Modulo 2 Historia PDF

El cine como recurso
didáctico
2. Historia del Cine: Cine Mudo
2012
El cine como recurso didáctico Formación en Red
El cine como recurso didáctico
Cine Mudo
En este apartado veremos la evolución del Cine Mudo en Francia, Estados Unidos y Suecia antes de 1918.
Buster Keaton
La guerra introducirá cambios importantes que son tratados en el Cine de Posguerra:
Francia: Escuela Impresionista y los Movimientos Vanguardistas.
Alemania: Escuela Expresionista, La Kammerspislfilm y la Corriente Realista.
Cine Soviético: Cine Prerrevolucionario,Cine Postrevolucionario y la Etapa de Madurez.
Estados Unidos: Star-System, las Superproducciones y los Europeos en Hollywood.
Por último revisaremos a los autores más destacados del Cine Mudo: David Wark Griffith, Abel Gance, Vsevold Pudovkin y Sergei
Mikhailovich Eisenstein.
Antes de 1918
La evolución de la industria cinematográfica está estrechamente ligada al desarrollo de los acontecimientos económicos, sociales y
políticos. Así, la irrupción de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) repercute sobre la situación del mercado cinematográfico mundial,
alterando, de manera decisiva, la posición alcanzada por las diferentes cinematografías nacionales.
Los países que participan en la contienda verán disminuir su producción de películas, especialmente Francia que antes de la guerra
acapara el 80 por 100 de los mercados mundiales, pero que muy pronto será incapaz de atender su propia demanda. Estos serán los
años en los que el cine norteamericano, aprovechando el receso en la producción francesa, vivirá su gran desarrollo, tanto a nivel
industrial como artístico, sentando las bases sobre las que habrá de construirse el nuevo arte.
Actividad 1
Visiona el reportaje de Días de cine: Homenaje al cine mudo
Francia
En estos años, la casa Gaumont compite con la Pathé, ampliando la producción de películas.
Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

En 1911, Louis Feuillade entra como director artístico y responsable de la producción de la Gaumont inicia una serie que, frente a la
tendencia teatral imperante, supone un retorno al realismo, devolviendo al cine su sentido de la actualidad. En la serie La vida tal como
es (La vie telle qu'elle est) (1911-13), se incorporan importantes avances técnicos, decorados más realistas, la sobriedad en la
interpretación de los actores, la creación de algunos efectos a través de la iluminación artificial y la aplicación del primer plano.
Después realiza Fantomas (1913-16), un excelente serial policíaco por episodios, con una inspiración fantástica que inspirará a los
surrealistas; y que incluso sugerirá ideas a Luis Buñuel para utilizarlas en 1930 en La edad de oro (Láge dór ). Feuillade continuó
trabajando durante la gran guerra con otros dos seriales por episodios: Les Vampires y Judex (1915-16).
En estos seriales actuaba Musidora, que, además de la primera vampiresa del cine, era novelista, poeta, pintora y realizadora. Musa del
surrealismo y del cine vanguardista, dirigió diez filmes -varios de ellos basados en novelas de Colette- de las que sólo se conserva Sol y
sombra (1922), una de las cuatro películas que realizó en España, dónde vivió unos años por su romance con el rejoneador cordobés
Antonio Cañero.
Musidora
También, en este período, aparecen los primeros cómicos de la pantalla, "tipos", que con sus bufonadas adquieren gran popularidad. A
menudo, ruedan en la calle peleas y persecuciones a las que los cómicos incorporan caídas y acrobacias imposibles.
El gran innovador de la escuela cómica francesa fue Max Linder, que entre 1911 y 1913 alcanzó su etapa de mayor éxito, siendo
considerado, en esos años, el actor más popular de toda Europa. Algunos rasgos de su personaje, como el sombrero, el bigote o sus
andares, inspiraron a Chaplin, como él mismo reconoció.
Max Linder

Estados Unidos
Hollywoodland
En 1913, se pone en marcha un proceso judicial auspiciado por los Independientes - un grupo de empresarios judíos de origen
centroeuropeo en su mayoría - que se dedican a la exhibición y producción de películas, y que pretenden terminar con el monopolio del
comercio que desde 1908 está en poder del trust de Edison, la Motion Pictures Patents Company.
En 1917, el Tribunal Supremo de Washington pronuncia una sentencia favorable a los Independientes, dando por finalizado el sistema
monopolista de Edison. A partir de este momento, las firmas primitivas, incluida la Edison Co., irán desapareciendo y serán los
Independientes quienes tomen el relevo.
El Western
The Great Train Robbery
Antes de que se disuelva el monopolio de Edison, algunos de los Independientes abandonan las ciudades, desplazándose a las lejanas
regiones del Oeste, con el fin de esquivar las frecuentes disputas legales. Allí hallarán una gran variedad de paisajes, una brillante
iluminación natural y un clima constante durante prácticamente todo el año, condiciones muy propicias para el rodaje en exteriores. Y
será en esas regiones donde habrá de nacer el género americano por excelencia, el western.
Aunque el western ya contaba con algunas obras como Asalto y robo de un tren (The Great Train Robbery, 1903), de Edwin S. Porter,
es en este entorno privilegiado donde comenzará a tomar forma cinematográfica la epopeya del oeste, adoptando la mitología propia de
la conquista y la colonización del territorio, aún recientes en la historia.
Los westerns provocarán una verdadera conmoción formal y temática. También aparecen las primeras figuras con enorme popularidad,
como Bronco Billy (Anderson) y Tom Mix.

Fotogramas o imágenes de Broncho Billy,Tom Mix y W.S.Hart
Uno de los directores que más aportó a este nuevo género fue Thomas H. Ince. Él creó en 1913 un nuevo cow-boy, Río Jim,
interpretado magistralmente por William Shakespeare Hart, conocido como "el hombre de los ojos claros". Pero además, Ince empieza
a dar protagonismo a la naturaleza, y sus westerns son dinámicos y visuales.
La labor realizada por Ince es ingente; entre las películas que produce,dirige, supervisa o monta personalmente, y aquellas cuyo guión es
obra suya, ronda los 800 títulos. Además, aporta al cine una teoría de la división del trabajo, según esquemas muy férreos, a partir de
un guión muy rígido, que ha de ser respetado en todas las fases de la realización del film, para asegurarse de que todas las películas
llevarán su estilo. Es por ello, el primero en incorporar un guión escrito a la realización, ya que anteriormente la dinámica habitual
consistía en improvisar sobre un argumento desarrollado en unas breves notas.
De película
Puedes ver y/o descargar desde aquí The great train robbery. Disponible en Archive.org.
Nuevas Productoras
Los Independientes acabarán estableciéndose a la cabeza de la industria cinematográfica en Norteamérica.
Adolph Zukor, tras el éxito alcanzado con la importación de Elizabeth, Reina De Inglaterra (Les amours de la Reine Elisabeth),
(H.Desfontaines-L.Mercanton), protagonizada en 1912 por Sarah Bernhardt, puso en marcha su empresa Actores Famosos en Obras
Famosas (1). Pero no tardará en despojar al incipiente Star-system de la carga teatral del Film d'Art.
Adolph Zukor, Mary Pickford y Doug Fairbanks
Durante estos años surgieron estrellas de la talla de Mary Pickford, las hermanas Lillian y Dorothy Gish, Douglas Fairbanks, el
cómico Mack Sennett y nuevos nombres como Rodolfo Valentino y Theda Bara. Las estrellas facilitaron el éxito a Hollywood en todos
los mercados del mundo.

Hermanas Gish, R.Valentino, Theda Bara
Además, Zukor creó, en colaboración con otros empresarios, la Paramount, una corporación que controlaba una red de más de cinco
mil salas por todo el país, y producía películas de alto costo y larga duración, al ritmo de un lanzamiento de gran calidad a la semana.
. Carl Laemmle, otro independiente, fundó la Universal.
. Los hermanos Warner, la Warner Bros.
. Wilhelm Fuchs, que pronto adoptó el nombre de William Fox, fue el padre de la Fox.
. Samuel Goldfish, que también cambió su nombre pasando a llamarse Samuel Goldwyn, creó con Marcus Loew la Metro-Goldwyn-
Mayer.
Zukor seguido por los demás Independientes estableció los primeros modelos efectivos de organización industrial, algunos de los cuales
aún se aplican en la actualidad. Sin embargo, en la conformación del relato cinematográfico, quedaban aún caminos por trazar. Fue
David Wark Griffith el que, utilizando sistemáticamente recursos cinematográficos diversos, inauguró una verdadera narrativa fílmica.
Las grandes Majors
Para saber más
(1) Famous Players in Famous Plays
La Comedia
En estos años, la escuela cómica norteamericana tomó el relevo de la francesa y, de la mano del director canadiense Mack Sennett,
inauguró la "edad de oro" de la comedia.
Es la época de los cortometrajes cómicos, de uno o dos rollos, que se pasaban dentro de un programa múltiple, junto con el noticiario
de actualidad y antes de la película central. Pero aumentó su demanda, lo cual favoreció el desarrollo del género.

Keystone comedies
En 1912, Mack Sennett participó en la fundación de la productora Keystone, y con las Keystone Comedies fue conquistando a todos
los públicos. Sennett lanzó a los mayores talentos cómicos del momento. Charles Chaplin, Roscoe "Fatty" Arbuckle, Buster Keaton,
Harold Lloyd y Gloria Swanson, entre otros, actuaron en las Keystone Comedies. Sennett desarrolló, en una absoluta libertad, un
estilo que tiene su motor en la vocación destructiva del artista. Las persecuciones frenéticas, las carreras y las caídas, las batallas con
tartas de crema o a porrazo limpio, forman parte de un mundo de destrucción del que no escapa nadie. Sennett muestra especial pasión
por la ridiculización del orden establecido, eligiendo como blanco a aquellos que detentan la autoridad. Han pasado a la historia sus
ridículos policías, los Keystone Cops, y sus atractivas bañistas, las bathing beauties. Este modelo cómico propuesto por Sennett recibe
el nombre de slapstick (1), y cada una de las unidades cómicas que lo componen, se llaman gags.
T.H.Ince, D.W.Griffith y Mack Sennett
En 1915, tres firmas independientes se unieron para formar la Triangle Pictures Corp. Cada una de ellas aportó su respectivo director
artístico: Thomas H. Ince, D. W. Griffith y Mack Sennett. Quedaron así ligados los tres creadores que más aportaciones han hecho al
cine norteamericano en unos años decisivos para el nacimiento del séptimo arte.
Amar el Cine: Capítulos 6,7 y 10
Haz clic sobre el botón Pulse aquí para visualizar los capítulos.
Pulse aquí
Para saber más
(1) slapstick
Actividad 2
Visionado:

Visualiza algunas películas para hacerte una idea del cine de Mack Sennett o de los Keystone Cops en
archive.org.También puedes introducir estos términos en cualquier buscador y encontrarás cientos de películas.
Suecia
V.Sjöström, Greta Garbo, M.Stiller
Suecia se incorporó a la producción cinematográfica a partir de 1907, con la productora A. B. Svenska Biografteatern (1). En ella
debutaron en 1912 dos artistas procedentes del teatro, Mauritz Stiller y Victor Sjöström. Ellos conducirán a la cinematografía sueca a
un lugar de excepción en el panorama internacional.
En los primeros años, recibieron influencias de los melodramas mundanos del cine danés pero pronto se inspiraron en la tradición
literaria nórdica, con su carga poética, una influencia temática que podría haberlos conducido a una estética teatral similar a la del Film
d'Art francés. No fue así ya que estos directores buscaron nuevas formas de expresión para poder profundizar en la psicología de los
personajes. Además vieron en los westerns de la Triangle que la naturaleza tomaba protagonismo dentro de la épica del relato, y ellos
la incorporarán como recurso dramático de la narración. La naturaleza, expuesta en toda su grandeza, participa del drama íntimo de los
personajes y juega un papel esencial en el desenlace dramático de los acontecimientos. Un recurso de evidente raíz expresionista que
posteriormente será empleado por Friedrich Wilhelm Murnau.
Actor y realizador, Victor Sjöström, con su crudo realismo, es uno de los grandes del cine. Su obra cumbre fue La carreta fantasma
(Körkarlen, 1921), basada en una obra de Selma Lagerlöff. Además de realizar importantes películas, fue posteriormente mentor de
Ingmar Bergman (realizó su última aparición en 1957 cuando, con 78 años, protagonizó la magistral Fresas salvajes de Bergman). Las
obras de la escuela sueca provocaron en todo el mundo una verdadera conmoción estética. Mauritz Stiller fue el descubridor de una
joven actriz llamada Greta Lovisa Gustavsson, posteriormente conocida como Greta Garbo. Stiller, Sjöström y Garbo, acabarán
marchando a Hollywood en los años veinte.
Fotogramas de La carreta fantasma (Sjöstrom) y La saga de Gösta Berling (Stiller)
Para saber más
(1) A. B. Svenska Biografteatern

De película
Desde aquí puedes acceder a un fragmento de La carreta fantasma.
Actividad 3
Visiona un fragmento de La carreta fantasma u otro filme de Sjöström y observa el uso fílmico de los exteriores y su realismo.
Cine de Posguerra
En la época de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), el cine había superado ya sus primeros veinte años de vida. Habían quedado
atrás los esfuerzos que condujeron a la invención del cinematógrafo, las luchas por su patente, el nacimiento del espectáculo y la puesta
en marcha de la industria. Muchos habrán de incorporarse, a partir de ahora, a la búsqueda de una nueva expresión puramente
cinematográfica, ante la que se abren múltiples caminos a explorar. Las primeras escuelas habían brillado de manera fugaz, para luego
desaparecer. Otras lo harán a partir de ahora.
Cartel y fotogramas de Los Nibelungos y Metrópolis de Fritz Lang
Francia
La guerra supuso un tremendo golpe para la industria del cine francés que era, hasta ese momento, hegemónica en muchos países. Por
contra, fue un periodo de grandes aportes muy ligados a las vanguardias artísticas.

La Escuela Impresionista
Tras la guerra y frente a la hegemonía alcanzada por el cine americano, se hizo necesario volver a levantar la industria cinematográfica
francesa. En este sentido destacó la labor realizada por un grupo de artistas con una profunda formación intelectual, encabezados por
Louis Delluc, teórico, crítico y fundador de varias revistas que, a partir de 1920, se pasa a la dirección. Influido por el cine
norteamericano -y sobretodo por el sueco- opta por un cine psicológico, que intentaba librar a la imagen de la materia, mostrando
visualmente el pensamiento, el alma de los personajes.
Carteles de films de Delluc, L´herbier, Gance y Epstein
En torno a Delluc, surgió un grupo de artistas, próximos en su afán innovador y vanguardista, que rechazaba el cine como una
mercancía para las masas. Era la que será llamada Escuela Impresionista en la que destacaron Marcel L'Herbier (cuya aportación
más destacable fueron los decorados con fuertes influencias del cubismo y el expresionismo en la ambiciosa Línhumaine (1924), Abel
Gance (Vd. Autores) y Jean Epstein que sorprendió por la sutileza con la que se acercó a la realidad social tras unos inicios más
literarios con la brillante La caída de la casa Usher (La chute de la maison Usher, 1928).
Fotogramas de La caída de la casa Usher (Epstein) y Napoleón (Gance)
Abel Gance destacó por una obra ambiciosa y visionaria que exploró nuevos caminos en el cine. Es autor de obras esenciales como la
antibélica Yo acuso (Jáccuse (1), 1919) y la vanguardista La rueda (La roue (2), 1923), que impactó notablemente a sus
contemporáneos. En su desmesurado Napoleón (Napoléon vu par Abel Gance (3) 1923-1927) exploró nuevos caminos expresivos y
técnicos.
Esa confluencia del cine con las vanguardias artísticas de la época se canalizó a través de un nutrido grupo de estudiosos y teóricos,
habituales de los Cine-Clubs, término creado por Louis Delluc, fundador además del primero de la historia, en 1920.
A ese impulso contribuyó Germaine Dulac, teórica de arte, que se inició en 1915 con películas convencionales, pero que será una de
las principales impulsoras del cine Avant-garde con películas que aspiraban a la abstracción y que daban más espacio a sentimientos y

