1) LOS ORIGENES DE LA MUSICA

El origen de la música es desconocido, ya que inicialmente no se utilizaban instrumentos musicales

para interpretarla, sino la voz humana, o la percusión corporal, que no dejan huella en el registro
arqueológico. Se puede inferir que la música se descubrió en un momento similar a la aparición del
lenguaje. El cambio de altura musical en el lenguaje produce un canto, de manera que es probable
que en los orígenes apareciera de esta manera. Además, la distinta emotividad a la hora de
expresarse, o una expresión rítmica constituye otra forma de, si no música, sí elementos musicales,
como son la interpretación o el ritmo. Es decir, la música nació al prolongar y elevar los sonidos del
lenguaje. Esta teoría científica lleva siendo sostenida desde hace mucho tiempo, filósofos y
sociólogos como Jean Jacques Rousseau,1 Johann Gottfried Herder o Herbert Spencer fueron
algunos de sus mayores defensores.

El concepto de música tiene muchas acepciones, pero la que más se acerca a su significado es la del
arte de combinar los sonidos en una sucesión temporal. Es una de las artes más valoradas por la
sociedad y es la que más presencia tiene en el desarrollo de nuestra vida diaria.

El concepto de música tiene muchas acepciones, pero la que más se acerca a su significado es la del
arte de combinar los sonidos en una sucesión temporal. Es una de las artes más valoradas por la
sociedad y es la que más presencia tiene en el desarrollo de nuestra vida diaria.

En el mundo occidental la música tiene sus raíces en la Grecia antigua donde la música aparece
como un fenómeno ligado a la necesidad del hombre de comunicar sentimientos y vivencias. La
música coral era el elemento básico en la educación de los jóvenes espartanos y era un elemento
fundamental dentro de las tragedias griegas.

Era una época en la que predominan los elementos rítmicos sobre los melódicos y la voz humana
tenía una clara primacía sobre los instrumentos. Éstos eran pocos y no demasiado variados; sin
embargo, se conocían ya instrumentos de viento, como la flauta de Pan, y de cuerda como las cítaras
o arpas.

El arte de la música es el que más cercano se halla de las lágrimas y los recuerdos.

Los griegos también fueron los primeros en imaginar, en el siglo VI a.C., un sistema de notación
relativamente conciso, que utilizaba como signos los caracteres de un alfabeto arcaico, rectos,
invertidos o inclinados, según respondieran al sonido natural, a un semitono o a la elevación de un
cuarto de tono.

La música griega estaba hecha para perezosos ya que no se apartó de un patrón estrófico simplista,
es decir: una estrofa que se repetía infinitamente sobre un ritmo y una melodía idénticas.

Otro principio fundamental de la música en la Grecia clásica, y que se ha prolongado hasta nosotros
a través del gregoriano, era la indivisibilidad de los primeros tiempos. Estos significan que la unidad
rítmica más pequeña de una pieza podía multiplicarse, pero no dividirse.

Los sonidos se agrupaban en pies, similares a nuestros compases; los tiempos fuertes se marcaban
golpeando el suelo con el zapato (thesis), y los tiempos débiles se traducían por la elevación del
zapato o de la mano (arsis). La agrupación de un cierto número de pies constituía una unidad de
frase, el kolon, que correspondía a un verso entero del texto poético.
Rebuscando en el tiempo, vemos que en la Antigua Grecia ya se conocía la música. El famoso filósofo
Platón solía afirmar que “de la misma forma en que la gimnástica sirve para fortalecer el cuerpo, la
música es el vehículo para enriquecer el ánimo”.

Sin embargo, no fue hasta la difusión del catolicismo que la música cobró auge. Con el objetivo de
alabar a Dios, se creó la música sagrada, los cantos gregorianos y, más tarde, la notación musical, o
sea, el alfabeto musical que brindó la posibilidad de escribir música utilizando los símbolos
adecuados que le permitían a los músicos seguir el ritmo y la entonación.

De hecho, el origen de la música escrita (utilizando los primeros símbolos) resale alrededor del siglo
VI de la era cristiana. Sin embargo, estos símbolos eran muy limitados y no permitían cubrir
adecuadamente todas las extensiones musicales y la complejidad armónica. Por eso, en el periodo
comprendido entre 992 y 1050, Guido d’Arezzo se creó el primer sistema de escritura musical
definido “diastemático”, que consistía en transcribir símbolos que representaban una escritura. Así,
por primera vez en la historia, se pudieron indicar todas las alturas de las notas musicales.

Guido llamó ese sistema ‘tetragrama’ ya que las notas musicales se desarrollaban en una red de
cuatros líneas paralelas. Este sistema fue el precursor del moderno pentagrama y de las notas
musicales que utilizamos hoy en día. (BABYRADIO, 2014)

2) LA MUSICA EN LA EDAD MEDIA

Música en la Edad Media

La Edad Media, históricamente, abarca el periodo comprendido entre la caída del Imperio Romano
en el año 476), siglo V, y la aparición del humanismo y la reforma (siglos XV y XVI), es por lo tanto
un largo espacio de tiempo en el que la música, que es el tema que nos ocupa, tuvo que sufrir
importantes variaciones e ir evolucionando de formas más simples a más complejas.

