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Movimientos artísticos

miércoles, 21 de octubre de 2009


Definición (:

Un movimiento artístico o estilo artístico es una tendencia o estilo referente al arte con una
filosofía o meta específica en común, seguida por un grupo de artistas repercutores durante un
período de tiempo (como el movimiento dadaísta o el pop-art); o característico de un periodo más
extenso de la Historia del Arte (como el renacimiento o el barroco); o restringido a un lugar
determinado, con lo que se habla entonces de una escuela artística (como por ejemplo la escuela
sienesa, la escuela florentina o la escuela sevillana); o limitado a un grupo de artistas en un lugar y
momento concreto. Con la palabra estilo también se alude particularmente a las características que
unifican o distinguen una obra artística de otra y a un autor de otro (el estilo personal o la voluntad
de estilo, que se hace más marcada en los genios del arte y en la personalidad de los artistas
burgueses, sometidos al mercado de arte, sobre todo a partir del romanticismo); o, menos
usualmente, a la kunstwollenvoluntad de arte o voluntad artística, en expresión de Alois Riegl).

Movimiento artístico

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Movimiento artísticoInformación sobre la plantilla
CUBISMO PRESENTACION.jpg
Concepto: Totalidad de medios y recursos caracterizados por cierta estabilidad, unidad
temática y analogía en el tratamiento, que se traduce en una manera artística específica y
encuentra expresión directa en las obras de arte. El estilo es siempre condicionado por la época y
el método creativo.
Movimiento artístico. Totalidad de medios y recursos caracterizados por cierta estabilidad, unidad
temática y analogía en el tratamiento, que se traduce en una manera artística específica y
encuentra expresión directa en las obras de arte. El estilo es siempre condicionado por la época y
el método creativo. El concepto de estilo es sumamente vasto: puede significar el estilo de tal o
cual época, y en este caso se denominará método creativo dominante. También puede designar
cierta esfera del arte (por ejemplo, rasgos estilísticos de determinada tendencia en el arte) o
reducirse a las características peculiares de la obra de algún artista.

Sumario [ocultar]
1 Movimientos artísticos y el estilo personal
1.1 Actitud pasional
1.2 Actitud sensual
1.3 Actitud intelectual
2 Fuentes
Movimientos artísticos y el estilo personal
Cada período de la historia del arte ha tenido su propia forma de expresión. La variedad de formas
expresivas ha dado lugar a la aparición de los movimientos artísticos. Los movimientos no están
sólo determinados por las condiciones sociales o históricas concretas, están además condicionados
por las relaciones que en cuanto a características estéticas, formales, conceptuales, genéricas y
temáticas guardan las producciones que lo determinan. De esta forma toda producción artística de
un período evidencia en sí, los vínculos intrínsecos del movimiento.

A la forma única e inconfundible de un artista crear se le denomina estilo. El estilo está


condicionado por lo particular que todo creador vierte en su obra. Cuando un artista se dispone a
crear, su obra es el recinto donde aloja todo lo que como ser social o artista ha aprendido. De esta
forma, su creación artística es el reflejo de la presión que el medio ha ejercido sobre él, es el
compendio desde donde emanan lo psicológico, lo social, el rigor técnico, los nuevos procederes o
técnicas, etc. El estilo es lo que hace inconfundible las obras de los pintores, escultores o
arquitectos, es el índice que no nos permite mezclar autores y obras de modo arbitrario. Podemos
llegar a reconocer los estilos personales, mediante estudios exhaustivos en las obras de arte,
tratando de encontrar en los nexos de entre las creaciones artísticas, los movimientos artísticos que
la engendraron y la subjetividad de su creador.

No sólo el estilo es un elemento importante a considerar dentro del análisis de la obra plástica; es
también cardinal, el saber determinar que actitud hace implícita el artista para transmitirnos el
mensaje.

Las actitudes expresan el interés que ha perseguido el artista, son el medio idóneo que usan los
creadores para transmitirnos con fuerza única su mensaje, haciéndonos cautivos de su creación.
Los tipos de actitudes más comúnmente empleadas por los artistas han sido: la pasional, la sensual
e intelectual.

Actitud pasional
Para muchos artistas el interés por conmover o por emocionar es un rasgo manifiesto; el español
Francisco de Goya, el alemán Edward Munch o el francés Eugene Delacroix nos lo han
evidenciado en sus creaciones. Esto es lo que se ha dado en llamar actitud pasional.

