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ENSAYO SOBRE COMPOSICIÓN ARQUITECTÓNICA EN LA ECOLE DES BEAUX-

ARTS. DE CHARLES PERCIER A CHARLES GARNIER

La arquitectura francesa ha sido durante siglos digna de admiración, debido a la


originalidad de su composición y su diseño. Destaca históricamente dentro de la
enseñanza y arquitectura académica, principalmente por la arquitectura de Beaaux Arts.
Este término es el que define el estilo arquitectónico clásico académico de ese entonces.
Fue enseñado en la École Des Beaux Arts de París (Escuela nacional Superior de
Bellas Artes de Paris).

Es producto de un siglo y medio de guía y enseñanzas bajo la autoridad, originalmente


fue creada por Luis XVI en el siglo XVI, fue denominada la Real academia de
Arquitectura. Luego, acabada la Revolución Francesa, esta tomaría el nombre, por el
cual aún es conocida, de L’École des Beaux-Arts. Dentro de esta academia, continuando
con la tradición renacentista se enseñaba todo aquello relacionado a la arquitectura,
pintura y escultura.

Se podría decir que la escuela estaba enfocada netamente al arte y el diseño, puesto
que en la escuela enseñaban muy poco sobre construcción o diseño de estructuras,
estaba orientada a la delineación de las plantas de los edificios, a la distribución de
circulaciones y al carácter de la función.

Si bien la academia se encargaba de organizar los concursos y cursos para sus


alumnos, todo el aprendizaje practico tenía lugar en los ateliers privados, siempre bajo
la guía de un maestro, tiempo después se crearon los “ateliers preparatorios” aunque
estos tenían un fin netamente de formación a los alumnos destinados a concursas. Lo
más resaltante y particular del carácter académico de la escuela era la cambiante
enseñanza, los patrones de formación fueron modificándose constantemente.

Sin embargo, a pesar de los esfuerzos del Beaux – Arts por mantener la originalidad de
metodología en la enseñanza, influyo indirectamente sobre el estilo en otros países
como Estados Unidos, Argentina, Canadá, etc

No obstante, no perdía la esencia de la academia, que era la de un espíritu


arquitectónico regenerado, que buscaba la precisión del diseño, armonizando la
instrucción moderna con la tradicional. Generalmente se conseguía, asegurándose que
los alumnos tuviesen conocimiento de estos pasos convencionales, a través de
prácticas obligatorias de modelos antiguos construyendo análisis, estudios y
reproduciendo modelos griegos o romanos.

Asumiendo así el reto de que sus alumnos tengan una formación dirigida y completa, y
que al convertirse en arquitectos trabajaran fluidamente un sin numero de maneras y
estilos, que les permita responder adecuadamente a los requerimientos de sus clientes
y a su vez diseñar los planos deseados, con riqueza en detalles arquitectónicos.

Como nos menciona David Van, la


arquitectura académica francesa paso por 3
fases distintas. La primera fase hace
referencia al periodo formativo, que comenzó
aproximadamente desde con la fundación de
la Academie Royale d´Architecture y se
extendió hasta la Revolución Francesa en
1789, en ese entonces la academia Beaux-
Arts aún no había sido creada, más aún,
estaban muy lejos de esrae organizadas de
manera eficiente.

Es por ello, la manera en que sorprende como luego de su fundación sus teorías estaban
en las discusiones académicas de arquitectura en el mundo y a inicios del siglo
diecinueve en los distintos ateliers existentes en ese entonces. Los alumnos
perfeccionaban sus habilidades en la competencia de los premios anuales que era
precisamente administrada y organizada por la Academia, el Gran concurso de Roma o
“Concurs du Grand Prix de Rome “

La segunda fase, empezó luego de la creación de las instituciones académicas a inicios


de siglo, hasta la década de 1860, el periodo de estudios mínimo de esa época era de
12 años hasta 15, por supuesto, era tomado solo por los mejores estudiantes. Es en
esta fase que hacen su aparición Charles Percier, Henri Labrouste, Charles Garnier y
EugeneEmmanuel Viollet-le Duc, aunque en un principio se le fue difícil adaptarse al
sistema, poco a poco lograron trabajar bajo esta estructura

