Arlecchina

Ya en el teatro de la Antigüedad clásica encontramos algunas líneas de ese personaje femenino que retomarán, de cuando
en cuando, los nombres de Colombina, Betta, Franceschina, Diamantina, Marinetta, Violetta, Corallina en el teatro de los
siglos XVI al XVIII. "cañas cínicas y halagadoras, siempre dispuestas a sugerir malicia y subterfugio al dueño enamorado,
que se transformará, el Servetta del teatro italiano y el Soubrette del teatro francés, para pasar finalmente, casi
irreconocible, la tarea de primadonna en el teatro moderno de variedad.
Como en las comedias del arte -que los italianos representaron improvisando las líneas después de haber estudiado el
lienzo- Colombina era casi siempre la esposa o amante de Arlecchino, y terminará uniéndose a ellos también en el disfraz
y en el nombre, como la mujer de Pierrot llamará líneas rectas y, a semejanza de su compañero, se vestirá de blanco y
rociará su cara con harina.
Arlecchina, con su disfraz de parches coloridos, aparece por primera vez en las escenas en París en 1695 en un drama
titulado "Back from the fair in Besons". La idea encuentra consenso con el público y los autores la usarán varias veces,
especialmente en las tramas que requieren disfraces.
La mejor intérprete de Arlecchina fue la italiana Caterina Biancolelli, hija de Domenico Biancolelli, quien transformó la
primitiva máscara de Bergamo de Arlecchino en uno de los personajes más afortunados de su tiempo. Tan versátil como
Colombina, Arlecchina asumirá las partes más dispares: doméstica, damisela, pero también caballero, médico, abogado,
e incluso la parte de la chica educada que tiene que aprender a recurrir a trucos para deshacerse de un Leandro, un
pretendiente molesto a quien a los familiares les gustaría casarse con ella, para poder casarse con el Arlequín de sus
sueños.
HARLEQUIN
La tradición dice que Arlecchino nació en Bérgamo y que su madre, muy pobre, cosió el traje festivo con restos de varios
colores, o según otra versión, que Arlequín, niño, estaba al servicio de un avarissimo speziale que lo vistió con los parches
de su ropa gastada. Sin embargo, llegó a Francia con los comediantes del arte, esos actores que, en lugar de aprender de
memoria, improvisaron el espectáculo después de haber estudiado la trama, la popular máscara lombarda se transforma
gradualmente: conserva la máscara negra y la gorra blanca. pero a la antigua prenda remendada reemplaza a un elegante
disfraz en el que las manchas de los malos tiempos se recuerdan vagamente con rombos en colores simétricos dispuestos
alternativamente. Considerado hasta entonces como un tonto, Arlecchino adquiere, junto con el cambio de vestido, una
nueva malicia. Un día, por ejemplo, el rey de Francia se da cuenta de que Arlecchino (el actor Domenico Biancolelli) no
puede quitar los ojos de un asado apetitoso. "¡Dale ese plato! »Ordena al rey. Y Arlecchino, a cambio: "Su Majestad,
¿puedo también guardar el asado? ». el plato era de oro macizo.
La transformación del traje y el carácter de esta máscara se atribuye precisamente a Biancolelli, hijo de artistas, llamado
en Francia por Mazzarino en 1659. Conservó y perfeccionó la antigua vivacidad y agilidad del personaje, hasta que pagó
con su vida: murió de congestión pulmonar después de una danza acrobática que tuvo carrera en carrera con los continuos
aplausos del rey, su hijo Pier Francesco, digno emule de su padre, pronto tuvo, aunque muy ágil, para renunciar a la
interpretación de Arlecchino, porque se había vuelto demasiado gordo. Evaristo Gherardi di Prato, su sucesor, murió
golpeándose violentamente la cabeza contra el tablero durante una cadena de piruetas.
ARLECCHINO MODERNO
Según la tradición, el traje de Arlequín, que alguna vez se destacó por las manchas vívidas cosidas pacientemente en un
viejo vestido rasgado, habría sido rediseñado por Miguel Ángel. En realidad, se justifica la yuxtaposición de lo sagrado con
lo profano, el traje muestra cierta similitud con el uniforme de las guardias suizas, diseñado precisamente por Buonarroti.
Los parches antiguos se han convertido en una composición armoniosa de triángulos de color alternos; sin embargo, la
antigua máscara negra que induce a los estudiosos del teatro a sostener que Arlecchino, nacido tradicionalmente en
Bérgamo, deriva en cambio de las figuras de esclavos negros frecuentes en el teatro griego clásico.
El personaje de Arlecchino también se transformó con el vestido; mientras que, en un momento, retrató al grullo en busca
del burro en el que está montado, en Francia, donde llegó con las compañías cómicas italianas que habían seguido durante
tres siglos a los escenarios de toda Europa, que estaba adquiriendo astucia y morder. Se dice, a este respecto, que Luis
XIV, al regresar de la caza, presenció un día de incógnito ante una representación de comediantes italianos en Versalles.
"Mal espectáculo", dijo, mientras dejaba el Arlecchino. "Dígale en un susurro", respondió la máscara. "Si el rey se da
cuenta, despide a toda la compañía inmediatamente". El Rey Sol apreció la presencia del espíritu y la compañía fue
confirmada. La transformación de Arlecchino, el trabajo de generaciones de comediantes italianos entre los que se
mantuvo el famoso Domenico Biancolelli, su hijo Pier Francesco y Antonio Vicentini, fue interpretado más tarde por
actores franceses, quienes agregaron un fondo de sincera melancolía. "Ve y escucha a Harlequin: sugirió un famoso doctor
del '700 a un cliente muy deprimido. Arlequín? No puedo Soy yo ».
BELTRAME
Ese personaje de un valet inteligente e intrigante, siempre en la búsqueda de mujeres y dinero, que ya se delineó en el
teatro de antigüedades clásico con la figura del esclavo griego Pseudolo, y que más tarde alcanzó gran popularidad con la
máscara de Brighella, se encuentra también en la figura de Beltrame, una máscara milanesa cuyo recuerdo también se
eclipsó en su propia ciudad debido a la creciente fama de Meneghino. Beltrame no tiene un traje de estilo característico:
además de la máscara morena con bigote puntiagudo y encaje, que lo hace lucir como Brighella, se viste como un traje
doméstico de finales del '500; en la mayoría de los casos, toca la parte de la aparición astuta, pero a veces también recita
la parte del marido que pretende creer las mentiras con las que su esposa disimularía sus propias infidelidades, y luego
termina con cruel represalia; en otras ocasiones, nuevamente, interpreta al astuto burgués o al viejo comerciante judío,
o comparte con Tabarino la parte del padre de Colombina, que se vería obligada a casarse por intereses. En el teatro, sin
embargo, el amor siempre triunfa, y Colombina logra casarse con el hombre de su corazón: este es el único caso en el que
se admite el fracaso del diabólico Beltrame. Por lo general, en virtud de su absoluta falta de escrúpulos, se las arregla
puntualmente para realizar sus planes, gracias sobre todo a su habilidad para hablar y a sus modales irresistibles, lo que
indujo a las comedias de la época a confiarle al intérprete especializado la interpretación. Beltrame las difíciles
negociaciones con la censura
Para el mejor intérprete de Beltrame, el comediante Niccolò Barbieri, que llegó a tocar en París alrededor del año 1600,
se debe precisamente a la ópera "La súplica, la charla familiar sobre las comedias mercenarias", una considerable fuente
de información sobre los trajes de esa época .
EL BISCEGLIESE
La fortuna de esta máscara napolitana, que los estudiosos consideran una variedad sureña del personaje de Pantalone,
deriva de un caso que no puede explicarse fácilmente: el acento de Bisceglie, con un canto levemente lastimero, despierta
una risa incontenible en los oídos de los napolitanos. Durante siglos enteros fue suficiente que en los carteles de los
espectáculos apareciera la pancarta "con Pancrazio, el Bisceqliese" para garantizar que se agotara.
