Sei sulla pagina 1di 11

Diseño de teatro

Enciclopedia Británica https://www.britannica.com

ARQUITECTURA

A fines de la Edad Media, la Confrérie de la Passion en París, una institución caritativa que había
sido autorizada para producir drama religioso en 1402, convirtió un salón en el Hospital de la
Trinidad en un teatro. No está claro cuál de las siguientes dos configuraciones adoptó el teatro: un
arreglo de escenario final con una audiencia sentada alrededor de los tres lados del salón y una
gran audiencia de pie en el piso frente al escenario, o un arreglo de teatro de arena con los actores
usando el área del piso central como escenario con el público sentado a su alrededor. Sin
embargo, este es un ejemplo temprano de lo que se llegó a conocer como un "teatro en la sala" (
teatro della sala ), un arreglo que se convirtió en una forma dominante de diseño teatral en el
Renacimiento, cuando la experimentación formal estaba siendo llevada a cabo por instituciones
académicas (academias, escuelas de gramática, colegios jesuitas, universidades, etc.), por
miembros de la nobleza que competían uno con el otro para montar espectáculos lujosos, y por
empresarios y organizaciones benéficas que deseaban ganar dinero al ofrecer representaciones
teatrales para el público.

La experimentación con las formas de los teatros académicos comenzó con el trabajo de Julius
Pomponius Laetus , fundador de la Academia Romana, que había recibido una de las primeras
copias impresas de De architectura de Vitruvio en 1486 e inmediatamente se dispuso a descubrir
la naturaleza de la puesta en escena original de obras de teatro romanas. Su trabajo se centró en
el diseño y el uso de las frondas romanas de scaenae y condujo a la popularización de una forma
modificada de puesta en escena medieval simultánea en la que la parte posterior de un escenario
elevado ancho pero poco profundo estaba compuesto por una columnata en línea recta con
cortinas que cubrían el resultaron cuatro o cinco aberturas o una columnata que se inclinaba hacia
adelante para que la una o dos aberturas centrales estuvieran más cerca de la audiencia y las otras
estaban en ángulo hacia ellas. En cualquier disposición, cada apertura de cortina tenía el mismo
propósito que una mansión medieval, pero, dado que las aberturas no se diferenciaban
visualmente entre sí, se colocaron carteles sobre ellas, identificando a cada una como el hogar de
un personaje central. Este patrón de aperturas con cortinas se convirtió en el estándar para los
teatros académicos en toda Europa.

Los primeros actores profesionales que adoptaron este sistema descubrieron que una línea
continua de cortina que proporcionaba de tres a cinco aperturas era aún más versátil. Estas
etapas, que eran híbridos de diseños clásicos y medievales, generalmente se instalaban como
etapas finales en pasillos existentes o en patios en los que los miembros de la audiencia se
sentaban en bancos alrededor de tres lados, a veces en dos o más niveles. La audiencia también se
sentó en bancos o se paró en el área central frente al escenario, pero esta área podría dejarse
abierta para entretenimiento incidental. En 1513, Tommaso Inghirami, que había estudiado con
Laetus, hizo construir una sala temporal independiente para albergar tal teatro académico en la
Piazza del Campidoglio en Roma. La innovación de este edificio no estaba en la casa, donde el
público todavía se sentaba en bancos alrededor de tres lados, sino en el intento de recrear un
frente de scaenae romano en una forma más sustancial. Esta atención se centró en la naturaleza
claramente no clásica de la casa en estos teatros. Para 1545, cuando Sebastiano Serlio publicó el
libro dos de sus Obras completas sobre arquitectura y perspectiva, algunos teatros de la corte
estaban usando asientos semicirculares escalonados de "anfiteatro" en sus salas existentes. Pero
en estos teatros, el interés académico por comprender el scaenae frons fue reemplazado por una
fascinación por el arte de la perspectiva recientemente redescubierto.

