Conocimientos generales en la Historia

del Arte
Análisis formal
Plano: superficie de dos dimensiones. Se puede representar con líneas de
contorno, mediante una forma con color, o mediante una forma o superficie con
textura

Regulares: fig. Geométrica

Irregulares: inestables-movimiento

*Los planos se pueden superponer

Volumen: se logra mediante la unión de planos y sombreado

Línea: sólo tiene longitud

Línea de composición: línea predominante en la composición

Punto de fuga: punto en el que convergen líneas oblicuas ue en tres dimensiones,

serían paralelos, técnica de perspectiva.
Términos arquitectónicos
Contrafuerte: estructura, como pilar o arco, adosada a la parte exterior del muro
de un edificio con el fin de reforzarlo en los puntos en que la construcción soporta
mayor empuje.
Columnas: Elemento arquitectónico de soporte, rígida, más alto que ancho y
normalmente de sección cilíndrica o poligonales. Para soporte o decorativas

Cúpula: bóveda de curvatura uniforma que se erige sobre una base circular
apuntada o burbosa que cubre un edificio o parte de el.
Arte Indígena
Preclásico
La cultura más representativa de este periodo es la
Olmeca, a continuación se te presentan diversos
contenidos para que los analices.

El Periodo Preclásico abarca aproximadamente desde

2500 a. C., fecha probable de la elaboración de la primera
cerámica mesoamericana; hasta el 200 d. C., en que se
consuma la caída de Cuicuilco y tiene lugar el
florecimiento de Teotihuacan.

A lo largo de este periodo se da un proceso de evolución

de las sociedades agrícolas igualitarias hacia unas más
estratificadas que concluirán con la formación del Estado
teotihuacano.

Redes de intercambio de mercancías y de conocimiento

estimuló y unificó creencias.
Olmecas Los olmecas fueron la primera civilización que se desarrolló en
México en tiempos indígenas. Su cultura floreció en los estados
de Tabasco y Veracruz hacia el año 1200 a.C. y perduró hasta el
600 a.C
El barro, con el cual creó una variedad de expresiones en las
que se reflejó su espíritu artístico.

La cerámica tenía formas diversas y estaba decorada con

motivos geométricos, o forma acanalada, la superficie era de
varios colores: negra con bordes blancos, rojiza, blanca pulida.

La piedra fue otro material importante para construir

instrumentos de trabajo y, excepcionalmente, algunas vasijas.
Fue utilizado además en esculturas de gran escala: cabezas
olmecas.

De las realizaciones artísticas olmecas, lo más destacable es,

sin duda, la escultura y el relieve. A pesar de no existir una
cantera de piedra cercana, se cree que las transportaban de la
provincia de Tuxtlas y de las laderas de la sierra de Chiapas,
realizaron enormes monumentos de piedra y esculpieron
colosales figuras esculpidas a través de eroción.
Cerámica Olmeca
El engobe blanco y muy bruñido, y los motivos decorativos
incisos y raspados en esta vasijas con característicos del
estilo olmeca. El cuenco simula una calabaza, mientras que
los diseños en el cántaro posiblemente se derivan de
conchas. El estilo olmeca se caracteriza por sus formas
abstractas y su alta calidad técnica. Se han encontrado
objetos portátiles en estilo olmeca distribuidos en toda
Mesoamérica. La presencia olmeca se percibe
especialmente en la región occidental de la costa sur de
Guatemala, donde se conocen grandes sitios del período
preclásico medio, algunos de ellos con esculturas
monumentales. El sitio de Takalik Abaj tiene una
concentración especialmente importante de monumentos en
estilo olmeca.
Repertorio iconográfico Olmeca
Se hereda a la mayoría de culturas
mesoamericanas por las intensas
redes de intercambio.

Jaguar

Reptiles y anfibios

Seres fantásticos

Monstruos de la tierra
 Justificación de linaje real.
Jaguar
Elementos incorporados a
figuras humanas.
“Dragón” Mano, ala pata.
Ceja escalonada
¿Fuego?
Monstruo cósmico celeste.
Tierra-Cielo
Bandas cruzadas- sol
Monstruos de la tierra
Anfibios y reptiles

Fauces abiertas

Transitar de un estado a otro:

vida-muerte, agua-tierra, tierra-aire
etc.
Cerámica Centro de México
Cerámica de Chupicuaro (rojo, negro, influencia
olmeca)
Chupícuaro
Cerámica del occidente de México

Centro INAH-Nayarit Chinescas.

Tepic, Nayarit, México
Aunque menos dinámicas y
espontáneas en su naturalismo,
las figurillas de Colima son
también realistas, pero de un
realismo con formas más
monumentales y contornos más
redondeados. Las más
conocidas son las de los perros
techichi o tepescuintli,que se
modelaban en todas las formas
y posturas imaginables.
Nayarit

Tumbas de tiro

200ac-600dc

Preclásico-Clásic
o

Jalisco
Clásico
(ss. III-VII d. C.).
Características de la arquitectura Teotihuacana

Talud-tablero es el nombre de un estilo arquitectónico

mesoamericano, empleado a menudo en la construcción de
pirámides. Se encuentra en muchas ciudades y culturas, sobre
todo asociado con la cultura teotihuacana, en México central,
donde apareció primero, siendo el estilo dominante. Este
consiste en la colocación sucesiva de una plataforma, o tablero,
sobre la cima de un muro pétreo inclinado con forma de talud.
Pirámide del
sol
Teotihuacán
Características de la arquitectura Teotihuacana

Se puede observar en todas las viviendas los llamados

“patios hundidos”, que consistían en huecos
rectangulares que se hacían en el piso y que eran
llenados de agua. Servían como espejos para reflejar la
luz solar y lunar, hacia el interior de los cuartos, al no
existir sistemas de iluminación como los de hoy en día.
De acuerdo con los arqueólogos, Tetitla fue habitado en
las épocas de mayor esplendor de Teotihuacán, en las
fases Tlamimilolpa Tardío (350 – 400 d. C.) y Xolalpan
(450 – 550 d. C.).
Características de la arquitectura Teotihuacana