Al llegar a Nápoles, la capital del reino, para hacer algunos de sus negocios, Pancrazio queda atónito ante la vida de la
gran ciudad, su lujo, disfraces menos castigados que en Puglia, y desatado a cada paso con exclamaciones de admiración
y comentarios ingenuos que Denuncian, de hecho, los límites de su cerebro y sus experiencias: "No hay tanto ruido con
nosotros, no tomamos demasiados codazos: tenemos la ventaja de que todos saben. Tan pronto como pueda, regresaré
inmediatamente a mi país, lejos de sus tumultos, sus pulgas, sus lazzaroni, sus mujeres de la calle ". En más de un caso, el
comentario de Biscegliese a la vida de la capital no es en absoluto irracional: sería, por el contrario, un discurso serio si
ese acento no hubiera estado involucrado.
Como Pantalone en Venecia, Pancrazio representa diferentes tipos de vida provincial: a veces es comerciante, otra vez es
un burgués de fortuna conspicua, en algunos casos campesino enriquecido, pero en la profundidad de su carácter siempre
hay avaricia y credulidad que lo expone. a los tiroteos. Por lo general, aparece vestido de terciopelo negro con gorra y
mangas en rojo, y calcetines rojos: invariablemente, dada la edad avanzada, con el palo, cuyo pomo se inclina, doblado
por la maravilla de la gran ciudad y probablemente también por un cansancio no reconocido.
Brighella
Características de Brighella, que luego también se encontrará en Scapino, Beltrame, Truccagnino, Fenocchio. Sganarello
y Frontino, es decir, en todas las figuras de un intrigante e inteligente ayuda de cámara italiano y francés, ya se encuentran
en algunos personajes del antiguo teatro clásico, como el esclavo griego Pseudolo o el Epidico de Plauto: hablar sobre la
miel, los modales insinuando, una gracia engañosa para derramar dinero a los tontos y favores a las mujeres. Brighella, al
menos al principio, no duda en satisfacer sus deseos, comportándose como un bandido de la calle puede estar seguro, si
la trama implica un hecho de sangre, que el artista no puede ser esa Brighella. Más tarde, sin embargo, reemplazará el
cuchillo con las armas de la malicia y la destreza, conservando la sombría máscara, oliva y barbada, una indicación del
hábito del crimen, cantante, bailarín, músico, soldado, abogado, cerveza, Brighella sabe cómo arrastrarse por todas partes
y conquistar esa confianza que es indispensable para que él ataque seguro. Y 'por lo tanto un hogar ideal para aquellos
que pueden pagar generosamente, pero también tiene la suficiente previsión de no seguir siendo engañados, por lo que
a menudo sucede que Brighella se empareja con Arlecchino, el propio Bergamasco, pero ingenuo y crédulo, excitante la
emoción y la hilaridad compiten en el público.
La primitiva Brighella, ya sea dinero o mujeres, no perdió el ritmo; Enmendado con el tiempo, la máscara se adquirirá a
los ojos de los demás que la racha de ridículo que se ha mantenido, aumentada, en la figura del "figaro all do", dura incluso
aunque sea poca personificación reconocible del mismo personaje.
Uno de los intérpretes más famosos de Brighella, Atanasio Zanoni de Ferrara, que dejó una noche en Venecia desde un
banquete, terminó en un canal; Pescado, murió pocos minutos después por asfixia.
EL CAPITÁN
Desde la antigüedad clásica, el Teatro no dejó de notar la facilidad con que el veterano es inducido a magnificarse,
diciéndole sus proezas en el campo de batalla; al ingenioso público también le gustó la figura hiperbólica del temerario
que demolió una pared con una mirada y cuyo encanto las diosas no pudieron resistir. Del encuentro entre la marcialidad
y la sátira, se deriva ese personaje del Capitán, que se encontrará, de vez en cuando, en las máscaras de Spavento, Fracasa,
Matamoro, Spezzamonti, Spezzaferro y, para el teatro alemán, en la figura del Capitán Horribilicribrifax. Desde el
Rodomonte del "Orlando Furioso", un auténtico héroe ironizado por la fantasía de Ariosto, uno vendrá, por caricatura, a
la máscara del estúpido, engañado de ser temerario e irresistible (Capitán Babbeo), oa figuras puramente cómicas del
Vappo napolitano, del Calabrese Giangurgolo, del romano Rogantino, que se convirtió en gendarme, le gustaría arrestar
a su discreción, es golpeado, pero exclama: "Me dieron, pero cuántos les di".
Cuando los ejércitos del rey de España cruzaron Europa, la máscara del Capitán, una de las más populares en Italia. Francia
e Inglaterra, se convirtió en un oficial español con un gran bigote y una nariz pronunciada, heredero de Matamoro que
vistió a los valets con la tela de los turbantes eliminados cortando las cabezas de los infieles a la espada, y un día logró
capturar al sultán trepando por las paredes de una fortaleza y arrastrándola detrás de la barba; tal era la cantidad de
flechas que, sin herirlo, se metió en la armadura de Matamoro, que sus compañeros de armas, al encontrarlo, lo
cambiaron por un puercoespín.
Casandro
Ese personaje, todavía en una edad bastante avanzada, astuto en la avaricia, pero imperturbable en la presunción, que
en Bolonia se expresó en la figura del Dr. Ballanzone y en Venecia alcanzó, con Pantalone dei Bisognosi, una figura casi
héroe nacional de la Serenísima, tuvo una primera aparición fugaz en Italia en la máscara de Casandro, creada en 1580
por la Compagnia dei Gelosi, con el nombre de Cassandro da Siena.
El personaje, desaparecido durante más de un siglo por el entrelazamiento que los comediantes italianos improvisaron
en los escenarios de Francia, fue exhumado por los franceses a principios del siglo XVIII, y el comediante Chapelle fue
interpretado como insuperable. y sobre todo esos defectos que aseguraron la comedia a su personaje. La ingenuidad y la
credulidad de la piel de Cassandro-Cha se hicieron proverbiales. Un amigo le dijo un día que había adoptado la nueva
moda de Rouen, obedeciendo a los hombres que tiraban de una correa, en lugar de un perro, una carpa viva, "Pecado",
dijo el amigo con tristeza, "esa noche he cometido la imprudencia de ir al teatro con la carpa detrás de mí. Estaba cruzando
la calle y estaba lloviendo mucho: la carpa, mientras cruzaba un arroyo, permaneció ahogada ". "Muy mal", añadió
Chapelle con firmeza. Y a mí, qué tonto, pensé que la carpa nadaba como un pez ... "
Tantos fueron los engaños que el pobre Cassandro se encontró a sí mismo como una víctima que, en la vejez, para evitar
la burla, llegó a desconfiar de todos y de todo, y de aquellos que le preguntaron "¿Cómo estás? »Respondió seguro« No
es cierto ».
Una máscara similar se celebró en Roma con Pasquale, también conocido como Cassandrino, o "Monseñor", pero en él la
excepcional estolidez dio paso a la misma bondad, siempre que no hubiera habido una cuestión de mujeres.
COLUMBINE
Las primeras características de que el personaje que luego se convertirá en la máscara de Colombina ya se encuentran en
las comedias de Plauto. entre las astutas doncellas, cínicas y aduladoras, siempre dispuestas a sugerir a la señora malicia
y astucia. La antigua personificación del esclavo cómplice interesado en los subterfugios domésticos y amorosos de la
amante, se convertirá entonces en el Servetta del teatro italiano y el Soubrette del francés que en nuestro tiempo
terminará después de haber pasado. conservando más o menos los rasgos originales del personaje, para la ópera buffa y
la opereta, para la variedad.
El nombre de Colombina aparece por primera vez en la Compañía de los Intronati alrededor de 1530, pero para que sea
el nombre de una verdadera máscara será unas décadas más tarde la actriz italiana Carla Biancolelli, esposa del actor
Pierre Lenoir, quien él jugó en la compañía de Moliere. Refiriéndose a su nombre artístico. Biancolelli fue retratada en los
carteles sosteniendo una canasta en su brazo de la que salieron dos palomas, un claro símbolo del origen Campagnola del
personaje de Servetta.
Amante o esposo de ella, que asumirá los nombres de Betta, Franeeschina. Diamantina, Marinetta, Violetta. Corallina,
siempre será Arlecchino. hasta el punto de que, en una actuación que tuvo lugar en París en 1695, se adaptará a la túnica
y bordeará los parches de color de su compañero, y tomará el nombre de Arlecchina, así como Pierrette, la mujer de
Pierrot, viste de blanco y enharina tu cara
Solo en algún espectáculo, para cortar el camino a los amores de Corallina y Harlequin intervendrá un rico pretendiente
llamado Leandro, pero bastarán algunos trucos para sacarlo del medio y devolverle la felicidad a la pareja clásica y el final
feliz para todos.