El primer uso conocido de El escenario en perspectiva en el teatro data de 1508, cuando se utilizó
en un gran fondo pintado. Sin embargo, en la década de 1540, se organizaron pares de paneles
rectangulares conectados en forma de L (alas en ángulo) a intervalos uniformes a cada lado del
escenario. Los detalles arquitectónicos tridimensionales se colocaron en estas alas anguladas, lo
que proporcionó una perspectiva continua que le dio a la imagen general una mayor profundidad
y permitió que las unidades de ala cumplieran la misma función que las mansiones medievales. Al
mismo tiempo, el piso del escenario, después de dejar unos pocos pies de espacio plano para los
actores, se inclinó hacia arriba hacia el punto de fuga del telón de fondo (de ahí la designación
moderna de "arriba del escenario", que significa lejos de la audiencia, y "Bajada", que significa
hacia la audiencia). La perspectiva dictaba que, por primera vez en la historia del teatro, los
escenarios serían más profundos que anchos, aunque los actores aún se limitaban a una banda
ancha y poco profunda más cercana al público.
La fascinación por la perspectiva fue tan poderosa que ni siquiera los teatros académicos pudieron
resistirla, como se puede ver en los famosos Teatro Olímpico en Vicenza, Italia, el teatro más
antiguo existente en Europa. Este teatro fue diseñado por el arquitecto italiano Andrea Palladio
para adaptarse a una sala existente, y se inauguró en 1585, cinco años después de su muerte. Fue
construido para experimentos en la puesta en escena de la tragedia griega, aunque era claramente
un odeo romano. El escenario de este teatro mide unos 82 pies (25 metros) de ancho y 22 pies (7
metros) de profundidad. El Olímpico tiene la reconstrucción más elaborada de un scaenae romano
que se haya intentado. Tiene cinco puertas: una grande se encuentra en el centro y está
flanqueada por una puerta a cada lado y una puerta en cada extremo. Detrás de cuatro de estas
puertas está la vista en perspectiva forzada de una calle de la ciudad, mientras que detrás de la
puerta central hay tres de esas vistas. Pero este tipo de teatro era demasiado costoso para ser
copiado por la institución académica promedio, no permitía cambiar la perspectiva cada vez más
demandada en la corte, y no ofrecía la versatilidad necesaria para las compañías profesionales de
actuación. No fue ampliamente imitado.

Teatro Olímpico, Vicenza, Italia; diseñado por Andrea Palladio y completado por Vincenzo Scamozzi, 1585.

© travelview / Fotolia
Se describe que los teatros permanentes se construyeron en Ferrara en 1531 y en Roma en 1545,
pero se sabe poco sobre ellos, excepto que es probable que hayan sido teatros de la corte del tipo
de teatro en la sala. Tan dominante era este tipo que incluso cuando la Confrérie de la Passion
abrió el primer teatro público especialmente diseñado en Europa desde la época romana, el
Théâtre de l'Hôtel de Bourgogne , en 1548, siguió el modelo de teatro en la sala . Bourgogne tenía
dos niveles de galerías a lo largo de tres lados de un piso abierto ( parterre ). Partes de las galerías
de primer nivel pueden haberse dividido en cajas. La capacidad de audiencia de este teatro superó
los 1,000. Tenía una etapa final que tenía alrededor de 6 pies (2 metros) de altura, un poco menos
de 45 pies (14 metros) de ancho y quizás 35 pies (11 metros) de profundidad. La configuración
múltiple de la manera medieval se utilizó allí. Su innovación más significativa fue una etapa de
segundo nivel en la parte posterior del escenario principal. Bourgogne finalmente fue seguido por
teatros públicos especialmente diseñados en toda Europa. El primer teatro público en Italia se
construyó en Venecia en 1565, pero no se sabe si era un teatro independiente o uno en una sala
existente. En Londres, el Red Lion (1567) era independiente, construido en un jardín con asientos y
un gran escenario respaldado por una torre. Las casas de juegos interiores de St. Paul's (1575) y
Blackfriars (1576) en Londres, por otro lado, eran claramente adaptaciones de los pasillos
existentes. Mientras tanto, en España, una sociedad caritativa abrió un teatro público en un patio
en la Calle de Sol en 1568, y en 1574 el primer teatro público construido específicamente en
España se construyó en Sevilla como un teatro de patio .

