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Actividades TLC TODO Unificado

Textos Literarios Contemporáneos (UNED)

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ACTIVIDADES DE DOCE ESCRITORES


CONTEMPORÁNEOS

PREGUNTAS DE EXÁMENES

Curso 2017-18

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ÍNDICE

TEMA 1. EL MODERNISMO Y RUBÉN DARÍO .........................................................................................2


TEMA 2. ANTONIO MACHADO: DEL MODERNISMO AL COMPROMISO ÉTICO .........................7
TEMA 3. VALLE-INCLÁN: DEL MOPDERNISMO A LA VANGUARDIA ......................................... 31
TEMA 4. FEDERICO GARCÍA LORCA Y LA LITERATURA DEL 27: ENTRE LA TRADICIÓN Y
LA VANGUARDIA ......................................................................................................................................... 38
TEMA 5. PABLO NERUDA, LA POESÍA REHUMANIZADA ................................................................ 48
TEMA 6. LUCIDEZ Y PASIÓN EN LA OBRA POÉTICA DE OCTAVIO PAZ (1914-1998) ............... 55
TEMA 7. JOSÉ MANUEL CABALLERO BONALD. LA POESÍA: DEL EXISTENCIALISMO A LA
DISIDENCIA ................................................................................................................................................... 62
TEMA 8. EL UNIVERSO NARRATIVO DE MIGUEL ÁNGEL ASTURIAS ......................................... 68
TEMA 9. CAMILO JOSÉ CELA: LA NOVELA DE LA POSGUERRA ................................................. 74
TEMA 10. MITO E HISTORIA EN LA NARRATIVA DE GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ (1927-
2014).................................................................................................................................................................. 75
TEMA 11. LA NOVELA NEORREALISTA DE MARIO VARGAS LLOSA.......................................... 85
TEMA 12. ALMUDENA GRANDES ............................................................................................................ 92

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TEMA 1. EL MODERNISMO Y RUBÉN DARÍO

a) ¿Cuáles son las características definidoras del Modernismo Hispanoamericano?


La incorporación de Hispanoamérica al orden neocolonial produce un crecimiento económico y
urbano y un anhelo de europeísmo que se mezcla con las formas autóctonas. En su literatura, a las
características propias del modernismo (esmerada elaboración de la forma, búsqueda de nuevos
metros, elegancia, exotismo), se añade una revitalización del indigenismo, una búsqueda de las raíces
de cada país y la mitificación de los personajes de entonces frente a los coetáneos. Recuperan por
tanto prestigio el azteca, el araucano, el árabe e incluso el conquistador español frente a los “reyes
burgueses”.

b) ¿Cómo se refleja el exotismo en el poema seleccionado?


El poema presenta a la diosa Venus como objeto de deseo inalcanzable, en un entorno de
exotismo que se refleja en el uso de términos como el ébano, madera procedente de la India y de África,
muy apreciada: “como incrustado en ébano y divino jazmín”, nos recuerda a un mueble de marquetería.
EL jazmín es una flor originaria de China, una nueva alusión al exotismo oriental.
Posteriormente define a Venus como “reina oriental”, recostada bajo el techo de “su camarín”,
como objeto de veneración. La última imagen es la de la diosa “recostada sobre un palanquín”, un tipo
de litera cerrada utilizada en oriente para transportar a las mujeres de la nobleza.

c) ¿Qué innovaciones métricas descubre en los poemas antologados?


En el poema Venus utiliza heptadecasílabos con dos hemistiquios de 7 y 10 sílabas.
El poeta también utiliza con frecuencia el verso alejandrino, de 14 sílabas,por ejemplo en Leconte
de Lisle , “Ite, missa est”, El Cisne., Yo persigo una forma, La dulzura del Ángelus y Pegaso.
Era hasta entonces inusual el verso dodecasílabo como en Era un aire suave… y el endecasílabo
de Blasón.
Otra métrica inusual era el verso endecasílabo, en el poema Cantos de vida y esperanza.
En el poema A Roosevelt el autor combina diferentes métricas, encontramos versos de 14 y 9
sílabas.

d) ¿Qué ideas poéticas fundamentales no transmite Rubén Darío en sus Palabras


Liminares?
Palabras Liminares es un Manifiesto, a su vez rechazo de los manifiestos, cargado de crítica,
prólogo de Prosas Profanas. Esta obra preludia el camino de introspección, postula una estética
acrática, e incide sobre la “harmonía verbal”, la melodía que reside en la propia idea del autor.
No encontramos alusiones a características como exotismo, la importancia de la forma, la
elegancia ni la guerra al prosaísmo de léxico.

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e) Sus ideas sobre el valor de la música y de la musicalidad en el verso, ¿cómo se concretan


en los poemas que ha leído? Responda viendo procedimientos literarios, instrumentos
musicales, bailes, danzas, ambientes festivos, sonidos armónicos, elogios a la ópera de
Wagner y cuantos motivos le permitan razonar su respuesta.
En Leconte de Lisle el poeta quiere transmitir la musicalidad a través del canto: “pasa de rudo
viento al son”, “tú tienes en tu canto”, “cantas en la lengua del bosque”.
En Era un aire suave encontramos frecuentes alusiones a la música para transmitirnos
sensaciones casi físicas, como la personificación “los sollozos de los violoncelos”. La metáfora visual
y auditiva “la orquesta perlaba sus mágicas notas”, “coro de sones alados”, “los arpegios áureos”, otra
personificación “cantaban los dulces violines”.
El entorno también es festivo y musical: “es noche de fiesta y el baile de trajes”, las metáforas
que asocian a la mujer y la música “el teclado harmónico de su risa fina a la alegre música de un pájaro
iguala”. El ritmo en “al compás de un canto”, “bailando el minué”, “los compases el ritmo seguía”,
“los staccati de una bailarina”.
En Ite, missa est encontramos otra metáfora “alzo al son de una dulce lira crepuscular”, asociando
el sonido y la luz.
En El Cisne, asocia el canto del cisne con la música de Wagner en la metáfora “se oyó el acento
del cisne wagneriano”, “el canto del cisne”, “las trompas que cantan” con otras alusiones a la cultura
germánica como “del viejo Thor germano”.
En Cantos de vida y esperanza hallamos también referencias a la música “un renovar de notas
del Pan griego y un desgranar de músicas latinas”, “perla de ensueño y música amorosa”, “bruma y
tono menor ¡toca la flauta! Y Aurora, hija del sol ¡Toca la lira!”

f) ¿Cómo se manifiestan los rasgos autobiográficos en los poemas de Cantos de vida y


esperanza?
A través de sus muestras de cansancio, hastió de vivir unidos a un deseo de serenidad que
contrasta con sus deseos de viajar y con una exaltación de la vida intensamente vivida. En su poema
podemos encontrar la alegría y el desaliento unidos, la duda y el cansancio juntos. Un deseo de volver
a empezar, aun a riesgo de caer de nuevo.
g) Analice, a través de las figuras de Venus, el cisne y Pegaso, la importancia que la
recuperación de la mitología clásica tiene en la obra poética de Rubén Darío, extraída de
los poemas de su crestomatía.
Para Rubén Darío, Venus es la reina soberana, simboliza el ideal de belleza absoluta
inalcanzable, la plenitud del mundo también la utilizara para el enaltecimiento del erotismo. Pegaso
simboliza la capacidad de ascensión y de elevación espiritual. En el poema Yo persigo la forma
podemos ver el cisne como imagen de un símbolo de interrogación, “Y el cuello del gran cisne Blanco
que me interroga”.

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En el poema “el Cisne” Ruben Darío lo usa para hablar de la poesía nueva Entendiendo la
posición del cisne en el poema nos obliga a entender Helena. En la última estrofa, Helena esta
mencionada en una analogía construido por Darío. El nacimiento de Helena, un símbolo de la belleza,
a su madre Leda es como el cisne “produciendo” la poesía nueva, o una forma de poesía más bella que
la poesía del anterior. Si la poesía nueva es bella como Helena, el cisne debe ser la artista que escribo
y concibió el poema como Leda concibió a Helena. Entonces el cisne puede ser la artista y Helena es
la poesía.
El uso de las antiguas deidades y la recuperación de estas es para los modernistas un método
fecundante de la poesía, porque en ellos encuentran “verdades entrañables de validez universal”. Los
ideales de belleza estética, la fuerza colosal del instinto hasta extremos inmarcables, simbolizan y
comparten partes humanas, sus defectos y sus pasiones. Trasladan imaginativamente la trivial
actualidad del hombre, a la eternidad de los dioses que los representan ilimitadamente.

h) ¿Considera la oda “A Roosevelt” política o apolítica? Razone su respuesta.


Más bien es una obra de crítica social y política, dentro del texto, podemos ver en los primeros
versos una crítica a E.E.U. U que después cambia para resaltar las virtudes de la América Española.
Son evidentes las críticas a lo largo del poema, palabras como “cazador”, “invasor” calificativos que
usa en los primeros versos para dirigirse a los Estados Unidos y crear una crítica contra su política
expansionista, las múltiples incursiones en americana latina por parte de Estados unidos. Marca
diferencias entre las Américas la estadounidense como con la América de habla Hispana, ingenua
enfrente a la astuta América anglosajona. Esto se refleja en “la América ingenua que tiene sangre
indígena que aun reza a dios y aun habla español.” En referencia a la América anglosajona “Eres
soberbia y fuerte ejemplar de tu raza;”. Nos dice también que cuando clama la América
estadounidense, se siente en la otra América y que llega hasta los andes en forma de temblor.
Es un canto en toda regla a la política practicada ya por los estados unidos sobre la época en que
fue escrito el poema con claras referencias a lo largo del texto

i) Recopile los recursos estilísticos subrayados en el poema comentado y clasifíquelos de


acuerdo con el procedimiento empleado (figuras de dicción, figuras de pensamiento
tropo).
Figuras de dicción: Aliteraciones, sonidos sibilantes, bilabiales, nasales y algunos sonidos
vibrantes. Anáforas
Figuras de pensamiento tropo: Antítesis, enumeración, comparaciones y como símbolo Venus.

j) Elabora una ficha-resumen del tema.


INTRODUCCIÓN
El Modernismo es un movimiento espiritual y artístico que nace contra el estancamiento de la estética
romántica. Viene determinado por los cambios operados en el modo de pensar como consecuencia de
las transformaciones sociales y económicas de la sociedad occidental del siglo XIX, dominado por el

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positivismo y el Realismo, que viven su crisis. En Hispanoamérica, además, produce un crecimiento


económico y urbano y un anhelo de europeísmo, que se mezcla con las formas autóctonas.
El poeta pierde su papel social tradicional y se siente un ser marginal y, paradójicamente libre y sin
sujeción a las normas estéticas. Desprecian la sociedad burguesa en que viven y se convierten en
guardianes del “ideal” y de la “belleza”, con la pretensión de encontrar nuevas zonas de la sensibilidad
y de la intensidad humana. A la vez, se sienten urgidos de incorporarse a la nueva estructura
socioeconómica. Se produce la desaparición de contenidos religiosos, transformando los símbolos
religiosos en medios que expresan contenidos profanos. Los escritores modernistas deciden hacer de
la literatura una manifestación de la belleza y de la libertad; pretenden recuperar la antigua armonía
penetrando en territorios inasibles a la ciencia; y condenan la vulgaridad contemporánea.
El nombre vino de Alemania, donde se producía un movimiento reformador por los curas llamados
modernistas. Algunos lo circunscriben a los años 1888 (fecha de la publicación de Azul) y 1916 (muerte
de Rubén Darío), aunque algunos hablan de un siglo o de medio siglo.
Dos rasgos definen el Modernismo: la libertad y la originalidad. De ahí el rechazo de los integrantes
del movimiento a la institución de una escuela y su aceptación de un espíritu regenerador. De ahí
también el eclecticismo de sus fuentes.
Al penetrar en España, se pretende distinguir entre Modernismo y generación del 98, desde el ensayo
inicial de Pedro Salinas. Olvidaban que, aunque cada escritor siguió su estilo todos ellos se
preocuparon por dotar de “hondura, fantasía, decadentismo, musicalidad” a sus obras.
LA ESTÉTICA MODERNISTA
Lo que mejor la define es su cualidad individual.
La estética modernista mantiene como constante la búsqueda de formas literarias renovadas y
superadoras de las formas académicas, cuyo fin es preservar la belleza frente al contexto materialista
en el que se desenvuelven los escritores. Por eso la indagación de paraísos artificiales imaginarios,
siempre culturales, la avidez de mundos nuevos, la droga, las ciencias esotéricas, Budismo, Socratismo
y Cristianismo, y recreándose en la figura del poeta maldito y decadente. Rasgos todos que encierran
una honda preocupación metafísica de carácter agónico, como respuesta a la confusión ideológica y a
la soledad espiritual de la época.
Rasgos típicos del Modernismo literario son:
1. El esmero en la elaboración de la forma: para ello se valen de múltiples recursos, entre los que
la sinestesia ocupa un lugar de privilegio. Pero siempre teniendo en cuenta la melodía. Es el
“Pitagorismo”, que consiste en una concepción rítmica de todo.
2. La búsqueda de nuevos metros, con una amplificación y simbiosis de lo tradicional y las formas
clásicas: el verso blanco, el endecasílabo dactílico, o el alejandrino.
3. Amor a la elegancia y guerra al prosaísmo.
4. Exotismo en el paisaje: Esto se presta a una atmósfera plena de simbolismo, al desarrollo libre
de la fantasía y a la evasión de la realidad. Evasión que puede adquirir un carácter temporal o
espacial, pero también hemos de entenderlo como el anhelo de lograr un paraíso en la tierra.
En Hispanoamérica tuvo su contrapartida con la revitalización del indigenismo, con la

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inclinación a buscar en cada país sus raíces, para mostrar una nobleza que la actualidad no
ofrece.
5. Recuperación de los mitos clásicos, que se convierten en expresión de visiones colectivas, de
sentimientos oscuros y de presentimientos. Con este procedimiento, los modernistas trasladan
la trivial actualidad del hombre a la eternidad de los dioses.
RUBÉN DARÍO
En primer lugar destaca el contraste entre su seguridad creadora y su inseguridad existencial, sometida
esta última a dos formas de embriaguez: la sensual y la alcohólica.
Darío creyó en la dignidad del poeta, en la altísima función de la poesía y fue consciente de su misión
histórica en la lírica española. Como mentor lo reconocieron sus contemporáneos españoles.
El periodismo pudo venir impuesto por la necesidad económica, por encima de los avatares provocados
por sus cargos diplomáticos o por los escasos ingresos que le proporcionaron sus libros de poesía. Esta
necesidad de escribir al dictado de la actualidad imprime su carácter en la vida y en la obra de Rubén.
Abunda el poema en que se comenta algún suceso casual. De ahí que sus libros sean una suma de
poemas sueltos recolectados.
Su inseguridad existencial está marcada por la inestabilidad afectiva y política.
Hombre de varias patrias marcha de su “patria original”, Nicaragua, por huir de un ambiente cultural
y político estrecho. Darío nunca identifica los conceptos de patria y nación, sino que superpone a los
elementos originales nativos otros, adquiridos en sus experiencias intelectuales y humanas. Sus ideas
sobre la patria están mediatizadas por su apoliticismo, por su frecuente evasión y por su
cosmopolitismo selectivo.
LOS LIBROS DE DARÍO
 Azul (1888) presenta dos partes claramente diferenciadas: Cuentos, en prosa; y El Año lírico, en
verso. Es un intento de crear una literatura cosmopolita, con carácter renovador por el
afrancesamiento de las formas, sus escenas de parques versallescos, y sus evocaciones de
gnomos y hadas, elementos irreales y fantásticos, y cierta preferencia por temas orientales. En
El año lírico inicia así el tema amoroso, en su vertiente erótica. Con este libro híbrido Darío
inicia también su renovación métrica y su profusa polimetría.
 Los Raros: es una declaración poética de principios, analizando a varios escritores por su rareza,
por encima de su verdadera valía, y su “rareza” estriba en haberse quedado al margen de los
valores imperantes de la sociedad burguesa, y que proponen una “moral estética” que rechaza
esos mismos valores.
 Prosas profanas (1896): anuncia la soberanía indiscutible de Darío por espacio de veinte años
sobre la poesía española e hispanoamericana. Es un libro sin unidad temática ni retórica. Son
notables sus aportaciones a la cadencia interna del versículo, las múltiples sinestesias
musicales… Darío interioriza sus angustias en diversos poemas que preludian el camino de
introspección que le llevará a preguntarse sinceramente por la existencia. El placer erótico no
sirve como razón suficiente de vida, ya que, llamado a morir también, deja en el hombre un
sentimiento de angustia.

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 El Canto Errante (1907), Poema de otoño y otros poemas (1910) y Canto a la Argentina y otros
poemas (1914).
LA ESTANCIA EN ESPAÑA DE RUBÉN DARÍO
La primera estancia en España es en 1892, con motivo del Cuarto Centenario del Descubrimiento de
América, en que vive en el Madrid despreocupado anterior a la catástrofe bélica de 1898. Pero no se
relaciona con la incipiente juventud intelectual española. Su segunda estancia en España tiene lugar
seis años después (1898-1900). En sus crónicas de España contemporánea (1901) deja constancia de
la triste impresión que le produce la “patria madre”, así como la degradación de sus hombres de letras.
Decide viajar por España para comunicarse con el “alma nacional”. Pronto descubre la regeneración
vital y cultural del país en sus gentes (Tierras solares, de 1904, recoge estas ideas). Comienza a
relacionarse con jóvenes escritores y colabora en revistas y periódicos.
Publica en Madrid su libro Cantos de vida y esperanza (1905). Su temática engloba los siguientes
aspectos:
 Interrogantes sobre el futuro de la América Hispana o sobre la existencia del hombre.
 Una inquietud continental anti-yanki ante el creciente poderío estadounidense.
 Una marcada melancolía otoñal.
 Sus misteriosos y trágicos planteamientos sobre la naturaleza humana y el destino del hombre;
el dolor y el sufrimiento que espera al niño, ignorante también de su destino.
En Cantos de vida y esperanza Darío mira hacia atrás, con una considerable nostalgia por su vida
pasada. Con frecuencia aparecen el cansancio y el hastío de vivir, unidos a un deseo de serenidad que
contrasta con los deseos viajeros y con su exaltación de la vida intensamente vivida. En sus poemas
encontramos la alegría y el desaliento, la duda y el cansancio, y un deseo de volver a empezar, aun a
riesgo de caer de nuevo.

TEMA 2. ANTONIO MACHADO: DEL MODERNISMO AL COMPROMISO ÉTICO

a) Analice la métrica de los poemas de Campos de Castilla incluidos en la crestomatía.

CAMPOS DE CASTILLA (1907 – 1917)

RETRATO

Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla, y un huerto


claro donde madura el limonero;

mi juventud, veinte años en tierras de Castilla;

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mi historia, algunos casos que recordar no quiero.

Ni un seductor Mañara, ni un Bradomín he sido

-ya conocéis mi torpe aliño indumentario-, más recibí


la flecha que me asignó Cupido,

y amé cuanto ellas puedan tener de hospitalario.

Hay en mis venas gotas de sangre jacobina, pero mi


verso brota de manantial sereno;

y, más que un hombre al uso que sabe su doctrina, soy, en el


buen sentido de la palabra, bueno.

Adoro la hermosura, y en la moderna estética corté las


viejas rosas del huerto de Ronsard; mas no amo los afeites
de la actual cosmética, ni soy un ave de esas del nuevo gay-
trinar.

Desdeño las romanzas de los tenores huecos y el coro de


los grillos que cantan a la luna. A distinguir me paro las
voces de los ecos,

y escucho solamente, entre las voces, una.

¿Soy clásico o romántico? No sé. Dejar quisiera mi verso,


como deja el capitán su espada:

famosa por la mano viril que la blandiera, no por el


docto oficio del forjador preciada.

Converso con el hombre que siempre va conmigo


-quien habla solo espera hablar a Dios un día-; mi
soliloquio es plática con ese buen amigo que me enseñó el
secreto de la filantropía.

Y al cabo, nada os debo; debéisme cuanto he escrito.

A mi trabajo acudo, con mi dinero pago

el traje que me cubre y la mansión que habito,

el pan que me alimenta y el lecho en donde yago.

Y cuando llegue el día del último vïaje,

y esté al partir la nave que nunca ha de tornar, me


encontraréis a bordo ligero de equipaje, casi desnudo, como
los hijos de la mar.

El poema tiene 36 versos alejandrinos (14 sílabas), es decir, compuestos por dos hemistiquios
heptasílabos (7+7 sílabas) cada uno y está distribuido en 9 serventesios, estrofas de 4 versos con rima

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consonante cruzada según el esquema ABAB. Cada serventesio tiene una rima distinta. En el primero
la rima es –illa, -ero.

CXIII CAMPOS DE SORIA

II

Las tierras labrantías,


como retazos de estameñas pardas, el
huertecillo, el abejar, los trozos

de verde obscuro en que el merino pasta, entre


plomizos peñascales, siembran

el sueño alegre de infantil Arcadia. En los


chopos lejanos del camino, parecen humear las
yertas ramas

como un glauco vapor ?las nuevas hojas? y en las


quiebras de valles y barrancas blanquean los zarzales
florecidos,

y brotan las violetas perfumadas.

Se trata de una silva arromanzada de doce versos, con un verso heptasílabo y once versos
endecasílabos. La rima es asonante en los pares (a-a): pardas, pasta, Arcadia, ramas, barrancas,
perfumadas.
Se observa aquí un caso de excepción de la rima en Arcadia, en la que se ignora la “i” del
diptongo, por lo que sigue existiendo rima a-a.

III

Es el campo undulado, y los caminos ya ocultan


los viajeros que cabalgan en pardos borriquillos,

ya al fondo de la tarde arrebolada elevan las


plebeyas figurillas,

que el lienzo de oro del ocaso manchan. Mas si


trepáis a un cerro y veis el campo desde los picos
donde habita el águila, son tornasoles de carmín y
acero,

llanos plomizos, lomas plateadas, circuidos


por montes de violeta,

con las cumbres de nieve sonrosado.

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Se trata de una silva arromanzada de doce versos, con un verso heptasílabo y once versos
endecasílabos. La rima es asonante en los pares (a-a): cabalgan, arrebolada, manchan, águila,
plateadas, sonrosada.
Aquí se observa otro caso de excepción de la rima en águila, donde se ignora la sílaba
postónica “gui” con lo que se conserva la rima a-a.

IV

¡Las figuras del campo sobre el cielo!

Dos lentos bueyes aran

en un alcor, cuando el otoño empieza, y entre las


negras testas doblegadas bajo el pesado yugo,

pende un cesto de juncos y retama, que es la cuna


de un niño;

y tras la yunta marcha


un hombre que se inclina hacia la tierra, y una mujer
que en las abiertas zanjas arroja la semilla.

Bajo una nube de carmín y llama, en el oro


fluido y verdinoso

del poniente, las sombras se agigantan.

Se trata de una silva arromanzada de catorce versos, con cinco versos heptasílabos y nueve
versos endecasílabos. La rima es asonante en los pares (a-a): aran, doblegadas, retama, marcha,
zanjas, llama y agigantan.

VII

¡Colinas plateadas,
grises alcores, cárdenas roquedas por donde
traza el Duero

su curva de ballesta

en torno a Soria, obscuros encinares, ariscos


pedregales, calvas sierras, caminos blancos y
álamos del río, tardes de Soria, mística y guerrera,
hoy siento por vosotros, en el fondo del corazón,
tristeza,

tristeza que es amor! ¡Campos de Soria donde parece


que las rocas sueñan, conmigo vais! ¡Colinas
plateadas, grises alcores, cárdenas roquedas!...

Se trata de una silva arromanzada de catorce versos, con cuatro versos heptasílabos y diez
versos endecasílabos. La rima es asonante en los pares (e-a): roqueds, ballesta, sierras, guerrera,
tristeza, sueñan, roquedas.

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A UN OLMO SECO

Al olmo viejo, hendido por el rayo y en su


mitad podrido,

con las lluvias de abril y el sol de mayo algunas


hojas verdes le han salido.

¡El olmo centenario en la colina


que lame el Duero! Un musgo amarillento le mancha la
corteza blanquecina

al tronco carcomido y polvoriento. No será, cual


los álamos cantores que guardan el camino y la
ribera, habitado de pardos ruiseñores.

Ejército de hormigas en hilera

va trepando por él, y en sus entrañas urden sus telas


grises las arañas.

Antes que te derribe, olmo del Duero, con su hacha el


leñador, y el carpintero te convierta en melena de
campana, lanza de carro o yugo de carreta;

antes que rojo en el hogar, mañana, ardas en


alguna mísera caseta,

al borde de un camino;
antes que te descuaje un torbellino

y tronche el soplo de las sierras blancas; antes que el


río hasta la mar te empuje por valles y barrancas,

olmo, quiero anotar en mi cartera la gracia de tu


rama verdecida.

Mi corazón espera
también, hacia la luz y hacia la vida, otro milagro
de la primavera.

Se trata de una silva ya que combina versos endecasílabos (11 sílabas) con versos
heptasílabos (7 sílabas). Los endecasílabos son más abundantes. Sólo son heptasílabos el verso 2, el
21, el 25 y el 28.
En la mayor parte del poema la rima, que es consonante, se distribuye de cuatro en cuatro versos
según el esquema ABAB. Así ocurre hasta el verso 12. A continuación aparecen cuatro versos con
rima AABB (versos 13-16), que podrían ser dos pareados. Después vuelve la rima ABAB (versos 17-
20) y de nuevo un pareado, sólo uno en esta ocasión (versos 21-22). Los siguientes cuatro versos (23-
26) tienen rima consonante solo en los impares. Y los últimos 4 vuelven a rimar ABAB (versos 27-
30). Aunque el verso 26 tiene rima con los versos 28 y 30, lo que hace que estos dos últimos grupos
queden de este modo enlazados.

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CXIX
Señor, ya me arrancaste lo que yo más quería. Oye otra vez,
Dios mío, mi corazón clamar.

Tu voluntad se hizo, Señor, contra la mía. Señor, ya


estamos solos mi corazón y el mar.

Se trata de una estrofa de 4 versos alejandrinos (14 sílabas) con dos hemistiquios heptasílabos (7
+ 7 sílabas) con rima consonante ABAB. Se trata por lo tanto de un serventesio.
CXXI - ALLÁ EN LAS TIERRAS ALTAS

Allá, en las tierras altas, por donde


traza el Duero su curva de ballesta

en torno a Soria, entre plomizos cerros y manchas de


raídos encinares,

mi corazón está vagando, en sueños...


¿No ves, Leonor, los álamos del río con sus
ramajes yertos?

Mira el Moncayo azul y blanco; dame tu mano y


paseemos.

Por estos campos de la tierra mía, bordados de


olivares polvorientos, voy caminando solo,

triste, cansado, pensativo y viejo.

Se trata de un poema de 14 versos, en los que se mezcla los endecasílabos (versos 4,5, 6, 7, 9,
11, 12 ) y los heptasílabos (versos 1, 2, 3, 8, 10 y 13). La rima es asonante en los pares e-o (Duero,
cerros, sueños, yertos, paseemos, polvorientos y viejo). Se trata por lo tanto de una silva arromanzada
(por este tipo de rima típica de los romances).

CXXII

Soñé que tú me llevabas por una


blanca vereda,

en medio del campo verde, hacia el azul


de las sierras, hacia los montes azules,
una mañana serena.

Sentí tu mano en la mía, tu mano de


compañera, tu voz de niña en mi oído

como una campana nueva, como una


campana virgen de un alba de primavera.

¡Eran tu voz y tu mano,


en sueños, tan verdaderas! ... Vive,
esperanza, ¡quién sabe lo que se traga la
tierra!.

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Se trata de un romance de dieciséis versos octosílabos con rima asonante en los pares (e-a):
vereda, sierras, serena, compañera, nueva, primavera, verdaderas, tierra.
CXXV

En estos campos de la tierra mía,

y extranjero en los campos de mi tierra


—yo tuve patria donde corre el Duero por entre
grises peñas,

y fantasmas de viejos encinares allá en Castilla,


mística y guerrera, Castilla la gentil, humilde y
brava, Castilla del desdén y de la fuerza—, en
estos campos de mi Andalucía,

¡oh tierra en que nací!, cantar quisiera. Tengo


recuerdos de mi infancia, tengo imágenes de luz y de
palmeras,

y en una gloria de oro,


de lueñes campanarios con cigüeñas, de ciudades
con calles sin mujeres bajo un cielo de añil, plazas
desiertas donde crecen naranjos encendidos con sus
frutas redondas y bermejas; y en un huerto
sombrío, el limonero de ramas polvorientas

y pálidos limones amarillos,

que el agua clara de la fuente espeja, un aroma de


nardos y claveles

y un fuerte olor de albahaca y hierbabuena, imágenes de


grises olivares

bajo un tórrido sol que aturde y ciega, y azules y


dispersas serranías

con arreboles de una tarde inmensa; mas falta el hilo


que el recuerdo anuda al corazón, el ancla en su
ribera

o estas memorias no son alma. Tienen, en sus


abigarradas vestimentas,

señal de ser despojos del recuerdo, la carga bruta


que el recuerdo lleva.

Un día tornarán, con luz del fondo ungidos, los cuerpos


virginales a la orilla vieja.

Se trata de una silva arromanzada de 36 versos. Solamente los versos 4, 13 y 20 son


heptasílabos. Todos los demás son endecasílabos con la única excepción de los dos últimos versos,
tridecasílabos, verso muy poco utilizado en español. La rima es asonante en los pares (de ahí el
calificativo de arromanzada a la silva): tierra, peñas, guerrera, fuerza, quisiera, palmeras, cigüeñas,
desiertas, bermejas, polvorientas, espeja, hierbabuena, ciega, inmensa, ribera, vestimentas, lleva,
vieja.

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CXXXI – DEL PASADO EFÍMERO

Este hombre del casino provinciano que vio a


Carancha recibir un día, tiene mustia la tez, el
pelo cano, ojos velados por melancolía;

bajo el bigote gris, labios de hastío,


y una triste expresión, que no es tristeza, sino algo más
y menos: el vacío

del mundo en la oquedad de su cabeza. Aún luce de


corinto terciopelo chaqueta y pantalón abotinado,

y un cordobés color de caramelo, pulido y


torneado.

Tres veces heredó; tres ha perdido


al monte su caudal; dos ha enviudado. Sólo se anima
ante el azar prohibido, sobre el verde tapete
reclinado,

o al evocar la tarde de un torero,


la suerte de un tahúr, o si alguien cuenta la hazaña de
un gallardo bandolero,

o la proeza de un matón, sangrienta. Bosteza de


políticas banales dicterios al gobierno reaccionario,

y augura que vendrán los liberales, cual torna la


cigüeña al campanario. Un poco labrador, del cielo
aguarda y al cielo teme; alguna vez suspira,
pensando en su olivar, y al cielo mira con ojo
inquieto, si la lluvia tarda.

Lo demás, taciturno, hipocondriaco, prisionero en


la Arcadia del presente, le aburre; sólo el humo del
tabaco simula algunas sombras en su frente.