En la Edad Media se aglutinan las culturas griega, romana, germánica y celta.

En el terreno musical, al contrario de lo que se ha dicho en múltiples ocasiones, la Edad Media fue
una época rica y muy viva como decíamos anteriormente.

Como rasgos más importantes de la música en la Edad Media aparece el canto gregoriano, el surgir
de la polifonía, y gracias a las influencias árabes debidas a las cruzadas, aparecieron nuevos
instrumentos musicales

En la Edad Media ya encontramos nombres de compositores relevantes para la época, como fueron
Guido d’Arezzo, Léonin, Pérotin, Guillaume de Machaut entre otros y las poéticas y románticas
figuras de los trovadores y juglares, de capital importancia a la hora de transmitir la música que se
hacía en aquel entonces.

3) LA MUSICA EN EL RENACIMIENTO

La Música en el Renacimiento Instrumentos, Caracteriticas, Periodos HISTORIA

La musica en el renacimiento era una parte esencial de la vida civil y religiosa. El rico intercambio de
ideas en Europa, como los sucesos políticos, económicos y religiosos en el periodo 1400 a 1600 en
base a algunas caracteristicas del barroco dieron sitio a importantes cambios en los estilos de
composición, los métodos de difusión de la música, los nuevos géneros musicales, y el desarrollo de
instrumentos.

La música más esencial del primer Renacimiento fue compuesta para ser usado por la iglesia-
polifónica (compuesto de múltiples armonías simultáneas) misas y motetes en latín para esenciales
iglesias y capillas de la corte.

A fines del siglo XVI, no obstante, el patrocinio se dividió entre muchas áreas: la Iglesia Católica, las
iglesias protestantes y los tribunales, apasionados ricos, y la impresión a toda la música eran las
fuentes de ingresos para los músicos. A principios del siglo XV fue dominado en un inicio por el Inglés
y músicos europeos del norte.

CORTE DE BORGOÑA

Fue singularmente influyente, y atrajo a músicos de toda Europa. El más esencial de ellos fue
Guillaume Dufay (1397-1474), cuya oferta musical variada incluido motetes y misas por los servicios
de la iglesia y la capilla, muchos de cuyos grandes estructuras musicales basadas en el canto
gregoriano existente. Sus muchos pequeños ajustes de la poesía francesa muestran un lirismo
melódico dulce ignota hasta su temporada. Con su dominio de la manera musical a gran escala,
como su atención al texto-entorno secular, Du Fay preparó el escenario para las próximas
generaciones de músicos renacentistas.

Por en torno a 1500, la música letrada europea estaba dominada por los músicos franco-flamencos,
el más importante de los que fue Josquin Desprez (1450-1521). De la misma manera que muchos
músicos señalados de su temporada, Josquin viajó extensamente por toda Europa, trabajando para
clientes del servicio en Aix-en-Provence, París, Milán, Roma, Ferrase y Condé-sur-l’Escaut. El
intercambio de ideas musicales entre Francia, Países Bajos, Italia y dio sitio a lo que podría
considerarse un estilo europeo internacional. Por una parte, la polifonía o bien la música multivoiced
con su estilo de contrapunto horizontal seguido desarrollando en dificultad.

musica instrumental en el renacimiento

Al tiempo, la armonía basada en una predisposición vertical de intervalos, incluyendo terceras y

sextas, fue explorada por sus texturas y llenos de pertinencia a fin de que acompañe a una línea
vocal. La música de Josquin resume estas tendencias, con el estilo del Norte complicada polifonía
usando cánones, armonías preexistentes, y otras estructuras compositivas sin inconvenientes
fusionó con la inclinación italiana para establecer con ingenio palabras con las armonías que resaltan
la poesía en vez de disfrazarlo con la dificultad. Josquin, como Du Fay, compuesta primordialmente
misas y motetes latinos, mas en una inacabable pluralidad de estilos. Su producción secular incluye
ajustes de poesía cortesana francesa, como Du Fay, sino más bien asimismo arreglos de canciones
populares francesas, música instrumental, y frottole italiano.

Con el comienzo del siglo XVI, en la música del renacimiento europea se generaron una serie de
cambios trascendentales en 1501, el impresor veneciano llamado Ottaviano Petrucci publicó la
primera compilación esencial de la música polifónica, el Harmonice Musices Odhecaton A. El éxito
de Petrucci condujo por último a la música.
IMPRESIÓN DE LA MUSICA INSTRUMENTAL EN EL RENACIMIENTO

En Francia, Alemania, Inglaterra, y en otros paises. Ya antes de 1501, toda la musica en el

renacimiento debía ser copiada a mano o bien aprendido de oído; libros de música eran propiedad
exclusiva de los establecimientos religiosos o bien cortes exageradamente ricas y los hogares. Tras
Petrucci, al tiempo que estos libros no eran económicos, se hizo posible para un número
considerablemente mayor de personas que tienen que aprender a leer música.

musica en el renacimiento instrumentos

El Periodo Renacentista

Prácticamente al tiempo, la tecnología de instrumentos condujo al desarrollo de la viola da gamba.