Nítido ejemplo de cómo la ciudad de Teotihuacan fue

reedificada sobre sí misma, una y otra vez, a través del
tiempo, en este caso se han distinguido ocho diferentes
etapas constructivas. Este conjunto está formado por
una plataforma que es el acceso desde la Calzada de
los Muertos. Sobre la plataforma se encuentran tres
basamentos piramidales y de ahí se entra a una gran
plaza y al resto del conjunto, compuesto por cuartos,
vestíbulos, corredores y otros espacios, de carácter
político-administrativo y residencial. Algunos de ellos
conectan con el conjunto Plaza Oeste, hacia el norte.
Se destaca una plataforma decorada con volutas
entrelazadas y ornamentos de jade.
Características de la arquitectura Maya

Edificios sobre plataformas con

superposición de cuerpos
Características de la arquitectura Maya

Bóveda maya: Se le ha denominado como falsa,

salediza o simplemente maya, esta se fabrica acercando
los muros a partir de cierta altura (inmediatamente
encima del dintel de las puertas), superponiendo las
hiladas de piedras de manera que cada hilada
sobresalga de la inmediata inferior, hasta dejar en la
parte superior un corto espacio que se cerraba con una
pequeña losa.
Mascarones de Estuco

Usados para celebrar el término de diversos ciclos, que

marcaba el calendario maya.

“La iconografía desplegada en los mascarones de

estuco (aproximadamente de 3.50 metros por lado y
hechos entre el 300-600 d.C.) servían como marco para
ritos, recreando de manera artificial los mismos lugares
extraterrenos donde los dioses llevaron a cabo los
eventos de la creación.”
Características de la arquitectura Maya

En la arquitectura maya, uno de los elementos más

característicos era la crestería que coronaba
determinados edificios de la élite, como los situados en
la cima de las pirámides o en la cima de los palacios,
como símbolo de poder.
La crestería solía componerse de dos muros de
mampostería perforados y apoyados uno sobre el otro
que servían como soporte para relieves o estatuas,
principalmente de dioses y gobernantes.
Característica de la plástica Maya
Las pinturas murales pueden incluir
motivos que muestran cierta repetitividad,
como los símbolos de flores, con
variaciones sutiles, en las paredes de la
Casa E del Palacio de Palenque;
escenas de la vida cotidiana, como en
uno de los edificios que rodean la plaza
central de Calakmul; o escenas rituales
que incluyen representaciones de
deidades, como en los murales de los
templos postclásicos de Yucatán y la
costa este de Belice (Tankah, Tulum,
Santa Rita).

También pueden evidenciar un carácter

más narrativo, por lo general con los
«subtítulos» glíficos incluidos. Los
murales multicolores de Bonampak, por
ejemplo, que datan de 790 d. C. y que se
extienden por las paredes y bóvedas de
tres habitaciones adyacentes, muestran
espectaculares escenas de la nobleza,
batalla y sacrificio
Además de los textos incluidos en los códices, existía
una escritura cursiva con un carácter más dinámico, que
se encuentra en pinturas murales y en la cerámica, y que
fue imitada en piedra en paneles de Palenque (como el
«Tablero de los 96 glifos»). A menudo, los textos están
encerrados en «cajas» cuadradas de diversas formas
dentro de la representación.

Las figurillas de cerámica, muchas de ellas hechas en

molde, son de una vivacidad y realismo excepcional.
Además de deidades, «personajes animales»,
gobernantes, enanos, representan muchos otros
personajes, incluso escenas tomadas de la vida
cotidiana.
Detalles Naturalistas:

- Las pinturas eran de ceremonias religiosas,

escenas de guerra y la vida cotidiana.
- Pintura mural, códices, cerámicas.
- “Escribir pintando”
Características del arte oaxaqueño. Plástica
zapoteca y mixteca
Estas dos grandes culturas se encontraban localizadas ambas en la zona de Oaxaca como los dos grupos más
dominantes de esta zona.

El fuerte artístico de los zapotecas era la arquitectura, como lo son la majestuosa Monte Albán y Mitla. El sentido artístico
de los mixtecos era preciosista, manifestado principalmente de forma pictórica y en las artes menores.

Los zapotecos
Construyeron Monte Albán, Mitla, tumbas y fortalezas. Sus conjuntos arquitectónicos se destacan por su sencillez y su
tamaño. Decoraban sus tumbas con murales. Estaban fuertemente influidos por el arte teotihuacano. Usaban Mitla como
un lugar sagrado para el entierro. Fue la ciudad de los muertos.

Los mixtecos
A diferencia de otras culturas, no tenían un sentido dramático del arte plástico ni grandes esculturas.Su manifestación
artística constaba principalmente de lapidarios de jade, orfebrería con antecedentes sudamericanos, códices y cerámica
policromada. En la decoración de sus vasijas, cajetes y jarras se hallaban motivos utilizados en códices.
Murales en tumbas zapotecas o arte lapidario
Se producían lapidarios de jade y
turquesa (más escasos), tallas de
hueso, concha y madera.
Esculturas en cristal de roca,
alabastros, obsidiana y ámbar.
Yucuñudahui, pueblo cerca de
Cachoapan, se descubre una tumba
con antecámara cruciforme y una
cámara cuadrada decorada por cuatro
lápidas. Otras tumbas son las de y la
tumba 7 de Monte Albán.

Encontrada en una cámara mortuoria

como una ofrenda.

Hecha con 25 piezas de jade,

representa una cara humana que lleva
puesta la imagen del Dios Piquete Ziña.
Considerada una de las obras maestras
del arte Zapoteca.
Trabajo de orfebrería y lapidado en jade Mixteco

Los mixtecos fueron extraordinarios orfebres y

es probable que hayan sido ellos los primeros
que conocieron el trabajo en metal en
Mesoamérica.

