ESCUELA NORMAL DE EDUCACIÓN FÍSICA

EN CIENCIAS POLITICAS Y SOCIALES

DR. MARIO ROLANDO TORRES MARROQUÍN

SUBAREA:
EXPRESION ARTISTICA

CATEDRATICO:
WILLIAM EDUARDO MORALES

ESTUDIANTE:
ALEXANDRO JOSÉ DESDICHO JUÁREZ

TRABAJO:
TIPOS DE ARTE

GRADO:
5to. BACHILLERATO

CODIGO:
4

FECHA:
23 DE ABRIL DE 2019
 ÍNDICE
INTRODUCCIÓN .................................................................................................................................... i
ARTE PREHISPÁNICO ........................................................................................................................... 1
ARTE ROMANICO................................................................................................................................. 1
ARTE GOTICO....................................................................................................................................... 2
RENACIMIENTO ................................................................................................................................... 2
BARROCO ............................................................................................................................................ 3
CLASICISMO ......................................................................................................................................... 3
ROMANTICISMO.................................................................................................................................. 4
IMPRESIONISMO ................................................................................................................................. 4
EXPRESIONISMO.................................................................................................................................. 5
SURREALISMO ..................................................................................................................................... 5
MINIMALISMO .................................................................................................................................... 6
PRIMITIVISMO ..................................................................................................................................... 6
CONCLUSIÓNES ................................................................................................................................... 7
E-GRAFÍA ............................................................................................................................................. 8
 INTRODUCCIÓN

La pintura es, sin lugar a dudas, la manifestación artística que mejor conoce el
público. Si hiciéramos una encuesta preguntando nombres de artistas pintores,
escultores y arquitectos, veríamos que la desproporción de conocimientos en favor
de los primeros es notable. A ello contribuye su inclusión mayoritaria en los
grandes museos, salas de exposición, entes públicos y casas particulares. Sin
embargo, su lenguaje es, a menudo, desconocido incluso por los coleccionistas y
asiduos a exposiciones y pinacotecas. El hecho se constata al comprobar cómo el
espectador de un cuadro primero mira la placa con el nombre del autor para, a
partir de sus conocimientos, admirar y extasiarse delante de él. Así, su valoración
no tiene en cuenta la obra, sino el autor.

El objeto artístico en general, y el pictórico en particular, ha de analizarse desde el

punto de vista formal o plástico, así como desde el de su contenido y significado.
Ambos aspectos precisan de una información previa basada en unos
conocimientos de composición, una posesión de gusto estético y una comprensión
del significado del tema.

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 ARTE PREHISPÁNICO
El arte prehispánico se usa para hacer referencia al arte que existía en América
mucho antes de que los españoles llegaran, a las expresiones materiales
desarrolladas por las culturas anteriores a la llegada de los españoles a América.
Este concepto se refiere principalmente a todos los estilos de arte que había
antes de que los españoles conquistaran una gran parte de América. Cuando
hablamos del arte prehispánico nos referimos a todos los estilos de arte que
surgieron antes de 1492, ya que en América existían diferentes culturas y cada
cultura tenía diferentes tipos de representaciones artísticas.

Su mayor característica es que tiene una función principalmente mítica de

ratificación de la sociedad que la origina.

Se puede considerar que la etapa de América prehispánica era aquella posterior a

la llegada de colón y en la cual se encontraban las primeras civilizaciones que se
ocuparon toda América central, una gran parte de México, en Yucatán y en
Guatemala aunque estas poblaciones también se pudieron ver en otras regiones.

Este arte lo realizaban los artesanos que trabajaban para las elites religiosas y que
tenían la misión de relatar a través de la arquitectura, la cerámica, el textil, el arte
plumario, la orfebrería y la pintura, los grandes mitos que dan origen a su cultura.