Una con trastes, se inclinó instrumento de cuerda. músicos europeos apasionados de medios
acometió la flauta, como el laúd, la grabadora, el clave, el organo barroco y otros instrumentos. La
viola de gamba y la grabadora se jugaron juntos en consortes o bien conjuntos, y para facilitar esto
frecuentemente se genera en las familias o bien en conjuntos, con diferentes tamaños que juegan
las distintas líneas. Publicaciones de Petrucci y otros proveen estos jugadores por vez primera con
la música anotada (en contraposición a la música improvisada que desempeñan los instrumentistas
profesionales). El siglo XVI fue testigo del desarrollo de la musica instrumental del renacimiento
como la canzona, ricercare, fantasia, alteraciones, y las composiciones de danza inspirado en
contrapunto, tanto para solistas y conjuntos, como un género realmente diferente y también
independiente con sus modismos separado de formas vocales y práctica acompañamiento al baile.

Los instrumentos representados en el estudio del duque Federico da Montefeltro de Urbino (1479-
1482) representan tanto su interés personal en la música y el papel de la música en la vida intelectual
de un hombre del Renacimiento educado. Los instrumentos se ponen al lado de múltiples
instrumentos científicos, libros y armas, y que incluyen un órgano portátil, laúdes, violín, cornetti,
un cuerno de caza,una flauta, tambor, un anillo de harpa, tintineo, un rabel y una lis.

Desde 1520 hasta finales del siglo XVI, los músicos de toda Europa emplean el lenguaje polifónico
de la generación de Josquin en la exploración de la expresión musical mediante la canción francesa,
el madrigal italiano, el tenorlieder alemán, el villancico de España, y la canción Inglés, como en la
música sagrada.

la Reforma y contrarreforma afectó de manera directa a la polifonía sagrada de estos países. Las
revoluciones protestantes (sobre todo en el norte de Europa) cambiaron en sus actitudes cara la
música sagrada, con lo que dichos cambios arte como la introducción de himnos parcialmente
simples en idioma alemán (o bien corales) cantadas por la congregación de los servicios luteranas.
Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525/26-1594), profesor de capilla en la Cappella Giulia al lado de
San Pedro, en la ciudad de Roma, es visto por muchos como el icónico músico alto renacimiento de
la Contrarreforma música sagrada, que cuenta con líneas claras, una pluralidad de texturas, y una
reverencia musicalmente expresiva de sus textos sagrados. El inglés (y católico) músico William Byrd
(1540-1623) a horcajadas sobre los 2 mundos, componiendo obras-mandado mensajes de texto
latino para la Iglesia Católica.c
LA MUSICA EN EL RENACIMIENTO Y LOS HUMANISTAS DEL SIGLO XVI ESTUDIADOS

Viejos tratados helenos sobre la música que discute la angosta relación entre la música y poesía, de
qué manera la música podría agitar las emociones del oyente. Inspirado por el planeta tradicional,
renacentista músicos palabras de ajuste y la música juntos de una forma poco a poco más trágica,
como se ve en el desarrollo del madrigal italiano y después de las obras de ópera de Claudio
Monteverdi (1577-1643). La adaptación del renacimiento de un músico cantando y acompañándose
con un instrumento de cuerda, una alteración sobre el tema de Orfeo, aparece en obras de arte del
Renacimiento como Caravaggio, y Tiziano’s Venus y el jugador del laúd.

CARACTERISTICAS DE LA MUSICA DEL RENACIMIENTO

La musica en el renacimiento es similar a la música medieval. Esto es porque se producen una serie
de cambios distintos, de los cuales podemos destacar los siguientes algunas caracteristicas de la
musica renacentista:

periodo renacentista

La musica durante el periodo del renacimiento

Desarrollo de la técnica polifónica, La polifonía alcanzó alta complejidad la musica en el

Renacimiento, el uso generalizado de los grupos lingüísticos con diferentes tesituras y timbres.
Durante este periodo, ya podemos hablar de las 4 voces que llegaron hasta estos dias (bajo, soprano,
alto y tenor ). En el ambito polifónico, 2 técnicas de composición son las que se distinguen: una
homofonica (donde se manera homogénea se mueven las voces) y otra contrapuntista (en donde la
voz de manera independientemente se mueve).

Reemplazo del ritmo irregular: Debido a la gran complejidad de la polifonía, que es una de las es
una de las características de la musica del renacimiento, los sistemas de clasificación deben ser
desarrollados en términos métricos, esto hace que se descarte el ritmo libre gregoriano, para marcar
una medidas firmes de música, en donde los tiempos de las duraciones de los sonidos sean
completamente absolutas.

Los cambios de armonía: Compositores comienzan a presentar sus trabajos en la voz de los terceros
de distancias superpuestas que no fueron utilizados en la Edad Media. Este uso de la tercera serán
los correctos antecedentes nuestro actual sistema de sonido

LA MÚSICA EN LOS PERIODOS DEL RENACIMIENTO

El periodo del Renacimiento musical comprende los siglos XV y XVI, dentro de este podemos
destacar 3 etapas importantes:

PRIMER RENACIMIENTO

Inicia en la primera mitad del siglo XV. También es nombrado como el periodo franco-flamenco,
gracias a que los duques de Borgoña actuaron como mecenas de un grupo de grandes personajes,
que se convertirán en los artistas más importantes de aquella época. Entre los más destacados
compositores podemos nombrar a Dufay, Ockeghem. Después la gran mayoría de música de estos
grandes autores será religiosa (motetes y misas). Durante este Primer periodo del Renacimiento
será muy popular la técnica compositiva llamada contrapunto imitativo, que lo que hace es tratar
de proyectar un tema ó motivo repetidamente entre las voces distintas.