Este hombre no es de ayer ni es de mañana, sino de nunca;


de la cepa hispana

no es el fruto maduro ni podrido, es una fruta


vana

de aquella España que pasó y no ha sido, esa que hoy


tiene la cabeza cana.

Se trata de una silva de 38 versos, todos endecasílabos, salvo los versos 12 y 36 que son
heptasílabos. Todo el poema está dividido en serventesios (rima consonante ABAB) salvo los versos
25-29 que tienen rima de cuarteto (ABBA) y los seis últimos versos, cuya rima es AABCBC. Se
podría considerar un pareado (AA) + un serventesio (ABAB).
CXXXV – EL MAÑANA EFÍMERO (a Roberto Castrovido)

La España de charanga y pandereta, cerrado y


sacristía,

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devota de Frascuelo y de María, de espíritu


burlón y alma quieta, ha de tener su mármol y
su día, su infalible mañana y su poeta.

El vano ayer engendrará un mañana vacío y por


ventura pasajero.

Será un joven lechuzo y tarambana, un sayón con


hechuras de bolero,

a la moda de Francia realista un poco al uso


de París pagano

y al estilo de España especialista en el vicio al


alcance de la mano.

Esa España inferior que ora y bosteza, vieja y tahúr,


zaragatera y triste;

esa España inferior que ora y embiste, cuando se


digna usar la cabeza,

aún tendrá luengo parto de varones amantes de


sagradas tradiciones

y de sagradas formas y maneras; florecerán las


barbas apostólicas, y otras calvas en otras
calaveras brillarán, venerables y católicas.

El vano ayer engendrará un mañana vacío y ¡por


ventura! pasajero,

la sombra de un lechuzo tarambana, de un sayón con


hechuras de bolero; el vacuo ayer dará un mañana
huero. Como la náusea de un borracho ahíto de vino
malo, un rojo sol corona

de heces turbias las cumbres de granito; hay un


mañana estomagante escrito

en la tarde pragmática y dulzona. Mas otra


España nace,

la España del cincel y de la maza, con esa eterna


juventud que se hace del pasado macizo de la raza.

Una España implacable y redentora,


España que alborea

con un hacha en la mano vengadora, España de la


rabia y de la idea.

Se trata de una silva de 40 versos con todos sus versos endecasílabos salvo el verso 2, el 35 y el
40 heptasílabos.
Tiene una rima extraña combinándose los versos en grupos de 2, 4, 5 o 6 versos. Aparece
primero una estroba de 6 versos con rima ABBABA. A continuación dos serventesios (ABAB), un
cuarteto (ABBA) un pareado (AA) y un serventesio (BCBC). Después aparecen dos quintetos
(ABABB y ABAAB respectivamente), para finalizar con dos serventesios (ABAB).

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CXXXVI PROVERBIOS Y CANTARES

Nunca perseguí la gloria ni dejar en la


memoria

de los hombres mi canción; yo amo los


mundos sutiles, ingrávidos y gentiles

como pompas de jabón. Me gusta


verlos pintarse de sol y grana, volar

bajo el cielo azul, temblar súbitamente


y quebrarse.

Se trata de un poema de 10 versos octosílabos de rima consonante, formado por un pareado (aa)
y dos cuartetas (abba).

II

¿Para qué llamar caminos a los surcos


del azar?...

Todo el que camina anda, como Jesús,


sobre el mar.

Se trata de una copla: cuatro versos octosílabos con rima asonante en los pares, en este caso
oxítona: azar, mar.

IV
Nuestras horas son minutos cuando
esperamos saber,

y siglos cuando sabemos lo que se


puede aprender.

Se trata de una copla: cuatro versos octosílabos con rima asonante en los pares, también oxítona:
saber, aprender.

Ni vale nada el fruto cogido sin


sazón...

Ni aunque te elogie un bruto ha de tener


razón.

Se trata de una estrofa de cuatro versos heptasílabos con rima consonante ABAB (fruto, sazón,
bruto, razón). Por lo tanto es una cuarteta.

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XXIV

De diez cabezas, nueve embisten y una


piensa.

Nunca extrañéis que un bruto


se descuerne luchando por la idea.

Se trata de una estrofa de cuatro versos, tres de ellos heptasílabos y el último endecasílabo, con
rima asonante en los pares (e-a): piensa, idea. Se puede decir por lo tanto que se trata de una silva
arromanzada.

XXVI

Poned sobre los campos

un carbonero, un sabio y un poeta. Veréis cómo el


poeta admira y calla, el sabio mira y piensa...

Seguramente, el carbonero busca las moras o


las setas.

Llevadlos al teatro
y sólo el carbonero no bosteza.

Quien prefiere lo vivo a lo pintado

es el hombre que piensa, canta o sueña.

El carbonero tiene
llena de fantasías la cabeza.

Silva arromanzada de doce versos, cinco de ellos heptasílabos y 7 endecasílabos, con rima
asonante en los pares (e-a): poeta, piensa, setas, bosteza, sueña, cabeza.

XXVIII
Todo hombre tiene dos batallas que
pelear:

en sueños lucha con Dios; y despierto,


con el mar.

Cuarteta formada por cuatro versos octosílabos con rima consonante abab y con todos sus
versos oxítonos (dos, pelear, dios, mar).

XXIX

Caminante, son tus huellas el camino y


nada más; caminante, no hay camino, se
hace camino al andar. Al andar se hace
camino,

y al volver la vista atrás se ve la senda


que nunca se ha de volver a pisar.

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Caminante, no hay camino, sino estellas


sobre la mar.

Romance de diez versos octosílabos con rima asonante oxítona en los pares (-a): más, andar,
atrás, pisar, mar.

XXXV

Hay dos modos de conciencia:

una es luz, y otra paciencia.

Una estriba en alumbrar un poquito el


hondo mar; otra, en hacer penitencia
con caña o red, y esperar el pez, como
pescador.

Dime tú: ¿cuál es mejor?


¿Conciencia de visionario que mira en el
hondo acuario peces vivos,

fugitivos,
que no se pueden pescar, o esa maldita
faena

de ir arrojando a la arena, muertos, los


peces del mar?

Poema de 16 versos, todos octosílabos salvo los versos 11 y 12 tetrasílabos. La rima es extraña
comenzando con seis versos con rima aabbab, a los que siguen tres pareados (uno de ellos de
tetrasílbos, versos 11 y 12) y finaliza con una cuarteta (abba).

CXXXV – A DON FRANCISCO GINER DE LOS RÍOS

Como se fue el maestro, la luz de esta


mañana me dijo: Van tres días

que mi hermano Francisco no trabaja.

¿Murió?... Sólo sabemos


que se nos fue por una senda clara, diciéndonos:
Hacedme

un duelo de labores y esperanzas.

Sed buenos y no más, sed lo que he sido entre


vosotros: alma.

Vivid, la vida sigue,


los muertos mueren y las sombras pasan; lleva quien
deja y vive el que ha vivido.

¡Yunques, sonad; enmudeced, campanas!


Y hacia otra luz más pura

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partió el hermanó de la luz del alba, del sol de los


talleres,

el viejo alegre de la vida santa.


... ¡Oh, sí!, llevad, amigos, su cuerpo a
la montaña, a los azules montes

del ancho Guadarrama.


Allí hay barrancos hondos

de pinos verdes donde el viento canta.


Su corazón repose bajo una encina
casta,

en tierra de tomillos, donde juegan mariposas


doradas...

Allí el maestro un día


soñaba un nuevo florecer de España.

Se trata de una silva arromanzada de 30 versos. En esta ocasión abundan los heptasílabos,
dieciocho, frente a los doce endecasílabos. La rima es asonante en los pareas (a-a): mañana, trabaja,
clara, esperanzas, alma, pasan, campanas, alba, santa, montaña, Guadarrama, canta, casta, doradas,
España.

CXLVIII – A LA MUERTE DE RUBÉN DARÍO

Si era toda en tu verso la armonía del mundo,

¿dónde fuiste, Darío, la armonía a buscar? Jardinero de


Hesperia, ruiseñor de los mares, corazón asombrado de la
música astral,

¿te ha llevado Dionisos de su mano al infierno y con las


nuevas rosas triunfante volverás?

¿Te han herido buscando la soñada Florida, la fuente de la


eterna juventud, capitán?

Que en esta lengua madre la clara historia quede; corazones de


todas las Españas, llorad.

Rubén Darío ha muerto en sus tierras de Oro, esta nueva


nos vino atravesando el mar.

Pongamos, españoles, en un severo mármol,

su nombre, flauta y lira, y una inscripción no más:


Nadie esta lira pulse, si no es el mismo Apolo, nadie esta
flauta suene, si no es el mismo Pan.

Se trata de un poema de dieciséis versos alejandrinos, divididos en dos hemistiquios, con rima
asonante oxítona en los pares (-a): buscar, astral, volverás, capitán, llorad, mar, más, Pan. Se podría
decir que es un romance heroico por ser los veros de arte mayor (aunque los romances heroicos suelen
ser de versos endecasílabos).

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b) Análisis del léxico empleado en los poemas de Campos de Soria que se reproducen en la
crestomatía, siguiendo el modelo del comentario de texto.

Machado utiliza un léxico muy asequible a un lector de cultura media, carente de rebuscamiento.
En este poema abundan los términos referentes al ámbito de la naturaleza, el campo y las labores
propias de la ganadería y la agricultura: labrantía, estameñas, huertecillo, abejar, merino, pasta,
peñascales, siembran, chopos, camino, ramas, hojas, quiebras, valles, barrancas, zarzales, florecillas,
brotan, campo, borriquillos, arrebolada, cerro, picos, águila, llanos, lomas, montes, cumbres, nieve,
cielo, bueyes, aran, alcor, otoño, testas, yugo, cesto, juncos, retama, yunta, tierra, zanjas, semilla,
nube, poniente, colinas, roquedas, encinares, pedregales, sierras, álamos, río, rocas.

La mayoría de las palabras son conocidas por todos pero algunos términos pueden resultar ajenos por
encontrarse en desuso en nuestra actual sociedad urbanita. Subrayo y defino a continuación los que
pueden presentar alguna dificultad:

 Labrantías: (tierras) destinadas al cultivo


 Estameña: ejido de lana, sencillo y ordinario que tiene la urdimbre y la trama de estambre.
 Merino: raza de ganado ovino
 Quiebra: grieta, hendidura en la tierra.
 Arrebolada: conjunto de nubes enrojecidas por los rayos del sol.
 Alcor: colina o collado.
 Testa: cabeza (en este caso de los bueyes)
 Yunta: par de bueyes, mulas u otros animales qe sirven en la labor del campo.
 Roqueda: lugar abundante en rocas.

Llama la atención en este poema la gran cantidad de términos y sintagmas utilizados para referirse a
diferentes colores y tonos: pardas, verde obscuro, plomizos, glauco, blanquean, violetas, arrebolada,
de oro, tornasoles de carmín y acero, plateadas, de nieve sonrosada, negras, de carmín y llama, oro
fluido y verdinoso del poniente, sombras, grises, cárdenas, blancos…

Por último resalta el término “undulado” en vez de “ondulado”, que existe, pero es de uso poco
corriente.

c) Qué significa el último verso conocido de Antonio Machado: “Estos días azules y este sol
de la infancia”.
Según se cuenta, cuando murió Antonio Machado, su hermano encontró en el bolsillo de su
gabán un papel en el que estaba escrito este verso alejandrino. Es difícil aventurarse a asignar un
significado exacto a estas últimas palabras, pero el verso no ha dejado indiferentes a los literatos e
intelectuales del último siglo.
Machado huyó de Barcelona con su familia el 22 de enero de 1936, pocos días antes de que
fuera tomada por el ejército franquista, cruzó los Pirineos el 27 de enero y llegó a Collioure el 28 de
enero, muy enfermo. Allí permaneció alojado en un hotel hasta el 22 de febrero, día en que murió.

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En Coillure, tras unos días lluviosos en los que Machado ha pasado la frontera con el éxodo de
los vencidos, un día surge un día despejado y un tibio sol de invierno le recuerda los felices días de
su infancia. Tiene sentido después de llevar tres años trasladándose de ciudad, de Madrid a Valencia,
de Valencia a Barcelona, de Barcelona al exilio, tres años en guerra, sin descanso ni tranquilidad, con
el miedo, los bombardeos siempre amenazando, llega a Colliure donde hay paz, no se oyen disparos,
no hay que huir y sale el sol. Eso, y el presentimiento de la muerte cercana, le trasladarían a esos días
soleados de su Sevilla natal, que en tantos otros poemas él mismo recordó. Lo más probable es que
para este poeta que en tantas ocasiones abordó el concepto de España a lo largo de su obra, en febrero
de 1939, en el exilio, enfermo y cansado, su patria fuera su infancia, y con estos versos dejó constancia
de ello.
El 22 de febrero de 1959, al cumplirse 20 años de su fallecimiento, un grupo de poetas españoles
quisieron recordarle y fueron a su tumba en Collioure a rendirle homenaje. Fueron Blas de Otero,
José A. Goytisolo, Ángel González, José A. Valente, Jaime Gil de Biedma, Alfonso Costafreda,
Carlos Barrall y J.M. Caballero Bonald. De Ángel González es este poema:
La brisa del mar próximo
abrió un espacio de luz en el invierno. Regresaba a ti,

en la hora más triste,

como el milagro de otra primavera que nunca llegaría,

esos días azules y ese sol de la infancia.


Qué habrán iluminado en tu hondo sentimiento, qué imágenes de patios olorosos a
azahar,

qué perfume a jazmín traerían a tu ensueño entre un rumor de fuentes

esos días azules…


¿Ensueño todavía, o tan solo memoria? No; allá en el fondo de la mar no
sueñan los frutos de oro:

sólo estéril arena, piedras negras, anémonas amargas, sin aroma. (Mañana es
nunca ya, tal vez pensabas) Y sin embargo,

piadosa luz,

y muerte más piadosa que la vida,


que detuvo en los lienzos del recuerdo contigo hacia la sombra,

tan lejanos y claros, tan imposibles ya,

pero contigo, en ti al fin para siempre

-mañana es nunca, nunca, nunca-

esos días azules y ese sol de la infancia.

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d) Recopile los recursos estilísticos subrayados en el poema comentado y clasifíquelos de


acuerdo con el procedimiento empleado (figuras de dicción, figuras de pensamiento y
tropos)

Figuras literarias: formas no convencionales de utilizar las palabras que, aunque se emplean
con sus acepciones habituales, tienen particularidades fónicas, gramaticales o semánticas, que las
alejan de ese uso habitual, por lo que resultan especialmente expresivas:
Figuras de dicción: afectan a la forma de las palabras, o de las oraciones, sintagmas, etc
(aunque a veces también al significado). En el comentario del equipo docente aparecen las siguientes:
Figuras de repetición:
 Bimembración: “En la desesperanza y en la melancolía”
 Paralelismo:
“irá a cruzar el alto solar del romancero,
ya verdearán de chopos las márgenes del río.
¿Dará sus verdes hojas el olmo aquel del Duero? Tendrán los campanarios de Soria
sus cigüeñas,”
“rebaños blancos” “grises peñas” “altos prados”
“hayedos y pinares” “casetas y majadas” “arroyos y hontanares” “alcores y
roquedas”
“mi corazón se abreva” “mi corazón te lleva”
 Recurrencia semántica: “Tierra de alma” “tierra mía”

Figuras de posición: alteración del orden normal de las palabras:

 Hipérbaton:
“barriendo el cierzo helado tu campo empedernido” “¿Dará sus verdes hojas…”
“en sierras agrias sueño”
“ya los rebaños blancos, por entre grises peñas hacia los altos prados conducirá el
pastor”

Figuras de pensamiento: afectan al significado de las palabras. En el comentario se han


encontrado las siguientes:
Figuras de diálogo: propias del estilo directo. Subrayan el carácter comunicativo del
discurso.
 Invocación: “¡Oh, Soria!”
 Despedida: “¡Adiós, tierra de Soria (…) mi corazón te lleva”

Figuras lógicas: relaciones lógicas entre las ideas. Por ejemplo: contradicción.

 Antítesis: descripción de dos realidades distintas pero simultáneas:

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Una exterior y objetiva, la que contempla el viajero desde el tren, los campos
andaluces, paisaje ameno y placentero
“…cuando miro los frescos naranjales cargados de
perfume, y el campo enverdecido abiertos los jazmines,
maduros los trigales, azules las montañas y el olivar
florido”
- Una interior y subjetiva, la que conoce y recuerda el poeta, los campos
sorianos, paisaje áspero y desapacible.
“yo sé la encina roja crujiendo en tus hogares, Barriendo el
cierzo helado tu campo empedernido; Y en las sierras agrias…”
Figuras de acumulación: adición de elementos complementarios a las ideas expuestas:
 Adjetivación abundante: frescos, enverdecido, abiertos, maduros, azules, florido,
roja, helado, empedernido, agrias, blanco, alto, verdes, parda, blancos, grises, altos,
joven, altas, numantinas, hondas, ágil, infecto, menudas, cenicientos, desnuda,
fatigadas, dispersos, humildes, alto, militares, yermo, floridos.

Tropos: sustitución de una expresión por otra cuyo sentido es figurado. La expresión se desvía
de su contenido original para adoptar otro contenido. Los más habituales son: metáfora, alegoría,
hipérbole, metonimia, sinécdoque, antonomasia, sinestesia, énfasis, ironía…
En el comentario realizado por el equipo docente no se señala ningún tropo, pero releyendo el
poema observo los siguientes:
Metáforas
“los enjambres de oro” “donde reina el
águila” “fantasmas de robledos” “mi
corazón se abreva”

Sinestesia
“en sierras agrias sueño”

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e) Elabora una ficha-resumen del tema.

Contexto Histórico Bibliografía Obra


1874. Restauración Borbónica
1875 – Nacimiento en Sevilla
1874 – 1885. Alfonso XII
Alternancia de gobiernos liberales 1975 – 1883. Sevilla
y conservadores. Caciquismo. Nacido en Sevilla. Padre doctor en letras, abogado y folclorista. Abuelo médico, gobernador
de Sevilla y catedrático de ciencias naturales y rector de la Universidad de Sevilla.

1883 – 1907. Madrid y París

1883 – 1889. Madrid. Alumno de la Institución Libre de Enseñanza, Francisco Giner de los
Rïos: proyecto pedagógico innovador. Sus valores: responsabilidad ética individual, espíritu
laico y liberal, gravedad filosófica, sentido de la dignidad del trabajo, amor al arte y la cultura,
1885 – 1902. Regencia Mª Cristina afición a la naturaleza y al excursionismo, respeto por la verdad, creencia en los derechos
Alternancia de gobiernos liberales humanos.
y conservadores. Caciquismo.
1888. Su padre emigra a Puerto Rico

1889 – 1900. Madrid. Bachillerato en los Institutos de San Isidro y Cardenal Cisneros. 1892 – 1893. Primera actividad literaria: colaboración en
No fue un alumno brillante pero fue un lector autodidacta. la revista satírica “La Caricatura” bajo el seudónimo de
“Cabellera” o como “Tablante de Ricamonte” con su
1893. Su padre vuelve y muere en Sevilla hermano Manuel.
1998. Pérdida de las últimas También juntos en “Diccionario de ideas afines”.
colonias españolas. Cuba, Puerto 1899. Viaje a París con su hermano Manuel como traductores y redactores de un diccionario
Rico y Filipinas. hispánico. Entraron en contacto con los autores más avanzados del momento: Jean Moréas, 1901. Revista “Electra”
Pesimismo y frustración. Oscar Wilde, Paul Fort. Conocieron a Pío Baroja y a Enrique Gómez Carrillo. París estaba
Desprestigio militar, pérdida dominado por el simbolismo en poesía, el impresionismo en pintura y el escepticismo 1902. “La revista ibérica”
demográfica por la muerte de elegante en crítica.
muchos solados, crisis económica. 1903 – 1904. “Helios”. Revista en la que los hermanos
Sensación de decadencia 1900 – 1901. Madrid. Eclosión del Modernismo tras el segundo viaje de Rubén Darío. Machado publican sus primeros poemas.
nacional, pobreza endémica de la Contacto con Francisco Villaespesa y Juan Ramón Jiménez.
población campesina con grandes 1903. “Soledades”. Libro con cuarenta y dos
desigualdades. 1902. París. Conocen a Rubén Darío. composiciones. Época inicial.
Ambiente modernista pero muy pronto encuentra su
1902 – 1931. Alfonso XIII 1900 – 1907. Madrid. Antonio y Manuel conviven con los círculos artísticos madrileños, propia voz ya que no se identificaba con tanta
tertulias y cafés literarios, apasionados por el teatro, participantes de grupos de aficionados. exuberancia ornamental. Ambientación arábigo-
andaluza y en jardines, gusto por el cromatismo de la

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1907 – 1912. Soria adjetivación, abundante ambientación nocturna que


Vacante como catedrático de francés de instituto. induce al misterio.
Conoce a Leonor Izquierdo de sólo trece años, de quien se enamora apasionadamente. Se Conciencia ideológica sobre la situación del país,
casarón cuando cumplió quince años. desastre colonial y necesidad de regeneración política y
Machado se sintió muy ligado a Soria, participó activamente en la vida provinciana (tertulias, social.
periódicos, etc.) Búsqueda de la expresión de su yo interior, su emoción
íntima, la verdad de sus sentimientos. Poesía intimista
1909. Semana trágica de que se nutre de los modelos del simbolismo. La realidad
Barcelona exterior se hace símbolo de las sensaciones interiores.
Expresión de sus estados de ánimo. Personificación de
1909 – 1927. Guerra del Rif o 1910. Viaje a París con Leonor. Pensión de la Junta de ampliación de estudios. las ideas y del paisaje.
segunda guerra de Marruecos. Trató con cierta frecuencia a Rubén Darío. Tono angustiado y melancólico. Temas recurrentes:
recuerdos de la infancia añorada, de la juventud
1911. Leonor enferma de tuberculosis. perdida, de la llegada de la vejez, la falta de ilusión por
la vida, el hastío, la monotonía de la vida, el
1912. Muere Leonor a los dieciocho años. presentimiento de la muerte. Todos ellos relativos al
1912 – 1919. Baeza paso irreparable del tiempo y ligados al espíritu
Pide el traslado tras la muerte de Leonor para alejarse de Soria. decadente de fin de siglo.
De nuevo vida de serenidad provinciana.
Excursiones: fuentes del Guadalquivir, sierra madrileña de Guadarrama… 1907. 2ª edición. “Soledades, galería y otros poemas”
Retoma sus estudios de filosofía. con trece poemas suprimidos y muchos ampliados,
Amplía su visión de España con la realidad andaluza. hasta los noventa y seis.
Se amplían las imágenes del huerto, las flores, las abejas.
Mayor intensidad en la introspección.
Hay una cierta mirada al exterior. Contemplación del
paisaje presente, de la realidad externa.
Versificación muy variada en metros y estrofas.
Prefiere la asonancia a la rima consonante.
Prevalece la libertad de expresión del sentimiento.
Aúna las dos tradiciones de la lírica española: la culta de
los versos impares y la tradicional-popular del
octosílabo.

1910. Poema “La tierra de Alvargonzález”

1913. Autobiografía con motivo de una antología que


proyectaba Azorín.

1912 - 1917“Campos de Castilla”

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Es el núcleo principal de la poesía de Machado. Surge


como resultado de su estancia en Soria. Nostálgico
1917. Encuentro con Federico García Lorca. recuerdo de la esposa y la vivencia soriana.
También poemas referidos a la tierra y las gentes de la
1918. Se licencia en filosofía Andalucía interior.
Voluntad de llegar a la raíz del alma española, de
1919 – 1932. Segovia y Madrid diseccionar sus problemas, analizar los vicios de su
Se traslada a la cátedra de Segovia. Aglutina a su alrededor una tertulia que acabará siendo sociedad y proclamar que otra España es posible (en
1920. Gobierno Dato el núcleo de la Universidad Popular, creada ara las clases más humildes y donde enseñó línea con las propuestas regeneracionistas del 98 y la ILE)
francés gratuitamente. Es una síntesis del pensamiento crítico historicista del
1921. Asesinato de Dato. 98.
1922. Forma con sus amigos una Liga Provincial de Derechos del Hombre. En Soria se sensibilizó con la austeridad de la vida
1921. Desastre de Annual en el Rif Continua cultivando su afición por el excursionismo con viajes por León, Palencia, Pedraza, campesina, sus paisajes y con la situación de miseria en
Ávila… que vivía la población.
Pasa muchos fines de semana en Madrid con su madre y su hermano. Se radicaliza su posición político-social. No idealiza la
1923 – 1930. Dictadura de Primo Lleva a cabo con Manuel una fructífera colaboración teatral. realidad castellana. Ejemplifica el atraso secular y el
de Rivera atavismo que rigen el mundo rural castellano.
Poesía sobria, ya superada la retórica modernista. La
realidad del campo castellano, contemplado y vivido por
el poeta imponen la austeridad al lenguaje poético.
Presenta una Castilla miserable que desprecia cuanto
ignora. Considera que la solución debería venir por el
ansia de saber, la voluntad de progreso que busque en
la educación las puertas del futuro.
Fustiga el mundo de la ciudad provinciana y sus gentes,
la España interior, tanto castellana como andaluza.
En sus poemas hay crítica, desprecio y humor sarcástico.
Defiende la España que ha de basar su existencia y su
progreso en el trabajo y no en la oración.
Otro grupo de poemas en “Campos de Castilla” es el de
proverbios y cantares.
Composiciones generalmente breves, cercanas a las
coplas andaluzas, normalmente con rima consonante,
aunque no falta la asonancia. Es un conjunto variado de
1927. Fin de la guerra de breves poemas, mayoritariamente de cuatro versos, de
Marruecos carácter sentencioso, que adoptan la forma de sabiduría
popular para plantear cuestiones paradójicas de
1928-1929. Revueltas apariencia humorística, pero que esconden
estudiantiles y cierre de la preocupaciones que acompañaban al poeta. Denuncia
Universidad. vicios individuales como la envidia o la avaricia y

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colectivos como la ignorancia. Propone valores como la


paciencia, la bondad ola verdad como rectores de la vida
humana, con un fondo de escepticismo que deja cierta
1927. Es elegido miembro de la Real Academia pero no llegó a tomar posesión. amargura.

1929. Relación con Pilar de Valderrama, mujer casada y con hijos, tradicional, escritora de 1917. “Poesías completas” versión ampliada y definitiva
poemas, que fue a Segovia para conocerle y buscar su ayuda para difundir su poesía. de “Campos de Castilla”. Publicación de la Residencia de
Machado manifiesta un sentimiento apasionado hacia ella. Estudiantes al cuidado de Juan Ramón Jiménez.

1931. Segovia. En la proclamación de la primera república iza la bandera tricolor en el 1917. “Poesías escogidas”
1930. Caída de Primo de Rivera y Ayuntamiento.
gobierno de Berenguer. 1924. “Nuevas Canciones”
1931. Cuarto viaje a Paris. Tiene una doble dirección poética:
1931. Proclamación de la - Influencia clásica: abundante grupo de sonetos. No
República. 1932 – 1936. Madrid había usado sonetos antes y aparece como
Se instala en la casa familiar y se traslada al Instituto Calderón de la Barca y en 1935 al resultado de su indagación en la poesía barroca. Se
Instituto Cervantes. convierte en una práctica habitual e intensa entre
Colabora con instituciones republicanas como las “Misiones pedagógicas” que intentaban 1913 y 1925. En general tienen el esquema clásico
1931 – 1936. Lustro republicano. extender la cultura a todos los rincones del país con exposiciones itinerantes y de catorce versos endecasílabos con rima
Intensidad cultural e impulso de la representaciones teatrales de los clásicos de la pintura y el teatro de los siglos de Oro. consonante, pero en ocasiones rompe con esa
educación en España. Entró en la Gran Logia Española de la Masonería y participa en el Comité mundial de rigidez quebrando alguno de los versos para evitar
Grave inestabilidad y violencia escritores en defensa de la cultura y en manifiestos en denuncia del totalitarismo y en su inoperancia expresiva.
política. defensa de la libertad y los valores republicanos. Aparecen homenajes y elogios a amigos admirados:
Pío Baroja, Azorín, Ramón Pérez de Ayala, Valle-
1932. Levantamiento de Sanjurjo 1936 – 1939. Valencia, Barcelona y Collioure Inclán…
contra la República. Cuando comenzó la guerra Machado permaneció en Madrid y se puso al servicio de la También vuelve a expresar la nostalgia de la esposa-
defensa de la legalidad republicana de forma incondicional. Firmó manifiestos, dio niña y los escenarios de su convivencia en Soria.
entrevistas y celebró mítines para elevar la moral de los combatientes. Evoca el tiempo pasado una y otra vez revivido.
Además aparecen testimonios de la conciencia de la
1936. Victoria de la izquierda en Noviembre de 1936. Se traslada a Valencia con toda su familia, donde siguió con su labor vejez del poeta al pasar la cincuentena. Da una
las elecciones agrupada en el propagandística republicana imagen de viudo que vive de recuerdos, incapaz de
Frente Popular. iniciar otra aventura amorosa, destinado a la
soledad y la desesperanza.
1936. Alzamiento militar. - Interés por el folclore: reelaboración del canto
Comienzo de la Guerra civil. tradicional andaluz. Vuelven a aparecer proverbios
y cantares con carácter filosófico, paradójico y
1936 – 1939. Guerra Civil pedagógico. Acompañan a canciones y coplas,
Española. algunas muy cercanas al haiku japonés, otras
Abril de 1938. Se traslada a Barcelona, a la vez que el gobierno, donde sigue escribiendo cercanas a la raíz profunda del flamenco o del
artículos y poemas hasta el último momento, incluso cuando la derrota era evidente. folclore popular castellano.

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Machado siempre había sido próximo a la lírica


Enero de 1939. Exilio de Machado con su familia a Collioure. popular, pero ahora además conecta con el neo-
popularismo que cultivó la poesía española en la
Febrero de 1939. Muerte de Machad en Collioure. primera mitad de los años veinte.

1924. 2ª edición de sus “Poesías completas”

1924. Cuaderno “Los complementarios”


Crea personajes apócrifos (poetas, filósofos y
ensayistas) en los que se desdobla para reflexionar sobre
la actualidad política.

1925-1926. “Cancioneros apócrifos de Abel Martín y


Juan de Mairena”
En 1924 crea a Abel Martín y en 1925 a Juan de Mairena.
Su creación tiene que ver con la crisis de identidad de la
sociedad contemporánea y su interés por las teorías
psicoanalíticas de Freud. No se trata del uso de
pseudónimos sino de la construcción de una identidad
ficticia a través de la que expresarse con una perspectiva
que no permite la autoría directa.
Abel Martín es un poeta y filósofo nacido en Sevilla en
1840 y muerto en Madrid en 1898, autor de una extensa
obra filosófica y de una colección de poesías publicada
en 1848 con el título “Los complementarios”.
Juan de Mairena es su discípulo, también sevillano,
poeta y filósofo e inventor de una máquina de antar,
profesor de gimnasia y de retórica, autor de “Una vida
de Abel Martín”, de un “Arte poética”, de un tratado de
metafísica y de una colección de poesías. Crea a su vez
otro apócrifo: Jorge Meneses.
El propio Machado aparece como apócrifo, como
discípulo de ambos.
En estos textos de funden poesía, estética, filosofía,
reflexiones que exceden la mera creación lírica.