ARTE ROMANICO
El primer estilo artístico definido a nivel de infraestructura fue el arte románico,
creado en Europa para el siglo XI, el cual tenía elementos religiosos, que
reflejaban valores de la renovada sociedad feudal, la cual era cristiana pero
guerrera a la vez. Surgió de la agrupación de las propuestas que había para los
primeros siglos de la Edad Media, como la germánica, el arte bizantino, árabe, el
arte romano y prerrománico, el cual estructuró un lenguaje propio que se aplicaba
a las manifestaciones artísticas del momento.

Aparece paralelamente en Italia, Alemania, Francia y España, teniendo elementos

propios en cada uno de estos países, es decir que estructuró la cultura propia de
cada uno de esos ellos como la cultura alemana, la cultura italiana o forma parte
de las costumbres y tradiciones de Francia; sin embargo logró mantener las bases
elementales que lo identificaban como estilo internacional dentro de Europa,
donde predominó a lo largo de los siglos XI, XII y parte del XIII.

Nace como consecuencia de la innovación espiritual y de la abundancia material

para el momento, lo cual inspiró la construcción de un número significativo de
edificaciones religiosas. Se inaugura con edificaciones que se hicieron en
Normandía, Borgoña y Lombardía.

De allí se propagó por toda Europa gracias a órdenes religiosas que construían
monasterios lo que generaba generosos ingresos; además constituían centros
culturales para la sociedad. También se difundió por la influencia de la iglesia y las
peregrinaciones.
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 ARTE GOTICO
El Arte Gótico es un tipo de estilo artístico que vio la luz en Europa Occidental
durante los últimos años de la Edad Media, aproximadamente desde el siglo XII
hasta la llegada del Renacimiento en el siglo XV. El puntapié se da en el norte de
Francia y de ahí se expandirá por todo occidente. Entonces, al ser contemporáneo
tanto a la plenitud como a la crisis de la Edad Media, ambas situaciones se verán
reflejadas en su producción.

La denominación resultó de la invención del artista e historiador italiano del

Renacimiento Giorgio Vasari, quien decidió apuntarle este nombre que lo
popularizaría como consecuencia de su origen y creadores, los artistas godos, tal
como se llamó al pueblo medieval y bárbaro que supo ocupar la ex Galia actual
Francia.

Si bien en sus comienzos debió sufrir los embates de una consideración

peyorativa, más tarde, el movimiento artístico romántico se ocuparía de
revalorizarlo.

Cabe destacar que dependiendo del país que se trate y de las regiones, se
desarrollará en diferentes momentos cronológicos, es decir, no se produce en
todas las naciones simultáneamente.

RENACIMIENTO
Se conoce como Renacimiento al movimiento artístico que tomó lugar en Europa
occidental principalmente durante los siglos XV y XVI. Su nombre proviene de la
idea del renacer de elementos culturales que habían desaparecido durante la
Edad Media tales como la preeminencia de la razón, de la proporción, del
equilibrio, de la mesura, muchos de ellos presentes en las culturas antiguas de la
Grecia y Roma clásicas. Si bien el Renacimiento es quizás mucho más reconocido
que otras formas culturales, el mismo fue la representación a nivel artístico de todo
el sistema de valores y pautas propuestas por el Humanismo como sistema
filosófico de la época.

El Renacimiento surgió en la ciudad de Florencia como consecuencia de la

progresiva apertura de las ciudades al comercio, a la emergencia de nuevos
grupos sociales conocidos como burgueses que invertían su capital en la compra
de obras de arte, en el contacto con el mundo de Oriente, etc. Todos estos
elementos permitieron al hombre de la época comenzar a dejar de lado el
teocentrismo que lo ponía al completo e indiscutible servicio de Dios para pasar a
observar la naturaleza, todo lo que lo rodeaba y, especialmente, a sí mismo.

El Renacimiento partió entonces de esta observación de la realidad para

representar todo lo que en ella veía de modo más racional, proporcional y
equilibrado. Algunos de los elementos característicos del Renacimiento en sus
diferentes áreas (tanto la escultura, como la arquitectura y la pintura) fue la
utilización de la perspectiva, de la proporción humana como base de todas las
estructuras, del equilibrio de las formas, de la mesura de las expresiones.