ALTO RENACIMIENTO

Comprende entre la segunda mitad del siglo XV, y la primera mitad del siglo XVI. Músicos franco-
flamencos repartidos por toda Europa, cada país dan la bienvenida la nueva música y se adapta a su
estilo de composición. Por lo tanto, se crean los llamados estilos nacionales. En Italia, el genero mas
cautivador fue el madrigal, en Francia centra el desarrollo mas popular en el chanson y en Alemania
el lied fue elque mas auge tuvo.

BAJO RENACIMIENTO

Se desarrolla en la segunda mitad del siglo XVI. Italia es el país más importante de la música en el
renacimiento, las innovaciones más interesantes entran en la música profana; Sin embargo, los dos
personajes más notables de la música son Giovanni Pierluigi de Palestrina y Tomás Luis de Victoria
(español). Los géneros más importantes son la misa y el motete. En este tiempo, también debemos
destacar al italiano Claudio Monte Madrigal (escribió 8 tratados) y es crucial para el nacimiento de
la ópera Orfeo en 1607.

INSTRUMENTOS DEL RENACIMIENTO MUSICAL

Muchos instrumentos se originaron desde el periodo del Renacimiento; otros eran cambios o
mejoras, instrumentos que existían antes. Algunos han llegado hasta nuestros días; otros han
desaparecido y han sido re-creados para realizar la música de esa época en las carpetas públicas. Al
igual que en los tiempos modernos, los instrumentos del renacimiento musical pueden clasificarse
como latón, cuerdas, percusión y de viento de madera.

INSTRUMENTOS DE VIENTOS:

Chirimía. Formado con un tubo de madera y una lengüeta doble (muy parecido a los oboes pero de
un tamaño mayor). Los tubos fueron también más comúnmente hechos de madera y muchos de
ellos tenían tallas y decoraciones . Fue el más popular de instrumentos de lengüeta doble del
período de renacimiento.

instrumentos de la musica renacentista

La flauta es una de los instrumentos de la música renacentista mas populares

Flauta dulce o flauta de pico. Actualmente se utiliza el mayoría de los casos con fines educativos;
fue de los instrumentos del renacimiento más populares.

Cromorno. Este instrumento es de madera, de una lengüeta doble (como la dulzaina) que termina
con la forma de U.

Gaita. Se cree que fue inventado por los pastores que pensaban utilizar una bolsa hecha de oveja o
de cabra piel y proporcionaría la presión de aire de modo que cuando su jugador toma una
respiración, el jugador sólo tiene que apretar la bolsa escondido debajo de su brazo para continuar
con el tono. El tubo de la boca tiene una sencilla pieza redonda de cuero giraba en torno al extremo
de la bolsa de la tubería y actúa como una válvula de retención. La caña está situado dentro de la
boquilla de metal largo, conocido como un bocal.

Grabadora. El registrador es un instrumento común que todavía se utiliza hoy en día, a menudo se
enseña a los niños de las escuelas primarias. En lugar de una caña que utiliza una pieza de boca
silbato, que es una pieza de la boca en forma de pico, ya que su fuente principal de producción de
sonido. Se hace generalmente con siete agujeros para los dedos y un agujero para el pulgar.

PERCUSIÓN

Pandereta. Fue originalmente un tambor de marco sin los jingles unidos al lado. Este instrumento
se desarrolló pronto y tomó el nombre de pandereta durante las cruzadas medievales, momento en
el que adquirió los jingles. Se encuentra a menudo con una sola piel, ya que seo hizo fácil para un
bailarín para que lo pueda tocar.

Arpa de judio. Un instrumento prohibido debido a su construcción de la plata, y debido a la gran

demanda de plata del siglo XIX en Austria esto era otra razón para su ilegalización. Un instrumento
de acero que produce sonido usando formas de la boca y de intentar pronunciar las vocales
diferentes con los labios.

LATON

Diapositiva trompeta. Similar al trombón de hoy, excepto que en lugar de una sección del cuerpo
deslizante sólo una pequeña parte del cuerpo cerca de la boquilla y la propia boquilla, es
estacionaria.

Corneta. Hecha de madera y jugó como la grabadora pero soplado como una trompeta. Se hace
comúnmente en varios tamaños; el mayor se llamaba la serpiente. La serpiente se convirtió en
prácticamente la única corneta utilizada en los principios del siglo XVII, mientras que otros rangos
fueron reemplazados por el violín. Se dice que es el instrumento del renacimiento más cercano a la
voz humana con la capacidad de utilizar la expresión y dinamica.

Trompeta. Las primera no tenían válvulas y

instrumentos en el renacimiento musical

El cromorno es uno de los instrumentos del renacimiento

se limitaron a los tonos presentes en la serie de armónicos. También se hicieron de tamaños

diferentes. Aunque comúnmente se muestran siendo utilizado por los ángeles, su uso en las iglesias
era muy limitado, una excepción destacable es la música de la escuela veneciana.

