PRESENTACIÓN

15
Guía para educadores

Art in
the USA
300 años de innovación
2 Art in the USA Guía para educadores ÏNDICE

Art in the USA:

300 años de innovación

Guía para educadores

Museo Guggenheim Bilbao

Índice
Del 11 de octubre de 2007 al
27 de abril de 2008

Consejos de uso 3

Introducción a la exposición 4

Itinerario de la exposición 5

Unidades
© de la edición: FMGB
Guggenheim Bilbao
15.1 Colonización y Rebelión (de 1700 a 1830) 6
Museoa, Bilbao 2007

15.2 Expansión y Fragmentación (de 1830 a 1880) 10

De las obras reproducidas
© sus autores 15.3 Cosmopolitismo y Nacionalismo (de 1880 a 1915) 14

15.4 Modernidad y Regionalismo (de 1915 a 1945) 18

15.5 Prosperidad y Desilusión (de 1945 a 1980) 22

15.6 Multiculturalismo y Globalización

(De 1980 a la actualidad) 25

Patrocinador de
programas educativos

Art in the USA: 300 años de innovación ha sido organizada por

The Solomon R. Guggenheim Foundation conjuntamente con la
Terra Foundation for American Art.
3 Art in the USA Guía para educadores CONSEJOS DE USO

Consejos de uso

Esta guía está diseñada par ofrecer a los profesores de Educación

Primaria EP y Secundaria ES recursos generales, preguntas y
actividades que les sirvan para explorar con sus alumnos la exposición
Art in the USA: 300 años de innovación. A lo largo de la guía, se
ofrecen sugerencias para integrar el estudio del arte en el currículo
escolar y aumentar el conocimiento de los alumnos sobre el arte
contemporáneo a través de la observación y el debate en torno a las
obras de arte.
Este material le ayudará a:

•Dirigir una visita autoguiada a la exposición con su clase.

•Preparar al alumnado antes de la visita a la exposición o

profundizar en el contenido de la misma.

•Programar clases sobre el arte norteamericano, ajustando el

contenido a los intereses del grupo o del currículo escolar.

•Motivar al alumno a que reflexione y discuta sobre temas

artísticos; adquiera el vocabulario y capacidad para debatir
sobre arte; cuestione, redefina y formule ideas propias.

•Desarrollar la capacidad de análisis y observación.

Antes de acudir con su clase al Museo, le recomendamos que visite la

exposición. El Museo ofrece días señalados de acceso gratuito y
sesiones de orientación. De esta forma, podrá decidir qué aspectos
de la exposición son más relevantes y significativos para su clases en
particular. Con independencia de la visita al Museo, esperamos que
este material —que puede usar total o parcialmente y en el orden que
prefiera— siga siendo una herramienta útil para que sus alumnos
conozcan la historia del arte norteamericano.
4 Art in the USA Guía para educadores INTRODUCCIÓN A LA EXPOSICIÓN

Introducción a la exposición
Art in the USA: 300 años de innovación explora el arte de una nación
que lucha por definirse en sus primeros siglos de existencia. Los
Estados Unidos nacieron a finales del siglo XVIII, cuando los valores
modernos de independencia e iniciativa empresarial comenzaban a
extenderse por todo el mundo. A lo largo de su historia, EE UU ha
producido un arte que expresa el orgullo por sus ideales.

Art in the USA presenta los principales movimientos artísticos del arte
norteamericano. La exposición, que se divide en seis periodos
históricos y cubre desde 1700 hasta la actualidad, evidencia cómo el
arte de cada época ha reflejado y, al mismo tiempo, aportado a la
compleja narrativa visual de una nación.

La muestra ofrece un retrato de la experiencia norteamericana con

sus mitos, sus sueños, las dificultades vividas y sus debilidades.
Explora cómo el paisaje cultural, político, étnico, económico y natural
ha dado forma a la conciencia e identidad nacionales.

La Terra Foundation for American Art

promueve el desarrollo de materiales
creados para ayudar a los profesores a
incluir el arte norteamericano en el
currículun escolar.

Terra Foundation for American Art

http://www.terraamericanart.org/
education/
5 Art in the USA Guía para educadores ITINERARIO DE LA EXPOSICIÓN

Itinerario de la exposición

2ª planta

2O2

2O4

2O3

2O5
2O8

2O6

2O9
2O7
DIDAKTIKA

1ª planta

1O1

1O3A

1O
B

3B
4

1O4
1O

1O5
15.1 COLONIZACIÓN Y
REBELIÓN
(De 1700 a 1830)

Charles Willson Peale (1741–1827)