En 1576, sin embargo, una casa de juegos llamada El teatro fue construido en Londres. Usó el
primer diseño verdaderamente innovador que se encontró en una casa de juegos pública. A
diferencia de los otros, que eran rectangulares, el teatro era poligonal con quizás hasta 20 lados o
bahías. Cada bahía tenía unos 12 pies (3,5 metros) de profundidad y contenía tres niveles de
asientos cubiertos por un techo, lo que hacía que pareciera una forma evolucionada de los
edificios que se muestran en las miniaturas de Fouquet de los años 1460 y 70. El área central del
polígono era al aire libre, y la audiencia allí se encontraba alrededor de un gran escenario, de
aproximadamente 5 pies (1,5 metros) de altura, que estaba integrado en varias de las bahías en un
extremo del edificio. Detrás del escenario había una casa agotadora, el área detrás del escenario
de la casa de juegos. La fachada de la casa agotadora se usó como las frondas de scaenae de un
teatro romano para proporcionar un fondo arquitectónico permanente que, con mínimas
adiciones escénicas, podría usarse para una notable variedad de obras de teatro. Este diseño
básico se convirtió en el patrón para todos los teatros al aire libre en Londres y fue uno de los
ejemplos más exitosos de diseño teatral de la época. En 1598, el Teatro fue derribado, y sus
maderas se utilizaron para construir el Globe Theatre , que se hizo famoso por su asociación con
William Shakespeare , que poseía una participación del 10 por ciento en él y vio la mayoría de sus
mejores obras representadas allí.

Los dos teatros públicos más famosos de Madrid, el Corral de la Cruz (1579) y el Corral del Príncipe
(1583), se desarrollaron poco a poco a lo largo de los patios existentes. Pero los teatros españoles
todavía tenían muchas características en común con sus homólogos de Londres. Organizaron al
público en al menos tres niveles (cubiertos por un techo) alrededor de la periferia de un espacio al
aire libre en el que se encontraba una gran parte del público. Pero los teatros españoles siempre
fueron rectangulares; sus etapas siempre fueron más pequeñas; y su uso de paisajes de mansiones
medievales era más extenso que los teatros ingleses. El público de los teatros españoles estaba
segregado por género, las mujeres tenían sus propias galerías ( cazuela ), pero no había tal
segregación en Inglaterra. El último teatro al aire libre que se construyó en Inglaterra fue el
segundo Fortune Theatre de 1623; el último en España fue el corral de Almagro (1628), el único
teatro de corrales que aún existe en la actualidad. Después de principios del siglo XVII, Inglaterra y
España se unieron al resto de Europa para convertir sus teatros públicos en espacios interiores.

En Asia, el teatro permaneció al aire libre durante mucho más tiempo. En el siglo XVII, el público
chino había dejado de pararse en el área central frente al escenario y comenzó a sentarse en
mesas bajas donde se podían servir refrescos durante las actuaciones. En Japón, a fines del siglo
XVI, finalmente se estableció un diseño adecuado para el drama Noh de 200 años. En su forma
básica, un teatro Noh era muy parecido a un teatro chino, con un escenario cuadrado elevado de
aproximadamente 5 metros (18 pies) a cada lado cubierto por un techo sostenido por pilares en
las cuatro esquinas. El escenario de Noh estaba ubicado en el lado largo de un patio rectangular
existente, y el público solo se sentaba en los porches de los edificios que rodeaban el patio. Una
orquesta ocupaba la parte trasera del escenario y un coro ocupaba el costado del escenario a la
derecha del público. Pero la característica más distintiva de estos teatros era un puente (
hashigakari ) que conectaba el escenario con el vestuario. Estaba ubicado de 33 a 52 pies (10 a 16
metros) a la izquierda de la audiencia. Esto permitió largas entradas y salidas dramáticas. La única
otra entrada era una pequeña "puerta rápida" en la parte trasera del escenario. La audiencia en
los teatros de Noh rara vez superaba los 500.