La tercera y última fase comenzó a fines del siglo dieciocho. El gran éxito que tuvo el
sistema de enseñanza Francés, consiguió que se convirtiera en un ejemplo y patrón que
buscaba repertirse ya en otras escuelas, sin embargo no obtenían el mismo nivel de la
academia, por lo que poco a poco estudiantes extranjeros empezaron a viajar en
búsqueda de un cupo , y cuando retornaban a sus países intentaban crear o imitar el
programa educativo de la Beaux Arts.

Por este mismo hecho, se cree que fue el inicio de la caída de la escuela en Francia,
debido a que para defender su metodología y reservar su sistema, la academia empezó
a volver exclusivista y convencional. Los maestros arquitectos empezaron a estar en
desacuerdo pues el método convencional que plateaba la escuela no conseguía
adaptarse a las nuevas ideas de enseñanza del nuevo siglo, por lo que muchos dejaron
de enseñar.

Dentro de la enseñanza se consideraron varios términos, sin embargo, el principal y más


importante para la Beaux es la Composición en base a esta pequeña palabra era que
se regia su sistema académico francés pues se lo consideraba como el acto esencial
del diseño arquitectónico.

Pero cuando se hablaba de composición no era con un enfoque al diseño o fachadas,


sino de la edificación por completo, pensando en algo más que el aspecto externo ,
empezó a enfocarse también en la necesidad de diseñar en planta, vista y elevación. La
academia francesa precisa distribución como “ordenar entre varios”; disponer,
“acomodar, poner las cosas en un cierto orden”; y componer, “formar algo, hacer algo
único de una variedad de partes”.

Este cambio de significados para estos tres términos (distribución, a disposición y


composición) parecería determinar que lo que a inicios de siglo era una acción de
división y ordenamiento, se convirtió hacia fines del mismo en un acto de combinación.
Es entonces cuando la palabra diseño se relaciona por primera vez con la distribución y
disposición.

Una ideología que ha quedado hasta el día de hoy dentro de nuestro aprendizaje y
practica arquitectónicos, que generó un concepto de que las tres se complementan entre
si, y que ha sido adoptado en el pensamiento de muchos otros arquitectos de los cuales
nos guiamos e instruimos actualmente.

Por ejemplo desde un punto de vista urbano, Jan Gehl en su libro Ciudades para la
gente nos menciona que “no solo es importante el diseño de mobiliario urbano si no
que también es importante asegurarse de la buena disposición del mismo, en el caso
de los asientos, deben ubicarse en bordes, protegidos, con buena visibilidad de manera
equitativa y considerando las variables climática, pues cada usuario que hará uso de
esos asientos tiene distintas exigencias, pero desean el mismo acceso a cada uno de
los beneficios que ofrece” dando a entender de esta manera, que un buen diseño no
funciona si no va de la mano con la disposición del mismo.

Leonce Reynaud fue un comandante, de la legión de honor, fue profesor de la École


Beaux, diseñó la primera estación de norte de París, sus estudios tenían por objeto
demostrar la combinación de elementos, leyes de composición y de las convivencias
inherentes a los diversos tipos de edificios.

Consideraba que ninguna construcción puede adicionarnos por completo, si no


demuestra en todas sus partes esenciales cierto sello de utilidad y convivencia. Él
explica que es necesaria la configuración satisfactoria de cualquier elemento
arquitectónico a fin de que la ejecución de las actividades humanas con el mismo no se
complique.

La importancia que la escuela le daba a la composición, da a conocer la idea que esta


tenía de haber conseguido crear o descubrir una metodología de ordenamiento
arquitectónico que serviría mucho más allá de la formación de sus alumnos, y que sería
útil en un futuro para el desarrollo y elaboración de nuevos diseños arquitectónicos.