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 BARROCO
Reconocido como uno de los estilos artísticos más complejos y más vastamente
desarrollados, el Barroco fue un movimiento artístico visible no sólo en la pintura
sino también de igual manera en la arquitectura, la literatura, la escultura y la
música. Su espacio temporal debe ser ubicado entre los siglos XVII y XVIII
dependiendo de la región, siendo más duradero en algunas partes de Europa
Occidental así como también en América Hispana.

El Barroco surgió como un estilo promovido principalmente por la Iglesia Católica

ante el avance de ideas reformistas y racionalistas que intentaban dejar de lado la
religión no sólo en los espacios artísticos sino también en el vivir cotidiano de los
individuos. El Barroco por tanto se caracterizó por la representación de
sentimientos y emociones más que por la mera imitación de la realidad que
rodeaba a los artistas de la época. Por lo general, las obras barrocas incluyen
temáticas religiosas que habían sido dejadas de lado por el Renacimiento y
buscan representarlas de manera altamente expresiva.

En el caso del arte pictórico, el Barroco recurrirá a la intensidad de los colores y al

uso de las sombras y luces que genera una distinción potente en los espacios, a
las figuras complejas y hasta caóticas, a la intensa expresión de las miradas, etc.
En la arquitectura, el Barroco desarrollará un estilo claramente recargado y
detallista, opuesto en gran modo a la simpleza del estilo renacentista. Las
construcciones barrocas buscarán la utilización de todo el espacio disponible con
elementos como la curva y la contra curva.

CLASICISMO
Como movimiento artístico el concepto de clasicismo es aplicable a la arquitectura,
a la música, a la pintura, a la escultura y a la mayoría de corrientes estéticas.
Desde un punto de vista histórico se han dado dos grandes periodos clásicos: en
Grecia y Roma en la antigüedad y, por otra parte, en Europa en el siglo XVlll.

El mundo clásico de Grecia y Roma

La civilización Griega-Romana representa el paradigma del clasicismo. Desde el
punto de vista estrictamente artístico, fue en la escultura y en la arquitectura
donde se desplegaron los ideales de esta corriente. Escultores como Fidias y
Mirón en el siglo V a. C crean estatuas de dioses y héroes de la mitología en las
que se destaca la armonía de movimientos y proporciones. En arquitectura, el
Partenón de Atenas dedicado a la diosa Atenea es la síntesis del clasicismo.

El clasicismo del siglo XVlll

En el contexto histórico y cultural de la Ilustración, los creadores se inspiran en los
modelos y valores estéticos del mundo clásico de Grecia y Roma y en el anhelo de
una razón que elimine cualquier tipo de oscurantismo. Así, en este período la
música se presenta en melodías simples, elegantes y con una estructura ordenada
(Beethoven, Mozart y Haydn son tres representantes significativos de este
movimiento). En el teatro se recupera la tragedia, la sátira y la comedia grecolatina
con autores como Moliere o Racine.
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 ROMANTICISMO
El Romanticismo es un movimiento artístico propio de la primera mitad de siglo
XlX europeo. Surgió en Alemania y Gran Bretaña y pronto se expandió más allá de
sus fronteras. Su irrupción debe ser enmarcada en un momento histórico en el que
el absolutismo como forma de gobierno había dejado de ser hegemónico y, como
consecuencia de ello, surgieron nuevos valores en la sociedad (singularmente los
que inspiraron la Revolución Francesa). Mientras en el siglo XVlll prevalecen los
ideales de la Ilustración, el predominio de la razón y el interés por la humanidad, el
espíritu del Romanticismo aboga por los sentimientos, lo subjetivo y lo individual.

Los ideales del Romanticismo impregnaron ámbitos como la pintura, la literatura,

la música o la filosofía. Paralelamente, este movimiento tuvo una influencia
notable en la moda, en las costumbres, en la política y, en general, en la manera
de entender la vida.

Temas principales
La naturaleza adquiere un protagonismo singular entre los románticos. De hecho,
los paisajes lúgubres y melancólicos comunican los estados de ánimo de los
creadores (el cuadro "El árbol solitario" de Friedrich es un claro ejemplo de la
pintura romántica alemana).

