Annibale Carracci

Contexto Histórico
El Nuevo Mundo, América: El Imperio Azteca y el Incaico
sucumben ante las fuerzas españolas en 1521 y 1533,
respectivamente.

Europa:
En España, durante el imperio de Carlos V, se da el “Siglo de
Oro”.
En Inglaterra, Enrique VIII separa la autoridad papal de su
reino, estableciéndose como cabeza de la Iglesia Anglicana.

Medio Oriente y Mediterráneo: El Imperio Otomano, bajo

Solimán el Magnífico, alcanzó su máximo apogeo.

Reformas Protestantes (1527) que discutían la autoridad del

papado y de la Iglesia Católica. La contrarreforma ya está en
camino.
Annibale Carracci
Bolonia, 1560 – Roma, 1609
Pintor y grabador italiano, de
familia de pintores, fue el más
importante de los Carracci y,
por el estilo e ideas, fue
considerado como el rival de
Caravaggio, su
contemporáneo.
Durante sus primeros años, su
estilo no se puede diferenciar
con la de su hermano y primo.
Su influencia, como artista, se
difundió en Italia y llegó a
Francia.
Cerca a 1606, lleno de
melancolía, dejó,
prácticamente, el pincel
a un costado; ya estaba
cerca a su muerte.
Admirador del trabajo
de Rafael, su deseo fue
ser sepultado cerca a él
en el Panteón.
En el s. XIX, fue tildado
de ecléctico, por la “falta
de originalidad” lo cual
le quitó el prestigio
hasta entonces
alcanzado.
Estilo
La Academia
Carracci
y
el período en
Bolonia
Agostino (1557-1602) y Anníbale (1560 – 1609),
ambos hermanos, y su primo Ludovico (1556
– 1619) abrieron, en 1582, una
academia privada, un tanto informal, que llegó
a ser punto de encuentro de las
tendencias progresistas de
Bolonia.
 Llamada “Academia de los Encaminados”, sus
discípulos fueron los encaminados o iluminados,
en contraste a los tenebristas, seguidores de
Caravaggio, considerado como enemigo de
Aníbal.

Trataron de conseguir la belleza clásica y el

equilibrio alcanzado en el Renacimiento; por ello,
su tendencia fue denominada Clasicismo, la
fuerza clásica y observación realista.
Con respecto a Annibale, pinta “La crucifixión”
(1583). Dos años más tarde, en el “Bautismo de
Cristo”, no puede pasarse por alto su inspiración en
Correggio y, con respecto al color, está aún
luchando contra las viejas convicciones (“Asunción
de la Virgen” -1590)

En sus últimas obras boloñesas hay un carácter

preeminentemente veneciano; se separa de
Correggio yendo hacia una solidez y una clara
definición de las actitudes, expresiones y una
impresionante firmeza estructural de todo el lienzo.
Está más próximo a los maestros del Renacimiento:
usó luz y sombra, incluso en sus obras más
boloñesas, principalmente para dar énfasis a la
forma y estructura.
 La
Crucifixión
(1583)
Asunción de la
Virgen (1590)
Hombre comiendo judías (1580-
1590)
 La
carnice
ría
(1580)
Hombre
sonriendo
(1583)
Cristo Muerto (1583-85)
 El
bautis
mo de
Cristo
(1584)
Cristo
con la
corona
de
espinas
y dos
ángeles
(1585-
1587)
El místico
matrimonio
de Santa
Catherine
(1585-87)
Niños molestando a un gato (1588-
90)
 Madonna
entronizada
con San
Mateo (1588)
Venus con un sátiro y
cupidos (1588)
La Virgen se
aparece a San
Lucas y a
Catherine
(1588)
Mujer sagrada en la tumba de
Cristo (1590)
 En 1595, cuando Annibale se
marcha a Roma, pues su arte era
más accesible para los fines de la
Contrarreforma, la academia se
deshace.
• Eduardo Farnese, procedente de una familia
de mecenas, decide, por su renuencia a la
pintura toscana y umbría, llamar a artistas de
gran reputación en Bolonia: los Carracci y
discípulos.
• Ahí, compuso su obra más ambiciosa y
principal: el fresco de la galería de dicho
palacio (1567 – 1604), el cual cobró tanta
fama, y fue considerado sólo inferior a los de
Miguel Ángel y Rafael.
La sala pintada, con bóveda de cañón,
mide 140 m2; lugar donde se guardaba
la colección de esculturas de los
Farnesios; la bóveda central, 20 metros
de largo y 6 de ancho,
Se buscó ensalzar la mansión con
escenas mitológicas, basadas en la
“Metamorfosis” del poeta Ovidio.
División:

1. Banda
central.
2. Escenas
mitológicas
menores.
3. Escenas
de Perseo.
Es en la construcción de las escenas
mitológicas y en el trato de la figura
individual donde la influencia de Roma
empieza a notarse, el cual se desarrolló más
en la galería central del palacio. Se da uso
de la “quadrattura”. La idea central de las
pinturas fue la exaltación del alma humana a
través del poder del amor divino, el cual lo
vence todo.
El triunfo de Baco y Ariadna (1597-
1602)
 Baco