sueños. En 1928 dirigió y montó el considerado primer film surrealista, La coquille et le clergyman, con guión de Antonin Artaud, una
cinta que provocó mucha controversia en los círculos vanguardistas.
Otro teórico, el italiano afincado en París Ricciotto Canudo, empleó por primera vez la expresión "Séptimo Arte", en 1914, en su
Manifiesto de las siete artes (4).
Para saber más
(1) Jáccuse
(2) La roue
(3) Napoléon vu par Abel Gance
(4) Manifiesto de las siete artes
Actividad 4: Lectura
Impresionismo y Expresionismo son términos acuñados para designar sendos movimientos pictóricos, que perdieron casi
completamente su sentido original cuando se trasladaron mecánicamente al cine: si en la plástica habían representado corrientes
estéticas más o menos precisas y filosóficamente opuestas, en el cine terminaron usándose de modo mucho más difuso.
Es así como cuando los historiadores y los críticos de cine hablan de expresionismo, en realidad se refieren a todo el cine mudo
alemán, cuya variedad no alcanza a explicarse sólo por la influencia que efectivamente recibió del expresionismo pictórico. En el
caso francés el uso del término impresionismo se ha dado de manera similar (designa todo o casi todo su período mudo) y es
aún más discutible, porque la influencia de la pintura impresionista sobre los cineastas fue muy acotada.
Desde una perspectiva más amplia, sin embargo, es interesante comparar el cine de Francia y Alemania durante los años de
entreguerras, que fueron tan críticos para la historia política contemporánea como fecundos para la creación cinematográfica. En
ambas cinematografías se encuentran experiencias formales de vanguardia y también la necesidad -opuesta pero
complementaria- de aproximarse a la realidad "tal cual es". Sobre el final de la década del '20, tanto el cine francés como el
alemán se destacaron en el mundo por haber logrado una armonía entre la audacia artística y la producción industrial, dos
rasgos que generalmente se consideran antagónicos pero que no lo fueron en ese momento. En varias ocasiones hubo
colaboraciones entre empresas francesas y alemanas, que se dieron naturalmente por compartir un mismo mercado y porque sus
respectivas estrellas eran populares en ambos países. Por eso es posible ver a la francesa Yvette Guilbert en Fausto de Murnau
o al alemán Francis Lederer en Mamá Colibrí de Duvivier, entre muchos ejemplos posibles que también se prolongan a los
rubros técnicos. A su debido tiempo, las dos cinematografías aprovecharon la llegada del cine sonoro para realizar alegres
musicales, que se diferenciaron de la mayor parte de sus pares norteamericanos porque incorporaron la música a la narrativa (en
lugar de interrumpir una con otra) y procuraron que la cámara conservara la fluidez "musical" que había alcanzado en la última
etapa muda.
Ambos países tuvieron sus propios autores relevantes, que en algunos casos continuaron con éxito sus respectivas carreras en
el cine sonoro y excepcionalmente fueron elevados a la categoría de artistas nacionales, como sucede con Fritz Lang para los
alemanes y Jean Renoir para los franceses. También tuvieron cineastas que quizá no puedan definirse como autores, pero que
sorprenden por la sensibilidad y el oficio con que fueron capaces de poner escena temas muy distintos entre sí y siempre con
eficacia, como fue el caso de Julien Duvivier en Francia y Georg W. Pabst en Alemania.
Por supuesto que hubo también notorias diferencias entre ambas cinematografías. Una forma práctica de advertirlas consiste en
comparar, al menos superficialmente, La pasión de Juana de Arco y Vampyr, los dos films que el danés Carl T. Dreyer filmó en
Francia y Alemania respectivamente. Ambas son obras de similar virtuosismo formal, pero si en una hay emoción, razón y
trascendencia espiritual, en la otra hay angustia, irracionalidad y muerte en vida; si en una importa la zona sobrenatural, interior y
reconfortante que representa la idea de Dios, en la otra lo sobrenatural es siempre ominoso y asume toda clase de formas
exteriores y caóticas; si en una el mal es concreto y lo ejercen los hombres por cuestiones coyunturales de poder, en la otra es
inexplicable y se materializa en un ser monstruoso al que se conjura siguiendo una serie de instrucciones arcanas.

Esas y otras diferencias se fueron profundizando con el devenir político de la década. Lo más parecido a una saga nacional que
tuvo el cine francés de esos años fue la bella Trilogía del puerto de Marcel Pagnol, poblada de amables personajes de provincia
cuya humanidad les hace trascender su condición de arquetipos. En Alemania, en cambio, Hitler exaltaba Los Nibelungos y
estaba cada vez más cerca de transformarse en una versión internacional del Dr. Mabuse, mientras que por esos años Fritz
Lang, el responsable de haber plasmado ambas visiones, prefería tomar la figura de un asesino serial, quitarle las sombras
tranquilizadoras del expresionismo e instalarlo para siempre en la realidad urbana contemporánea. El devenir político profundizó
esa tendencia: Francia, aunque tuvo sus militaristas, fue capaz de proponer La gran ilusión. Alemania, en cambio, prefirió El
triunfo de la voluntad.
En este breve artículo titulado Expresionismo alemán vs. Impresionismo francés Fernando Martín Peña nos acerca al uso de
estos términos artísticos al cine.
¿Conoces la pintura impresionista? Seguro que sí pero, si no es así, echa un vistazo a algunas obras y comenta brevemente en
qué conectan con el uso del término Impresionismo en Literatura o Cine.
De película
Desde aquí puedes acceder a Napoléon vu par Abel Gance.
Movimientos Vanguardistas
En el seno de este ambiente inquieto e intelectual, surgieron a partir de 1920, las primeras vanguardias cinematográficas que, dentro de
la senda abierta por los impresionistas, buscaban formas de expresión más osadas y provocativas. Primero adoptaron la forma de la
abstracción y el geometrismo pero, a partir del manifiesto surrealista de André Bretón (1924), buena parte del cine experimental francés
se incorporó la revolución estética del movimiento. Una de las aportaciones más brillantes al surrealismo (1) cinematográfico fue la del
aragonés Luis Buñuel, que había llegado en 1925 a París y, tan sólo tres años después, dirigía su primer film, Un perro andaluz (Un
chien andalou (2), 1928), una obra fiel al ideario surrealista, producida en colaboración con Salvador Dalí. En 1930, Buñuel escribió y
realizó -ya en solitario- La edad de oro (Láge dór otro hito surrealista.

La passion de Jeanne dÁrc (Dreyer)
Junto a Buñuel, son muchos los artistas extranjeros que pasaron por París. Destacó el danés Carl Theodor Dreyer que realizó en 1928
La pasión de Juana de Arco (La passion de Jeanne dÁrc), una obra clásica del cine mudo, construida con primeros planos dramáticos,
y modelo por la sobriedad en el tratamiento de los hechos. Las versiones a las que podemos acceder son variaciones de la original que
se destruyó.
También en estos años, el cineasta brasileño Alberto Calvacanti realizó una obra importante, en la que ya se vislumbra la vocación
documentalista del autor que, a partir de 1934, habrá de integrarse en la célebre escuela documentalista inglesa.
Además, empezaron a destacar durante los años veinte Jean Renoir y René Clair. Si bien Renoir realizará sus mejores trabajos con la
llegada del cine sonoro, la obra muda de Clair sí que resulta muy representativa del cine francés de estos años. Sus primeras películas
se inscriben dentro del vanguardismo cinematográfico, pero a partir de 1927, con la adaptación al cine del vodevil Un sombrero de paja
de Italia (Un chapeau de paille dÍtalie) la obra de Clair adoptó un inofensivo carácter satírico, con el que retrató a la sociedad burguesa
de su tiempo. A partir de este momento, Clair desarrolló un talento especial para el tratamieno de la farsa, a través de la caricatura, fría y
calculada, de una época y de sus tipos.
René Clair (izq.). Un chapeau de paille dÍtalia (1927)
Amar el cine: Capítulo 11
Capítulo 11: "Movimientos" (10´) Un perro andaluz.
Consulta el PDF Ficha ténica y minutaje para conocer los contenidos completos del capítulo.

Para saber más
(1) surrealismo
(2) Un chien andalou
Actividad 5
Visiona el reportaje de rtve en el programa Días de cine: Homenaje a 'Un perro andaluz'
Alemania
Estudios UFA
Durante la Gran Guerra, el gobierno alemán puso en marcha una empresa de producción cinematográfica, con la que abastecer de

películas propias -y con argumentos propagandísticos propios- a las salas del país. De esta iniciativa surge en 1917, la UFA (Universum
Film A.G.) (1), con espectaculares reconstrucciones históricas de alto costo, alguna de ellas dirigidas por Ernst Lubitsch, que en 1923
marcharía a Hollywood donde daría al cine algunas de las comedias más perspicaces de la historia.
La espectacularidad en las reconstrucciones de los acontecimientos era en buena parte deudora de las grandes puestas en escena de
Max Reinhardt, renovador del teatro alemán de la anteguerra, en cuya escuela se formaron buena parte de los artistas del nuevo cine
alemán.
Para saber más
(1) Universum Film A.G.
Actividad 6
Visiona el reportaje de Día de cine: Centenario de los estudios Babelsberg (UFA)
La Escuela Expresionista
La cinematografía alemana se vio enriquecida con la incorporación de un universo temático y formal procedente de la Escuela
Expresionista (1) , que nació como movimiento pictórico de vanguardia, en Munich, hacia 1910. El expresionismo propuo una
interpretación subjetiva de la realidad que, desde la óptica del artista, se presentaba distorsionada.
El gabinete del Dr. Caligari (1919)
En 1919 El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari (2), Robert Wiene) produjo una ruptura estética, que en el cine
dio forma a un universo de fantasía, poblado por personajes de pesadilla. En esta obra aparecían ya claramente definidas todas las
propuestas formales y temáticas del movimiento expresionista. Los decorados eran de artistas dl grupo Der Sturm y la historia muestra
a Cesare, un médium que, bajo la influencia hipnótica del macabro doctor Caligari, comete una serie de crímenes espeluznantes.
Con esta obra, sus guionistas, Carl Mayer y Hans Janowitz, plantearon una metáfora de difícil interpretación, en la que Caligari sería el
Estado alemán y Cesare representaría al pueblo, arrastrado por sus gobernantes a la guerra. Esta denuncia política desapareció del
guión definitivo con la incorporación al proyecto del realizador Robert Wiene. Éste añadió dos escenas nuevas, una al principio y otra al
final, con las que alteraba de manera decisiva el sentido inicial de la historia, que pasó a ser el relato de un loco. Pero estos cambios
argumentales no limitaban las innovadoras contribuciones plásticas de esta obra:
Una atmósfera inquietante, con decorados de líneas oblicuas, inestable y de proporciones deformadas.
Los actores, con maquillajes y vestuario sorprendentes, estilizando sus movimientos y la interpretación para integrarse en esa
escenografía alucinante.

Falsos efectos de iluminación, pintando luces y sombras sobre los decorados.
Fotogramas de El estudiante de Praga, El Golem y Nosferatu
Paul Wegener y Stellan Ray dirigieron la hermosa El estudiante de Praga (Der studen von Prag, 1913). Paul Wegener y Henrik
Galeen recuperaron con El Golem (Der Golem (3), 1920), una antigua leyenda judía checa; Paul Leni narró en El hombre de las figuras
de cera (Wachsfigurenkabinett, 1924), las macabras visiones de un joven poeta en un museo de cera; Friedrich Wilhelm Murnau
alcanzó las más altas cotas artísticas dentro de este estilo con Nosferatu, el vampiro (Nosferatu, eine symphonie des Grauens (4),
1922), adaptación libre (para no pagar derechos) de la novela Drácula de Bram Stoker. Murnau sustituyó el rodaje en estudio y los
decorados expresionistas por la filmación en exteriores naturales, escogiendo minuciosamente los rincones urbanos y los paisajes. Con
este cambio de elementos fantásticos en un entorno real, Murnau confirió al relato una inquietante veracidad.
La Escuela expresionista mostró predilección por los temas fantásticos, las antiguas leyendas o los oscuros escenarios de terror, una
tendencia que muchos estudiosos reconocen como claro reflejo de la inestable situación política y social que atravesaba la recién
inaugurada República de Weimar.
Fritz Lang (dcha.): Cartel de Los nibelungos y fotograma de Metrópolis
Otra figura importante de esta escuela fue el vienés Fritz Lang que, tras haber estudiado arquitectura y Bellas Artes, aportó al
expresionismo una nueva concepción arquitectónica y monumental que encontró su pleno desarrollo en Los Nibelungos (Die Nibelungen,
1923-24), colosal epopeya germánica en la que se anuncia el renacimiento de un misticismo racial cercano al nazismo. Metrópolis (5)
(1926), su siguiente película, es un relato futurista que presenta una sociedad dividida según su raza en dos estamentos fundamentales:
el de los señores y el de los infrahombres, esclavos que viven bajo tierra, sometidos al poder de las máquinas. Se trata de una narración
bastante confusa ideológicamente en la que un joven burgués, hijo del capitalista, libera por amor a sus obreros de la tiranía de una
maquina, una mujer-robot. El film finaliza con la reconciliación entre capitalismo y trabajo. La autora de este guión y del de Los
Nibelungos fue Thea Von Harbou, esposa de Lang en la época y futura militante nazi, a quien se ha considerado responsable última de
la inclinación ideológica en ambas obras. Al poco estimulante argumento de Metrópolis, Lang incorporó su prodigioso dominio en la
articulación de espacios, volúmenes y claroscuros, aportando a la historia del cine algunas de las imágenes más revolucionarias y
llevando al expresionismo arquitectónico a su más alto nivel artístico en el cine.
Amar el Cine: Capítulos 1, 7 y 11

Pulse aquí
Para saber más
(1) Escuela Expresionista
(2) Das Kabinett des Dr. Caligari
(3)Der Golem
(4) Nosferatu, eine symphonie des Grauens
(5) Metrópolis
De película
Desde aquí puedes ver y/o descargar El gabinete del Doctor Caligari. Disponible en archive.org.
Desde aquí puedes ver y/o descargar Nosferatu, el vampiro. Disponible en archive.org.
Actividad 7
Visionado:
Si aún no las conoces, ahora es el momento de descubrir El gabinete del Dr. Caligari, El Golem, Nosferatu o
Metrópolis. Si ya las conoces, atrévete con otras de las que se nombran.
¿Qué aspectos del cine expresionista han tenido más peso en el cine posterior?
Ampliación:
Visiona los reportajes del archivo de rtve en el programa Días de cine: Luces y sombras del expresionismo
alemán
La Kammerspislfilm
Max Reinhardt y Carl Mayer. Una escena de Kammerspielfilm

Mientras el expresionismo evolucionaba rápidamente con nuevos efectos de iluminación, decorados mas perfectos y, en algunos casos,
escenarios naturales, surgió otra corriente dentro de la escuela alemana, una reacción realista inspirada en las experiencias escénicas
desarrolladas por Max Reinhardt en el Kammerspiel o Teatro de cámara. Se trata del Kammerspielfilm (1), que abandona los temas
fantásticos y los decorados expresionistas, para intentar una aproximación al drama cotidiano de unos personajes sencillos, inmersos en
un espacio reducido, la modesta vivienda, que, sin más atributos, adquiere aquí un carácter claustrofóbico.
Esta propuesta fue impulsada, en gran medida, por la labor del guionista Carl Mayer, cuyos dramas resultaban a veces simplistas y algo
teatrales. Directores importantes se sintieron atraídos por esta corriente del expresionismo, en la que aportaron al cine alemán algunas
de sus más grandes obras cinematográficas.
F.W.Murnau: fotogramas de El último y Fausto
Tal es el caso de F.W. Murnau, que con El último (Der letzte Mann (2), 1924), condujo con talento al cine alemán del expresionismo al
más puro realismo social. Pero además, no dejó de innovar en el lenguaje plástico aportando a la narración la dinámica de una cámara
en constante movimiento, ya fuera a través de travellings subjetivos (atando la cámara al pecho del operador) y travellings circulares o
de movimientos de grúa (ubicando la cámara en el extremo de una escalera de incendios). De este modo, con Murnau, la cámara
quedó definitivamente liberada de su estatismo. Tras Tartufo (Tartüff, 1925), adaptación libre de la obra de Molière, y Fausto (Faust,
1926), Murnau, que se encontraba en el momento más alto de su carrera, abandonó su país y, como tantos otros, marchó a Hollywood.
Para saber más
(1) Kammerspielfilm
(2) Der letzte Mann
De película
Puedes ver desde aquí una secuencia de El último.
Actividad 8
Visonado:
Disfruta del placer de descubrir El último.
Ampliación:
Visiona el reportaje del programa Días de cine: Homenaje a F.W. Murnau

La Corriente Realista
La reacción realista iniciada por el Kammerspielfilm fue ampliamente rebasada por un grupo de cineastas alemanes, de los cuales
destacó George Wilhelm Pabst que realizó Bajo la máscara del placer (Die Freudlose Gasse, 1925) con Greta Garbo y La caja de
Pandora (Die Büchse der Pandora, 1929) con Louise Brooks.
G.W.Pabst: fotogramas de Bajo la máscara del placer y La caja de Pandora
Con estas películas el cine alemán inauguraba una tendencia profundamente realista y polémica, de marcado carácter social, que
además abandonaba definitivamente las últimas reminiscencias de la estética teatral presentes en el expresionismo. Esa corriente
realista quería reflejar las miserias y contradicciones de una sociedad en decadencia, sometida al desequilibrio económico que
atravesaba el país. Así se convirtió el cine en vehículo de transmisión de la realidad social de un momento histórico concreto, primer
paso en la configuración de un cine comprometido social y políticamente. En 1930 filmó la tragedia social Carbón (Kameradschaft) y
adaptó la famosa opereta de Bertolt Brecht La ópera de los tres centavos (Die Dreigroschenoper, 1931).
Si te interesa la obra de Bertolt Brecht y su relación con el cine, ahí van dos interesantes artículos:
Las huellas de Brecht en el cine de Pepe Gutiérrez-Álvarez (Caosenlared.net)
Bertolt Brecht & Charles Chaplin (Miradas de cine)
Bertolt Brecht
Lee y comenta alguno de los dos artículos, señalando que aspectos te parecen más interesantes de la relación de Brecht con el
cine.
De película