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1928. Nueva edición de “Poesías completas” en la que


aparecen supuestas obras de Abel Martín y Juan de
Mairena.

1929. “Canciones a Guiomar” publicadas en la “Revista


de Occidente”
Aparece una nueva ilusión encarnada en Pilar de
Valderrama, que le cautiva por medio de su admiración
y le insufla nuevos bríos que traducirá en poemas
apasionados como nunca antes había escrito.
Se refieren a una relación a distancia, en la que el poeta
construye un vínculo en ausencia de su amada. Ella
siempre dijo que era una relación platónica, pero lo
importante es la realidad poética de su amor.

1933. Nueva edición de “Poesías completas” en la que


aparece Jorge Meneses, apócrifo creado por Juan de
Mairena.

1932 – 1936
Colaboraciones periodísticas en “Madrid Ilustrado” y en
“El Sol” a nombre de su apócrifo Juan de Mairena.

1936. “Juan de Mairena (sentencias, donaires, apuntes y


recuerdos de un profesor apócrifo)” Recoge sus
colaboraciones periodísticas anteriores. Los artículos de
temática político-social son especialmente interesantes
ya que prevén la terrible fractura social que estaba a
punto de producirse.

1936 – 1939.
Artículos en prensa “Hora de España”, “Madrid” y “La
Vanguardia”
La ideología herética y libertaria del apócrifo Juan de
Mairena se agudiza en estos años, en defensa de la
dignidad del hombre en la ética popular del trabajo
contra todo privilegio de clase.

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La filosofía machadiana es mucho más profunda y


coherente de lo que suele aceptarse con una gran
densidad ideológica.
Sus poemas de estos años mantienen conceptos claves
de todas las etapas de su trayectoria: la voluntad, el
trabajo, la bondad del poeta que camina a través de las
estaciones y los años, la defensa del campesino, la
primavera, el recuerdo de las tierras sorianas, la vivencia
del aire y sus sensaciones, la compasión con el ser
desvalido, el recuerdo de la infancia en Sevilla. Solo que
ahora se nos presentan ambientados en el ruido de los
aviones que pueden descargar sus bombas y sembrar la
muerte.
Son las composiciones poéticas menos interesantes de
Machado desde un punto de vista estético por su
subordinación a la propaganda antifascista, aunque
resultan interesantes como testimonio de su
compromiso personal con la causa republicana, que le
convertiría en paradigma del compromiso ético.
Defendió siempre sus ideas con gran coherencia y
claridad expresiva.

1937. “La guerra” o “Poemas de guerra”


Destaca “El crimen fue en Granada” dedicada a Federico
García Lorca tras su muerte. El empleo de la silva-
romance con asonancia en los pares de da el carácter
épico de romancero.

1939. “Estos días azules y este sol de la infancia”.

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TEMA 3. VALLE-INCLÁN: DEL MOPDERNISMO A LA VANGUARDIA

a) ¿Cuál fue la ideología política de Valle-Inclán? ¿Cambió de ideología a lo largo de su


vida? ¿Qué obras reflejan mejor su pensamiento?

Valle en un principio fue criado en ambiente familiar contradictorio en lo concerniente a la pitica


su familia paterna era de tendencia Ilustrada liberal y su familia materna era tradicionalista, arraigada
en los mayorazgos campesinos gallegos, en un primer momento forma parte del partido carlista, esta
fue una opción radical para expresar rechazo al parlamentarismo Borbónico y el caos reinante en el
país esto fue alrededor de 1906 hasta el inicio de la primera guerra mundial. Si abandono su militancia
en el partido carlista y se declaró aliadófilo tras el fin de la primera guerra mundial en clara
discrepancia con los carlistas que eran germanófilos, aun tuvo otros cambios como el acaecido durante
su crisis personal e ideológica en 1919-1920.Del valle carlista pasa al Valle integrado en el anarquismo
y bolchevismo. Con su oposición a la dictadura de primo de rivera tenemos otro cambio de militancia
en 1927 se incorpora al partido La Alianza republicana, conjunto de partidos partidario de la Republica
como forma de estado En Las novelas sobre la guerra Carlista : Las cruzadas de la causa(1908) ,El
Resplandor de la hoguera(1909) , pero sobre todo La sonata de Invierno, El Marqués de Bradomín
en la cual el protagonista es la Marqués de Bradomín se refleja el Valle más tradicionalista, en todos
los sentidos .El carácter político de sus obras le creaba problemas , tras el inicio de la I Guerra Mundial
tuvo la oportunidad de visitar el frente de ahí surgen obras como La Media Noche ,Visión estelar de
un momento de guerra (1917).En su año de crisis personal e ideológica publica dos libros de poemas
La pipa de Kif(1919)y El Pasajero(1920)y varias obras teatrales Farsa y Licencia de la Reina castiza
(1919)Farsa de la enamorada del Rey, Divinas Palabras. Tragicomedia (1920). Aquí es donde se
produce el viraje ideológico y estético. El resultado de ese proceso seria, el esperpento, formula
sustentada en la estética de lo grotesco, anunciada ya en sus farsas La Marquesa de Rosalinda. Farsa
sentimental y grotesca (1912 fue estrenada en ese año y al siguiente editada en libro). Farsa Infantil
de la Cabeza del Dragón (estrenada en 1910 y publicada en 1914), Farsa de la Enamorada del Rey
(1920) y Farsa y Licencia de la Reina Castiza (1920/1922, estrenada en 1931), reunidas las tres
últimas en el volumen Tablado de marionetas para educación de príncipes (1926).Los esperpentos
sólo cuatro de sus obras: Luces de Bohemia, publicada por entregas en 1920 en la revista España, cuya
versión definitiva se editó en volumen en 1924; Los Cuernos de don Friolera, publicada en la revista
La Pluma en 1921 y en libro en 1925; El Terno del Difunto (1926), titulado definitivamente Las Galas
del Difunto, en 1930; y La Hija del Capitán, publicada en La Nación de Buenos Aires en 1927. Las
tres últimas se incluyeron en el volumen Martes de Carnaval (1930).

b) ¿Valle-Inclán fue modernista o noventayochista? ¿Qué diferencias encuentra usted entre


unos y otros?
Fue ambos, Valle-Inclán perteneció ambos movimientos, sus textos fueron periodísticos eran
preferentemente literarios en la creación y la crítica, aunque no se adentró en la crítica política e
ideológica como sus coetáneos del 98.
El modernismo hispánico fue la voluntad de la burguesía de fin de siglo XIX, dentro de la
superación de un lenguaje artístico del realismo., es un correlato estético de la voluntad de la
superación de los vicios del sistema político que hubo de llevarlos al desastre del 98 la perdida de las
ultimas colonias.

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Ambos movimientos en nada se oponen, ambos son complementarios tanto en la estética


artística y literaria y en la política. Son una manera de afrontar la degeneración del sistema político:
la búsqueda de un lenguaje propio en lo estético y de nuevas fórmulas de regeneración de los vicios
nacionales en lo tocante a lo político. El inconformismo ante la crisis generalizada de la España del
98 se tradujo en Valle -Inclán en una iconoclasia formal de la indumentaria de este, así como una
disipación de las costumbres bohemias. En general un cambio en los códigos expresivos al que siguió
el paradigma del lenguaje artístico practicado por Rubén Darío al cual conoció en la tertulia del café.

c) Señale en el fragmento de Soneto de otoño incluido en la crestomatía las palabras que


pueden caracterizarse como propias de la estética modernista.
La profusión de adjetivos que trasmiten la figura estilística, sinestesia, triadas de adjetivos,
palabras de carácter refinado.

SONATA DE OTOÑO

Cuando volví a ver con mis ojos mortales la faz amarilla y desencajada de Concha, cuando volví a tocar con mis
manos febriles sus manos yertas, el terror que sentí fue tanto, que comencé a rezar, y de nuevo me acudió la tentación
de huir por aquella ventana abierta sobre el jardín misterioso y oscuro. El aire silencioso de la noche hacía flamear
los cortinajes y estremecía mis cabellos. En el cielo lívido empezaban a palidecer las estrellas, y en el candelabro
de plata el viento había ido apagando las luces, y quedaba una sola. Los viejos cipreses que se erguían al pie de la
ventana, inclinaban lentamente sus cimas mustias, y la luna pasaba entre ellos fugitiva y blanca como alma en pena.
El canto lejano de un gallo se levantó en medio del silencio anunciando el amanecer. Yo me estremecí, miré con
horror el cuerpo inanimado de Concha tendido en mi lecho. Después, súbitamente recobrado, encendí todas las luces
del candelabro y le coloqué en la puerta para que me alumbrase el corredor. Volví, y mis brazos estrecharon con
pavura el pálido fantasma que había dormido en ellos tantas veces. Salí con aquella fúnebre carga. En la puerta, una
mano, que colgaba inerte, se abrasó en las luces, y derribó el candelabro. Caídas en el suelo las bujías siguieron
alumbrando con llama agonizante y triste. Un instante permanecí inmóvil, con el oído atento. Sólo se oía el ulular
del agua en la fuente del laberinto. Seguí adelante. Allá, en el fondo de la antesala, brillaba la lámpara del Nazareno,
y tuve miedo de cruzar ante la imagen desmelenada y lívida. ¡Tuve miedo de aquella mirada muerta! Volví atrás.

Para llegar hasta la alcoba de Concha era forzoso dar vuelta a todo el Palacio si no quería pasar por la antesala. No
vacilé. Uno tras otro recorrí grandes salones y corredores tenebrosos. A veces, el claro de la luna llegaba hasta el
fondo desierto de las estancias. Yo iba pasando como una sombra ante aquella larga sucesión de ventanas que
solamente tenían cerradas las carcomidas vidrieras, las vidrieras negruzcas, con emplomados vidrios, llorosos y
tristes. Al pasar por delante de los espejos cerraba los ojos para no verme. Un sudor frío empañaba mi frente. A
veces, la oscuridad de los salones era tan densa que me extraviaba en ellos y tenía que caminar a la ventura,
angustiado, yerto, sosteniendo el cuerpo de Concha en un solo brazo y con el otro extendido para no tropezar. En
una puerta, su trágica y ondulante cabellera quedó enredada. Palpé en la oscuridad para desprenderla. No pude.
Enredábase más a cada instante. Mi mano asustada y torpe temblaba sobre ella, y la puerta se abría y se cerraba,
rechinando largamente. Con espanto vi que rayaba el día. Me acometió un vértigo y tiré... El cuerpo de Concha
parecía querer escaparse de mis brazos. Le oprimí con desesperada angustia. Bajo aquella frente atirantada y
sombría comenzaron a entreabrirse los párpados de cera. Yo cerré los ojos, y con el cuerpo de Concha aferrado en
los brazos huí. Tuve que tirar brutalmente hasta que se rompieron los queridos y olorosos cabellos...

Llegué hasta su alcoba que estaba abierta. Allí la oscuridad era misteriosa, perfumada y tibia, como si guardase el
secreto galante de nuestras citas. ¡Qué trágico secreto debía guardar entonces! Cauteloso y prudente dejé el cuerpo
de Concha tendido en su lecho y me alejé sin ruido. En la puerta quedé irresoluto y suspirante. Dudaba si volver
atrás para poner en aquellos labios helados el beso postrero: Resistí la tentación. Fue como el escrúpulo de un
místico. Temí que hubiese algo de sacrílego en aquella melancolía que entonces me embargaba. La tibia fragancia
de su alcoba encendía en mí, como una tortura, la voluptuosa memoria de los sentidos. Ansié gustar las dulzuras de
un ensueño casto y no pude. También a los místicos las cosas más santas les sugestionaban, a veces, los más extraños
diabolismos. Todavía hoy el recuerdo de la muerte es para mí de una tristeza depravada y sutil: Me araña el corazón
como un gato tísico de ojos lucientes. El corazón sangra y se retuerce, y dentro de mí ríe el Diablo que sabe convertir
todos los dolores en placer. Mis recuerdos, glorias del alma perdidas, son como una música lívida y ardiente, triste

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y cruel, a cuyo extraño son danza el fantasma lloroso de mis amores. ¡Pobre y blanco fantasma, los gusanos le han
comido los ojos, y las lágrimas ruedan de las cuencas! Danza en medio del corro juvenil de los recuerdos, no posa
en el suelo, flota en una onda de perfume. ¡Aquella esencia que Concha vertía en sus cabellos y que la sobrevive!
¡Pobre Concha! No podía dejar de su paso por el mundo más que una estela de aromas. ¿Pero acaso la más blanca
y casta de las amantes ha sido nunca otra cosa que un pomo de divino esmalte, lleno de afroditas y nupciales
esencias?

d) Explique si es verdadera o falsa y por qué la siguiente afirmación: “las numerosas obras
dedicadas al Ejército y las guerras de la España del siglo XIX por Valle-Inclán evidencian
su espíritu militarista”.
No estoy de acuerdo con esto, cierto es que escribió obras en las que se hablaban del ejército y
de las guerras, pero fue más bien para demostrar su desacuerdo con el espíritu militarista y por eso los
uso para representar la decadencia de este estamento en sus esperpentos para guiñolizarlos y
caricaturizarlos para exponer su contrariedad. Con este estamento tan arcaico y demodé.

e) Elabora una ficha-resumen del tema.


Valle -Inclán nace en el seno de una familia de tradición Ilustrada y liberal por parte paterna y
conservadora, terrateniente, por parte materna. Vivió sus primeros años en la sociedad campesina,
arcaica y profundamente tradicional, que fue fuente de leyendas y tradiciones supersticiones,
personajes y paisajes de sus obras.
Estudio bachillerato en Pontevedra entre 1877 y 1883, y se matriculo en Derecho en la
universidad de Santiago en 1884, en Santiago en ese momento se vivían momentos de gran exaltación
del regionalismo gallego tanto en su tendencia progresista como en la conservadora – tradicionalista.
De ambas bebió el joven Valle-Inclán en las tertulias políticas a las cual era asiduo: llego a proyectar
una historia de Galicia y colaboró en dos periódicos: el Globo y El País gallego. De esos años datan
sus primeros escritos, artículos periodísticos y narraciones breves, género que cultivaría toda su vida
y que iría reuniendo periódicamente en colecciones. Se aprecian recurrentes rasgos en sus obras
posteriores, es un escritor, sin rupturas bruscas, cuyos personajes s y temas y ambientes reaparecen se
modifican o amplían en un dialogo continuo, lo que vincula obras muy distantes en el tiempo, e incluso
abundan las reediciones que modifican el texto en busca de la perfección estilística.
 En marzo de 1893 se traslada a México, donde vivió un año recorriendo el país en busca de
antiguas tradiciones y nuevas experiencias. Colaboro en varios periódicos donde conoció el
modernismo. Es en México donde se ambientan obras suyas tan destacadas como la Sonata de
estío (1903) y Tirano banderas.
A su regreso a través de cuba, donde paso unas semanas, se instaló en Pontevedra, donde se
relacionaría con el erudito Jesús Muruáis poseedor de una magnifica biblioteca entorno a la cual se
reunía una tertulia de la que Valle se hizo asiduo. En ella conoció las novedades literarias y artísticas
europeas, las teorías del arte por arte y el decadentismo esteticista de Gabriela D’Annunzio, que
se decanta en sus relatos amorosos de Femeninas y llega a Sonatas.
Y es en abril de 1895 cuando se traslada a Madrid definitivamente donde se instalaría
definitivamente. Trabajo en la función pública, pero sobre todo ejerció de tertuliano en cafés y
redacciones de periódicos en busca de la consagración literaria. Es aquí donde empieza a cultivar
su imagen estrafalaria. Acude a números cafés y teatros, hasta que en 1903 lidera su propia tertulia
en el café de levante que duro hasta 1916. Era el lugar preferido de quienes buscaban la subversión
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de los códigos establecidos por el realismo decimonónico y la renovación de los lenguajes


artísticos. Durante estos años vivió de sus colaboraciones en la prensa, desde el monárquico ABC y
el conservador El Mundo, hasta el liberal El Imparcial, el republicano El País o el carlista El Correo
Español, donde publica artículos o folletinescas novelas por entregas. Sus textos periodísticos fueron
preferentemente literarios, creación y crítica sin ahondar en el terreno político ideológico. Compartió
tribuna e inquietud estética con los jóvenes escritores surgidos en el quicio del siglo, desde Unamuno
hasta Villaespesa, Baroja, los Machado o Rubén Darío.
El Modernismo hispánico fue la voluntad de la superación de lenguaje artístico del realismo
propio de la burguesía decimonónica, correlato estético de la voluntad de superación de los vicios del
sistema político que había llevado al Desastre del 98, la perdida de las ultimas colonias.
En nada se oponen el 98 y el Modernismo. Son dos modos complementarios de afrontar la
degeneración del sistema: la búsqueda de un lenguaje propio en lo estético y de nuevas fórmulas
de regeneración de los vicios nacionales en lo político. Ambos se insertan en un movimiento más
amplio de la cultura occidental, conocido como fin de siècle, que eclosionaría en los movimientos
vanguardistas ante el colapso del sistema de 1914 con la Primera Guerra Mundial. El inconformismo
ante la crisis generalizada de la España de 1898 se tradujo en la iconoclasia formal de la pintoresca
indumentaria de valle -Inclán, tanto como en la disipación de las costumbres de “bohemios” y en
general el cambio de códigos expresivos a lo que siguió el paradigma del lenguaje “artístico”
practicado por Rubén Darío quien Valle conoció en la tertulia del café de Madrid en 1899. Del cual
fue gran amigo hasta su muerte 1916.En 1901 el autor empieza a publicar relatos en Los lunes del
Imparcial y Juventud que un año después reelaboría en la novela Sonata de otoño, la primera de la
tetralogía Memorias del Marqués de Bradomín. Le siguieron Sonata de Estío (1903) Sonata de
Primavera (1904) y Sonata de Invierno (1905), que supusieron la culminación en la prosa del estilo
modernista y le consagraron como escritor en los ambientes madrileños.
 A partir de Sonatas empieza a desarrollarse su obra literaria en varias direcciones. En
1906 estreno en Madrid una obra collage que refunde textos anteriores bajo el título El
Marqués de Bradomín. Coloquios románticos; un año después público su primer libro de
poemas, Aromas de Leyendas. Versos en loor de un santo ermitaño, el primer volumen de su
trilogía Comedias bárbaras , única obra estrenada en vida , en ese 1907 Valle se casó con la
Josefina Blanco, matrimonio muy conflictivo , y acabo en divorcio. Durante esos años
dedicación al teatro muy intensa. Por estos años hasta la Primera Guerra Mundial, se
produjo también la militancia política de Valle- Inclán en el partido de carlista,
manifiesta en numerosas declaraciones y acorde con su visión tradicionalista de la sociedad y
con su estética, pero sobre todo era una opción de radical de rechazo al parlamentarismo
burgués y liberal, una manera de manifestarse contra la política de la restauración borbónica y
la caótica situación del país.
 Esa ideología se plasma literariamente en las novelas sobre la guerra carlista: Las cruzadas
de la causa (1908), El Resplandor de la Hoguera (1909), Gerifaltes de Antaño(1909), recrean
temas, ambientes ,personajes y situaciones de obras anteriores, sobre todo Sonata de Invierno
, El Marqués de Bradomín y las Comedias Bárbaras, entre las que se crea una relaciones
intertextuales que ilustren el sistema creador de Valle. La reelaboración de materiales en
nuevas obras de géneros diferentes se explica también por la necesidad de mantener un elevado
ritmo de producción, su único medio de vida. En esta serie se reproduce el conflicto entre la
sociedad estática, agraria y tradicional, con la capitalista liberal, corrompida y fracasada en el

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98 y denuncia la pasividad gallega en la guerra frente a la resistencia bélica del país vasco y
navarra. En 1912 se retiró a Galicia, el carácter político de sus obras le creaba problemas con
las principales compañías y se vio obligado a abandonar el teatro. Se vería libre para hacer
literatura desprovista de ataduras genéricas y explorar otras formas literarias subvirtiendo
los códigos al uso del teatro burgués, difuminando los límites entre novela-drama y
permitiéndose audacias en la forma y el estilo al cabo le consagraría como uno de los
dramaturgos más importantes del siglo XX.
 Tras el inicio de la Primera Guerra mundial Valle-Inclán se proclamó aliadófilo, lo que le
aparto del partido Carlista. Fue una época de gran importancia en su trayectoria, pues si bien
mantiene silencio creador, la vivencia cercana de la guerra le proporcionó una excepcional
experiencia personal que transformaría después en literatura. Por invitación del gobierno
francés, tuvo ocasión de visitar el frente. De ahí surgen sus crónicas recogidas en la Media
Noche. Visión estelar de un momento de guerra (1917). Presentan características que le alejan
de su producción narrativa anterior, aunque algunas habían sido ensayadas en las guerras
carlistas: Protagonistas múltiples, simultaneidad temporal. Multiplicidad de focos espaciales y
estructuración fragmentaria. Características técnicas que fraguarán sus obras mayores
posteriores: Tirano Banderas y la serie del Ruedo Ibérico, las obras que sitúan a Valle-Inclán
entre los innovadores de la novela contemporánea y lo adscriben de pleno derecho a la
modernidad. La primera guerra Mundial supuso el fin de una época. Caída del imperio
Austrohúngaro y el Otomano y el triunfo de La Revolución Bolchevique dio comienzo un
nuevo orden internacional y se consolido la idea del fracaso de la sociedad burguesa basada en
el dominio de la razón. Proliferan los movimientos de vanguardia o ismos, con el precedente
del cubismo y el futurismo consolidan la ruptura con la representación de la realidad tangible
y la lógica racional. A partir de 1914 proliferan Silmutaneísmo, el Maquinismo, el
creacionismo, Dadaísmo, fundidos en el español Ultraísmo a partir de 1918, a veces con limites
muy difusos y más tarde el Surrealismo crean un nuevo orden artístico, gran libertad expresiva
por la ruptura de toda norma academicista. La libertad de lenguaje y la fusión de lenguajes
artísticos serán características generales de la literatura occidental.
 Valle- Inclán, en los años 1919 y 1920 sufre una profunda crisis de personal e ideológica
que eclosiona en una nueva época de su literatura y le conducirá al esperpento. Publica dos
libros de poema: La Pipa de Kif (1919) y el Pasajero (1920) y varias obras teatrales aparecen
en la prensa: Farsa y licencia de La Reina Castiza (1919), Farsa de la Enamorada del Rey,
Divinas Palabras, Tragicomedia de Aldea (1920) y una primera versión de Luces de Bohemia
(1920). Se impone una visión muy crítica de la realidad nacional con una clara toma de
postura cívica. Una mayoría de la crítica a considera que se produjo el viraje ideológico y
estético total que se opondría al anterior Valle- Inclán, modernista desligado de la realidad y
otro posterior a 1920 esperpéntico, comprometido con ella. Pasamos del Valle carlista estético
a un Valle integrado en el anarquismo y el bolchevismo tras un radical giro a la izquierda.
 El resultado literario de ese proceso sería el esperpento. Formula sustentada en el estético de
lo grotesco, ya anunciada en sus farsas: La Marquesa Rosalinda, Farsa sentimental y grotesca
(estrenada 1912y publicada año siguiente) Farsa Infantil de cabeza de Dragón (1910
publicada en 1914), Farsa de la Enamorada del Rey (1920) y Farsa y Licencia de la Reina
Castiza (1920/1922, estrenada en 1931), fueron reunidas las tres últimas en un volumen
Tablado de marionetas para la educación de príncipes (1926). Lenguaje desgarrado y óptica
deformadora de la realidad que se aplica al reinado isabelino configuran una visión de historia

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reciente dominada por la sátira política de raigambre barroca y eficacia comunicativa. Visión
burlesca y despiadada de la realidad, del mundo gallego es la que nos ofrece Divinas
Palabras subtitulada Tragedias de Aldea, donde se manifiestan con un lenguaje de gran
crudeza y agilidad, la ira, la envidia y la avaricia. La cual culmina la visIón brutal de la Galicia
interior y atávica y lleva a Valle- Inclán a las puertas del esperpento.


LAS SONATAS
En las cuatro Sonatas el Marqués de Bradomín se nos aparece en sucesivas etapas vitales, que
corresponden a la juventud (Primavera), primera madurez (Estío), madurez plena (Otoño) y vejez
(Invierno). El personaje viene a ser una especie de donjuán galaico y anticuado que rememora sus
pasados amores, desde la perspectiva narradora de la vejez y el exilio, pues había sido partidario de
don Carlos de Borbón y hubo de alejarse de su país.
Valle-Inclán establece entre las cuatro Sonatas un juego de correspondencias: la edad del
protagonista, las estaciones del año, las cuatro historias de amor con mujeres, y, por último, cuatro
escenarios diferentes: Italia, México, Galicia y Navarra. Sin embargo es perceptible unidad, que se
consigue gracias a la presencia de un mismo protagonista con una similar actitud ante la vida, y, sobre
todo, en el uso de un mismo lenguaje.
Todo en las Sonatas responde a una estética anti-realista. Es esa la opción del rechazo de su
autor a la realidad social y política del país. Los ambientes, los personajes, las situaciones... responden
a un proceso de idealización premeditado. Las palabras se eligen en función de su carga intelectual y
afectiva, pero también por su valor evocativo.

TIRANO BANDERAS
En el origen de Tirano Banderas. Novela de Tierra Caliente está su viaje a México. Aunque
hubo de ser decisiva la proclamación en septiembre de ese año de la Dictadura del general Primo de
Rivera, de la que fue un decidido opositor.
Tirano Banderas narra el derrocamiento y muerte del dictador de un imaginario país
hispanoamericano en el lapso de tres días. La intención ahora no es la evasión esteticista de la realidad,
sino la satírica crítica a un régimen totalitario. Tanto el dictador como el conjunto de la sociedad están
retratados con una mezcla de farsa y tragedia, “esperpentizados”.
En la novela no falta la facilidad para crear asociaciones de palabras nuevas y mezclar registros
del lenguaje.

VISIÓN DEGRADADA DEL REINADO ISABELINO. EL RUEDO IBÉRICO


Se trataba de novelar la historia contemporánea de España desde la caída de Isabel II en 1868
hasta el reinado de su nieto Alfonso XIII, que también acabaría cayendo en 1931, símbolo del fracaso
de la Restauración Borbónica. Sólo llegaron a publicarse: La Corte de los Milagros (1927), Viva mi
Dueño (1928) y la inacabada Baza de Espadas (1932), que se refieren a los preparativos de la
Revolución del 68 que destronó a Isabel II. En ellas destaca la denuncia de la clase dirigente española

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del siglo XIX, cuyo comportamiento grotesco resalta. Revela con burla los entresijos de la vida
palaciega. Ningún personaje se salva: son un conjunto de farsantes sin valores morales. El desfile de
personajes es enorme y todos son tratados como figuras de guiñol, reducidos a gesto y mueca en una
expresión que resulta definitoria de su carácter y papel en ese “ruedo ibérico” de pandereta y
castañuela. Es capaz de retratarlos física y moralmente con una lengua llena de giros populares
procedentes de diversas regiones españolas.
LUCES DE BOHEMIA Y LOS ESPERPENTOS
En los esperpentos se recorre la historia de España desde las guerras coloniales de Cuba y
Marruecos y, en general, el militarismo dominante en plena dictadura de Primo de Rivera (1923-1930),
con una fuerte carga crítica en clave de farsa tragicómica. Se trata de aplicar la ficción como bisturí a
la materia histórica para diseccionarla y poner al descubierto la podredumbre de que estuvo
compuesta.
Los esperpentos suponen la culminación del proceso de degradación grotesca iniciado por Valle-
Inclán en las farsas. Lo componen Luces de Bohemia (1920), Los cuernos de don Friolera (1921), Las
galas del difunto (1926) y La hija del capitán (1927). Los tres últimos fueron reunidos en 1930 bajo
el título Martes de carnaval.
Define a los personajes de sus esperpentos como enanos y patizambos, que juegan una tragedia.
Valle invita a pasearse a los héroes clásicos, que instantáneamente se convierten caricaturas: el autor
los ve desde una posición superior que los hace enanos deformes o marionetas.
Debemos considerar el esperpento como una estética que afecta a toda la etapa final de su
creación, una auténtica estilística de lo populachero por el lenguaje empleado y la extremosidad de las
situaciones, que hace que lo cómico se convierta en trágico y en lo trágico se vislumbre una vertiente
cómica.
Para Valle-Inclán la historia de España es una versión bufonesca de la historia europea.
El lenguaje está compuesto por todos los registros del habla popular, vulgar y desgarrada.
En Luces de Bohemia asistimos a lo largo de 15 escenas al último recorrido por la noche
madrileña de Max Estrella, a quien acompaña a modo de lazarillo don Latino de Hispalis. Ese periplo
permite el desfile de un friso de personajes, ambientes y situaciones sumamente variopintas, y multitud
de pequeñas alusiones históricas. Una España en trance de ruina, pero brillante en apariencia.
La obra expresa con claridad la indignación de Valle ante la situación española. Hay episodios
de actualidad que daban un significado histórico a la obra. Resulta significativo que sólo se muestra
compasión por el anarquista catalán y por la madre de un niño muerto, únicos personajes, con la esposa
y la hija de Max Estrella que no aparecen sujetos a procedimientos deformadores.

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TEMA 4. FEDERICO GARCÍA LORCA Y LA LITERATURA DEL 27: ENTRE LA


TRADICIÓN Y LA VANGUARDIA

a) Rastree la presencia de imágenes a lo largo de todos los libros de García Lorca en los
textos antalogados.
Uno de los rasgos más característicos de la poesía lorquiana es el empleo de la metáfora y de las
imágenes como procedimiento conector de planos y campos semánticos múltiples. Este hermetismo
se potencia con la adopción del cifrado simbólico de determinadas palabras que no siempre tienen la
misma interpretación, sino que a veces es incluso contraria.
Las imágenes más recurrentes en la poesía lorquiana, tal como se aprecia en los textos antalogados,
son las siguientes: las fuentes (el agua), la luna, el caballo, las hierbas, la sangre y los metales. A
continuación explicaremos sus significados:
 La luna es el símbolo más utilizado por Lorca. En muchos poemas tiene connotaciones de muerte,
como en la “Canción del jinete” donde se hace referencia a una luna negra; pero en otros poemas
puede significar erotismo y fecundidad. Este erotismo depende de cómo aparezca, pues si es roja
significa muerte dolorosa; si es negra, simplemente muerte; si es grande significa esperanza; pero
si es una luna creciente tiene connotaciones eróticas.
 Las fuentes y el agua. Las fuentes son símbolo de la naturalidad por la flora y la fauna; también
significan tradición en el paso del tiempo. Asimismo, el agua puede tener dos vertientes: cuando
corre es símbolo de vida, pero estancada simboliza la muerte. En este último elemento se aprecia
la influencia de Jorge Manrique sobre Lorca.
 El caballo y sus jinetes portan la muerte en los romance gitanos (el caballo es de color negro en
este caso), pero también simbolizan la sexualidad masculina. El caballo sin estribos ni riendas es
símbolo, por ejemplo, de la pasión desbocada. Estas referencias ya aparecen en sus primeros textos
de Canciones (1927) tal como se observa en el poema “Canción del jinete” cuando hace referencia
al caballito negro o al jinete muerto. Aparece otra referencia de este símbolo en la expresión perder
las riendas, es decir, la pasión desbocada que conduce a la muerte.
 Las hierbas tienen un valor dominante, pero no único, de ser símbolo de la muerte. Clara es su
alusión en el Romancero gitano cuando se habla de la higuera, las rosas morenas, el verde, la
menta y la albahaca en el poema “Romance sonámbulo”. En todo caso, todas estas referencias
aluden a la muerte de la gitana del poema.
 La sangre representa la vida y la sexualidad, la fecundidad; pero cuando se derrama conduce a la
muerte. Compadre, vengo sangrando puede tener esta doble interpretación en el “Romance
sonámbulo”, o el erotismo evidente de los versos del mismo poema que dicen Tu sangre rezuma y
huele / alrededor de tu faja.
 Los metales son imagen de las armas blancas y por ende simbolizan la muerte tal como se observa
en el poema “Canción del jinete” cuando se hace varias referencias a este elemento en ¡Qué
perfume de flor de cuchillo! También se habla de fría plata en otros poemas del Romancero gitano
donde este símbolo es claramente la presencia de la muerte.