La reivindicación del espíritu singular de cada pueblo es otro de los ejes de este
movimiento (el filósofo alemán Hegel defendía la existencia del espíritu de una
nación, una idea que tuvo una influencia notable en distintos movimientos
nacionalistas europeos).

IMPRESIONISMO
Popularmente se conoce con el término de Impresionismo a la corriente artística
originada en Francia a finales del siglo XIX, la cual promovía la reproducción de
las impresiones que en el autor despiertan la naturaleza o cualquier otro estímulo
externo. Si bien el Impresionismo es una corriente que se ha manifestado en
diferentes artes como ser la literatura y la música, será en la Pintura, donde
mayormente se expresó y por caso se convirtió en su vertiente más reconocida,
asimismo al impresionismo pictórico se lo considera el precursor del movimiento
en cuestión.

Principales propuestas estilísticas del movimiento

Puntualmente el movimiento plástico Impresionista se comenzó a desarrollar a

partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa, especialmente en Francia,
destacándose por su premisa de plasmar la luz o impresión visual y el instante, sin
reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Los pintores impresionistas
propondrían como principal diferencia respecto de sus antecesores, que hasta ese
momento pintaban formas con identidad, pintar el momento de la luz más allá de
las formas que subyacían debajo de él. Un impresionista, básicamente, retrata
cualquier objeto de acuerdo a la impresión que la luz a produce a la vista y no
según la supuesta realidad objetiva que se desprende del mismo.
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 EXPRESIONISMO

Se designa con el término de Expresionismo a aquel movimiento cultural nacido

en Alemania en los inicios del siglo XX que tuvo su manifestación en varios
campos del arte como la música, el cine, el teatro, la danza, la fotografía, aunque
su primera y principal expresión se encuentra en la pintura, algo que también
ocurrió con el impresionismo, la corriente cultural que lo antecedió, por la cual
reaccionó fervientemente y que también dispone de un rol protagónico en diversos
campos del arte, especialmente en la pintura.

Movimiento heterogéneo

Más que imponer un estilo propio con características comunes respetadas por
todos sus adeptos, el expresionismo fue un movimiento eminentemente
heterogéneo que convocó a diversos artistas con las más diferentes tendencias
formaciones y niveles intelectuales, pero con una coincidencia: la reacción en
común contra los postulados del Impresionismo, es decir, básicamente surgió
como un opuesto a este y como una alternativa diferente al mismo.

Así como el Impresionismo surgió como una reacción ante el academicismo que
promovía la Academia de Bellas Artes Francesa, el Expresionismo, nació
motivado por ser una propuesta alternativa y diferente al Impresionismo.

SURREALISMO

Considerado uno de los estilos artísticos más representativos del siglo XX, el
surrealismo surgió en la década de 1920 como parte del avance de las
vanguardias artísticas que buscaban representar ideales diferentes a los
academicistas, quebrando las leyes de la pintura tradicional y logrando por tanto,
llamar la atención del espectador de manera directa. En el caso del surrealismo,
se puede señalar la presencia de imágenes no realistas y en muchos casos ni
siquiera figurativas, que tenían como objetivo seguir los designios de los
sentimientos más que los de la razón.

Tal como lo dice su nombre, el surrealismo como vanguardia artística se

caracterizó por representar aquello que se observaba en la realidad de manera
irreal, absurda o fantástica. En muchos casos, los cuadros surrealistas no son el
producto de la realidad si no de los sueños y de las ideas no racionales que el
artista poseía en su mente al momento de realizar la obra. Las obras no poseen
una linealidad gráfica, los espacios están usualmente quebrados, las proporciones
de las figuras no son reales y los colores muchas veces están invertidos.

