Margaret Cameron y otros artistas contemporáneos como

Oscar Rejlander y Roger Fenton, quienes tomaron

numerosas fotografías de composiciones de frutas y flores
de naturaleza muerta, así como sus imágenes más
conocidas de la guerra de Crimen, deseaban que sus
fotografías reflejaran su propio conocimiento del arte. Los
vínculos iban en ambos sentidos.

En 1873, Leonida Caldesi publicó un libro de fotografías que

contenía 320 pinturas en la Galería Nacional. Su público
destinatario no era un público corriente, sino los propios
artistas, para quienes las fotografías eran más exactas y
más accesibles que las reproducciones grabadas. Recién en
1856, gracias a las fotografías de Fenton, los artistas podían
estudiar las estatuas clásicas en sus propios estudios.

Tal vez fue en la representación de Fenton del lanzador de

disco Discóbolo, maravillosa fotografía que pagó su deuda
con el arte. La contratación de un modelo vivo era caro, y los
grabados eran unos pobres sustitutos al lado de las
fotografías. Delacroix fue un artista que "experimentó un
sentimiento de repugnancia, casi repugnancia, por su
incorrección, sus manierismos y su falta de naturalidad". Sin
embargo, elogió la ayuda pictórica de las academias (libros
de fotografías desnudas), ya que le mostraron la realidad:
"estas fotografías de los hombres desnudos - este cuerpo
humano, este admirable poema del que aprendo a leer-".
Incluso ayudó al fotógrafo Eugene Durieu a posar e iluminar
a sus modelos. En el siglo XIX Gran Bretaña y Francia,
siendo la pornografía ilegal, las fotografías del desnudo eran
las más aclamadas por los clientes que no tenían ningún
interés artístico.

Cuando se trataba de la fotografías de paisajes igual que los

artistas impresionistas, empezaban a trabajar al aire libre.
Algunos comentaristas vieron un verdadero desafío de la
fotografía a la pintura como una mentira en su capacidad de
capturar. En 1872, el fotógrafo y periodista William Stillman
lo definió como “las declaraciones juradas de la naturaleza a
los hechos sobre los que se basa el arte -las combinaciones
naturales al azar del paisaje, la gradación exquisita, y los
efectos del sol y de la sombra-". Otro practicante, Lyndon
Smith, fue más allá, declarando que la fotografía de paisaje
era la respuesta a los "sistemas de Bellas Artes y los
Clásicos” de Sir Joshua Reynolds. Además de las frías,
despiadadas e infieles obras de la Grecia pagana y de
Roma”.

Ser nuevo era un negocio difícil. Eadweard Muybridge, el

fotógrafo de origen británico que primero capturó animales
en movimiento y la primera fotografía del caballo en vuelo,
mostró caballos corriendo con las cuatro patas separadas
del suelo, fue ante todo un fotógrafo de paisajes. Sus
imágenes de Yosemite, por ejemplo, las hace llevando
cámaras pesadas, cajas de negativos de vidrio, así como
tiendas de campaña y productos químicos para un cuarto
oscuro improvisado, todo esto por las montañas y bosques.
Las pinturas de Monet y sus obras por el contrario se
requerían sólo pintura y lienzo.
Los primeros fotógrafos no tenían otra opción que negociar
su propio compromiso con la pintura, sus descendientes
modernos pueden recurrir a casi dos siglos de historia
fotográfica. Es un punto en que la exposición se combina
con lo antiguo y lo nuevo. Así, cuando un artista
contemporáneo como Richard Billingham fotografía una
extensión del mar y del cielo vacío de Rothko de tonos
azules de pizarra y grises lavados(Storm at Sea) se refiere a
una herencia que abarca tanto la tonalidad monocromática
de los paisajes fotográficos atmosféricos de Gustave Le
Gray de la década de 1850 y una pintura como Steamer on
Lake Geneva, Evening Effect , por el artista suizo François
Bocion, 1863.

El punto se hace a través de los diferentes medios de

comunicación. Un frágil retrato de una pareja suburbana del
álbum de 1991 de Martin Parr Signs of the Times, por
ejemplo, se contrasta con el señor de Gainsborough y la
señora Andrews de 1750. Las dos representan imágenes de
la posesión y el derecho. En este último mostrando a los
propietarios a gusto en medio de sus campos y bosques,
cómodo con ellos mismo y con su emisora, el en primero se
observa una pareja posando rígidamente en su sala de
estar.

Mientras tanto, una pintura de flores del siglo XIX de Henri

Fantin-Latour es el punto de partida para las explosiones
fragmentadas de Ori Gersht, Blow Up. Gersht congeló sus
flores con nitrógeno líquido antes de explotarlas con una
pequeña carga y fotografiar los pétalos convertidos en
fragmentos voladores. Entre los desnudos, “El hombre con
el tatuaje de pulpo”, 2011 de Richard Learoyd, se coloca
junto al cuadro 1819-39 de la galería de Angelica Saved por
Ruggiero, aquel conocedor de las curvas corporales, Ingres.
El atractivo de la carne y su sinuosidad es atemporal.

Los curadores de la exposición de la Galería Nacional han

evitado utilizar de los nombres de los artistas importantes de
la fotografía contemporánea es decir, no hay Andreas
Gursky y Sherman noCindy, ni tampoco incluyen pintores
foto realistas como Gerhard Richter o Andy Warhol. Sus
elecciones son en gran parte figuras menos celebradas para
demostrar cuán profunda es la costura de los fotógrafos que
todavía trabajan con el largo pasado visual. Cuando en
1844-6, Fox Talbot publicó sus pensamientos sobre la
fotografía, dio al libro (la primera publicación para contener
ilustraciones fotográficas) el título “El Lápiz de la
Naturaleza”. Esta exposición expone lo que el padre
fundador de la fotografía nunca podría saber: cómo la
cámara siempre ha sido siempre el lápiz del arte.