George Washington, ca. 1780–82.
Óleo sobre lienzo, 127 x 101,6 cm.
Walton Family Foundation Collection,
Bentonville (Arkansas) SALA 205
7 Art in the USA Guía para educadores
BIBLIOGRAFÍA
Lubin, David M. Picturing a Nation: Art
and Social Change in Nineteenth-
Century America. New Haven: Yale
University Press, 1994.
15.1. COLONIZACIÓN Y REBELIÓN
Información histórica
Durante este período, tanto la política como el arte estadounidenses se
centraron en la relación con Inglaterra. Los grandes retratos al óleo de
ciudadanos destacados, típicos en el arte británico, también dominaron
los comienzos del arte norteamericano.
Sin embargo, desde un principio, en el arte norteamericano se advertían
sutiles desviaciones con respecto al modelo británico. Los primeros
retratos de colonos reflejan la influyente cultura puritana de Nueva
Inglaterra. La rígida aproximación a la figura humana de esos retratos es
el resultado del estricto código moral del ciudadano ideal. Aunque en el
siglo XVIII los valores coloniales se relajaron y los norteamericanos
pudientes —como sus homólogos europeos— encargaban retratos que
mostraran sus lujosos vestidos y sus posesiones, los norteamericanos
evitaban los símbolos europeos de nobleza y poder y preferían
concentrarse en sus logros como comerciantes y coleccionistas.
A partir de 1776 las colonias norteamericanas proclamaron la
Declaración de Independencia. Mientras seguían los enfrentamientos
con Inglaterra en la Guerra de la Independencia, aumentó el deseo de
distinguir el arte norteamericano de la tradición europea. Los artistas
americanos rompieron con dicha tradición pintando retratos de líderes
civiles y de figuras públicas destinados a inspirar, más que reverencia o
admiración, orgullo nacional y entusiasmo en la ciudadanía.
RETRATOS
Según el historiador de arte Michael Leja, algunos fundadores de EE UU
desconfiaban de las bellas artes. Creían que estaban vinculadas a la
riqueza y al lujo y, por tanto, a la explotación y la desigualdad. Para
sobrevivir en una joven república, las bellas artes tuvieron que justificar su
utilidad y compatibilidad con la democracia. Superaron inmediatamente
este reto. El arte encontró su finalidad pública ya que contribuyó a
establecer la autoridad y legitimidad de la nueva nación. Charles Willson
Peale fue un destacado retratista que defendió enérgicamente la
independencia frente a Gran Bretaña. Peale fue el primer artista que
ofreció retratos de George Washington a un país ávido de imágenes de
su victorioso líder militar y primer presidente.
8 Art in the USA Guía para educadores
REFERENCIAS WEB
http://museoprado.mcu.es/familia.html
http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/
personajes/5601.html
15.1. COLONIZACIÓN Y REBELIÓN
Temas de debate
EP-ES
Describid detalladamente este retrato. Peale quiere mostrar las
virtudes de la persona retratada: sabiduría, humanidad, fortaleza y
honradez. ¿Cómo es capaz de plasmar tales rasgos de la personalidad
en la pintura? ¿Cómo ha conseguido retratar a un líder sin reflejar una
riqueza extrema? Analizadlo.
Los primeros retratos norteamericanos de líderes eran diferentes a los
retratos de los monarcas europeos. Comparad el retrato de Peale de
George Washington con el retrato oficial que Goya realizó del Rey de
España Carlos IV (1748–1819) en 1789. Véanse referencias web.
Observad la pose de George Washington en la pintura de Peale.
¿Qué rasgos de la personalidad refleja dicha pose? Fijaos en su
vestimenta y en el entorno. ¿En qué medida contribuyen a crear un
efecto en el espectador?
Actividades
EP-ES
Pintad un autorretrato donde vuestra pose, vestimenta y el entorno
reflejen aspectos de vuestra personalidad.
Se conoce a George Washington como “el padre de la nación
norteamericana” por sus contribuciones como líder político y militar.
Elegid un mandatario de la historia de vuestro país que haya
contribuido en su desarrollo. Buscad biografías de ambos líderes y
analizad los rasgos de la personalidad que ambos compartan.
Pida a sus alumnos que elijan a una persona a la que admiren, alguien
que haya influido en sus vidas. Puede ser un familiar, un amigo, un
famoso o una figura pública. Que escriban una redacción sobre los
motivos por los que dicha persona es especial para ellos y sobre
cómo les ha influido sus palabras o actos.
9 Art in the USA Guía para educadores 15.1. COLONIZACIÓN Y REBELIÓN

ES
Las colonias norteamericanas mantuvieron una larga y difícil lucha
contra los británicos para conseguir su independencia. ¿Cuáles fueron
las causas de la Guerra de la Independencia (1775–83)? Buscad
información sobre este período de la historia y los acontecimientos
que condujeron a la formación de un nuevo país: los Estados Unidos
de América.
15.2 EXPANSIÓN Y
FRAGMENTACIÓN
(De 1830 a 1880)

Asher B. Durand (1796–1886)

Un arroyo en el bosque (A Creek in
the Woods), 1865. Óleo sobre lienzo,
101,6 x 81,9 cm. Museo Thyssen-
Bornemisza, Madrid
SALA 206
11 Art in the USA Guía para educadores 15.2. EXPANSIÓN Y FRAGMENTACIÓN

Información histórica
Al crearse un país nuevo, Estados Unidos, surgió la necesidad de
desarrollar una identidad nacional. Durante la década de 1820, la
pintura de género —que describía la vida cotidiana y los paisajes
nacionales— sirvió a los artistas norteamericanos y a sus mecenas para
ilustrar la creencia de que Estados Unidos y sus ciudadanos eran
excepcionales por sus libertades personales y económicas.