Es así que la Beaux Arts, deja de enseñar un estilo y se convierte en una técnica. Pero,
realmente la academia sufrió nuevamente un declive , debido a que gradualmente la
composición empezó a considerarse y tildarse de superficial , pues se consideraba que
la escuela se había convertido “en el lugar más liberal del mundo” en palabras de Julien
Guadet 1901, debido a que se empezó a diseñar con un enfoque en la forma y la
apariencia , de manera sensible y artística, los arquitectos empezaban a crear en base
a sus gustos con una dinámica compositiva y no con un fin compositivo racional.

Julien Guadet es un arquitecto francés, nacido en París. Está en el origen del Código de
Ética, conocido como Código Guadet y el restablecimiento de una organización de la
profesión arquitectónica como una actividad no comercial, primero con la sociedad
central de arquitectos , que dirigirá Posteriormente a la creación de la orden de
arquitectos. En 1863 estaba con su amigo Jean-Louis Pascal uno de los líderes del
movimiento de los arquitectos estudiantiles contra la reforma de la Escuela de Bellas
Artes de 1863, y contra la entrada de Eugène Viollet-le-Duc como profesor de estética
e historia del arte.

Rudolf Arnheim, por ejemplo, propone, desde su percepción que : «Un edificio es en
todos sus aspectos un hecho del espíritu humano. Una experiencia de los sentidos, de
la vista y del sonido, tacto y calor, frío y comportamiento muscular, así como de los
pensamientos y esfuerzos resultantes».

Aporte de Charles Percier

Es un arquitecto claramente neoclásico pero bien es


cierto que se considera como uno de los creadores del
estilo imperio. Este estilo consistía en copiar y rescatar
el mobiliario clásico griego y romano a partir de la
arqueología sufriendo evidentemente ciertas
reinterpretaciones.

Este estilo también introdujo ciertos matices de estilo


egipcio, por el cual Napoleón sentía cierta devoción.

La forma en que los estudiantes empezaron a organizar


espacios y volúmenes era agrupándolos a lo largo de ejes lo que hoy en día conocemos
como unan organización lineal, de forma simétrica y piramidal. La solución básica de la
composición de un edificio monumental en un sitio despejado, consistía en materializar
dos ejes a partir de dos columnatas interceptadas en ángulo recto en un gran espacio
central, toda la composición circunscripta dentro de los límites de una forma rectangular.

Era básicamente la consolidación de la planificación barroca francesa era


esencialmente direccional, basada en una secuencia de patio de honor, edificio principal
y jardín. Este paradigma se fusionó con el tipo de simetría bi-axial de Caserta en los
diseños del Grand Prix. Se aplica configuración de cruz dentro de un rectángulo,
simplemente difumina uno de los brazos de la cruz para crear un patio de honor,
transformando el lado interno del rectángulo y los dos brazos laterales de la cruz en el
cuerpo principal del edificio remarcando el punto central con una torre.

Por ejemplo, el Palacio de Vaux-le-Vicomte (1661), la idea detrás del palacio era resaltar
el poder del monarca, por lo que el edificio eran muy opulento. Los arquitectos diseñaron
cada habitación para que fuera lo más sobresaliente posible, cada esquina estaba llena
de pinturas, esculturas y ornamentos arquitectónicos.
La arquitectura barroca fue diseñada
para crear una impresión
impresionante en los visitantes. Esta
fue una arquitectura de
magnificencia, poder y opulencia.

En cuanto a cómo se diseñó el


edificio, hay algunas características
generales que vemos en las demás
construcciones barrocas francesas.