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b) Analice la métrica de los textos antalogados.

La métrica que ofrece los textos antalogados es una buena ejemplificación de dos corrientes
propias de la Generación del 27 y muy evidentes en la poesía lorquiana: la conjunción de la poesía
popular y la culta, lo tradicional y las vanguardias.
De esta forma nos encontramos estrofas de pareados de arte menor y rima asonante en “Canción
del mariquita” o las soleás que se alternan con un estribillo en pareados en la famosa “Canción del
jinete”. En ambos casos se trata de formas estróficas que beben directamente de la poesía popular que
tanto amaba Lorca, formas que combina con unos procedimientos estilísticos propios de una poesía
culta. También apreciamos este componente popular en su obra Romancero gitano donde sobresale el
uso de la estrofa propia del Romancero compuesta por tiradas de versos octosílabos con rima asonante
en los pares como muestra el famoso poema “Romance sonámbulo”.
Otras referencias a la métrica popular con tintes modernistas es la métrica que apreciamos en el
poema “Preciosa y el aire” formado por cuartetas asonantadas, matiz que las acerca a la poesía más
moderna en contraste con la cuarteta normal cuya rima es consonante. El uso de formas tradicionales
en el esquema estrófico también se aprecia en composiciones de su obra Poema del cante jondo, como
apreciamos en “Baladilla de los tres ríos” compuesta por cuartetos asonantados intercalados con
estribillos de pareados. En realidad, hay una tendencia en estas composiciones hacia los tercetos o
cuartetos asonantados.
Vemos un cambio radical en su poemario de Poeta en Nueva York donde se alternan estrofas sin
un patrón métrico definido, por lo que abunda el anisosilabismo; con versos regulares, sobre todo
endecasílabos o alejandrinos. Se trata de poemas, por otra parte, carentes de rima tal como los
anteriores. En estos ejemplos son más evidentes las aportaciones de las vanguardias. Concretamente,
en “Intermedio” apreciamos cuatro estrofas con versos anisosilábicos y de rima libre. Hay una
abundancia de versos de arte mayor dispuestos de la siguiente forma: las primeras tres estrofas son
libres mientras que la última está compuesta por versos alejandrinos.
En resumidas cuentas y sin entrar en el análisis métrico de todos los textos antalogados, podemos
concluir que son ejemplo de la simbiosis que Lorca trabajó entre la poesía popular, tradicional, y la
poesía culta.

c) Recopile los recursos estilísticos subrayados en el poema comentado y clasifíquelos de


acuerdo con el procedimiento empleado (figuras de dicción, figuras de pensamiento y
tropos).

Figuras literarias: formas no convencionales de utilizar las palabras que, aunque se emplean con sus
acepciones habituales, tienen particularidades fónicas, gramaticales o semánticas, que las alejan de
ese uso habitual, por lo que resultan especialmente expresivas:

- Figuras de dicción: afectan a la forma de las palabras, o de las oraciones, sintagmas, etc. (aunque
a veces también al significado). En el comentario del equipo docente aparecen las siguientes:
- Figuras de repetición:
- Bimembrismo: “La aurora llega y nadie la recibe.” (v. 9)

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- Paralelismo: “saben que van al cieno de números y leyes”


“La luz es sepultada por cadenas y ruidos” (vv. 15 y 17)
- Anáfora: “La aurora de Nueva York… ” (vv. 1 y 5)

- Recurrencia semántica: “negras palomas / aguas podridas” (vv. 3 y 4)


- Figuras de omisión:
- Asindetón: “a los juegos sin arte, a sudores sin fruto” (v. 16)

- Figuras de transformación:
- Paronomasia: “saben que van al cieno de números y leyes” (por “cielo”) (v.15)

- Tropos o figuras de pensamiento?: afectan al significado de las palabras.


- Figuras de lógica:
- Sinécdoque: “La aurora de Nueva York. ” (como “amanecer”) (v. 1)

d) Elabore una ficha-resumen del tema.

La Literatura del 27. Entre tradición y vanguardia.

Otros poetas de aquellos años que contribuyeron igualmente a la renovación de la lírica española,
como José Bergamín, Juan Larrea, José María Hinojosa, Pedro Garfias, Juan Chabás, Juan Gil-Albert,
Carmen Conde, etc. Figuras tan importantes como el cineasta Luis Buñuel o el pintor Salvador Dalí,
tan próximos a los poetas. E intelectuales de gran influencia como José María de Cossío. Narradores,
ensayistas, dramaturgos, etc., merecen ser estudiados en condiciones equitativas, aunque la poesía
fuera el género más destacado en aquellos años. Lo mismo ocurre con creadores de otras artes: música,
pintura.
En la actualidad tendemos a emplear el término Generación del 27, en un sentido amplio, para
denominar el movimiento literario, intelectual y artístico que se produce en España en la década de
los años veinte con un sentido renovador y modernizador de la sociedad y la cultura española. Abarca
tanto al arte como la literatura, la filosofía, la ciencia, la investigación, etc. Así, historiadores y
filólogos, geógrafos, científicos, naturalistas, poetas, dramaturgos, narradores, músicos, escultores,
críticos, pintores, cineastas, etc., y nos referimos a ellos específicamente como los poetas del 27, los
pintores del 27, los músicos del 27, etc. Tampoco podemos seguir ignorando a las mujeres del 27

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como si no hubieran existido escritoras como Concha Méndez, Ernestina de Champourcin, María
Teresa León, Carmen Conde, pintoras como Maruja Mallo, Ángeles Santos o Remedios Varo, etc.

El rasgo más característico de este movimiento es la síntesis entre dos vectores poderosos y
antagónicos de la cultura contemporánea: el culto a la tradición y su ruptura por los movimientos de
vanguardia. Lo novedoso es que en la España de los años veinte ambas opciones se produjeran al
tiempo y la nueva promoción de creadores quisiera y supiera armonizar el estudio y homenaje a los
clásicos con el seguimiento de los llamados “ismos”. Tuvieron gran respeto y estima a sus “mayores”,
escritores como Unamuno, Antonio Machado, José Ortega y Gasset, Juan Ramón Jiménez, José
Moreno Villa o Ramón Gómez de la Serna, fueron maestros admirados.
Ambas tendencias habían surgido con fuerza en la década anterior. La reivindicación de los clásicos
áureos es fruto de la labor del Centro de Estudios Históricos, fundado en 1910 siguiendo los postulados
de la Institución Libre de Enseñanza.
Al tiempo, en Europa surgieron desde 1909 fecha del Manifiesto Futurista del italiano Filippo
Tommaso Marinetti, diversos movimientos que propugnaban precisamente la ruptura con el orden
burgués establecido y con sus manifestaciones artísticas. El futurismo promovía el culto a la velocidad
y el deporte, a las máquinas, la fuerza y la lucha y contribuiría a dar soporte ideológico la fascismo de
Musolini. La Primera Guerra Mundial (1914-1918) demostró que la sociedad occidental basada en un
orden lógico y en el realismo como representación había llegado al colapso y de esa constatación
surgieron diversos movimientos alternativos (dadaísmo, cubismo, simultaneísmo, caligramas…).
Esta efervescencia vanguardista fue conocida en España gracias al poeta chileno Vicente Huidobro
que llegó a Madrid en 1918. De inmediato, los jóvenes poetas españoles se convirtieron al
vanguardismo creando un movimiento propio, el ultraísmo, que en realidad fue una síntesis de todos
los ismos europeos conocidos. En 1924, André Breton firma el Manifiesto Surrealista, que propugna
la liberación del subconsciente mediante la investigación de los sueños (en línea con las
investigaciones psicoanalíticas de Sigmund Freud). El Surrealismo es mucho más que un movimiento
vanguardista por sus implicaciones políticas y sociales. El título de sus dos revistas oficiales es
bastante significativo: La Révolution Surréaliste y Le Surréalisme au service de la Révolution.

La presencia de esos dos vectores conviven en un equilibrio muy enriquecedor. (En Cal y canto de
Rafael Alberti los sonetos gongoristas con la exaltación del cine y los deportes). También la poesía de
Federico García Lorca ofrece esa síntesis entre Tradición y Vanguardia.

4.2. Trayectoria personal y literaria de Federico García Lorca.

Federico García Lorca nació en 1898 en Fuente Vaqueros (Granada) en el seno de una familia
terrateniente de sólida posición económica e ideología progresista. El mundo familiar siempre fue para
él un ámbito feliz y seguro, incluso cuando su condición homosexual se confirmó, incluso cuando las
malas calificaciones prolongaron en exceso sus estudios. Sus declaraciones y sus cartas evidencian un
ambiente comprensivo y acogedor en la familia. A los once años (1909) se trasladaron a vivir a

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Granada para que Federico realizase allí sus estudios; y en el colegio y en el instituto sí sufrió el
muchacho las burlas y acoso con que los demás castigaban su afeminamiento y ciertos modales
pueblerinos. En la ciudad aprendió que la sociedad era cruel con quienes no respondían al modelo
impuesto por la moral católica, tan restrictiva en asuntos de sexualidad, que a quienes se apartaban del
paradigma establecido por la sociedad burguesa les esperaba el desprecio, la condena, la exclusión.
En 1914 se matriculó en la Universidad de Granada de Filosofía y Letras y Derecho. Recibió clases
de Martín Domínguez Berrueta, profesor de Teoría de la Literatura y de las Artes, con quien hizo
varios viajes de estudio por Andalucía, Castilla y Galicia, lo que incentivó su vocación literaria.
Cumplidos ya los veinte años, Federico García Lorca empieza a escribir poemas, aunque fruto de esos
viajes sería su libro de prosas Impresiones y paisajes, publicado en 1918, y se inicia en la vida literaria
con otros jóvenes aspirantes a escritores en la tertulia El Rinconcillo en el café Alameda.
Otra gran personalidad influente en la formación de Federico García Lorca fue el catedrático de
Derecho Político de la Universidad de Granada Fernando de Los Ríos, una de las figuras más
relevantes del pensamiento español contemporáneo. En 1919 se afilió al Partido Socialista Obrero
Español. Ese mismo año fue elegido diputado a Cortes. Fue él quien imbuyó al joven Federico García
Lorca sus convicciones progresistas y la solidaridad con los seres sufrientes, en línea con la filosofía
krausista que inspiraba la Institución Libre de Enseñanza, que concebía el universo como unidad
orgánica, desde las estrellas a los insectos, lo que se aprecia en el panteísmo que aflora en la poesía
lorquiana y en su empatía con todos los seres. De Los Ríos convenció a sus padres de que le enviaran
a seguir sus estudios a la Residencia de Estudiantes de Madrid, el centro intelectual y científico más
importante de España, donde vivió desde la primavera de 1919 hasta 1926. Coincidió con Juan Ramón
Jiménez, José Moreno Villa, Juan Negrín, Salvador Dalí, Luis Buñuel.
Fueron años de consolidación literaria, publicación de Libro de poemas en 1921, el estreno de la obra
El maleficio de la mariposa, la escritura de Suites, y la primera versión de su libro Poema del cante
jondo, que publicaría en 1931.
Su interés por el flamenco se intensificó a partir de su relación con el músico Manuel de Falla, que se
instaló en Granada en septiembre de 1920. Durante todo un año le ayudó a organizar el Concurso del
Cante Jondo que se celebró en junio de 1922 en la Alhambra. Fue la primera actividad de dignificación
de un arte hasta entonces considerado propio de ambientes prostibularios. No se puede entender la
primera época de la poesía lorquiana sin esa celebración que elevó la expresión artística del pueblo a
un rango culto.
Su libro Canciones (1927) y los romances del Primer romancero gitano (1928), la Oda a Salvador Dalí
(1926) con quien mantuvo una frustrada relación amorosa.
En 1927, en Barcelona, estrenó su obra Mariana Pineda, escrita entre 1923 y 1925 sobre la heroína
liberal granadina resistente al absolutismo en el siglo XIX, tema de actualidad en plena dictadura de
Primo de Rivera. (13/09/1923 - 28/01/1930)
El éxito de sus canciones y de sus romances gitanos, generosamente difundidos en las revistas poéticas
del momento le dieron una gran fama y empezó a ser encasillado como poeta del folklorismo andaluz,
defensor de los gitanos, imagen que le horrorizaba. La razón última del viaje del granadino a que se
le hacía más y más asfixiante en España, tanto en lo artístico como en lo emocional (Gibson, 1985-
1987). Hasta marzo de 1930 no abandonó la ciudad para trasladarse a La Habana: casi nueves meses
en Estados Unidos (Nueva York y Vermont), y tres más en Cuba. En esos meses se vio inmerso en un

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país de lengua diferente, conoció una sociedad plurirracial, en casi todo mucho más adelantada que la
española: en costumbres, avances técnicos, desarrollo industrial, libertad religiosa; buena prueba de
esto último sería la “Oda a Walt Whitman”, publicada exenta en 1933 en México y luego incorporada
al proyecto de Poeta en Nueva York. (No se publicaría en libro hasta 1940, ya póstumo).
Un poema tan transparente sobre la orientación sexual y sus matices hubiera sido impensable en el
Federico anterior a su viaje trasatlántico. En suma, el García Lorca que volvería a España en 1930 era
una persona y un escritor muy distinto del que había partido. viaje, alcanzará una dimensión universal
de la que antes carecía.
a raíz de los textos surgidos del
Los años siguientes su dedicación principal fue al teatro. En diciembre de 1930 estrena en Madrid su
farsa La zapatera prodigiosa. Creó y codirigió La Barraca, compañía universitaria dedicada a difundir
obras del teatro clásico por la geografía española. En 1933 estrenó la farsa Amor de don Perlimplin
con Belisa en su jardín que la Dictadura había prohibido en 1929 y Bodas de sangre, estrenada con
gran éxito en Madrid el 28 marzo.
La compañía de Lola Membrives llevó la obra de gira por Sudamérica, éxito que le permitió alcanzar
por primera vez la independencia económica. Entabló relación con los principales poetas argentinos
y uruguayos. Conoció a Pablo Neruda, que ejercía de cónsul chileno en la ciudad, con quien tendría
gran amistad en Madrid en 1935 y 1936.
A su regreso a España en 1934 tuvo una actividad literaria muy intensa. En los dos años siguientes
escribió la elegía Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1935), su amigo torero y escritor, fallecido en
la plaza de Manzanares en agosto de ese año, los textos de Diván del Tamarit (1940) y los Sonetos del
amor oscuro, publicó Primeras canciones (1936) en la colección de Manuel Altolaguirre y dejó listo
para la imprenta Poeta en Nueva York. En teatro, acabó Yerma (1934), Doña Rosita la soltera y el
lenguaje de las flores (1935) y La casa de Bernarda Alba (1936). Todas ellas de denuncia
de la situación de la mujer en España. Dio muestras además de un gran compromiso con la sociedad
de su tiempo. En febrero de 1936 su nombre encabezó el manifiesto de los intelectuales y artistas en
apoyo del Frente Popular para las elecciones generales. Su posicionamiento a favor de los más
desfavorecidos le situaba nítidamente en la izquierda y le aconsejaron que tomase precauciones
cuando la violencia política se intensificó. Federico no dejó de viajar a Granada para celebrar el 18 de
julio su onomástica y la de su padre y ese día, se produjo la sublevación militar contra la República
que inició la guerra civil. Fusilado la madrugada del 18 de agosto en el camino de Alfacar, su cuerpo
fue tirado a una fosa común como unos tres mil granadinos más cuyos cadáveres permanecen si
exhumar para vergüenza de toda la nación.
4.3. La poesía lorquiana.
4.3.1. Aspectos generales Problemas textuales
Muchos de sus textos quedaron inéditos y libros anunciados en algún momento nunca llegaron a ser
acabados. Podemos considerar plenamente cerrados los editados póstumamente en fechas próximas a
su muerte . Tampoco ofrecen dudas los Sonetos de amor (1984) . Otros no llegaron a ser
publicados son Suites, Odas, Poemas en prosa y Tierra y luna.

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Él prefería una divulgación “oral” de su poesía, temeroso de que la imprenta “momificara” su obra.
Por eso fueron frecuentes sus recitales (Romancero gitano) y conferencias (Poeta en Nueva York)
sobre su poesía.
Piero Menarini, editor de Canciones (1927) y Primeras canciones (1936) ordenó los poemas y los
compuso en secciones para dar un carácter orgánico a cada libro. En el proceso de ordenación del libro
agrupa los poemas en secciones en función de un criterio poético. Cada sección tiene identidad propia
y, al tiempo, analogías con las demás. En realidad son textos escritos en fechas similares, que por tanto
expresan una forma de sentir y pensar estéticamente homogénea: su universo poético. Lo que hace en
1926 es ordenar ese mundo propio (según correspondencia con su hermano) agrupando los poemas en
tres libros distintos: Suites, Canciones y Poema del cante jondo, que tienen una gran unidad cada uno
de ellos.

El universo poético

La dimensión universal que ha alcanzado su figura se debe, no solo por su asesinato, a lo que Miguel
García-Posada denomina “traducibilidad” de su obra a otras lenguas y culturas y su radical
compromiso con la tradición. Bajo el estímulo de los elementos folklóricos, García Lorca crea una
obra que enlaza con los más profundos estratos del sentimiento poético de la mente humana y las más
antiguas creencias de la espiritualidad (relación sangre-fecundidad-muerte, los valores de la luna, la
fascinación ritual por el cuchillo, etc.).
Como ha demostrado Luis García Montero en su obra hay una gran cantidad de referencias literarias
y artísticas. Entre sus fuentes principales destacan la Biblia y la obra de Shakespeare, no solo en el
teatro, también en poemas como los Sonetos.
El universo lorquiano se manifiesta sobre todo en su poesía y en unos temas nucleares que se reiteran
a lo largo de toda su trayectoria:

1) la frustración, ya sea en el plano individual o en el social, metafísica o histórica, a veces


indisociables. En Poeta en Nueva York, es evidente la denuncia del orden colectivo, pero no dejan de
estar presentes la angustia del tiempo, la muerte, el amor, la fecundidad, etc.

2) El amor, concebido en una dimensión cósmica, concretado en un evidente pansexualismo que


diluye la oposición entre amor heterosexual y amor homosexual. El adjetivo “oscuro” de los Sonetos
no se refiere a la condición de homosexual, sino a la naturaleza de todo amor, que lleva al alma a la
pasión y a la pérdida de la claridad. “Oscuro” denominaron también al amor León Hebreo y Petrarca,
en el sentido de que el sentimiento del amor impiden la serenidad del ánimo.

3) La esterilidad y la infancia, son la doble cara de un mismo problema. La esterilidad no es sólo


vinculable al amor homosexual, sino también a la imposibilidad de la mujer para hacer fructífera su
vida en una sociedad que la mantiene oprimida.

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4) La muerte concebida como asesinato y muy vinculada al amor. Pedro Salinas apunta a la Muerte
como gran dominadora del universo lorquiano, sobre todo en las escenas trágicas del Romancero
gitano y Poeta en Nueva York: “Lorca siente la vida, por vía de la muerte”. La muerte se concibe con
frecuencia como único y verdadero fruto del amor. O este como simple anticipo de la muerte. Esta es
una de las constante más evidentes de la obra de Federico García Lorca.

5) Hay también un Lorca que se rebela contra la represión y la injusticia (Romancero gitano, Poeta
en Nueva York), que manifiesta una evidente conciencia de solidaridad con los desposeídos y
humillados del mundo (proletarios, marginados raciales y sexuales). La defensa de los marginados y
de las criaturas entronca (según Luis García Montero) con la visión krausista del universo que inspiró
los fundamentos de la Institución Libre de Enseñanza.

Lenguaje poético

Alcanza un lenguaje poético propio. Según Miguel García-Posada, su rasgo principal es la formulación
poética de la realidad desde una conciencia sensorial, tiene decisiva importancia la
animación y la personificación de la realidad y es trascendente el empleo de la metáfora y de la imagen
como procedimiento conector de planos y campos semánticos múltiples, crea una compleja red de
relaciones difícil de interpretar en muchas ocasiones. La filiación barroca, gongorina, de la metáfora
lorquiana, le aleja del surrealismo. Pero la intensificación de la dificultad gongorina lleva al
extrañamiento.
Las imágenes lorquianas se potencia con la adopción del cifrado simbólico de determinadas palabras:
luna, agua, sangre, caballo, hierbas. Dificultad interpretativa, pues la sencillez formal del lenguaje no
es sino el resultado de una intensa labor de pulido y corrección, y el juego y el lenguaje infantil cubren
el sufrimiento, la angustia y la soledad existencial. Ese sistema de símbolos se proyecta a
través de la alegoría o mediante técnicas paralelísticas en línea con la poesía popular y la retórica
clásica.
Todos los registros: cancioncillas infantiles populares,formas de la tradición métrica española,
Romancero, los cancioneros renacentistas…

4.3.2. Del Modernismo al neo-popularismo (De Libro de poemas a Romancero gitano)

Los libros de Federico García Lorca no son mundos cerrados, autónomos, sino que cada uno está en
conexión con los demás de escritura es coetánea. La poesía lorquiana no puede dividirse en etapas
progresivas y excluyentes aunque su poesía puede dividirse en dos grandes épocas respecto a la fecha
límite de 1928 con la publicación de Romancero gitano. La primera etapa

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(1918-1928) debe incluir: Impresiones y paisajes (1918 prosa); poemas (1917-1920), muchos
incluidos en Libro de poemas (1921); Oda a Salvador Dalí (1926); Canciones (1927); Romancero
gitano (1928) renueva la tradición del romance español recurriendo al paralelismo sintáctico o al
estribillo, caben desde la tradición de la Roma andaluza al mundo arábigo andaluz, las historias
legendarias del santoral católico, etc.; Poema del cante jondo (1931) contiene la esencia del alma
trágica de Andalucía: sangre, destino, muerte, que son la materia de los cantes flamencos; Primeras
canciones (1936) y Suites (inédito).
Su formación entre 1916 y 1917 fue modernista. Un modernismo depurado de la ornamentación
exagerada, y más decantado hacia la melancolía y tristeza, que deriva hacia el simbolismo intimista.
El campo, sus tradiciones y su cultura popular formaron parte de la formación del poeta. En esta
primera época Lorca encuentra en el folklore literario la razón de su estilo propio. Toda su obra
primera está atravesada por coplas infantiles o adultas.

4.3.3. Un poeta en Nueva York

Hacia 1928-1929 Federico García Lorca se vio sumido en una intensa crisis. Será el estado emocional
en el que llega a Nueva York, y el choque que en él produce esta ciudad, los que provoquen el
tratamiento de unos motivos nuevos en su obra, y el uso de un lenguaje o visiones que insertan a Lorca
dentro de la alta modernidad del siglo XX. Fue testigo del crash de 1929 y el inicio de los diez años
de la Gran Depresión que arrojaría a la pobreza a millones de personas. Lorca entregó el original de
la obra en 1936. El inicio de la guerra civil y la muerte del poeta impidieron la edición. Se realizó en
1940, con problemas textuales y polémicas. Los poemas nos ofrecen una visión de la marginación del
individuo en una sociedad mecanicista y antinatural, una ciudad organizada sobre la destrucción de
los inocentes con la aquiescencia de los poderosos y el vacío como única respuesta al clamor por la
justicia divina. Destaca la denuncia del sistema como alienante del ser humano, sin descartar la
violencia. Es un punto de vista que problematiza las promesas ilusorias del progreso. Frente a la
corriente laudatoria de lo urbano que presentaban los movimientos de vanguardia, García Lorca
mostraba con crudeza el fondo oscuro de la degradación, el desamor y la soledad terrible del ser
humano en la ciudad. En esa rebeldía se cifra la huella del surrealismo. Otros críticos mantienen una
completa lectura surrealista. El resultado es una visión distorsionada y alucinatoria con componente
irracional.
En la correspondencia del poeta podemos hallar sin embargo una visión positiva de la ciudad y de su
estancia; en sus declaraciones públicas una visión estereotipada de ciudad deshumanizada, opuesta a
la bondad del campo. Algunos interpretan que la visión negativa estaba vinculada a su sentimiento
amoroso, pues al margen de las referencias locales, el auténtico del libro no sería la urbe, sino el
universo íntimo del poeta.
Esta obra significó un emblema de la lucha por la libertad política y la libertad sexual; y la fuerte
corriente antiimperialista de la izquierda española halló un imaginario de lucha por la justicia y de
solidaridad con los oprimidos, pues los grandes temas del libro son la injusticia social, el amor
homosexual y la pérdida de la fe religiosa. El movimiento ecologista, que denuncia la destrucción del
planeta a manos de quienes buscan el beneficio por encima de la sostenibilidad del progreso, halla
también en Poeta en Nueva York un referente. No se trata sólo de una denuncia de la sobreexplotación

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de los recursos, sino de la denuncia de la opresión de los débiles por un sistema que busca la
acumulación de la riqueza en poder de unos pocos.
Todos los elementos que establecían la ruptura con los moldes clásicos y las fórmulas del
neo-popularismo del que renegaba al marchar a Nueva York, supusieron a su vez durante decenios un
referente de disidencia con las pautas formales oficiales.

REGRESO AL EQUILIBRIO (DIVÁN DEL TAMARIT Y SONETOS DE AMOR)

En esta breve segunda etapa de su poesía debemos consignar la escritura de los poemas de Divan del
Tamarit (1931-1935, cuya publicación no llegó a realizarse hasta 1940); regresa a esquemas formales
más tradicionales, aunque mantiene la intensidad poética de pasión amorosa y angustia de la muerte.
Hay menos retórica, menos hermetismo, dentro de la continuidad del mundo simbólico y metafórico.
Lorca declaró que escribía un homenaje a los poetas arábigo-andaluces, pero no hay muchas
similitudes. La métrica es similar a la del resto de su obra, con verso libre y metros tradicionales
españoles. Lo arábigo-andaluz no pasa de ser un marco general. Se trata de un libro compuesto y
cerrado, no de una suma de poemas diversos. El escenario general es Granada y el conjunto expresa
experiencias del poeta: una relación amorosa efímera, la nostalgia de lo perdido... Las imágenes
vuelven a ser vehículos de expresión de sensaciones y sentimientos a través de la referencialidad de
elementos de la Naturaleza que mediante la animación y la personificación pueden alcanzar valor
simbólico.
1935: Llanto por Ignacio Sánchez Mejías. Regreso al neo-popularismo en Seis poemas galegos.
Escritura de los Sonetos del amor oscuro, que no se publicaron hasta 1984: se insertan en la tradición
petrarquista en tanto que es una serie de poemas amorosos. Pero se alejan del espiritualismo
petrarquista pues contienen numerosas imágenes eróticas. Ante todo son poemas eróticos, fruto de una
experiencia heterodoxa del amor por su condición homosexual, pero también textos reivindicativos
que denuncian la represión de este amor por la norma religiosa y social. El texto expresa conflicto y
desasosiego.
1936: Primeras canciones.
La mejor prueba de la concepción poética de Lorca como síntesis entre Tradición y Vanguardia es su
actividad en esta etapa. Su obra combina unas imágenes que entroncan con la herencia del Barroco y
deben a los postulados vanguardistas el extrañamiento conceptual de la imagen.

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TEMA 5. PABLO NERUDA, LA POESÍA REHUMANIZADA

a) Por qué podemos afirmar, basándonos en el poema “Final” que Crepusculario es un


poema de aprendizaje y poco personal.