La pintura de género retrataba a personajes comunes en

acontecimientos cotidianos. El objetivo de estos pintores era
entretener y generar sentimientos de aprobación entre los
espectadores, al contemplarse a sí mismos o a sus vecinos reflejados
en las escenas anecdóticas. Así, las pinturas de género ayudaron al
desarrollo de una conciencia nacional entre la disparidad de los
ciudadanos del país.

Los cuadros de paisajes, que muestran las tierras salvajes en su estado

natural y la extensión de un continente virgen que parece no tener
límites, simbolizan el potencial de grandeza de la nación y están
inspirados en las teorías filosóficas y en las doctrinas políticas. El
Transcendentalismo filosófico (la creencia de que Dios es inherente a
la naturaleza y al hombre) dominó la vida intelectual norteamericana
entre 1836 y 1860, y quedó reflejado en múltiples pinturas
paisajísticas.

Hacia la mitad del siglo XIX, la idea del Destino Manifiesto estaba en
su punto álgido. Según esta creencia, la expansión hacia el oeste del
territorio era un designio divino. Esta convicción, reflejada en la
pintura de paisajes, legitimó, para muchos norteamericanos, la
propagación de la población por todo el continente.

PINTURA PAISAJÍSTICA

VOCABULARIO
Asher B. Durand y Thomas Cole fundaron la Escuela del Río
Hudson de pintura paisajística. Su nombre deriva de que muchas de
Escuela del Río Hudson: grupo de
artistas del siglo XIX que pintaban
sus escenas muestran monumentos o lugares emblemáticos del
asombrosas escenas del paisaje estado de Nueva York, como el Río Hudson.
norteamericano. Querían crear un arte
que plasmara temas exclusivamente
norteamericanos y que reflejara la
La obra de Durand despierta directamente los sentidos. Este artista
grandeza del Nuevo Mundo. estudiaba la naturaleza con una mirada precisa y reverente, y
12 Art in the USA Guía para educadores 15.2. EXPANSIÓN Y FRAGMENTACIÓN

transmitía en sus pinturas una vivencia directa. Sus representaciones

detalladas de rocas, hojas, troncos o raíces provocan la sensación de
que uno se encuentra realmente en el lugar pintado.

Muchos argumentan que la comunión de Durand con la naturaleza

era un viaje artístico y espiritual. Para él la naturaleza y Dios eran un
único ser y, en sus escritos, aconsejaba a los artistas jóvenes salir de
sus estudios y adentrarse en la naturaleza para hallar la inspiración.

Temas de debate
EP-ES
Describid detalladamente esta pintura. Imaginad que entráis en ella.
¿Hacia dónde dirigiríais vuestros pasos? Describid lo que ves, oís y
oléis al desplazaros por el lugar.

ES
Describid la relación entre el hombre y la naturaleza que se
representa en esta pintura. ¿Creéis que dicha relación ha cambiado
con los siglos o sigue siendo la misma? Explicad vuestras respuestas.

Actividades
EP-ES
Durand dibujaba múltiples bocetos y los combinaba para crear una
obra final, una escena ideal que reflejara a Dios, la naturaleza y la
nueva nación. Sus pinturas son una proclama simbólica que no
muestra lugares específicos sino escenas imaginarias. Aplicad vosotros
REFERENCIAS WEB
este método artístico de Durand realizando varios bocetos de paisajes
Digital History, un libro on-line sobre la de vuestro entorno. A continuación, combinad elementos de los
historia de EE. UU
http://www.digitalhistory.uh.edu/
distintos dibujos para recrear un paisaje imaginario.
National Gallery of Art, Washington, D.C.,
EE. UU
Escribid un breve poema inspirado en esta pintura y recitadlo ante
http://www.nga.gov/ vuestros compañeros de clase.
13 Art in the USA Guía para educadores 15.2. EXPANSIÓN Y FRAGMENTACIÓN

ES
Aunque los fundadores de la Escuela del Río Hudson (Thomas Cole
y Asher B. Durand) trabajaban en Nueva York, también pertenecían a
esta escuela otros artistas que no vivían en la ciudad, como Frederick
Edwin Church, Albert Bierstadt y Thomas Moran. Éstos pintaban en
el Oeste de los Estados Unidos, México, Sudamérica o en los países
mediterráneos, pero sus paisajes mostraban una adoración similar
hacia la naturaleza.

Buscad imágenes de las obras de estos artistas de la Escuela del Río

Hudson. ¿Os gusta algún artista o estilo en especial? Explicad por qué1.