La simetría que sigue siendo la regla para todas las composiciones, con un diseño
general de tres alas, en la que se asignó una mayor jerarquía a la del medio y un papel
secundario a las de cada lado. En la composición de los exteriores, el uso de órdenes
clásicas es muy claro. Las fachadas son muy rítmicas y hay un uso abundante de
columnas, a veces solo como decoración

Con el paso del tiempo a mitad del siglo dieciocho , la Beaux Arts empezó a madurar, ,
a través de los ejercicios y trabajos que les dejaban a sus alumnos , que a su vez fueron
mejorando continuamente , preparándose para el concurso de la Grand Prix .La
formación de los alumnos empezó a realizarse en ateliers, se podría decir que recibián
la educación teórica de la escuela y la práctica de los ateliers, pues es aquí donde los
preparaban para el concurso que organizaba la misma escuela, el Premio de Roma , se
solían presentar los mejores alumnos, y además era una manera de la escuela de
encontrar método novedosos de diseño y composición arquitectónica.

Tenemos el trabajo de Victor Laloux, asumió la dirección


del atelier de Louis-Jules André cuando André murió en
1890. Laloux finalmente enseñaría a cerca de 600
estudiantes en casi 50 años de enseñanza, incluyendo
a 132 estadounidenses La formación en el atelier se
hacía en el contexto de la École centrada en el concurso
anual de Premio de Roma, siendo el «Père Laloux»
(Padre Laloux) el maestro más exitoso de la escuela,
con la formación de 16 ganadores.
El interés ascendente por otros métodos de formación en diversos lugares , así como la
conservación y subsistencia del aprendizaje a través de las prácticas y realización de
proyectos, hacen preguntarse cual era la verdadera función de los ateliers , la modalidad
pedagógica individual y colectiva del atelier , no pasaba desapercibida los cambios
conocidos en los diversos centros de enseñanza arquitectónica

A lo largo del siglo dieciocho parecía realzar la diferencia entre el atelier académico y la
agencia de arquitectura, es decir la escuela de Beaux. En el tipo de diseño se volvía
más sutil y más fundamental la transgresión de los límites tradicionales de los diseños
de la Ecole.

Sin embargo, por detrás de este


desorden y falta derespeto en
cláusulas de la tradición de los
trabajos de los estudiantes premiados
en la Ecole la Bolsa de Davidoud
extiende un nuevo tipo de orden.
Entrometiéndose en medio del
espacio hay una línea central de
pilares.

Estos pilares soportan una doble


hilera de bóvedas, cuyos empujes
están sostenidos por dos hileras de
profundos refuerzos a lo largo del
frente y fondo de la habitación.

Los empujes longitudinales están sostenidos por los pares de gruesos muros de las
“salas de lectura” que llegan al final de los entrepaños.

De forma similar, las aberturas a diferentes escalas de la fachada son apropiadas a su


función: amplias, puertas segmentadas para los depósitos del subsuelo, pequeñas
ventanas (iluminando los divanes interiores) para las “salas de lectura”,.Lo que permitió
al método compositivo Beaux Arts realizar este tipo de responsabilidades sin perder la
relación fue un número determinado de técnicas desarrolladas hacia fines del siglo
dieciocho.
Una de sus técnicas consistía en una simetría biaxial casi perfecta. En vez de la
secuencia de formas altamente contrastantes, círculo, cuadrado, óvalo y octógono-
Percier por ejemplo, utiliza sólo rectángulos, exceptuando el amplio círculo central,
repetido por cuatro pequeños semicírculos ubicados en las esquinas del cuadrado.

El sistema de rectángulos de Percier adhiere a una norma: un espacio central rodeado


por cuatro pequeños espacios rectangulares superpuestos en las esquinas para formar
un cuadrado. Este diseño aparece en la planta de Percier en dos escalas, la del ala
completa y la del espacio singular.

Es más, todos los elementos de la planta están hechos para adherir a una grilla modular
marcada por cuatro columnatas a lo largo de las fachadas, unificando los elementos de
las dos escalas a partir de una proporción numérica. Al convertir a todos los espacios
en rectángulos y conformar figuras de rectángulo dentro de rectángulo, Percier permitió
que los espacios se comunicaran de forma dócil, conectados.