Pablo Neruda se inicia como poeta neorromántico y epigonal: contracorriente con respecto a la
literatura de vanguardia de esos años. Crepusculario 1923 de inspiración modernista, es un poema
modernista y epigonal (epígono: persona que sigue las huellas de otra, especialmente lo que sigue a
una escuela o un estilo de una generación anterior). Carece de unidad temática, y porque fue el
resultado de una continua reelaboración de poemas adolescentes y juveniles, es un libro de
aprendizaje. Confluyen en él tres direcciones claramente perceptibles; la sociológica, en tanto que es
un libro de aprendizaje; la biográfico-psicológica, ya que muchos poemas resultan emanación de su
adolescencia; y la que inicia el camino autocognocitivo del poeta. La extraordinaria profusión de
símbolos religiosos, y en particular cristianos, remiten directamente a su formación modernista.

b) ¿Por qué se puede hablar de proximidad entre Tentativa del hombre infinito y la literatura
surrealista?
Neruda, liberado de la imagen del adolescente triste y melancólico de Crepusculario descubrió
el poder sugerente de la imagen, se embarcó en una nueva experiencia creativa: Tentativa del hombre
infinito que removió las aguas de la sociedad santiaguina, la crítica internacional lo recibió, en cambio,
favorablemente. Hay en tentativa cierto paralelismo en el “automatismo” surrealista, pero más
controlado. Neruda quería crear el estilo de esa voz, con esta idea sometió sus quince poemas a un
largo proceso de revisión y modificación en el que en primer lugar eliminó palabras-nexo, como las
conjunciones, y después la propia puntuación con el fin de “ampliar el flujo asociativo de su lenguaje
poético. Todos los poemas están ordenados secuencialmente – del escrúpulo al alba, para construir un
poema único que se estructura en torno al tema del viaje imaginario a través del cual el hablante
poético persigue una búsqueda de lo absoluto. En este sentido tentativa se inserta en la tradición
moderna del viaje inaugurada por Rimbaud y Baudelaire. En español tiene ilustres paralelos con
Altazor (1925) de Vicente Huidobro, sobre los Ángeles (1932) de Rafael Alberti, Muerte sin fin (1938)
de José Gorostiza o Simbad el varado (1942) de Simbad Owen, una aventura poética basada en el
concepto iluminador de la búsqueda mítica.
La falta de puntuación, del metro y la rima es suplida por la disciplina, organización visual del
canto, por la unidad estrófica y por el orden sintáctico del discurso discontinúo, especificado éste en un
flujo permanente de imágenes que se realzan con el uso del gerundio como recurso estético, visto ya
con claridad por Amado Alonso 1940.
Tentativa del hombre infinito es un libro esencial en la trayectoria poética del primer Neruda porque
combina la libertad formal de la vanguardia con mecanismos no artísticos y aparentemente
elementales -como el paralelismo de unidades sintácticas, la modulación del verso, el poder
organizador de la estrofa y el uso sistemático de la búsqueda, para estructurar el poema en torno del
viaje imaginario por el tiempo y en busca de lo absoluto.
Además, en este libro se producen tres de las decisiones fundamentales de Neruda: El hallazgo de
una visión del mundo y de la vida, en la que el registro de lo real se produce como derrumbe de lo

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conocido, y su entrada en lo infinito y en el misterio, la búsqueda de una forma en la no-forma, cuya


consecuencia será la aparición de un nuevo lenguaje poético, y el amor como parte del ser biológico,
que pasa de ser una fuerza del eros creador a “un principio de ser en el otro”. Por todo ello, sin el
aprendizaje de Tentativa en Neruda no hubiera podido conseguir el alto grado de tensión poética de
Residencia en la tierra. No es de extrañar que Neruda lo considera siempre uno de los “verdaderos
núcleos” de su poesía.

c) ¿Qué importancia tuvo para Neruda y para la poesía española su estancia en España?
Su llegada a Madrid en el enmarañado laberinto de corrientes poéticas, movimiento de
vanguardia y revistas de vida efímera, de los años treinta supuso un encuentro fecundante, un
acontecimiento comparable en muchos aspectos a la visita de Rubén Darío cuatro décadas antes. Su
poesía deslumbró o exasperó en los ambientes literarios madrileños. A la vez Neruda recibió en
Madrid la amistad de sus iguales, la coherencia política y la estabilidad afectiva de Delia del Carril,
roto de hecho su matrimonio con Margarita Hagenaar, y la lección de contención que tanto necesitaba
su “romanticismo americano” fluvial y volcánico. Fruto de esta transformación so poemas como
“Barcarola” publicado en 1933 fruto de su encuentro con su Chile natal, los prólogos-manifiesto de
Caballo Verde para la poesía “Sobre una poesía sin pureza” “Los Temas” y “Conducta y poesía” en
que expone su ideario poético sobre la incorporación de cualquier clase de objeto a la categoría de
imagen poética y sus “Tres cantos materiales”. En uno de estos últimos “Entrada a la madera” nos
presenta su experiencia mística, dentro de la tradición hispana, para invertirla a través la exaltación
de los sentidos:
Con mi razón apenas, con mis dedos (página 217)

Es cierto que estas últimas manifestaciones se insertan dentro de la polémica originada por los
amigos de Neruda, de un lado; y por Juan Ramón Jiménez, de otro, agravada en 1935 con las sucesivas
declaraciones de ambos poetas (recordemos que Juan Ramón llegó a calificar a Neruda como “un
gran mal poeta” y que la conclusión del prólogo que Neruda estampa en el número primero de Caballo
Verde para la poesía –“quien huye del mal gusto, cae en el hielo” era una contestación directa a la
poesía quintaesencia del poeta de Moguer) En el fondo de la polémica, y como mostrara Ricardo
Gullón, de enfrentaban a dos concepciones de la poesía: la que aspiraba a que los hechos y objetos
cotidianos nos impregnaran y exaltaran en su crudeza material, y la que pretendía extraer de cada
cosa su quintaesencia, de cada acontecer su estancia ideal.
Su estancia en España no da para más. La guerra civil y el asesinato de García Lorca terminan de
situarlo junto a las izquierdas del bando republicano: participa activamente en el II Congreso
Internacional de los intelectuales Antifascistas (Valencia 1937) y publica España en el corazón donde
informa a los lectores de las razones de su cambio de estética, en favor de una literatura
comprometida. Tiene que abandonar su puesto consular. En su nueva situación apoya en todos los
foros posibles la lucha de la república española y al final de la guerra consigue enviar a Chile en el
Winnipeg un número considerable de refugiados españoles. Sus poemas de Residencia en la tierra III
registran el cambio. La historia aparece en sus versos como factor transformados del cambio en la
humanidad y la poesía de Quevedo, “la agricultura de la muerte” aflora en su poética. Neruda se erige
en cronista de lo visto e introduce fórmulas de poesía popular oral para trascender su experiencia
personal al plano universal, y la imagen poética, reiterada, se unen al insulto y al sarcasmo con el fin
de conseguir mayor eficacia del mensaje:

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Chacales que el chacal rechazaría (pág. 219)

La experiencia de España será fundamental en la transformación de su experiencia poética.


Testigo excepcional de la radicalización política que desembocaría en la Guerra Civil, su poética va
abandonando el subjetivismo neorromántico que la carnetizaba (las lilas/ y la metafísica cubierta de
amapolas”) en favor de un estilo directo y comprometido, como reflejan los conocidos versos de
“Explico algunas cosas”:
Preguntaréis por su poesía (pág. 219)

d) Observe en los poemas de Residencia en la tierra, seleccionados en la crestomatía, la


evolución de su poesía desde una unidad introspectiva hasta una poesía testimonial y
política.
En la crestomatía, figuran los siguientes poemas:

 Crepusculario 1923 FINAL


 Veinte poemas de amor y una canción desesperada
 Tentativa del hombre infinito
 Residencia en la tierra 1933 Galope Muerto
 Arte poética
 Residencia en la tierra 1935 Barcarola
 Walking around
 Entrada en la madera
 España en el corazón 1937 Explico algunas cosas
 Canto general 1950 Amor América
 Alturas de Machu Pichu
 Los versos del capitán 1952 El insecto
 Odas elementales 1954 Oda a la cebolla
 Nuevas Odas Elementales 1956
 Memorial de isla negra 1964 El primer mar
 Fin de mundo 1969 Sepa Lo sepan Lo sepa
 La espada encendida 1974

La crítica literaria suele relacionar su obra con lugares que conformaron su itinerario espiritual:
su etapa de formación en Chile (1940-1927) que agrupa su creación desde Crepusculario hasta
Tentativa del hombre infinito 1926; su etapa asiática (1927-1932) donde concluye su poesía
“hermética” de Residencia en la tierra I (1933); su estancia española tras el paréntesis diplomático de
Buenos Aires (1934-1937), tan decisiva en el cambio de orientación poética, que se plasma en España
en el corazón (1937); su etapa americana(1949-1950), en que Neruda toma conciencia de su
dimensión continental, a través de Canto General (1950); sus años de proscrito (1949-1953), donde
publica Los versos del capitán (1952); y su regreso definitivo a Chile (1953-1973) reconocido como
peta de talla mundial.

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Residencia en la tierra I Residencia en la tierra II y Residencia en la Tierra III sugieren una


unidad temática y estilística que la poesía nerudiana no siempre manifiesta, y que en conciencia
podemos hablar de una poesía introspectiva en la Residencia I, que se hace más discursiva en
Residencia II y decididamente política en Residencia III.
e) ¿Qué dos poéticas conviven en los textos de Canto General, compruébelo en los poemas
antalogados?

Los poemas de Residencia en la tierra III (1947) lo preparan para su proyecto más ambicioso
Canto general (1950). Toda su experiencia: Segunda Guerra mundial, afiliación al Partido comunista
en el contexto de la guerra fría, su nombramiento como jefe de propaganda de la candidatura de
González Videla 1946 a la Presidencia de la República su famoso discurso “Yo acuso” en el congreso.
Su clandestinidad en Chile y su escapada final del país por los Andes de la zona austral, está en base
de su nuevo poemario, en el que destaca un hasta ahora inédito sentimiento indigenista.

En Canto General coexisten dos poéticas diferentes y quizá antagónicas. La proveniente


personalidad profunda del poeta, con una poesía rapsódica, encaminada hasta lo informe y pre-verbal
(o por lo menos pre-oral) y la que manifiesta su poesía militante testimonial, regida por una voluntad
política, basada en el materialismo histórico.
Neruda oscila permanentemente en Canto General entre la exigencia estética y los reclamos
del militante. Por ello se fija como finalidad consciente de la dificultad de conseguirla, la
representación verbal de la injusta realidad americana. En este sentido es paradigmática su parte III
Alturas de Machu Pichu porque refleja el paso de una poética a otra de forma tan notoria como
improvista. De repente Neruda cambia de rumbo, anclada su visión en la idealización del mundo
incaico, para tomar conciencia de las injusticias de clase que había en el seno del mismo. A partir del
canto X Piedra en la Piedra, el hombre ¿dónde estuvo? La versión ritual se torna historicista y
popular: Tras un descenso a los infiernos con el fin de rescatar del olvido a los postergados, a la
postre, algo imposible, el poeta pretende restablecer históricamente la verdad y perpetuarla a través
de su verso poético; pero no como un simple memorista, sino como el profeta que asume
personalmente la cólera soterrada de todo el continente e incita a la lucha (canto XII) “Sube a nacer
conmigo hermano pág. 222
f) ¿Qué tipo de panteísmo hace que Matilde sea la amada y, a la vez, la tierra nutricia?
(Página 30)
(Matilde Urrutia fue la tercera esposa de Neruda, desde 1966 hasta 1973 cuando muere el escritor.)
Neruda es el poeta de la soledad y el amor. Representa ambos sentimientos con frecuencia a
través de la mujer, a la que confunde con la tierra porque es “su más plena y atractiva encarnación”.
Matilde es la mujer que más veces aparece reflejada en su escritura, está presente en: Estravagario
(1958), Los versos del capitán (1952) y Cien sonetos de amor (1959).
En Los versos del capitán la amada se erige como “barrio primordial”, tierra patria; y, a través
de los cinco sentidos, se propician los contactos y los intercambios con tierras nutritivas.
En Cien sonetos de amor Matilde reina de manera absoluta, y sigue siendo la sustancia nutritiva
y original.

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g) ¿Qué variaciones poéticas se perciben en los poemarios de modalidad apocalíptica?


(Página 35)
En la modalidad apocalíptica encontramos los siguientes libros: Fin de mundo (1969), La
espada encendida (1970) y 2000 (1974, póstumo).
Estos libros muestran un ciclo nietzscheano que busca recrear un “ocaso de los dioses”, aunque
paradójicamente lo construye sobre patrones bíblicos.
En el primer libro, Fin de mundo, se explora la modalidad profética desde un punto de vista
histórico-satírico, representa en muchos modos una nueva versión de Canto General, tiene una
estructura de forma enciclopédica con 122 poemas, distribuidos en 11 secciones con tópicos muy
variados. Se trata de una crónica del siglo XX, en la que el autor es consciente de la inminente
destrucción del planeta. Predominan las difíciles relaciones del poeta con la Historia, la represión de
Praga (1968) supone un duro golpe a su conciencia, aunque mantiene sus ideas. Encontramos un
Neruda político, que recrimina a sus contemporáneos escritores de novela hispanoamericana su falta
de compromiso social, aunque reconoce la valía de sus obras. Finalmente Neruda propone un
inminente desastre nuclear, pero sin una auténtica redención, lo que da lugar a la creación de La
espada encendida.
La espada encendida representa una perspectiva positiva del ser humano, aunque es la única
de las tres obras que presenta un holocausto apocalíptico. Tiene un tono mítico y solemne, en el que
se mezclan aspectos de la fábula, el folklore, los mitos, etc. También se basa en una cuidadosa y
deliberada revisión de la Biblia. En esta ocasión tiene lugar la muerte de Dios, y gracias a los
protagonistas se crea un mundo nuevo a través del trabajo.
En 2000 encontramos muchos temas comunes con Fin de mundo. Aparece una recepción
irónica del nuevo siglo. Lo que hace diferente a esta obra es el regocijo ante el destino del hombre
unido a la persistencia cíclica del planeta. Aunque existe la creencia de que algunos de los poemas
que componen esta obra formaron parte en un principio de Fin de mundo.

h) Engrose la lista de recursos literarios iniciada en el tema sobre Rubén Darío. (Recopile
los recursos estilísticos subrayados en el poema comentado y clasifíquelos de acuerdo
con el procedimiento empleado (figuras de dicción, figuras de pensamiento y tropo).)
(Página 70)
Figuras de dicción: anáfora (de repetición: “como un camarero humillado, como una campana
un poco ronca,/ como un espejo viejo, como un olor de casa sola”); gradación (de repetición: “como
un camarero humillado, como una campana un poco ronca,/ como un espejo viejo, como un olor de
casa sola”); paralelismo (de repetición: “como un camarero humillado, como una campana un poco
ronca,/ como un espejo viejo, como un olor de casa sola”); hipérbaton (de posición: “con luto de
viudo furioso”).
Figuras de pensamiento: Enumeración (de acumulación: “precipitadamente pálido, marchito
en la frente,/ y con luto de viudo furiosos por cada día de la vida”); antítesis (de lógica: “sueños
funestos”).
Figuras de tropo: metáforas (“sed ausente”); imágenes (“precipitadamente pálido”);
metonimia (“corazón” para hacer referencia al lugar donde se sitúan los sentimientos del hombre.)

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i) Elabore una ficha-resumen del tema.


Pablo Neruda es el pseudónimo de Ricardo Reyes Basoalto (1904, Chile), premio Nobel en
1971. Más de 50 años de producción: obra muy extensa.
 Desde Crepusculario a Tentativa del hombre infinito (1904-1927):
Se inicia como neorromántico (en contra de la vanguardia).
Crepusculario (1923): carente de unidad temática, libro de aprendizaje, inspiración modernista,
tono melancólico con cierto vitalismo.
- Veinte poemas de amor y una canción desesperada (1924): poemario de amor, sorprende con un
amor carnal; entre el Modernismo y la Vanguardia; tema: relación fracasada, el amor se redime a
través de lo carnal y de la poesía; el poeta como ser marginado y misterioso; la mujer: dual:
transfiguración con la naturaleza (dulzura), frente a la destrucción (huidiza, misteriosa).
- Tentativa del hombre infinito (1926): viaje imaginario del yo poético en busca de lo absoluto;
poemas ordenados del crepúsculo al alba; obra vanguardista; falta de puntuación, metro y rima,
abundan las imágenes; cuerpo de la mujer refleja éxtasis, conexión con el universo y salvación.
Obra fundamental: entrada en el ámbito de lo misterioso e infinito; nuevo lenguaje poético de la
no-forma; concepción del amor como fuerza del eros creadora.

 El ciclo residenciario y su estancia en España:


Experiencia asiática (1927-1933) como cónsul: crisis económica mundial, secuelas del
imperialismo, crisis personal.
- Residencia en la Tierra I (1925-1931): poesía intimista; los versos más enigmáticos y
pesimistas; temática: desintegración de la vida, muerte.
- Residencia en la Tierra II (1932-1935): más discursiva; renovación impulsada por su
encuentro con Lorca y su estancia en España (influencia recíproca con la Generación del 27).
- Residencia en la Tierra III (1936-1947): poesía política; enfrentamiento a favor de la poesía
sin pureza/poesía rehumanizada; posicionamiento político a raíz de los acontecimientos
españoles: cambio de estética y militante comprometido. (Texto: España en el corazón:
explicación de las causas que le llevan a ese profundo cambio estético).
-

 El poeta comprometido del Canto General (1950):


Antecedentes: compromiso político; relata la lucha contra la injusticia; sentimiento indigenista;
poesía que oscila entre lo épico y lo militante testimonial.

 De Odas elementales a Memoria de Isla Negra:


- Ciclo de odas: Odas elementales (1954), Nuevas odas elementales (1956), Tercer libro de odas
elementales (1957), Navegaciones (1959). Incorporar a la poesía todo lo visible mientras el poeta

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se hace invisible; lenguaje claro y cotidiano, conversacional; transforma lo cotidiano en sublime,


personificación y metáfora; nuevo panorama literario: Beat Generation, Nicanor Parra, Mario
Benedetti, etc.
- Estravagario: mirada hacia sí mismo con actitud irónica; gran incertidumbre, inquiere preguntas
sin respuestas.
- Cien sonetos de amor (1959): inspirados por Matilde Urrutia al igual que Los versos del capitán
(1952); sonetos alejandrinos blancos.
- Memorias de Isla Negra (1964): ordenación de los recuerdos de su vida; vivencias existenciales,
políticas y literarias.

 La actividad poética de sus últimos años:


19 obras más: intimistas; político-panfletarias; temas nuevos; ejercita su fe en el hombre; nuevas
formas expresivas lúdicas.
- Modalidad apocalíptica: Fin de mundo (1969), La espada encendida (1970), 2000
(1974, póstumo).

- Otros: Arte de pájaros, Una casa en la arena, Fulgar y muerte de Joaquín Murieta, Maremoto,
Geografía infructuosa.

 Poesía póstuma:
Legado inmenso, aún por estudiar. El mar y las campanas, Jardín de invierno, El corazón amarillo,
El libro de los poemas, Elegía y Defectos escogidos.

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TEMA 6. LUCIDEZ Y PASIÓN EN LA OBRA POÉTICA DE OCTAVIO PAZ (1914-1998)

a) ¿En qué consiste la dificultad ecdótica de la obra poética de Octavio Paz?


(ver pag. 264-265)
El seguimiento e identificación de sus textos se complica enormemente porque el poeta
mexicano volvió permanentemente sobre sus poemas, en un proceso de constante reelaboración,
transformándolos, eliminándolos o integrándolos en otros poemarios, a su vez revisitados a lo largo
de su vida.

b) ¿Qué supuso para Octavio Paz su estancia en España de 1937?


(ver pag. 265-271)
La muerte accidental y trágica de su padre y el estallido de la Guerra Civil Española resultan
fundamentales en su renuncia a la abogacía, el abandono de la casa familiar y su dedicación a la
poesía y a la revolución.
Durante su estancia en España de 1937, Octavio Paz vive una transformación en varios ámbitos
de su vida: a nivel personal y a nivel literario.
En el aspecto personal: se casa con la escritora Elena Garro; conoce a Luis Cernuda con quién
mantuvo una gran amistad hasta la muerte de este; se ofrece voluntario para combatir pero el gobierno
de la República le considera más útil la causa con la pluma.
En el aspecto literario vive un cambio radical: rompe con los postulados poéticos recorridos y
se inscribe dentro los postulados del realismo socialista y con la estética de una poesía impura (el
poema «No pasarán» (1936) es fruto de esa nueva senda literaria); publica dos obras: Raíz de hombre
(1937) y Bajo tu clara sombra y otros poemas sobre España (1937); tiene encuentros con escritores
de la Generación del ’27, pero sobre todo un influjo considerable de Pablo Neruda como luego
mostraría un ensayo un año más tarde en México sobre el poeta chileno.

c) ¿Por qué se puede afirmar que en muchos poemas de Octavio Paz la palabra constituye
al hombre (por analogía, se sobreentiende)?
(ver pag. 271-283)
El hombre soledad, el hombre comunión, el hombre amor, deseo, esperanza o libertad (todos
esos contrarios que se dan en él) se expresa en la palabra. La palabra no se reduce a una mera
expresión de lo que percibe, siente o piense, sino que es, por definición lo que constituye al hombre.
El hombre no es algo acabado sino en constante cambio al igual que la palabra. Ya en la
«Advertencia» que coloca al frente de Poemas (1935-1975) en 1979: «Los poemas son objetos
verbales inacabados e inacabables», expone el concepto principal de su poética por primera vez en
el poema Libertad bajo palabra.

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La elaboración de su poética (1943-1960) culmina con la publicación de Libertad bajo palabra


(1960) que por supuesto sufrió otras modificaciones ya que sabemos que para Octavio Paz un poema
nunca estaba acabado.
Para Paz la palabra adquiere viva propia y se convierte en expresión poética porque «inventa».
El poeta es un descubridor de la palabra y, a su vez, es inventada por ella; un doble proceso de un
mismo encuentro, en que «inventar» equivale a «descubrir».

d) Resuma los principales significados que adquiere el concepto «palabra» en el poema


«Palabra».

LIBERTAD BAJO PALABRA (1949)

PALABRA

PALABRA, voz exacta


y sin embargo equívoca; obscura y
luminosa; herida y fuente: espejo; espejo
y resplandor; resplandor y puñal,
vivo puñal amado,
ya no puñal, sí mano suave: fruto.

Llama que me provoca; cruel pupila


quieta
en la cima del vértigo; invisible luz fría
cavando en mis abismos, llenándome de nada, de
palabras, cristales fugitivos
que a su prisa someten mi destino.

Palabra ya sin mí, pero de mí, con el significado de “amor perdido” como el hueso
postrero,
anónimo y esbelto, de mi cuerpo; sabrosa sal,
diamante congelado de mi lágrima obscura.

Palabra, una palabra, abandonada, rïente y pura, libre,


como la nube, el agua, como el aire y la
luz,
como el ojo vagando por la tierra, como yo, si me
olvido.

Palabra, una palabra,


la última y primera, dos palabras con significados opuestos:
la que callamos siempre, “la muerte”
la que siempre decimos, “la vida” sacramento y
ceniza.

e) ¿Qué ideas de Paz sobre la poesía y la actividad poética se desprenden de la lectura del
poema en prosa «Hacia el poema»?
(ver pag. 274-275)

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En grandes rasgos, este poema muestra la génesis de un poema, mediante la creación de nuevas
palabras que son una batalla con el poeta que deforma su ser.
¿ÁGUILA O SOL? (1951) HACIA EL POEMA (PUNTOS DE PARTIDA)
PALABRAS, ganancias de un cuarto de hora arrancado al árbol calcinado del lenguaje, entre los
buenos días y las buenas noches, puertas de entrada y salida y entrada de un corredor que va de
ningunaparte a ningúnlado.
(Tiempo y espacio)

Damos vueltas y vueltas en el vientre animal, en el vientre mineral, en el vientre temporal. Encontrar
la salida: el poema.
(El poema es un instante, es como con la creación de un poema el tiempo cesa)

Obstinación de ese rostro donde se quiebran mis miradas. Frente armada, invicta ante un paisaje en
ruinas, tras el asalto al secreto. Melancolía de volcán.

La benévola jeta de piedra de cartón del Jefe, del Conductor, fetiche del siglo; los yo, tú, él, tejedores
de telarañas, pronombres armados de uñas; las divinidades sin rostro, abstractas. Él y nosotros,
Nosotros y Él: nadie y ninguno. Dios padre se venga en todos estos ídolos.

El instante se congela, blancura compacta que ciega y no responde y se desvanece, témpano empujado
por corrientes circulares. Ha de volver.
(Repetición de la idea del cese del tiempo)

Arrancar las máscaras de la fantasía, clavar una pica en el centro sensible: provocar la erupción.

Cortar el cordón umbilical, matar bien a la Madre: crimen que el poeta moderno cometió por todos,
en nombre de todos. Toca al nuevo poeta descubrir a la Mujer. (Desprendimiento del amor hacia la
Madre para (poder) descubrir a la Mujer)

Hablar por hablar, arrancar sones a la desesperada, escribir al dictado lo que dice el vuelo de la mosca,
ennegrecer. El tiempo se abre en dos: hora del salto mortal.

II
Palabras, frases, sílabas, astros que giran alrededor de un centro fijo. Dos cuerpos, muchos seres que
se encuentran en una palabra. El papel se cubre de letras indelebles, que nadie dijo, que nadie dictó,

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que han caído allí y arden y queman y se apagan. Así pues, existe la poesía, el amor existe. Y si yo
no existo, existes tú.
(Todo está en movimiento y se destruye y se recrea en la palabra)

Por todas partes los solitarios forzados empiezan a crear las palabras del nuevo diálogo.

El chorro de agua. la bocanada de salud. Una muchacha reclinada sobre su pasado. El vino, el fuego,
la guitarra, la sobremesa. Un muro de terciopelo rojo en una plaza de pueblo. las aclamaciones, la
caballería reluciente entrando a la ciudad, el pueblo en vilo: ¡himnos! La irrupción de lo blanco, de
lo verde, de lo llameante. lo demasiado fácil, lo que se escribe solo: la poesía.

El poema prepara un orden amoroso. Preveo un hombre-sol y una mujer-luna, el uno libre de su
poder, la otra libre de su esclavitud, y amores implacables rayando el espacio negro. Todo ha de ceder
a esas águilas incandescentes.

Por las almenas de tu frente el canto alborea. la justicia poética incendia campal de oprobio: no hay
sitio para la nostalgia, el yo, el nombre propio.

Todo poema se cumple a expensas del poeta.


(Luchar con las palabras -destrucción y creación- es luchar contar uno mismo (poeta)).

Mediodía futuro, árbol inmenso de follaje invisible. En las plazas cantan los hombres y las mujeres
el canto solar, surtidor de transparencias. Me cubre la marejada amarilla: nada mío ha de hablar por
mi boca.

Cuando la Historia duerme, habla en sueños: en la frente del pueblo dormido el poema es una
constelación de sangre. Cuando la Historia despierta, la imagen se hace acto, acontece el poema: la
poesía entra en acción.

Merece lo que sueñas.


(Mientras sueñas el poema se crea en potencia que llega al acto al despertar del sueño)

f) ¿Cómo concilia Paz el arte moderno y el mundo precolombino en la creación del poema
extenso «Piedra de sol»?
(ver pag. 278-279)

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El punto de intersección entre el surrealismo y el neobarroco está en la similar concepción está


en la similar concepción que ambos movimientos tienen de la imagen; es decir en el oxímoron, y en
la capacidad de la metáfora para aludir y eludir. Surge así un poema que es una verdadera
«arquitectura verbal» autosuficiente, en cuanto que representa una «imagen del mundo» reducida y
completa. Toda esta concordancia moderna se combina con la valoración estética e intelectual del
mundo mesoamericano. «Piedra de sol» amalgama dos mitos, uno occidental y otro mesoamericano,
que se resuelven sincréticamente en la unidad. Los 584 endecasílabos que la componen equivalen al
número de días «de la revolución sinódica del planeta Venus», este número corresponde con el ciclo
venusino que los antiguos mexicanos utilizaban.
Paz identificaba a Venus con Quetzalcóatl para, utilizando el símbolo escultórico azteca de la
piedra de sol, adaptar su poema a la forma circular del tiempo que presidía a la civilización
azteca.

g) ¿Cómo explicarías el instante sagrado descrito en el fragmento de «Piedra de sol»,


recogido en la crestomatía? ¿Por qué la mujer sirve de puente al hombre en la
regeneración del mundo?
(ver pag. 278-283)
El instante sagrado es aquel momento en el cual mediante un beso (el amor) un mundo se crea
inmediatamente. El amor es por tanto el detonante de una creación sin límites precedida de un
derrumbamiento total. Mediante el beso (el amor) el mundo cambia y encarna pensamiento y deseo.

amar es combatir, si dos se besan
el mundo cambia, encarnan los deseos, el pensamiento encarna, brotan ala

El equilibrio armónico se restablece mediante el éxtasis amoroso, que se nos ofrece como la
principal alternativa hacia la heterogeneidad del universo, puesto que el amor es siempre en su poesía
un ritual mágico que transforma el universo en imagen de deseo; un retorno a la plenitud
primigenia, en el que la mujer –«esbelta catedral vestida de luz»– se funde con el cosmos «en
confluencia paradisiaca y sagrada». El encuentro erótico transfigura, así, historia y mundo en tiempo
edénico («El mundo nace cuando dos se besan»); la mujer es «el centro visible de la tierra», presencia
de un tiempo mítico e imagen de la eternidad.
La mujer que se funde por medio del amor con el universo, es el universo, y sirve por tanto de
puente al hombre para la regeneración del mundo.

h) Engrosa la lista de recursos literarios ya iniciada.


(ver pag. 308-317)

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En «Carta de creencia», Arbol Adentro (1987), está presente la paradoja, recurso frecuentísimo
en Octavio Paz, poblado por abundantes metáforas y personificaciones con las que subraya el paso
imperceptible de la luz a la sombra.
Los principales recursos literarios son:
- Contrarios (antítesis)
- Metáfora («música en el ramaje de las venas»)
- Trimembraciones metafóricas («lenguas de llama, baile de chispas,/ cuentos de humo»
- Personificaciones («los brazos frescos de la rubia mimosa»)
- Bimembraciones
- Trimembraciones («amar, caminar, mirar»)
- Oximorón («frágil eternidad»)
- Paradojas («Pero digan esto o aquello, nos dicen.»)
- Comparaciones, en enumeración paralelística («como (…) el arbolito y el aire»,
«como el agua corriente», «como el charco callado», «como el fuego»)

i) Elabora una ficha-resumen del tema.


(ver pag. 251-298)
Introducción
Octavio Paz, nacido en México, hijo de un mexicano revolucionario y de una española
profundamente religiosa, recordará sobre todo sus años de estancia en Mixocac, paraíso de su
infancia, junto con su abuelo (Don Ireneo Paz) y su famosa tía (Amalia) que lo guiará en las lecturas
de la abundante biblioteca de su abuelo.
Su estancia en España (1937) es de gran importancia a nivel personal (y literario que después
veremos): se casa con la escritora Elena Garro, empieza una gran amistad con Luis Cernuda y vive
un cambio transcendente debido a la situación política en España. De vuelta en México se hace
durante un corto tiempo miembro del Partido Comunista Mexicano (que lo deja por razones
ideológicas). Poco después se da la ruptura definitiva entre Neruda y Paz debido a problemas de
publicación de una antología.
Durante su estancia en los Estados Unidos (1943-1945), uno de los periodos más felices de su
vida, estudia la poesía angloamericana moderna.
Durante el bienio 1952-1953 sus trabajos diplomáticos le llevan a Nueva Delhi, Tokio Ginebra
y vive su primera experiencia fructífera con Oriente. A finales de 1968 renuncia a su puesto de
embajador en protesta por la matanza de Tlatelolco.
A partir de 1972 es galardonado con muchos premios culminando con el Premio Nobel de
Literatura 1990.