Puedes ver y/o descargar en Archive.org Die Freudlose Gasse.
Cine Soviético
Los primeros años tras la revolución soviética (1917) dieron lugar a una de las escuelas más brillante de la historia del cine y a algunos
de los autores que más han marcado el desarrollo del cine.
Cartel de Acorazado Potemkin, Serguéi M. Eisenstein, 1925
El Cine Prerrevolucionario
La producción de la Rusia prerrevolucionaria es poco valiosa. En 1896, Moisson y Doublier, operadores de la casa Lumière, rodaron
La coronación del zar Nicolás II (Le couronnement du tsar Nicholas II). Pronto llegaron hasta Moscú y San Petersburgo las sucursales de
la casa Pathé pero no será hasta 1907 cuando se abrirán las primeras productoras nacionales de importancia.
En 1917 estalló la revolución de Octubre, constituyéndose un gobierno presidido por Lenin, que derivó rápidamente hacia un régimen de
partido único. Se hizo necesaria, entonces, la aplicación de un instrumento que pudiese llegar de forma masiva a todo el pueblo, en su
mayoría analfabeto. Tal vez fuese Lenin el primer dirigente que expresó de forma explícita el potencial que los políticos verían en el cine
cuando afirmaba en 1922 que "de todas las artes, el cine es para nosotros la más importante" . De hecho, régimen soviético impulsó una
vigorosa industria fílmica dentro de la URSS. El 27 de agosto de 1919 ya había firmado el decreto de nacionalización de la industria
cinematográfica, en virtud del cual esta actividad, junto con la radio, pasaba a depender del comisariado de Educación del Pueblo
(Anatoli Lunacharski). Y al mes siguiente se creó en Moscú la Escuela Cinematográfica del Estado (G.I.K.). De este esfuerzo
surgieron artistas tan importantes como Eisenstein, Kulechov, Pudovkin, Dziga Vertov o Dovjenko.
El Cine Postrevolucionario

Kuleshov: Aventuras Mr.West y El rayo de la muerte
En los años que siguieron a la revolución, la escuela soviética dio muestras de una gran autonomía en su personalidad debido en parte
a la dificultad y retraso con que llegaban las influencias exteriores. Inmersos en una atmósfera vanguardista, producto del clima post-
revolucionario, un grupo de jóvenes creadores aportó una nueva y revolucionaria dimensión a la expresión cinematográfica. Lev V.
Kuleshov, joven cineasta y profesor del Instituto de Cine, inauguró en 1921, el Laboratorio Experimental. Allí realizó diversos
experimentos encaminados a demostrar el poder del montaje en el cine. Algunos de ellos serán incorporados, con el paso de los años, a
todos los manuales de técnica cinematográfica. Kuleshov realizó numerosas películas entre las que destaca la simpática sátira Las
aventuras extraordinarias de Mr. West en el país de los Bolcheviques (Neobychainye priklyucheniya mistera Vesta v strane bolshevikov,
1924).
También, en esta línea vanguardista, se enmarcan los trabajos experimentales de la FEKS (Fábrica del Actor Excéntrico) fundada en
1922. Inspirada en los movimentos escénicos más innovadores y en los recursos del circo y del Music-hall, propone un cine de carácter
burlesco emparentado con la Commedia dell'Arte italiana.
Vertov: Cine-Ojo
En estos años, también sobresale la obra del cineasta judío de origen polaco Dziga Vertov. Trasladado muy joven a Moscú, se convirtió
en uno de los grandes documentalistas de la historia del cine. Vertov estaba muy ligado a los movimientos artísticos de vanguardia,
como el constructivismo y el suprematismo de Kasimir Malevich. Sus propuestas en el cine fueron revolucionarias, eliminando los
recursos artificiosos, el guión, los actores, la iluminación artificial y los decorados. Él se propuso captar la realidad y se hizo célebre con
el movimiento "Cine-ojo" y con el noticiario "Cine-verdad" (Kino-Pravda), en los que aplicaba sus teorías (1), y con los que influyó de
forma permanente en la teoría y la práctica del cine documental.
Para saber más
(1) Dziga Vertov y la realidad arrancada a través del cine por César de Vicente Hernando. Disponible en DiagonalWeb,
Miércoles 8 de junio de 2011. Número 151 Número 152
Actividad 10

Puedes visionar en el archivo de rtve los siguientes documentales del programa Días de cine:
Vanguardia soviética.
Dziga Vertov y el Cine-Ojo (Kino-Glaz).
Etapa de Madurez
A estas interesantes propuestas teóricas y experimentales, se unió pronto la innovadora labor de un grupo de jóvenes artistas que
llevaron al cine soviético a su etapa de madurez, imponiéndose como una de las cinematografías más avanzadas del mundo. El más
importante de esos realizadores fue Sergei M. Eisenstein (Vd. Autores) autor de varias de las obras más trascendentes de la historia
del cine desde El acorazado Potemkin (Bronenósets Potyomkin, 1925) hasta Iván el Terrible (Ivan Groznyy, 1945).
Fotogramas de La huelga y La fiebre del ajedrez
Otra figura relevante es Vsevolod I. Pudovkin (Vd. Autores) con su trilogía revolucionaria que abre la adaptación de la obra de Gorki
La madre (Mat´ (1), 1926) y cierra con Tempestad sobre Asia (Potomok Chingis Khana, 1928).
Tanto en las películas de Pudovkin,como en las de Eisenstein se impone una revolución común, la del montaje, aplicado hasta sus
últimas consecuencias, y la de sus imágenes, llevadas al límite del realismo. En este aspecto, se puede decir que con la escuela
soviética, el montaje alcanza su madurez.
Alexander Dovzhenko: Fotogramas de La tierra
Alexander Dovzhenko cerró su trilogía ucraniana con la lírica y hermosa obra maestra La tierra (Zemlya, 1930), una visión
conmovedora de la vida campesinas que supera la propaganda política. Ésta película, con elementos como la conexión de imágenes sin
relación directa con el argumento y su lenguaje poético, ha influido en muchos directores.
Amar el Cine: Capítulos 3, 6 y 11

Pulse aquí
Para saber más
(1) Mat´
De película
Puedes ver y/o descargar El acorazado Potemkin . Disponible en Archive.org
Estados Unidos
Durante los años de la Primera Guerra Mundial, la producción cinematográfica norteamericana alcanzó su pleno desarrollo,
convirtiéndose en una de las industrias más prósperas del país; cuando el conflicto alcanzó su fin en 1918, Estados Unidos se
encontraba a la cabeza del mercado cinematográfico mundial.
Los 10 mandamientos de Cecil B. de Mille
El Star-System
Durante los años de la Primera Guerra Mundial, la producción cinematográfica norteamericana alcanzó su pleno desarrollo,
convirtiéndose en una de las industrias más prósperas del país; cuando el conflicto alcanzó su fin en 1918, Estados Unidos se
encontraba a la cabeza del mercado cinematográfico mundial. En esta situación, los presupuestos de las películas aumentaron de
manera considerable y, con el fin de minimizar los riesgos, se generalizó la aplicación de los modelos organizativos desarrollados por
Adolph Zukor en la Paramount.

Rodaje en la Metro (La Boheme, 1926)
Sin embargo, buena parte del éxito de una producción dependía de la popularidad de los actores y actrices que participan en ella, y uno
de los trabajos más importantes será su promoción. Se dice que fue D.W. Griffith quien empezó a firmar sus películas y a colocar a los
actores en los títulos de crédito. Gracias a esa iniciativa, los actores comenzaron a ser conocidos, generándose una demanda por parte
del público. Así aparece en la nueva industria el Star-System. Gloria Swanson, Louise Brooks, Claudette Colbert y Greta Garbo
fueron estrellas de esta época, junto a los grandes cómicos. Ya en los años 20 aparecieron también el sistema de estudios (studio
system), siguiendo el modelo de Irving Thalberg en la Metro, y el cine de géneros cinematográficos.
En 1922, las principales empresas se agruparon en torno a la Motion Picture Producers & Distributors of America Inc., organismo
encargado de establecer una normativa que articule el funcionamiento interno de las empresas y sus relaciones. Pero el presidente de
esta asociación, el ex-senador republicano Will H. Hays, irá más allá en el desarrollo de sus funciones y redactará un célebre código
moral, el Código Hays (1), al que se verá sometida la industria de Hollywood a partir de 1930.
Amar el Cine: Capítulo 4
Capítulo 4: "Las estrellas de la pantalla".
Consulta el PDF Ficha ténica y minutaje para conocer los contenidos completos del capítulo.

Para saber más
(1) Código Hays
Actividad 11
Visiona el reportaje de rtve en Días de cine: Homenaje a Greta Garbo
Las Superproducciones
En los años 20, la joven industria norteamericana vivía su mejor momento, lo que le permitió hacerse con algunos de los más reputados
profesionales europeos, sobre todo alemanes. Antes de que esto ocurriese, la influencia del cine alemán y de las grandiosas
reconstrucciones históricas de Ernst Lubitsch, alcanzaron los Estados Unidos, donde comenzaron a producirse películas
espectaculares de alto costo como El ladrón de Bagdad (The Thief of Bagdad, Raoul Walsh, 1924) o Ben Hur (Fred Niblo, 1926).
Los diez mandamientos (De Mille)
Cecil B. De Mille fue el cineasta que llevó este género grandilocuente al límite de sus posibilidades con la producción de una serie de
obras adaptadas de la Biblia. La primera fue Los diez mandamientos (The Ten Commandments, 1923), pieza que volverá a versionar
con gran éxito en 1956. También son los años del western, género en el que comienza su carrera el director John Ford, y, sobre todo,
de la escuela cómica norteamericana, que inaugurara Mack Sennett antes de la guerra, y que, en ese momento, se encontraba en
plena madurez, con figuras de la talla de Buster Keaton, Harold Lloyd o Stan Laurel y Oliver Hardy (conocidos como "El gordo y el
flaco" (1)) y, por supuesto, el genial Charles Chaplin (Ver detalles en el apartado Autores).
Buster Keaton
El original Buster Keaton trasciende lo cómico con sus extraordinarios gags de particular carga poética. Se trata de un realizador y actor
magnífico que mostró su inocente perplejidad ante la grotesca crueldad del entorno,en obras maestras como El maquinista de la
General (The General, 1927), The Cameraman (1928), The Navigator (1924), y muchas otras.
Por otro lado, surgió en estos años un cine americano que, al igual que la literatura del momento, adoptó un estilo directo, tomado de la
crónica periodística. Ejemplo de ello fue la obra de King Vidor, entre la que destaca la película Y el mundo marcha (The Crowd, 1928),

retrato de la realidad social norteamericana del momento, en el que un modesto empleado trata, inútilmente, de ascender en la escala
social.
Lois Weber es la única directora en la época muda y una de las más importantes del cine americano, ya que sus obras no desmerecían
de las de sus colegas. Sin embargo, se vio obligada a hacer cine independiente. Hypocrites (1915), Too Wise Wives y The Blot, ambas
de 1921, son muestras de su calidad, con caracterizaciones y una preocupación por los detalles en el estilo que anticipaba a directores
posteriores como Bergman o Altman.
Fotograma de The crowd (Vidor) y Lois Weber con un cartel de The Blot
Amar el Cine: Capítulos 8 y 10
Pulse aquí
Para saber más
(1) El gordo y el flaco
De película
Puedes acceder a El ladrón de Bagdad en Archive.org.
Puedes acceder a algunas películas de Buster Keaton en archive.org.
Ampliación: Alberti y la comedia americana
Rafael Alberti , como otros intelectuales del 27, era un gran aficionado al cine, especialmente al cine cómico americano. El libro
de Alberti Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos es un recorrido mágico por los actores del cine cómico
estadounidense. El título del libro se lo da José Bergamín.

Yo era un tonto... llena también sus páginas con otros actores que al público de hoy le resultan prácticamente desconocidos. Es
el caso de Larry Semon, Ben Turpin, Louise Fazenda o Harry Langdon. "Entre esos actores que hoy casi nadie recuerda está
Charles Bowers, un personaje aparentemente muy sencillo, el pequeño burgués sin aspiraciones que inventa una máquina para
que los huevos no se rompan y otras por el estilo. No hay referencias de él en ese momento en España. Posiblemente Alberti vio
a este actor en Francia" (Utrera).
Al apostar por estos actores cómicos, Alberti se hacía eco de los vientos que soplaban en la Residencia de Estudiantes y que
tanto influyeron en el cine de Luis Buñuel, la pintura de Salvador Dalí o la literatura del 27. "Para los escritores jóvenes de esa
época, había dos grandes bloques bien diferenciados en el cine. El propio Buñuel los delimita. En un bloque estaban las grandes
películas como Metrópolis, de Fritz Lang, o Napoleón, de Abel Gance. Frente a esas películas, Buñuel dice que ellos prefieren la
delicadeza y la sencillez de las películas de Charlot, Buster Keaton, Harry Langdon y todos los demás actores cómicos", recalca
Utrera.
Puedes encontrar esta información y más sobre la obra de Alberti y su relación con el cine en el libro de Rafael Utrera Poética
cinematográfica de Rafael Alberti, Sevilla, Fundación El Monte, 2006.
Puedes leer uno de los poemas de ese libro haciendo clic en Pulse aquí.
Pulse aquí
Actividad 12
Repasa alguna de las películas de Buster Keaton que puedes encontrar en De película y señala algún aspecto que te haya
llamado la atención.
Europeos en Hollywood
Carteles films Lubitsch, Sjöström, Murnau y von Stroheim
El cine romántico también alcanzó relevancia, sobre todo con la figura de Greta Garbo que llegó a Hollywood procedente de Suecia,
junto con los más importantes directores de aquella cinematografía: Mauritz Stiller y Victor Sjöström. Sjöström realizó, entre otras
películas importantes, la obra maestra, El viento (The Wind, 1920).
Pero frente al éxito de la Garbo, tanto Stiller como Sjöström, al igual que muchos otros cineastas llegados de Europa, hallaron gran
dificultad a la hora de abordar una producción de calidad en el seno de una industria que priorizaba la rentabilidad económica y que se
regía por un sistema de producción en cadena.