El rectángulo exterior de la figura se comparte con la figura del contiguo. Cuando tres
figuras están emplazadas una al lado de otra, como lo están en la planta de Percier, en
forma lateral y longitudinal, no queda claro si la configuración resultante debe leerse
como dos rectángulos entretejidos, como cuatro rectángulos que se superponen al
cuadrado central o como cuatro rectángulos organizados a cada lado de un cuadrado
central. Percier, entonces concedió union a la planta e introdujo un juego ambiguo a
través del uso de una grilla modular, de espacios rectangulares contiguos y de figuras
de rectángulo dentro de rectángulo.

Esencialmente alteró el paradigma elemental de columnatas cruzadas dentro de un


rectángulo, su sistema generó ejes a lo largo de las líneas de unión de las figuras y en
el centro, permitiendo que el diseño se leyera no como cuatro cuadrados, como en, sino
como nueve.

Los sucesivos proyectos de la década fueron testigos de una gradual asimilación de su


paradigma, desde la copia de motivos a la aceptación de principios compositivos.
Guadet usó pabellones hacia atrás y hacia adelante para moverse en el espacio de su
proyecto. Pascal unificó su diseño con un sistema de hileras de habitaciones. Bénard
hizo una traducción académica de la masa y espacio de la Ópera.
Para Garnier lo que era el objeto de razonamiento del arquitecto era lo que venía antes
que la manifestación del proyecto como volúmenes: las primeras cuatrocientas páginas
de su libro estaban dedicadas a la experiencia de atravesar el teatro de manera alegre
y confortable.

La arquitectura de Garnier era objetiva: los volúmenes que constituyen el interior


engendran la masa exterior; el vocabulario decorativo es de formas históricas
específicas seleccionadas porque son adecuadas y se asocian a la ópera.

Sin embargo, si hubiese sido analizado por Quatremère de Quincy no lo hubiera


aprobado pues su forma y expresión no son controladas por los órdenes. Pero sabemos
que los más dogmáticos románticos tampoco lo aplaudieron: el exterior de la Ópera es
sólo una expresión aproximada del interior (el auditorio fue exagerado en tamaño y la
escalera del hall fue eliminada).

El estilo del edificio fue seleccionado en base a sentimientos personales más que en
base a una teoría histórica general. Su forma es, en un último análisis, el resultado de
la intuición. A pesar de que la arquitectura de Garnier no es clásica ni romántica sí se
ajusta a algún sistema: el de composición, tal como lo definió Gromort.

Para equilibrar y dar ritmo a los hechos objetivos de la Ópera que son presentadas al
visitante, Garnier moduló las formas del edificio suavizándolas, decorándolas,
componiéndolas. Todo está resumido en la gran escalinata que tanto disgustó a los
románticos, invisible desde el exterior, pero dominando completamente la presentación
del interior, tan efectiva a los ojos del espectador.

La sociedad en varias maneras mantiene como un rito básico de renovación. La


arquitectura del siglo diecinueve estaba muerta a tan solo sus inicios de siglo, entonces
la sociedad ha sentido la tradicional culpa relacionada con este acto.

En la preocupación por distinguir el siglo vente del siglo diecinueve se mantiene un


corriente que piensa que las dos épocas se mantienen juntas, frente a un mundo muy
diferente, uno que existió hacia fines del siglo dieciocho. Hay una tradición de
interpretación de la arquitectura moderna.

En la arquitectura compuesta por formas geométricas autónomas e intrínsicamente


significativas. Vio el descubrimiento de la “autonomía arquitectónica”. Aun así no se
descarta al historicismo como irrelevante ni tampoco presenta la composición
arquitectónica.

Es decir, se percibe una evolución dialéctica, que manifiesta en el contexto de la


arquitectura moderna el aparente eterno conflicto de forma y proceso. El desarrollo es
en espiral, en el cual la arquitectura de inicios del siglo diecinueve es “curiosamente
paralela” a la romántica de mitad de siglo aunque difiere al rechazar la idea de carácter.