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Temas principales
Los principales temas son: la soledad, (conciliación de) contrarios, la libertad, la palabra, la
mujer como creadora heterogénea del universo.
Periodos y obras principales
La vasta obra poética y ensayista de Octavio Paz ocupa un lugar excepcional en el siglo XX
debido a la gran influencia que ocasionaron sus múltiples viajes al extranjero: estancia en España
(1937), en los Estados Unidos (1944-1945), en Francia (1946-1951), en Japón (1952), nuevamente
en Francia (1959-1962) y en la India (1962-1968); pero también por la asimilación armónica de tantas
tradiciones culturales diversas. A continuación expongo algunas características de sus obras
principales.
En busca de una voz propia (1930-1942)
En busca de su voz hace experiencia con el Creacionismo (usando temas marinos), influido
por Pellicer; después experimenta con la poesía pura en Luna silvestre (1933) donde predomina los
temas de amor y poesía. Con el influjo de la situación política en
España, rompe con los postulados poéticos recorridos y se inscribe dentro de los postulados del
realismo socialista y con la estética de una poesía impura.
En Raíz de hombre (1937), Paz se revela contra la poesía impura y ofrece una poesía
neorromántica tratando como temática lo terrestre, el erotismo, la muerte, y el amor. De carácter aun
más neorromántico es Bajo tu clara sombra y otros poemas sobre España (1937) donde incluye el
tema del amor y del erotismo, en una fusión entre una naturaleza virginal y la mujer como objeto del
deseo.
La elaboración de una poética (1943-1960)
Para Paz «Los poemas son objetos verbales inacabados e inacabables». Esta visión del poema
tendrá claras consecuencias sobre la ecdótica de sus obras ya que estas están en constante proceso de
modificación; esto no es solamente válido para todas sus obras sino también para su arte poética
Libertad bajo palabra (1943), de la que existen versiones muy posteriores a la primera. En su poética,
«el poeta es un descubridor de la palabra y, as u vez, es inventado por ella».
En ¿Águila o sol? (1951) está presente una poesía dicotómica explicitada en la disyuntiva de
su título que opera en todos los planos del libro: en su nombre y en la forma en que se integran los
diálogos establecidos; se resuelve en la unidad, porque para los aztecas el dios águila era el sol. La
dicotomía que resume la poética se solventa en varios planos de la escritura son: el personal y el
histórico, el presente y el pasado, la vida y la muerte, la noche y el día, la prosa y la poesía, la infancia
y la adultez.
En La estación violenta (1957) la influencia de Eliot es visible en su crítica a los valores de la
sociedad moderna, en su búsqueda constante de lo sagrado, en el regreso a los orígenes, a la palabra
poética, en la yuxtaposición de todos los tiempos históricos. El surrealismo se manifiesta en la
celebración vital de los sentidos, en la correspondencia entre poesía, amor y libertad; en el empleo de
imágenes insólitas y en el simultaneísmo. Todos los poemas meditaciones frente a ciudades,
preguntas a la Historia en una época violenta. Por último se puede destacar que en «Piedra de sol»
– último poema de poemario– el equilibrio armónico se restablece mediante el éxtasis amoroso, que
se nos ofrece como la principal alternativa hacia la heterogeneidad del universo, puesto que el amor
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es siempre en su poesía un ritual mágico que transforma el universo en imagen del deseo. El encuentro
erótico trasfigura, así, historia y mundo en tiempo edénico («El mundo nace cuando dos se besan»).
Hacia y desde Blanco (1962-1974)
En Salamandra (1962) el poeta paradisíaco y diurno se vuelve antiparadisíaco y nocturno, cada
vez más abstracto en la representación del desasosiego de la condición humana. Es un libro de ruptura
con la poesía anterior que implica cambio, aunque no discontinuidad. Sus poemas se organizan como
un palimpsesto de tiempo y espacio, cuya principal afirmación sobre la naturaleza de la realidad se
encuentra en la forma escogida, en la discontinuidad de versos que no postulan un discurso lógico ni
alcanzan una síntesis, sino que «se proyectan como un mosaico de fragmentos heterogéneos», signos
que descubren «un tiempo discontinuo y un espacio que se disgrega». En el fondo, Paz habla aquí del
tema qué significa significar.
En Blanco (1967), Paz parece encontrar la unidad que buscaba en toda su obra anterior con toda
plenitud. Como mandala tántrico, Blanco establece una síntesis de dualidades.
Su última estación poética (1972-1987)
Parece como que en Árbol adentro (1987), Paz hubiese querido reunir con serenidad todos los
asuntos poéticos que le importaban. Constituye una travesía poética que reúne «viajes por la poesía,
la ciudad y la pintura, tributos a amigos y una meditación sobre la muerte, desembocando en un canto
a la mujer amada».

TEMA 7. JOSÉ MANUEL CABALLERO BONALD. LA POESÍA: DEL EXISTENCIALISMO


A LA DISIDENCIA

a) ¿En qué medida es autobiográfica la poesía de caballero bonald?


Podemos decir que la obra de José Manuel Caballero Bonald es fusión entre vida y ficción,
tiene un carácter autobiográfico pasado por un proceso de ficcionalización. Los episodios de su vida
y la elaboración del resultado de su experiencia del mundo han sido el núcleo germinal de su escritura.
En la obra de Bonald hay tres dimensiones: bibliográfica, artística y social y tres claves fundamentales
en su creación: la memoria personal como desencadenante de la escritura, la elaboración en el ámbito
del lenguaje de la experiencia vital para transmutarla en una experiencia literaria y el carácter
reivindicativo ante las afrentas con que la realidad socava la dignidad del humano.
La poesía ha sido siempre proclive a la expresión de los sentimientos más íntimos y de las
cicatrices que va dejando en el autor el desarrollo de la experiencia. Por más que el componente
ficcional sea un ingrediente indispensable en la elaboración del poema, el uso de la primera persona
suele ser mucho más que una fórmula retórica. La poesía de Bonald ha sido un muestrario de
experiencias vitales, desde Las Adivinaciones (1952) al reciente Entreguerras (2012), voluntaria
narración autobiográfica en verso, a modo de rendición de cuentas de lo vivido. La creación literaria
parte de la experiencia del autor y no sólo hay hechos, anécdotas, viajes, …. sino que en sus poemas
hay recuerdos íntimos, actitudes, formas de ser o modos de actuar sobre los que el autor realiza
examen de conciencia. No obstante, como toda poesía, la suya es ante todo ficción literaria, no
podemos interpretarla sólo en esa clave autobiográfica y Bonald diría: que “ningún escritor es capaz
de evocar lo que ha vivido sin incurrir en alguna desviación. La poesía no tiene porque coincidir con

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la verdad autobiográfica sino con esa otra verdad generada en el texto”. En suma, en su obra lo vivido
puede actuar como desencadenante del proceso creativo, pero no es el objetivo, sino la ficción por
encima de la exactitud histórica.
En algunos de sus poemas encontramos que expresa mediante el empleo de segunda persona
verbal en pasado (“escuchabas”, “aprendías”, e.t.c.) un “tú” con valor de diálogo consigo mismo,
monólogo interior en realidad que sirve para reconstruir la experiencia. Este empleo de un “tu”
monólogo, habitual en la poesía de Bonald, abre el ámbito del discurso a la participación del lector
convirtiendo así el poema en un diálogo entre el autor y la conciencia del lector.

b) Caballero Bonald declaró: “todo lo que no es barroco es periodismo”. ¿Qué quería


decir?
“Todo lo que no es barroco es periodismo” es una frase de José Manuel Caballero Bonald que
según los críticos hay que entenderla en su contexto. Bonald es un escritor poco amigo de escribir
con prisas, de salir airoso de las urgencias y exigencias del periodismo, como lo define la crítica
literaria. Le gusta experimentar con el lenguaje y cuidad la estética. Una de las claves fundamentales
de la creación de Caballero Bonald es la reelaboración en el ámbito del lenguaje de la experiencia
vital para transmitirla en experiencia literaria y la continua corrección de sus textos que actualizaba
a su sensibilidad estética en cada momento. Para Bonald en el lenguaje se centra la verdadera
naturaleza del fenómeno poético.
Bonald con esta frase tal y como reconoció en una entrevista quiso decir que él es un autor con
estilo propio y preocupación estilística que ha ido variando con el paso del tiempo, comenzó siendo
un escritor barroco pero ha llegado a tener una dicción bastante austera aunque brillante.
Desde un principio Bonald fue consciente de que la esencia de lo poético es el lenguaje, en esta
indagación del lenguaje no fue ajeno el aprovechamiento de lecturas tempranas de los barrocos
españoles: el Alberti irracionalidad de Sobre los Ángeles, Rimbaud y Mallarmé. Desde su primera
etapa de la poesía se manifiesta con claridad la huella de procedimientos poéticos de raíz barroca
como norma de indagación de la realidad.

c) Definiría usted como “realista” la poesía de Caballero Bonald y su lenguaje? ¿Por qué?
Sí, de hecho Bonald es uno de los intelectuales más lúcidos en el análisis de la realidad de su
tiempo, con la que siempre se ha sentido comprometido. Su trayectoria poética puede distinguirse en
cuatro periodos, comenzando en los años 50 en la generación realista (“ los niños de la guerra”) en
los cuatro períodos se observa el realismo de su obra. En el segundo periodo 1960-1963 se califica
de realismo social o realismo histórico. Esta es su etapa del compromiso social y político, en línea
con la estrategia del Partido Comunista en su oposición a la dictadura, que en la realidad nacional se
tradujo en numerosas huelgas obreras y manifestaciones estudiantiles. Los poemas eran escritos con
un lenguaje directo que conectase con la tradición popular, en los que el contenido prima sobre el
estilo, Pliegos de cordel es un buen ejemplo. Su primer período etapa de formación como poeta en
los años 50 (Generación realista) la culmina con el inicio de le etapa realista en la que tras la
constatación del fracaso del realismo como fórmula literaria para la lucha política contra la dictadura
condujo a la búsqueda de una nueva estética y posibilidades del lenguaje tanto en la sintaxis como en
la semántica, así en Descrédito del héroe (1977) demostró como era posible hacer crítica de la
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realidad social con un lenguaje elaborado. En esta época escribió poemas centrados en episodios
autobiográficos tanto pasados como remotos y poemas que tratan asuntos de actualidad: espacio
Doñana, … En la cuarta etapa “ciclo se senectud” también se observa este realismo en su obra, con
carácter autobiográfico pasados por un proceso de ficcionalización. Bonald proclama que
“escribiendo se defiende de las barbaridades que vivimos, de este mundo caótico que nos muestran
los periódicos”.

d) Recopile los recursos estilísticos subrayados en el poema comentado y clasifíquelos de


acuerdo con el procedimiento empleado (figuras de dicción, figuras de pensamiento y de
tropo).
FIGURAS DE DICCIÓN: afectan a la forma de las palabras, o de las oraciones, sintagma, e.t.c
(aunque a veces también al significado) En el poema comentado aparecen las siguientes:

 Figuras de Repetición: reutilizar elementos lingüísticos dentro de los enunciados.

-Bimembrismo:“ arduo e incontenible (v.3),“ impávida y reverenciosa” (vs. 21-22)


“ juntos y pavorosos” (v. 30) tanto antepuestos al sustantivo como pospuestos.
También existe bimembración en sintagmas nominales “de Ben Tre y de Giong
Trom” (v.25), verbales “los mandamientos del terror, los ejemplos aullando” (v.31)
o preposicionales “ no ya en abreviaturas ni en emblemas”.
- Recurrencia del esquema sintáctico: determinante + adjetivo + sustantivo + de +
sintagma nominal que vertebra todo el texto dotándolo de ritmo
“férrea humildad de triunfo” ( v.2-3);” los mismos armamentos de la voz, aquella
amenazante voracidad de la jungla” (vs.5-6); “aquel tórrido estruendo de aguacero”
(v.18), “ la espantosa cortina de exterminio” (vs 45-46).
- Recurrencia semántica: repetición del término “muertos” en tres versos seguidos
35-37.
- Aliteración de “r” apreciable en todo el texto “triunfo, arduo” v.3 “ que tórrido
estruendo” vs17-18 “pavor” terror” e.t.c..
 Figuras de Acumulación: las estructuras sintácticas pueden estar formadas por más
de dos componentes: series de cuatro “pedacitos de papel, anillos fabricados con el
resto de aviones, sellos e insignias” (v.15)
E incluso de cinco elementos en una acumulación reforzada por el polisíndeton “las
bárbaras industrias de napalm y los tóxicos químicos y la gasolina gelatina de y el
fósforo blanco y toda la espantosa cortina de exterminio” (v.43-46).
FIGURAS DE PENSAMIENTO: afectan al significado de las palabras.

 Figuras de acumulación
- Adjetivación abundante de gran intensidad semántica: “férrea”, “arduo”,
“incontenible”, “atenazante”, “impaciente”, “tórrido”, “bárbaras”, “espantosas”.
 En el plano semántico abundan los términos bélicos: “aviones, “ inavsor” lazy-
dods”, “ bombardeos”, “ torturas”

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 Referencia geográficas vietnamitas : Ben Tre y de Giong Trom” v 25, el trópico y


el ciclo de lluvias v 26
 Paradojas en la adjetivación: “férrea humildad de triunfo”, “arduo e incontenible”
(v 2-3), “ terribles, tenaces constancia de victoria” vs19-20

TROPOS: sustitución de una expresión por otra cuyo sentido es figurado. La expresión se desvía de
su contenido original para adoptar otro contenido. Los más abundantes en este texto son la metáfora
y el símil.
“como la inundación del arrozal “ (v.4)
“a la luz de otro trópico” (v. 8)
“Parpadeando como la superficie de la mínima copa “ (v. 23)
“aullando como lobos” metáfora.

e) Elabore una ficha resumen del tema.

La Poesía española de la posguerra al s. XXI:


Primera posguerra: años 40:
* Exilio, represión y depuración

 Poesía arraigada. Literatura afín al régimen. Poesía que elude el conflicto, religiosa,
inspirada en la poesía renacentista de los poetas soldado, estilísticamente pulcra.
 Poesía desarraigada: poemas descarnados que expresan la realidad de una España de
penuria, frío y hambre, rebeldes a la rigidez métrica. Victoriano Cremer, José Hierro
, Blas de Otero, Eugenio de Nora.
 Revista Cántico: vía esteticista como rechazo a la sordidez de la España Franquista.
Años 50: poesía social

 Crítica al sistema y la denuncia de las injusticias sociales


 Grupo de Poetas Sociales: Blas de Otero, Angela Figuera, Gabriel Celaya, Carlos
Alvarez, etecc
 Segunda Generación de posguerra: formada por quienes eran niños durante la guerra
( Grupo del 50 o Generación realista). Comienzan a escribir en los 50 pero alcanzan
su apogeo en los 60: Carlos Barral, José Manuel Caballero Bonald, Jaime Gil de
Biedma , Claudio Rodríguez, José Agustín Goytisolo, Gloria Fuertes, Francisco
Brines, Angel Crespo, que buscan sus motivos en la propia experiencia cotidiana
elevada a categoría y símbolo de la vida colectiva.
Década del 60:
Generación del 68, culturalista o de los novísimos, expresan su rechazo de la realidad española
mediante el recurso del esteticismo, a la cultura clásica , a los medios de comunicación , el cine

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sobre todo , la experimentación ( Manuel Vázquez Montalbán, Ana María Moix, Vicente Molina
Foix, Leopoldo María Panero, Pere Gimferrer, … )
Los 80:

 Poesía de la Experiencia: herederos del Machado de la otra sensibilidad, de Juan de


Mairena y de la generación del 50 ( Luis García Montero, Alvaro Salvador, Felipe
Benito Reyes, Carlos Marzal, Vicente Gallego).

Según LUIS ANTONIO DE VILLENA hasta los 80 se dan dos tendencias poéticas que él denomina:
- La voz lógica (pretende compartir una experiencia creadora basada en la realidad
con un lenguaje que sea asequible)
- La voz órfica (indaga en el propio acto de la creación buscando los límites del
lenguaje, a través de un hermetismo difícilmente accesible)
SIGLO XXI:

- Las nuevas generaciones no se decantan por una de estas dos tendencias, sino que
realizan una síntesis de gran interés que tiene características del realismo y del
irracionalismo cognoscitivo o neousurrealismo.

TRAYECTORIA POETICA DE CABALLERO BONALD: LAS BASES DE UNA POETICA:

 El papel de la memoria personal como desencadenante de la escritura: aunque


siempre tiene en cuenta que “el propio proceso creador deforma o distorsiona la
memoria de acuerdo con las propias necesidades expresivas, aparte de que todo
recuerdo lleva implícito una cierta dosis de equivocaciones. Las memorias son
también un género de ficción”. Lo vivido puede actuar como desencadenante del
proceso creativo, pero no es el objetivo del autor, sino la ficción por encima de la
exactitud histórica. El arte es más importante que la vida.
 La reelaboración en el ámbito del lenguaje de la experiencia vital para transmutarla
en una experiencia literaria. “El lenguaje es para mí una ética, una reflexión ético-
estética. Mi ética, mi responsabilidad como escritor consiste en mi trabajo artístico
con el lenguaje, en la búsqueda del lenguaje que se corresponda con esa aproximación
al conocimiento de la realidad.”
 Su carácter vindicativo ante las afrentas de toda índole con que la realidad socava
la dignidad del ser humano.
 Continua corrección de sus textos.
TRAYECTORIA POETICA DE CABALLERO BONALD: ETAPAS DE SU POESÍA:

I.- FORMACIÓN (1949-1959)


* LAS ADIVINACIONES (1953); expresa la frustración colectiva posbélica generalizada de esos años
y deja ver huellas de la predilección por Juan Ramón Jimenez, Vicente Alexander, Luis Cernuda y
Luis Rosales. Es el libro menos apreciado por el autor que lo considera poco personal y demasiado

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sentencioso. Aun asi en él se perciben ya los temas nucleares de su poesía: la memoria de la infancia,
los anhelos del amor y el erotismo, el triste clima moral de la posguerra y la preocupación por el destino
de los humildes, además de la búsqueda de la palabra adecuada.
* MEMORIAS DE POCO TIEMPO (1954); Hermetismo e irracionalismo. Le valió la consideración
de la crítica como autor con voz propia.

* ANTEO (1956): Cuatro poemas sobre la soleá, la seguiriya, el marinete y la saeta, publicados en la
revista Papeles de Son Armadans, revista de la que es subdirector a partir de ese año.

* LAS HORAS MUERTAS (1958): Consolidación como poeta de primer nivel. Sus temas anteriores se
tamizan por el existencialismo dominante en Europa y la existencia del “yo” se abre al “nosotros”.

II.- REALISMO SOCIAL ( 1960-1963)

 DOS DIAS DE SEPTIEMBRE (NOVELA)


 PLIEGOS DE CORDEL (Poemario de 1963)
Ambos en la línea de la “operación realista” surgida del homenaje a Machado en Colloure(1959).
Lenguaje directo que conecta con la tradición popular, en los que el contenido prima sobre el estilo.

III.- EXPERIENCIA DEL LENGUAJE (1964-1984)


Es la época central de su poesía, su voz alcanza plena madurez. Se intensifica su actividad política (
cárcel, participa en la Junta Democrática de la Transición porque no está de acuerdo con la opción
reformista)

 VIVIR PARA CONTARLO (1969), selección de poesía escrita hasta ese momento. En
el último bloque se observa la constatación del fracaso del realismo como fórmula
literaria para la lucha contra el franquismo, se nota claramente un cambio estético.
 DESCREDITO DEL HEROR (1977) Demuestra que es posible hacer crítica de la
realidad social con un lenguaje elaborado, insumiso a las prescripciones de la
gramática común
 LABERINTO DE FORTUNA (1984) ochenta poemas dispuestos linealmente como
prosa. Temas: episodios autobiográficos, asuntos de actualidad , el espacio mítico
Doñana. Todos los textos tienen un lenguaje muy elaborado y renovador, en el que
sobresale la ironía y cierto desengaño melancólico por la intuición de una vejez ya
no muy lejana.

IV.- CICLO DE SENECTUD (1997-2015)

 DIARIO DE ARGONIDA (1997) Se trata de poemas biográficos pasados por un


proceso de ficcionalización. Destaca la vivencia sensorial del mundo de la infancia
(olores, colores..), la crítica social y política , memoria y olvido , vida y ficción.
 MANUAL DE INFRACTORES (2005) Surge de la indignación frente a las guerras y
las injusticias con las que se abre el nuevo milenio a laS que el libro ofrece una
respuesta en clave de insurgencia poética.
 ENTREGUERRAS (2012) Es una revisión de la propia vida, de clara intención
testamentaria constituida por un único y largo poema de casi tres mil versos. El libro

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está basado en una “épica de la resistencia, de la continua defensa que es vivir en un


tiempo de posguerra, tiempo de penurias, siniestro gobernado por villanos y no por
héroes, en el que mantenerse en medio de tantas miserias, colectivas y personales, era
un ejercicio diario de heroísmo.
 ANATOMIA POÉTICA (2014) El tema es la realidad social y sus protagonistas.
 DESPRENDIZJES (2015) Sigue en la estela del compromiso social y de la estética
de la transgresión en todos los planos de la expresión y del contenido.

TEMA 8. EL UNIVERSO NARRATIVO DE MIGUEL ÁNGEL ASTURIAS

a)¿Por qué es fundamental la etapa parisina en la orientación crítica y literaria de Miguel


Ángel Asturias?
Los nueve años de vida que pasa en París son decisivos en su formación y en su orientación
literaria. En ellos descubre deslumbrado a personajes de relevancia como Luigi Pirandello, Georges
Braque, Thomas Mann, Pablo Picasso, James Joyce, Tristan Tzara o André Breton.
Su trato frecuente con los escritores hispanoamericanos vanguardistas radicados en París resultó
esencial en la creación de su magno proyecto literario y en su especial percepción del Realismo
Mágico como conocimiento del mundo y como procedimiento estilístico.
Siguió un curso en la Sorbona sobre “Mitos y religiones de la América Maya” y recibió el influjo
de los surrealistas de Montparnasse. Pero su quietud intelectual y política es infinitamente mayor. El
nacionalismo antiimperialista e interclasista de Haya de la Torre le impresiona vivamente y está en la
base de su “nacionalismo económico”
Todo le interesa, y especialmente Francia le presta ojos nuevos para ver Guatemala, la
comparación permite parámetros distintos.
Realiza un gran número de actividades que asombran por su cantidad y variedad, y publica sus
cuatrocientos cincuenta y cinco artículos, crónicas y cuentos en El Imparcial, que con la base de su
estructura ideológica y conceptual, a esto hay que sumar las numerosas relaciones que mantuvo con
las más diversas personalidades de la época, que enriquecieron considerablemente su experiencia
parisina.

b) ¿En qué consiste la originalidad de El Señor Presidente?


Esta novela, la primera, dio a Asturias una notoriedad y una resonancia considerables.
Construida sobre un cuento inicial titulado Los mendigos políticos, que había escrito en sus días
estudiantiles bajo el régimen de Estrada Cabrera, la rehace y termina en su etapa parisina pero diversas
peripecias hicieron que no la publicara hasta 1946.
A primera vista se percibe su deuda con el expresionismo valleinclanesco de Tirano Banderas,
y con lo esperpéntico y caricatural.
Esta novela ha sido considerada por algunos críticos como la novela de la dictadura, porque,
aunque centrada en la época de Estrada Cabrera, expone el poder deformante de las dictaduras, que se

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concreta aquí en la violencia, el miedo y el desarraigo de todo valor moral en los personajes que la
pueblan. En este mundo corrupto reinan el terror y la violencia, derivados ambos ejemplos claros de
la relajación de las costumbres y de la avaricia de la clase dominante. Ahora bien, bajo el aparente
tema de la novela se esconde una metáfora de la condición humana, en la que la inversión del mito
bíblico del ángel caído adquiere una importancia fundamental. El omnipresente, (aunque casi no
aparezca en toda la novela) omnisciente y todopoderoso Señor Presidente es una encarnación de Tohil,
dios maya que se alimenta de víctimas humanas. La rebelión de Cara de Ángel resulta una parodia de
la del Luzbel bíblico, en la que el triunfo de Dios Padre supone el triunfo definitivo del mal.
La crítica ha subrayado la fuerte “estructura trenzada” de la novela, alterna el punto de vista del
narrador extradiegético con el de, al menos, diez personajes diferentes. Salta a la vista de cualquier
lector avezado la ironía del título; la versión degradada de la realidad, que se manifiesta en lo grotesco
y esperpéntico de personajes y nombres, en la abundancia de lo sórdido y de los claroscuros, en la
abyección moral de personas e instituciones y en la omnipresencia del miedo y de la incomunicación
humana, todo ello subrayando de nuevo su técnica narrativa o el uso sistemático de elementos
surrealistas.
Aunque las novedades fundamentales son dos: una nueva concepción de la novela como una
“hazaña verbal” y una nueva actitud ante la realidad. Su influencia, caracterizada por el lenguaje y lo
mágico, caracterizó a los nuevos novelistas.

c) ¿Cómo concilia Miguel Ángel Asturias la realidad histórica con la dimensión mítica en
Hombres de maíz?
En Hombres de maíz, Asturias domina plenamente la dimensión mítica, iniciada en Leyendas de
Guatemala y en El Señor Presidente, con la incorporación de elementos populares de honda raíz
indígena. El mito actúa sobre la actualidad nacional guatemalteca en esta novela como una posible y
siempre permanente solución autóctona ante el callejón sin salida de la cultura occidental. La novela
narra originalmente el conflicto armado entre los indígenas y los maiceros, que arrasan el bosque para
cultivar el maíz con afán de lucro y destruyen la armonía primaria, pero sobre esta base argumental,
que se anuda en un momento histórico de cincuenta años, Asturias se remonta en el pasado para ofrecer
al lector la historia de la humanidad en tres círculos concéntricos-mundo occidental, América desde la
Conquista y Guatemala desde 1900-con sus correspondientes pases de tribalismo, colonialismo y
neocolonialismo, y todo ello dentro de una duración mítica que discurre paralelamente al año
ceremonial de los mayas en torno al ciclo del maíz.

d) Tras la lectura de la recepción crítica de la trilogía bananera, ¿qué importancia cree usted
que tiene en el conjunto de la producción narrativa de Miguel Ángel Asturias?
Algunos detractores la acusan de ser una composición maniquea (buenos y malos, víctimas y
verdugos), de estar supeditada a la protesta social, con personajes planos, sin la hondura psicológica
de los de otras novelas, y de un discurso narrativo más próximo al periodístico que al literario, por eso
se considera en conjunto como la obra menor de Miguel Ángel Asturias, cuando no su obra fallida,
aunque algunos de sus estudiosos más constantes y conspicuos, opinan lo contrario, subrayando los
logros y la maestría del escritor frente a un tema tan relevante en la historia nacional guatemalteca, y
su dominio de los diálogos como procedimiento literario que permite al lector profundizar en el

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complejo universo centroamericano. No puede decirse que la trilogía bananera carezca de elementos
mitológicos, pero sí es cierto que su significado no es poético, sino social, y que importa más el mito
como mensaje que como elemento estético o fundamento imaginado del realismo mágico.

e) Engrose su lista personal de recursos literarios.


Miguel ángel Asturias en el texto perteneciente al segundo episodio del capítulo XXXVIII de El
Señor Presidente se vale de la alternancia de dos voces narrativas diferentes: la de un narrador
heterodiegético, y el narrador protagonista.
En esta obra, el simbolismo religioso invertido subyace en su composición narrativa.
El espacio que deja atrás personificado metafóricamente como un ser monstruoso que “arañaba
el cielo con las uñas negras de los tejados”.
La comparación “que, como chiquillos echaban a correr” expresa el movimiento que cobran los
campos al paso del tren, visto siempre desde los ojos “entrecerrados” del protagonista, y nos introduce
en dos recursos literarios de que se sirve Asturias para ofrecernos un conjunto cinematográfico de
imágenes (dinamismo) en el que se yuxtaponen los diferentes cuadros paisajísticos externos al tren
(descripción) con el fluir de los pensamientos de Cara de Ángel, el primero se deriva de un juego
infantil, propio de la literatura oral, en que un sustantivo atrae al siguiente y éste a su vez a otro nuevo,
de forma enumerativa.
El segundo recurso, derivado del juego infantil anterior, relaciona a Miguel Ángel Asturias con
el Surrealismo y la escritura automática.
En el momento que el protagonista abandona su cabeza en el respaldo del asiento mientras
contempla, dormitando, la inmensa y monótona llanura de la costa, subrayada en el texto por una
enumeración acumulativa de adjetivos (la tierra baja, plana, caliente, inalterable de la costa”.
Hay un recurso que Asturias usa con mucha frecuencia, la visión onírica, proviene tanto de la
escritura automática surrealista como del estado de lo soñado por la mentalidad indígena y se
confunden.
Utiliza bastante la técnica esencial de Realismo Mágico, que percibiremos a largo de toda su
obra literaria.
En el texto el narrador heterodiegético se encarga de relatar y describir la tormenta, la caída de
la tarde y la llegada de la noche con personificaciones metafóricas de claro cuño vanguardista, como
“los cielos empanzados de beber agua en el mar”, “nubarrones de felpa gris” “se apeó la tarde”….
En el tercer momento, en el que parecen realizarse todas sus ilusiones: el tren enfila con pesada
lentitud su entrada inminente en el puerto, como advierte con avidez el protagonista, manifestada en
el texto con una anáfora cargada de sensaciones auditivas, visuales, olorosas y gustativas “ya se oían
los ecos de la reventazón, ya se adivinaba la indecisa claridad de los edificios de la aduana, hediondo
a alquitrán, ya se sentía el respirar entredormido de millones de seres dulces y salados” este fragmento
nos ofrece un buen ejemplo de la preocupación estética que guía los pasos del escritor, preocupado
siempre por la renovación formal del lenguaje. La gradación de sensaciones, el uso del oxímoron
“indecisa claridad”, la antítesis, incrementada por la sinestesia con que se nos califica a los seres de
“dulces y salados”.

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f) Elabore una ficha-resumen del tema.

1 Semblanza biográfica
Recibe el premio Nobel de Literatura en 1967.
La coherencia y consistencia de su largo ciclo creativo es reconocida como punto de arranque de la
gran novela hispanoamericana contemporánea.
Todavía no disponemos de una biografía completa suya, quedando por resolver bastantes lagunas.
a)Los años juveniles
- Nace en el seno de una familia burguesa
- Dictadura de Estrada Cabrera en Guatemala
- Infancia en Salamá, universo ancestral y auténtico poblado por leyendas mayas-
- 1912-1917 lectura voraz de románticos franceses y españoles.
- Terremoto de 1917, “fin de su juventud”
- Estudia derecho, caída de Estrada Cabrera
- Funda la Asociación de Estudiantes Unionistas

b)Etapa parisina

- En 1924 embarca a Londres, pero pocos meses después ya está afincado en París como
corresponsal de El Imparcial.
- 1924-1933 años cruciales en su formación y orientación literaria.
- Trato con escritores hispanoamericanos vanguardistas radicados en París, esenciales para
su percepción del Realismo Mágico.
- Influjo de los surrealistas de Montparnasse.
- Cantidad y variedad de actividades.

c) El retorno a Guatemala
- Regresa precedido de numerosas crónicas periodísticas, en las que se ensalzan sus méritos
literarios.
- Dictadura de un nuevo general.

