Ocho mujeres surrealistas que no son

Frida Kahlo
Nos encanta Frida, el arte, el surrealismo, y por supuesto, las mujeres.
Por Gerty OyarceLunes 05 de junio de 2017, a las 11:06

La artista e ícono cultural mexicana Frida Kahlo es, sin duda, la surrealista
más famosa del mundo, pero las mujeres han utilizado durante mucho
tiempo el arte para pasmar las profundidades de los sueños y el
inconsciente. Como la historiadora de arte Whitney Chadwick señala en el
catálogo In Wonderland: Las Aventuras Surrealistas de Mujeres Artistas en
México y los Estados Unidos (registro de la exposición realizada el año
2012 del museo LACMA): “El Surrealismo tuvo un modelo de prácticas
creativas que animaron a muchas mujeres a adaptar sus principios a la
búsqueda de vincular la auto-identidad artística con el género y
sexualidad femenina”.

A pesar de que en el movimiento surrealista que tuvo lugar en la Europa del

siglo XX predominaron los hombres, las mujeres han contribuido a este
género a lo largo de ese siglo y hasta en el período contemporáneo.
Así que dejaremos a nuestra querida Kahlo esta vez fuera, para destacar a
otras ocho mujeres surrealistas cuyas carreras abarcaron todo, pintura,
fotografía y hasta poesía.

Gertrude Abercrombie
Gertrude Abercrombie, The Courtship, 1949. Collection of the Museum of
Contemporary Art Chicago, gift of Gertrude Abercrombie Trust. Photo: Nathan Keay, ©
MCA Chicago. Courtesy of MCA Chicago.

Con un gusto por la luna, los gatos negros y las

mujeres misteriosas, Gertrude Abercrombie conjuró un imaginario y
medio oeste gótico en sus pinturas. Originaria de Austin, Texas,
Abercrombie pasó la mayor parte de su vida en Chicago y, en la década de
1940, ella y su marido se instalaron en un lujoso hogar victoriano, donde a
menudo realizaron extravagantes fiestas para músicos de jazz y artistas. En
contraste con su agitada vida, las figuras planas de Abercrombie y los
paisajes amplios -iluminados silenciosamente por el cielo de la noche- le
dan un toque mundano a pinturas de otro mundo.
Remedios Varo

Remedios Varo, Papilla Estelar, 1958. Image courtesy of Gallery Wendi Norris, San
Francisco.

Cuando comenzaba la Segunda Guerra Mundial, la pintora

española Remedios Varo y su segundo esposo, el poeta surrealista francés
Benjamin Péret, huyeron de la España de Franco y de la París ocupada por
los nazis, estableciéndose finalmente en México, donde Varo desarrolló su
ingenioso estilo de surrealismo. Muy influenciada por la literatura, la
naturaleza, la religión y sus amistades con la pintora Leonora Carrington y la
fotógrafa Kati Horna, Varo tradujo sus curiosidades intelectuales y
espirituales en imágenes fantásticas. Desde la mujer encubierta con ojos en
forma de almendra y pelo plateado salvaje, preparándose para liberarse de
un espíritu masculino en Mujer saliendo del psicoanalista (1960), a una
delgada figura femenina que se ve encaramada en el espacio,
moliendo las estrellas y alimentando a una luna creciente
encerrada en Papilla Estelar(1958), las pinturas de Varo son el más salvaje
de los sueños.

Dorothea Tanning

Izquierda: Dorothea Tanning, Fatala, 1947. © Dorothea Tanning Foundation. Image

courtesy of Gallery Wendi Norris, San Francisco; Derecha: Dorothea Tanning, High
Wires, 1950. Image courtesy of Kent Fine Art.

Birthday (1942) es un cautivador e inquietante autorretrato de Dorothea

Tanning como una mujer de pecho desnudo. La artista y una criatura
mítica y alada miran a un intruso desconocido -quienes podríamos ser
nosotros, los espectadores- que interrumpen a los personajes antes de
embarcarse en un viaje por el infinito pasillo de las puertas abiertas.
Inspirada en el dadaísmo, el bronceado representaba a menudo a mujeres
jóvenes en estados de reposo emocional y sexualmente cargados. Dorothea
vivió en Nueva York, donde conoció a otros surrealistas y a su marido Max
Ernst. La pareja pasó un tiempo en esta ciudad y en Sedona, Arizona, antes
de mudarse a Francia a finales de la década de 1950, donde Tanning
comenzó a centrarse en la abstracción y la escultura blanda. Después
de la muerte de Ernst en 1976, Tanning regresó a Estados Unidos y
posteriormente publicó dos memorias.

Helen Ludenberg

Izquierda: Helen Lundeberg, Portrait of Inez, 1933. © The Feitelson / Lundeberg Art
Foundation, courtesy of Louis Stern Fine Arts; Derecha: Helen Lundeberg, Biological
Fantasy, 1946. © The Feitelson / Lundeberg Art Foundation, courtesy of Louis Stern
Fine Arts.

En 1934, una de las mujeres surrealistas más importantes de

California, Helen Lundeberg, y su esposo, Lorser Feitelson, crearon lo que
se conoció como post-surrealismo, escribiendo el único manifiesto de
Estados Unidos para desafiar el surrealismo europeo de André
Breton -que abogaba por la expresión de “El automatismo psíquico”. A
diferencia de sus colegas europeos, Lundeberg creía en emplear una forma
más racional de creatividad para representar la mente inconsciente. Como
un sueño lúcido, sus pinturas reflexionan cuidadosamente sobre los
misterios de la biología, la astronomía y la física.

Meret Oppenheim
Meret Oppenheim. Object, 1936. Fur-covered cup, saucer, and spoon, cup 4-3/8
inches in diameter; saucer 9-3/8 inches in diameter; spoon 8 inches long, overall
height 2-7/8″ (The Museum of Modern Art)

En el París de los años 30, Meret Oppenheim se movió dentro de los

mismos círculos que Breton y Ernst, y trabajó como una reconocida
musa fotográfica de Man Ray, en una serie de retratos desnudos y eróticos.
Aunque ella experimentó con la pintura y la fotografía, Oppenheim es la más
conocida por su vajilla cubierta de piel. Esta transformación de objetos
cotidianos en referencias simbólicas, que apuntan a la explotación del
cuerpo femenino por parte de la sociedad, logró que el reconocimiento
de Oppenheim fuera por mucho más que ser una musa.

Kay Sage
The Outline of Silence, 1950. Weinstein Gallery

El evocador surrealismo de Kay Sage -que recuerda los sombríos paisajes

de Giorgio de Chirico, sus edificios escarpados y las formas esféricas de su
marido Yves Tanguy en espacios desolados- fue tremendamente
influyente en Estados Unidos en los años treinta. Sage pasó su infancia
en Europa y Nueva York, y más tarde se integró al club de chicos
surrealistas parisinos, donde conoció a Tanguy en 1939. Una vez que
desarrolló un estilo maduro, con formas arquitectónicas fuertes y líneas
de horizonte precisas, Sage exhibió constantemente en Nueva York y
Europa a lo largo de los años 40 y 50. Lamentablemente comenzó a perder
la vista a mediados de los años cincuenta, pero alcanzó a escribir cuatro
volúmenes de poesía y los comienzos de una memoria.
Rosa Rolanda