CORALLINA
Colombina, Franceschina, Betta, Marinetta, Violetta, y muchos otros nombres, asumieron en el teatro italiano de
máscaras el tipo de chica de la audacia y el gesto informal, siempre dispuestos a la adulación y la malicia, que también se
refiere a un personaje del antiguo teatro clásico: el esclavo cómplice de los subterfugios amorosos de la dueña, que
interviene para remediar el candor y la inexperiencia de ella, guiando al idilio con un final feliz.
El tipo de la doncella inteligente, más a menudo llamada Colombina, asumió la de Corallina con Anna Veronese, una
soubrette de origen italiano que hizo su debut de 14 años en 1744 en París, donde había venido con su padre, Carlo
Veronese, quien en ese mismo trabajo , "Matrimonio doble de Arlecchino", jugó el papel de Pantalone
El Veronese había sido contratado junto con sus hijas Anna y Camilla por el rey de Francia, que les había anticipado dos
mil francos para el viaje. Como, en lugar de dejar el dinero, en lugar de irse, los tres estaban tranquilamente en Venecia,
para continuar las actuaciones a 5. Samuele, recibió el encargo de hacer respetar el contrato de un joven diplomático
francés cerca de la Serenissima: Jean Jacques Rousseau. El futuro autor del "Contrato social", que había aprendido a hablar
con fluidez el dialecto veneciano, se las arregló con una gema para acercarse al veronés, amenazando con hacerles frente
si no se habían ido en ocho días.
El éxito que lograron en París fue increíble, especialmente gracias a Corallina, hasta el punto de que, en el transcurso de
algunas temporadas, se escribió un repertorio completo para ella:
Corallina maga, Corallina giardiniera, intrigante Corallina, Las locuras de Corallina, etc.
Seis años más tarde, con tan solo veinte años, Anna Veronese dejó Francia y regresó a Venecia donde interpretó, siempre
con el nombre de Corallina, comedias de Carlo Goldoni.
COVIELLO
En la antigua Roma, las canciones de Fescennini eran muy populares, la sátira acompañada de danzas grotescas, en las
que, en nombre de un libertinaje primitivo, las cosas se llamaban por su nombre. Para el recuerdo de esas canciones, se
volvieron a representar los primeros comediantes del arte, recreando ciertas figuras de personas que se hicieron famosas
en toda Europa, pero cuya memoria fue posteriormente oscurecida por la afirmación de las máscaras más famosas. Así
nació Coviello, un personaje que fue interpretado en Roma con excepcional éxito por Salvator Rosa, y que fue descrito
por él como astuto, intrigante, falso y temerario, justo al manejar la mandolina y la espada, para que los historiadores del
teatro finalmente reconocieran él algunas de las características de Trasone, un personaje famoso del dramaturgo latino
Terenzio. Molière transfiguró el personaje de Covielio, a medio camino entre el tonto que hace el ingenioso, y el listo que
quiere ser un tonto, y dibujó esa figura de un ayuda de cámara, similar a Scapino, quien en el "Borghese Gentiluomo"
repite idea por idea , si no palabra por palabra, todo lo que dice su maestro.
El único otro recuerdo de Covielio se encuentra, además de Molière, en un volumen titulado "The Bales of Sfessania" (es
decir, Fescennia), en el que los franceses Callot, que estudiaron arte en Florencia, recogieron los tipos de cincuenta
comediantes de su tiempo, algunos de los cuales eran malabaristas, saltadores, bailarines y mimos, otros bufones,
comediantes y artistas de todos los roles, entre los que Babbeo, Bellosguardo, Esgangararo, Cocodrillo, Pasquariello
llamaban Truonno, Cucurucu (nombre evidentemente inspirado por el canto del gallo), Meo Squaquara, Cucuba, nombres
y personajes cuya memoria se perdió por completo. El personaje de Coviello fue olvidado, pero durante siglos, el hábito
de decir "A Coviello" permaneció en el lenguaje actual para indicar a un tonto que quería ser un fanfarrón.
FRITELLINO
Incluso antes de que las famosas máscaras de Arlecchino, Pulcinella, Brighella, Pantalone fueran afirmadas en escenas
italianas, que nuestros comediantes hicieron famosos en toda Europa, el teatro estaba dominado por figuras de mimos y
artistas cuya memoria se perdió en el tiempo y cuyo tipos fueron recordados a los intérpretes de esas antiguas canciones
fescennini, francas pero bastante asqueadas, que fueron durante varios siglos la mayor diversión de los romanos, el único
rastro de esas figuras permanece en un volumen que el Callot francés, establecido en Florencia para estudios de arte ,
compilado recogiendo cincuenta retratos, tomados de la corriente teatral de esa época y entre los que domina, junto al
tipo de Coviello, sagaz y fanfarrón, el personaje de Fritellino, con un sable a su lado, un pañuelo escarlata envuelto
alrededor de su cuello y un tocado largo y puntiagudo con plumas, cuya forma es una reminiscencia de las capas
tradicionales del espíritu estudiantil.
Fritellino disfrutó en el '500 de una popularidad igual a la que conquistó más tarde el Bergamasco Arlecchino, ya que ágil
y correcta, por lo que muchos comediantes de finales de siglo interpretaron alternativamente los dos personajes,
poniendo de manifiesto, en ambos casos, que máscara negra de que Arlecchino, a pesar de las muchas transformaciones
sufridas por su tipo y su traje en el tiempo, nunca se detendrá, Fritellino a menudo se emparejará con otro personaje, el
Franca-Trippa, armado con una espada de madera, y también tomará el nombre de Gian Fritello en algún trabajo,
especialmente en las interpretaciones del comediante Pietro Maria Cecchini que, después de haber dominado las escenas
italianas durante muchos años, fue llamado en 1612 en la corte del emperador alemán Mattia, que lo tuvo en gran honor
y lo favoreció hasta el punto de darle un título noble.
gIANDUJA
Esta máscara, favorecida por los piamonteses, debe su nombre a una precaución política: hasta 1802, de hecho, la
llamaron Gerolamo, pero ese año, a comienzos del nuevo siglo, los comediantes pensaron que era mejor rebautizarla para
evitar que se viera alusión al nombre de Gerolamo Bonaparte, pariente del emperador. Fue por esta razón que los
propietarios del teatro milanés "Gerolamo", donde todavía se celebran espectáculos de marionetas, prefirieron
suspender las actuaciones y emigrar a otro lugar.
Gianduja, es decir, Gerolamo, viene de Caglianetto, en Asti. Proverbial entre los campesinos piamonteses su distracción:
un día el maestro lo llevó con él a una feria, donde compró siete burros. "Llévelos a casa", le dijo a Gianduja, y el sirviente,
montado en una de las bestias, comenzó el viaje, sin embargo, en el camino, quiso tener escrúpulos para hacer un control
y, aún permaneciendo en la silla de montar, contó los animales. Eran seis. Gianduja, desesperado, partió en busca del
séptimo burro, y mucho
galopó que su pobre cava, exhausto por el esfuerzo, se derrumbó en el suelo y arrojó a su incauto jinete al polvo. Gianduja,
cuando se recuperó, vio al burro tirado a su lado. "Aquí está el séptimo
Él exclamó. Pero, ¿dónde te echaron? »
Más tarde, la distracción y el ingenio se combinarán con una malicia cada vez más acentuada y con una nota de
surrealismo; Gianduja, insertado en el programa como un personaje, termina con la huella de sí mismo, hasta el punto de
que el público no lo ve. Nadie en la audiencia se conmueve cuando el príncipe se pierde por amor en un bosque azul, pero
la risa no tiene restricción cuando Gianduja, sintiendo los estímulos del apetito, le pide permiso para tomar un descanso
en el asador. "Estamos perdidos", le recuerda el príncipe en una voz de triste reproche. "Discúlpame mucho, pensé que
estaba en Cuneo".
Giangurgolo
La popularidad generalizada en Europa, especialmente en los años de dominio español (siglos XVI y XVII) fue la máscara
del valiente y bravucón Capitán, que asumió los nombres de Spavento, Spezzaferro, Spezzamonti, Fracassa, Bombardone.