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- Se autoexilia en su propia tierra y no publicará nada durante trece años salvo poesía y algún
que otro cuento.
- Funda el famoso Diario del aire (1937)
- En 1944 alejado de la recolución huye a Méjico.
- Requerido por el nuevo Presidente Constitucional de Guatemala.
- Renace de nuevo el escritor y el político. El Señor Presidente (1946), Hombres de maíz
(1949), Viento fuerte (1950),y el Papa Verde (1954).
- Nombrado embajador de El Salvador y obtiene un resonante triunfo diplomático sobre la
representación estadounidense para conseguir la consolidación internacional de su
gobierno, aunque una conspiración acaba con su esfuerzo y coloca a Castillo de Armas
como nuevo dictador de Guatemala.

d)Exilio definitivo y consagración mundial


- Abandona su país en 1954
- Desde este momento hasta su consagración mundial en 1966 se convierte en un exiliado
itinerante.
- Tras su consagración pasa sus últimos años de vida en París como “embajador de
Guatemala”
- Muere en Madrid en 1974

2 Su obra de creación narrativa


Se habla de dos vertientes distintas de su novelística: la telúrica y la social, puede que en ello consista
su originalidad y la de su “realismo mágico”.
a)Su narrativa hasta El Señor Presidente
- Su libro augural, Leyendas de Guatemala (1930) es el punto de partida, aluvión de
metáforas y riqueza del lenguaje, poblado de recursos onomatopéyicos, y con un ritmo
musical mezcla de sonido e imagen, “rescate-fundación” del mundo indígena.
- Con El señor Presidente consigue Asturias una notoriedad y una resonancia considerables.
- Se percibe su deuda con el expresionismo valleinclanesco de Tirano Banderas, y con lo
esperpéntico y caricatural.
- Considerada por algunos críticos como la novela de la dictadura

b)El mito en Hombres de maíz

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- En Hombres de maíz (1949) Asturias domina plenamente la dimensión mítica, iniciada en


Leyendas de Guatemala y en El Señor Presidente, con la incorporación de elementos
populares de honda raíz indígena
- La novela consta externamente de seis partes, denominadas cada una de ellas con el
nombre de un personaje fundamental en su desarrollo, más un breve epílogo.
- El mensaje final de Hombres de maíz se concreta en su brevísimo epílogo, donde se exaltan
los valores comunales del lenguaje y la producción colectivos, de la reproducción de la
especie y de la cultura con imágenes que asocian y emparentan al hombre con las hormigas.

c) Sus novelas de compromiso político-social


- Tras la publicación de Hombres de Maíz, la narrativa de Miguel Ángel Asturias entra en
un período caracterizado por un más abierto compromiso político –social, que concluye
con Los ojos de los enterrados (1960)
- En la Trilogía bananera analiza la presencia económica y política foránea y su
responsabilidad en la lacerante realidad guatemalteca.
- En Viento fuerte se narra el esfuerzo titánico por transformar la estructura económica de
los llanos costaneros del Pacífico y la lucha de los pequeños empresarios contra “la
Tropicaltanera”
- El Papa Verde (1954) es el segundo tomo de la trilogía, con claras referencias a las
dictadura de Ubico.
- Week-end en Guatemala (1956), inspirada directamente en el golpe de Castillo Armas
contra la democracia de Arbenz.
- El tratamiento del mito y de la magia como elementos orientadores de la actuación social
de los hombres, iniciado en Viento fuerte y continuado en El papa Verde, culmina con Los
ojos de los enterrados (1960), la última novela de su trilogía bananera. En ella se relata la
victoria del pueblo guatemalteco sobre la dictadura de Ubico y sobre el poder de la United
Fruit Company, de ahí que haya sido definida como “la novela de la Esperanza”.
- El ciclo político de la narrativa asturiana, que se había iniciado con El señor Presidente, se
cierra con Viernes de Dolores (1972), su última novela publicada en vida.

d)El regreso al universo narrativo del mito


- Con la excepción de Viernes de Dolores, Asturias vuelve en su última fase de creación
narrativa “a la magia del sueño, la sugestiva atmósfera del mito, de la leyenda y de las
tradiciones populares”.
- El Alhajadito (1961), Mulata de tal (1963), El espejo de Lida Sal (1967)y Malandrón (1969)
son espléndidos ejemplos de su ”retorno a los orígenes”.

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TEMA 9. CAMILO JOSÉ CELA: LA NOVELA DE LA POSGUERRA

a) Tras la lectura del tema, sintetice los rasgos estilísticos y compositivos comunes a las novelas de
Camilo José Cela estudiadas.
En todas las novelas de Cela estudiadas, aparecen el sexo y el hambre como instinto básico que
impulsa a los personajes a actuar. Se narra un ambiente violento reflejo del duro contexto social que
vivía la sociedad española en los años finales del franquismo y la transición hacia la democracia. El
lenguaje utilizado es básicamente soez, agresivo...se reproduce la lengua popular con gran cantidad de
vocablos populares, proverbios, frases hechas y la toponimia. Se aprecia una impecable capacidad
descriptiva para ambientar su obra en diferentes escenarios y tiempos.
Cela demuestra su amor a la lengua castellana practicando una importante labor de investigación.
En cuanto a recursos estilísticos destaca: el hiperbatón, es decir, el uso alterado del orden lógico o
normal de las palabras o de las oraciones y el lirismo, cuya capacidad es la de inspirar sentimientos.
Cela es un gran prosista; destaca la abundancia de un vocabulario popular y vivo, de gran riqueza
léxica. La voz narradora utilizada es variada, alterna el narrador protagonista y omnisciente con la
pluralidad de narradores. Los personajes suelen ser antihéroes, infelices y en La Colmena y en San
Camilo 1936 el gran protagonista es la ciudad.

b) Trace un retrato-robot psicológico de la personalidad de Camilo José Cela.


Camilo José Cela ha sido, tal vez, el escritor más polémico de su tiempo. Procaz, deslenguado y
provocativo. Insumiso a las normas del buen gusto burgués, extravagante, de personalidad excéntrica,
iconoclasta y megalomaníaca. Combate la vulgaridad con vulgaridad extrema. Tenía pronto para la
imprecación y el exabruto, buscaba el halago ya que tenía un elevado concepto de sí mismo y era
poseedor de un humor, a veces negro, en ocasiones inglés y siempre gallego.

c) Si ha leído alguna novela completa de Cela, explique sus elementos más significativos.

La familia de Pascual Duarte


En esta novela destaca:
El uso de la técnica del tremendismo (reproducción cruel de la realidad que vivía la sociedad
española en la posguerra) en un ambiente de marginación y dentro de la incultura.
Se presentan ambientes sórdidos y personajes miserables y angustiados. Lenguaje cuidado y
elaborado siguiendo el decoro poético de los personajes. Predomina el estilo coloquial.
Buen uso de refranes populares y frases hechas del registro coloquial. Uso de vulgarismos y
popularismos.
Gusto por las descripciones detalladas.
Utiliza la técnica del “manuscrito encontrado”, esta técnica da verosimilitud a la obra donde el
transcriptor se encuentra un manuscrito que decide corregir y dar a conocer al lector.

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Uso del flashback, técnica narrativa consistente en intercalar en el desarrollo de una acción
pasajes pertenecientes a un tiempo anterior (Pascual Duarte habla de sus memorias).

d) ¿En qué poema de Antonio Machado se hallan los versos a que se refiere el final del texto
comentado?
Cela cita los dos últimos versos del poema de Antonio Machado «Por tierras de España» de su
obra Campos de Castilla en los que habla sobre el cainismo inherente al carácter de los españoles, es
decir, presupone que el hombre es malo por naturaleza, es él el que se destruye a sí mismo
sistemáticamente, y el que destruye el paisaje, al que solo le queda un vacío desolador. En este poema,
Machado ejemplifica el atraso secular y el atavismo regente en el mundo rural castellano. Cela utiliza
los versos de Machado para condenar la barbarie ancestral y cainita que se apoderó de los españoles y
les impelió a matarse unos a otros en la Guerra Civil española.

TEMA 10. MITO E HISTORIA EN LA NARRATIVA DE GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ


(1927-2014)

a) ¿En qué consiste la «alteración» del tiempo por el espacio narrativo en La hojarasca?
Esta novela se estructura a través de la idea de venganza de un pueblo sobre el cadáver de un
doctor innominado, a través del monólogo del abuelo, la madre y el niño. Márquez construye cuatro
caracteres principales en dos dimensiones: presente (mediahora) y pasado (25 años). La obra está
planteada para que, desde una circunstancia (palabra, movimiento, carácter…), se construya la
diversidad de caracteres, que, a su vez, recrean la circunstancia inicial, la diversificación, y manifiestan
la variación del carácter. Dos caracteres se desarrollan cuando las circunstancias del presente se
contrastan con el pasado (tiempo), y las iniciales de la obra, con las finales (espacio novelesco: el
coronel y el médico). Las visiones iniciales, minimizadoras, del hijo y de la madre, que intentan situar
el carácter del abuelo, han sido situadas (superficial la una, estrecha la otra) y de ello ha resultado un
primer desarrollo cualitativo (y relativo) de ese carácter. Así pues, la alteración del tiempo se hace a
través de la experiencia de la muerte, lo que revela que la experiencia psicológica del tiempo puede
depender de la experiencia psicológica del espacio.

b) ¿Cómo se desarrolla el tema del incesto en Cien años de soledad?


El tema del incesto resulta clave a la hora de descifrar la novela. La prohibición del incesto suele
entenderse como una ley universal, relacionada con la supervivencia y el desarrollo humano. Siempre
ha sido un tabú, a veces condenado y otras ejercido, o destinado a determinadas personas (como los
reyes).
Tras leer Tótem y tabú, de Sigmund Freud, García Márquez establece un paralelismo analógico
entre las ideas de Freud y el desarrollo discursivo de su relato. En la novela, la violación del tabú del

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incesto se castiga con el destierro y con el terror psicológico, que posteriormente se convertirá en
remordimiento y que influirá en la conducta ejemplar que manifiestan los personajes. En la familia
Buendía parece haber una atracción irrefrenable consciente o inconsciente por personas con las que
comparten consanguineidad.
El patriarca de los Buendía es amarrado a un árbol de por vida, desposeyéndole de todo. Es
entonces cuando Úrsula, su mujer, se convierte en la matriarca, única guía de su prole, cuyo principal
objetivo es transmitir la prohibición del incesto en el que ella misma cayó casándose con su primo. La
misma prohibición es el aliciente fundamental de deseo. La exaltación del sexo incestuoso representa
tanto el máximo goce como la tragedia. Es a la vez un vehículo de felicidad y una maldición. Pero solo
eludiendo esta regla Amaranta Úrsula y Aureliano Babilonia (los últimos descendientes de los
Buendía) alcanzan la verdadera felicidad, siendo su hijo el único engendrado con amor. Es el símbolo
de la entrega total, que les hace superar la soledad y vivir en autentica felicidad.
La familia Buendía está condenada a la desaparición, tal y como descubre Aureliano Babilonia
en el manuscrito de Melquiades, debido a la naturaleza cíclica de la novela, por la que todos acaban
teniendo relaciones erótico-afectivas con sus parientes. Aureliano y Amaranta no saben que son
parientes, sino que lo descubren cuando nace su primer hijo. Este tiene la cola de cerdo, cerrando así
el ciclo y acabando con la dinastía, puesto que su madre muere desangrada tras el parto, él es comido
por las hormigas, y su padre es prisionero de la habitación de Melquiades para siempre.
Podemos interpretar que el incesto no busca el coito, sino el renacimiento de los Buendía como estirpe
mítica, eterna, más allá de nuestro mundo.

c) ¿Qué características de la literatura apocalíptica se dan en Cien años de soledad?


Las características de la literatura apocalíptica son las siguientes:
a. La literatura apocalíptica siempre está escrita en libros ocultos que se revelarán a los hombres
justos o rectos al final del mundo.
b. La numerología es fundamental. Los cien años del título y su significado dentro de la narración
confirman esta tradición.
c. La literatura apocalíptica interpreta la historia desde un punto de vista determinista, en la que
todo está determinado.
d. La novela transcurre hacia la destrucción inevitable.
En Cien años de soledad se narra la historia del pueblo de Macondo, desde que fue fundado por
José Arcadio Buendía y su mujer Úrsula Iguarán hasta su devastación final. Vemos siete generaciones
de esta familia que repiten relaciones de incesto durante toda su historia, historia que empieza y finaliza
con el nacimiento de un niño con cola de cerdo.
Al principio de su historia Macondo se presenta como un mundo primordial, aislado y ajeno a
cualquier forma de modernidad técnica. El pueblo, que se describe como una aldea feliz, aparece como
la reproducción del horizonte de posibilidad que se ofrece a los ojos de Colón y de sus primeros
conquistadores, pero, desde un punto de vista más general, puede leerse al mismo tiempo como la
nueva proposición del horizonte de oportunidad que se abre al final de las guerras de Independencia,
cuando América Latina se transforma en un futuro que realizar.

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El territorio para conquistar no es tanto el espacio natural, cuanto el espacio-tiempo de la


modernidad, de la civilización desarrollada. Es este el objetivo que obsesiona al patriarca, entrar en
contacto con la civilización, recibir los beneficios de la ciencia, conectar Macondo con las tierras de
las cuales provienen los inventos que llevan los gitanos cada año, y que suscitan en él y en los demás
habitantes el mismo estupor que la visión de las nuevas tierras suscitó en los conquistadores. El aura
mágica que se le confiere a la técnica evidencia la inmensa distancia espacial y temporal que separa el
pueblo de la modernidad.
Una de las cosas que caracteriza la novela y a sus personajes es la ausencia de memoria histórica.
Continuamente asistimos a que los personajes solo tienen un único recuerdo, así como a que los
Buendía están caracterizados por el olvido. El momento más significativo acerca del olvido lo
representa la enfermedad del sueño que cae sobre Macondo y que trae consigo una pérdida colectiva
de la memoria.
El personaje que con más fuerza trata de combatir el olvido que terminará por destruir Macondo
es el gitano Melquiades. Es él quien ante la enfermedad del insomnio y de la amnesia general salva al
pueblo con una sustancia misteriosa. Además de guía hacia el conocimiento, Melquiades es sobre todo
el autor de los manuscritos que contienen la historia secular de los Buendía, aquellos manuscritos
redactados en sánscrito en versos cifrados que la familia no logrará descifrar hasta el penúltimo
descendiente, Aureliano Babilonia, el único miembro de la estirpe que trata obstinadamente de
comprender el propio origen y la propia historia.
La lectura de Aureliano Babilonia se produce demasiado tarde. Mientras lee las últimas páginas
se levanta un huracán bíblico que cancela para siempre a Macondo y a los Buendía, porque, según se
lee, las estirpes condenadas a cien años de soledad no tenían una segunda oportunidad sobre la tierra.
Aureliano vive por tanto el apocalipsis en su doble significado de destrucción y revelación. Con el acto
de toma de conciencia de Aureliano, con su descubrimiento de sí, de la propia identidad y de la propia
historia, el texto parece decir que, si para la familia de Macondo es demasiado tarde, no lo es para los
latinoamericanos. García Márquez parece afirmar que la novela como memoria, como visión total de
la historia es como una especie de antídoto, una revelación, un instrumento cognoscitivo que puede
contribuir a evitar la catástrofe y a ofrecer a los lectores aquella segunda oportunidad que se niega a
los Buendía.
La novela es circular. Como en el Apocalipsis un círculo dará lugar a la nueva Jerusalén de
corrientes diáfanas y cristalinas. La destrucción de Macondo podría equipararse con la destrucción
bíblica de una Babilonia Hispanoamericana, de forma antitética, ya que sus personajes estaban
condenados de antemano y, como hemos dicho antes, no volverán a tener otra oportunidad en la tierra.
Es necesario señalar la aparente contradicción que encierra la circularidad espacial y temporal que rige
la novela de García Márquez con la lineal esencialidad del Apocalipsis judeo-cristiano. Contradicción
que no es tal si recordamos que todo el relato está en los pergaminos y que la novela termina con una
imagen cósmica en el punto de epifanía, donde se encuentran alineados el mundo apocalíptico y el
mundo cíclico.
Así pues, la obra narra el sueño de crear en América Latina una sociedad desarrollada y más
justa y humana a través de la introducción del progreso técnico-científico. Este sueño fracasa y da
lugar a resultados apocalípticos, en cuyo origen está la incapacidad de las élites del mundo
representado de conocerse a sí mismas, su propia historia y de conocer sus países y su grado de
desarrollo. Aun así, con la creación de personajes como Melquiades, Aureliano y el sabio catalán,

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tematizan la idea de que la literatura, con su poder cognoscitivo, con su lógica polivalente, puede
contribuir a evitar que las tragedias que han marcado el continente se repitan.
Esta novela, a través del componente metaliterario que la caracteriza, representa la literatura como un
instrumento que, tanto en memoria, en tanto forma la elaboración y comprensión de la historia, puede
contribuir a evitar que el apocalipsis narrado se repita en la realidad referencial a la que remite.

d) ¿Qué personajes podemos considerar antecedentes de la figura del «Patriarca»?


El senador Onésino Sánchez, en Muerte constante más allá del amor, junto con los personajes
previos de la Mamá Grande (en Los funerales de la Mamá Grande) y del coronel Aureliano Buendía
(en Cien años de soledad), anticipa y prepara la figura del patriarca, pudiendo considerarlo la síntesis
exagerada de las tres anteriores.

e) ¿Cree usted que todos los protagonistas de las novelas de García Márquez están sometidos
al imperio de la soledad? Razone su respuesta.
El tema de la soledad no está solamente presente en Cien años de soledad (1967) sino que
aparece también en anteriores y posteriores obras como por ejemplo en Isabel viendo llover en
Macondo (1952), en El coronel no tiene quién le escriba (1961) y en Relato de un náufrago (1970).
En La hojarasca (1955) presenciamos una soledad directamente sufrida por el doctor y otra
indirectamente, en la figura solitaria del niño, sin hermanos y pocos amigos, reflejo colateral del niño
Gabriel García Márquez.
En El coronel no tiene quién le escriba, el protagonista (el coronel) sufre una soledad por dos
obsesiones que lo aíslan del pueblo: la espera de la pensión que nunca llega y el cuidado de su gallo
de pelea, preparándolo para un combate que nunca ocurre. Es de gran importancia la historia del origen
de la novela como el producto de una observación concreta en Barranquilla –la visión de un hombre
que contempla las barcas del pescado– a la que se une, en el acto de la creación, la figura del abuelo
del autor. La idealización del pasado del protagonista se vuelve ilusión de un futuro ideal, tan
inaccesible como el pasado remoto, e incide en el reiterado retorno de García Márquez a los dos polos
extremos de la vida: la infancia (el pasado); y la vejez y la muerte (el futuro). Cuanto más se inclina
en su escritura hacia el primero, su narración se vuelve más mítica, y cuanto más se inclina hacia el
segundo, incide más sobre el fin individual de los personajes o sobre el final universal (apocalíptico)
de su mundo de ficción. Esta tensión narrativa es perceptible en todas sus obras.
La inaccesibilidad de la figura del abuelo idealizado (el pasado) es la principal causa subyacente
de la soledad en los protagonistas en todas sus obras. Es aquel deseo nostálgico de García Márquez
que nunca llega a cumplirse que transmite a sus protagonistas los cuales al huir del presente se
encuentran solos en un pasado inaccesible y un futuro idealizado (basado en un pasado inalcanzable),
igualmente inaccesible.

f) Engrose su lista personal de recursos literarios. (ver pág. 486-492)


-Hipérbole (se sugiere que el patriarca gobernaba con poder absoluto)

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-Uso de tiempo cíclico (la idea del eterno regreso)


-Oxímoron (barcos de madera)
-Uso de arcaísmos (fermosos, dellos, dellas)
-Recurso de animalización («los aborígenes trepan como monos»)
-Comparación («como sedas de caballos» (…) «como cotorras mojadas»)
-Antítesis (entre ellos los forasteros y nosotros los hispanoamericanos)
-Anáfora («bonete colorado» «bonetes colorados»)
-Polisíndeton («pero la vaina fue que entre el cámbieme esto por aquello»)

g)Elabore una ficha-resumen del tema.


Escritor colombiano, en quien se funden su creación literaria (desde 1947), periodística (desde 1948)
y guionista (desde 1963).
HACIA CIEN AÑOS DE SOLEDAD
La semilla de la visión mítica se encuentra en las obras anteriores a Cien años de soledad.
 Ojos de perro azul (1947-1954, publicado en 1974): cuentos. Muestra indicios de que se propone
ensanchar los límites de la realidad con temas irracionales.
 La hojarasca (1955): novela. Se estructura en torno a la venganza de un pueblo sobre el cadáver
de un doctor, a través del monólogo de tres generaciones: el abuelo, la madre y el niño, que
cumplen la promesa de enterrarlo, pese a la oposición del pueblo. Se percibe el uso de imágenes
cósmicas y la mitificación de una realidad concreta, aunque inventada. Aparecen los temas del
tiempo y el espacio, como la alteración del tiempo por la experiencia de la muerte. Todo el
relato transcurre en un cuarto sofocante. Aparece su espacio imaginario, Macondo. De su
fundación arcádica salta a la llegada de la United Fruit Company, invirtiendo los términos
civilización/barbarie, hasta mostrar la decadencia de Macondo. La soledad irrumpe en esta
novela, en la sufrida por el doctor y en la figura solitaria del niño.
 El coronel no tiene quien le escriba (1961): novela. El coronel sufre la soledad. La idealización
del pasado del protagonista se vuelve ilusión de un futuro ideal, inaccesible, e incide en el
retorno a la infancia y la vejez y la muerte. Mientras se inclina hacia la primera, su narración
se vuelve más mítica, y mientras se inclina hacia lo segundo, incide más sobre el fin individual
de los personajes o sobre el final de su mundo de ficción.
 La mala hora (1962): combina la técnica de la imagen central con el tema de la obsesión para
hacerla converger en unos pasquines anónimos, marcando a cada ciudadano con su defecto.
Acarrean la ruina moral del pueblo, porque originan la ley marcial, que colapsa el orden civil
y la vida cotidiana. Nos presenta también la historia de una dinastía familiar. Sin embargo ni
esta familia ni su casa ocupan el lugar central.
 Los funerales de la Mamá Grande (1962): introduce el mundo mítico y sus técnicas específicas.
Se inicia el relato acusando a los lectores de no creer esta historia verídica; veracidad que

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contradice la exageración de su argumento, que se concreta en la mezcla de detalles precisos e


imprecisos, entre la realidad y el mito, en la transformación de lo histórico en lo mítico a través
de la hipérbole y la abstracción.
 El mar del tiempo perdido (1961): la mitificación se lleva a cabo por medio de un viaje al
inconsciente y al mito, simbolizados por el mar. Pero el protagonista comete el error de
contárselo a su mujer, que se encarga de llevar el relato al mundo cotidiano y establece una
separación entre lo real y lo inverosímil.
 Un día después del sábado: la lluvia de pájaros muertos preludia el apocalipsis de Macondo, o
la muerte de José Arcadio Buendía y de su viuda o el significado del tren del banano.
CIEN AÑOS DE SOLEDAD
Desde la primera oración, Márquez nos indica la manera en que ordenará la realidad del mundo de los
Buendía. La frase supone un umbral desde el que mirar al futuro y al pasado; visión totalizadora que
suele ocurrir próxima a la muerte y que se relaciona con las visiones apocalípticas y con la circularidad.
El ciclo nos permite comprender la razón de los nombres repetidos, la peculiaridad del Realismo
Mágico y su enlace con la perspectiva mítica. La línea que separara lo que parece real de lo fantástico
no existía.
García Márquez crea un mundo semejante al cotidiano y a la vez diferente a él. Cuenta los hechos sin
formular nunca un juicio moral, sin diferenciar entre lo verosímil y lo inverosímil. Esto conlleva
aceptarlo todo. La despreocupada convivencia con lo maravilloso puede esconder un revés: la
resignación a las circunstancias dadas. Lo que nos deslumbra es la representación de un mundo en el
que todo es inmutable. Tras esto subyace una tentativa de denuncia de la realidad presentada. El hecho
de que el narrador hable sin alterarse no le impide constituirse en centro de conciencia, de modo que,
a través de las imágenes, o en la adjetivación podamos percibir cierta inflexión valorativa.
La estructura de la novela es circular y dinámica. La propia narración de los hechos se escribe dos
veces distintas: una en sánscrito, por Melquíades, y otra por el narrador. No es sino hasta en su última
página cuando nos enteramos de que en los pergaminos se contenía la novela. La circularidad nos
conduce del caos y la nada, en que se ordena la creación, al caos y la nada producido por el huracán
bíblico, en que todo se resuelve. El autor refuerza esta idea eliminando el nombre de sus capítulos, con
la intención de subrayar la cadena ininterrumpida de reiteraciones. El proceso que determina la “vida”
de cada personaje y de cada cosa es igual para todos: la ley universal de la circularidad. La circularidad
define la manera en que Márquez utiliza los mitos en su narración, que comienza con un mito
cosmogónico, continúa con mitos históricos y concluye con un mito apocalíptico.
 El mito cosmogónico: la novela se inicia con una creación. Macondo se parece al Paraíso
terrenal porque es allí donde viven los fundadores de la estirpe, a la utopía porque ha sido
fundado por los hombres y es una “aldea feliz” y a una arcadia porque está aislado y su
convivencia es pacífica. Este mundo idealizado, que remonta sus orígenes a un pecado, está
destinado a fenecer. José Arcadio Buendía recibe de Melquíades la fruta del Árbol de la
Sabiduría.
 Mitos históricos: con la tentación del progreso José Arcadio Buendía entra en la Historia y con
él Macondo entero, pasando de un estado de armonía a otro de discordia, seducido por el
mundo. Así se inician los mitos históricos, que se concretan en sus héroes y en el ciclo del
incesto. Aureliano Buendía es el personaje más marcado por la soledad y por su incapacidad

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para el amor, por eso es el más excepcional. Su largo historial épico subraya su soledad. En
cuanto a Úrsula Iguarán lo que interesa subrayar del personaje es su estrecha relación con la
casa, porque ésta refleja casi todas las vicisitudes de la vida. La casa llega a ser el crisol de una
vida matriarcal, a la vez que la representación del proceso completo de toda una civilización.
Con la muerte de Úrsula, la selva entra en la casa y se inicia la destrucción del clan completando
así el ciclo. En cuanto al tema del incesto resulta la clave. La violación del tabú del incesto se
castiga en la novela con el destierro y con el terror psicológico; terror que influye en la conducta
ejemplar que manifiesta la pareja fundadora en Macondo. El tabú termina cobrándose venganza
con el fin de la estirpe.
 El mito apocalíptico: los pergaminos están escritos de modo que todo coexistiera en un instante.
La identidad de los pergaminos, a la vez en sánscrito (mundo prehistórico) y en castellano
(símbolo de lo moderno) incide de nuevo en la idea de que incluyen todo coexistiendo en un
solo momento, que es el presente eterno. Hay características de la literatura apocalíptica en esta
novela:
o Está escrita en libros ocultos que se revelarán al final del mundo.
o La numerología es fundamental en la tradición apocalíptica (100).
o Interpreta la historia desde un punto de vista determinista.
o Transcurre hacia la destrucción inevitable.
o Y como en el Apocalipsis, un círculo dará lugar a la Nueva Jerusalén.
Cien años de soledad es una novela que encierra en sus páginas la historia de una saga familiar, la
historia de América Latina y la Historia Universal.
EL MUNDO DE EL OTOÑO DEL PATRIARCA
 La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada (1972): sus
cuentos presentan una doble intertextualidad hacia el futuro y con el pasado.
 Un señor muy viejo con unas alas enormes (1968): se nos narra el mito de la caída de los ángeles,
bajo la forma de la historia de un señor muy viejo, dotado de alas. Percibimos la actualización
del mito a la vez que su desmitificación, ya que unos esposos aprovechan las dotes
excepcionales del personaje para convertirlo en un espectáculo de circo, degradándolo.
 El ahogado más hermoso del mundo (1968).
 En Blacamán el bueno, vendedor de milagros (1968): anticipa tres el tema del imperialismo y
de la presencia militar extranjera; la presencia del doble y la experiencia de la muerte y del
recuerdo.
 El último viaje del buque fantasma (1968): repite y amplifica lo narrado.
 Muerte constante más allá del amor (1970): nos presenta la figura del senado Onésimo Sánchez,
que encuentra a la mujer se su vida “seis meses y once días antes de su muerte”.
EL OTOÑO DEL PATRIARCA
García Márquez se documentó sobre diversos dictadores hispanoamericanos para la creación de su
personaje. Necesitó mitificar la materia prima, la presencia del dictador en la historia y en la cultura,

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a través de la caricaturización de los personajes históricos, para adaptarlos a la creación de un personaje


mítico. Una de estas técnicas es la intertextualidad, con otros personajes históricos: Julio César,
Cristóbal Colón y Rubén Darío.
Relata la historia de una figura poderosa, solitaria y moribunda, elevada por un proceso de
engrandecimiento a la categoría de patriarca. El no darle nombre, la convierte en un vehículo de
mitificación literaria porque con esta denominación Márquez convierte a su personaje en un arquetipo
y porque tal sobrenombre lo emparenta de inmediato con los patriarcas bíblicos. El texto narrativo
constituye un proceso permanente de mitificación y desmitificación. Cada una de sus etapas está
marcada con una frase temporal. Su vida y su reino están pautados por el otoño.
Su nacimiento es extraordinario, porque su madre dice haberlo concebido sola. La adivina del circo la
augura que será rey. Pero el héroe comienza invadiendo el palacio. Lugar donde inicia el patriarca su
reinado, atravesando el umbral después de la caída del déspota ilustrado, en contraste con su
personalidad iletrada. Sus ayudantes conllevan todos la máscara del auxiliar amistoso y en verdad
auténtico enemigo. La experiencia de la muerte del doble le lleva a la desconfianza con sus allegados
y a la constatación de que no es posible gobernar solo. Es entonces cuando tiene lugar su boda con
una monja y el nacimiento de su hijo, y con él comienza una nueva época, que representa malos
tiempos para el pueblo y es un presagio de los futuros infortunios del patriarca. Con el asesinato de su
familia comienza la huida definitiva del patriarca. Desde entonces su mandato es ilusorio. Y aunque
finalmente reacciona ya se encuentra en las postrimerías de su otoño. Es el regreso del héroe, un
patético regreso al mundo a través de la senilidad.
Hay cierto dislocamiento del orden cronológico. Ello implica la perennidad de cualquier hecho, que,
porque existió alguna vez en un tiempo, permite que esté siempre presente. Es la idea del presente
eterno, que se concreta en la técnica del eterno retorno. Uno de sus aspectos es la repetición, bien de
los personajes o de los hechos cotidianos.
El patriarca se aísla. Y ello se refleja en los escasos personajes de la novela que participan del centro
del poder. Para el resto de la gente se presenta de forma impersonal en ceremoniales. Lo que no tienen
en cuenta es que su patriarca no es eterno y sufre desgaste. En la novela el círculo actúa en el
enfrentamiento entre el lector y el texto de la novela entera, y en el enfrentamiento del “nosotros
narrativo” con la muerte del patriarca. Descubrir la verdad sobre su muerte equivale a entender la
novela. Para ello Márquez presenta en el comienzo de los capítulos una fenomenología de la
experiencia de leer y de entender.
Capítulo I: subraya la idea de “podrida grandeza”. El pueblo invade el palacio y lo que ve es abandono.
La reflexión sobre la visión lo lleva a la negación de lo visto, de modo que el lector penetra con ellos
en la incertidumbre. Los comienzos de los restantes capítulos relatan los cambios en el retrato del
patriarca. Es así cómo avanza la narración a través de la inseguridad. A partir del capítulo IV comienza
la mitificación de la figura del patriarca. Márquez cuenta qué es lo que se hace con el cadáver una vez
que ha sido descubierto. Es decir, está inventando su muerte. El lector sigue sin saber cómo murió,
pero la gente está creando una presencia que las muchedumbres han de reconocer como el patriarca.
Así el capítulo V se inicia con el invento de la apariencia del dictador y del proceso de su muerte. En
el último el proceso de mitificación nos muestra un cadáver; pero seguimos sin saber cómo murió.
CRÓNICA DE UNA MUERTE ANUNCIADA
Basada en un hecho real vivido por el escritor, la investigación periodística se convierte en el eje
fundamental de la reconstrucción de la muerte de Santiago Nasar. Se sitúa en una tradición hispánica,

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traspasada por los códigos del honor. Bajo la apariencia de una novela policíaca, se esconde una
tragedia que dirige al personaje a su destino, mostrada a través de una encuesta periodística que nos
oculta y nos revela las claves que nos llevan al desenlace. El esclarecimiento de los hechos parece
quedar resuelto desde el principio. Y sin embargo el final es abierto. Los hermanos Vicario preguntan
a su hermana por el autor de su deshonra y ella les dice que Santiago Nasar, aunque el lector está
convencido de su inocencia.
Encontramos el tiempo del lector, el del narrador y el de la gente relacionada con el crimen. Nos
recuerda al tiempo circular, en que el presente y el pasado se encuentran. Con este círculo se demuestra
otra vez lo difícil que es establecer la verdad sobre cualquier hecho y lo incompleta que resulta toda
investigación. En la novela hay alguna que otra mención al mundo de los Buendía. Márquez parece
completar varios ciclos: el de la autobiografía; el de la profesión; el del estilo; el del mito; y el de la
historia de la literatura hispanoamericana.
EL AMOR EN LOS TIEMPOS DEL CÓLERA
El amor será el tema fundamental de la novela, construida sobre un amor interrumpido hasta la muerte
del marido de Fermina Daza. El texto del colombiano constituye una educación sentimental del siglo
XX. A la par establece una anatomía de todas las formas del amor en la que encontramos rastros de la
novela folletinesca, la radionovela, la novela erótica y el género epistolar, para ofrecernos una
irradiación burlesco-carnavalesca de la sociedad cartagenera de finales del siglo XIX y primera mitad
del siglo XX, que matiza con su ironía y con la presentación contrastante de los diversos espacios de
la novela. Los enormes prejuicios de la sociedad cartagenera hubieran hecho imposible un final feliz.
La solución es el río.
EL GENERAL EN SU LABERINTO
Supone una aproximación al poder, representado aquí por Simón Bolívar en su momento de mayor
declive físico y moral. Márquez reconstruye el último tramo de su vida. La historia aflora, pero no se
limita a reproducir la realidad externa sino que la traspone con mecanismos de ficcionalización que le
permiten situarla en el plano de los datos imaginarios. Su preocupación fue conseguir un aura de
cotidianidad a partir de la autenticidad histórica.

