Arte en Venezuela

Carlos Cruz Diez

Desde que existe la humanidad, el hombre sintió el deseo de expresarse de alguna manera. Este tipo de manifestaciones

espontáneas y naturales dieron lugar a las primeras expresiones artísticas. En cualquier lugar del mundo podemos

apreciar pinturas, esculturas, etc. que se pueden tomar como expresiones del momento vivido por ese pueblo. Hay

expresiones que tienen que ver con lo religioso, con las guerras o quizás con la vida cotidiana. Los materiales utilizados

en sus inicios son muy diversos, pero se aprecia desde sus inicios la necesidad del hombre de expresarse con el material

que estuviese su alcance y en sitios inusuales.

Se considera Arte toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios

patrones de belleza y estética. La pintura, danza, teatro, escultura, el dibujo, la música, literatura, arquitectura, entre otras

forman parte de las manifestaciones artísticas del ser humano.

El arte popular en Venezuela ha sido influenciado por diversas culturas. Entre ellas: la cultura autóctona de los

aborígenes; la cultura africana, que trajeron los negros esclavos y la española, aportada por los conquistadores. Durante

la época colonial venezolana la cultura fue fundamentalmente católica y patriarcal. Las manifestaciones culturales

estaban asociadas a los asuntos espirituales de la población. La pintura y la música eran de inspiración religiosa y estaba

al servicio del culto; la pintura ofrecía temas e imágenes sagradas como expresión gráfica, los artistas más

representativos de la historia fueron: Juan Lovera, Martín Tovar y Tovar, Antonio Herrera Toro, Emilio Maury, Arturo

Michelena y Cristóbal Rojas.

Entre los años veinte y treinta, fue el pintor Armando Reverón(1889-1954) quien inició a Venezuela en una verdadera

modernidad pictórica. La renovación de Reverón en pintura, tiene su equivalente en la escultura en la obra de Francisco

Narváez (n.1905). Las tallas de Narváez se caracterizan por la síntesis de las formas y una tendencia hacia la estilización

geométrica.
 La Cueva

Armando Reverón

Francisco Narváez

Existen muchos artistas venezolanos con diferentes tipos de manifestaciones, tales como Manuel Cabré, Gilberto

Bejarano, Carlos Medina, Luis Millé, Tito Salas, escultores tales como Harry Abend, Francisco Narváez, Carlos Prada,

Carlos Cruz Diez, Jesús Soto, Alejandro Otero.

Así como un sin fin de expresiones tomadas como artísticas, que cada uno de los sectores del país disfruta en sus

celebraciones y que ya son consideradas parte de nuestras tradiciones.

Historia del arte

Alberto J. Rivas C.

Hasta los momentos no se ha logrado conseguir una definición universalmente aceptada de arte. Quizá no sea
necesario buscar esa definición, y muestra de ello son la cantidad de trabajos fracasados de los muchos investigadores
que se han volcado en este intento. Pero si no se puede definir realmente el arte, sí que se puede describir por medio
de las obras que existen hasta los momentos.

El fenómeno que llamamos arte es, desde luego, exclusivamente humano: sólo el hombre tiene conciencia de las
emociones que provienen del arte, así mismo sólo el hombre tiene conciencia de la muerte.

En todo fenómeno artístico encontramos la presencia de tres elementos: el creador, la obra y el contemplador. El
creador está dotado de potencia, pero además, tiene la voluntad de crear obras de arte, en las cuales prolonga su
espíritu. La obra es el vínculo que ata al creador con el mundo externo. El contemplador está dotado de una potencia o
capacidad que le permite apreciar, juzgar, criticar, pero sobre todo sentir la emoción del arte. Sólo cuando estos tres
factores existen y se complementan, puede decirse con toda propiedad que se ha verificado íntegramente el fenómeno
que llamamos arte.

Ahora bien, el arte es un fenómeno social, cada grupo social y cada época posee sus artistas propios, creadores de
una visualidad, de una historia de su época, expresada en idioma artístico.