Se hacían pectorales, anillos, cascabeles,

orejeras, entre otros. El descubrimiento de la
tumba 7 de Monte Albán cuadruplicó el
número de objetos de oro mixtecos conocidos
hasta la fecha.
Epiclásico
Características formales de la pintura mural de
Cacaxtla
Fusión de la plástica teotihuacana y maya

Cacaxtla, otro centro del Epiclásico (650 y 900 d. C.), enclavado en una colina,
fue contemporáneo de Xochicalco, Morelos y tal vez su competidor.

El estilo de estos es ecléctico, con motivos copiados de sitios del Clásico Tardío
tan distantes como Xochicalco, en Morelos. Tajín, en Veracruz, y sitios mayas
como Piedras Negras, Yaxchilán, Bonampak, Aguateca y Dos Pilas.

La cerámica de Cacaxtla también es ecléctica y evidencia vínculos con Cholula,

Teotihuacan y Oaxaca en el altiplano, y con Tajín en la costa del Golfo.
Aunque, aparentemente, Cacaxtla carece de las espectaculares murallas, y fosos
de Xochicalco, sus murales ostentan temas militares: batallas sangrientas y
toma de cautivos. Los guerreros, que portan pieles de jaguar en los murales
tienen nombres calendáricos como 3 Venado y 9 Ojo de Reptil. Este arte
militarista vincula a Cacaxtla con zonas arqueológicas contemporáneas como
Bonampak, Tajín y Xochicalco. Los murales y las esculturas refuerzan nuestra
impresión de que un rasgo preponderante del periodo comprendido entre 650 y
900 d. C. estuvo constituido por los pequeños reinos que constantemente
combatían con sus rivales y recibían ostentosos regalos de sus aliados.
Características de la plástica Tolteca
El vocablo toltécatl, utilizado para referirse a los habitantes de Tula, llegó a
utilizarse tanto para designar a los pueblos civilizados y educados como a
aquellas personas con habilidad para las artes y los oficios.

No obstante esta imagen de pueblo creador, lo que sin duda eran, los toltecas
fueron un claro ejemplo de las sociedades militarizadas que, a partir del
Posclásico Temprano (900-1200 d.C.), dominaron el escenario cultural
mesoamericano.
El tolteca, cuya sede se encontraba en la ciudad de Tula, Hidalgo, fue uno de los
grupos más importantes de Mesoamérica, por lo cual es posible encontrar
elementos característicos de esa cultura –como la cerámica y la arquitectura– en
distintas regiones, y principalmente prácticas rituales y preceptos ideológicos
asociados sobre todo a la legitimidad de los gobernantes, de tal forma que a
semejanza de lo que ocurrió en épocas anteriores con grupos como los olmecas y
los teotihuacanos, es posible considerarla una cultura mesoamericana en sentido
amplio.
Posclásico
Características formales- estilo Mixteca-Puebla
La cerámica policroma del estilo Mixteca-Puebla proveniente de Cholula fue
una de las lozas más atractivas y coloridas de la Mesoamérica prehispánica.

Hoy en día esa cerámica sigue llamando la atención, pero no sólo por su
calidad sino porque su decoración pintada fue en realidad una especie de
escritura que transmitía mensajes importantes relacionados con la vida
ritual durante los dos últimos siglos antes de la conquista.
Esta vajilla debió ser la que hoy se conoce como cerámica tipo códice, una cerámica de
excepcional colorido y calidad que se produjo en Cholula, pero también en otros
lugares del valle de Puebla-Tlaxcala, la Mixteca y el centro de Veracruz durante los
últimos siglos prehispánicos (Posclásico Tardío, 1250-1521 d.C.).

Además de la policromía y el fino terminado, lo más llamativo de esa cerámica es que

está decorada con imágenes pintadas en el estilo de los códices del Grupo Borgia y de
los códices mixtecos.
Esa cerámica junto con los códices y una serie de murales pertenecen al llamado estilo
Mixteca-Puebla, estilo con un corpus iconográfico particular en el que se expresaba
información religiosa e histórica compleja.
Iconografía
 Reptiles
Hay muchos animales
considerados dioses, como el
caimán, sapos, repitles.
Normalmente aparecen
mezclados entre ellos,
creando seres mitológicos.
 Jaguar Olmeca
El centro de su religión es el culto al
jaguar, y aparece representado en la
iconografía olmeca. No se sabe qué
tipo de dios pudo ser. Se cree que
pudo ser el origen del dios de la lluvia,
que se desarrollará posteriormente en
muchos puntos de Mesoamérica.
Técnicas y Materiales
Arte Textil Existen muchas comunidad indígenas que han
mantenido sus tradiciones textiles, realizando
prácticas como el cultivo de las plantas para
producir hilos y textiles así como el bordado más
delicado.

Originalmente, el bordado se realizaba con la

punta de una hoja de maguey o agave; no
obstante, hoy por hoy, la técnica ha evolucionado
con la agua de metal. Los bordados representan
los sueños y aspiraciones de numerosos grupos
indígenas oaxaqueños, usando como inspiración
la naturaleza de los valles de la región.

La mayoría de las prendas están hechas con

algodón y unos aros para bordar el contorno de
las figuras y luego rellenar con punto pasado
vertical. El bordado se encuentran plasmados en
almohadas, bolsas y chalecos.
Huipil y rebozo poseen un tipo de ornamentación y
colores usados. Sus diseños están basados en
símbolos mágicos- religiosos propios de cada
cosmovisión e iconografía, de la identidad comunitaria
y sus orígenes geoculturales.

Las tejedoras mayas del periodo preclásico solían usar

materiales de origen vegetal, hasta extender sus
técnicas mediante el telar de cintura.

Los telares eran comunísimos en el imperio mexicano,

y era ésta una de las artes que aprendían todos.
Carecían de lana, seda común, lino y cáñamo. Suplían
la lana con el algodón, la seda con la pluma y el pelo
de conejo; el lino y el cáñamo con el icxotl o palma
silvestre, con el quetzalichitli y con otras especies de
maguey. De algodón hacían excelentes telas, unas
gruesas y otras tan delgadas y sutiles como la holanda,
que fueron justamente.
Arte Plumario

Se utiliza para decorar las

plumas, lanzas, abanicos,
pulseras y sandalias. Este
tipo de ornamentación
también se combinó con telas
para crear prendas
ceremoniales para la realeza.
Por lo que su significado era
señalar el rango social de la
persona que lo llevaba, por lo
que una persona que llevaba
un tocado o atavío de arte
plumario quería decir que era
una persona importante en la
sociedad.
Cestería
La cestería de México tiene sus orígenes en el
periodo prehispánico, antes de la cerámica y la
domesticación del fuego.