Giangurgolo, que es Juan con la gran garganta, es el tipo calabrés del Capitán, incluso si su sombrero puntiagudo, la nariz
puntiaguda y la actitud de la dinosa ya se encuentran en la figura de un antiguo mimo de esa región, encontrado en un
grabado en ónice Al final de la Edad Media, la decadencia de los españoles, la invención de armas de fuego, la nueva
concepción de la guerra sobre la base de confrontaciones individuales, pero de ejércitos masivos, terminó reduciendo
gradualmente, en la imaginación popular, la figura del 'héroe a una especie de mota que se esconde, debajo de' bueno ',
una dosis caricaturizada de miedo. A Giangurgolo le gustan las mujeres, sin embargo, a menudo, se abstiene de cortejarlas
porque teme que los hombres tratados tengan un apetito insaciable, pero consigue ayunar cuatro días consecutivos.
porque no tiene dinero en el bolsillo y no quiere que la negativa de un plato de macarrones sea una ofensa para obligarlo
a pelear.
«Cuando camino, dice Giangurgolo, la tierra tiembla bajo mis pies. Y yo siempre camino ... ». Sin embargo, apenas aparece
un gendarme en la esquina, o un niño grita un franco a su espalda, la máscara olvida el linaje noble y el valor evidente y
huye para esconderse con una agilidad cómica que ha levantado durante siglos la hilaridad de las audiencias calabresas. .
Con los humildes, por otro lado, se comporta como un hombre gordo: él ordena lasaña y salame en cantidades dignas de
Gargantúa, y ¡ay de aquellos que acamparon el reclamo de ver la cuenta asentada. Informan los comentarios de la época
que, para derrocar a Giangurgolo por los pies, de los bolsillos no sale un grano (es decir, cuatro centavos) a esta máscara
puede por lo tanto llevar la expresión broma, frecuente en revistas, por lo que se dice que enriquece trigo.
EL AMOR JOVEN
El tema central de un drama, una tragedia, una farsa, es tradicionalmente una historia de amor, hasta el punto de que en
el teatro de las máscaras los dos protagonistas, el joven amor y el joven amor, aparecen completamente caracterizados
por su sentimiento y nulo ' otro cometido que darse cuenta. escalando cada obstáculo, el sueño de su existencia; los otros
personajes, familiares y sirvientes, están solos
engranajes de su juego de amor, y si eventualmente se casan también, será casi mejor coronar, con bodas colectivas, la
felicidad lograda por la pareja mayor. Esto explica por qué el rol del joven amor es más que una máscara , un personaje:
Fiorinetta, Isabella, Aurelia, Silvia. Camilla, Flaminia, solo podían ser niñas vestidas a la moda, y equipadas para
representar el ideal
femenino de su tiempo.
El primer tipo de amor joven fue Fiore, también llamado Fiorinetta, ingenuo, virtuoso, un poco campagnola; cuando la
madre, notando sus atracciones, propondrá comenzar su prostitución. Fiore eventualmente se enamorará y se casará con
Flavio, su primer y único "cliente". Con el paso de los años, sin embargo, el personaje comprará más
vivacidad e integridad, e Isabella será un intérprete insuperable,
una actriz que debutó dieciséis en Padua en 1578 y luego se casó con el famoso actor Francesco Andreini, especializado
en interpretar la parte del Capitán, y de quien tuvo un hijo, Giovanni Battista, orgulloso como su padre y guapo como su
madre, que era buscado en la parte de Lelio, el joven amor.
Después de Isabella, la figura del joven enamorado fue adquiriendo más malicia y coqueteo. El amoroso se hizo experto
en poesía y música, codiciado invitado de soberanos y notables. Por ahora, en lugar de la ingenua Flor, se parecía a la
Colombina doméstica por ingenio e iniciativa.
EL AMOR JOVEN
El rendimiento físico, la buena apariencia, la voz agradable, la elegancia y la forma de una buena sociedad, fueron los
requisitos previos para interpretar el papel del joven amor, que tomó los nombres de Flavio, Orazio, Cinthio, Ottavio,
Leandro. El personaje, aun cuando el autor acompañó la seriedad de los sentimientos una veta de la comedia, no pudo
vestir esa moda de su tiempo; esto explica por qué el amor joven, más que una máscara, se ha convertido en un personaje,
y luego se transmite también al teatro moderno.
Sus talentos tenían que ser los del hombre interesante de su tiempo: además de sus dones de la naturaleza, necesitaba
mostrar su gusto musical, tener una noción de letras y un mundo hermoso, improvisar sonetos y madrigales, incluso si,
en la mayoría de los casos, de casos,
la aristocracia de las cualidades no correspondía a una fortaleza adecuada de la fortuna.
Con el nombre de Flavio se distinguió en Francia, en la parte del joven amor, el italiano Flaminio Scala, ya comediante del
duque de Mantua; Dedicará los últimos años de su vida a transcribir en volumen los acontecimientos de las
interpretaciones interpretadas en su juventud, aprovechando también los manuscritos de Isabella Andreini, su exitosa
compañera.
Un hijo de Andreini, Giovanni Battista, nacido en Florencia en 1579, volverá con el nombre de Lelio a la parte de los
jóvenes amorosos que pronto será cubierta, bajo el nombre de Horace, también por el comediante italiano Marco
Romagnesi, considerado uno de los hombres más fascinantes de su tiempo A este respecto, se recuerda que Horace,
adaptándose al decreto de Luis XIII, que prohibía a sus oficiales vestir largas barbas, tuvo éxito, tan popularmente, al hacer
codiciar la adopción de la perilla. Desde entonces, sin embargo, especialmente con el tipo de Leandro, la figura del amor
joven estará comprando una veta de comedia.
LEANDRO
El personaje del «amor joven», que toma los nombres de Flavio, Orazio, Lelio, Cinthio, impone una buena apariencia al
intérprete, proeza física, una voz agradable, una buena sociedad y vestimenta de moda, teniendo que representar el ideal
masculino de su tiempo. Leandro es
el único tipo de amor joven que enfrenta un destino menos afortunado: amante perfecto en las compañías italianas del
siglo XVII y en las comedias de Molière, a finales de siglo adquirió una vena de ridículo creciente: a comienzos del siglo
XVIII, el Leandro »ya no es un cumplido, sino una baja. Hijo de algún Capitán, gran exterminador de Saraceni, a pesar de
los encajes y las conversaciones prohibidas, Leandro no puede recoger ese desprecio despectivo. Maldswort, susceptible,
no admite que otros son más afortunados que él, y le sucede varias veces en un día por la mano de la espada; nadie, sin
embargo, ha visto la hoja, aunque se sabe que, más de una vez, las patadas destinadas al vientre de Leandro han llegado
a otro lado gracias a sus rápidos giros.
Su nivel de cultura también es bastante sospechoso; Arlecchino informa haber encontrado en el bolsillo de su amo una
sílaba intonso, y asegura que lo vio firmar con una cruz. Excluido de las alcobas y forzado a la millanterie.
El Leandro, que había sido uno de los tipos de amor joven más aplaudidos, se parece cada vez más a las figuras de Capitán,
que ya habían sido durante siglos el placer del público de toda Europa. El encuentro entre los dos personajes se habría
experimentado la primera vez, con un resultado feliz,
por el actor francés Dubus de Chanville, en la primera mitad del siglo XVIII; desde entonces la parte de Leandro fue
confiada a actores ya especializados en interpretar a Arlecchino, humillando el destino de un personaje con un gallo,
parado solo por un busto con huesos de ballena.
MENEGO Y MENEGHINO
Ya en la década de 1500, el personaje de Domenico, conocido como Menego, un campesino ingenuo y sillones, se
encuentra en el Teatro del Ruzante (1502-1542). Su figura, especialmente con el diminutivo de Meneghino, evolucionará
con el tiempo, hasta que se asemeje a la del Stenterello toscano: el mismo encuentro de ingenio y astucia, la misma
inclinación a los amores fáciles y la buena comida, una popularidad similar cerca los públicos respectivos. Meneghino,
como Stenterello y como el piamontés Gianduja, es uno de esos papeles que, gracias a su incisividad y personalidad, están
confiados a actores característicos; por la misma razón, dejando a cualquier otra máscara en la sombra, Milan terminó
reconociéndose en Meneghino. como Florencia en Stenterello y Turín en Gianduja.