El arte nos enseña a apreciar el mundo, nos invita a contemplar las obras de los artistas que tradujeron en ellas las
emociones de su época, con ellas apreciamos cómo el arte trasmite el carácter de cada época, refleja los
acontecimiento por lo que atraviesa el hombre y del grado de cultura que ha alcanzado. Esto lo demuestra la
abundancia de las obras realizadas y la calidad tan elevada de algunas ellas.

A veces, el declive del arte coincide con las grandes crisis de la humanidad: guerras, epidemias, etc., que son
desfavorables para el desarrollo del mismo. Sin embargo, en variadas ocasiones, estas desgracias conmueven al
artista y despiertan en él emociones de insospechado vigor; en las dificultades su personalidad parece enaltecerse, y
es así como en su tela o en el mármol, manifiesta sus visiones terroríficas o grandiosas de lo que capta su espíritu. La
triste experiencia humana queda entonces plasmada en las obras de los artistas.

Volviendo al principio, lo que si podemos definir es la historia del arte, la cual es una ciencia que estudia los objetos de
arte producidos en cada país a lo largo del tiempo, relacionadas con las formas de pensamiento político, económicas y
culturales, de cada tiempo. Se considera una de las ramas jóvenes de la ciencia y su fundador fue J.J. Winckelmann en
el siglo XVIII.

En este sentido, el papel del historiador del arte consiste en estudiar el fenómeno artístico a través del tiempo, situarlo
dentro de los pueblos que le dieron origen y estudiar las causas sociales que pudieron influir en los artistas en la
creación de los llamados estilos.

En cuanto al estilo, puede decirse, que así se llama en arte, a las diversas maneras de concebir la creación. Agrupando
aquellas creaciones semejantes en sus aspectos formales llamándoseles “estilos artísticos”.

El estudio de la historia del arte se ha dividido en dos secciones: la primera, comprende las artes mayores, aquellas
que permitían gozar las obras por medio de los sentidos superiores, vista y oído: Arquitectura, Pintura, Escultura,
Música, Danza, Teatro y Cine.

La segunda abarca las llamadas artes menores, las que impresionan a los sentidos menores, gusto, olfato y tacto, con
los que es necesario entrar en contacto con el objeto: Cestería, Cristalería, Glíptica, Ebanistería, Marquetería o
Taracea, Mosaico, Orfebrería, Tapicería. Pero también a las artes menores se le designan como artes industriales que
además incluyen a las artes del libro y el arte tipográfico, así como, el grabado en sus cuatro manifestaciones (en
hueco, madera, metales y litografía).

“Pero se me reprochan aún muchas otras cosas, hasta presentar en mis cuadros objetos situados en posiciones en las
que no los vemos nunca. Se trata, sin embargo, de la realización de un deseo real, si no consciente, para la mayor
parte de los hombres”
René Magritte.

El arte y la cultura en Venezuela

Fotografías - Venezuela - 7/01/19

La cultura en Venezuela

El proceso evolutivo de la cultura venezolana contemporánea deriva de las raíces prehispánicas, hispánicas y africanas,
consolidadas en los siglos coloniales. La especificidad cultural se ha logrado con un intenso proceso de transculturación
y mestizaje. A un contrastado legado cultural y artístico precolombino de diversas etnias indígenas, con su arte rupestre,
cestería, alfarería y una rica tradición oral (en especial en las regiones andinas, en las áreas montañosas del litoral, las
sabanas de Los Llanos y las selvas amazónicas), se sumó el extraordinario aporte lingüístico, arquitectónico, de artes
decorativas, pintura, orfebrería y mobiliario de los conquistadores y colonizadores españoles, originarios en su mayoría
de Andalucía, Castilla y Extremadura.

Artes pictóricas, arquitectura

La ciudad de Coro en Venezuela Encarta

Ello se matizó con contribuciones significativas en música, artes pictóricas y sentido de lo mágico de viejas culturas
africanas. También se enriqueció por otras corrientes culturales de origen antillano y europeo en el siglo XIX, en especial
de procedencia francesa.

Una discreta arquitectura colonial de origen hispánico puede ser contemplada en los restos de las fortificaciones y cascos
antiguos en La Guaira, Puerto Cabello, Cumaná, Maracaibo o Araya.