Poco después de 1600, el recién creado El teatro Kabuki adoptó el escenario Noh para sus
actuaciones, pero sus patios constaban de dos niveles de galerías que se construyeron alrededor
de un espacio abierto. El espacio abierto se dividió en una serie de cajas cuadradas donde los
grupos de miembros de la audiencia podían sentarse en esteras. El largo puente del escenario Noh
se amplió para proporcionar espacio adicional para el estilo de puesta en escena más gimnástico
de Kabuki, y en algún momento después de 1724 se construyó un nuevo puente ( hanamichi ) en
la audiencia para unir el escenario a la parte posterior de la casa durante tanto tiempo. Las
entradas y salidas podrían continuar. (En la década de 1770, dos de esos puentes estaban en uso).
También en 1724, los teatros Kabuki comenzaron a convertirse en salas de juegos interiores, y
gradualmente la estructura del techo y cuatro postes del antiguo escenario de Noh fueron
abandonados. Se agregó un forestage en 1736. En ese mismo año, los teatros de Kabuki
comenzaron a usar una cortina delantera para permitir cambios de escena, algo que nunca se hizo
en Noh. No hubo interés en el escenario en perspectiva en el teatro japonés en el siglo XVII o XVIII,
pero sí hubo un gran interés en el espectáculo, y los teatros Kabuki desarrollaron trampas
elevadoras sofisticadas e incluso plataformas giratorias más de 75 años antes de que se
convirtieran en una característica habitual de los escenarios occidentales. . Con este interés en la
maquinaria escénica , no es sorprendente que los teatros de Kabuki comenzaron a usar el
escenario del proscenio alrededor de 1908. Pero los arcos de proscenio, que todavía se usan en el
Kabuki moderno, son muy anchos, hasta 93 pies (28 metros), y miembros de la audiencia, estando
en el lado largo del rectángulo, se sientan muy cerca del escenario.

Interior de un teatro Kabuki, tríptico de xilografía coloreada por Utagawa Toyokuni, c. 1800; en el museo britanico.

Cortesía de los administradores del Museo Británico.


Barroco y rococó

Los teatros públicos en Europa no experimentaron con escenarios en perspectiva hasta que se
construyó el primer teatro de ópera, el San Cassiano, en Venecia en 1637. La experimentación con
perspectiva solo tuvo lugar en Occidente y solo en los teatros de la corte, pero condujo a la
invención. del arco de proscenio y la etapa de relojería. El proscenio se utilizó por primera vez
alrededor de 1560 para proporcionar un marco para una vista en perspectiva fija. Pero el efecto
mágico de la perspectiva era tan convincente que la gente quería verlo cambiar, preferiblemente
ante sus ojos, y el proscenio tenía el propósito adicional de ocultar la maquinaria necesaria. Se
usaron dispositivos grandes con forma de prisma con una escena diferente en cada uno de los tres
lados, llamados periaktoi por Vitruvio, en lugar de alas en ángulo para lograr algunos de los
primeros cambios de conjunto. Este fue el sistema en uso cuando Bernardo Buontalenti construyó
el Teatro degli Uffizi (1585) en Florencia, el primer teatro con un escenario de proscenio
permanente. Sin embargo, este era un sistema engorroso, y no fue hasta 1600 que se pudieron
diseñar métodos eficientes de cambio de escena. Ese año, la técnica fue desarrollada para
transferir una pintura en perspectiva a una serie de superficies planas, de cara al público, a lo largo
de los lados de un escenario (alas), a través del escenario al nivel de la parte superior de las alas
(huéspedes) y en la parte trasera del escenario (telones de fondo). Eventualmente, las alas, los
huéspedes y los fondos de una etapa podrían cambiarse de un set a otro en 10 segundos, mientras
que cualquier número de efectos especiales se llevaban a cabo simultáneamente; Esta fue la etapa
de relojería que, junto con la etapa de proscenio, dominó el teatro durante los siguientes 200
años. Fue este tipo de teatro el que se construyó en Parma en 1618; El Teatro Farnese es hoy el
teatro de arco de proscenio más antiguo que existe.

A partir de 1650, las etapas se mecanizaron cada vez más. La tecnología escénica fue una
característica importante del diseño teatral en el período barroco, pero su impacto se vio
principalmente en las demandas cada vez mayores de espacio entre bastidores. La tecnología
también influyó en el espacio en el escenario en Inglaterra y Francia, donde la tradición de tener
miembros de la audiencia sentados a los lados del escenario se puso de moda y no se eliminó por
completo hasta la década de 1760. En el período barroco, los arquitectos que diseñaron teatros se
centraron en el diseño y la decoración de la casa. Al comienzo del período, el área de audiencia era
a menudo rectangular, pero también tomaba la forma de una U, una herradura y una campana. Si
bien todas estas formas continuaron utilizándose durante el siglo XVII, se prestó cada vez más
atención a una variedad de formas elípticas, especialmente a medida que los teatros se
especializaban cada vez más en su uso principalmente para teatro, ópera o música, cada uno de
los cuales requería su propia acústica. propiedades.