Aquí vemos que ha habido un cambio en la audiencia a la cual se dirige la arquitectura


y en consecuencia un cambio en la manera en que las cosas son presentadas. En un
sentido, el racionalismo romántico fue de hecho dirigido al “ingeniero que venía a
estudiar los detalles mínimos” y generalmente al hombre de ciencia: él componía la elite
romántica, el clero sansimoniano, el hombre moderno y positivista

Con el fin del siglo XVIII se dio el inicio de la arquitectura romántica. En el siglo XIX tuvo
su mayor apogeo, pero fue en el año 1830 cuando se logró poner fin a toda la influencia
de las épocas Clásicas. Ya en el año 1880 se desvaneció un poco la importancia del
Romanticismo debido a la entrada del Eclectictismo.

Por otro lado, el Romanticismo fue un movimiento en el que las construcciones que se
realizaron no tenían una finalidad decorativa, sino que su función era más bien la de ser
útiles.

La arquitectura durante el Romanticismo vive un gran momento gracias a la Revolución


Industrial, que llegó a su fin entre los años 1820 y 1840. Se ve la influencia del
movimiento romántico en los edificios públicos, en la construcción de fábricas e incluso
en los palacios y las casas.

La escuela romántica combatió el racionalismo, de la Ilustración, contraponiendo a la


“reflexión” sin alma el culto al sentimiento y al éxtasis creador, el cual, según los
partidarios, descubre los secretos de la naturaleza con mayor profundidad que el
paciente trabajo del sabio.

Finalmente, concluimos, luego de todo este análisis, que Francia de muchas maneras
gracias a ser la sede de la Beaux -Arts es considerada cuna de los estilos
arquitectónicos, a pesar de tener una metodología en un principio exclusivista e
inmodificable, evolucionó junto con los maestros y alumnos que formaban parte de ella.
Además es importante hacer referencia a la gran importancia histórica, formativa y a los
aportes que dio esta institución para la metodología de enseñanza en otros países, y
que poco a poco dejo de ser un método de enseñanza para pasar a ser una manera de
hacer arquitectura, se formaron arquitectos que maduraron creando proyectos, y
poniendo en práctica las teorías que se generaron en la misma academia .

Las ideologías cambiaron conforme se realizaban los proyectos y la arquitectura del


mundo iba cambiando, por ejemplo se intentaron introducir las ideologías de Le
Corbusier, y debido a que se conflictuaba el funcionamiento y adecuación, de sus
ideales y puntos de vista, a la metodología que se utilizaba en ese entonces, se
consiguió modificar el método de enseñanza aunque de manera pausada y progresiva.

Intervinieron el apogeo de nuevos estilos de diseño entre ellos el barroco y el


romanticismo que buscaban recuperar la arquitectura de tiempos pasados y al igual
que Leonce Reynaud lo decía en un principio y defendía, era de mayor importancia la
función y a la utilidad del edificio que la finalidad decorativa.
BIBLIOGRAFÍA

 https://es.wikipedia.org/wiki/Palacio_de_Vaux-le-Vicomte
 https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=6011219
 https://www.arquitecturapura.com/arquitectura-barroca-francesa-caracteristicas-
y-ejemplos/
 http://gabrielanavarroravago.blogspot.com/2011/05/elementos-formales-y-
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 https://www.almendron.com/artehistoria/arte/arquitectura/las-claves-de-la-
arquitectura/elementos-formales-y-compositivos/
 https://okoliarquitectos.es/la-importancia-de-la-distribucion-en-la-eleccion-de-tu-
vivienda-estar-y-cocina/
 https://limaytmi.com/2018/08/27/arquitectura-comercial-visual-merchandising/
 https://es.slideshare.net/mamfia/el-proceso-de-diseo-arquitectonico
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 https://issuu.com/majesbian/docs/344953224-ciudades-para-la-gente-ja
 https://www.casadellibro.com/libro-ciudades-para-la-
gente/9789879393802/2267131

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