A diferencia de otras artesanías, se consideró un

trabajo familiar y por lo tanto no tan regulado como la
cerámica y la madera, ni hubo ninguna enseñanza
formal por parte de los misioneros españoles.

Aparte del ixtle y henequén, la vegetación utilizada se

puede dividir en dos tipos: duras o semi rígidas, que
incluyen materiales tales como tiras de madera, ramas
de sauce o bastones, a materiales más blandos, tales
como hojas de palma, cañas, paja y otros tallos de las
plantas.
Los petates son grandes piezas planas hechas de
cañas u hojas de palma. Los fabricados con estos
últimos tienen tejidos más anchos. Se han utilizado
para envolver paquetes, para dormir, enterrar a los
muertos y en eventos para celebrar matrimonios.

Los principales estilos de cestería son Norte, Centro,

mixteco / Oaxaca, Golfo de México y el Sureste,
principalmente divididos así por el tipo de materia
vegetal utilizada como materia prima.
 ARTE VIRREINAL
Renacimiento & Barroco
Un precedente importante al arte
renacentista es Giotto ya que introduce
algunos de los elementos que serán
retomados en el siglo XV:

- Introduce el paisaje como fondo

- Abandona los fondos dorados
góticos
- Las figuras son volumétricas
- Efecto de profundidad mediante
diagonales en la composición y
figuras de espaldas en primer
plano.
- Unidad psicológica en los
personajes por medio de gestos.

Lamentación sobre Cristo muerto, ca 1305-1306

Fresco. Giotto
Sueño de Joaquín, ca 1305-1306
Fresco. Giotto
L’ascencione, ca 1305-1306
Fresco. Giotto
Características Generales de Pintura Renacentista
 La temática es religiosa o
profana (mitológicos, alegóricos,
retratos o históricos.)

La anunciación, ca 1433-1434
Tempera. Fra Angelico
El nacimiento de Venus,
ca 1484-1486
Tempera. Botticelli
Se produce un amplio tratamiento del
escenario arquitectónico y del paisaje,
creando un ambiente perfecto para el
desarrollo armonioso de la figura humana.
Este sirve ahora para dar profundidad a la
escena y encuadrarla.

La Trinidad
ca 1407-1408
Tempera. Masaccio
El dominio de la ciencia de la perspectiva,
que hace posible la representación
tridimensional, se convierte en una
obsesión para los pintores. Aparece así la
perspectiva lineal y la aérea.

La Trinidad
ca 1407-1408
Tempera. Masaccio
 La forma de expresión es
figurativa, naturalista e idealizada,
concediendo gran importancia a la
figura humana bella y
proporcionada.

Se desarrolla el desnudo lo que

permite al artista hacer alarde de
sus conocimientos en la
representación de la anatomía.

La Creación de Adán
 La luz, lógica y racional, a imitación de la
Naturaleza, ayuda a crear efectos de
perspectiva, mientras que el color es también
real.

La composición se organiza de acuerdo con

esquemas geométricos elementales. Se prefiere
la simetría y la compensación de grupos, pero en
el manierismo se inclinan por composiciones
inestables y asimétricas.

Grand duke’s madonna. Ca 1504-1505

Rafael
Características Generales Escultura Renacentista
 La transición del Gótico al Renacimiento resulta menos
brusca que en el caso de la arquitectura y de la pintura. Se
pierde la integración escultura-arquitectura que venía
existiendo y desaparece en buena parte la función que
antes tenía la escultura de decorar y completar los
edificios.

Materiales; se utilizan piedra, madera, terracota, bronce,…

logrando con ellos gran perfección técnica.

Hay un gran interés por las texturas de las superficies, con

acabados muy pulidos y tersos y en ocasiones muy
expresivo. La luz iluminar de forma homogénea y el color
no suele aparecer.

David. Ca 1504-1505
Michelangelo
 Se domina el volumen aunque existe un marco ilusorio de referencia
y un punto de vista preferencial hasta el manierismo. El relieve tiene
carácter pictórico y se ajusta a las leyes de la perspectiva lineal
consiguiendo efectos de profundidad.

Los esquemas compositivos son simples y geométricos, basados en

la clara articulación y equilibrio. El movimiento se aprecia en el
contrapuesto y en la tensión del movimiento en potencia, hasta la
llegada del manierismo que utilizará las posiciones inestables.

Monumento ecuestre de Erasmo da Narni,

Gattamelata. Donatello. Ca 1443. Bronce
 La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, con interés
por la belleza formal basada en las proporciones y en la
armonía. Se domina la representación del cuerpo humano y
proliferan los tratados sobre las proporciones. El plegado de los
paños mantiene la elegancia formal del gótico pero en el XVI
evoluciona hacia una simplicidad monumental.. Se acentúa el
naturalismo, la búsqueda de la representación de la realidad, el
interés por el hombre, por su anatomía , así como un
perfeccionamiento de los conocimientos y medios técnicos.

Los temas son el hombre y la naturaleza con un contenido

religioso o profano ( histórico, alegórico-mitológico) y se
multiplican los retratos de todo tipo.

La Pietá. Michelangelo. Mármol. 1498

Características Generales Arquitectura Renacentista
 Hay que tener en cuenta que el recuerdo del mundo clásico
no llegó a extinguirse de la Europa occidental durante toda
la Edad Media y llegó a convertirse en un verdadero culto
en los inicios de la Edad Moderna. Este entusiasmo por la
antigüedad hace que el arte europeo cambie de rumbo y se
esfuerce por imitar el concepto de la proporción, medida y
ordenación del espacio del arte clásico.

Elementos sustentantes: muros y columna.