De especial importancia es el conjunto de admirables casonas coloniales en la ciudad de Coro y las sedes de la Compañía
Guipuzcoana en La Guaira y Puerto Cabello. Hay, asimismo, destacados templos antiguos en La Asunción, en la capital,
como la catedral de Caracas y en Coro, con manifestaciones dieciochescas en los templos de Píritu, Guanare, Calabozo,
y en otras ciudades. Son interesantes los restos de haciendas coloniales en la península de Paraguaná y en los valles
de Aragua y de los Andes. Del siglo XIX se conservan haciendas con grandes patios para secar café y cacao, tanto en
los estados andinos como en el noreste del país. Modestas manifestaciones de arquitectura urbana decimonónica se
pueden contemplar en Caracas, Macuto, Maracaibo, Barquisimeto y otros núcleos urbanos.

arte precolombino

Contenido [Mostrar]

El arte precolombino americano comprende todos aquellos objetos de arte creados por los diferentes pueblos

originarios antes de la llegada de Colón y la influencia hispana.Posee características estéticas, técnicas, funciones

sociales y estilos muy diferentes del arte europeo. Por otra parte, no existe un solo arte precolombino: tal como es posible

apreciar a través deestas presentaciones, las obras de las diferentes culturas precolombinas se caracterizan por una

gran riqueza y diversidad. Al mismo tiempo, ellas ofrecen una puerta privilegiada al conocimiento de lasculturas que las

crearon.
El arte precolombino es la forma en la que se escoge a un grupo de representaciones intelectuales y artísticas como

son la escultura, arquitectura, pintura, cerámica, textil, entre otros y que son creadas en el continente americano durante

la etapa precolombina.

Esta modalidad de arte te permite tener información y conocimiento sobre las antiguas civilizaciones precolombinas,

como por ejemplo la capacidad de modificar el medio ambiente o el nivel de desarrollo que tenían, posee

características estéticas, técnicas, funciones sociales y estilos muy diferentes del arte europeo, ofreciendo las

obras de las diferentes culturas precolombinas una gran riqueza y diversidad.

El arte precolombino es destacado por los trabajos en oro de las culturas indígenas los cuales fueron considerados los

mejores del continente. En el periodo de conquista había una gran variedad de culturas que usaban el oro, en ellas se

puede verse la técnica similar que usaban pero también se puede comprobar los diferentes estilos. El oro fue usado en

muchos objetos desde anillos para la nariz hasta ofrendas para las ceremonias, pero la mejor obra creada con oro

precolombino es la conocida Balsa Muisca que representa al cacique lleno de oro en su barca y a los remeros, aunque

también hay otras obras famosas en la cultura Tunjo, esta cultura representaba a guerreros feroces y también podemos

destacar la cultura Tolima que representaban figuras humanas. Hay una diversidad de cultura que utilizaban el oro para

representaciones aunque estas podría decirse que son las más destacadas.

Origen del Arte precolombino

El concepto “precolombino” en una forma general es aquello

que estaba en América antes de que los españoles en 1492 la conquistaran. Aunque en realidad el concepto alude

a un espacio de tiempo en el cual se conviven diferentes culturas las cuales dejaron una huella eterna en el arte y que

actualmente son objeto de estudios científicos. Resumiendo, el concepto “precolombino” viene de pre- Colombia, es decir

antes de colon, pero como hemos dicho anteriormente tienen que ver con las culturas que por entonces dominaban el

territorio de las “colonias españolas”, es decir desde Cono Sur hasta México. Su desarrollo se inició en la época

preclásica americana con el descubrimiento de la cultura Olmeca a la cual se le asigna la construcción y creación

de una de las ciudades más famosas hasta entonces del continente denominada Teotihuacan.