Di Menego y Meneghino, los campesinos descendieron a la ciudad para ser un sirviente, se les cuentan episodios en los
que su ingenio supera con creces el del famoso Pierrot. Un día, al ver pasar a un pintor con dos retratos en los hombros,
Meneghino volvió jadeando, sin haber hecho la comisión que le había sido confiada. "No voy a salir hoy
- le dice al maestro. "Conocí a un hombre con tres cabezas en la calle, y no me parece natural. Trae mala suerte ». En otra
ocasión, Meneghino, mientras se enciende con un encendedor y un candelabro, quema un dedo con la chispa: así es el
fuego, que deja que todo caiga y permanezca en la oscuridad. Luego trata de sentir la vela, la enciende de un vecino y
luego vuelve a buscar el encendedor. "Sabía que los encontraría", exclama, y de inmediato lo usa para encender la vela
ya encendida.
Una vez, solo Meneghino pasa del ingenio a la astucia. Pantalone, su señor, ve un botón cosido en su oreja y le pide que
lo haga con malas palabras. El sirviente, listo, responde: «Debo haber sentido algo sucio».
mezzetino
Brighella, la sombría máscara, dispuesta a recurrir a trucos para desenvainar la daga, es la expresión más conocida de un
personaje de valet cínico e intrigante, dispuesto a cualquier subterfugio y a todo oficio, que se encuentra en el teatro
medieval, y que Los comediantes italianos tradujeron a Francia, invitados de la Corte, en la máscara de Mezzetino, un
nombre con el que solían indicar a sus colegas de pequeña estatura (Mezzetino, es decir, la mitad de una medida).
Mezzetino no tiene la máscara oscura, el ojo frío y la barba puntiaguda de Brighella; ella usa un mono gay a rayas rojas y
blancas, con un sombrero similar al de los cocineros, y le debe el éxito de sus intenciones ingeniosas, más que a la habilidad
de manejar sus brazos, a la maestría con la que canta acompañándose con la guitarra y las parodias de improvisación que,
por eficacia y sabor, podemos considerar los precedentes de las coplas de las revistas modernas.
La habilidad como músico concilió el favor de las mujeres con Mezzctino y le aseguró esa fama de gallardía que le costó
bastante caro a uno de los más grandes intérpretes, el Verona Angel Costantini. Al llegar a París en 1682, los Costantini
obtuvieron tal éxito, que Augusto, rey de Polonia, quiso llevarlo a casa con él y vino a nombrarlo su camarero secreto y a
decretarle un título nobihare. Desafortunadamente, deseó que el Mezzetino hubiera cortejado el favor del rey tanto en
la vida como en la escena, y que lo sorprendiera en su alcoba.
El rey, enojado, lo tenía encerrado en el castillo de Koenigstein, donde el actor permanecería hasta el final de sus días, si,
después de más de veinte años en prisión, una dama polaca, movida por su destino, no se hubiera mudado a Lástima el
corazón del rey, persuadiéndolo para que conmute el encarcelamiento con el exilio y la confiscación de la propiedad.
NARCISINO
Las máscaras populares de Brighella en Italia y Scapino en Francia son expresiones de un personaje valet cínico e intrigante
que ya se encuentra en el teatro de la antigüedad clásica y que, frecuente en el teatro italiano del siglo XVI, inspiró algunos
tipos de máscaras regionales: Narcisino, oriundo de Malalbergo, entre Bolonia y Ferrara, puede ser considerado, por
varias características, como el tipo de Brighella de Emilia. Pero, a diferencia de la Brighella Bergamasco, que ocultó su
rostro bajo una máscara sombría y no rehuyó el uso de la violencia para llevar a cabo sus intenciones, Narcissino confía
en una sola arma: la astucia del pueblo que lo lleva, de alguna manera, a La tradición emiliana del campesino astuto e
ingenioso, expresada en las figuras inmortales de Bertoldo y Bertoldino.
El boloñés ya tenía otra máscara, el Dr. Ballanzone, que hablaba en su dialecto, infundiéndole citas latinas eruditas pero
extrañas; Para los boloñeses de los señores, hablados por Ballanzone, Narcissino se oponía al dialecto campesino, menos
exagerado, pero mucho más picante y efectivo. La máscara de Malalbergo, por otro lado, no solo se usaba del lado del
sirviente, sino que también personificaba al padre, al guardián, al maestro, siempre que fueran personajes obstinados y
maliciosos,
hasta que, con el tiempo, terminó especializándose en entretener a la audiencia durante los intervalos con frizzi,
galanterie, sátira y pequeños mordiscos
moralidad. Salió detrás de la cortina con un sombrero de paja, similar al de las segadoras, del que sobresalía el pelo de los
hombros a la manera campesina; a veces llevaba en el brazo el tabarro, el manto típico de los pobres emiliani, o sostenía
una cesta llena de fruta, y se producía en mordaces discursos que lo antagonizarían en más de un caso y lo harían hablar
de él en la historia del teatro , como un precursor del famoso Pasquino.
EL PAYASO
La máscara de Pagliaccio, establecida sobre todo en Francia con Pierrot, o en Inglaterra con payasos de circo, nació de la
fantasía de un narrador del siglo XVI de Emilia, Giulio Cesare Croce, quien resumió sus narraciones públicas en un libro
titulado "Vida de Bertoldo y su hijo Bertoldino "a quien, después de la muerte de la Cruz (1609), Camillo Scaligero añadió
en el apéndice una" Vita di Cacasenno ", hijo de Bertoldino. El padre, el hijo y el sobrino imaginario se convirtieron en
esos mismos años en personajes del teatro fusionándose para los actores de fantasía -que en ese momento actuaban
como sujetos, en vez de aprender las líneas de memoria- en una sola figura, Bertoldino, ingenuo pero sentencioso,
travieso y necio , que la compañía de Juan Ganassa luego presentó en Francia, por primera vez, con el nombre de
Pagliaccio, probablemente derivado de bajaccio, es decir, un acreedor de burle (baje)
En Francia, a su vez, Pagliaccio se confundió con un personaje local, llamado Gros-Guillaume, un panadero y por lo tanto
espolvoreado con harina, y se especializó en las partes de un ayuda de cámara, en competencia con Arlecchino, a veces
también tomando los nombres de Piero, Pierro y Pedrolino. Molière, notó el éxito de los italianos, ni derivó el personaje
de Pierrot que, como Pedrolino había sido la personificación de las conti italianas, terminó por convertirse en el campesino
francés.
Desde entonces se produjo una transformación completa del Pagliaccio: eliminó cada tosquedad, refinó el disfraz, el
comediante francés Jean-Baptist Debureau, uno de los más grandes de la primera mitad de los 800, completará la figura
del moderno Pierrot infundiéndoles sangre fría, indiferencia, sensibilidad morbosa y un fondo de melancolía incurable,
razones que son suficientes para explicar por qué Pierrot es una de las pocas máscaras todavía actuales, no obligadas,
ahora, a encontrar refugio en los espectáculos de marionetas.
PANTALONES
Los orígenes y el nombre de esta máscara veneciana se discuten mucho, también es famoso por haber bautizado la prenda
masculina más típica: según algunos sería nada menos que una caracterización popular del protector más antiguo de la
ciudad, San Pantaleone. por otro lado, preferirían provenir de la broma de una plántula, con la que se burlaron de los
puertos del Mediterráneo
Mercaderes venecianos, inagotables en colocar en cada lugar el león de San Marcos, símbolo de su República. Aunque
algunas características de esta máscara ya se encuentran en las figuras de libertinos crédulos, burlados y eternamente
descontentos del antiguo teatro clásico, y muchas similitudes ya encontradas en la figura del boloñés Dr. Ballanzone y en
algunos personajes de Molière como Gorgibus, Arpagone y Sganarello, podemos decir que Pantalone es, en virtudes y
defectos, la máscara nacional de la Serenissima, prueba de que el traje cambió muchas veces a lo largo de los años, pero
siguió siendo la zimarra negra adoptada como un signo de luto cuando Venecia tuvo que ceder el paso a los turcos el
Negro-puente (Euboea).