El elemento sustentante por excelencia es el muro. La

columna siempre soporta arcos de medio punto. El estilo
de capitel más empleado es el corintio y junto al el
aparecen el dórico, jónico y compuesto.
Catedral de Florencia
Brunelleschi
Elementos sustentados:

– Se utilizan las bóvedas de arista o de cañón, aunque

es la cúpula la solución más representativa ya sea para
cubrir partes del edificio o el edificio entero. También se
utilizan adinteladas tanto unas como otras suelen
aparecer decoradas con casetones.

Materiales:

– Se utilizan el ladrillo el mármol, y aparejos menudos.

Los sillares en algunos casos son almohadillados.

San Pietro in Montorio

Bramante
Elementos decorativos:

– Destacan áureas ( en forma de corona u orla de hojas de laurel), guirnaldas, amorcillos, grutesco (motivo decorativo compuesto por
seres fantásticos con formas humanas vegetales y animales complejamente enlazados), candelieri(inspirado en la forma de los
candelabros) y balaustradas. También son importantes los elementos arquitectónicos del arte clásico como frontones, entablamentos, etc.

• Plantas:

– Desaparece la concepción medieval que se basa en una visión longitudinal hacia el altar mayor. Partiendo de una planta basilical se
llega a las plantas centrales que son las más características a partir del cinquecentto.

• Arquitectura religiosa:

– Se utiliza la planta longitudinal o central. El interior es ancho buscando la unidad espacial. Se propugna la pared la pared limpia y
luminosa, sin vidrieras, con pequeñas ventanas que dejan pasar la luz natural. El exterior es muy cuidado buscando la belleza y el interés
por el urbanismo.
Características Generales Pintura
Barroca y Novohispana
 Las formas son voluptuosas y exageradas y las figuras cobran
expresividad. Se abrazan en actitudes patéticas, dramáticas
incluso imposibles.

El color se convierte en protagonista, las pinceladas son son

rápidas.

Uso extremo del claroscuro, tenebrismo.

La técnica protagonista es el óleo sobre lienzo.

St. Jerome in meditation

Caravaggio
1606
 Los temas favoritos hacen
referencia a la biblia o a los
mitos grecorromanos pero
comienza el esplendor del
retrato.

Temas nuevos como el

paisaje, las marinas,
bodegones y naturalezas
muertas.

Liberación de la simetría en
favor del movimiento y la
expresividad.

Claude Lorrain
Paisaje con Ascanius y el venado de Silvia
1682
Violación a las hijas de Leucippus
1618
Rubens
Retrato del papa Inocencio X
Velazquez
1650
Vanitas; del latín vacío. Obras
que reflejan el vacío de la vida
terrenal.

Elementos como cráneos,

frutos podridos, burbujas,
humo, relojes de arena.

Vanitas
Antonio de Pereda y Salgado
Características Generales Escultura
Barroca y Novohispana
 Figuras sinuosas, predominio de
composiciones abiertas, en diagonal, en aspa.

Enorme expresividad teatral, el rostro, las

manos y los gestos corporales reflejan los
sentimientos de la acción, representan el
momento cumbre.

El éxtasis de Santa Teresa

Bernini
1647-1652
 La escultura está subordinada a la arquitectura
pero forma un conjunto con ella.

Las esculturas tienen numerosos puntos de vista.

Violación a Proserpina
1622
Bernini
Materiales:

Piedra
Estuco
Alabastro
Cartón

Temas de época de contrarreforma:

- Martirio
- Éxtasis
- Inmaculada Concepción
- Alegorías
El Éxtasis de la beata
Ludovica Albertoni
Bernini
Personaje con penacho.

Iglesia en Puebla
Características Generales Arquitectura
Barroca y Novohispana
 Baroque architecture was the most
popular architectural style during the late
16th century, especially in Italy, Spain,
Portugal, Hungary and France. This
architecture was often used to
demonstrate the triumph of the Catholic
Church during the Baroque era and was
directly associated with the
Counter-Reformation, a Catholic Church
movement formed to defy the Protestant
Reformation. Baroque architecture
exposed the wealth and power of
Catholicism especially during the rise of
the European colonialism where huge
amounts of treasure were brought into
Europe to facilitate the construction of
massive palaces and monasteries.

Carlo Maderno. Santa Susanna. Rome, Italy.

1585-1603
Also known as “The Church of the Most Holy name of Jesus,” The Church of
Gesu was the first church ever built by Jesuits. Designed to impress and
expose its affluence, its interior is filled with magnificent stuccos, marbles,
sculptures and frescoes. Its façade has mostly baroque elements mixed with
some Renaissance influences.
El barroco llegó a la Nueva España de mano de algunos
arquitectos españoles que realizaron trabajos en las
principales ciudades virreinales, en especial en la Ciudad de
México, y también de arquitectos novohispanos.

El barroco novohispano viene de la herencia española, a

partir del siglo XVII.
A la labor evangelizadora de los frailes se unió la formación
de indígenas en términos artísticas debido a su
desconocimiento de las técnicas y formas europeas.

El estilo barroco representa una experiencia de

sobrevivencia cultural por parte de los indígenas.

La presencia del color es otro rasgo característico; se

manifiesta, sobre todo, a través de la piedra, ladrillo
revocado en blanco, la tintura de almagre, la yesería
policromada y los azulejos.
Se trata de un arte que será utilizado como argumento
convincente del poder católico.
Tras la celebración del Concilio de Trento, el mundo eclesial intercontinental, con instrucciones positivas al
respecto, comenzó a resaltar el valor de:
-la pintura, para el mundo de la imagen,
-la escultura, para incitar a la piedad y conmover el espíritu,
-la arquitectura, para atraer la mirada de las personas distraídas.

En pintura, Trento había desaprobado la introducción de lo pagano en el arte religioso, al mismo tiempo que había
sido riguroso respecto a la decencia, humor popular, leyendas populares, figuras desnudas.

En esta teoría tridentina del decorum, la indumentaria de las figuras humanas debían obedecer a su rango y
carácter, sus gestos ser apropiados, la escena ser bien escogida, el artista tener presente que su obra se destina
a una iglesia.