Las culturas precolombinas en el periodo instructivo se crearon lejos una de otras pero esto cambio cuando comenzó la

etapa clásica ya que se inició una dinámica de influencias e intercambios mutuos como por ejemplo las dos áreas

principales de civilización Andes y Mesoamérica. Es por ello, por lo que se pueden observar varias casualidades en la

exhibición de algunos mitos, algunas costumbres y en algunos vocablos similares. Por esto se llegó a la conclusión de

que tiempo después de la etapa clásica las diferentes civilizaciones tuvieron contactos que no fueron ocasionales.
Los incas, por ejemplo, son considerados como una de las civilizaciones precolombinas más importantes. Su

imperio se extendió por diversas regiones de Perú, Bolivia, Ecuador, Colombia, Chile y Argentina, entre sus legados

destaca el Machu Picchu , una ciudad construida en el S. XV en el Perú.

Los mayas fueron otros de los grandes pueblos precolombinos, que se asentados en zonas

de México, Guatemala, Honduras, Belice y El Salvador, desarrollando imponentes construcciones como la ciudad

de Chichén Itzá.

Características del Arte Precolombino

La alfarería precolombina es muy rica en formas y estilos lo que ha dificultado su clasificación, fue desarrollada por

grupos sedentarios de agricultores que no sólo fabricaron objetos de uso doméstico como platos con alegres motivos o

vasos decorados con múltiples colores, sino que también la utilizaron en sus ceremonia rituales como son las vasijas

funerarias con figuras antropomórficas o de animales. Las piezas más características provienen de la cultura

muisca y tienen su mejor muestra en la gran variedad de múcuras, un cántaro especial de cuello delgado y decorado

con motivos antropomórficos. Esta pieza se utilizaba para tareas domésticas y ceremonias religiosas. Todavía se

siguen fabricando de acuerdo a los procesos ancestrales, especialmente en las zonas rurales de Boyacá. A diferencia

de otras culturas suramericanas, en Colombia no se han encontrado imponentes construcciones o grandes zonas

arqueológicas, a excepción de las grandiosas figuras de la región de San Agustín. Allí se han encontrado más de 500

piezas talladas en piedra, representando dioses, hombres y animales, que demuestran el complejo culto religioso de este

grupo indígena. Sin embargo, las culturas precolombinas si han dejado un buen ejemplo de lo que fueron en otro tiempo,

en los cientos de piezas e instrumentos de trabajo que demuestran un alto grado de desarrollo y elaboración.

Muchas obras fueron usadas por los conquistadores

para fundición y han sido destruidas por que solo apreciaron el valor del metal, pero algunas afortunadamente han

sobrevivido. En cada lugar desde Méjico hacia el sur, cada pueblo, etnia, tribu y nación, dejaron plasmados de una u otra

manera su forma de ver la vida, sus creencias, sus esperanzas, sus logros y hasta la manera de manejarse

administrativamente. La invasión y conquista por parte de los españoles, no solo destruyo a los pueblos, sino gran parte

de su cultura y avances, con lo que hoy seguramente sería en todo aspecto una América diferente de la conocemos.

Un elemento de la mayor importancia en la vida precolombina era la religión, que era animista, ya que divinizaba

las fuerzas naturales, los lugares sagrados y algunos objetos. Muchas de estas fuerzas eran contrarias, pero en cualquier

caso complementarias entre ellas, ya que la religión emanaba de una concepción de dualidad. Las prácticas de culto en
Centro y Sudamérica presentan elementos comunes, a pesar de sus diferenciaciones parciales, y revelan la mutua

influencia simbólica y religiosa entre ambas regiones.

Técnicas usadas en el arte precolombino

Este tipo de arte se desarrolló principalmente en América central y México donde estaban situadas la cultura maya y

la azteca:

El arte azteca

Es un arte al servicio del Estado, es el lenguaje que utilizaba la sociedad para transmitir su visión del mundo,

reforzando su propia identidad frente a la de las culturas foráneas. Tiene un marcado componente político-religioso, pero

es fundamentalmente religioso, al culto de sus divinidades, expresándose a través de la música, la literatura, de la

arquitectura y la escultura y para esto utilizaban instrumentos musicales, plumas, papel, cerámica o piedra dependiendo

de la clase de arte que quisieran hacer. Lo que más llama la atención del arte precolombino azteca es la semejanza con

los anteriores artes tradicionales y la señal personal que ponían en sus representaciones como marca del artista,

siendo un arte violento y rudo, pero con una sensibilidad y una complejidad que se observa en su riqueza simbólica. En

la escultura azteca destacamos la expresión de los rostros y tenían un canon de belleza muy distinto al clásico.