El "toque" Lubitsch
Otros europeos, como los alemanes Ernst Lubitsch y F.W. Murnau y los austríacos Josef von Sternberg y Erich von Stroheim,
realizaron algunas de las obras más importantes del cine americano de estos años. A Lubitsch se debe el comienzo de la alta comedia
americana, que basa su acción en ligeros enredos resueltos con genialidad, el llamado "toque Lubitsch". Lubitsch marcará un estilo
propio de comedia fina, humor discreto, sabia ironía y excelente puesta en escena. El desfile del amor (The Love Parade, 1929), Una
hora contigo (One Hour with You, 1932) o La viuda alegre (The Merry Widow, 1934) son algunas de sus comedias más populares de
esta etapa.
Por su parte, Murnau llegó a Hollywood precedido por el prestigio de su obra alemana, lo cual le permitió afrontar sus proyectos con
bastante libertad. En su película americana más reconocida, Amanecer (Sunrise, a song of two humans (1), 1927), Murnau incorporó
de forma coherente, dentro de un universo plástico dotado de fuertes connotaciones pictóricas, tanto elementos procedentes de su
experiencia artística previa en la Escuela expresionista alemana, como del más puro realismo americano. Murnau murió
prematuramente, aunque antes logró finalizar una última obra maestra realizada en los archipiélagos de Polinesia y que se inscribe
dentro del género documental: Tabú (1930).
El austríaco Josef Von Sternberg, inauguró el género de cine de gansters con La ley del hampa (Underworld, 1927). Sternberg
aporta, al tratamiento de la historia y de los personajes, un preciso análisis de tipos y del entorno social en el que se mueven, y una
visión romántica de la rebeldía, próxima al anarquismo, que no abandonará a lo largo de toda su filmografía.
Poster La ley del hampa y fotograma de La reina Kelly
En esta misma línea realista, destaca la obra de Erich von Stroheim, que muestra, desde una óptica personal, un universo decadente
y perverso, y analiza los aspectos más bajos de la condición humana. Esta actitud moral de Stroheim ante los acontecimientos narrados
está presente de forma manifiesta en toda su obra, especialmente en Esposas frívolas (Foolish Wives, 1921), en Avaricia (Greed, 1923)
y en La reina Kelly (Queen Kelly, 1928), que no llega a finalizar y que supone, además, el fin de su carrera como realizador. Y es este
posicionamiento moral el que habrá de depararle el rechazo de parte de la profesión, de la crítica y, por supuesto, de los censores.
Pulse aquí

Para saber más
(1) Sunrise
De película
Puedes acceder a Sunrise en Archive.org
Puedes ver desde aquí un fragmento de La ley del hampa (en inglés).
Actividad 13
Investiga un poco sobre qué es lo que se llama "toque Lubitsch".
Autores
En los apartados anteriores ya hemos mencionado a algunos de los autores más destacados del Cine Mudo. Ahora vamos a fijarnos
con más detalle en algunos de ellos:
David Wark Griffith.
Abel Gance.
Vsevold Pudovkin.
Sergei Mikhailovich Eisenstein.
D.W. Griffith
Charles Chaplin

Chaplin y Charlot
Sus Inicios
Miembro de una humilde familia de actores, la infancia de Charles Chaplin (1889–1977) transcurrió en los escenarios londinenses, a los
que se incorporó como actor infantil con tan sólo cinco años de edad. Esta primera etapa de su vida estuvo marcada por la miseria, a la
que puso fin su entrada en la importante compañía de pantomima de Fred Karno, en la que perfeccionó sus conocimientos artísticos,
alcanzando gran prestigio como actor cómico. Las giras que realizaba la compañía por Estados Unidos le permitieron entrar en contacto,
en 1913, con el productor y director de la Keystone, Mack Sennett, con quien firmó su primer contrato en Hollywood.
Su Incorporación en Hollywood
En esta nueva etapa, Chaplin añadió a su vocación de intérprete la de escritor y director, labor que ya realizaba en la gran mayoría de
las películas de estos primeros años, en los que comenzó a tomar forma su célebre Charlot, el vagabundo romántico, de buenos
modales y cierta picaresca, cuya trascendencia radica en la dimensión humana que Chaplin incorporó al personaje, ausente en la
mayoría de los tipos cómicos de las Keystone comedies.
Su Filmografía
Entre los cortometrajes que realizó durante estos años, destacan Vida de perro ( A Dog's Life, 1918), ¡Armas al hombro! (Shoulder
Arm's!, 1918), Día de paga (Pay Day, 1922) y El peregrino (The Pilgrim, 1922).
Algunas escenas de los cortos de Chaplin
En 1921, realizó su primer largometraje (50 minutos), El chico (1) (The Kid), que evoca la pobreza de sus años de infancia en Londres,
pero que supone ante todo una evolución del universo del autor, con la incorporación del elemento trágico a sus comedias.
Gracias al éxito de El chico, Chaplin fundó, en 1923, con el actor Douglas Fairbanks, la actriz Mary Pickford y el director David Wark
Griffith, máximas figuras artísticas del Hollywood de aquellos años, la productora United Artists, para la que realizará su siguiente
película, Una mujer de París (A Woman of Paris, 1923), en la que Chaplin no participó como actor. Se trata de una obra capital de la
historia del cine, considerada por muchos críticos como la primera muestra de cine psicológico y primer estudio realista de costumbres.
Debido al vigor que imprime a la narración y a sus hallazgos visuales, Una mujer de París colocará a Chaplin entre los más grandes
realizadores del momento, sin embargo, la película fue un completo fracaso comercial.

Escenas de: El chico (izq.), La quimera del oro (centro) y Luces de la ciudad (dcha)
Debido precisamente a este fracaso, en sus siguientes películas, La quimera del oro (2) (The Golden Rush, 1925) y El circo (The Circus,
1928), Chaplin volvió a encarnar a su célebre vagabundo.
El éxito de estas producciones le permitió abordar sus siguientes obras desde la más absoluta libertad temática y creativa. En Luces de
la ciudad (City Lights, 1931), realizó un amargo retrato de las injusticias sociales; en Tiempos modernos (Modern Times, 1936), última
película muda del autor, con banda musical y efectos sonoros, propuso una sátira tragicómica en torno a la deshumanización del
sistema capitalista y de la mecanización del trabajo; y El gran dictador (The Great Dictator, 1940), nueva sátira política en la que Chaplin
se enfrentó a las dictaduras nazi y fascista. La actitud valiente y combativa que adoptó el autor en estas obras seguirá presente en
Monsieur Verdoux (1946), una lúcida farsa sobre la frágilidad de la moral, inspirada en un argumento de Orson Welles.
Escenas de: Candilejas (izq.), Rey en N.York (centro) y Condesa de Hong-Kong
Su postura crítica no fue bien vista desde el Comité de Actividades Antiamericanas, que le llamó a testificar. En esta situación,
Chaplin abandonó definitivamente los Estados Unidos, en 1952, para realizar en Inglaterra sus siguientes películas: Candilejas
(Limelights, 1952), melodrama sentimental con cierto carácter autobiográfico; Un rey en Nueva York (A King in New York, 1957), en la
que arremetía contra el Comité de Actividades Antiamericanas; y, su última película, en la que además interpreta un pequeño papel de
camarero, La condesa de Hong Kong (The Countess from Hong Kong).
Para saber más
(1) Estephen M. Weissman: Chaplin: a life. www.ChaplinALife.com © 2008 All Rights Reserved.[consultado 17/04/2012]
(2) The Kid
(3) The Golden Rush
De película
Puedes acceder desde aquí a The Gold rush
Recomendación
Visiona el reportaje de Días de cine
'Luces de la ciudad', 80 años

Actividad 10
¿Por qué el hombrecillo de Chaplin ha sido el personaje más universal del cine?
David Wark Griffith
D.W. Griffith con Fairbanks, Pickford y Chaplin
Cuando David Wark Griffith (1875-1948) comenzó su producción de películas, el cine se encontra dando aún sus primeros pasos.
Apenas habían transcurrido veinte años desde que los hermanos Lumière estrenaran su Tren llegando a la estación en el salón Indien
de París. Y aunque las salas de exhibición se nutrían de un elevado número de pequeñas producciones, el cine no pasaba de ser
considerado una atracción menor, un divertimento sin más valor en sí mismo. El reto entonces era proporcionarle una dimensión artística
y comercial que pudiese ponerle al mismo nivel que otros espectáculos de la época. Griffith es el artífice en la consecución de estos
objetivos.
Comenzó como actor en compañías de teatro e hizo sus pinitos como escritor antes de llegar al cine. Conoce bien el melodrama teatral y
las novelas victorianas (Dickens) y naturalistas (Zola, Tolstoi) así como los recursos y trucos del teatro itinerante. Entre 1908 y 1912 rodó
casi quinientas películas para la Biograph.
David Wark Griffith
En esas primeras obras se aprecia parte de estas innovaciones narrativas:
Los argumentos repiten el esquema de una familia burguesa amenazada por un peligro que acaba superándose para restablecer
el orden.
Hace uso ya con cierto criterio de recursos como el flash-back y el acercamiento del punto de vista de la cámara a la acción
(planos medios y primeros planos).
Utiliza la iluminación con fines dramáticos, panorámicas, Travellings, decorados naturales, fundidos, apertura y cierre
de objetivo, Flou, sobreimpresiones, variadas formas de Raccord a través de objetos, miradas y gestos, con la colaboración
inestimable de su operador de cámara Billy Bitzer.
Los catchs (recortes en negro dentro del plano) y los desenfoques creativos.
El uso intencional de la profundidad de campo.

Y la técnica del montaje paralelo, con la que hace coincidir dos acciones en pantalla, alternando a través del montaje de planos
de cada una de ellas, hasta que finalmente ambas acciones confluyan en una acción única (generalmente el rescate de alguna
víctima inocente). Consiguió tal perfeccionamiento en esta técnica que a partir de entoncés este tipo de montajes pasaron a
conocerse como "salvamento en el último instante de Griffith" (Griffith´s Last Minute Rescue).
Griffith rodando y fotograma del El nacimiento de una nación
En 1915 dirigió El nacimiento de una nación (The Birth of the Nation) considerada como el despegue del cine con relación al teatro
filmado, debido fundamentalmente a que:
En ella Griffith consigue sistematizar y dar coherencia a todos los elementos narrativos que antes se habían utilizado de forma
más o menos ocasional.
Construye un lenguaje propio, sólido y eficaz.
Fija unas convenciones que la gramática fílmica no perderá ya nunca.
Además, la película -que trata de la relación entre dos familias rivales en la Guerra de Secesión americana- sitúa al cine dentro del
aparato industrial, por el alto presupuesto con el que contó el film (115.000 dólares de la época que sirvieron, entre otras cosas, para
mover a más de 15.000 personas), por la insólita duración del film para la época (2 horas y 45 minutos) y porque su estreno llevó
aparejado un espectacular éxito de público, aunque también fue causa de escándalos y críticas por su sesgo racista.
Un año más tarde dirigió Intolerancia (Intolerance (1)) en la que colaboraron von Stroheim, Browning, Fleming...) donde tiró la casa por
la ventana elevando el presupuesto a la increíble cantidad de dos millones de dólares (de 1916), que invirtió en colosales decorados y
en la contratación de miles de extras. El argumento, basado en la intolerancia de la que ha hecho gala la humanidad a lo largo de los
tiempos, se estructuró en cuatro episodios que recreaban distintas épocas y geografías. Para aglutinar la disparidad histórica de los
cuatro episodios, Griffith introdujo un motivo poético que evocaba unos versos de Walt Whitman, "Endlessly rocks the Cradle/Uniter of
here and hereafter".
Sin embargo, Intolerancia resultó un enorme fracaso comercial. Ni el público ni la crítica (salvo los directores rusos, a los que la película
influyó notablemente algún tiempo después) se mostraron dispuestos a asumir con naturalidad los entresijos simbólicos de la nueva
propuesta de Griffith. Visto desde hoy, sin embargo, el film reúne de nuevo lo mejor de su repertorio narrativo, con una eficacia tan
contundente, sino más, que la mostrada en El nacimiento de una nación.
Griffith, como muchos otros directores, se lanzó a la aventura de crear sus propias productoras. Así, en 1915, participó junto a Ince y
Sennett en la Triangle Pictures, que tuvo una vida muy corta.
Poco despues, en 1919, Griffith fundó junto a Douglas Fairbanks, Mary Pickford y Charles Chaplin, la productora United Artists (con
lo que reivindicaba el status del director como estrella).

Fotogramas de Intolerancia y Lirios rotos
Sus siguientes largometrajes -entre los que destaca Lirios rotos (Broken Blossoms , 1919)- tendrán cada vez menos éxito. En 1930 rodó
su primer film sonoro, Abraham Lincoln (D. W. Griffith's 'Abraham Lincoln ). Totalmente arruinado, sus bienes fueron subastados en 1935
y sólo él mismo pujó por los derechos de sus películas.
Para saber más
(1) Intolerance
De película
Puedes acceder a Intolerance en Archive.org
Puedes ver otras películas de D.W. Griffith en su página de IMDB.
Actividad 13
A través de los enlaces que te proporcionamos visona alguna película de Griffith. Señala los aspectos técnicos que más te han
llamado la atención en ellas.
Lee el trabajo de Daniel Narváez La visión cinematográfica de D. W. Griffith .
¿Crees que puede prescindirse el fondo moral y político de una película a la hora de valorarla?
Intenta citar alguna película que te guste aunque rechaces las ideas que transmite.
Pulse aquí

Abel Gance
Abel Gance y carteles de sus principales filmes
De Abel Gance (1889-1981), el más inquieto del grupo francés de la Escuela Impresionista, destaca su obra tremendamente ambiciosa
y visionaria. Calificado por algunos de grandilocuente, pedante y melodramático, su obra ha sido reivindicada por realizadores
posteriores como Kurosawa o Coppola. Son innegables sus aportaciones en la búsqueda de nuevos recursos con los que construir un
nuevo lenguaje cinematográfico que le sitúan entre los grandes constructores de la sintaxis fílmica junto a Griffith, los expresionistas y
los soviéticos.
Su alegato contra la guerra Yo acuso (Jáccuse (1),1919) tuvo un enorme éxito internacional y Gance fue incluso a Estados Unidos a
presentarla ante un público en el que estaban Griffith y las hermanas Gish. En La rueda (La roue (2), 1923), tragedia del ferroviario
Sísifo, Gance potencia, en un fragmento antológico, los recursos del ritmo y del montaje corto, utilizado antes por Griffith en Intolerancia,
para componer una autentica sinfonía visual, compuesta por breves imágenes que acompañan a la locomotora en el recorrido
interminable de su trayecto.
Fotogramas de La roue (1923)
Con Napoleón (Napoléon vu par Abel Gance (3) 1923-1927), Gance fue más allá aún en su exploración del universo de las imágenes,
utilizando recursos experimentales tremendamente innovadores, como la asociación de ideas a través de la sobreimpresión de varias
imágenes en la pantalla, el tríptico o pantalla triple (que él llamó Polyvision (4)) que, por su mayor superficie horizontal, le permitía
desplegar sus escenas más grandiosas en una inmensa panorámica. También empleó cámaras muy ligeras ubicadas en lugares
insospechados, como en un caballo al galope o en un proyectil disparado al aire. Los encuadres obtenidos resultaron espectaculares.
Fotograma de Napoleón

Fotogramas de Napoleón en Polyvision
Innovador impenitente, en 1934 sonorizó el film con un procedimiento que puso a punto con André Debrie y que ellos llamaban
"perspectiva sonora", que era un antecedente del sonido estereofónico. En 1937 investigó con el óptico Pierre Angénieux el
"pictógrafo", para sustituir los decorados reales por maquetas o fotos (y se dice que trabajaba con imágenes virtuales antes de su
muerte en 1981).
Sin embargo, tras el fracaso de su primer filme sonoro, La fin du monde (1931), una historia de ciencia-ficción, la carrera de Gance -que
se prolongó hasta los años sesenta- fue irregular, aunque hoy es reivindicada por un sector de la historiografía. En la carrera posterior
de Gance, destacan sus ambiciosas producciones Austerlitz (1960) y Cyrano et d’Artagnan (1963). Dejó varios proyectos sin realizar
como su saga inconclusa sobre Napoleón y una producción épica sobre la vida de Cristo que habría llevado el nombre de La Divine
Tragédie, para la que no encontró financiación.
Abel Gance fue un gigante del arte cinematográfico, un genio creador de obras maestras que inspiraron a varios cineastas de
generaciones posteriores.
Pulse aquí
Para saber más
(1) Jáccuse
(2) La roue
(3) Napoléon vu par Abel Gance
(4) Polyvision
De película
Desde aquí puedes acceder a Napoléon vu par Abel Gance .
Vsevold Pudovkin

Pudovkin y carteles de sus principales films
Procedente del Laboratorio Experimental de Lev Kuleshov, el ruso Vsévolod I. Pudovkin (1893-1953) debutó con un corto cómico, La
fiebre del ajedrez (Chakhmatnaïa goriachka, 1925), y algunos documentales. En 1926 inició su trilogía revolucionaria compuesta por La
Madre (Mat´(1), 1926), versión libre de la famosa novela de Máximo Gorki, El fin de San Petersburgo (Konets Sankt-Petersburga, 1927)
y Tempestad sobre Asia (Potomok Chingis Khana (2), 1928).
El tema recurrente de las tres películas es la toma de conciencia revolucionaria por parte de una persona corriente que, ante los
acontecimientos, acaba comprometiéndose y teniendo un comportamiento heroico: en La Madre es una mujer del pueblo, en El fin de
San Petersburgo un joven campesino y en Tempestad sobre Asia un cazador mongol.
Fotogramas de La madre y El fin de San Petersburgo
Pudovkin se detiene más en el drama íntimo de los personajes, frente al cine de masas de Eisenstein. La complejidad de la construcción
de sus argumentos, y su prodigiosa puesta en escena era posible gracias al uso de unos "guiones de hierro" que Pudovkin preparaba
minuciosamente.
Utilizaba magistralmente el montaje, pasando de lo coral a lo íntimo, como una concepción sinfónica, en la que alternaba, por medio de
las acciones paralelas, los relatos individuales con los grandes temas colectivos. A diferencia de Eisenstein, sus metáforas son mas
realistas, en este sentido se acerca más a Griffith. Para Pudovkin el montaje se establecía a priori, es decir, en el guión escrito, mientras
Eisenstein defendía el valor del montaje a posteriori (aunque dibujaba previamente completos storyboards), utilizado para acentuar
mediante el choque de imágenes todos los conflictos. En sus películas sonoras Pudovkin indagó sobre el valor del sonido como
contrapunto.
Un grave accidente de automóvil - que costó la vida a su guionista Nathan Zarkhi- le alejó del cine hasta que la segunda Guerra
Mundial le llevó a movilizarse, junto a Eisentein y Gerasimov, para rodar varias películas patrióticas. Tras la guerra tuvo algunos
problemas con la censura estalinista pero nunca abandonó la URSS ni su militancia comunista. Viajó por Europa y la India y filmó su
última película en 1952, El regreso de Vassili Bortnikov (Vozvrachtchenie Vassilia Bortnikova). Falleció un año más tarde a causa de un
infarto en Riga.
Fotogramas de Tempestad sobre Asia

Para saber más
(1) Mat´
(2) Potomok Chingis Khana
De película
Puedes acceder a La Madre en Archive.org. Subtítulos en italiano.
Actividad 15
Si te ha interesado lo que has leído sobre el cine soviético y aún no la conoces, ahora es un buen momento para visionar La
madre u otro film de Pudovkin o Dovzhenko.
Sergei Mikhailovich Eisenstein
Carteles de los principales films de Eisenstein
Valor Social y Político de su obra
La obra de Sergei M. Eisenstein (1898-1948) va ligada a los diferentes conflictos bélicos y revolucionarios que marcaron su biografía.
Así se define toda su obra, enmarcada entre el resurgimiento obrero narrado en La huelga (Stachka, 1924), su primera obra, y la agitada
vida del zar Iván IV, narrada en las dos partes de Iván el Terrible (Ivan Groznyj (1), 1943-1945).
Entre ambas obras Eisenstein realizó El acorazado Potemkin (1925), Octubre (Oktyabr', 1927) -ambas sobre los conflictos
revolucionarios rusos-, La línea general (Generalnaïa Linïa, 1929) -rebautizada como Lo viejo y lo nuevo-, sobre las ventajas de la
colectivización agraria, ¡Que viva México! (2) (Da zdravstvuyet Meksika!, 1931), obra inacabada sobre la revolución mexicana y
Alexander Nevski (Aleksandr Nevskiy, 1938), una epopeya sobre el príncipe ruso que se opuso a la invasión de las tropas teutonas en
el siglo XIII, pero además dejó algunos proyectos inconclusos como La pradera de Bejín.
El componente político de sus películas, realizadas para la propaganda oficial, demuestra la importancia que concedieron al cine, por
primera vez en la historia, los mandatarios de un régimen. En una época en la que la mayor parte de la población era analfabeta, las
autoridades soviéticas querían difundir una filmografía nacional que generase una conciencia colectiva acorde con sus planteamientos.
Una circunstancia inherente al cine desde sus inicios y que jamás abandonaría ya.