Actitud sensual
En muchos artistas el móvil de su creación es el deseo de lograr una pieza que agrade a los
sentidos, que recree la vista y estimule las sensaciones, este tipo de actitud es conocida como
sensual. Las obras de Amelia Peláez o La Maja Desnuda de Goya, hacen manifiesto este peculiar
tipo de actitud.

Actitud intelectual
Por su parte la actitud intelectual está condicionada por el interés del artista para hacer de su obra
un conjunto de sólida estructura interna; donde cada parte se relaciona con el resto mediante una
organización racional. Este tipo de actitud se manifiesta en las abstracciones neoplásticas de Piet
Mondrian, en las composiciones cubistas de Picasso o en las producciones del arte conceptual del
siglo XX.

Las actitudes se presentan rara vez de modo puro, pues el ser humano es un híbrido de múltiples
connotaciones psicológicas y como tal se exterioriza en sus creaciones. Determinar que tipo de
actitud es la más importante en una obra; así como saber establecer qué elemento o elementos la
manifiestan; es un paso importantísimo en el análisis visual.

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Movimiento artístico
tendencia o estilo artístico con una filosofía o estilo común
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Un movimiento artístico es una tendencia referente al arte, con una filosofía o estilo común,
seguida por un grupo de artistas durante un período de tiempo.

Si está limitado a un grupo de artistas en un lugar y momento concreto, se habla entonces de una
escuela artística; por ejemplo, la escuela sevillana de pintura.

Con la palabra estilo también se alude a las características que unifican o distinguen a un autor (el
estilo personal o la voluntad de estilo,[1] que se hace más marcada en los genios del arte y en la
personalidad de los artistas burgueses, sometidos al mercado de arte,[2] sobre todo a partir del
romanticismo); o, menos usualmente, a la kunstwollen (voluntad de arte o voluntad artística, en
expresión de Alois Riegl).

Características

Estilos artísticos
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Cada periodo histórico ha tenido unas características concretas y definibles, comunes a otras
regiones y culturas, o bien únicas y diferenciadas, que han ido evolucionando con el devenir de los
tiempos. De ahí surgen los estilos artísticos, que pueden tener un origen geográfico o temporal, e
incluso reducirse a la obra de un artista en concreto, siempre y cuando se produzcan unas formas
artísticas claramente definitorias. Estilo proviene del latín stilus (‘punzón’), escrito en época
medieval como stylus por influencia del término griego στύλος (stylos, ‘columna’). Antiguamente,
se denominaba así a un tipo de punzón para escribir sobre tablillas de cera; con el tiempo, pasó a
designar tanto el instrumento como el trabajo del escritor y su manera de escribir. El concepto de
estilo surgió en literatura, pero pronto se extendió al resto de artes, especialmente música y danza.
Actualmente se emplea este término en su sentido metonímico, es decir, como aquella cualidad
que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir una obra de arte por parte del
artista, o bien, en sentido más genérico, de un conjunto de artistas u obras que tienen diversos
puntos en común, agrupados geográfica o cronológicamente. Así, el estilo puede ser tanto un
conjunto de caracteres formales, bien individuales —la forma de escribir, de componer o de
elaborar una obra de arte por parte de un artista—, o bien colectivos —de un grupo, una época o
un lugar geográfico—, como un sistema orgánico de formas, en que sería la conjunción de
determinados factores la que generaría la forma de trabajar del grupo, como en el arte románico,
gótico, barroco, etc. Según Focillon, un estilo es «un conjunto coherente de formas unidas por una
conveniencia recíproca, sumisas a una lógica interna que las organiza».

Estos caracteres individuales o sociales son signos distintivos que permiten diferenciar, definir y
catalogar de forma empírica la obra de un artista o un grupo de artistas adscritos a un mismo estilo
o “escuela” —término que designa un grupo de autores con características comunes definitorias
—. Así, la “estilística” es la ciencia que estudia los diversos signos distintivos, objetivos y
unívocos, de la obra de un artista o escuela. Este estudio ha servido en la Historia del arte como
punto de partida para el análisis del devenir histórico artístico en base al estilo, como se puede
apreciar en alguna escuela historiográfica como el formalismo.[6]

