
Es muy importante que las personas que deseen aprender a pintar, observen la
luz que ilumina los cuerpos en diferentes intensidades y direcciones. Por medio
de esta observación se van captando visualmente los volúmenes de los cuerpos.
Tomemos por ejemplo un objeto común sólido, al ser iluminado tiene infinidad de
luces y sombras, más aún dentro del área de sombras existen luces.

Para comprender mejor, diremos que todos los cuerpos iluminados tienen
la propiedad de reflejar y de observar la luz que reciben. Unos cuerpos la
absorben en gran proporción,
otros la reflejan en la misma
medida y otros la reflejan y la
absorben solamente en parte. Los
cuerpos brillantes o blancos
reflejan un tercio de la luz que
reciben, los cuerpos oscuros u
opacos, absorben casi la totalidad
de luz y reflejan muy poco.
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Claroscuro: es el fenómeno que forma la iluminación de un cuerpo, dando

paso a diferentes sombras y medios tonos que la luz produce. A la luz que llega
a nuestra vista reflejada por una superficie brillante, se le da el nombre de “luz
directa”. Cuando esta luz se proyecta en muchas direcciones se llama “luz
difusa”. Todo cuerpo parcialmente iluminado dibuja sobre sí mismo una sombra
llamada “sombra propia”.

Los cuerpos opacos, además de la sombra propia, proyectan en el

espacio otra sombra llamada “sombra proyectada”. Entre el área de sombras
(propia y proyectada) tenemos el elemento más importante: la contraluz, llamada
también penumbra o reflejo. Cuanto más cerca se encuentre el foco lumínico,
más notoria será la contraluz, al alejarse el foco lumínico ambos elementos se
llegan a confundir.

Naturaleza muerta al lápiz donde se observa la aplicación de la luz y el

claroscuro

Los cuerpos de cualquier material iluminados parcialmente tienen varios

puntos luminosos y por lo tanto, cada punto formará todos los elementos
anteriores (luz directa, luz difusa, sombra propia, sombra proyectada y
contraluz), en mayor o menor grado. Por lo general las contraluces se impregnan
del colorido que se encuentra inmediato a ellas, aunque el objeto en sí sea de
diferente color. Esto se puede comprobar poniendo junto a un solo objeto, varios
fondos de diferentes colores.
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LOS MATERIALES

Damos a continuación una

lista de los materiales necesarios
para iniciar, trabajar y
complementar cualquier dibujo o
pintura. Inicialmente tenemos los
lápices de dibujo, lápices de
colores, crayolas, pasteles, tierras
y pinturas al óleo y acrílicos. Los
lápices para dibujo son aquellos
que tienen diferente grado de
suavidad de grafito. Los más
adecuados son: H6, H2, HB, B6 y
B2. Es necesario contar con una
goma (borrador) común de buena
calidad y una goma plástica.

También con un papel adecuado de poro cerrado como la cartulina de

ilustración, la brístol mate o simplemente la cartulina marquilla. Si se va a usar
una hoja de dibujo común, considerar que sus caras tienen distinta porosidad.
En un trabajo realizado a lápiz no se deben utilizar los llamados esfuminos
(lápices de algodón prensado); todo el medio tono se debe trabajar a golpe de
lápiz. Los lápices duros, H, son aquellos que sirven para trazar limpiamente y
con precisión, también se utilizan para indicar las luces difusas. Los lápices B
sirven para apreciar las sombras tanto la propia como la proyectada.

Teniendo en cuenta que toda superficie es susceptible de ser pintada con

su material específico aparte de los lápices, los más comunes son:

Cartones o fibracel, preparados según el material a utilizar.

Láminas y vidrio preparado.
Cartón, cartoncillo y papel fabricado para pintar con pastel.
Papel especial para acuarelas.
Bastidores, telas preparadas en diferentes fórmulas de acuerdo a su
utilización.
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MATERIALES PARA DIBUJAR A LÁPIZ:

Lápices H2, H, BH y B2, goma plástica, raspadera, navaja de un filo y

papel adecuado según el trabajo.

MATERIALES PARA DIBUJAR AL ÓLEO.

Pinceles planos para óleo que pueden ser de cerda los cuales son
indicados para manchar la superficie a pintar. Es conveniente tener de
varios gruesos para utilizarlos en las áreas apropiadas.
Pinceles de pelo de marta, ardilla, camello y ternera, ordenados según
su finura. Los que se utilizan con más frecuencia son de números 2, 6,
10, 14 y 20.
Pinceles planos lengua de gato de pelo, este tipo de pinceles se
requieren primordialmente en la numeración pequeña y son
necesarios para trazos muy finos (conocidos como pinceles “liner”).
Pinceles redondos para óleo de pelo, los más apropiados son los 00
para líneas delgadas y finas.
De cerda, para manchar las telas sobre todo en sus números mayores.
Se recomienda realizar las manchas con cualquier pincel de cerda, ya
sea plano o redondo, pero se insiste en que al empezar a empastar se
trabaje con los pinceles de pelo, por quedar mucho mejor el esfumado
y la combinación de los tonos.