INSTRUMENTOS DE CUERDA

Violin. Este instrumento, desarrollado en el siglo XV, comúnmente tiene 6 cuerdas. Se toca por lo
regular con un arco. Tiene cualidades estructurales similares a la vihuela española; su principal
característica de separación es su tamaño más grande.

Laúd. Se puede referir generalmente a cualquier instrumento de cuerda que tiene las cuerdas que
se ejecutan en un plano paralelo a la mesa de sonido, más específicamente a cualquier instrumento
de cuerda pulsada con un cuello (ya sea trastes o sin trastes) y una profunda, redonda, o más
específicamente a un instrumento de la familia de los laúdes europeos.

Lira. Su construcción es muy parecida a una arpa pequeña, pero se tocaba con una púa. Sus cuerdas
variaban dependiendo de la epoca 4, 7 o 10. Se tocaba con la mano derecha, mientras que la mano
izquierda silenciada las notas que no se deseara. liras nuevas fueron modificados para ser tocadas
con un arco.

Violin de rueda o Zanfona. En la que las cadenas se sonaban por una rueda pasan sobre de ella. Su
funcionalidad se puede comparar con la de un violín mecánico, en el que su proa (la rueda) es girado
por una manivela.

Arpa irlandesa o Cláirseach. Durante la Edad Media fue el instrumento más popular de Irlanda y
Escocia. Debido a su importancia en la historia de Irlanda se ve incluso en la etiqueta de Guinness,
y es el símbolo nacional de Irlanda hasta el dia de hoy.

https://musica-barroca.com/en-el-renacimiento/

4) LA MUSICA EN EL BARROCO

La Musica Barroca Caracteristicas, Historia, Sonidos

Bienvenido a mi blog de Musica Barroca aqui encontraras todo lo relacionado no solo con la musica
sino con todo lo que tenga que ver con el periodo barroco.

¿Qué es la música barroca?

Es un arte con estilo musical europeo, muy relacionado con la famosa época cultural homónima,
que inicia con el nacimiento de la ópera alrededor 1600 hasta la muerte del gran compositor
Sebastian Bach, en el año de 1750.

¿Qué es “barroco”, y cuando era la época barroca?

Deriva del portugués barroco , o “perla de forma irregular”, el término “barroco” ha sido
ampliamente utilizado desde el siglo XIX para describir el período de la música de arte de Europa
occidental desde aproximadamente 1600-1750. La comparación de algunas de las mayores obras
maestras de la historia de la música a una perla deforme podría parecer extraño para nosotros hoy
en día, pero a los críticos del siglo XIX que aplicaron el término, la música de la era del gran JS Bach,
Henry Purcell, Frideric Handel sonaba excesivamente ornamentada y exagerada. El “barroco” es
ahora simplemente un cómodo cajón de sastre para uno de los periodos más ricos y diversos de la
historia de la música.concierto de musica clasica

Además de la producción de la música europea más temprana familiar para la mayoría de nosotros,
incluyendo Canon de Pachelbel y de Antonio Vivaldi Las cuatro estaciones. La época barroca también
se expandió en gran medida nuestros horizontes. La aceptación de la teoría de Copérnico del siglo
XVI que los planetas no giran alrededor de la tierra hizo el universo un lugar mucho más grande,
mientras que el trabajo de Galileo nos ayudó a conseguir un mejor conocimiento de los cosmos. Los
avances en la tecnología, tales como la invención del telescopio hecho lo que se cree que es finita
parecen infinitas. Grandes pensadores como Rene Descartes, Hobbes, Spinoza y Locke abordan los
grandes interrogantes de la existencia. Genios como Rubens, Rembrandt y Shakespeare ofrecen
perspectivas únicas a través de su arte. Naciones europeas crecieron más y más involucrados con el
comercio exterior y la colonización, nos trae en contacto directo con las partes del mundo que antes
eran desconocidos. Y el crecimiento de una nueva clase media dio vida a una cultura artística
depende mucho de los caprichos de la iglesia y el corte.

Si te gusto el video anterior y quieres encontrar mas, en mi canal tienes cientos de videos sobre
musica barroca y clasica solo dandole click aqui

Caracteristicas del barroco

Existen 7 diferentes caracteristicas del barroco las cuales son, la pintura, arquitectura, escultura,
musica, danza, teatro y literatura

El teatro en el barroco

El teatro es una de las caracteristicas del barroco que experimento un período de Gran esplendor
comenzando a escribir y actuar gran variedad de obras sobre diferentes temas más llegando a ser
Los favoritos entre el público los temas como el honor tradiciones caballerescas pastoriles históricas
y míticas así como la religión. Destacando por el uso común de alegóricos personajes como el vicio
la fortuna La traición el pecado entre otros.

Otra de las distinciones que tenía el teatro barroco es la duración de las obras los cuales podían
prolongarse durante varias horas siendo esta razón por la cual se comenzaron a introducir piezas
mucho menores como él entremes, las jacaras, las mojigangas y las loas y algunos pequeños
descansos para que los actores pudieron descansar y cambiar el vestuario dando origen a los
intermedios.

Se da un gran auge de las óperas, obras teatrales de tinte cómico y trágico en donde se utiliza música
y canto para expresar los monólogos y diálogos, popularizando se entre las diferentes clases
sociales.