La forma de la casa estaba determinada por la forma de las galerías que la formaban. Estos
continuaron aumentando en número hasta siete, todos excepto el nivel más alto de los cuales
podrían dividirse en cuadros. Las cajas fueron una consecuencia de los torneos medievales y se
describen como componentes de un teatro ya en 1516. Fueron una característica común de los
teatros ingleses y españoles en la década de 1580, pero a mediados del siglo XVII habían adquirido
un nuevo importancia. En los teatros de la corte y los teatros de ópera, las cajas y su ubicación
dentro del teatro eran una confirmación del estatus social. En los teatros públicos, se vendían
cajas para pagar la construcción del edificio, y los teatros se volvieron cada vez más dependientes
de esta forma de financiamiento. Los teatros barrocos a menudo se denominan teatros de “caja,
fosa y galería”, un término que refleja la jerarquía social establecida dentro de ellos.

The Drury Lane Theatre, Londres, acuarela de Edward Dayes, 1795; en la Biblioteca y Galería de
Arte Henry E. Huntington, San Marino, California.

The Drury Lane Theatre, Londres, acuarela de Edward Dayes, 1795; en la Biblioteca y Galería de
Arte Henry E. Huntington, San Marino, California.

Cortesía de la Biblioteca y Galería de Arte Henry E. Huntington, San Marino, California.

A medida que los desafíos políticos a dicha jerarquía crecieron en toda Europa durante el período,
sin embargo, esta forma teatral también fue desafiada. Jacques-François Blondel publicó uno de
los primeros ataques a los diseños de teatro barroco, y especialmente a las cajas, en 1771. Pero
para entonces ya había habido numerosos ejemplos de arreglos más democráticos de espacios de
audiencia, irónicamente en teatros de la corte, donde los gobernantes eran cada vez más
interesado en evitar rivalidades. El Teatro Drottningholm, un teatro de la corte en Suecia, fue
construido, por ejemplo, con solo dos cajas decorativas cerca del escenario y sin galerías. Los
teatros públicos tenían un incentivo adicional para la eliminación de las cajas. Estos teatros se
estaban volviendo tan grandes que habían alcanzado los límites de la capacidad de los actores
para proyectar sus voces en ellos. La reducción de la cantidad de cajas permitió que un mayor
número de personas estuvieran en el mismo volumen de espacio. Pero la transición a este tipo de
arreglos en los teatros públicos fue lenta, y aún fue más lenta en los teatros de ópera.

Vista interior del Teatro Drottningholm, construido por Carl Fredrik Adelcrantz, 1766, representado después de su restauración en 1921.

Cortesía del Drottningholms Teatermuseum, Estocolmo.

A principios del período barroco, el esquema de decoración de los teatros se restringió en gran
medida, pero se volvió cada vez más ornamentado hasta que alcanzó las alturas del Rococó a
mediados del siglo XVIII. Después de ese pico, la decoración del teatro gradualmente se volvió más
restringida a medida que los teatros, y la arquitectura en general, se trasladaron a la era del
renacimiento clásico en el último cuarto del siglo XVIII. También se prestó mayor atención a las
instalaciones de recepción, desde las taquillas hasta los vestíbulos, durante el período barroco.

El siglo 19

Los desafíos de puesta en escena de las obras producidas bajo la influencia del romanticismo, así
como del género ampliamente popular del melodrama, dictaron la eliminación de los conjuntos
pintados y los sistemas de ala y frontera que habían dominado el período barroco. El escenario
pintado fue reemplazado cada vez más por un escenario tridimensional con el que los actores
podían interactuar. Esto condujo al advenimiento del escenario de madera, que, a través de una
combinación de trampas, ranuras y elevadores en el piso del escenario, fue capaz de proporcionar
una cantidad extraordinaria de efectos visuales que gradualmente condujeron el escenario en
perspectiva desde el escenario. El advenimiento del uso de gas —su primera aplicación exitosa se
demostró en 1803— y, posteriormente, la electricidad hizo posible controlar la iluminación como
nunca antes. También redujo la necesidad de que los actores trabajen en la parte del delantal del
escenario justo enfrente o dentro del proscenio, un desarrollo que sacó a los actores del volumen
de espacio ocupado por la audiencia y los puso en un mundo separado. . Cuando, en el último
cuarto del siglo XIX, las luces comenzaron a apagarse regularmente en la casa durante la
presentación, la experiencia de ir al teatro se transformó de un evento social en una experiencia
de observación.