Pantalone siempre es viejo, a veces un soltero con todas las burlas de aquellos que, ahora maduros, todavía quieren
agradar: a veces el padre de dos niñas, Isabella y Rosaura, o Camilla y Smeraldina, muy difíciles de controlar. Pocas veces
pobre, sin embargo, se ha figurado en los más variados grados de fortuna, las bruscas y aburridas sustancias burguesas
olvidadas que, sin embargo, no se dan por vencidas más de lo que son. Miser y sospechoso - no es por casualidad que fue
bautizado con el apellido de los Bisoqnosi, - pierde cualquier precaución cuando se le ofrece la oportunidad de mostrar
su autoridad, entrometerse en disputas y altercados, y puntualmente termina recibiendo busse de los dos contendientes.
Pasquariello
Según una leyenda, el día en que Pasquariello entró en el mundo, los gatos robaron el asado, la luz de la lata se desvaneció
tres veces, el vino hervido en las botellas y la olla se derramó sobre las brasas. Pasquariello nació de hecho codicioso,
borracho, destrozado, ruina de lugares públicos y terror de las cocinas, disoluto nada menos que Brighella, de cuyo
personaje sin duda deriva Pasquariello, pero menos rápido que él para recurrir al busse o incluso a la daga para realizar
sus diseños innobles .
La máscara de Pasquariello, cuyo nombre deriva del famoso Pasquino, el emblema de la sátira con los romanos fue llevado
a Francia en 1685 del actor Giuseppe Tortoriti, bailarín y equilibrador, apodado Truonno, eso es trueno, porque la extrema
agilidad de los movimientos acompañó una voz que despierta escalofríos en las audiencias.
Pasquariello pertenece, como Brighella y como el francés Scaramouche, a ese carácter de domesticidad disoluta e
intrigante que ya se expresó en el teatro de la antigüedad clásica con la figura del esclavo griego Pseudolo, y que luego se
cruzó, especialmente en la sátira popular, con el tipo del Capitán, vil y jactancioso. Muy hábil en cualquier parte,
Pasquariello recita como Capitán cuando necesita forzar a Arlequín a llevar a la Colombina seducida, su pariente, al altar,
pero a menudo también como bailarina, como un oscuro e incluso como un pintor, cuando Arlequín, enriquecido, expresa
el deseo de convertirse en un hacer un retrato.
Uno de los mejores intérpretes de Pasquariello fue el actor francés Cavé, conocido como Maillard, que fue el protagonista
de una desavenencia que Ventura siguió siendo famosa en París. Un día, el Cavé, al encontrarse en un café, vio pasar a su
esposa, una adorable actriz que desempeñaba el papel de
Colombina. Para hacerse bello a los ojos de los otros clientes, exclamó: ¿Ves a esa mujer? Él nunca me dice que no ". "Ni
siquiera a mí", agregó uno de los otros. Desafortunadamente él no miente.
Pedrolino
Es la personificación del campesino italiano, inteligente y, sin embargo, ingenuo, y más tarde la figura de Pierrot se
identificará con el tipo del campesino francés; pero, incluso antes de la escena, las características de su personaje se
encuentran en los personajes de Bertoldo, Bertoldino y Cacasenno, padre, hijo y nieto, protagonistas de un famoso libreto
del narrador emiliano Giulio Cesare Croce.
De la fusión de los tres tipos, nace en el teatro el personaje de Bertolino, de quien Nicolò Zeccha, un actor tan habilidoso
en ejercicios físicos, que obtuvo de Vittorio Amedeo I de Savoia, su admirador, el derecho a elegir a su gusto, fue
insuperable intérprete en los establos ducales y cazar en los servidores, con la autorización de expulsar a cualquiera que
haya obtenido un privilegio similar ante él.
Más tarde, especializándose en la parte del valet, el tipo de Bertolino tomará los nombres de Piero, Pierro y, más
frecuentemente, el de Pedrolino, uniéndose, a menudo emparejado con Arlecchino, ingenio a la astucia, pereza a la
fanfarronada. En un espectáculo, Pedrolino, el marido de Franceschina, se da cuenta de que es traicionado y regaña a la
mujer por su ligereza, pero termina admitiendo que él es el lado equivocado; él le pide perdón y tiene que suplicar durante
mucho tiempo para conseguirlo. En otro momento, Pedrolino le anuncia a Pantalone que una bella dama se ha enamorado
de él; pero él lo ora, para salvar las apariencias, ir a la cita con ropa de mujer; en la misma cita, vestido como una mujer
por precaución similar, Pedrolino también envía al Doctor; entonces somos testigos de un intercambio de amores entre
los dos viejos que, finalmente, se reconocen y terminan con la discusión de la razón sagrada. Es difícil prever que de esta
máscara todavía primitiva, dos siglos más tarde, la figura indiferente y melancólica del moderno Pierrot habría salido.
PEPPE NAPPA
El personaje de Pagliaccio, cuyas primeras características ya se podían ver en las figuras de Bertoldo. Bertoldino y
Cacasenno, los protagonistas del famoso libreto de (Giulio Cesare Croce, de la cual la máscara de Pierroi en Francia y el
payaso de circo en Inglaterra dibujaron motivos) se encuentra en Sicilia en la máscara de Peppe Nappa, un delicado y
delicado Pierrot con un traje azul pálido, que parece salir de una pintura de watteau: muy ágil y ruidoso, parece que no
tiene el esqueleto, siempre tiene un apetito formidable y se encuentra preferiblemente en la cocina, aunque solo sea para
respirar sus perfumes.
En una comedia - ballet, Peppe Nappa. casa de un profesor, lo envían al guardarropa, al final de la lección, para recoger
su indum algunos de sus principales. Llega arrastrándolos detrás como harapos, y cuando le dicen que sería bueno
limpiarlos. proporciona un cubo de agua y una escoba como si, en lugar de un sombrero y un abrigo, fuera una planta.
Exasperado por tanta locura, el profesor le ordena a Peppe Nappa que se baje los pantalones para poder darle una buena
dosis de pestañas: la máscara, resignado. Él quiere que los testigos sean testigos del castigo, por lo que corre a llamar a
las chicas mayores. El profesor, para evitar escándalos, renuncia al castigo y se va, Peppe vuelve al armario. se pone la
túnica negra del profesor y vuelve al salón de clases, esparciendo el terror entre los estudiantes habían aprovechado la
tregua para dar rienda suelta a sus amantes. Tan pronto como se dan cuenta de que es el hogar, a las parejas jóvenes les
gustaría cubrirlo con busse: sin embargo. temiendo que va a presentarse ante el profesor, prefieren amarlo ofreciéndole
huevos y macarrones. El espectáculo terminará con la boda de todos, excepto el pobre Peppe Nappa que no ha
encontrado a una chica dispuesta a decirle que sí.
PIERROT
Del antiguo personaje de Pagliaccio, frecuente en recitales a temas que los comediantes italianos, hábiles improvisadores,
importados en Francia, nacieron en el teatro parisino de Funamboli, a principios del '800, el tipo del moderno Pierrot, Ai
Funamboli tenía primeros shows de perros entrenados y baile al hilo, intercalados con alguna pantomima: fue alrededor
de 1830 que, especialmente gracias al talentoso comediante Deburau, el teatro se especializó en la representación de
pantomimas y vodeviles, en el centro del cual estaba el payaso , a veces bueno y aún más atormentado por la intolerancia
que por la naturaleza, otras veces ladrón, mentiroso e incluso mezquino, vil pero a la vez temerario, muy pobre,
enriquecido y dilapidador de las fortunas, incorregible en la pereza y la gula.
La capacidad excepcional de Deburau incluso terminó distorsionando
el antiguo personaje del Pagliaccio que, durante dos siglos, incluso se había adaptado al carácter y al gusto de los
franceses; la petulancia dio paso a la sangre fría, ya no es la marioneta la que se agita sin razón, sino el historiador moderno
que cede ante las impresiones del momento, un personaje sin pasión, sin palabras y casi sin rostro, que expresa todo, sin
importarle todo, la parte de Deburau fue continuada, después de su muerte, por su hijo, uno de los Pierrot más exquisitos
y elegantes que la historia del teatro recuerda. Con él, el personaje que había conmovido los corazones de los parisinos
se puso de moda, poetas, escritores, dramaturgos, músicos interesados se convirtieron en la máscara favorita de un siglo
de carnavales, y fueron a ver las artes y el traje justo en los años en que todos los demás las máscaras del viejo repertorio
se encontraron con un atardecer inevitable, retirándose, en el mejor de los casos, en el teatro de marionetas.