El estilo estudia al artista y a la obra de arte como materialización de una idea, plasmada en la
materia a través de la técnica, lo que constituye un lenguaje formal susceptible de análisis,
catalogación y periodificación. Por otro lado, así como la similitud de formas crean un lenguaje y,
por tanto, un estilo, una misma forma puede tener distinta significación en diversos estilos. Así,
los estilos están sujetos a una dinámica evolutiva que suele ser cíclica, recurrente, perceptible en
mayor o menor grado en cada periodo histórico. Se suelen distinguir en cada estilo, escuela o
periodo artístico diversas fases —con las naturales variaciones concretas en cada caso—: “fase
preclásica”, donde se comienzan a configurar los signos distintivos de cada estilo concreto —se
suelen denominar con los prefijos proto- o pre-, como el prerromanticismo—; “fase clásica”,
donde se concretan los principales signos característicos del estilo, que servirán de puntos de
referencia y supondrán la materialización de sus principales realizaciones; “fase manierista”,
donde se reinterpretan las formas clásicas, elaboradas desde un punto de vista más subjetivo por
parte del autor; “fase barroca”, que es una reacción contra las formas clásicas, deformadas a gusto
y capricho del artista; “fase arcaizante”, donde se vuelve a las formas clásicas, pero ya con la
evidente falta de naturalidad que le es intrínseca —se suelen denominar con el prefijo post-, como
el postimpresionismo—; y “fase recurrente”, donde la falta de referentes provoca una tendencia al
eclecticismo —se suelen denominar con el prefijo neo-, como el neoclasicismo—.[7]

Géneros artísticos
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Utilizando el término género, muy polisémico, se componen los conceptos de género artístico o
géneros artísticos en cada una de las artes, con muy distintos significados: en algunas,
equivalentes a los movimientos o estilos; en otras, con un significado diferente, que distingue los
temas a los que se aplica el arte (tema artístico). Por ejemplo, en pintura el retrato, el paisaje, el
bodegón, la pintura de historia o incluso la denominada "pintura de género".

Movimientos, estilos y géneros artísticos por artes


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Movimiento literario, estilo literario, género literario (Categoría:Movimientos literarios, escritores,
Categoría:Escritores)
Movimiento pictórico, estilo pictórico, género pictórico (Categoría:Movimientos pictóricos,
pintoresCategoría:Pintores)
Movimiento escultórico, estilo escultórico, género escultórico (Categoría:Movimientos
escultóricos, escultores, Categoría:Escultores)
Movimiento arquitectónico, estilo arquitectónico, género arquitectónico (Categoría:Estilos
arquitectónicos, arquitectos, Categoría:Arquitectos)
Movimiento musical, estilo musical, género musical (Categoría:Géneros musicales, músicos,
Categoría:Músicos).
Movimientos o estilos artísticos por época
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Artículo principal: Historia del arte


Prehistoria
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Artículo principal: Arte prehistórico
Véanse también: Pintura franco-cantábrica, Arte rupestre levantino, Megalitismo y Cultura de
Hallstatt.
Edad Antigua
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Artículo principal: Arte antiguo
Véanse también: Arte mesopotámico, Arte egipcio, Arte cretense, Arte micénico y Arte persa.
Véanse también: Arte fenicio, Arte etrusco, Arte ibérico, Arte grecorromano y Arte paleocristiano.
Edad Media
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Artículo principal: Arte medieval
Véanse también: Arte bizantino, Arte islámico, Arte prerrománico, Arte románico y Arte gótico.
Edad Moderna
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Artículo principal: Arte de la Edad Moderna
No se suele utilizar la expresión arte moderno para el arte de este periodo.

Véanse también: Renacimiento, Manierismo y Barroco.