El Barroco en la pintura

La pintura destacó por los efectos luminosos como contrastes de luz y Sombras llegando como
extremo crear pinturas llenas de luz y otras donde resalta el claro oscuro llegando al límite opuesto
a este último se le denominó tenebrismo. Un aspecto más de la pintura barroca es el dinamismo en
los personajes qué representa a los que se daba una expresión de movimiento donde el drama se
captaba al instante teniendo expresiones como alegría Euforia y tristeza.

caracteristicas del barroco

La pintura es una de las caracteristicas del barroco

Asimismo se sucedió el detrimento de la simetría clasista haciendo un favor a la idealización en los

personajes pintados y una mayor expresividad de las emociones de los de los mismos y también la
acumulación de motivos ornamentales junto a ellos.

La pintura barroca se destacó por tener un realismo al que se le llama naturalismo pudiendo llegar
al feismo cómo cómo se muestra en unas obras como las pinturas de Goya.

El barroco en la arquitectura
En el barroco sobresalen la arquitectura con donde se encuentra el dinamismo y La Búsqueda del
movimiento concesiva ornamentación en las fachadas ventanas y puertas así como el uso de
columnas salomonicas y ofidicas.

Mediante ese tipo de elementos arquitectónicos se busca dar a la impresión de movimientos en la

construcción e imprimirles mucha vida, contrastando en el clasicismo renacentista. Llevándose a
cabo por medio de líneas curvas, convexas, concavas y rectas alabeadas en las fachadas ventanales
logrando con esto el efecto de un aparente movimiento. Además detener elementos contrastantes
de curvas y rectas, dándole perspectivas a los edificios así también como a la utilización de bajos
relieves y relieves, con lo cual se hace énfasis el claro oscuro.

También se utilizaron elementos clásicos pero con propias modificaciones del barroco, como el uso
de óvalos en las cúpulas a diferencia del clasicismo que se empleaba más el círculo. Durante el
barroco también existió una excesiva ornamentación de paredes columnas fachadas techos
ventanas puertas de interiores, buscando aprovechar con ello cada pequeño espacio o Rincón
procurando no tener espacios vacíos. Utilizándose para esas ornamentaciones, pinturas y algunos
elementos decorativos destacando con ellos los motivos geométricos y botánicos, excepto en al
acciones en las que se pretendía dar una mayor ilusión de amplitud mediante grandes ventanales y
espejos así como bóvedas en el Palacio de Versalles.

Está exuberancia en la ornamentacion se despliega a la construcción de jardines geométricos con

Fuentes en la que se demuestra una exuberante ornamentación.

El Barroco en la escultura

La escultura es otra de las caracteristicas del barroco que se distinguía por la tendencia al
movimiento y naturalidad distinguiéndose del arte escultórica renacentista, donde se buscan poses
idealizadas en las esculturas durante el Barroco las esculturas evidencian la expresividad que el
escultor plasma en ellas exponiendo diversas emociones como alegría tristeza enojo o amor, de
manera que quede patente la acción qué representa el personaje esculpido ya sea imaginario o real
como las ninfas y seres mitológicos que se empleaban durante ese período, así como las esculturas
religiosas que fueron influidas por la época barroca siendo como ejemplo las obras de Bernini en
Italia.

La música barroca

Una de las caracteristicas del barroco más importantes fue la música ya que este periodo destacó
por ser en el que hubo grandes cambios en este arte. y seguido la música barroca se clasifica en 3
fases barroco primitivo medio y tardío teniendo las propias matices en cada periodo. La música
barroca se representó por géneros como las sonatas óperas y sinfonías.

Es durante este periodo dónde surgen diferentes géneros musicales que en la actualidad se les
conoce como clásicos; las cantatas, sonatas, óperas, suits y oratorias.

Durante el Barroco aparece la orquesta en donde se predominan los instrumentos de cuerda como
el violín, viola y violonchelo, a los cuales se fueron añadiendo otros instrumentos de Viento y
percusión.
Es de esa época el manejo del bajo continuo, siendo interpretado mayormente por uno o más
instrumentos Melódicos graves como la viola el fagot y violonchelo añadiendo instrumento
armónico para las acordes cómo el arpa, laúd, clave un órgano.

Durante el barroco se dio el desarrollo de la armonía tonal en la cual queda subordinada a los
acordes y el ritmo de la armonía es rápido cambiando muy frecuentemente de acordes.
Sobresaliendo por los fuertes constantes sonoros entre instrumentos de Cuerda viento percusión
coro o un solista y orquesta.

La danza en el barroco

La danza durante el barroco fue adquiriendo una reglamentación diferenciándose de las danzas
renacentistas y medievales, en las cuales perdurará un cierto desorden en los movimientos llegaron
a surgir varias danzas distintivas de este periodo cómo la chacona, la tarantela, el minué, el ballet,
la giga, la allemanda y el cuorante.

Haciéndose reglas para cada tipo diferente de danza coordinando los tiempos en los cuales se
defiende hacer algunos movimientos mediante ritmos lentos, rápido, ternarios como binarios, con
diferentes compases danza característica del barroco es el ballet la cual surgió en los bailes de la
corte francesa transformándose para luego ser un baile que poco a poco para ser a ser interpretado
profesionales bailarines. Señalar qué diferentes movimientos actuales del ballet fueron creados por
Luis XIV quién era un asiduo bailarín.