Fotgramas de ¡Qué viva México!
Valor Cinematográfico de su obra
La obra de Eisenstein es esencial por sus inimitables aportaciones al lenguaje, especialmente las derivadas de su peculiar uso del
montaje. Eisenstein, planteó las combinaciones de planos como conflictos que generasen respuestas emocionales en el espectador
(montaje de choque). Una vez conseguido el choque emocional, se producía la sensibilización hacia el problema tratado. Es lo que
bautizó con el nombre de "montaje de atracciones", y que puso en práctica desde su primera obra, La huelga. Al final de la película, en
la que los huelguistas son reprimidos por las fuerzas zaristas, Eisenstein introdujo los planos de unas reses sacrificadas en el matadero.
Con esta metáfora visual, que no guarda ninguna relación con el universo ficcional de la película, Eisenstein rompía la narración para
establecer una comparación entre los huelguistas y las vacas: todos son víctimas inocentes de una masacre.
Fotogramas de Acorazado Potemkin, Octubre y La línea general
Al año siguiente, en El acorazado Potemkin, Eisenstein volvía a retratar una rebelión popular, en este caso la llevada a cabo por los
marineros de un acorazado contra su oficialidad. En su escena más famosa, la de la escalinata de Odesa, el director soviético volvió a
hacer gala de una maestría única en el empleo del montaje. La secuencia narra el abatimiento a tiros de los habitantes de Odesa, en su
intento de subir las escaleras que dan acceso al palacio gubernamental. Los 170 planos de la secuencia la alargan hasta seis minutos,
dilatando el tiempo real de la escena, y demostrando hábilmente la capacidad del montaje para crear el tiempo cinematográfico. La
película, que contiene también empleos muy sutiles en la combinación de planos, dio a conocer a su autor en todo el mundo, aunque fue
prohibida en muchos países por su contenido revolucionario.
En Octubre (3) Eisenstein recuperó lo más experimental de su repertorio narrativo: montaje de atracciones, inversiones del tiempo,
angulaciones forzadas.... La película, basada en el relato Diez días que conmovieron al mundo del norteamericano John Reed,
rememora los acontecimientos revolucionarios de 1917. En una secuencia de la película, que narra el ascenso de Kerenski al poder,
Eisenstein vuelve a romper la narración, comparando al gobernante con Napoleón y con un pavo real, y sugiere, a base de sutiles
combinaciones de planos, la incapacidad para gobernar del dirigente socialrevolucionario.
A partir de estas películas, Eisenstein recuperó un pulso narrativo más convencional, aunque todas sus obras siguen mostrando su
original capacidad narrativa. Capacidad que se hace extensible al empleo de la composición en el plano, de los encuadres, la
iluminación, e incluso en la utilización del color y del sonido, con el que pudo experimentar sus teorías de contrapunto sonoro en sus
últimos filmes.
Eisenstein es uno de los pocos directores en la historia del cine que, partiendo de la influencia que recibió de las películas de Griffith,
fue capaz de plantear un lenguaje alternativo al del cine americano, una propuesta más compleja e intelectual. Definió cinco tipos
diferentes de montaje (métrico, rítmico, tonal, sobretonal e intelectual) y propuso combinaciones de planos basadas en los ideogramas
chinos, es decir la suma de dos planos no relacionados crean una metáfora o concepto nuevo.
La complejidad de su planteamiento dio como resultado filmes no siempre de fácil comprensión para el espectador medio, que
difícilmente podía asumir toda la riqueza narrativa de sus propuestas. Se puede observar un ejemplo acudiendo a las explicaciones del
propio Eisenstein, sobre la secuencia citada anteriormente de Octubre:
"Vamos a examinar la ascensión de Kerenski al poder y la dictadura tras la sublevación de julio de 1917. Los subtítulos indicando sus

sucesivos nombramientos ("Dictador", "Generalísimo", "Ministro del ejército y de la marina", etc...), dan una nota cómica, intercalados
con los cinco o seis planos de Kerenski subiendo las escaleras del Palacio de Invierno, todos exactamente de la misma duración. Aquí
se plantea un conflicto entre la hueca adulación de las denominaciones y el paso monótono con que el personaje sube por unas
escaleras siempre iguales. Consecuencia intelectual: ridículo de la absoluta nulidad de Kerenski. Se crea un contrapunto entre la
expresión literal y casi estadística de una idea, y la representación visual de una determinada persona, incapaz de cumplir obligaciones
que aumentan sin cesar. La incongruencia de estos dos factores da lugar a una decisión puramente intelectual por parte del espectador,
a expensas de esa persona determinada".
Son planteamientos difíciles de asumir en su totalidad por el público menos formado, especialmente si se compara con el realismo
intuitivo de las propuestas de Griffith, que comprendemos mejor al haberlas asumido el cine comercial americano. Con todo, Eisenstein
es uno de los directores más influyentes de la historia del cine, y muchas de sus propuestas han penetrado profundamente en el cine y
ha inspirado a los grandes creadores posteriores. Pero, además, fue un excelente dibujante (sus miles de dibujos aún no han sido
publicados en su totalidad), y un prolífico escritor y teórico. Hombre de enorme cultura y múltiples intereses, publicó tratados sobre temas
tan dispares como las matemáticas chinas, la literatura francesa o la danza rusa.
Fotogramas de Iván el terrible
Para saber más
(1) Ivan Groznyj
(2) ¡Que viva México!
(3) Octubre
De película
Puedes ver y/o descargar El acorazado Potemkin. Disponible en Archive.org
Actividad 16
Visonado:
¿Aún no conoces El acorazado Potemkin? ¡No debería pasar de hoy!
¿Ya lo conoces? Seguro que te queda alguna película de Eisenstein por descubrir.
Visiona en el archivo de rtve el programa de Días de cine La vanguardia soviética I: Eisenstein.
Resume por qué Eisenstein es uno de los grandes creadores del lenguaje cinematográfico.
¿Recuerdas alguna secuencia del cine más reciente que pueda relacionarse con sus aportaciones?

Actividades
Actividad 1
Visiona el reportaje de Días de cine: Homenaje al cine mudo
Actividad 2
Visionado:
Visualiza algunas películas para hacerte una idea del cine de Mack Sennett o de los Keystone Cops en
archive.org.También puedes introducir estos términos en cualquier buscador y encontrarás cientos de películas.
Actividad 3
Visiona un fragmento de La carreta fantasma u otro filme de Sjöström y observa el uso fílmico de los exteriores y su realismo.
Impresionismo y Expresionismo son términos acuñados para designar sendos movimientos pictóricos, que perdieron casi
completamente su sentido original cuando se trasladaron mecánicamente al cine: si en la plástica habían representado corrientes
estéticas más o menos precisas y filosóficamente opuestas, en el cine terminaron usándose de modo mucho más difuso.
Es así como cuando los historiadores y los críticos de cine hablan de expresionismo, en realidad se refieren a todo el cine mudo
alemán, cuya variedad no alcanza a explicarse sólo por la influencia que efectivamente recibió del expresionismo pictórico. En el
caso francés el uso del término impresionismo se ha dado de manera similar (designa todo o casi todo su período mudo) y es
aún más discutible, porque la influencia de la pintura impresionista sobre los cineastas fue muy acotada.
Desde una perspectiva más amplia, sin embargo, es interesante comparar el cine de Francia y Alemania durante los años de
entreguerras, que fueron tan críticos para la historia política contemporánea como fecundos para la creación cinematográfica. En
ambas cinematografías se encuentran experiencias formales de vanguardia y también la necesidad -opuesta pero
complementaria- de aproximarse a la realidad "tal cual es". Sobre el final de la década del '20, tanto el cine francés como el
alemán se destacaron en el mundo por haber logrado una armonía entre la audacia artística y la producción industrial, dos
rasgos que generalmente se consideran antagónicos pero que no lo fueron en ese momento. En varias ocasiones hubo
colaboraciones entre empresas francesas y alemanas, que se dieron naturalmente por compartir un mismo mercado y porque sus
respectivas estrellas eran populares en ambos países. Por eso es posible ver a la francesa Yvette Guilbert en Fausto de Murnau
o al alemán Francis Lederer en Mamá Colibrí de Duvivier, entre muchos ejemplos posibles que también se prolongan a los
rubros técnicos. A su debido tiempo, las dos cinematografías aprovecharon la llegada del cine sonoro para realizar alegres
musicales, que se diferenciaron de la mayor parte de sus pares norteamericanos porque incorporaron la música a la narrativa (en
lugar de interrumpir una con otra) y procuraron que la cámara conservara la fluidez "musical" que había alcanzado en la última
etapa muda.

Ambos países tuvieron sus propios autores relevantes, que en algunos casos continuaron con éxito sus respectivas carreras en
el cine sonoro y excepcionalmente fueron elevados a la categoría de artistas nacionales, como sucede con Fritz Lang para los
alemanes y Jean Renoir para los franceses. También tuvieron cineastas que quizá no puedan definirse como autores, pero que
sorprenden por la sensibilidad y el oficio con que fueron capaces de poner escena temas muy distintos entre sí y siempre con
eficacia, como fue el caso de Julien Duvivier en Francia y Georg W. Pabst en Alemania.
Por supuesto que hubo también notorias diferencias entre ambas cinematografías. Una forma práctica de advertirlas consiste en
comparar, al menos superficialmente, La pasión de Juana de Arco y Vampyr, los dos films que el danés Carl T. Dreyer filmó en
Francia y Alemania respectivamente. Ambas son obras de similar virtuosismo formal, pero si en una hay emoción, razón y
trascendencia espiritual, en la otra hay angustia, irracionalidad y muerte en vida; si en una importa la zona sobrenatural, interior y
reconfortante que representa la idea de Dios, en la otra lo sobrenatural es siempre ominoso y asume toda clase de formas
exteriores y caóticas; si en una el mal es concreto y lo ejercen los hombres por cuestiones coyunturales de poder, en la otra es
inexplicable y se materializa en un ser monstruoso al que se conjura siguiendo una serie de instrucciones arcanas.
Esas y otras diferencias se fueron profundizando con el devenir político de la década. Lo más parecido a una saga nacional que
tuvo el cine francés de esos años fue la bella Trilogía del puerto de Marcel Pagnol, poblada de amables personajes de provincia
cuya humanidad les hace trascender su condición de arquetipos. En Alemania, en cambio, Hitler exaltaba Los Nibelungos y
estaba cada vez más cerca de transformarse en una versión internacional del Dr. Mabuse, mientras que por esos años Fritz
Lang, el responsable de haber plasmado ambas visiones, prefería tomar la figura de un asesino serial, quitarle las sombras
tranquilizadoras del expresionismo e instalarlo para siempre en la realidad urbana contemporánea. El devenir político profundizó
esa tendencia: Francia, aunque tuvo sus militaristas, fue capaz de proponer La gran ilusión. Alemania, en cambio, prefirió El
triunfo de la voluntad.
En este breve artículo titulado Expresionismo alemán vs. Impresionismo francés Fernando Martín Peña nos acerca al uso de
estos términos artísticos al cine.
¿Conoces la pintura impresionista? Seguro que sí pero, si no es así, echa un vistazo a algunas obras y comenta brevemente en
qué conectan con el uso del término Impresionismo en Literatura o Cine.
Actividad 5
Visiona el reportaje de rtve en el programa Días de cine: Homenaje a 'Un perro andaluz'
Actividad 6
Visiona el reportaje de Día de cine: Centenario de los estudios Babelsberg (UFA)
Actividad 7
Visionado:
Si aún no las conoces, ahora es el momento de descubrir El gabinete del Dr. Caligari, El Golem, Nosferatu o
Metrópolis. Si ya las conoces, atrévete con otras de las que se nombran.

¿Qué aspectos del cine expresionista han tenido más peso en el cine posterior?
Ampliación:
Visiona los reportajes del archivo de rtve en el programa Días de cine: Luces y sombras del expresionismo
alemán
Actividad 8
Visonado:
Disfruta del placer de descubrir El último.
Ampliación:
Visiona el reportaje del programa Días de cine: Homenaje a F.W. Murnau
Si te interesa la obra de Bertolt Brecht y su relación con el cine, ahí van dos interesantes artículos:
Las huellas de Brecht en el cine de Pepe Gutiérrez-Álvarez (Caosenlared.net)
Bertolt Brecht & Charles Chaplin (Miradas de cine)
Lee y comenta alguno de los dos artículos, señalando que aspectos te parecen más interesantes de la relación de Brecht con el
cine.
Actividad 10
Puedes visionar en el archivo de rtve los siguientes documentales del programa Días de cine:
Vanguardia soviética.
Dziga Vertov y el Cine-Ojo (Kino-Glaz)

Actividad 11
Visiona el reportaje de rtve en Días de cine: Homenaje a Greta Garbo
Actividad 12
Puedes repasar algunas cintas de Buster Keaton en archive.org.
Señala algún aspecto que te haya llamado la atención.
Actividad 13
A través de los enlaces que te proporcionamos visona alguna película de Griffith. Señala los aspectos técnicos que más te han
llamado la atención en ellas.
Lee el trabajo de Daniel Narváez La visión cinematográfica de D. W. Griffith .
¿Crees que puede prescindirse el fondo moral y político de una película a la hora de valorarla?
Intenta citar alguna película que te guste aunque rechaces las ideas que transmite.
Pulse aquí
Actividad 15
Si te ha interesado lo que has leído sobre el cine soviético y aún no la conoces, ahora es un buen momento para visionar La
madre u otro film de Pudovkin o Dovzhenko.

Actividad 16
Visonado:
¿Aún no conoces El acorazado Potemkin? ¡No debería pasar de hoy!
¿Ya lo conoces? Seguro que te queda alguna película de Eisenstein por descubrir.
Visiona en el archivo de rtve el programa de Días de cine La vanguardia soviética I: Eisenstein.

Resume por qué Eisenstein es uno de los grandes creadores del lenguaje cinematográfico.
¿Recuerdas alguna secuencia del cine más reciente que pueda relacionarse con sus aportaciones?
Serie Amar el cine
Amar el cine es una serie documental en doce capítulos en los cuales, mediante entrevistas a profesionales del medio y fragmentos de
películas, se tratan diversos aspectos, tanto técnicos como estilísitcos del mundo del cine.
La serie fue elaborada en el año 2002 por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte en colaboración con Televisión española.
En cada capítulo encontrarás el enlace "Ficha técnica y minutaje" que te permitirá consultar los contenidos del capítulo y el minutado
extacto.
Contenidos
1. El invento del cine.