No hay que olvidar que todos

los pinceles cualesquiera que sea su
clase, ameritan un cierto cuidado
para que se conserven más tiempo.
Lo más apropiado es no dejarlos con
pintura; al terminar de trabajar hay
que lavarlos con aguarrás bien a
fondo, procurando que no quede
ningún resto de pintura y que su pelo
no se doble.
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Espátulas: deben ser

planas pues servirán para
mover de lugar los
colores, mezclarlos y
retirarlos de la paleta.
Paletas: las tradicionales
son de madera, ya sean
en la forma clásica o bien
rectangular. Las de
plástico con la forma
tradicional también se
encuentran en el
mercado. Las de material
desechable son las más
utilizadas actualmente.
Pinturas al óleo:
actualmente se encuentra
un gran número de
pinturas para óleo de
diferente marca y tamaño.
Las más recomendables
para principiantes son las
más económicas y luego
al adquirir experiencia,
usar las profesionales.
Aceite de linaza: aceite
especial para mezclar los
colores al óleo, evita que
dichos colores se oxiden.
Aguarrás: diluyente para
utilizarse en los colores de
óleo sirve para limpiar los
pinceles.
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CULTURA ARTÍSTICA

Godete: recipiente de uno o dos compartimientos, para colocar el

aceite y el aguarrás.
Recipientes: tener algunos de vidrio como frascos que tengan algo de
aguarrás para que en él se limpien los pinceles y se les quite el exceso
de pintura mientras realizamos la obra.
-Paños: de distintos tamaños para ir limpiando los pinceles, los más
indicados son los de algodón.
Bastidores: son las telas sobre las cuales se va a pintar, hay de
diferentes tamaños y consistencias. Se encuentran en el mercado de
materiales específicos como manta de algodón, lona, loneta, lino y
semilino. Los más utilizados son los de manta para estudiantes o para
profesionales.
Caballetes: los pintores profesionales tienen unos caballetes hechos a
la medida de sus necesidades. Para pintar en forma común en el
mercado, existen de diferentes clases y tamaños, de madera o
aluminio, de tijera, de pie o portátiles.

Materiales para pintar en acuarela.

Papeles: fabriano, romano, guarro.

Pinturas: las hay en pastillol y en tubo de varias marcas y calidades.
Pinceles: redondos para acuarelas números 00, 5, 10 y 20 de pelo de
marta.
Recipientes: de vidrio o plástico para colocar agua y tener limpios los
pinceles.
Godetes: de plástico o de
lámina, para colocar las
pinturas y poderlas
trabajar.
Paños: de algodón o papel
de cocina.
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CULTURA ARTÍSTICA

MATERIALES PARA PINTAR AL PASTEL.

Papeles específicos
para esta técnica en
pliego o en cuaderno.
Pasteles, deben ser
secos o suaves, los hay
en estuches de distinta
cantidad de colores y
de varios precios.
También en el mercado
se encuentran pasteles
grasos llamados “oleos
pastel” que se trabajan
con trementina.
Esfuminos de algodón
prensado
Paños húmedos para ir
limpiándose los dedos.

EL COLOR

El color es una interpretación de las longitudes de onda de la luz emitida

o reflejada por un cuerpo y captada por el sistema visual. Esto quiere decir que
el color es una sensación que se produce en el cerebro como reacción a la
incidencia de los rayos de luz en los ojos.

El estímulo físico proviene de cuerpos luminosos que emiten luz y cuerpos

iluminados que reflejan parte de la luz que reciben, pero es el cerebro el que
produce la percepción mental del color. Es un proceso neurofisiológico complejo
similar a la percepción de las vibraciones en el aire como sonidos.

Aunque el color se percibe como un atributo de los objetos o la luz, en

realidad ninguno de ellos está coloreado.
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CULTURA ARTÍSTICA

CLASIFICACION DE LOS COLORES

Una primera clasificación nos lleva a definirlos como colores cromáticos,

los colores con color y acromáticos los colores sin color.