Véanse también: Rococó, Neoclasicismo y Prerromanticismo.
Edad Contemporánea
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Artículo principal: Arte contemporáneo
Siglo XIX
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Academicismo
Arte de Las Montañas Blancas
Las Artes Incoherentes
Arts and Crafts
Biedermeier
Cloisonismo
Decadentismo
Divisionismo
Eclecticismo
Eclecticismo español
Edad de Oro danesa
Escuela Americana de Barbizon
Escuela de Barbizon
Escuela de Heidelberg
Escuela de La Haya
Escuela de Lyon
Escuela de Norwich
Escuela de Düsseldorf
Escuela de Pont-Aven
Escuela quiteña
Escuela del río Hudson
Expresionismo
Grupo Hoosier
Gründerzeit
Historicismo
Impresionismo
Impresionismo americano
Luminismo
Luminismo americano
Macchiaioli
Mir iskusstva
Modernismo
Nabis
Nacionalismo romántico noruego
Naturalismo
Nazarenos
Neoclasicismo
Neoimpresionismo
Orientalismo
Peredvízhniki
Pintura de historia
Posimpresionismo
Prerrafaelismo
Puntillismo
Realismo
Romanticismo
Romanticismo alemán
Secesión de Viena
Sezession
Simbolismo
Sintetismo
Sociedad de Artistas Americanas
Tonalismo
Los XX
Siglo XX
Editar
1900-1918
Editar
Academicismo
Art Deco, c. 1920s-1940s
Camden Town Group, c. 1911-1913
Círculo de Bloomsbury, c. 1900s-1960s
Constructivismo, c. 1920-1922, 1920s-1940s
Cubismo, c. 1906-1919
Cubismo sintético, c. 1912-1919
Cubofuturismo, c. 1912-1918
Dada, c. 1916-1922
Der Blaue Reiter, c. 1911-1914
De Stijl, c. 1917-1931
Deutscher Werkbund, fundado 1907
Die Brücke, fundado 1905
Escuela Ashcan, c. 1890s-1920s
Expresionismo c. 1890s-1930s
Fovismo, c. 1900-1910
Futurismo, c. 1909-1916
Grupo de los siete, c. 1913-1930s
Grupo de Puteaux, c. 1912-1914
Los Ocho, c. 1909-1918
Luminismo, c. 1900s-1930s
Modernismo, c. 1860s-presente
Neoclasicismo, c. 1900s-
Neue Künstlervereinigung München
Novembergruppe, fundado 1918
Orfismo, c. 1910-1913
Período azul de Picasso, c. 1901-1904
Período rosa de Picasso, c. 1904-1906
Período africano de Picasso, 1906-1909
Photo-Secession, fundada c. 1902
Pintura metafísica, c. 1911-1920
Purismo, c. 1917-1930s
Rayonismo
Realismo americano
Secesión de Berlín, fundada 1898
Sincromismo, fundado 1912
Sota de Diamantes, fundado 1909
Suprematismo, formado c. 1915-1916
Ten American Painters, c. 1897-1920
Vorticismo, fundado 1914
1918-1945
Editar
Abstracción geométrica
Arbeitsrat für Kunst
Art Decó
Arte concreto
Bauhaus, c. 1919-1933
Der Ring
De Stijl, c. 1917-1931
Escuela de París
Gruppo 7
International Style, c. 1920s-1970s
Neoromanticismo
Neue Sachlichkeit
Novecento
Novembergruppe, fundado 1918
Precisionismo, c. 1918-1940s
Realismo mágico
Realismo socialista
Regionalismo, c. 1930s-1940s
Scuola Romana, c. 1928-1945
Surrealismo, c. 1920s-1960s
1945-1965
Editar
Abstracción lírica
Abstracción orgánica
Abstracción pospictórica
Action painting
Arte cinético
Arte Povera
Arte público
Assemblage
Beatnik art
Brutalismo
CoBrA
Color field
Escuela del Noroeste
Expresionismo abstracto
Fluxus
Happening
Hard edge
Informalismo
Internacional Situacionista
Neo-Dada
Nouveau Réalisme
Op Art
Outsider Art
Pop Art
Retro
Tachismo
Videoarte
1965-2000
Editar
Abstracción lírica
Apropiación
Arte conceptual
Arte postmoderno
Arte povera
Arte relacional
Arte sonoro
Body Art
Deconstrucción
Dogma 95
Graffiti
Fotografía como arte
Fotorrealismo
Funk art
Hiperrealismo
Ilusionismo abstracto
Instalación artística
Land art
Lowbrow
Massurrealismo
Minimalismo
Neoexpresionismo
Neofiguración
Neo-pop
Performance
Posminimalismo
Posmodernidad
Realismo clásico
Steampunk
Transvanguardia
Videoarte
Manga
Young British Artists
Siglo XXI
Editar
Altermodernismo
Arte algorítmico
Arte ambiental
Arte de los nuevos medios
Arte digital
Arte electrónica
Arte relacional
Computación gráfica
Hiperrealismo
IMMAGINE&POESIA
Intentismo
Metamodernismo
Massurrealismo
Neo-geo
Post-postmodernismo
Remodernismo
SoFlo Superflat
Stuckism
Superflat
Superstroke
Arte transgresiva
Arte virtual
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DEFINICIÓN DE
IMPRESIONISMO
El impresionismo es una corriente arte surgida en el siglo XIX, principalmente vinculada a la
pintura: los pintores impresionistas retrataban objetos de acuerdo a la impresión que la luz produce
a la vista y no según la supuesta realidad objetiva.