El Barroco en la literatura

La literatura destacaba en la expresión del autor a través de un lenguaje amplio y lleno de recursos
sintácticos con los que se representa la complejidad a los textos. Representado por símbolos
utilizando alegorías y metáforas una sintaxis compleja, juego de palabras cómo encender la
redondilla y algunos recursos retóricos. Dándose distinguir por el virtuoso sismo de los escritores de
la época, en la expresión de los problemas cotidianos se enfocaban más en los aspectos negativos
como la coterdad de la vida como y los problemas del ser humano, lo cual se demuestra mediante
las novelas en donde los personajes encarnan facetas de la vida común y corriente también se
emplean fábulas y cuentos para expresar las ideas. Algunos autores de la literatura barroca soy Luis
de Góngora, Miguel de Cervantes y francisco de Quevedo.

¿Cuál es la filosofía de la musica en el barroco?

Aunque una sola filosofía no puede describir 150 años de música de toda Europa, varios conceptos
son importantes en el período barroco.

Una creencia en la música como un potente instrumento de comunicación

Una de las principales corrientes filosóficas de la música barroca proviene del interés del
renacimiento en las ideas de la antigua Grecia y Roma. Los griegos y romanos creían que la música
era una herramienta poderosa de comunicación y podría despertar alguna emoción en sus oyentes.
Como resultado de la reactivación de estas ideas, los compositores se hicieron cada vez más
conscientes de la energía potencial de la música, y la creencia de que cultivan sus propias
composiciones podrían tener efectos similares si bien emulados música antigua. Como Francés
erudito humanista Artus Thomas describió una actuación a finales del siglo XVI, a menudo he oído
decir de Sieur Claudín Le Jeune (que tiene, sin ánimo de leve a nadie, superó con creces los músicos
de edades más allá de su comprensión de estos asuntos) que había cantado el aire (que él había
compuesto en partes) … y que cuando este aire se ensayó en un concierto privado que causó un
caballero hay que poner la mano a las armas y comenzar jurando en voz alta, por lo que parecía
imposible para evitar que él de atacar a alguien: después de lo cual comenzó a cantar otra Claudín
aire … que dictó el caballero tan tranquilo como antes. Esto ha sido confirmado para mí ya por varios
de los que estaban allí. Tal es el poder y la fuerza de la melodía, el ritmo y la armonía de la mente.

la musica en el barroco

Concierto de musica barroca

En 1605, el compositor italiano Claudio Antonio Monteverdi definido en realidad una “primera” y
“segunda” la práctica: en la primera, la armonía y el contrapunto prevalecen sobre el texto; en el
segundo, la necesidad de expresar el significado de las palabras superó cualquier otra preocupación.
En el barroco, que es el espíritu de la práctica, utilizando el poder de la música para comunicar, que
llegó a dominar la era segundo.

Las realidades de patrocinio

Cualquier discusión de la filosofía artística de un compositor barroco deben ser moderadas, al

menos ligeramente, por la realidad de sus vidas. En los tiempos modernos, los artistas ganan con
frecuencia la vida produciendo exactamente el tipo de arte que se mueven a crear. En consecuencia,
a menudo pensamos en el artista y el grado de su inspiración artística-como el punto de partida para
una obra de arte. A lo largo de gran parte de la época barroca, sin embargo, compositores solamente
se ganaban la vida escribiendo música si eran lo suficientemente afortunado de estar en la nómina
de una institución política o religiosa. Las necesidades musicales de la institución, por lo tanto,
dictaron la música produjo el compositor. JS Bach escribió el número de cantatas lo hizo, por
ejemplo, no necesariamente porque encontró la forma de inspiración, pero debido a las exigencias
litúrgicas de la iglesia de Leipzig que lo empleaba. Cuando se ve en esta luz, la música barroca puede
proporcionar una ventana fascinante a la historia.

¿Cuáles son las características de la música del barroco?

El nuevo interés en las posibilidades dramáticas y retóricas de la música dio lugar a una gran cantidad
de nuevos ideales de sonido en el período barroco.

Contraste como elemento dramático

Contraste es un ingrediente importante en el drama de una composición barroca. Las diferencias

entre los fuertes y suaves, solistas y de grupos (como en el concierto), diferentes instrumentos y
timbres todos juegan un papel importante en muchas composiciones barrocas. Los grandes
compositores del barroco también comenzaron a ser más preciso sobre la instrumentación, a
menudo especificación de los instrumentos en los que una pieza debe ser reproducido en lugar de
permitir que el intérprete para elegir.Instrumentos brillantes como la trompeta y el violín también
crecieron en popularidad.
Monodia y el advenimiento del bajo continuo