PULCINELLA
Dos personajes opuestos que luego se encontrarán cómicamente fusionados en la máscara de Pulcinella, ya aparecen en
el Atellan, representaciones improvisadas que los romanos introdujeron alrededor del año 540 de su
ciudad: Maccus. temperamento vivo, ingenioso, un poco feroz, y Bucco, adulador. fanfarone, vil, y poco respetuoso de la
propiedad de los demás. La particularidad de estos personajes antiguos era la imitación de las voces chillonas de los
pájaros, de ahí el apodo de pullus gallinaceus del cual
Pulcinella derivado
Esta máscara con dos jorobas y una nariz ganchuda puede considerarse la más antigua de nuestro país. Con la llegada del
cristianismo, junto con la atellane, también desapareció la figura de Pulcinella, que será exhumada mil años más tarde,
en el siglo XVI, por el Capocomico Silvio Fiorello. Desde entonces, esta figura ha tendido, por un lado, a personificar,
virtudes y vicios, a la burguesía napolitana, pero, por otro lado, con una simultaneidad milagrosa, ha llegado a establecerse
en toda Europa, absorbiendo las características nacionales individuales: PoIichinelle, en Francia; Punch. mujeriego y
corsario. en Inglaterra: Pulzinella y I-lanswurst (es decir, Giovanni Salsiccia en Alemania:
Tonelgeek en los Países Bajos, don Christoval Polichinela en España.
La figura también se fue adaptando a los roles más diversos:
maestro, sirviente, doméstico, magistrado, pero en ningún caso atleta: sobrio en movimientos, frío, lento, torpe. de pocas
palabras, pero cuando habla siempre es seco y penetrante.
Las derivaciones locales de la figura de Pulcinella se pueden considerar el Trasteverini Meo Patacca y Marco Pepe, el
popular bravete napolitano Sitonno, y quizás también la característica figura boloñesa de Birichino.
Scapino
Desde el teatro de la antigüedad clásica, ciertas características de ese personaje de un ayuda de cámara inteligente e
himno se fijaron, que luego se reunieron en la máscara de la cruel Brighella, siempre dispuesto a recurrir a todos los
medios, incluso la daga, incluso para realizar sus dibujos . Scapino, a diferencia de Brighella, es un ayuda de cámara que
utiliza principalmente patadas y golpes: cínico y calculador, explota a los débiles y las personas de buenos modales, pero
tiene terror a la violencia, como se explica por la etimología de la su nombre, que deriva del verbo huir.
Por lo general, Scapino se encuentra a la llegada del diligcn; listo para ofrecer todos sus servicios gratuitos, con el propósito
de tratar de exprimir al extraño al extraño. Siempre doméstica, a menudo cambia de dueño, pero es tanto intrigante,
ingeniosa y mentirosa que todavía encuentra una nueva, a pesar de tener una mala reputación debido al fraude imaginario
con el que puede robar la siguiente.
Su tipo se estableció en Emilia a finales del siglo XVI: pasó con los comediantes italianos en Francia, fue transfigurado por
el arte de Molière que dibujó la máscara francesa de Scapin. que logró eclipsar en pocos años la fama de la ya muy popular
Brighella. En aquellos años, la máscara de Scaramouche estaba de moda en Francia, y Molière había notado con tristeza
que los parisinos, atraídos por el nuevo ídolo, estaban abandonando las representaciones de su "Misántropo": para
Scapino, por lo tanto, confiaba, y con éxito, en el éxito. la tarea de devolverle el favor del público. Uno de los intérpretes
más famosos de Scapino fue el comediante Camerani, un actor mediocre, pero un hábil improvisador de ocurrencias, que
murió en 1769 por una indigestión de paté de hígado de oca.
SCARAMOUCHE
En el siglo XVI y principios del XVII, el personaje del Capitán, heredero de las palabras, sino de los hechos, de esa singular
tradición de heroísmo que se exaltó en las figuras de los paladines, cruzados y líderes de Ventura, y que la adopción de
armas de fuego ahora había relegado a la imaginación popular, la deforestación con hipérbole y la ironía.
De un personaje napolitano llamado Scaramuccia, que es una pequeña batalla, aterradora y bulliciosa, la última y más
cómica de la serie Capitanes, los comediantes italianos que llegaron a la corte francesa derivaron la figura de Scara
Mouche, señor de los distritos que nunca existió en el mapa, nobles como Carlomagno y al menos tan ricos como un
bisavolo llamado Creso, ladrón, sillón, villano, amigo y rival de Pulcinella en una competencia de frot tole y ribalderie.
El primer Scaramouche fue el napolitano Tiberio Fiurelli, hijo de un capitán de caballería, uno de los mimos espías más
completos y rituales que la historia del teatro recuerda. Su habilidad para imitar fue puesta en la corte por un día cuando
la reina estaba molesta por las continuas quejas del príncipe, que tenía dos años. Fiurelli logró tal éxito que el Delfino, en
un estallido de hilaridad, bañó su traje. Unos años más tarde, se convirtió en el Rey Sol (Luis XIV) le suplicará a
Scaramouche que imite esa primera reunión de ellos y se tomará un descanso para garantizar el favor perpetuo de la
Corte.
Típico de Scaramouche era la agilidad extrema. Fiurelli tendrá a la edad de ochenta y tres años, manteniendo tal facilidad
como para poder abofetear a una persona con un pie.
SILVIA
Más que una máscara, la amorosa mujer que ha tomado los nombres de Isabella, Camilla, Aurelia, Flaminia, puede decirse
que es un personaje que se ha ido adaptando gradualmente a la moda y los ideales femeninos de la época, por lo que las
actrices 'interpretados, en lugar de adaptarse a la imitación de un tipo, podrían dar rienda suelta a su creatividad y su
inventiva. anticipando esa originalidad de personajes e interpretaciones que es la base del teatro moderno.
Originalmente, con los nombres de Fiore o Fiorinetta, el joven I love rose era una especie de ingenuo que triunfaba ante
la adversidad y la malicia precisamente por su candor; una mayor plenitud, que no dejó de dejar huellas en el futuro del
personaje, se produjo con Silvia, el nombre artístico de la actriz Rosa Zanetta Besozzi, que llegó a París con su compañía
en 1716, y que fue la intérprete Insuperata dcl teatro de Marivaux.
Los Besozzi, que tocaron continuamente durante cuarenta y dos años, sin desvincular nunca los llamados de talento de la
gracia femenina, lograron que su personaje fuera más vivo e inmediato, sin dejar de exponerlo, aunque con gracia y
medida, a alguna situación picante. por ejemplo, en la comedia "The romance lover", donde Silvia, casada pero
abandonada por su marido, abraza con entusiasmo a la doncella Marinette, que habla de hombres con desinterés y
disgusto. y no duda en decirle que si fuera un hombre, la elegiría como esposa o en ese mismo instante. Marinette se
arrodilla y con la densa, entre el crimen, ser Mario, una de sus amantes, disfrazada de mujer para poder estar cerca de
ella.
Elogio a Silvia, como a la mujer ideal, son frecuentes en la literatura francesa del siglo XVIII en su nombre permanecen
madrigales. sonetos, acrósticos y dedicatorias en prosa y rima.
Spezzaferro
Entre las máscaras que repetían el tipo del capitán caprichoso y bullicioso, y que se hicieron muy populares en el teatro
europeo de principios del siglo XVII, cuando el continente estaba dirigido por soldados españoles, Spezzaferro encontró
principalmente el sabor de los franceses, por su comedia veteada de tristeza . El italiano Giuseppe Bianchi lo presentó por
primera vez en París, llegó en 1639 con una compañía de comediantes de improvisación.
Llevaba un bigote y un tricornio gris en la cabeza coronado por una pluma impertinente: siempre amenazaba con
masacrar, pero la irc de los otros personajes me dejó pronto a su cruda realidad. El personaje de Spezzaferro puede
explicarse por un episodio que ocurrió en Versalles un día de 1680, mientras el Tribunal comentaba la muerte de Bianchi.
"¡Se parecía a mí! Exclamó el doctor M. pero el Delfín, listo, le contestó: «¡De ninguna manera! Él nunca ha matado ".