En cuanto a los detalles, Trento mandó hacer estudios sobre las características que éstos debían tener en el
mundo del arte, viniendo a convenir en:
-la majestuosidad, impresionando en la manera de lo posible,
-el esplendor, alabando las antiguas tradiciones eclesiásticas,
-el carácter religioso, imponiendo el acuerdo entre sacerdotes y artistas.
Arte Moderno
Neoclasicismo
Características
El cambio en las ideas del arte tuvo su origen al igual que la Rev. francesa, en la
edad de la razón

Revivir la tradición clásica: quieren revivir el pasado- Ciudadanos libres de una

nueva Atenas.

Restablecer el orden racional- la edad de la razón

Abordan a los héroes de forma gloriosa, magnífica y triunfante

El nacionalismo se aborda de forma internacional pues pretende lo universal

Canon- armónia y proporción.

La norma del buen gusto: la norma de la razón

Arquitectura- rechazaron las extravagancias del estilo barroco. Uso de las
“verdaderas leyes de la arquitectura clásica”.

El arte debía poseer una utilidad evidente- enseñar ideales, nacionalismo

La pintura tenía que ser enseñada por Academias.

Interés por la historia y la pintura de asuntos históricos.

Se convirtió en el estilo del Imperio

Capitolio. Washington D.C
“Marat asesinado”, 1793. Óleo
sobre lienzo.

Jacques Louis David.

“Napoleón visitando a los
apestados de Jaffa”. 1804

Antoine Jean Gros

Romanticismo
Lo sublime:

Sentimiento que desborda al hombre por su magnitud y pesar. Le suspende las

facultades del alma.

Sugiere la noción de la totalidad y la noción de lo sobrenatural

Está en la experiencia del sujeto

Es la exhibición de una idea indeterminada

Nuestra imaginación es incapaz de representar lo que no tiene forma

Produce placer y dolor

El paisaje nunca fue el tema principal en la pintura, sin embargo, en el
Romanticismo, los artistas tienen un interés por representar sus tierras

Ejemplo:

Constable
William Blake rechazó dibujar del natural y
confió en su mirada interior
Turner

La naturaleza expresa emociones

humanas, nos sentimos pequeños y
abrumados ante las fuerzas que no
podemos gobernar.
Constable

Ser fiel a su propia visión

Escenas rurales en
Inglaterra
Friedrich

Sus paisajes reflejan el estado

de ánimo característico de la
lírica románica de su época
Francisco de Goya
Conocedor de la mejor tradición de la pintura española (El Greco y Velázquez)

Retratos de Estado

Crítica social, manifestación de la opresión

Ruptura de la tradición
Ruptura de la tradición: los
artistas pasaron a sentirse en
libertad de plasmar sus visiones
Impresionismo
Hizo de París el centro artístico de Europa

Manet y sus seguidores realizaron una revolución en las transcripción de los

colores.

Descubrieron que si contemplamos la naturaleza al aire libre, no vemos objetos

particulares, cada uno con su propio color, sino más bien una mezcla de tonos
que se combinan en nuestros ojos

Impulso de abandonar el estudio y salir a pintar delante del natural

Interés en los efectos de la luz

Aplicaron sus nuevos principios no solamente al paisaje sino también a cualquier
escena de la vida real.

Los artistas se vieron impulsados incesantemente a explorar regiones a las que la

fotografía no podía seguirles.

El efecto del arte moderno no habría llegado a lo que es sin el choque de la

pintura con la fotografía.

El objeto de la pintura no reside en el tema sino en la manera de ser transferido

éste a formas y colores.

Tuvo que pasar mucho tiempo para que el público y la crítica aprendieran y
apreciaran un cuadro impresionista. Salon de los rechazados
Auguste Rodin (1840- 1917)
Desdeñó la apariencia superficial del acabado, prefirió dejar algo a la imaginación
del espectador.

Dejó parte de la piedra sin tocar, para ofrecer la impresión de que su figura estaba
surgiendo del caos y tomando forma.
Paul Cézanne- padre de la pintura moderna
1. Genera forma inmediata. Coloca la producción morfológica por encima de la
narrativa.
2. Elimina los recursos descriptivos. Pintura no dependiente del dibujo.
3. Conduce a la geometría a la elevada posición de autonomía formal.
Abstracción por medio de la geometría y propone un orden racional para el
plano compositivo.
Vanguardias
Los fotografos les quitaron oficio a los pintores. Esto facilita el nacimiento de una
nueva pintura.

Una pintura que se desprende o aleja por necesidades del naturalismo.

Nace una pintura introspectiva que nada tiene que ver con el naturalismo
pictórico, busca romper la dependencia de modelos del mundo real, la pintura
de las primeras vanguardias tiende a reducir, a erradicar la representación, para
comenzar a crear lentamente una pintura de invención.
La vanguardia tiene un proyecto histórico que cumplir y siguen los proyectos de
un alma revolucionaria.

La vanguardia tiene un deseo de cambio. Artistas protestan, agente subversivo,

insurgente.

Cualidades del arte de vanguardia: espontaneidad, sinceridad y pureza.

“Nuestros cuadros son la expresión de nuestra relación interior con la realidad”.

Futurismo
Reconocen el liderazgo de un escrito/ poeta/IDEOLÓGICO

Firman en conjunto un manifiesto

Proclaman una militancia (ser políticamente activo)

Establecer el primer sistema útil, relevante de convergencia de todas las

disciplinas artísticas para la fundación de la “Nueva Italia” del siglo XX
El método bélico, destruir para crear. Enterrar la cultura del pasado.

La estética industrial

La máquina es un paradigma para crear

La estética futurista tiene que ver con el amor al peligro, vértigo de la velocidad.
Máquinas como inspiración.

“La guerra es la más alta estética para la industrialización”

Cubismo
Trazos y cortes de objetos comunes, cotidianos; flotando, mezclando posiciones
giradas y distintos puntos de vista.

Descomposiciones de los planos y múltiples puntos de vista.