En épocas musicales anteriores, una pieza de música tienden a consistir en una sola melodía, tal vez
con un acompañamiento improvisado, o varias melodías que se tocan simultáneamente. No fue
hasta la época barroca hizo el concepto de “melodía” y “armonía” realmente comenzar a articularse.
Como parte del esfuerzo para imitar la música antigua, los compositores comenzaron a centrarse
menos en la polifonía compleja que dominó los siglos XV y XVI, y más en una sola voz con un
acompañamiento simplificado, o monodia. Si la música es una forma de retórica, como los escritos
de los griegos y romanos indican, un poderoso orador es necesario, y quién mejor para el trabajo de
un solista vocal? La nueva fusión entre la expresión de los sentimientos y el cantante solista vienen
con fuerza y claridad en Monteverdi prefacio ‘s de la Combattimento di Tancredi e Clorinda de su
Octavo Libro de Madrigales (1638), en el que escribe: “Se me ha parecido lo que los principales
pasiones o afectos de nuestra mente son en número de tres, a saber, la ira, la ecuanimidad y la
humildad. Los mejores filósofos están de acuerdo, y la naturaleza misma de nuestra voz, con sus
gamas altas, bajas y medias, indicarían como mucho. “Las primeras óperas son una excelente
ilustración de esta nueva estética.

caracteristicas de la musica barroca

La musica del barroco

Junto con el énfasis en una sola línea de la melodía y el bajo llegó la práctica del bajo continuo , un
método de notación musical en la que la melodía y la línea de bajo se escriben y el relleno armónico
indica en un tipo de taquigrafía. A medida que el músico italiano Agostino Agazzari explicó en 1607:
Desde el verdadero estilo de expresar las palabras, por fin se ha encontrado, a saber, mediante la
reproducción de su sentido de la mejor manera posible, lo que tiene más éxito con una sola voz (o
no más de unos pocos ), como en los aires modernos por varios hombres capaces, y, como es la
práctica constante en Roma en la música concertada, digo que no es necesario hacer una puntuación
… un Bass, con sus indicaciones para las armonías, es suficiente. Pero si alguien me dijera que, para
la reproducción de las obras antiguas, llenas de fuga y contrapunto, un Bass no es suficiente, mi
respuesta es que las obras vocales de este tipo ya no están en uso.

Debido a que el bajo continuo, o bajo continuo, seguido siendo una práctica habitual hasta el final
del período barroco, la época se conoce a veces como la “edad del bajo continuo.”

Diferentes sonidos instrumentales

Después de ser ignorada por décadas, la musica del barroco se ha convertido cada vez más popular
en los últimos 50 años. Como parte de este nuevo interés, estudiosos y músicos han pasado horas
y horas tratando de averiguar cómo la música podría haber sonado a las audiencias siglo XVII y XVIII.
A pesar de que nunca seremos capaces de recrear una actuación precisa, su trabajo ha descubierto
varias diferencias importantes entre el barroco y conjuntos modernos:

terreno de juego: En 1939, orquestas modernas acordó sintonizar un ‘= 440 Hz (la nota A lanzó a
440 ciclos por segundo), que sustituyó a un terreno de juego con anterioridad inferior (a’ = 435Hz),
aprobada en 1859. Antes de 1859, sin embargo, no había hay un estándar de tono. La nota a la que
los conjuntos barrocos sintonizados, por lo tanto, varía ampliamente en diferentes momentos y en
diferentes lugares.Como resultado, la música escrita en una puntuación podría haber sonado tanto
como un medio tono más bajo que la forma en que tradicionalmente se lleva a cabo hoy en día. En
un esfuerzo para permitir de esta discrepancia, muchos conjuntos barrocos ajustan su sintonía con
el repertorio que se realiza: a ‘= 415Hz para la música del barroco tardío, a’ = 392Hz para la música
francesa, a ‘= 440Hz para la música italiana temprana y A’ = 430Hz para el repertorio clásico.

timbre: Si bien la mayoría de los instrumentos en un conjunto barroco están familiarizados, hay
varios miembros prominentes ya no aparecen en los conjuntos modernos. La clave era el principal
instrumento de teclado (y un importante miembro del grupo continuo), y los instrumentos
importantes en los siglos 16 y 17, como el laúd y la viola , todavía se siguió utilizando. Las variaciones
en los instrumentos todavía populares hoy en día también dieron la Baroque Ensemble un sonido
diferente. Instrumentos de cuerda como el violín, viola y cello utilizan cuerdas de tripa en lugar de
las cuerdas envueltas en metal con el que se encadenan hoy, por ejemplo, dándoles un tono más
suave, más dulce.escuchar musica clasica

técnica de ejecución : Una puntuación barroca contiene poca (o ninguna) información sobre
elementos como la articulación, la ornamentación o la dinámica y conjuntos tan modernos
necesitan para tomar sus propias decisiones informadas antes de cada función. Diferencias
mecánicas entre barroca y los instrumentos modernos también sugieren que los instrumentos más
antiguos habrían sonado diferente, así como conjuntos de música del barroco a menudo ajustar su
técnica para permitir esto. Debido a que los arcos barrocos y modernos son estructuralmente
diferentes, por ejemplo, jugadores de la secuencia utilizando arcos modernos a menudo usan un
ataque más suave en la cadena y crescendos y diminuendos en notas más largas. 17 y tratados
rendimiento del siglo 18 también implican que Bend (una técnica en la que un jugador de la
secuencia mece su dedo sobre la cuerda para enriquecer el tono) fue utilizado con moderación para
momentos expresivos, mientras que el vibrato arco (un movimiento ondulante de la proa)
generalmente se prefiere.

5) LA MUSICA EN EL CLASICIOSMO