El Destino Manifiesto se basaba en la creencia de que la expansión

territorial de Estados Unidos no sólo era inevitable, sino que era de un
designio divino. Así, los expansionistas justificaban la adquisición de
territorios. No obstante, los indios americanos, que llevaban siglos
viviendo en dichas tierras, tenían una visión muy diferente. Debatid
este asunto en clase. Dividid la clase en dos grupos. Uno de ellos
defenderá a los expansionistas y el otro adoptará el enfoque de los
indios americanos.
1
La muestra incluye pinturas de Church,
Bierstadt y Moran.
15.3 COSMOPOLITISMO Y
NACIONALISMO
(De 1880 a 1910)

Frederich Childe Hassam (1859–1935)

Avenida Commonwealth, Boston,
(Commonwealth Avenue, Boston),
ca. 1892. Óleo sobre lienzo,
56,5 x 76,8 cm. Terra Foundation for
American Art, Chicago, Colección
Daniel J. Terra
SALA 207
15 Art in the USA Guía para educadores
BIBLIOGRAFÍA
Catálogo de la exposición: Davidson,
Susan. Art in the USA: 300 años de
innovación. Madrid: Guggenheim Bilbao
Museoa, 2007
VOCABULARIO
Impresionismo norteamericano:
variante del Impresionismo desarrollado
por artistas norteamericanos que se
formaron en su país y en el extranjero.
Es similar al Impresionismo francés pero
fue adaptado para retratar temas
norteamericanos.
La Escuela Ash Can (“cubo de
basura”): de 1908 a 1913 aprox.
Pequeño grupo de artistas que
deseaban documentar la vida diaria del
Nueva York de principios del siglo XX,
captando imágenes realistas de escenas
callejeras.
15.3. COSMOPOLITISMO Y NACIONALISMO
Información histórica
El arte norteamericano de principios del siglo XX refleja los retos a
los que se enfrentaba un país que buscaba su lugar en la escena
mundial. La nueva riqueza permitió a los artistas y a los coleccionistas
dejar su impronta en el extranjero. Al mismo tiempo, la inmigración
masiva desde todos los rincones del mundo disipó la identidad de
EE. UU como antigua colonia británica y convirtió ciudades como
Nueva York en internacionales y cosmopolitas.
El ritmo acelerado de la vida moderna encajó a la perfección con el
ciudadano americano, para quien el desarrollo de las tecnologías
modernas era motivo de orgullo nacional. Ésta fue la época del barco
de vapor, que acercó América y su arte al resto del mundo. El
Impresionismo era tan popular como en Europa gracias a los
numerosos artistas norteamericanos que trabajaban en París, así como
a la oleada de pinturas impresionistas francesas que ingresaron en las
colecciones norteamericanas.
Hacia el año 1900, el desarrollo del cine permitió a los artistas captar
las escenas en movimiento de la vida norteamericana. Esto influyó en
la aproximación de algunos pintores a los temas urbanos. En lugar de
la colorista y elegante visión impresionista de la ciudad, los pintores
del escuela Ash Can (“cubo de basura”) buscaron una imagen
trepidante y oscura de Nueva York, la ciudad del comercio y de la
inmigración. Conscientes de las tendencias modernas internacionales,
estos pintores creían en una interpretación propia, exclusivamente
norteamericana, del arte.
PAISAJES URBANOS
En 1892, Hassam fue pionero en la pintura de paisajes urbanos así
como en el uso del estilo impresionista. Tras pintar escenas callejeras
de París, Nueva York se convirtió en tema central de sus cuadros. En
Avenida Commonwealth, Boston, el artista muestra los elegantes
bulevares y parques de la ciudad donde vivió en su infancia.
Esta zona de Boston se desarrolló a mediados del siglo XIX. En 1890,
Back Bay se había convertido en el nuevo barrio residencial y
acomodado de la ciudad. En esta pintura, Hassam subraya las
16 Art in the USA Guía para educadores
2
Texto adaptado y traducido de la Terra
Foundation for American Art,
http://www.terraamericanart.org/collections/
15.3. COSMOPOLITISMO Y NACIONALISMO
diferencias entre Boston y París: la longitud, anchura y limpieza de las
calles de Boston, la sofisticación de sus habitantes y su ambiente
agradable. La mujer y el niño que pasean solos —en primer plano—
reflejan la seguridad de las calles de la ciudad. Hassam ofrece una
imagen positiva de la vida cotidiana e ignora la cruel realidad social
2
de la vida urbana moderna .
Temas de debate
EP-ES
Haced una lista de adjetivos para describir esta obra y, a continuación,
analizad cómo ha conseguido el artista tales efectos mediante la
composición, la aplicación de pintura o el color.
¿Qué elementos revelan que esta escena se pintó hace más de un
siglo? Si visitarais este lugar de Boston (Massachusets) actualmente,
¿qué cambios apreciarías?
Comparad el cuadro de Asher B. Durand, Un arroyo en el bosque
(1865) con esta obra de Frederick Childe Hassam. ¿En qué lugar
preferíais vivir? ¿Por qué? ¿Qué mensaje transmite cada artista sobre
la vida en Estados Unidos en el siglo XIX?
Actividades
EP-ES
Imprimid esta imagen y, colocando una lámina de acetato o papel
cebolla sobre ella, actualizad la escena. Con lápices o rotuladores de
colores, calcad la imagen y pintad sobre ella introduciendo los
cambios que se han producido en el último siglo.
ES
Hassam pinta un bonito y próspero barrio en un día soleado, pasando
por alto las dificultades de la vida urbana moderna. En la década de
1880, el fotógrafo Jacob Riis (1849–1914) recogió en imágenes la dura
situación en que vivían los niños pobres e inmigrantes en vecindarios
del Lower East Side de Manhattan. Su libro, Cómo vive la otra mitad
17 Art in the USA Guía para educadores 15.3. COSMOPOLITISMO Y NACIONALISMO