Para los imprudentes de la antigüedad, las diosas se rindieron, y fue por casualidad que Ariosto quiso presentar al paladín
Orlando enamorado de infeliz: Spezzaferro, desde el punto de vista del amor, llegó en el último paso. Cuando le pregunta
a Arlequín, "por casualidad", que se le ha confiado el mando de una fortaleza, se escucha a sí mismo responder: "¿Cómo
puedes quedártelo, tú que no pudiste conservar a tu esposa?"
Durante meses y meses disfrutó de la escena de Spezzaferro que, habiendo ingresado a una tienda para comprarse una
camisa, y no querer admitir estar sujeto a las necesidades de todos los demás mortales, le explica al comerciante que, en
un ataque de ira, el cabello se elevó hasta el punto de reducir el lienzo a un colador.
Stenterello
Se prescribió un doloroso sacrificio a los jóvenes actores destinados, por actitudes y figuras, para apoyar la parte de
Stenterello: era necesario que los incisivos superiores se rasgaran para que, para ese agujero negro, se produjera una
deformación de la pronunciación. descuidadamente. adquiere una comedia particular.
Stenterello es, de hecho, como Meneghino y Gianduja, máscaras con las que tiene numerosas características en común,
un personaje que debe ser interpretado por actores característicos: su figura tiene una fisonomía distinta y precisa que
puede insertarse en un drama o incluso en una tragedia independientemente de la economía de la trama, para enriquecer
la historia, con sus bromas y sus chistes, de una nota de alegría.
Los historiadores del teatro afirman que Stcnterello, en los días dorados de Florencia, vivió en palacios, estaba en la mitad
de su edad y en el mejor de su espíritu y podría llamarse Maquiavelo, Boccaccio o Aretino. La máscara surge entonces es
el sobrino, caído, de esos grandes espíritus, de los que además ha heredado los vicios y la mezquindad inevitable, de ahí
que ese nombre que evidentemente deriva del verbo stentare, es decir, no estar satisfecho con su estado.
Stenterello, sin embargo, conserva una distinción que lo distingue de todas las otras máscaras italianas: sus chistes, por
muy mordaces que sean, nunca caen en la indecencia y son el fruto, en lugar de la malicia, de un sabroso ingenio.
Enfermedades nacidas y discontinuas, además de confirmar sus medias, de diferentes formas y colores, Stenterello tiene
una debilidad por las mujeres, pero al no ser lo suficientemente paciente como para hacerla cortejar, a menudo se da una
bofetada. Pero aún más fuerte es su atracción por la buena comida: dispuesto a cometer cualquier bajeza para una buena
cena, se abstiene solo porque tienen la ventaja en él el miedo y la pereza.
Tabarino
Ese manto oscuro, el manto, que los modestos emilianos todavía llevan en invierno en lugar de la gorra con manga, ha
terminado prestando su nombre a elegantes locales en todo el mundo, los llamados tabarins, en virtud de un tipo de
comerciante boloñés, bien educado, que en el siglo XVI apareció con frecuencia en la escena con un personaje curioso:
comenzó las oraciones en italiano, pero fue forzado, para ser entendido, a terminarlas en dialecto. Ese tipo de merong,
llamado Tabarino debido a la capa bastante corta de ruedas, fue traído por primera vez en los escenarios de Francia en
1570 por una compañía de comediantes italianos que le confiaron las partes más dispares: doméstico, padre, marido, de
acuerdo a las necesidades de la trama
El nombre de Tabarino fue adoptado más tarde por un milanés, cuya verdadera identidad aún no está definida, que llegó
a París en 1618 asociado con un charlatán llamado Mondor y con él comenzó a dar espectáculos al aire libre, precedidos
por desfiles con trompetas y tambores para recordar al público. Mondor, masivo y con la voz retumbante, apoyó la parte
del Capitán, Tabarino la de los fieles domésticos, y la pareja obtuvo tal éxito que cuatro años más tarde, en 1622, la Piazza
Dauphine, donde solían celebrar sus espectáculos, no fue suficiente ahora más para contener el pub. hoyo, y Tabarino se
habló en salones elegantes como un elixir infalible contra toda tristeza. Sus diálogos, sabrosos y audaces, que Tabarino
luego reunió en un libro titulado "Jardín, colección de secretos, juegos, hace tumbas y pasatiempos", inspiraron esos
cortos y variados espectáculos con los que aplaude, entre los vasos y las danzas, la clientela despreocupada de los clubes
nocturnos, que desde entonces tomó el nombre de Tabarins. En uno de esos locales murió, dicen por apuñalar, el
incomparable comediante milanés anónimo.
TA R TA GLIA
La más cómica de las máscaras italianas atrae, pobremente, las razones de la popularidad de dos defectos dolorosos: la
incapacidad de comenzar un discurso sin tartamudear, y una miopía excepcional. Así que solo dale la palabra a Tartaglia,
o quítate las lentes para despertar un juego
inequívocamente suficiente para asegurar el entusiasmo de una audiencia por un par de horas. La miopía y el tartamudeo,
para coronar la comedia del personaje, van acompañados, en lo físico, de un pronunciado pinguedine, y en el personaje
a una verdadera y propia vocación de fracaso. Ministro del reino de Serendippe, en el cuento "11 Rey Cervo" de Carlo
Gozzi, Tartaglia obtendrá del mago Durandarto la fórmula para transferir las almas de los muertos a los vivos, para que,
enamorado de la reina, aproveche un viaje de caza para transferir al rey a un ciervo derribado, y a su vez asumir la
apariencia augusta; sin embargo, como era de esperar, Tartaglia no solo no logrará obtener, por lo tanto, transformado
los favores de la reina, sino que, habiéndose transformado imprudentemente en la forma de una niña pequeña, terminará
estrangulada.
El destino desafortunado del personaje será más de una vez compartido por sus intérpretes: un Tartaglia que actuó en la
corte de España terminó encerrado, y por un corto tiempo, en esa misma prisión en la que había languidecido, en los años
de la desgracia, Cristóbal Colón : la máscara fue permitida, durante un espectáculo. apuntar al famoso conquistador Cortés
con pequeños juegos de palabras reverentes.
En Bolonia, la figura de Tartaglia se especializará en la tarea de hacer reír a la gente detrás de la ley, por lo que a menudo
se le confiará la función de comisario o, simplemente, la cerveza, las pocas veces que se ahorrará la ingenuidad de la
grasa, incluso se convertirá en un personaje lampanato, con una nariz puntiaguda y prominente, sin igual en jelia y mal
de ojo.
Trivellino
Es la máscara gemela de Arlecchino, incluso si lleva un nombre y un traje diferentes: no se puede excluir que este fuera
el nombre antiguo de Arlecchino, ya que Trivellino significa "un hombre con un vestido de cuentas". El vestido teñido con
parches de colores dispares se transformará para Arlequín en un patrón de rombos alternos de dos colores; para Trivellino,
en cambio, en túnica y pantalones de gamuza amarilla, bordeada con triángulos de tela verde e imaginativamente
esparcidos con medias lunas y estrellas escarlata. Sin embargo, ambas máscaras conservarán la máscara negra, que
recuerda a su personaje a un papel que ya apareció en el teatro clásico clásico y fue interpretado por esclavos negros. En
las compañías que cruzaron Italia a principios del siglo XVII, Trivellino apoyó la parte del "intrigante, ocupado en volver
sin representar al ingenuo y tonto Arlequín, y algunas veces llegó a asumir partes de villano, digno de competir con los
que habitualmente asume Brighella. Se encuentra que ambos sirvientes, Arlecchino y Trivellino tienen partes similares, a
veces se usan juntas, en contraste, para conveniencia del dramaturgo. El mejor intérprete de Arlecchino, el italiano
Biancolelli, hizo su debut como Trivellino; el mejor intérprete de Trivellino, Domenico Locatelli, fue a París cuando
Biancolelli lanzó su Arlequín. El hijo de Biancolelli, Pier Francesco, que se enamoró de la hija de un actor, descuidó los
severos estudios que había hecho en un colegio jesuita para seguir a su mujer en el escenario: será él quien, habiendo
debutado en Toulouse en Trivellino, renovará la figura de Arlequín, transponiendo en la vieja figura de la tonta Bergamask
una veta opuesta de astucia y mordiente. Desde entonces, la máscara Trivellino desaparecerá del teatro solo para
reaparecer, a veces, en espectáculos de marionetas.