Estructuralmente se trata del último viaje de Bolívar desde Santa Fe de Bogotá hasta su muerte. El
desarrollo de la acción es mínimo y deja paso a la rememoración del pasado, ya que el protagonista
está imposibilitado de actuar, aplastado por el fracaso de sus ideales y en un ambiente hostil. Márquez
describe el pequeño cortejo militar que rodea a Bolívar en su viaje, así como la antítesis entre la
fragilidad del general y su enorme voluntad, que mantiene en jaque al resto de los personajes, en un
esfuerzo por conservar unida a la Gran Colombia.
DEL AMOR Y OTROS DEMONIOS
En muchos sentidos es un homenaje múltiple: a la figura de Clemente Manuel Zabala, quien le ayudó
en sus comienzos periodísticos, a la literatura clásica española y a la ciudad de Cartagena de Indias.
La historia transcurre durante una de las tantas plagas, epidemias y pestes que asolan la ciudad a final
del período colonial. La protagonista es mordida por un perro rabioso y se le aplican los remedios
médicos usuales. Pero la iglesia toma cartas en el asunto y considera que puede estar poseída por el
Maligno y se le manda un exorcista. La estrecha relación que se establece entre la protagonista y el

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sacerdote hace que surja el amor. El sacerdote intenta liberar a su amada de las garras de la Inquisición,
pero no lo consigue. Cuando el padre de la niña se entera de la relación, la desdichada muere de amor.

Es fundamental la intertextualidad que se establece con el amor neoplatónico que inunda la poesía
petrarquista española del siglo XVI.

MEMORIA DE MIS PUTAS TRISTES


Márquez vuelve al tema del amor, entendido como un sentimiento, pero también como una ideología
y una forma de vida, capaz de redimir al hombre y salvarlo de la soledad. La novela explora una
historia de amor apasionado entre un nonagenario y una niña virgen. El desarrollo sirve a Márquez
para proclamar el triunfo de la vida sobre la muerte. Durante el año y un día que dura la relación
amorosa, la niña permanece dormida, aunque ello no le impide mostrar su pasión por al protagonista.
Simultáneamente el protagonista se dedica a narrar la memoria de su existencia, su ajetreada vida
sexual, siempre vinculada a prostíbulos e inmune a los reclamos del corazón, con vocación solitaria y
una ajetreada existencia.

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TEMA 11. LA NOVELA NEORREALISTA DE MARIO VARGAS LLOSA

a) ¿Cómo definiría usted el “boom”?


El boom fue un movimiento que tuvo muchos aspectos, a nivel cultural, político y literario que
se dio en la década de los sesenta que supuso el resurgimiento de la novela latinoamericana.
Este movimiento originó que surgiera una amistad entre los escritores, quienes no se conocían
entre sí, porque no había comunicación literaria entre los países de América Latina, Los escritores más
representativos fueron Miguel Ángel Asturias, Gabriel García Márquez, Carlos Fuentes, Vargas Llosa.
Éste último tuvo un papel representativo en este movimiento como protagonista, portavoz e
interlocutor.
Se descubrió que la literatura era novedosa, nada provinciana, con un horizonte internacional y
que había experimentado con nuevas formas narrativas y nuevos lenguajes. Existía una preocupación
por la condición humana.
Fue una conjunción espectacular de obras literarias de prestigio internacional, (“El astillero”
(1961), “La muerte de Artemio Cruz” (1962), “La ciudad y los perros” y “Rayuela” (1963), “El siglo
de las luces” (1964), “Juntacadáveres” (1965), “Sobre héroes y tumbas y La casa verde”(1966),
“Conversación en la Catedral” (1969)), que partían de concepciones estéticas ya iniciadas en
“Ficciones” (1944), “El Señor Presidente” (1946),”Hombres de maíz” (1949), “La vida breve” (1950),
Pedro Páramo” (1955) y que acabó con la novela “Cien años de soledad” (1967) lo que supuso una
culminación de una universalización de la prosa hispanoamericana de ficción. Todas estas obras son
consideradas maestras en español, pero realizadas en el continente iberoamericano. Y rompió por fin
ese complejo de inferioridad.

b) Explique por qué el colegio militar Leoncio Prado es una metáfora de la realidad social
limeña.
Vargas Llosa es internado en el colegio militar Leoncio Prado para concluir sus estudios de
secundaria. Su experiencia es traumática y se convertirá en materia de su primera novela “La Ciudad
y los perros” (1963) y evocará ciertos temas (hipocresía, violencia, corrupción moral, determinismo
social...) que dominan todas las novelas de su primera época.
A través de esta novela, Vargas Llosa elabora una crítica feroz de la sociedad peruana. La
moralidad del centro, es la de la ciudad de Lima, un lugar de corrupción, hipocresía y mentira.
Los alumnos del centro proceden de lugares diversos y son de estamentos sociales diferentes.
Los adolescentes son problemáticos y sus padres los envían allí para que estudien y se forjen un
porvenir. Una vez en el centro los adolescentes se convertirán en hombres en un proceso vacío de
valores como la compasión, el sacrificio individual, la consideración al prójimo, hacia valores
totalmente opuestos, un reflejo de la mentira que tapa el estado de corrupción.

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c) Explique los rasgos personales que caracterizan a los personajes de Conversación en la


Catedral.
Los personajes en “Conversación de la Catedral”, en su mayoría, realizan acciones personales
que determinan quiénes ocuparán una posición social u otra, dentro de un sistema corrupto.
Los personajes fundamentales son:
 Santiago Zavala (“Zavalita”), es una víctima de su país, un héroe caído que resurge frente a su
realidad reafirmando su radicalismo para afirmarse así mismo. Pese a haber nacido en el seno de una
familia acomodada rompe con su clase social, estudiando en San Marcos y acaba ganándose la vida
como periodista. Es consciente del amor desmedido de su padre y de sus intenciones para regresar a
casa, pero nunca regresará a ella y tras la muerte de su padre, la relación con su familia empeorará
hasta convertirse en una relación más amistosa que familiar.
Es un individuo fatalista y frustrado, resignado al fracaso que se hace un análisis introspectivo así
mismo, alejado de familia y amigos de todos los beneficios sociales y económicos a los que tenía
derecho.
Su búsqueda no tiene convicciones morales, sino que están amparadas por el deseo de encontrar una
verdad que le dé sentido a su vida.
Es un personaje contradictorio, por un lado se niega a aceptar la parte de la herencia que le corresponde
y que lo vincularía al mundo social de su familiar; pero por otro lado hace gala de maneras propias de
la casta criolla acomodada que tanto critica: apelando a su mejor posición social.

 Ambrosio, antiguo chofer de Zavala, hombre modesto que nace en un ambiente marginal que poco
a poco va ascendiendo dentro de su grupo social, para luego volver a caer para trabajar en la perrera
municipal, lugar marginal y de condiciones precarias. Se convierte en un personaje grotesco pero no
se cuestiona sobre su condición. Es un sujeto marginal ajeno a todos los valores que profesan los
criollos, la antítesis de sus valores.
En primera instancia, Ambrosio es un simple chofer, de escasa inteligencia, y dentro de su experiencia
personal el abuso es algo natural (mantenía una relación homosexual con D. Fermín), así como lo es
la lealtad de su patrón. No tiene aspiraciones en la vida salvo la de tener una familia y poder
mantenerla.
Bajo mi punto de vista es el personaje maltrecho, está inmerso en una degradación moral, física mental
y social, anulado de toda rebeldía y conmoción interior.
 Don Cayo, es un alto funcionario del gobierno, sin formación, con gran parte de la responsabilidad
de mantener al régimen. Tiene un origen humilde y asciende socialmente sin buscarlo. Se trata de un
sujeto sin aspiraciones que trabaja para pagar letras, oscuro, tenebroso y ambicioso que ejerce la
política como una venganza, pues su origen provinciano, su piel oscura y las amistades interesadas
han generado en él un resentimiento hacia la sociedad, el cual sólo podrá ser saciado en el ejercicio
del poder.
 Don Fermín, tiene un afecto especial hacia su hijo menor. Intenta por todos los medios que su hijo
recapacite y vuelva a su casa. Don Fermín creó su fortuna por si solo pero la engrandeció gracias a los
favores del régimen.

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El drama de Don Fermín puede resumirse como la incapacidad de establecer buena relación con su
hijo, quien no sólo lo enfrenta sino que también dice odiarlo (negación de los valores criollos). Don
Fermín se considera como el agente de las prohibiciones de Santiago, siendo el responsable de expulsar
a su hijo, involuntariamente.

d) ¿Qué funcionalidad tienen el fanatismo y la violencia en las novelas histórico- políticas


del segundo período creador de Vargas Llosa?

Las novelas de este segundo período son las siguientes: “La guerra del fin del mundo” (1.981),
“Historia de Mayta” (1.984), “La fiesta del chivo (2.000)”, “El Paraíso en la ora esquina” (2.008) y
“El sueño del celta” (2.010).
La funcionalidad del fanatismo y la violencia en estas novelas es la aspiración a combatir la
idolatría de la historia, apelando a soluciones individuales que, sean buenas o malas soluciones, se
limitan a renunciar la búsqueda de soluciones. Las fuerzas sociales se dejan de visualizar como
conflicto social que verdaderamente existe.
Se buscan siempre el mayor peligro a través de llegar al límite que puede ser destructor porque
no aceptan términos moderados, ya que el límite real es la muerte, de ahí el afán totalizador de las
novelas
Vargas Llosa, a través de su escritura que no tolera constricciones ni burguesas moderaciones,
utiliza una fuerza interior para imponerse dominar al lector, para protestar contra la violencia en la
sociedad. Es un fanatismo que rige y devasta.

e) ¿En qué novelas plantea Vargas Llosa aspectos relacionados con la creación literaria?
Vargas Llosa posee unos rasgos de su personalidad literaria, una férrea disciplina, pasión
creadora, y debido a su temprana madurez intelectual forman un conglomerado de elementos que se
perciben en cada una de sus obras.
En las novelas del primer período domina sus ideas estéticas dominadas por la manía de la ficción
realista dominante en Perú se encuentran: “Cien años de soledad” (1967), “La casa verde” (1966), por
eso importa destacar el modo en que consigue renovar dicha corriente estética, superando las viejas
fórmulas del realismo documental o testimonial y su visión maniqueísta de la realidad social con
técnicas del dato escondido, con narradores de diferentes enfoques.
“Conversación en la Catedral” (1969), es una novela de gran complejidad formal, montaje
telescópico, uso de distintos narradores y del monólogo además de toda la amalgama de técnicas
empleadas anteriormente.
Respecto a su segunda etapa, inicia un camino hacia la nueva estética que tienen un tono más ligero,
escribe sobre sus vivencias y experiencias de su vida, llegando a cuestionar la inteligibilidad de la
realidad histórica.

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Este período está marcado por una actitud cuestionadora sobre los problemas de la sociedad
hispanoamericana como el arte narrativo. A este período corresponden “Pantaleón y las visitadoras”
(1973), “La tía Julia y el escribidor” (1977), “La guerra del fin del mundo” (1981), “Historia de Mayta”
(1984), “La fiesta del chivo” (2000), “El sueño del celta” (2010) y “Cinco esquinas” (2016).

f) Engrose su lista personal de recursos literarios.


A continuación explicaremos los recursos literarios —que no las técnicas narrativas como la
analepsis, la incorporación del dato escondido o las gradaciones dramáticas— que se han utilizado en
este fragmento de La ciudad y los perros, de Mario Vargas Llosa.
—La reiteración. Este recurso, también conocido como anáfora, es una figura retórica que
consiste en la repetición de palabras al comienzo de una frase o verso, en el caso de la poesía. Se trata
de una figura de dicción por repetición de palabras. En este texto se usan para hacer referencia, por
ejemplo, a la terquedad y brutalidad que según Alberto tienen los serranos. Gracias a este recurso se
consigue insistir en la idea de determinados tópicos o estereotipos que se les atribuye a este colectivo
social tal como observamos en los siguientes ejemplos:
Los serranos tienen mala suerte, siempre les pasan cosas. […] También por mala suerte. Los serranos tienen mala
suerte, les ocurre lo peor. Es una suerte no haber nacido serrano.

Pero yo no hubiera roto el vidrio, hay que ser bruto para romper un vidrio. Los serranos son un poco brutos.

—La antítesis. Es una figura retórica que consiste en oponer dos ideas empleando palabras
antónimas o frases de significado contrario. Tiene la función de enfatizar una idea y pertenece al grupo
de figuras del pensamiento. Este recurso es uno de los que vertebra la unidad del texto analizado ya
que existe una antítesis socio-racial entre costeños y serranos: No creo que a un costeño se le ocurra
ser militar. […] Es una suerte no haber nacido serrano. Otra antítesis entre el machismo de los
colegiales y la homosexualidad del profesor (Él tiene la culpa de que lo batan. ¿Qué hace en un colegio
de machos con esa voz y esos andares?); entre las palabras ofensivas y burlonas de aquellos y las
respuestas comedidas de este (¿cómo se dice maricón en francés?, profesor ¿a usted le gusta el
catchascán? […] Todos los días lo baten y no llama a los oficiales. […] Los maricas son muy raros.
Es un buen tipo, nunca jala en los exámenes. Él tiene la culpa que lo batan); o entre las agresiones
verbales y físicas de los primeros y la resignada inacción del segundo. La mayor antítesis que
observamos es cuando entra en escena el teniente Gamboa. El desprecio de los colegiales hacia Fontana
se troca en admiración ante la figura del teniente.
—La onomatopeya. Es una figura retórica que consiste en utilizar palabras cuya pronunciación
imita o sugiere sonidos naturales. Forma parte del grupo de figuras de dicción. En el texto analizado
aparecen algunas que contribuyen a que el lector se sienta sumergido en esa realidad que nos describen
en el monólogo interior del narrador, por ejemplo en Fontana movía la boca y sólo se oía zumm, zumm,
zumm. No se rían para no perder el compás, el marica seguía moviendo la boquita, zumm, zumm,
zumm, cada vez más fuerte y parejo, a ver quién se cansa primero.
—La reduplicación. Es una figura retórica que consiste en la repetición de las mismas palabras
en la misma frase o verso, se trata de una figura de dicción. Esta figura ayuda a crear ese lenguaje oral
y coloquial que se usa en la transcripción del pensamiento (Pero yo no hubiera roto el vidrio […] Pero
esa vez se asustó […], pero miran de otra manera […] Pero a lo mejor es mentira […], pero de dónde
esa vocecita…).

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g)Elabore una ficha-resumen del tema.

FICHA RESUMEN DEL TEMA 11. VARGAS LLOSA


1967: año axial para la novela  G.G.Márquez obtiene un gran Los autores no pretendieron la
hispanoamericana éxito con Cien años de soledad representación más o menos
 M.A.Asturias gana el Premio precisa del mundo, sino la creación
Nobel de Literatura de sus propias imágenes para
 Aparición de grandes novelas: El interpretarlo en sus claves míticas y
astillero (1961), La muerte de en su posible condición fabulosa,
Artemio Cruz (1962), La ciudad y los inquiriendo en los pilares
perros y Rayuela (1963), El siglo de metafísicos de la existencia
las luces (1964), Juntacadáveres
(1965), Sobre héroes y tumbas y La
casa verde (1966), Conversación en
la Catedral (1969), etc.
Breve semblanza biográfica  Nace en Arequipa (1936), pasa su
niñez en Cochabamba (Bolivia) y
Piura, a los once años se instala en
Lima
 Es internado en un colegio militar → Esta experiencia traumática se
Se gradúa de bachiller en convertirá en materia de La ciudad
Humanidades y los perros
 En Lima coincide con la → Este hecho estimuló su vocación
«generación del 50» literaria, aprendió el cultivo del
 Vargas Llosa aporta una novedad realismo urbano
en su obra: la ruptura del modelo
naturalista y, además, demuestra
rápidamente su independencia
estética
 Progresiva inmersión en el
mundo de la política
Novelas de su primer período  La ciudad y los perros: le interesa → Combinación de distintos
(1963-1969) → Temas: la relatar el sistema social → crítica de narradores tratados con enfoques
hipocresía, la violencia, la la sociedad peruana diferentes, técnica del dato
corrupción moral y el determinismo escondido
social  La casa verde (1966): tema → → Introduce nuevos elementos
cómo colaboramos con el técnicos, fuerte simbolismo
determinismo para destrozarnos. (propensión humana a buscar el
Hay dos tipos de realidad: la deleite rápido inmediato, en
realidad escuálida, violenta y cruel detrimento del autosacrificio);
del Perú; y la realidad existencial del efecto de simultaneidad realista,
ser humano predilección por los espacios
abiertos y selváticos
 Conversación en la Catedral → Punto de vista de la gente que
(1969): novela política de la sufre la apatía y el encasillamiento.
dictadura. Muestra un cuadro de Complejidad estructural, amalgama
corrupción moral. Tema → no es de técnicas anteriormente
tanto la corrupción como el empleadas: narraciones paralelas,
contagio cuya consecuencia es el rígida ordenación estructural, dato
imperio de la mediocridad escondido, cajas chinas, bruscos
saltos temporales y espaciales, uso
alternativo de distintos narradores
y del monólogo, y el montaje
telescópico de las voces de varios
interlocutores en un solo momento.
Hay un dualismo vertebrador
gracias a la pareja Zavalita-
Ambrosio
El cambio del timón → del socialismo al modelo neoliberal

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Novelas de transición → marcado  Pantaleón y las visitadoras → El humor y la ironía también


por una actitud cuestionadora (1973): irrumpe por primera vez el tienen el fin de cumplir una función
Dos series básicas de producción: humor. Sátira contra la hipocresía social y moral. Se trata de un
La novela de tema esencialmente del medio ambiente y contra la de collage, existe pluralidad de vías
político; y las novelas que los altos mandos militares, los curas informativas, narrador
reelaboran vivencias de tipo más castrenses y de Radio Amazonas. heterodiegético
privado, su propia experiencia de Boland sostiene que el mensaje
escritor, los modelos clásicos de la primordial es el peligro potencial
novela policial o de la novela erótica que amenaza a la sociedad
moderna de caer en las manos de
tecnócratas deshumanizadores y de
dirigentes sociales como el obsesivo
protagonista
 La tía Julia y el escribidor (1977): → Mezcla de elementos de la «alta
intercala diez seriales radiofónicos literatura» con otros extraídos de la
en un fragmento autobiográfico del «literatura popular». Intención
propio autor. La incorporación de satírica, deseo de incorporar un
materiales procedentes del serial valioso caudal lingüístico de la
permite cuestionar este mundo huachafería y del humor
limeño alienado y de melodrama

Efraín Kristal piensas que estas dos novelas podrían ser novelas de
transición hacia una nueva etapa que se abre con La guerra del fin del
mundo (1981)
Novelas histórico-políticas  La guerra del fin del mundo
(1981): relata la rebelión de
Canudos, iniciada por un líder
mesiánico, Antonio Consejero, que
puso en peligro la estabilidad del
Brasil republicano hasta que fue
sangrientamente sofocada por el
ejército. Vargas Llosa prescinde de
rigor histórico para señalar dos
fuerza metahistóricas como las
causantes del conflicto: el
fanatismo y la violencia.
 Historia de Mayta (1984): tema,
según Shaw, de cruzada frustrada.
Auténtica novela de tesis. Vargas
Llosa quiere mostrar la futilidad de
la violencia revolucionaria
 La fiesta del chivo (2000): → Tres líneas narrativas
ambientada en la República entrelazadas: la primera se dedica a
Dominicana de los últimos la protagonista, la segunda
momentos de la dictadura de Rafael condensa el último día de la vida del
Leónidas Trujillo. Se trata de un dictador y la tercera se centra en la
retrato múltiple y cambiante del descripción de los asesinos de
poder absoluto de los efectos Trujillo. La memoria adquiere gran
psicológicos y de las secuelas importancia (procesos de analepsis)
permanentes que dejan durante
toda su vida. Temas → la naturaleza
del poder, la corrupción y sus
relaciones con el machismo, y la
perversión sexual de una sociedad,
hipócrita y acobardada
 El Paraíso en la otra esquina → Entrelaza dos historias
(2003): búsqueda insatisfecha del correspondientes a dos figuras
ser humano por encontrar su históricas de considerable
paraíso trascendencia: Flora Tristán y su
nieto, Paul Gauguin. Alternancia de
capítulos, alteración del tiempo en
los relatos, desdoblamiento de la

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voz narrativa y el recurso de la


 El sueño del celta (2010): recrea la memoria.
vida de Roger Casement, el cónsul → A caballo entre la crónica
británico que se hizo famoso por su periodística y la ficción. Rígida
denuncia de las atrocidades y estructura
abusos del sistema colonial
imperante en el Congo Belga
durante el reinado de Leopoldo II de
Bélgica, y que marchó a Perú en
1910 donde se encontró con la
explotación de los indios. Relata la
terrible explotación de África y
America
Novelas policiales → recurrencia de  ¿Quién mató a Palomino Molero?
ciertos personajes de su etapa (1993): novelita policial de tono
anterior menor. Reincide en un aspecto
cardinal que se da en sus nuevos
personajes «sensatos»: la
percepción de que toda realidad
esconde razones misteriosas que
escapan a nuestra primera
percepción
 Lituma en los Andes (1993): nos → Dos historias paralelas
muestra un lugar de la sierra donde fuertemente contrastadas: la que
han desaparecido dos obreros y un narra las circunstancias que rodean
chico «atrasado». Mensaje → la a los asesinatos, la vida de las
superstición y la violencia, unidas a víctimas y la soledad y la frustración
la incomprensión, solo generan más en que vive Lituma; y la que cuenta
violencia. Existe un serie de mitos y la relación amorosa entre Carreño y
creencias que inciden en la creación la prostituta Mercedes, a la que
de la «mentalidad primitiva» de los libra de un brutal distribuidor de
pobladores de Naccos. droga. Entretejimiento de varios
argumentos.
 El héroe indiscreto (2013): no es → Inclusión de dos historias
estrictamente una novela policial paralelas: el de Felícito, pequeño
aunque participa en gran medida de empresario de Piura; e Ismael
sus formas e también introduce Carrera, exitoso hombre de
personajes de novelas anteriores. negocios limeño. Tienen un
Tópico: el mal no está en el sistema, denominador común: un sentido
sino en el alma y en el estricto de la justicia y de la
comportamiento de las personas dignidad
Novelas eróticas → Llosas se  Elogio de la madrastra (1988): → Hay una falta de profundidad
abstrae de los condicionamientos narra la historia de un colegial psicológica en los personajes
de la realidad para crear una preadolescente, Fonchito, que
atmósfera de pura fantasía, con seduce a su madrastra y destruye la
múltiples referencias culturalistas felicidad de su padre con una
mezcla de perversidad e
inconsciencia.
 Los cuadernos de don Rigoberto
(1997): continuación de la anterior,
donde Fonchito intenta lograr la
reconciliación de su padre y su
madrastra
 Travesuras de la niña mala
(2006): narra la relación tormentosa
y enfermiza entre dos amantes,
Ricardo Somocurcio y Otilia durante
cuarenta años y a través de
numerosos cambios políticos y
sociales vividos en lugares tan
distintos como Lima, París, Londres,
Tokio o Madrid.

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 Cinco esquinas (2016): su novela


más improvisada
El hablador, ¿novela indigenista o → Regresa al mundo selvático de La → Alternancia de un narrador
metaliteraria? casa verde. La cuestión de fondo es producido por el narrador-autor y el
la dicotomía entre la destrucción de de un personaje de ficción, Saúl
la cultura de las tribus amazónicas y Zuratas; dos espacios dispares,
su incorporación al mundo flashbacks
occidental. Problema metaliterario:
la dicotomía novela
moderna/literatura oral y el
problema de la impostura

TEMA 12. ALMUDENA GRANDES

a)Sistematice los diversos métodos de narración empleados por Almudena Grandes y


explique en qué consiste cada uno de ellos.
PRIMERA ETAPA (1989-1998) conocida como “novelas de la educación sentimental (de las
mujeres de su generación)”: comprende desde Las edades de Lulú hasta Atlas de geografía humana,
incluyendo el volumen de relatos Modelos de mujer.
Características:
- Narran esa “educación sentimental de las mujeres de su generación” desde la infancia hasta la
vida adulta.
- Temas que versan sobre la experiencia de su generación durante el periodo de la Transición.
- Protagonismo relevante de las mujeres dado que ellas representaron la transformación radical de
la sociedad española ya que, a la lucha por la libertad democrática, añadieron la reivindicación
de la igualdad.
- Narración en primera persona y carácter testimonial.
- Personajes más importantes que las historias que se narran, prueba de ello se evidencia en la
estructura argumental, la cual no aparece muy bien desarrollada.
SEGUNDA ETAPA (a partir de 2002 con Los aires difíciles – hasta ahora): mantiene rasgos
con la anterior etapa: historia del presente con dos protagonistas distintos que terminarían por confluir,
hecho que obligaba a una estructura argumental bien calibrada.
Características:
- Frente a la improvisación, esta etapa requiere de más rigurosidad y, por tanto, minuciosidad a la
hora de estructurar la novela.
- Personajes subordinados a la historia, que pasa a ser ahora el elemento principal.
- Universo narrativo situado en la época histórica de la posguerra, época en que se desarrollará la
segunda etapa de su obra.

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- Revisión crítica del pasado como condición para sanear el presente.


- Alternancia de narración autobiográfica con narradores omniscientes en tercera persona.
- Aparecen personajes masculinos protagonistas.
- Temas sociales, económicos y políticos.
No obstante, hay que destacar dos novelas que se enmarcarían, teniendo en cuenta las fechas, en
la segunda etapa, pero que, no obstante, por temática, pertenecería a la primera, puesto que se trata de
una regresión al tiempo de la transición, concretamente hablamos de Castillos de cartón (2004). Reúne,
asimismo, las características propias de la primera etapa: primera persona narradora y mujer
protagonista. Por otro lado, ese mismo año comienza a escribir El corazón helado (2007), que supuso
la inmersión narrativa en el tiempo de la guerra y la posguerra, más propio de la segunda etapa.

b) ¿Cómo son las relaciones entre hombres y mujeres en las novelas de Almudena Grandes?
¿Hay pautas comunes en las dos etapas de su narrativa?
En la primera etapa, los protagonistas de sus novelas son personajes femeninos, que luchan por
crear un prototipo de mujer nueva, intentando mantener al margen a aquélla que fue educada en la
tradición. Hay una lucha por la libertad con que la mujer ha de construir su propia personalidad de las
que el sexo, deseo y amor son experiencias constitutivas al margen-o contra- una educación familiar
asentada aún en los esquemas y rigores de la sociedad patriarcal. Las mujeres representan mejor la
transformación radical de la sociedad española porque a la lucha común por la libertad democrática,
añadieron su reivindicación contra la discriminación de la mujer, de ahí que al narrar sus propias
experiencias personales se procuraba un acercamiento a la “educación sentimental tradicional”.
La diferencia radica, probablemente, en la segunda etapa, dado que comienza a dar más
protagonismo al personaje masculino. Por ejemplo, en El lector de Julio Verne, narra la historia del
guerrillero Tomás Villén Roldán. En las novelas de esta época, los personajes masculinos
“acompañan” a los femeninos en la estructura narrativa.
Sin duda, lo que es más importante y lo que ofrecen ambas etapas en común, es que en todas las
novelas de Almudena Grandes no hay personajes lánguidas y sensibles víctimas de hombres horribles
y machistas.

c) ¿Qué rasgos generales tiene el lenguaje de Almudena Grandes?


1)Historia sólida con distintos argumentos que giran en torno a un eje central. Hay tensión
argumental e intensidad emocional.
2)Personajes muy completos y complejos, pilares fundamentales de las novelas.
3)Estructura como composición armónica por la equilibrada distribución de los materiales.
4)Técnicas del realismo clásico con narradores absolutos presentes, pero no perceptibles.
5)Los personajes y los conflictos resultan auténticos, como la vida real.
6)El escenario es casi siempre la ciudad natal de la autora, Madrid.

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7)Los temas del deseo, el amor, la infancia y la adolescencia en la primera época; el paso del
tiempo y la memoria en la segunda, con la historia de la lucha antifranquista.
8)Síntesis de tradición y modernidad. La herencia de Pérez Galdós y Max Aub está puesta al
servicio de la explicación de nuestro problemático mundo.
9)Lenguaje directo y desenfadado, muy actual.

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