CROMÁTICOS

Colores primarios.- Son aquellos colores que no pueden obtenerse

mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos,
siendo estos amarillo, cian y magenta, aunque hay que advertir que el cian es un
color que no existe en las cartas de colores para artistas, siendo este propio de
las artes gráficas y la fotografía, por lo que los colores primarios considerados
por el pintor, normalmente no coinciden con los colores primarios usados en la
teoría del color, adoptando varias soluciones y entre ellas, una de las posibles,
sería usar, como colores primarios en acuarela, un amarillo medio, el azul
cerúleo y el carmín de garanza. No obstante, el azul cerúleo, en la práctica de la
acuarela, resultar opaco y sucio, por lo que, algunos lo sustituyen por el azul
ultramar o el azul ftalo, el amarillo por el amarillo cadmio claro y el magenta por
el Alizarín crinson
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CULTURA ARTÍSTICA

Colores secundarios.- Es el color que se forma por la mezcla de dos

colores primarios, en partes iguales.

Antiguamente, la teoría de los pigmentos era restringida a la pintura. Los

antiguos pintores ya hacían mezclas antes de la ciencia moderna de los colores,
y los matices usados hasta entonces eran pocos. En el sistema de color RYB,
que emplea la teoría del color de Leonardo da Vinci, los colores secundarios son
los siguientes:

Verde – formado por azul y amarillo

Naranja – formado por amarillo y rojo
Violeta (o rojo) – formado por azul y rojo
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CULTURA ARTÍSTICA

Modernamente, sin embargo, se consideran dos casos de clasificación de

los colores: el aditivo (o luminoso) y el sustractivo (o reflectivo), ya que el sistema
RYB no representa, de hecho, todos los colores percibidos por el ojo humano.
Los colores primarios en un caso son secundarios en otro, y viceversa.

En el caso aditivo (modelo de color RGB), usado en fuentes de luz, los

colores secundarios son:

Cian – formado por azul y verde

Magenta – formado por azul y rojo

Amarillo – formado por rojo y verde

En el caso sustractivo (modelo de color CMY), usado en impresión gráfica,

los colores secundarios son:

Rojo – formado por magenta y amarillo

Verde – formado por cian y amarillo

Azul – formado por cian y magenta

Color terciario.- Es un color compuesto por un color primario y un color

secundario. Se trata de seis
colores:

Rosa salmón = magenta +

naranja

Ámbar = naranja + amarillo

Lima = amarillo + verde

Turquesa = verde + cian

Azul medio = cian + lila

claro

Violeta = rojo + magenta

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CULTURA ARTÍSTICA

La nomenclatura de los colores terciarios, es decir, los nombres por los

que los conocemos, varían bastante según los lugares y las personas. Los
colores son siempre los mismos, pero cada uno de nosotros los percibe de
manera diferente.

Los colores terciarios pueden también considerarse como mezclas de

colores secundarios, entre sí.

Naranja + verde = verde oliva

Verde + rojo = azul de cobalto

Rojo + naranja = púrpura

También, en este caso, los nombres son extremadamente subjetivos,

conforme a los países y hábitos locales. Por ejemplo, el color púrpura es muy
conocido como berenjena, de tradición francófona; en Brasil, del color naranja
se llama rojo.

En cuanto al azul, es extremadamente difícil precisar nombres y tonalidades

cuando se visualizan en la pantalla. Hay gran confusión sobre el cian, que es
uno de los 3 colores primarios y es representado como azul turquesa, una
variante mucho más luminosa y ya con la intromisión del amarillo. Además,
depende de la marca de pinturas, etc.

ACROMÁTICOS

De la mezcla del blanco y el negro salen los grises.

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CÍRCULO CROMÁTICO

Se denomina círculo cromático a la representación gráfica sobre un

círculo con los seis colores reflejados en la descomposición de la luz visible del
espectro solar, según el siguiente orden: Púrpura, Rojo, Amarillo, Verde, Azul
cian y Azul oscuro. Por lo tanto, en principio tendríamos tres colores primarios
Purpura, amarillo y azul cian y tres secundarios, rojo, verde y azul oscuro,
completándolo con otros seis resultantes de las mezclas de los primarios con los
secundarios más próximos, con lo que el círculo cromático quedaría compuesto
por doce colores: tres primarios (P), tres secundarios (S) y seis terciarios (T).
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BIBLIOGRAFÍA

http://www.eltallerdejazmin.com/2013/07/dibujo-y-pintura-conceptos-
basicos.html

https://www.clickprinting.es/blog/concepto-de-pintura-y-tipos-de-cuadros-
de-pintura

https://cotos-ever.net/blog/pinturas-abstractas-de-pintores-famosos/

https://www.aboutespanol.com/color-luz-y-pigmento-que-es-y-como-se-
percibe-180130h

http://www.todacultura.com/acuarelas/circulo_cromatico.htm

http://www.todacultura.com/acuarelas/primarios.htm

http://cualesel.net/cuales-son-los-colores-primarios-secundarios-
terciarios/