(1890) se convirtió en una obra fundamental que aceleró la aplicación

de reformas. La versión completa de este libro está disponible en
Interne3. Comparad y analizad la visión optimista de Hassam con la
exposición periodística de Riis.

Aunque el Impresionismo americano compartía muchas similitudes

con el francés, por lo general, el primero tendía a mostrar un mayor
realismo y estructuras más marcadas. En la muestra, se incluyen obras
de otros impresionistas norteamericanos como Mary Cassatt
(1844–1926), John Henry Twachtman (1853–1902) y William Merritt
Chase (1849–1916). Observad atentamente sus obras y comparadlas
con pinturas de los impresionistas franceses. ¿Qué diferencias
encontráis? ¿Y qué similitudes? Véase referencias web.

REFERENCIAS WEB

http://www.musee-orsay.fr/es/reception.html

3
Jacob Riis, How the Other Half Lives (1890),
www.yale.edu/amstud/inforev/riis/contents.html
15.4 MODERNIDAD Y
REGIONALISMO
(De 1915 a 1945)

Archibald J. Motley, Jr. (1891–1981)

Sábado noche (Saturday Night), 1935.
Óleo sobre lienzo, 81,3 x 101,6 cm.
Howard University Gallery of Art,
Washington, D.C. SALA 209
19 Art in the USA Guía para educadores
BIBLIOGRAFÍA
Corn, Wanda M. The Great American
Thing: Modern Art and National Identity,
1915 – 1935, Ahmanson-Murphy Fine
Arts Books, 2001.
VOCABULARIO
Renacimiento de Harlem: movimiento
de las décadas de 1920 y 1930 surgido
en el barrio neoyorquino de Harlem
cuando proliferaron los logros de los
afroamericanos en el arte, la música y la
literatura.
15.4. MODERNIDAD Y REGIONALISMO
Información histórica
En una época de efervescencia política entre las dos guerras
mundiales, las tensiones provocadas por las complejidades nacionales
e internacionales dio lugar a uno de los períodos más variados y
contradictorios del arte norteamericano. La Gran Depresión —período
de la década de 1930 de crisis económica y desempleo masivo a
escala mundial— ocasionó momentos de agitación social en la vida
cultural urbana.
Muchos artistas neoyorquinos, que hasta entonces habían seguido el
camino de la abstracción, abandonaron preocupaciones meramente
estéticas en favor de proclamas contra la injusticia social y política.
Así, empezaron a pintar imágenes de la América regional empleando,
en la mayoría de los casos, nuevas formas modernas: colores vivos,
formas cubistas y comprimiendo el espacio de sus cuadros.
En Nueva York, muchos artistas modernos estuvieron ligados al
fotógrafo Alfred Stieglitz, destacado representante del arte moderno
entre 1915 y 1935. El mundo natural y las formas geométricas
inspiraron a esta elite vanguardista de artistas, entre ellos Arthur
Dove, Marsden Hartley y Georgia O’Keeffe. Otro grupo de artistas
más sociales representaban escenas de la vida urbana con mensajes
cargados de conciencia social. Eran afroamericanos, vinculados al
movimiento Renacimiento de Harlem, entre los que se contaba
Archibald J. Motley, Jr.
A diferencia de los artistas que seguían a Stieglitz, los artistas
regionalistas representaron a Estados Unidos como una nación de
gentes sencillas y zonas geográficas diversas. Además, demostraron
que los artistas podían ser independientes del mundo artístico de
Nueva York, que se centraba en el arte abstracto. Sin embargo, tras la
Segunda Guerra Mundial (1939–45), el realismo empezó a
considerarse como una ideología y un estilo reaccionario y se
detestaba el carácter propagandístico de las obras realistas europeas.
Así, la abstracción desbancó a todas las demás expresiones de
modernidad e, irónicamente, se tomó como una creencia política que
simbolizaba la libertad de expresión en una sociedad democrática.
A comienzos de la década de 1920, un barrio de Nueva York
conocido como Harlem acogió a múltiples afroamericanos aspirantes
a artistas, escritores y músicos. Este período creativo fue bautizado
como el Renacimiento de Harlem y vibró con fuerza durante casi
dos décadas. Archibald J. Motley, Jr. fue uno de los primeros artistas
20 Art in the USA Guía para educadores
REFERENCIAS WEB
Historia del Jazz
http://www.vervemusicgroup.com/
http://elclubdejazz.com/
Poesía americana
http://www.poets.org/
http://www.dipucadiz.es/Areas/ArchivoP
ublicaciones/Publicaciones/Atlántica/Nu
mero23/21lagsto.pdf
15.4. MODERNIDAD Y REGIONALISMO
que plasmó la vida afroamericana en sus pinturas. Aunque nunca vivió
en Harlem, su obra fue referencia para todos los trabajos asociados al
Renacimiento de Harlem. Motley es principalmente conocido por sus
retratos y escenas de Bronzeville, un barrio afroamericano de
Chicago.
En Sábado noche (1935), Motley recrea el ambiente cálido y acogedor
de un club nocturno de moda, repleto de gente vistosamente
arreglada y reunida en torno a mesas salpicadas de coloridas
lámparas, botellas, puros y copas.
Temas de debate
EP-ES
¿Qué está pasando en esta pintura? ¿Dónde sucede? ¿Por qué? ¿Qué
detalles ha añadido Motley para crear este ambiente? Describid el
estilo pictórico. ¿De qué manera contribuyen los colores, la
composición y las formas a crear un ambiente o estado de ánimo?
¿Qué sentiríais si entraseis en esta escena? ¿Qué oiríais? ¿Cómo ha
conseguido Motley pintar un cuadro que sugiere sonido?
Actividades
EP-ES
Poneos en el lugar de uno de los personajes de esta escena: el
apresurado camarero, uno de los clientes, el barman o la bailarina.
Describid la experiencia que vivís imaginándoos que sois uno de estos
personajes. Leed vuestra descripción a toda la clase y comparad
cómo un mismo acontecimiento o situación puede percibirse de
diversas maneras.
El Jazz es un estilo musical desarrollado por afroamericanos que
incluye elementos de la música de África occidental, la música
popular negra y la música popular contemporánea. Dos influyentes
músicos de jazz, Louis Armstrong (1901–1971) y Earl “Fatha” Hines
(1903–1983), vivieron y trabajaron en Chicago. Escuchad su música y
debatid qué composición se adapta mejor a esta pintura de Motley.
Véanse las referencias web.
21 Art in the USA Guía para educadores 15.4. MODERNIDAD Y REGIONALISMO