Ariadna
EL CORTEJO DE BACO
 El cíclope
Polifemo
(1597-1605)
 Polifemo
enamorado
(1597-1605)
Homenaje a
Diana (1597-
1602)
 Paris y
Mercurio
(1597-1600)
Perseo y Andrómeda (1597-1600)
Perseo y Phineas (1597-1600)
La galería Farnese no se limita a
imitar la obra de Miguel Ángel; el
estilo de los temas principales es
los amores de los dioses clásicos,
recuerdan el Galatea de Rafael, y el
conjunto forma unidad gracias a un
esquema ilusionista que revela el
conocimiento que Annibale tuvo de
Correggio y los grandes venecianos.
 Corregio, “La Asunción de la
V Virgen”

Rafael, “La Galatea”

La evolución de Aníbal en Roma fue rápida y
durante los pocos años que le quedaban a
comienzos del nuevo siglo realizó importantes
obras. Más que un revolucionario, fue un
reformador: comprendió que el arte debía
volver a la naturaleza, pero su manera de
tratarlo fue más ingenua, y equilibró los
estudios basados en la vida con un
resurgimiento de los clásicos.
La “Asunción de
la Virgen María”
(1601) es una
obra
característica de
su estilo romano
ya desarrollado.
Hombre con
cabeza
(1595-99)
Hércules entre el vicio y la virtud
(1596)
 Cristo en
gloria (1597-
98)
 La
coronación
de San
Esteban
(1597)
Venu
s,
Adoni
sy
Cupid
o
(1597
)
 La tentación
de San
Antonio Abbot
(1597-1598)
 Santa
Margarita
(1597-
1599)
Magdalena en penitencia en un
paisaje (1598)
Pietà/Pied
ad
(1599-
1600)
 Domine quo
vadis? (1601-
1602)
Pietà/Piedad (1603)
Traslado de la
casa sagrada
(1605)
Lamentación de Cristo (1606)
Apedreamiento de San Pedro
(1604)
Compuestos con desenvoltura, poblados de
cazadores y pescadores, son esencialmente
venecianos.

Aníbal, en Roma, sustituyó la libertad y el aire

rústico de sus primeros paisajes por vistas
panorámicas cuidadosamente compuestas.
Fueron sus pinturas idealizadas las que
prepararon el camino a los paisajes de
Domenichino y Albani, de Claudio de Lorena y
Pousin.
La tradición del paisaje clásico empieza aquí, el
equilibrio clásico y el idealismo se combinan con
un drama personal.

Annibale explotó su potencial expresivo a través

de matices de luz y atmósfera, para que
desempeñase un papel tan importante como el
de la narración sobre la que se basa la pintura.
La pesca (1585-88) 136x253 cm
La caza (1585-88) 136x256 cm
Paisaje con río (1589-90)
89x148 cm
Río romano con castillo y novia
(1595-1600) 73 x 143 cm
La huida a Egipto (1603)
122x230cm
Descanso en la huida a Egipto
(1604) 82.5 cm (diámetro)
 Discípulos
Domenichino (1581- Guido Reni (1575-1642)
1641) Considerado como un
Su atención se centró genio, perdió su fama
en el clasicismo y en los por tener un alto
paisajes que contenido sobre la
desarrollaba, junto con piedad en sus obras,
temas religiosos. además se ganó el
desprecio de los demás
por tener la verdadera
naturaleza barroca en
ellas.
Paisaje con Tobías atrapando El rapto de Deyanira (1621)
un pez (1917-1618)
Aníbal fue el único que tuvo una escuela en
Roma en el sentido estricto de la palabra,
tanto por su procedencia de la región de
Emilia y su estilo romano, el cual se
prestaba para ser enseñado. Los principios
de esta escuela estaban regidos por la
academia boloñesa, y los jóvenes
discípulos y amigos que le siguieron a
Roma llegaron allí, por tanto, bien
preparados.
Su estilo se convirtió en culto para los
reducidos círculos aristocráticos, los cuales,
ligados con la Iglesia de la Contrarreforma,
representados por Agucchi escribió un
“Tratado de la pintura” (1607-15) como un
manifiesto del Clasicismo: no está de
acuerdo con el arte de Caravaggio, pero sí
elogia a Carracci, ya que lo entiende como
el restaurador del arte, así como el
renacimiento lo hizo ante la Edad Media.
Una declaración de Gianlorenzo Bernini, en
1665, afirma que Carracci había conseguido la
renovación de la técnica de Rafael, pues había
“reunido todo lo bueno: las líneas graciosas de
Rafael, la anatomía básica de Miguel Ángel, la
delicada técnica de Correggio, el colorido de
Tiziano y la fantasía de Giulio Romano y
Mantegna”.