El siglo XIX también marcó el advenimiento de una mayor preocupación por la comodidad y
seguridad de la audiencia. La disminución gradual de las cajas, que a menudo se ubicaban solo
cerca del escenario, donde proporcionaban el mejor lugar para ser visto pero no necesariamente
el mejor lugar para ver, estaba causando un nivel reducido de comodidad para algunos clientes
importantes. Como compensación, el pozo, que era el área más grande desde la cual se podía ver
todo el escenario, se mejoró significativamente. En Francia, se eliminó la audiencia permanente y
se instalaron asientos por primera vez; en otros condados los bancos fueron reemplazados por
asientos individuales. Se instalaron divisores entre pequeños grupos de asientos en las filas más
cercanas al escenario, y se dio la nueva designación de "los puestos" a esta área. El advenimiento
del uso de hierro para las columnas de soporte del teatro permitió que se retirara el nivel más bajo
de cajas y que el pozo se extendiera debajo de las galerías restantes, aumentando así la capacidad
de asientos de esta área. Otras columnas se redujeron significativamente en tamaño, por lo que
las líneas de visión se mejoraron considerablemente. El uso del acero a fines del siglo XIX permitió
que las galerías se pusieran en voladizo, lo que mejoró aún más las líneas de visión. La seguridad
contra incendios se convirtió en una preocupación creciente de los planificadores de la ciudad, y
sus regulaciones se convirtieron en un componente importante de cada diseño de teatro.
El siglo 20 y más allá

El diseño teatral del siglo XX fue el más variado de la historia. Fue el primer siglo en el que
prácticamente todos los diseños teatrales desarrollados durante los dos milenios anteriores
estaban disponibles al mismo tiempo. Después de 250 años en los que la caja, el pozo y el teatro
de la galería, con su escenario de proscenio, dominaron el arte, hubo una rebelión generalizada en
su contra. Como sucedió durante el Renacimiento, se inició una avalancha de nuevas ideas
mediante exploraciones de prácticas pasadas. Un resurgimiento del interés por los teatros griegos
inspirados en las excavaciones arqueológicas a principios de siglo llevó a numerosos intentos de
recrear los espacios teatrales griegos y, en última instancia, inspiró al arquitecto alemán Walter
Gropius a proponer su "teatro total" (1927), que, tenía fue construido, habría permitido que un
teatro griego se convirtiera en el primer teatro completo desde la época medieval. En 1939, la
Universidad de Washington en Seattle construyó el Penthouse Theatre, que demostró ser un
modelo más práctico para los numerosos teatros que siguieron. Aproximadamente al mismo
tiempo, varios teatros diseñados para imitar a los teatros isabelinos, como el Maddermarket
Theatre (1921) en Norwich, Inglaterra, y el Old Globe Theatre al aire libre (1935) en San Diego,
California. construido en todo el mundo, y más se construyó más adelante en el siglo, incluido el
Teatro Swan en Stratford-upon-Avon, Inglaterra. (1986), The Globe Tokyo (1988) y Shakespeare’s
Globe en Londres (1997). Esta moda llevó a la proliferación de etapas de empuje en todo el
mundo. En el tercer cuarto del siglo XX, los diseñadores teatrales centraron sus esfuerzos en la
creación de espacios adaptables que pudieran convertirse fácilmente en al menos dos formas
teatrales principales. A comienzos del siglo XXI, el énfasis se centró en los complejos de artes
escénicas en los que se incorporaron varios estilos diferentes de teatro.

Actuación de celebración que marca la inauguración del Globe Theatre en Londres, el 12 de junio de 1997. Imágenes ROTA / APFranklin
J. Hildy

Potrebbero piacerti anche