EP-ES
Langston Hughes (1902–67) fue un escritor y poeta norteamericano
representante del Renacimiento de Harlem. Trabajó como marinero,
ayudante de camarero y profesor en diversas ciudades
norteamericanas y en el extranjero. Viajó a la Unión Soviética y,
durante la Guerra Civil española fue corresponsal en Madrid para un
periódico estadounidense. Muchos de los poemas de Hughes están
disponibles en Internet. Elegid uno de ellos y comentad las reflexiones
del poeta y vuestra reacción hacia ellas. Véanse las referencias web.
15.5 PROSPERIDAD Y
DESILUSIÓN
(De 1945 a 1980)

Dan Flavin (1933–1996)

verdes cruzando verdes (dedicado a
Piet Mondrian, a quien le faltaba el
verde) [greens crossing greens (to Piet
Mondrian who lacked green)], 1966
Instalación de luz fluorescente con
lámparas verdes con apliques;
primera sección: 122 x 610 cm;
segunda sección: 61 x 670 cm.
Solomon R. Guggenheim Museum,
Nueva York, Panza Collection. ©
2005 Estate of Dan Flavin/Artists
Rights Society (ARS), Nueva York
SALA 103
23 Art in the USA Guía para educadores
VOCABULARIO
Expresionismo Abstracto: movimiento
artístico que surge hacia 1940 en Nueva
York y hace hincapié en las cualidades de
la pintura en sí misma y en su capacidad
para transmitir estados emocionales y
mentales, así como registrar los
movimientos que realiza el artista para
crear la obra.
Pinturas de acción: rama del
Expresionismo Abstracto que enfatiza el
proceso, el movimiento y la energía que
transmite el artista mientras representa un
determinado drama personal.
Pintura de campos de color: rama del
Expresionismo Abstracto que utiliza
grandes planos cromáticos, con frecuencia
para evocar estados espirituales.
Arte Pop: movimiento artístico
desarrollado en Gran Bretaña y Estados
Unidos en las décadas de 1950 y 1960.
El estilo pop emplea las técnicas y
temas de la publicidad, la televisión y
los medios impresos. Sus imágenes,
presentadas a menudo con humor e
ironía, se pueden considerar tanto una
celebración como una crítica de la
cultura popular.
Fotorrealismo: estilo artístico de la
década de 1970 que fue especialmente
popular en Estados Unidos, Inglaterra y
Francia. Las pinturas fotorrealistas
reflejan escenas cotidianas y personajes
corrientes mediante un realismo
detallado y meticuloso. Suelen ser
imágenes planas en las que apenas se
aprecia la pincelada.
Minimalismo: movimiento artístico
neoyorquino de la década de 1960 cuyas
esculturas y pinturas presentan una
extrema simplificación de la forma y el
color. Recurre a formas básicas y paletas
monocromas, a la objetividad y al
anonimato estilístico.
Arte Conceptual: movimiento artístico
internacional surgido a finales de la
década de 1960. Se trata de un arte
concebido para transmitir una idea o
concepto al espectador y no implica
necesariamente la creación o apreciación
de un objeto artístico tradicional como
una pintura o una escultura.
15.5. PROSPERIDAD Y DESILUSIÓN
Información histórica
El desarrollo del Expresionismo Abstracto coincidió con la
transformación de Estados Unidos en una superpotencia internacional.
Los artistas asociados a este movimiento encontraron en la abstracción
un modo de plasmar las pasiones y presiones de la vida moderna. Estas
heroicas aspiraciones se hacen evidentes en las innovadoras pinturas de
acción de Jackson Pollock, o en las enérgicas pinceladas de Willem de
Kooning, o en la pintura de campos de color de Mark Rothko.
El arte Pop, que surgió a principios de los años sesenta, respondió con
ironía e indiferencia al Expresionismo Abstracto y a su seria búsqueda