 En la arquitectura: sus principales características son: el uso de grandes masa y medidas colosales, con un
aspecto geométrico y monótono en su exterior y de espacios estrechos y oscuros en su interior, hay ensayos
de falso arco y falsa bóveda y los materiales empleados eran el adobe, la piedra y la madera.
 En la pintura: la realizaban con tintas variadas, logrando una viva y hermosa policromía. Representaban a los
dioses, hombres notables, animales o plantas y también hechos de la vida real.
 En la cerámica: formaba parte de la vida cultural de los aztecas, haciendo vasijas de barro sin ser siempre
cerámica fina, siendo la cerámica roja y negra la más destacada. Fabricaban vasijas útiles para cocinar, vasos
de barro y piezas finas.

El arte maya

Tiene una gran variedad y calidad. El arte maya aporto al arte

precolombino tanto en la escultura, que trabajaban con piedra caliza que les dio la probabilidad de crear trabajos

dificultosos y por ello magníficos, en la cerámica y en la pintura. Los mayas cultivaron el relieve y casi siempre

representaban escenas religiosas y guerreras. Sus principales características son la utilización del relieve, la

monumentalidad en el tratamiento de los temas, el uso del color en el acabado superficial, la dependencia del ámbito

arquitectónico, la profusión de signos caligráficos y ornamentales, la relevancia de las líneas curvas y el carácter

abigarrado y escenográfico de la composición.

 En la arquitectura: está caracterizada por el sentido delicado del diseño y la proporción, destacando
una elegancia estructural y delicadeza de los detalles, construyendo edificaciones impresionantes destinadas
a las ceremonias religiosas y los palacios que servían de morada a los sacerdotes.
  En la escultura: era esencialmente decorativa. La calidad de sus obras la coloca un una categoría superior.
Los escultores eran imprescindibles colaboradores de los arquitectos, creando una decoración armoniosa y
unos relieves de una calidad jamás superada.
 En la pintura: también alcanzo un alto grado de perfección. Las pinturas revelan un sentido de la perspectiva
y una viva armonía de la composición. Los fresco de bonapak son tan realistas de color y belleza tal, que se
compara con el renacimiento italiano.
 En la cerámica: se exhibe una policromía y un refinamiento estético que le asignan el primer puesto en este
aspecto cultural. Y consiste en vasijas en formas humanas y animales hechas en barro cosido.

El arte Inca

El Inca era un estado moderno, con sus estructura política , militar y social muy organizados, y que ejercía su

poder imperial sobre un gran número de personas.

 En la arquitectura: va a dar menos importancia al templo y más a aquellas construcciones que les servían
para asegurarse su dominio sobre un territorio tan vasto y una población tan numerosa. Construyeron
pirámides-templos, palacios, fortalezas, puentes, carreteras y viviendas de una o más plantas, siendo los
templos las construcciones más importantes.

 En la escultura: es escasa la escultura en piedra. No practicaron la talla, sin embargo, modelaron en arcilla
figuras zoomorfas y antropomorfas de gran realismo. Sus vasijas eran destinadas a usos normales,
representando personajes deformes y monstruosos, exagerando sus defectos físicos. Como características
destacamos la observación, el realismo y el humor caricaturesco.
 En la cerámica: se identifican por tener una gran variedad de formas: vasijas utilitarias tres patas, usadas por
los guerreros en campañas, las vasijas domesticas, resistentes , usando el color rojo,el enorme arríbalo,
especie de anforo que tenia dos asas laterales.

Arte Colonial
Llamamos arte colonial al efectuado en América bajo el dominio de España durante los siglos XVI, XVII y
XVIII.
De raíz medieval, lo traen desde España al Nuevo Mundo numerosos artistas que forman talleres en las
principales ciudades americanas, donde enseñan a criollos, indios y mestizos. Sus temas religiosos y
didácticos tratan diferentes episodios de la vida de Jesús, de la Virgen y de los santos más populares.
Los talleres siguen en manos americanas cuando desaparecen los maestros europeos, expresando con
mayor o menor grado la cosmovisión nativa y logrando un arte propio de gran expresividad, buscando
especialmente dar gloria a Dios. Se mantienen las técnicas y los modelos europeos en temas religiosos que
atacan las normas de la Iglesia Católica y su fin evangelizador.
En pintura conservan el claroscuro y se aprecia la influencia de pintores españoles (Velásquez y Murillo entre
otros), italianos y flamencos.