Vista dinámica sobre objeto o espacio tradicional.

Se trata de ver los objetos de distintos puntos de vista.

Generar una nueva forma constructiva. Desaparece la perspectiva tradicional.

Expresionismo
El primer privilegio del artista es expulsar todo lo que trae dentro.

Es la forma más pura del arte endógeno

Rescate de lo primitivo, color y pincelada vehemente.

El artista tiene que atender su estado de ánimo y manifestarlo

Al darle fin a la crónica, se da la espalda a la naturaleza y nace la extracción de

imágenes procedentes de la realidad problematizada tanto por los sentimientos
como por el instinto.
En términos formales:
La pintura y el dibujo expresionistas:

Tienden a simplificar totalmente las formas

“El moderno nunca nos va a dar el sentimiento del tema a pintar, el artista debe
buscar en su corazón la expresión del movimiento, el ritmo y la vibración de las
cosas”.
Abstraccionismo
Prescinde de toda figuración y propone una nueva realidad distinta a la natural.
Usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que
puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

Construcción de obras basándose en los más simples elementos: líneas rectas y

colores puros.
Gestural y color field
Rendirse al impulso espontáneo.

Los cuadros deben ser realizados con prisa. No deben ser premeditados, sino
proceder de un arranque de espontaneidad.

Movimiento por parte del artista con relación al aspecto físico de la obra.
Arte Contemporáneo
Orígenes del arte contemporáneo
READY- MADE

Un ready-made es algo ya hecho o previamente fabricado. El artista no crea, en el sentido tradicional, sino que elige entre los objetos del
universo industrial o (en menor medida) natural.

“Es preciso lograr algo de una indiferencia tal que no provoque ninguna emoción estética. La elección de los ready-mades está basada
siempre en la indiferencia visual, al mismo tiempo que en la ausencia total de buen o de mal gusto”.

Se caracteriza por ser el resultado de una transformación mental, es decir, de un cambio de idea sobre un objeto utilitario (no obra de
arte) que en sí, en su entraña material, no sufre modificación alguna.

Debe ser identificado, con productos comunes fabricados en serie que nada tienen que ver con cosas excepcionales o
únicas, ni con sus cualidades estéticas, ni con su relación con el buen o el mal gusto de quien percibe y menos aún con el
oficio o el virtuosismo artesanal de un determinado artista.
Marcel Duchamp
Clasificar a Marcel Duchamp es algo complicado dentro de la Historia del Arte, pues se le ha considerado ser un
artista dadaísta, conceptual e incluso se le ha denominado como surrealista. También se ha dicho que es un escultor,
pintor, escritor y jugador de ajedrez. Pero algo que sí es fundamental sin importar la categoría a la que podría
pertenecer, es que revolucionó y cambió la noción y la condición del arte.

Duchamp rechaza la imposición del pensamiento y de las ideas concebidas como únicas, es sin duda, un ser
revolucionario, creador del ready-made, y generador de lo llamado “antiarte”. Marcel Duchamp rompe con los
paradigmas establecidos
Arte Pop
Cultura visual de masas

Técnica de diseño gráfico

Producción en serie gráfico, la cultura del mundo del espectáculo

El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en

oposición a la estilista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su
contexto y aislándolas o combinandolas con otras, además de resaltar el aspecto
banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Arte Minimal - Land Art
 Minimalismo
El término minimalismo en el arte fue empleado por primera
vez en 1965 por Richard Wolheim en un artículo en la revista
Art Magazine.

El Minimalismo transformó en los sesenta la concepción de la

relación de la obra de arte con el espacio presupuesta por la
escultura de la vanguardia clásica. Se producen cambios en los
espacios expositivos, en los que ahora predominan paredes
blancas desnudas y grandes salas, dado el gran tamaño de los
objetos minimal.

Carl Andre, Silver Ribbon. 2002

 La mayoría de las obras minimalistas son poliedros
regulares, aislados o en serie, de apariencia pobre o
industrial, colores brillantes o apagados, materiales
opacos o transparentes, o incluso construidas con
ladrillos, neones o contrachapado; se trata de objetos
geométricos simples en toda clase de materiales que
carecen de la llamada “verdad del material” y de la
neutralidad de los medios artísticos subordinados a la
elaboración del artista.

WALL DRAWING #343, SOL LEWITT, 1980,

WHITE CRAYON, PRIVATE COLLECTION. Sol
Lewitt
Donald Judd, untitled
1980
Original installation of
greens crossing greens
(to Piet Mondrian who
lacked green), 1966
Dan Flavin
 Minimalist paintings and sculptures are generally
composed of precise, hard-edged, geometric forms,
with rigid planes of colour pigment - typically
utilizing cool hues or maybe just one colour. They
tend to consist of non-hierarchical, geometrically
regular compositions, often arranged in a grid
format and made from industrial materials.
Whatever the precise details, the idea of this kind of
non-objective art is to purge the work of any
external references or gestures, such as the
emotionalism of Abstract Expressionism. According
to Robert Morris, one of the most influential
Frank Stella theorists of Minimalism, in his seminal series of
essays "Notes on Sculpture 1-3" (Artforum in
Harran ii
1966), the minimalist painter or sculptor is chiefly
1967 interested how the spectator perceives the
relationship between the different parts of the work
and of the parts to the whole thing. The repetition
often seen in Minimalist sculpture is designed to
highlight the subtle differences in this relationship.
An alternative approach was outlined by Donald
Judd in his paper "Specific Objects" (Arts Yearbook
8, 1965), who saw minimal art as a means of
eliminating inherited artistic values from Europe,
thus creating a new type of American art.
 El Land Art, Earth art o, earthwork (propuesto por
Land Art Robert Smithson) es una corriente del arte
contemporáneo en la que el paisaje y la obra de arte
están estrechamente enlazados. Utiliza a la naturaleza
como material (madera, tierra, piedras, arena, viento,
rocas, fuego, agua etc.) para intervenir en sí misma. La
obra generada es a partir del lugar en el que se
interviene, que algunas veces parece un cruce entre
escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre
escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un
papel cada vez más determinante en el espacio público
contemporáneo.
Generalmente, las obras se mantienen en el exterior,
expuestas a los cambios y la erosión del entorno natural
y, por lo ende, algunas han desaparecido, quedando de
ellas sólo el registro fotográfico/fílmico. Los artistas del
land art también exploraron una categoría derivada del
Levitated Mass. Michael Heizer. land art, las esculturas site-specific, diseñadas para una
2012 localidad exterior específica.
Las primeras obras se realizaron en los paisajes
desérticos del Oeste estadounidense a finales de los
años sesenta.
 Asimismo, el land art mantiene
una conexión con el arte povera
en el uso de materiales
tradicionalmente considerados
"poco artísticos" o "sin valor". El
fundador del arte povera, el
italiano Germano Celant, fue uno
de los primeros curadores en
promover el Land Art.