2. El guión.
3. La dirección.
4. Las estrellas de la pantalla.
5. El lenguaje.
6. El montaje.
7. Estética cinematográfica.
8. Los trucos.
9. ¿Cómo se hace una película?
10. Los géneros.
11. Movimientos cinematográficos.
12. Ver cine.
Capítulos 1-4
Capítulo 1: El invento del cine
Ficha Técnica y minutaje

Capítulo 2: El Guión

Capítulo 3: La dirección
Capítulo 4: Las estrellas de la pantalla

Capítulos 5-8
Capítulo 5: El lenguaje
Capítulo 6: El montaje

Capítulo 7: Estética cinematográfica

Capítulo 8: Los trucos
Capítulos 9-12
Capítulo 9: Cómo se hace una película

Capítulo 10: Los géneros

Capítulo 11: Movimientos cinematográficos
Capítulo 12: Ver cine

Glosario de cine
En esta sección encontrarás una lista de definiciones de términos cinematográficos.
En cada apartado (A-B-C por ejemplo) podrás acceder a las definiciones, ordenadas alfabéticamente: A, B, C,...
Importante
Todas las imágenes que encontrarás en este documento están bajo dominio público (public domain). En caso contrario se
indica al pie autor y licencia Creative Commons utilizada.
A-B-C
-A-
Acción. Movimiento que se produce ante la cámara. Fuerza motriz que desarrollada por los personajes hace avanzar la narración.
Adaptación. Guión hecho a partir de una obra literaria.
Angular (Gran angular). Lente de distancia focal corta, (en 35 mm, de 18 a 35 mm). Por debajo de 16 mm se llama “ojo de pez”, ya
que se obtiene una imagen muy deformada. Permite encuadrar un campo visual más amplio que una lente normal y con gran
profundidad de campo. Exagera las relaciones de espacio, expandiendo la distancia aparente entre lo cercano y lo distante.
Ciudadano Kane en Wikipedia
Ángulo. Inclinación del eje de la cámara respecto a lo que se quiere filmar (punto de vista). Puede ser Normal o neutro (paralelo al
suelo), tomado desde arriba (Picado) o desde abajo (Contrapicado).Si es inclinado a derecha o izquierda de l eje vertical se llama
Aberrante.
Animación. Dotar de movimiento a dibujos u objetos mediante procedimientos mecánicos o electrónicos. Descubierta por Méliès, la
técnica inicial llamada stop motion consistía en imágenes dibujadas, maquetas, marionetas, etc., que se registraban fotograma a
fotograma y que cobraban movimiento al ser proyectadas. Luego vendrán la pixelación, la rotoscopía, la animación de recortes (cut-out

animation), la animación digital, el 3-D y 4-D.
Anime. Animación futurista y de ciencia ficcion japonesa, conocida como Japanese Animation. La mayoría es una adaptación del
manga (cómic japonés). Se diferencia del dibujo animado tradicional en sus temas, con historias de contenido más profundo y
emocional. Otra diferencia es su técnica, se utilizan menos cuadros de animación por segundo (8 cuadros, frente a 24 o 12 en la
animación occidental).
Anime. Wikimedia Commons

Autor: Fracco. Licencia CC-BY-SA 3.0
Argumento o Trama. Desarrollo de una idea o tema por medio de una historia (la acción narrada), esbozando personajes y situaciones.
Arte y Ensayo: Salas que surgen en España tras una Orden Ministerial de 1967. Estuvieron destinadas a la exhibición de ”obras de
destacados valores cinematográficos”- en versión original íntegra y subtitulada. Sólo se permitían en ciudades de más de 50.000
habitantes y zonas turísticas especiales, con un aforo máximo de 500 espectadores. Por extensión se llama "cine de arte y ensayo" a
películas con aspectos vanguardistas o planteamientos anti-comerciales.
Atrezzo. Conjunto de instrumentos, enseres, muebles y todo tipo de objetos que se usan en la ambientación y decoración de una
escena.
-B-
B (serie B). Películas rodadas con muy poco presupuesto y escasas pretensiones artísticas, habitualmente de género (terror, policiaco,
ciencia-ficción, etc.). Si el presupuesto es ínfimo se les llama de serie Z.
Backstage: Es el área donde se ubica el equipo técnico, las cámaras, el director, etc... Un espacio que el público no ve donde se
desarrolla lo previo y lo posterior a la realización dentro del set. Actualmente, muchas películas traen como extras en los DVDs esa
sección permitiendo ver cómo se filmó la película.
Estudios en 1899. Wikipedia
Banda. Cada uno de los soportes que contienen los elementos de una película; la banda de imagen (o película propiamente dicha)
contiene las imágenes en los fotogramas. La banda sonora, el sonido: voces, efectos sonoros (ruidos) y música. Después se mezclan
(banda de mezclas)y se incorporan en una sola. De forma incorrecta se llama banda sonora a la música de la película para su venta en
soporte doméstico.
Barrido. Transición entre dos planos por medio de una imagen intermedia borrosa, a través de un movimiento rápido y seco de la
cámara.
Biopic. (del inglés Biografic Picture) es un genéro cinematográfico que narra o adapta biografías. Algunos ejemplos serían Gandhi,

Amadeus o Una mente maravillosa.
Blockbuster. Las películas más taquilleras, aunque el concepto ha evolucionado con el tiempo, las que logran las mejores taquillas en
un tiempo récord. Las que sitúan el listón de ingresos más alto, a partir de una lista que se establece entre los estrenos de una semana
o de un fin de semana.
Bollywood. Películas de la industria cinematográfica de la India. Específicamente son las películas comerciales realizadas por los
estudios de Bombay. La palabra, acuñada en los setenta, juega con las palabras Bombay y Hollywood.
Bollywood. Wikipedia
Autor: Skip. CC.BY.SA.2.0
Box Office. Se refiere e los ingresos de taquilla de una película. Es la tabla en la que se clasifican por orden de ingresos las películas
más taquilleras en exhibición. Puede ser internacional o por países.
-C-
Cámara. Aparato que se utiliza para la toma de imágenes en cine, televisión y fotografía.
Filmando. Wikipedia
Cameo. Aparición incidental de un actor o director (o cualquier personalidad externa al cine) en una película. Son célebres los de
Hitchcock en sus propios filmes.

Cameo de Hitchcock. Wikimedia
Campo. Es el espacio en el que entran todos los personajes y objetos visibles en la pantalla. Lo que oímos o intuímos (pero no vemos)
queda fuera de campo.
Casting(prueba de reparto). Selección del reparto de un filme, desde los papeles protagonistas y secundarios a los figurantes.
Catch. Artificio que deja en negro parte de la imagen.
Caza de brujas. Término acuñado en Hollywood cuando se inició la persecución de comunistas en el seno de la industria. Aunque la
Comisión de Actividades Antiamericanas comenzó a actuar en 1938, no fue hasta 1947 cuando inicia una “caza de brujas” en la que se
verían inmersos muchos guionistas, directores y actores, acusados todos de pertenecer o haber pertenecido al Partido Comunista. Esta
campaña, conocida como “maccarthysmo”, finalizó en torno a 1954. Por extensió, persecución por ideas políticas.
Censura. Desde que el ser humano posee la capacidad de expresar ideas existe la censura. El censor justifica siempre sus actos
esgrimiendo siempre el mismo argumento: el beneficio de la comunidad, la moral y las instituciones. En España fue instituida por el
franquismo en 1939. En 1953 se ordenó la censura previa de guiones. Se suprimió en 1977.
Chambara. Termino generico para las peliculas de samurais. Chanbara o Ken-Geki significa “teatro de espadas”. A diferencia del
genero chino Wu Xia Pian, en las Chanbara la fantasia no está tan presente y se recalcan los valores tradicionales de honor, valor,
justicia,… (el bushido, el estricto código de los samurais) dentro de límites realistas. Las historias suelen desarrollarse en el Japón
feudal o en la era Tokugawa.
Cine-clubs. En españa surgieron durante la República y tenían como objeto desarrollar todo tipo de actividades cinematográficas,
especialmente proyectar películas vanguardistas o minoritarias. Gracias a los cine-clubs muchos españoles tuvieron la oportunidad de
acercarse a las grandes películas de la historia del cine. Estas asociaciones dispusieron de naturaleza jurídica por primera vez en 1957
y, bajo el franquismo, tuvieron un papel decisivo para conocer otro cine.
Cine de autor. A fines de los 50 en Francia surgió la Nouvelle vague, un grupo de jóvenes directores cinéfilos amparados por la revista
Cahiers du cinema. Ellos reivindicaron la figura del director-autor frente al sistema de estrellas, de estudios o de productor. Se miraban
en Orson Welles y Alfred Hitchcock. Desde entonces se llama cine de autor, por oposición al llamado cine comercial, al que se aleja de
temas frívolos y experimenta con el lenguaje, en suma, en el que es posible reconocer la personalidad y estilo de quién dirige.
Cine clásico. El realizado en los EEUU durante los años 30-50, según el sistema de convenciones que constituyen la tradición
cinematográfica. Fue definido por la producción del sistema de Estudios con películas totalmente controladas por el productor y
protagonizadas por sus estrellas de plantilla y encuadradas por géneros. Formalmente su característica principal es la invisibilidad de la
cámara: el público tiene la sensación de estar allí directamente.
Cine negro. El cine negro o film noir es un género cinematográfico que se desarrolló en Estados Unidos durante la década de 1940-50.
Basado en las novelas policíacas, presenta la cara menos amable de la sociedad americana, tipos duros, corrupción..., con una
iluminación generalmente expresionista, llena de luces y sombras.

Fim Noir. Wikipedia
Cinemascope. Formato panorámico de pantalla. Fue un cambio sustancial en la proyección y filmación de películas, al lograr una visión
espectacular de situaciones y paisajes. La primera película fue La túnica sagrada (1953).
Claqueta. Pizarra articulada en la que se escribe antes de cada toma la información visual y sonora que permitirá localizar y sincronizar
después esa toma.
Clímax. Punto culminante de la acción dramática. Momento de más alto interés o emoción en la acción del film, en especial de tono
dramático o espectacular, que se crea antes del desenlac.
Close-up. Primer plano, toma de acercamiento. Generalmente se refiere a un acercamiento al rostro.
Comedia. es una película de humor o que intenta provocar la risa de la audiencia. Junto con el melodrama o la ciencia ficción, la
comedia es uno de los géneros cinematográficos clásicos. Billy Wilder o Woody Allen son dos directores muy reconocidos en este
género. Se distinguen subgeneros como la comedia musical, la comedia romántica, la comedia negra, el vodevil, las parodias, la sátira
política,...
Continuidad. Vd. Raccord
Contracampo. Espacio visual simétrico al campo, o sea, el campo contrario. Se usa en escenas entre dos personajes.
Coproducción. Sistema de financiación de una película compartido entre dos o más países. Se comparten actores, locaciones y
personal técnico. Busca atraer al público de ambos países y reducir costos de producción.
Coral (Película coral). Cine que rompe la estructura clásica del cine con protagonistas principales mediante una trama con muchos
personajes o la acumulación de pequeñas historias. Es el caso del cine de Berlanga o de Milos Jancsó, o de películas como Amarcord
de Fellini y Vidas cruzadas de Robert Altman. Más en esta línea de historias cruzadas son grandes éxitos recientes como Pulp Fiction,
Crash o el cine de González Iñárritu (21 gramos, Babel).
Corte. En el montaje, realizar la transición entre dos planos mediante el paso directo de un plano a otro. Se llama también cambio de
plano por corte simple.
Cortinilla. Efecto óptico que permite sustituir de manera gradual una imagen por otra, en diferentes direcciones.
Cortometraje. Película que dura menos de 30 minutos.
Crítica cinematográfica. Es la actividad de aquellos profesionales que hacen análisis y juicio sobre las películas. Suele referirse a esas
reseñas que, en prensa e internet, analizan las películas recién estrenadas. No obstante, la crítica cinematográfica es una actividad más
amplia, que incluye el estudio del lenguaje del cine, su historia y el recorrido profesional de quienes lo elaboran. Con frecuencia, los
críticos de cine son partidarios de una determinada teoría estética o defienden cierta ideología, lo que identifica su perfil intelectual.
Cuadro. Zona delimitada por los cuatro bordes de la pantalla.
Culto (película de culto o Cult-movie). Se refiere a aquellas cintas que, por determinados elementos o influencia generacional se
convierten en referentes de un grupo o generación, por sus personajes, banda sonora o estética, aunque no necesariamente por su
calidad. Son ejemplos de películas de culto las sagas de El padrino o La guerra de las galaxias, algunas cintas de los hermanos Coen,
Tarantino, etc.
D-E-F
-D-
Decorados. Espacios artificiales de diversos materiales y en especial de cartón-piedra y madera que simulan lugares reales. Muchos
directores clásicos los preferían a los escenarios naturales debido a la facilidad para el control de la luz y el movimiento de la cámara.
Desenlace. Es el momento final de un film, en el que se resuelve el relato. Puede ser cerrado o abierto (es decir, no se resuelven todos
los conflictos).
Diégesis. La diégesis son el espacio y el tiempo (en suma, el mundo ficticio) en los que discurre la narración fílmica.
Director/directora. También llamado realizador, es el responsable creativo del film. Es su función dirigir la puesta en escena a partir de
un guión técnico, el encargado de poner en imágenes el guión literario; dirige la puesta en escena y supervisa el montaje (en EE.UU.

generalmente termina su cometido en el rodaje y es el productor el que se encarga del montaje).
El director Lucas Demare con sus guionistas. Wikipedia
Director artístico. Arquitecto decorador o decorador jefe. Se encarga de diseñar y construir los decorados, crear ambientes...
Director de fotografía. También llamado operador. Es el responsable técnico y artístico de la toma de imágenes, cuidando de la
iluminación y de los encuadres. Coordina a los equipos de cámara, foto fija y eléctricos (que se ocupan de los focos).
Documental. Film que recoge imágenes de la realidad, aunque de forma creativa y, por tanto, manipulada (como todo el cine). Un
documental es el producto de un montaje de escenas y, en este sentido, también se aproxima a las películas de ficción. No obstante,
cabe insistir en su afán de verosimilitud y en su aproximación inmediata a la realidad que procura mostrar. Algunos movimientos
(Neorrealismo, Free Cinema) y directores (Ken Loach) imitan el estilo documental para dotar de realismo a sus filmes.
Rodando un documental. Wikipedia

Autor: Valentina Ippolito. CC-BY-SA.3.0
Doblaje. Grabación sonora realizada después del rodaje y que se sincroniza con una toma de imagen. Doblar una película es también
traducir sus diálogos al idioma del país en el que se proyecta. Los actores de doblaje son actores especializados que ponen voz al texto
traducido. José Luis Garci siempre dobla sus películas, práctica habitual en el cine norteamericano.
Docudrama. Género difundido en cine, radio y televisión, que trata, con técnicas dramáticas, hechos reales propios del género
documental.
Dolly. La más sencilla de las grúas: carrito sobre el que se montan la cámara y el operador. Es como un travelling con ruedas de goma.
Drama. Como género cinematográfico, el drama está asociado a las tramas con conflictos desgarrados como historias de amores
imposibles, injusticias raciales, conflictos familiares o hechos históricos. Se caracteriza por utilizar un discurso que apela a la sensibilidad
y a la emoción del espectador, no sólo a través del guión, sino de la música, la fotografía y el tono de los actores.
Drive-in. Se denominan así los cines para coches, los auto-cines que proliferon en Estados Unidos en los años cincuenta y en algunos
países europeos años más tarde. Son escenarios muy utilizados por el cine estadounidense para algunas secuencias de películas
juveniles de época.