espiritual. Los artistas Pop se inspiraban en atractivas ilustraciones de
objetos comunes que veían en anuncios, películas, televisión o tiras
cómicas. El arte Pop —que promovía imágenes y marcas de
característico sello norteamericano— puede considerarse tanto una
celebración como una crítica de la cultura del consumo. Más tarde, en
la década de 1970, el fotorrealismo recuerda este distanciamieno en la
presentación de los elementos cotidianos norteamericanos.
El arte neoyorquino de las décadas de 1960 y 1970 se hizo cada vez
más teórico y fue relegando la pintura a un segundo plano,
prevaleciendo la escultura. Sin embargo los artistas creaban objetos y
estructuras que, pese a ser tridimensionales, no podían definirse según
los términos escultóricos tradicionales. Los artistas minimalistas
empleaban formas geométricas sencillas y materiales industriales que
organizaban en unidades modulares. Los artistas que siguieron pintando
preferían las superficies monocromas y lisas, por las que parecía que la
mano del artista no había pasado. La estructura y la forma del lienzo
pasaron a un primer plano y acercaron la pintura a la dimensión
escultural de los objetos. En el Arte Conceptual, lo material
desapareció para dar paso a las ideas y el lenguaje como medios de
expresión.
Dan Flavin inventó un nuevo arte industrial compuesto casi
exclusivamente de luces fluorescentes. Sus instalaciones transforman e
incluso invierten la experiencia museística convencional, ya que invaden
literalmente el espacio del espectador. La referencia al artista Piet
Mondrian (1872–1944) cumple con la práctica de Flavin de dedicar sus
obras a familiares, amigos o figuras históricas que consideraba
relevantes.
24 Art in the USA Guía para educadores
REFERENCIAS WEB
Minimalismo
http://www.guggenheimcollection.org/
cite/movement_works_minimalism_o.html
15.5. PROSPERIDAD Y DESILUSIÓN
Temas de debate
EP-ES
Flavin trabaja con una “luz” etérea, pero recurre a lámparas
fluorescentes comunes y no pretende ocultar ni adornar sus formas
industriales. ¿En qué otros lugares habéis visto estos objetos? ¿Por qué
creéis que Flavin ha elegido estos objetos en lugar de otras bombillas
más decorativas?
ES
Pocos artistas se identifican tanto con un medio concreto como Dan
Flavin. Después de 1963, su obra se compuso prácticamente en su
totalidad de tubos fluorescentes comerciales de diez colores (azul,
verde, rosa, rojo, amarillo, ultravioleta y cuatro variantes del blanco) y
de cinco formas (una circular y cuatro rectas de diferentes longitudes)
¿Creéis que el uso exclusivo de este tipo de lámparas limita o amplia
las posibilidades de esta obra? Explicad vuestras respuestas.
Actividades
EP-ES
Pensad en materiales industriales que podrían utilizarse para crear
arte. Consultad catálogos comerciales. Buscad inspiración en otras
obras minimalistas.Véanse las referencias web.
Dibujad propuestas que muestren cómo podría utilizarse dicho
material (u objeto) para crear una obra de arte. Mostrad vuestros
planes de la instalación a vuestros compañeros y explicad los motivos
que os han llevado a elegir ese material.
En los títulos de sus obras, Flavin suele incluir un homenaje o
reconocimiento a personas importantes para él. Algunas son figuras
históricas, como el diseñador constructivista ruso Vladimir Tatlin
(1885–1953), el artista Piet Mondrian (1872–1944) o el erudito
medieval Guillermo de Ockham (1280–1349) Flavin también aludía a
amigos y familiares en los títulos de sus obras. ¿A quién incluiríais en
el título de una obra vuestra? ¿Por qué?
15.6 MULTICULTURALISMO Y
GLOBALIZACIÓN
(De 1980 a la actualidad)