SPIRAL
JETTY, 1970
ROBERT
SMITHSON
Arte Conceptual
El movimiento conceptual en el arte aparece a finales de
los años sesenta con manifestaciones muy diversas y
fronteras poco definidas.

En el arte conceptual, la idea o concepto prima sobre la

realización material de la obra, y el mismo proceso -notas,
bocetos, maquetas, diálogos- al tener a menudo más
importancia que el objeto terminado, puede ser expuesto
para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. Otro
elemento a resaltar de esta tendencia es que requiere una
mayor implicación del espectador no sólo en la forma de
percibirlo sino con su acción y participación. En función de
la insistencia en el lenguaje, el comentario social o político,
el cuerpo o la naturaleza, dentro de este arte encontramos
líneas de trabajo muy diferentes: body art, land art, process
art, performance art, arte povera …
One and three chairs. Joseph Kosuth. 1965
Arte Conceptual - Key Points
Conceptual artists link their work to a tradition of Marcel
Duchamp, whose Readymades had rattled the very definition
of the work of art. Like Duchamp before them, they abandoned
beauty, rarity, and skill as measures of art.

Conceptual artists recognize that all art is essentially

conceptual. In order to emphasize this, many

Conceptual artists reduced the material presence of the work

to an absolute minimum - a tendency that some have referred
Joseph Beuys – The Pack, 1969 to as the "dematerialization" of art.
Arte Conceptual - Key Points
Joseph Beuys – I Like America and America Likes
Me, 1974
The analysis of art that was pursued by many Conceptual
artists encouraged them to believe that if the artist began the
artwork, the museum or gallery and the audience in some way
completed it. This category of Conceptual art is known as
'institutional critique,' which can be understood as part of an
even greater shift away from emphasizing the object-based
work of art to pointedly expressing cultural values of society at
large.
Much Conceptual art is self-conscious or self-referential.
Conceptual artists were influenced by the brutal simplicity of
Minimalism, but they rejected Minimalism's embrace of the
conventions of sculpture and painting as mainstays of artistic
production. For Conceptual artists, art need not look like a
traditional work of art, or even take any physical form at all.
Joseph Kosuth–Four Colors, Four
words, 1966
Instalación

Una instalación artística es un género de arte contemporáneo

que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década
de 1950.

Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una

experiencia visual o espacial en un ambiente determinado. Los
artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el
espacio de exposición, a menudo la obra es transitable por el
espectador y éste puede interactuar con ella.

Good boy, bad boy, Bruce Nauman,

1985
Performance

Performance art is a performance presented to an audience

within a fine art context, traditionally interdisciplinary.
Performance may be either scripted or unscripted, random or
carefully orchestrated; spontaneous or otherwise carefully
planned with or without audience participation. The
performance can be live or via media; the performer can be
present or absent. It can be any situation that involves four
basic elements: time, space, the performer's body, or
presence in a medium, and a relationship between performer
and audience. Performance art can happen anywhere, in any
type of venue or setting and for any length of time. The
actions of an individual or a group at a particular place and in
a particular time constitute the work.

Rest Energy, Marina Abramovic & Ulay

1980
Marina Abramovic
Sus primeras acciones, conocidas como las series “Ritmo 10”,
“Ritmo 5”, “Ritmo 2” y “Ritmo 0”, tuvieron lugar entre 1973 y 1974
y estuvieron marcadas por la controversia. Con ellas exploró los
límites de su cuerpo al dolor y la resistencia de la audiencia a ver
lo que Abramović mostraba en un diálogo energético entre artista
y espectadores. En estas acciones la artista continuó con la idea
común a todos los performances, la de sentir el mundo a través
de la experiencia personal del propio cuerpo.

En 1975 Marina Abramović se mudó a Ámsterdam, donde

conoció al artista de performance germano-occidental Uwe
Laysiepen. Ulay, que así hacía llamarse Uwe, mantuvo una
relación personal y profesional con la artista durante 12 años.
Guillermo Gómez Peña

Guillermo Gómez-Peña is a Chicano performance artist, writer,

activist, and educator. Gómez-Peña has created work in multiple
media, including performance art, experimental radio, video,
photography and installation art. His ten books include essays,
experimental poetry, performance scripts and chronicles in both
English, Spanish and Spanglish. He is a founding member of the
art collective Border Arts Workshop/Taller de Arte Fronterizo and
director of the performance art troupe La Pocha Nostra.

From 1983 until 1990, Gómez-Peña lived in the San

Diego/Tijuana border region.[4] Most of his artistic and
intellectual work concerns the interface between North and
South (Mexico and the U.S.), border culture and the politics of
the brown body.
Year of the White Bear & Two Undiscovered Americans visit the West, 1992-94

The work of Coco Fusco and Guillermo

Gomez-Pena explored this analysis through
performance; their work arose from the 1992
“quincentenary of the ‘discovery’ of the
Americas”1 a celebration of the much fabricated
history of the western world ‘discovering’
non-western peoples. The year was a
celebration of the ‘momentous acquisition’ and
Fusco commented

“mainstream institutions which had

never had a history of engagement or

dialogue with ethnic minority

communities all of a sudden had to

demonstrate their engagement by

showing a person of colour, preferably

a Latin American or Native American”