Drive-in en Bruselas. Wikipedia

Autor: Christian Kremer. CC-BY-SA.3.0
-E-
Edición. Se llama así al montaje cuando se hace en vídeo o sistemas informáticos. En sentido amplio, editar es montar.
Efectos especiales (FX). Procedimientos para modificar la imagen obtenida por la cámara, desde sencillos trucos hasta los actuales (y
sofisticados) efectos por ordenador. Pueden ser mecánicos, sonoros, físicos, químicos, digitales,...
Eje de cámara. Línea imaginaria definida por la orientación de la cámara, que se extiende desde ésta al objeto filmado.
Eléctricos. Encargados de la luz y los focos en un rodaje.
Elipsis. Procedimiento que permite saltar en el tiempo y/o el espacio sin que el espectador pierda la continuidad de la secuencia
aunque se han eliminado los pasos intermedios.
Encadenado. Transición de planos por sobreimpresión, más o menos prolongada, de las últimas imágenes de un plano y las primeras
del plano siguiente.
Encuadre. Es la selección del campo abarcado por el objetivo (lo que se verá en la pantalla) en el que se tiene en cuenta el tipo de
plano, la colocación de objetos y actores, la ubicación de la cámara y el puntos de vista, para lograr la armonía de la composición y la
fluidez narrativa. Es la forma de organizar la toma.
Película japonesa. Wikipedia
Escaleta. La escaleta es el esqueleto del guión, en la que se detallan todas las escenas, indicando si va a ser rodada en un espacio
interior o exterior; de día o de noche, y el lugar en el que transcurre la acción (dormitorio del protagonista, por ejemplo). Una vez
construida la escaleta, se añaden los diálogos.
Escena. Es la toma que coincide con la entrada y salida de actores del marco de filmación. Plano o conjunto de planos que tienen
unidad de tiempo y espacio ( escenario). Suele compararse al párrafo en la obra literaria.
Estereotipo cinematográfico. Modelo simplista que se expresa cinematográficamente a través de personajes o pautas dramáticas
reconocibles. Los estereotipos propician la identificación del público con una serie de rasgos que ya conoce. Entre otros estereotipos del
cine, podemos citar al héroe justiciero, la doncella perseguida, el amigo cómico, el falso culpable, el villano sofisticado,...
Estudios. Espacios en los que se reúnen uno o varios platós para el rodaje de películas. Puede contener una o varias naves para los
interiores y escenarios al aire libre para aquellos que necesiten de espacios abiertos; en ambos casos con la posibilidad de utilizar

decorados corpóreos. Se asocian con la política de las Majors en el llamado Sistema de estudios del cine americano de los 40-50.
Estudios en Hollywood, 1922. Wikipedia
Exteriores. Como indica su nombre, el rodaje en escenarios exteriores significa que el equipo de filmación no realiza su labor en un
estudio de cine o dentro de un edificio. Este tipo de rodaje es extremadamente complejo, pues queda sometido a las inclemencias del
tiempo y a la variable iluminación que ofrecen las distintas horas del día. No obstante, este planteamiento proporciona resultados de una
gran frescura.
Extra o figurante. Actor sin texto cuya función es de contenido visual para enriquecer la escena y conformar el ámbito en el que se
integra el reparto.
-F-
Fantástico, cine. Es un género opuesto al realismo. Tiene sus leyes propias y construye un universo paralelo, poblado de seres y
objetos que sólo son posibles dentro de la fantasía. El hombre y los seres sobrenaturales se relacionan y conviven (o luchan) en él.
Abarca tanto a los films de terror y ciencia-ficción como a otros que recrean universos basados en la mitología o las sagas nórdicas,
artúricas, asiáticas....
El hombre de la cabeza de caucho (Méliès, 1901). Wikipedia
Figurinista. Diseñador/a de los modelos de vestuario del film y responsable del vestuario total del mismo. Debe trabajar en íntima
conexión con el escenógrafo para unificar criterios en cuanto al estilo cromático, época, ambiente y atmósfera.
Flash-back. O vuelta atrás. Recurso fílmico que permite retroceder a hechos del pasado en la narración por medio del recuerdo, del
sueño, de la narración de una historia, a partir de la lectura de un diario o libro,...
Flashforward. O ir hacia delante. Es una escena proyectada hacia el futuro, o que imagina lo que hubiera podido suceder.
Folletín. Novela popular del XIX que cultivaba la intriga, el romance y el melodrama. Publicada por entregas en la prensa, el folletín
abusaba del exceso y el efectismo. Entre los cultivadores más notables de esta fórmula figuran Alejandro Dumas o Charles Dickens.
Desde sus inicios el cine adoptó el mismo esquema a la hora de orientar sus argumentos, de ahí que buena parte de la producción se
haya acomodado a los resortes del relato folletinesco, con sus vaivenes, súbitas revelaciones e intrigas encaminados a un final feliz.
Formato. Es el tamaño de la película de celuloide (en el cine analógico). El profesional era el de 35 mm mientras que las cámaras de
16mm, más pequeñas y manejables se usaban mucho para reportajes antes de la generalización del vídeo. El de 70 mm se hizo común

para el cine comercial en la década de los 60. En cine familiar y amateur trabajaba con películas de 8 mm.
Diferentes formatos. Wikipedia
Foto fija. Apartado técnico encargado de realizar fotografías de la película. Suelen ser de determinadas escenas de importancia y se
toman para la promoción del film.
Fotograma. Cada uno de los cuadros fotográficos que se expone cada vez que el obturador se abre y que, vistos en continuidad,
proporcionan la ilusión de movimiento (pasan 24 cada segundo). La forma y tamaño de la ventanilla determinan sus dimensiones: desde
8mm (cine amateur) a 70mm de anchura (a más anchura más calidad).

Fotograma de Intolerancia, 1916, DW.Griffith. Wikipedia
Fotografía. En base a la óptica y a la iluminación utilizadas, cada plano se puede presentar con iluminación uniforme (luz tonal) o con
fuertes contrastes entre zonas iluminadas y oscuras (claroscuro).
Frame. Equivalente del fotograma en soporte magnético (cinta de vídeo, donde la imagen está codificada electrónicamente). Un
segundo de vídeo contiene 25 frames en PAL, el sistema que utilizaban la mayoría de los países europeo. En el estándar americano
NTSC contiene 30 frames.
Fuera de campo. Acción o diálogo que tiene lugar fuera del campo visual de la cámara.
Fuera de foco. Cuando una imagen nítida pierde definición, decimos que está fuera de foco. Se transforma en una imagen que logra
tener un efecto fantasmal, onírico, alucinógeno. También puede suceder lo contrario, estar fuera de foco y volverse nítida.
Fundido. Recurso que indica el paso del tiempo o un cambio radical de escenario. Es una transición entre planos, en la que se va
oscureciendo paulatinamente la imagen hasta que la pantalla queda negra, antes de que otra imagen surja de la misma oscuridad
(fundido en negro). Excepcionalmente, el fundido también puede hacerse a blanco o a otros colores. Hay de cierre y de apertura. Fade-
in se llama al que cierra y fade-out al que abre.
Fundido encadenado. Plano que es sustituido progresivamente por otro que se va superponiendo. Suele indicar paso del tiempo.
G-H-I-J-K
-G-
Gag. Efecto cómico inesperado; puede ser visual, verbal o sonoro. Dentro de la comedia, un gag vine a demostrar que no todo es
predecible, y que las situaciones tienen giros inesperados.
Buster Keaton, The Frozen North, 1922. Wikipedia
Gendai geki. O "historias de familias". Es el termino generico para las peliculas japonesas sobre la vida cotidiana. El gran maestro fue
Yasujiro Ozu

Viaje a Tokio, Yasujiro Ozu, 1953. Wikipedia
Género. Modo de agrupar las películas según sus temas y características: comedia, policíaco, musical, western, terror, ciencia-ficción...
Gore (o Splatter). Literalmente, sangre derramada. El gore es un tipo de películas de terror que se centran en lo visceral y la violencia
gratuita, con profusión de mutilaciones y sangre.
Grúa. El vehículo que soporta la cámara, que va sobre una plataforma giratoria y permite realizar multitud de movimientos. Es esencial
para los planos secuencia complicados.
Guión. Es la idea de lo que va a ser la película plasmada por escrito, con narración, diálogos, descripción de personajes y escenarios. Si
le añadimos la banda sonora y la planificación (movimientos, planos, ángulos) tendremos el guión técnico. Si la historia procede de una
obra literaria se llama guión adaptado, en caso opuesto es un guión original.
-H-
Happy End. Literalmente, final feliz. Fórmula narrativa con la que concluían las narraciones comerciales.
The End, Encadenados, Hitchcock, 1946.

Wikipedia
Hollywood. Si el cine nació en Francia, fue en Hollywood donde se comercializó y se industrializó. En la “Meca del cine” surgieron los
grandes Estudios, las superproducciones, las estrellas y el star system. Desde Hollywood se monopolizó el mercado cinematográfico. Su
modelo de cine, y también político e ideológico, hace que identifiquemos con este término a la industria americana del cine. Fue un lugar
donde se podía cumplir y llevar a cabo cualquier fantasía; hoy, envejecido, es un lugar emblemático para hacer turismo.

El cine según Holliwood (D. Juan, 1926). Wikipedia
-I-
Independientes ("Indies"). Surgió cuando algunos cineastas de EE.UU. (Cassavettes, Mulligan, Penn, Nichols,...) promovieron un cine
narrativamente más independiente producido fuera de los grandes estudios de Hollywood. Algunos trabajaron en Nueva York y
particparon en corrientes como el cine underground, anticomercial y de vanguardia. Uno de sus referentes principales es el festival de
Sundance, promovido por Robert Redford en 1983.
Sundance Film Festival. Wikipedia
Inserto. Plano que se intercala en medio de otros dos para destacar un detalle, describir un aspecto.
Intertítulos. Carteles intercalados con las imágenes del cine mudo en los que aparecían diálogos o aclaraciones de lo que sucedía en la
pantalla. Reemplazaron al "explicador" que acompañaba las primeras proyecciones imitando voces, y comentando la acción que el
público visualizaba. Los intertítulos requerían que el público supiese leer y compartiera el mismo idioma. Con la llegada del sonoro no
desaparecieron por completo, ya que algunos filmes los utilizan como separadores de secuencias o como un homenaje.
-J-
Jirafa (o Boom). Es el soporte telescópico que se utiliza para sujetar el micrófono sobre los actores y moverlo al lugar necesario para
captar todos los diálogos. Se coloca a suficiente altura sobre los intérpretes con el fin de que la cámara no lo filme (aunque a veces se
cuela en el montaje final).

Jirafa en un rodaje. Wikipedia

Autor: PRA CC-BY-SA.3.0.2.5.2.0.1.0
Jump-cut. Anglicismo que se utiliza cuando se produce una transición entre planos que supone un salto apreciable (generalmente en el
tiempo o el desarrollo de la trama) de personajes o situaciones.
-K-
Kolossal. El cine inspirado en episodios históricos o en textos literarios de gran trascendencia social cuya escenografía se caracteriza
por la espectacularidad.
Cartel de Cabiria en Wikipedia
L-M-N
-L-
Largometraje. Película que dura más de 60 minutos.

Cartel del largometraje Red Dust, 1932

Wikipedia
Leitmotiv: Del alemán, puede traducirse como “motivo conductor”. Se trata de una técnica de identificación entre una melodía o frase
musical y un concepto, un personaje o una idea general. Esta identificación se establece mediante la simultaneidad en la primera
aparición del concepto y la melodía, y a partir de ahí, mediante a repetición idéntica o transformada, siguiendo las incidencias
argumentales. Es una técnica típicamente operística adaptada al cine por compositores como Max Steiner, Erich Wolfgang Korngold o
Franz Waxman. El término fue acuñado por el musicólogo F. W. Jähns.
-M-
MacGuffin. Es una expresión acuñada por Alfred Hitchcock para referirse un elemento de suspense que hace que avance en la trama,
pero que no tiene auténtica relevancia en sí. El elemento que distingue al MacGuffin de otros tipos de excusas o distracciones
argumentales es que es intercambiable y no es lo importante para el desenlace.
Majors. Grandes compañías afincadas en Hollywood, que dominan la producción y distribución de los films; algunas tienen sus cadenas
de TV.
Making off. O "cómo se hizo". Reportaje promocional de una película destinado a las televisiones, que se incluirá como un extra en la
edición posterior del DVD. Se trata de un montaje breve, en el que asistimos a las interioridades de la película, como si fuéramos un
miembro más del equipo. Este tipo de escenas se combinan con apariciones de actores, director y guionista, que nos cuentan en
primera persona sus impresiones y anécdotas sobre el rodaje.
Marcas. Señales, usualmente en el suelo, para trazar el recorrido o los punto de salida, pausas y llegada de los actores y que deben ser
respetadas para facilitar el enfoque, el encuadre, la iluminación, etc...
Mediometraje. Película con duración entre 30 y 60 minutos.
Melodrama. Término con varios significados pero se usa preferentemente para referirse a películas que tienen una carga emocional o
moral muy fuerte. El cine adopta el melodrama de la literatura de folletín y naturalista. Uno de los precursores fue Griffith. Los
melodramas contaban la búsqueda de la identidad, pasiones desbocadas, hijos perdidos o robados, mujeres dominadas, vidas
miserables, ...
Suds, 1920. Wikipedia

Merchandising. Se denomina a todos los productos -mercadotecnia- que genera una película y que son objeto de venta junto con el
lanzamiento de dicha película. Son productos que se mantienen en el mercado durante mucho tiempo llegando a ser culto de
coleccionistas.
Montaje. Cuando vemos una película, nos encontramos con un proceso narrativo, pero la filmación no ha sido lineal y que las tomas se
realizan sin seguir el orden del guión. En el montaje se escogen las mejores secuencias y se encadenan siguiendo el hilo narrativo,
cortando y montando planos, mientras se sincroniza imagen y sonido. Uno de los primeros estudiosos del montaje fue el soviético
Kuleshov, que tomando dos planos que no tenían relación comprobó que juntos adquirían un nuevo significado. El montaje sonoro se
llama mezcla y acoplado al de las imágenes constituye la película. El montaje contribuye a la creación de sentido, ya que de la
colocación de los planos depende el significado de las miradas, de los gestos y movimientos y se produce una asociación de ideas.
Movimiento. El cine es el arte del movimiento y la cámara también puede desplazarse. Los principales movimientos de cámara son el
travelling y la panorámica.
Moviola: Máquina visionadora de película, por lo general con forma de mesa, utilizada para realizar los sucesivos cortes del montaje.
Sus cabezales pueden leer la imagen y el sonido juntos o por separado. Su uso comenzó a disminuir en los años 90 tras la aparición de
los equipos digitales, como el Avid.
Música diegética o naturalista: Es la integrada en la historia que se narra. Luis Buñuel o Carl Dreyer solían usar sólo música diegética y
en el Dogma-95 es la única permitida.
Música incidental (o no diegética): es la que se compone y añade para crear un clima emocional y añadir información. Algunos grandes
músicos de cine son Morricone, John Williams, Nino Rota, ...
Musical. Se encuadra como musical toda película que otorga relevancia narrativa a la música a través de canciones, bailes o
coreografías. Se llama también comedia musical porque los tratamientos dramáticos resultan excepcionales. Por excelencia era el
musical americano, historias optimistas en las que una trama y unos personajes muy simples sirven de soporte para números musicales
espectaculares. Pero hoy es seguramente el cine de Bollywood el que más cultiva el género.
Cartel de Melodías de Brodway, 1929. Wikipedia
-N-
Noche americana. Procedimiento de rodaje utilizado en el cine norteamericano clásico que consistía en filmar de día una escena
nocturna. Se realizaba por medio de filtros de color y filmando a contraluz, con el fin de velar parcialmente la película. Las nuevas
tecnologías hacen inútil este artificio, que provocaba sombras en escenas supuestamente nocturnas.

Efecto de noche americana. Wikipedia
Nudo. Parte central de la trama en la que se acentúan los conflictos.
O-P-Q
-O-
Objetivo. El conjunto de lentes convergentes y divergentes colocados dentro del cilindro que forma la parte óptica de la cámara. Su
función es recibir la luz procedente de un objeto, modificar su dirección hasta crear la imagen óptica contra el soporte sensible (película).
Los cilindros con las lentes se denominan objetivos fotográficos, que nos permiten tener un mayor dominio sobre la manera en que
ingresa la luz a la cámara. Los principales tipos de objetivos son gran angular, teleobjetivo, normal, zoom y anamórfico.
Cámara Lumière. Wikipedia
Obturador: Es un disco semicircular, inserto dentro de la cámara, que gira constantemente y que permite obturar y desobturar la luz
que deberá llegar al interior de la película. Mientras la película se desliza sobre unos carriles, de manera uniforme e intermitente frente a
la ventanilla, el obturador hace medio giro para que la película avance y en la otra mitad del giro desobtura el haz lumínico para que la
película haga su registro. Ese proceso se hace a una velocidad de 24 fotogramas por segundo, llamado ciclo de la cámara, en el cual el
obturador tendrá un tiempo de exposición de 1/48 segundos.