 Sobresalen las series o conjuntos de cuadros que además de adoctrinar, sirven para decorar claustros y
refectorios. Son obras colectivas dirigidas por un maestro, donde intervienen varios ayudantes.
En escultura, la influencia de sevillanos, especialmente Juan Martínez Montañés, evoluciona a un arte dulce
en las intimidades cristianas, como son los nacimientos, las figuras del Niño Dios y de los ángeles niños.
El arte colonial alcanza su apogeo durante el siglo XVIII cuando los talleres no dan abasto con los pedidos;
en escultura, las mascarillas permiten la fabricación rápida de rostros y los bastidores o armazones
de madera que reemplazan las tallas de bulto - tallas completas en tres dimensiones y ahuecadas - , facilitan
el transporte de obras de gran tamaño.
En esta lejana Capitanía General de Chile, hubo poco desarrollo de las manifestaciones artísticas. En Chile
se importaban obras de arte desde los principales talleres americanos especialmente tallas de Quito y
pinturas del Cuzco.
Desde mediados del siglo XVIII, las clases más cultas de las colonias hispanoamericanas van lentamente
transformando su mentalidad a causa de la propagación de las ideas de Ilustración francesa. Las
manifestaciones artísticas van cambiando su finalidad estrictamente religiosa del modelo hispano por otras
temáticas.

Arte Republicano
 Se llama arte republicano al período artístico que comienza a partir de la independencia y en que Venezuela
se constituye como república independiente. Por eso, al arte de este tiempo se le denomina republicano o
nacional.
El arte republicano mantenía rasgos de la pintura colonial, dado su estilo arcaizante y la falta de una
instrucción académica rigurosa. La historia recientemente vivida, más los retratos civiles y militares,
constituyen los nuevos temas que aparecieron en la pintura. Con el tiempo, se incluyen las costumbres del
pueblo. Ello se debió a que el poder de la iglesia ya no era tan fuerte como antes y nace un interés por
retratar a la nueva sociedad emergente que se independizó de España. Los pintores de los primeros años de
la sociedad republicana fueron Juan Lovera, Carmelo Fernández, Ramón Bolet Peraza, Antonio José
Carranza y Joaquín Sosa, entre los más destacados.
El arte de esta época ayudó e influyó en las persona que vivian en ese momento para distraerlos del
panorama de la guerra y de ese modo hacer sus vidas más felices y tranquilas.
En conclusion a nosotras nos pareció que es bueno estudiar las artes del período republicano ya que
podremos culturizarnos y aprender acerca de lo sucedido años atras y poder utilizar esta informacion para en
un futuro pasarla a nuevas generaciones para que éstos tengan conciencia de lo sucedido en el pasado.
Parcialmente tomado de : Libro Venezuela para Jóvenes, tomo 3 Arte y Música
El arte popular se reconoció públicamente en venezuela a finales de los años cuarenta, cuando, en un contexto de
valoración de lo autóctono, expresado en las fiestas de la tradición organizada por Juan Liscano en 1948, se presento
por primera vez una exposición de arte popular Latino Americano. Un año después, se inauguró la primera muestra de
la obra de Feliciano Carballo y con ella una nueva etapa en el Arte Nacional. A partir de ese momento las obras de los
artistas populares comenzaron a valorarse a despertar gran interés, en los organizadores, a lo largo de las dos décadas
siguientes numerosas exposiciones a través de las cuales se dieron a conocer grandes artistas, entre los que destacan:
Ciriaco Iriarte, Federico Sandoval, Victor Millan, y mas adelante Barbaro Rivas, Salvador Valero, Antonio Fernandez,
Leon Egipto y Andres Antonio Alvarez, entre muchos otros.