Kara Walker (1969–)

¡Insurrección! (Nuestras armas eran
rudimentarias, aun así nosotros
continuamos) [Insurrection! (Our Tools
Were Rudimentary, Yet We Pressed
On)], 2000 (detalle). Siluetas de
papel recortadas y proyecciones de
luz. Medidas variables según la
instalación. Solomon R. Guggenheim
Museum, Nueva York. Adquirida con
fondos de los Miembros del Comité
Internacional del Director y del
Comité Ejecutivo.
SALA 105
26 Art in the USA Guía para educadores 15.6. MULTICULTURALISMO Y GLOBALIZACIÓN

Información histórica
Como reacción a la frialdad del Conceptualismo, el arte
norteamericano de los ochenta volvió a la pintura figurativa. A pesar
de proclamarse en innumerables ocasiones el fin de la pintura,
muchos artistas norteamericanos siguieron explorando las prácticas
pictóricas tradicionales, ahondando en la representación, la
composición y la técnica.

Algunos artistas se inspiraron en la energía del graffiti (palabras e

imágenes pintadas con spray en paredes). Estos artistas introdujeron
aerosol en el Arte Pop elementos urbanos y políticos para crear un
arte público que actualmente es conocido como arte callejero.
Inspirados en la cultura juvenil y el poder del hip-hop, se movían
cómodamente por las calles, galerías y museos de las ciudades.

INSTALACIONES

Las nuevas tecnologías han posibilitado el desarrollo del arte digital y

del videoarte. En las instalaciones, los artistas recurren a muy diversos
materiales y técnicas para crear una experiencia en un entorno
concreto. El arte de las instalaciones puede incorporar cualquier
material, urbano o natural, y técnicas como el vídeo, el sonido, la
performance, los ordenadores o Internet.

Kara Walker es conocida por las siluetas de papel recortadas con las
que explora temas como la raza, el género y la sexualidad. Walker
pega sus figuras de papel directamente en las paredes de la galería,
creando violentas e inquietantes escenas teatrales sobre la esclavitud
norteamericana. Los retroproyectores arrojan luz coloreada en el
techo, las paredes y el suelo de la sala. Cuando el espectador se
adentra en la instalación, su cuerpo también proyecta una sombra en
las paredes con las que interactúa, de manera que entra a formar
parte de la obra.
REFERENCIAS WEB

Sobre el arte americano

http://www.nga.gov/education/american
/aasplash.htm
Temas de debate
Smithsonian American Art Museum
EP-ES
http://americanart.si.edu/index2.cfm
¿Qué ocurre en esta obra? Divida la clase en grupos y pida a cada
27 Art in the USA Guía para educadores 15.6. MULTICULTURALISMO Y GLOBALIZACIÓN

grupo que se centre en una sección de la obra. Cada grupo debe

analizar la sección y, posteriormente, poner en común las
conclusiones. ¿Por qué este método ayuda a entender mejor toda la
obra?

ES
Parte de la narrativa de Walker se interpreta fácilmente, pero otra
parte resulta ambigua. Organizad un debate y analizad los aspectos
de la obra que pueden captarse fácilmente y aquellos que resultan
más difíciles de comprender. ¿Esta ambigüedad aporta algo a la obra
o le resta valor? Analizadlo.

Actividades
EP-ES
Cread una narrativa con las siluetas*. Por grupos decidid qué escena
os gustaría crear.

*Para crear una silueta

•Pegad una hoja de papel negro a la pared.

•Colocad una fuente de luz que brille sobre el papel.
•Situad a una persona entre la fuente de luz y el papel.
•Con un lápiz blanco, dibujad la sombra de la persona en el
papel.
•Cortad la figura.
•Colocad la silueta negra sobre una hoja de papel blanco.

Aplicad el método anterior, pero esta vez con la gente disfrazada con
atrezzo y trajes y frente a una hoja de papel mural blanco. Dibujad
minuciosamente las figuras y, a continuación, píntalas de negro.

Kara Walker emplea retroproyectores para crear el entorno para sus

figuras. Pintad una transparencia o diapositiva con rotuladores o
pegad recortes de acetatos de colores. Proyéctala sobre el mural para
generar un escenario para vuestros personajes.
28 Art in the USA Guía para educadores 15.6. MULTICULTURALISMO Y GLOBALIZACIÓN

ES
Estudiad el período de la historia norteamericana al que Walker alude
en su obra: la Guerra Civil Norteamericana (1861–65). También
podéis leer la novela de Margaret Mitchell, Lo que el viento se llevó
(1936) o ver en clase la película basada en la novela y rodada en 1939.
Analizad las formas de pensar que se reflejan en esta obra y sus
diferencias con la sociedad contemporánea.