Opera prima. Se denomina así al primer largometraje de un realizador.
Operador. Técnico del equipo de fotografía encargado del manejo de la cámara y el encuadre según las instrucciones del realizador.
Oscar. Premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, en forma de estatuilla, diseñada por Cedric Gibbons
-que fue el máximo responsable de la decoración de la Metro Goldwyn Mayer desde 1924 hasta 1956-, que concede desde 1928..
Entrega de los Oscar. Wikipedia
-P-
Panorámica. Movimiento de rotación de la cámara sobre su eje (es vertical, horizontal, circular, oblicua, de barrido y balanceo).
Paralelo (montaje en paralelo o acción paralela). Segmento que presenta de manera alterna lo que está sucediendo en dos o más
escenas diferentes dentro de la misma acción que, o bien se complementan, o bien una puntúa a la otra.
Paso de manivela. Técnica aplicada por numerosos pioneros del cine a la hora de conseguir efectos diversos con la imagen. Consistía
en impresionar, con un giro de manivela, un fotograma, y para el siguiente haber cambiado de posición al personaje u objeto, y así
sucesivamente, para que el conjunto de dichos fotogramas produjesen un determinado efecto en la proyección.
Película. Es la cinta que se proyecta. Ha sido con el tiempo de diversos materiales. Las primeras eran de papel, hasta 1889 en que se
comercializa la flexible de nitrato de celulosa, muy inflamable (celuloide). Posteriormente pasaron a ser de triacetato de celulosa no
inflamable.
Película. Wikipedia
Autor: Ryan Baxter. CC-BY.2.0
Peplum. Es un género que puede definirse como una película de aventuras ambientada en la Antigüedad, en especial la greco-romana.
El término fue acuñado por la crítica francesa en los años 60, usando metonímicamente el nombre de una prenda de vestuario muy
frecuente en tales filmes, la llamada latinizadamente “peplum”, (del griego “πεπλον” -peplo-), especie de túnica sin mangas abrochada al
hombro.
Persistencia retiniana. Fenómeno por el que por medio de imágenes fijas sucesivas se crea la ilusión de movimiento. Hoy sabemos

que no es una característica de la retina sino un fenómeno cerebral y psíquico, que se conoce como Efecto Phi.
Plano. Espacio recogido en encuadre, es también la unidad de toma. Hay de diferentes tipos según el ángulo de la cámara. Se clasifica
según la escala de la figura humana: plano general (la figura humana como un elemento más del escenario o paisaje), plano entero (la
figura entera), plano Americano (muestra la figura humana desde las rodillas hacia arriba), plano medio (cortada por la cintura),
primer plano (el rostro entero), plano detalle (una parte del rostro). Se compara con la palabra en el lenguaje literario.
Plano secuencia. Secuencia que se rueda en un solo plano, directamente y sin interrupción, conservando la unidad temporal y espacial.
Necesita de muchos ensayos, usándose marcas en el suelo y contraseñas de todo tipo para indicar cuando y por donde entran y salen
lo personajes, los movimientos de la cámara, las luces, etc. Generalmente la cámara va en un móvil: dolly o grúa.
Plano subjetivo. Muestra lo que ven los ojos de un personaje.
Planteamiento. Parte en la que se presentan los personajes y el conflicto que se va a desarrollar.
Plató. Escenario cinematográfico, recinto, nave empleada para el rodaje. En el plató donde se ruedan los interiores de La ciudad que
nunca duerme hay diferentes sets o espacios.
Posproducción. Fase de elaboración de una película que comienza cuando, una vez grabada, el montador dispone del material
necesario para completar el primer montaje.
Pressbook. Catálogo confeccionado por las productoras o distribuidoras, a través de sus departamentos de prensa y publicidad,
destinado a los exhibidores y a la prensa cinematográfica. Generalmente contiene la sinopsis del film, ficha técnica y artística, biografía
del director y los intérpretes principales, gacetillas, clichés y fotos (hoy suelen hacerse en soporte digital).
PressBook. Wikipedia
Productor. Es la persona responsable de llevar a cabo el proceso de búsqueda, selección y gestión de recursos humanos, financieros y
materiales, necesarios para hacer una película.. El director de producción o productor jefe gestiona el presupuesto. Los hay con
personalidad propia, sus películas llevan su sello, y por su nombre y solvencia son un reclamo publicitario.
Profundidad de campo. Espacio incluído entre el primer término y el último que se enfocan en un mismo encuadre.
R-S-T
-R-
Raccord. Unión de un plano con otro. El cine crea ilusión de continuidad: un plano debe empezar donde acaba el anterior y terminar
donde se inicia el siguiente. Los elementos que aparecen en el plano también deben respetar esa continuidad. Por ejemplo, un actor no
puede llevar sombrero y en el plano siguiente no llevarlo. Lo contrario se llama “fallo de raccord”.
Realizador. A veces es sinónimo de director. Se le llama así sobre todo cuando se ocupa sólo de la puesta en escena y del rodaje (y en
la televisión).

El director Mexicano Rafael Montero. Wikipedia

Autor: Alinacinecinecine. CC01.Universal
Remake. Versión de una película ya hecha.
Ritmo. Cadencia armónica del tiempo de la narración. En función del montaje las películas tienen un ritmo más rápido (sucesión de
planos breves) o más pausado (planos más sostenidos).
Road movie. Literalmente “película de carretera”. Género cuyo argumento se desarrolla a lo largo de un viaje. Siguen la tradición
literaria del viaje iniciático y combinan la metáfora del viaje como desarrollo personal con la cultura de la movilidad individual, cuando el
automóvil se convierte en signo de la identidad adulta. Tienden a una estructura episódica, en que cada segmento enfrenta a los
protagonistas con un desafo para acabar revelando a los protagonistas algo sobre sí mismos.
-S-
Screwball Comedy. El término significa comedia loca o zigzagueante (viene del béisbol, dar efecto a la pelota), pero la palabra screw
por si sola significa tornillo. Suele ser una pareja que se conoce, los dos se caen mal pero, a la larga, terminarán enamorándose. Son
ejemplos filmes como Sucedió una noche (Capra, 1934) o La Fiera de Mi Niña (Hawks, 1938).
Script. Secretaria/o de rodaje. Sigue siendo una labor realizada fundamentalmente por mujeres. Controla los planos rodados, las tomas
que se dan por buenas, la continuidad (raccord) entre escenas, la ambientación, vestuario, maquillaje, sonidos, movimientos... para
evitar errores entre planos que en la película irán seguidos pero se ruedan en días diferentes. Hay raccord de todo: de luz, de ruido
ambiental, de peinado, de decoración.
Secuencia. Escena o conjunto de escenas que configuran una unidad dramática y dan continuidad narrativa al guión; se desarrolla
como una unidad de tiempo. Serie de escenas que forman parte de una misma unidad narrativa. Se puede comparar al capítulo de una
novela.
Serial. Constan de capítulos con un final abierto, por lo tanto con una historia incompleta, que evoluciona de un episodio a otro. Para
desarrollar el hilo argumental cuenta con los mismos personajes, como la serie.
Serie. Está formada por episodios que cuentan una historia con final, siempre con los mismos protagonistas.
Serie B. Vd. B (serie B).
Set. Lugar de rodaje. Decorado. Localización.
Sincronización. Correspondencia exacta, fotograma a fotograma, entre imagen y sonido.
Slapstick. Es un término que, procedente de la revista musical y también del circo, adapta el cine con el fin de conseguir "gags" muy
visuales, basados en la acción física de los personajes (tortazos, bastonazos, golpes de todo tipo, etc.), que provocan risas inmediatas.

Slapstick film (1916). Wikipedia
Sleeper. Película que obtiene un éxito de público inesperado.
Sobreimpresión. Es cuando se impresiona dos veces el mismo fragmento de film, filmando cada vez imágenes diferentes que
adquieren significado con la superposición.
Sonido directo. Cuando se graban los diálogos y sonidos al mismo tiempo que se realiza el rodaje. Se gana en naturalidad pero se
pierde en claridad de voz en los diálogos.
Sound track. Es una banda en la que se registran los sonidos de todas las bandas menos la de diálogos.
Spaghetti western. Subgénero del western que tuvo su auge en los 60 y 70. Puesto que estas películas eran financiadas por compañías
italianas, el género adquirió el nombre de spaghetti western (western espagueti en inglés) -o chorizo western cuando se trataba de
películas españolas-. La mayoría se rodaron en Cinecittà (Italia) y en Almería (España).
Spoiler. Proviene del inglés “spoil” cuyo significado es echar a perder. Spoiler quiere decir aguafiestas. Es bastante común que esta
palabra aparezca en reseñas, comentarios, monografías, etc., indicando párrafos donde se revela total o parcialmente el argumento.
Spoof movie. O película de parodias. Es un tipo de comedia que satiriza a otros géneros cinematográficos, tipo Aterriza como puedas,
Scary movie,....
Estrella en el paseo de la fama. Wikipedia

Autor. karmakazesal CC-BY-SA.2.0
Star-system. Se denomina al fenómeno del estrellato en el sistema de estrellas. Desde que Carl Laemmle decidió a partir de 1912 dar
el nombre de las actrices y actores que intervenían en sus películas, los espectadores estadounidense e, inmediatamente, de todo el
mundo comenzaron a demandar ciertas películas a partir de los protagonistas que intervenían en ellas. El strar-system se convirtió en el
mejor vehículo de promocionar y vender una película en todo el planeta.
Stop-motion. Es una técnica de animación que simula el movimiento de objetos estáticos haciendo fotografías y proyectándolas en
continuidad. En general se denomina stop motion a las animaciones no dibujadas, sino creadas tomando imágenes de la realidad. Hay

dos grandes grupos, la animación de plastilina (o cualquier material maleable), en inglés claymation, y las animaciones de objetos más
rígidos.
Story Board. Cómic con la historia dibujada de la película, expuesta plano a plano por medio de dibujos que señalan el encuadre a
realizar que van acompañados de textos con los diálogos correspondientes.
Subgénero. A partir de la pauta temática resumida bajo lo que llamamos géneros, se plantea una creciente diversificación, de modo que
cada nueva tendencia, fijada ya en las pautas propias de la industria del cine, adquiere su peculiar etiqueta. Por ejemplo, a partir del
género del cine negro, surgen variedades como el thriller erótico, el thriller de acción e incluso el llamado polar, o cine negro que se
sumerge en una realidad como la francesa. Ni que decir tiene que cada una de esas variantes, o subgéneros, resulta de compleja
catalogación, y en más de una oportunidad parte de una moda efímera que, analizada desde una perspectiva histórica, carece de
fundamentos teóricos.
Suspense. Anticipación que crea unas expectativas basándose en la dilatación del tiempo. Usualmente funciona ocultando una
información al personaje que si tiene el espectador.
-T-
TeleCine (TC). Máquina que copia la película digitalmente desde el proyector. El sonido y la imagen deberían ser muy buenos, pero los
telecines son muy poco comunes debido al equipamiento y los costos. Generalmente la película tendrá su razón de proporción correcta,
porque existen los telecines de 4:3. TC no debe ser confundido con Time Code, que es un contador visible en la pantalla durante la
película.
Telefilme. Película realizada para la televisión o que se emite en este medio y que se ajusta a sus técnicas de filmación y montaje.
Teleobjetivo. Lente de distancia focal larga, (más de 80 mm para cámaras de 35 mm). El teleobjetivo permite encuadrar un ángulo de
toma más reducido que un lente normal. Se emplea para aproximar imágenes lejanas o para realizar primeros planos. Comprime las
perspectivas y su profundidad de campo es mínima, produciendo fondos fuera de foco.
Tema. Idea central que se quiere transmitir.
Títulos de crédito. Rótulos con el título, los nombres de los que han trabajado en el film y otras informaciones técnicas. Aparecen al
principio o al final (o en ambas ocasiones.
Créditos de Derby Day, 1923. Wikipedia
Thriller. El término deriva del verbo "thrill" (asustar, estremecer) y se denomina así a las películas que persiguen emocionar narrando
una trama de intriga criminal o de investigaciones policiacas. Los franceses usan el termino Polar y los italianos Giallo (aunque es una
variante más morbosa).
Toma. Hecho físico de filmar o grabar algo. Nomenclatura dada a cada una de las veces que se rueda un mismo plano, habitualmente
identificada con un número y cuya extensión comprende desde que en rodaje se sincronizan con la claqueta imagen y sonido hasta que
se grita ¡corten!.
Tráiler. Montaje promocional de uno a dos minutos que, mediante la muestra de los momentos álgidos, anticipa los que veremos en la
película. Se trata de breves montajes, en tono grandilocuente, ideados para crear interés y expectación en el espectador.

Trama. Línea estructural de una historia en donde se planifican los acontecimientos para tener atrapada a la audiencia.
Travelling. Técnica cinematográfica consistente en el seguimiento del objeto mediente el desplazamiento de la cámara sobre los
hombros del operador o sobre un móvil (dolly, grúa) para acercarla a lo filmado, alejarlo o seguirlo. Suelen usarse raíles que aseguran
un movimiento limpio y suave. Puede ser de avance, retroceso, paralelo, en ascensor, oblicuo y circular. Berlanga usa con gran maestría
este recurso narrativo.
Travelling. Wikimedia
Autor. Joshua Sherurcij
V-W-X-Y-Z
-V-
Voz en off. Voz de alguien que está fuera del campo de la imagen (o de alguien que no habla sino que transmite el pensamiento).
Viva Zapata. Wikipedia
-W-
Western. El cine del Oeste. Probablemente uno de los más específicos géneros cinematográficos de la historia del cine que narra
sucesos ubicados en el Oeste norteamericano en la segunda mitad del siglo XIX. Más que por los temas o los tratamientos, se
caracteriza por la iconografía (sombrero tejano, pistolas al cinto, chalecos, caballos, desierto, ciudades-calle, saloon, ranchos, diligencia,
indios...). Hay muchos tipos de westerns, el clásico, el de frontera, el spaghetti western,...

Centauros del desierto, Jhon Ford, 1956. Wikipedia
Wu Xia pian. Género cinematográfico de artes marciales y fantasía originario de Taiwán y Hong Kong. Su significado literal es “héroes
de las artes marciales”. Sus características son un escenario histórico, escenas de acción con espadas y temas de lealtad y traición. Se
considera diferente al cine de artes marciales. Son ejemplos Tigre y dragón de Ang Lee, o Hero y La casa de las dagas voladoras de
Zhang Yimou.
-X-
X. En muchos países europeos, calificación que se aplica a las películas con contenidos pornográficos o sumamente violentos.
Woman With camera (1920). Wikipedia
-Z-
Zoom. Objetivo que permita acercar o alejar lo encuadrado sin necesidad de acercar o alejar la cámara.
Zoom. Wikipedia
Autor. Stefan-Xp. CC-BY-SA.3.0
Zoom óptico. Efecto de zoom realizado no con un objetivo zoom, sino en una positivadora óptica. Un zoom de aproximación se realiza

acercando la cámara y el objetivo progresivamentea la película que se está copiando y un zoomde alejamiento, alejándolos
gradualmente. La ventaja es que se evitan las distorsiones espaciales que se producen con un zoom normal y el inconveniente que,
ampliando el sujeto con una positivadora óptica, la imagen se hace más granulosa y menos definida.
Obra colocada bajo licencia Creative Commons Attribution Share Alike 3.0 License

Modulo 2 Historia PDF

Caricato da

Informazioni sul documento

Titolo originale

Copyright

Formati disponibili

Condividi questo documento

Condividi o incorpora il documento

Opzioni di condivisione

Hai trovato utile questo documento?

Questo contenuto è inappropriato?

Copyright:

Formati disponibili

Modulo 2 Historia PDF

Caricato da

Copyright:

Formati disponibili

El cine como recurso

El cine como recurso didáctico

La guerra introducirá cambios importantes que son tratados en el Cine de Posguerra:

Francia: Escuela Impresionista y los Movimientos Vanguardistas.

Alemania: Escuela Expresionista, La Kammerspislfilm y la Corriente Realista.

Cine Soviético: Cine Prerrevolucionario,Cine Postrevolucionario y la Etapa de Madurez.

Estados Unidos: Star-System, las Superproducciones y los Europeos en Hollywood.

Visiona el reportaje de Días de cine: Homenaje al cine mudo

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

The Great Train Robbery

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

Fotogramas o imágenes de Broncho Billy,Tom Mix y W.S.Hart

Los Independientes acabarán estableciéndose a la cabeza de la industria cinematográfica en Norteamérica.

Adolph Zukor, Mary Pickford y Doug Fairbanks

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

Hermanas Gish, R.Valentino, Theda Bara

. Carl Laemmle, otro independiente, fundó la Universal.

. Los hermanos Warner, la Warner Bros.

Las grandes Majors

Para saber más

(1) Famous Players in Famous Plays

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

T.H.Ince, D.W.Griffith y Mack Sennett

Amar el Cine: Capítulos 6,7 y 10

Para saber más

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

V.Sjöström, Greta Garbo, M.Stiller

Fotogramas de La carreta fantasma (Sjöstrom) y La saga de Gösta Berling (Stiller)

Para saber más

(1) A. B. Svenska Biografteatern

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

Desde aquí puedes acceder a un fragmento de La carreta fantasma.

Cartel y fotogramas de Los Nibelungos y Metrópolis de Fritz Lang

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

Carteles de films de Delluc, L´herbier, Gance y Epstein

Fotogramas de La caída de la casa Usher (Epstein) y Napoleón (Gance)

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

Para saber más

(3) Napoléon vu par Abel Gance

(4) Manifiesto de las siete artes

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

Desde aquí puedes acceder a Napoléon vu par Abel Gance.

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

La passion de Jeanne d´Arc (Dreyer)

René Clair (izq.). Un chapeau de paille d´Italia (1927)

Amar el cine: Capítulo 11

Capítulo 11: "Movimientos" (10´) Un perro andaluz.

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

Para saber más

(2) Un chien andalou

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

Para saber más

(1) Universum Film A.G.

Visiona el reportaje de Día de cine: Centenario de los estudios Babelsberg (UFA)

El gabinete del Dr. Caligari (1919)

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

Falsos efectos de iluminación, pintando luces y sombras sobre los decorados.

Fotogramas de El estudiante de Praga, El Golem y Nosferatu

Fritz Lang (dcha.): Cartel de Los nibelungos y fotograma de Metrópolis

Amar el Cine: Capítulos 1, 7 y 11

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

Para saber más