El contexto sociopolítico de la época sin duda se relaciona con el desarrollo de

esta vanguardia artística ya que la misma se insertó en un período histórico de
crisis generalizada causada por la guerra y por las diferentes complicaciones
económicas y sociales. Esta realidad de desesperanza, temor y desorden tuvo en
el surrealismo uno de sus representantes más claros al mostrar estos artistas una
realidad diferente, alterada y en muchos casos caótica.
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 MINIMALISMO
El término minimalismo en el arte fue empleado por primera vez en 1965 por
Richard Wolheim en un artículo en la revista Art Magazine.

El Minimalismo transformó en los sesenta la concepción de la relación de la obra

de arte con el espacio presupuesta por la escultura de la vanguardia clásica. Se
producen cambios en los espacios expositivos, en los que ahora predominan
paredes blancas desnudas y grandes salas, dado el gran tamaño de los objetos
minimal.

Éstos, o bien estaban realizados para un tipo de espacio determinado (esquina,

pared), o para intervenir en la percepción del espacio en que se inscriben. Pueden
determinar, además de la experiencia visual del espacio, su habitabilidad.

A veces el espacio de la exposición llama la atención sobre sí mismo, por su

extrema neutralidad o por el contraste que establece con las obras; otras veces es
fondo evidente y buscado de las piezas, como ocurre en los proyectos de Carl
Andre. En otras ocasiones, el espacio forma parte de la obra y es traído a la
conciencia perceptiva por ella.

PRIMITIVISMO
A fines del siglo XIX, se iniciará una corriente artística (cuyo final es muy difícil de
matizar) que busca fuentes culturales diferentes a las clásicas. El primitivismo se
expresa a través de la sensibilidad del artista y del lenguaje de la pintura. El
movimiento intenta condensar las pulsiones del espíritu que llevan a crear y las
manifestaciones más libres de la imaginación. El camino de la autenticidad
artística se buscará en el arte africano o en las manifestaciones de culturas
remotas y en el arte popular. Los agentes que sirven como punto de referencia
son aquellos no traspasados por la historia del Occidente, los pueblos ágrafos no
europeos, los niños y a menudo los locos. Porque ellos pintan, dibujan o esculpen
atendiendo a una necesidad básica, lejos de consideraciones, discursos y
retóricas históricas. Se busca, pues, la autenticidad y la sinceridad del mensaje
artístico. “

Picasso y otros muchos se servirán de lo primitivo, de aquellas obras de arte

nacidas de la espontaneidad como fin para el lenguaje artístico.

La expresividad de las máscaras africanas, por ejemplo, hace que no sean sólo
esculturas, sino que tras ellas exista todo un universo mítico, todo un universo de
pulsiones, pasiones, miedos y diversiones, de formas-fetiche cuya finalidad es
mágica. El arte negro se concibe, por norma general, como exorcizador de los
espíritus que pueden ensañarse con el hombre. Se utilizan contra fetiches ante
aquellas fuerzas desconocidas y no aprehensibles que pueden amenazar la
existencia del hombre. Por ello, estas figuras deben servir de constante antídoto y
freno, y no representan a nadie ni nada concreto, sino que su poder es más bien
sugestivo y catalizador. La presencia de estas figuras armoniza la materia con la
que están hechas, su forma y su significado. En sí condensan numerosas
naturalezas, la mítica, la material y la espiritual.
6
 CONCLUSIÓNES

No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas

son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas. Muchos movimientos
vanguardistas adoptan técnicas de los anteriores y así se manifiestan nuevos
sentimientos, emociones, expresiones, momentos, etc. Las vanguardias no se
pueden entender intentando establecer un orden cronológico.

La corriente artística como el impresionismo usa un lenguaje visual de forma, color

y línea para crear una composición que puede existir con independencia de
referencias visuales del mundo real, lo que atrae mucho. Estas consideraciones
nos llevan a la constatación de la no existencia de una igualdad realidad-
representación.

La pintura se convierte así en una realidad nueva: la realidad plástica, con su

propio lenguaje y su propia vida interna. Y este lenguaje lo podemos fijar a lo largo
de la Historia del Arte en conceptos antagónicos: renacentismo, impresionismo,
minimalismo, expresionismo, etc.

7
 E-GRAFÍA

https://www.definicionabc.com/general/