Impresionismo
El movimiento impresionista se desarrolló en Francia y luego se expandió a otros países europeos.
Al plasmar la luz en los cuadros, se dejaba de lado la identidad de aquello que la proyectaba.

El impresionismo muestra una preponderancia de los colores primarios, utilizados sin mezcla. Los
tonos oscuros, en cambio, no son usuales. Al respecto, cabe mencionar que los impresionistas
postularon los principios del contraste cromático, que suponen que cada color es relativo a los
colores que le rodean.

Los artistas impresionistas, por otra parte, solían pintar sin intención de ocultar las pinceladas
fragmentadas. De esta forma demuestran cómo, bajo ciertas condiciones, la perspectiva permitía
que distintas partes inconexas dieran lugar a un todo unitario.

Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Armand Guillaumin y Edgar Degas son
algunos de los máximos exponentes de la pintura impresionista. Cada uno, sin embargo, mantuvo
un estilo personal dentro de las características de estilo compartidas por todos los integrantes del
movimiento.

Con respecto a la música impresionista, se trata de una corriente también surgida en Francia,
cuando finalizaba el siglo XIX. Entre los compositores más sobresalientes de esta época se
encuentran Claude Debussy y Maurice Ravel, ambos franceses. Siglos antes del nacimiento del
barroco musical, la música contaba con cerca de siete escalas, las cuales fueron perdiendo
importancia con el paso del tiempo, hasta quedar simplemente dos: la mayor y la menor, también
llamadas jónica y eólica, respectivamente.

ImpresionismoLlegó el período posromántico y algunos compositores, como fue el caso de


Camille Saint-Saëns y Gabriel Fauré, comenzaron a experimentar con las escalas olvidadas y con
uno de los elementos fundamentales del impresionismo: el timbre. Sus pruebas, sin embargo, no
excedieron los límites de una aventura que partía de la curiosidad, pero que no tenía un fin en
particular.

Ya en el ocaso del siglo XIX, el impresionismo representó la completa liberación a nivel armónico
y rítmico ; si bien existían reglas y límites, se trata de una era en la cual era posible cuestionarlas y
buscar nuevos horizontes musicales. El objetivo de esta corriente era que las ideas pudieran ser
expresadas de una forma no muy directa, casi como si se tratara de la percepción de una persona
acerca de otra composición, una que sí hubiera tenido rasgos bien definidos.
Veamos a continuación las características fundamentales del impresionismo musical:

* más libertad en el ritmo, ofreciendo a los intérpretes la posibilidad de modificar a gusto la


duración de las notas;

* se utilizaban los modos y se presentaron diversas variaciones los mismos. Asimismo, algunos
modos fueron creados durante este período, tal y como hizo Debussy en su pieza para flauta
titulada Syrinx. Además de los clásicos, se utilizó un gran número de modos que provenían de
diferentes culturas;

* la experimentación a nivel tímbrico, lo cual representa el aspecto más destacable de esta


corriente. Esto dio lugar al nacimiento de sonidos y efectos que jamás habían sido producidos por
instrumentos musicales, repercutiendo directamente en la sensibilidad del oyente.

Los compositores impresionistas buscaban romper las cadenas que oprimían la música, que la
convertían en un objeto de lujo, en un arte para académicos; se propusieron liberarla y devolverle
la espontaneidad que debía caracterizarla, aquellos sonidos de la naturaleza que debían adornarla.
Esto no significa que las creaciones anteriores al impresionismo sean necesariamente rígidas o
carentes de color; además, no debe menospreciarse la importancia de la interpretación, que puede
convertir una pieza en algo que ni el propio autor haya imaginado.

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REFERENCIAS

Autores: Julián Pérez Porto y Ana Gardey. Publicado: 2009. Actualizado: 2009.

Definicion.de: Definición de impresionismo (https://definicion.de/impresionismo/)

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