La fotografía es una Obra de Arte.

Creación de Texto y Contenido en la Estética y la Historia del Arte

Liseth Jahel Galindo Larrota.

Universidad Santo Tomás.

Nota del Autor

Este trabajo se presenta como requisito para el trabajo final de la asignatura Creación de
Texto y Contenido en la Estética y la Historia del Arte. Las correcciones pertinentes al
trabajo se pueden dirigir a Liseth Jahel Galindo Larrota, Facultad de Educación,
Licenciatura en Literatura y Lengua Castellana. Universidad Santo Tomás, CAU
Facatativá, Cundinamarca. Cuarto Semestre. 2014-2.
E-mail: Lisethgalindo@ustadistancia.edu.co

1
 La fotografía es una Obra de Arte.

Para la elección de la problemática a desarrollar, la afirmación y de alguna manera

refutación de algunas ideas o posiciones halladas en las lecturas, se ha tomado como lectura
base “La Obra de Arte en la Época de la Reproductibilidad Técnica” de Benjamín Walter y
como apoyo “Pequeña Historia de la Fotografía” del mismo autor y otras artículos citados
en el desarrollo del trabajo.
A este comentario se articulan las otras lecturas solicitadas, creando así un solo texto, con
el fin de hacer un trabajo mejor sustentado desde varias teorías, con los aportes de un
selecto grupo de autores. Es decir, se tratará: En primer lugar, la Historia del arte
(específicamente en la fotografía1), Historiografía del Arte y la Estética con sus autores
más representativos (Panofsky) Historia de la fotografía, sus creadores, técnicas y sus
obras más representativas de la fotográfica del “común” y la “Fotografía Artística”. El
Significado en las Artes Visuales por Erwin Panofsky. Seguidamente identificaremos los
principales argumentos de las corrientes más importantes de la estética contemporánea
desde sus prácticas y formas de reproducción artísticas presentes en los siglos XIX y XX
(Benjamín). Después tenemos la relación estética e historiográfica al momento de
reproducir teorías actuales sobre el arte; la fotografía en sus inicios y un análisis de las
primeras obras. Por último y tras haber comprendido todo lo anterior es importante
demostrarlo, hacer práctica de lo aprendido. La mejor manera fue tomando una obra de
Arte expuesta en el Museo de Arte Nacional de Colombia (Análisis desde una perspectiva
estética y historiográfica e iconográfica). En conclusión lo que se pretende es que desde La
Fotografía (tema central del comentario) podamos ver un poco de historiografía, análisis,
el significado de estas obras de arte (de lo que tratan las demás lecturas) y concluyendo en
que La Fotografía sí es una obra de Arte.

Se presentas algunas (Obras de Arte e Imágenes) en aras de una mejor comprensión de lo

que se está hablando. Pues que mejor manera de explicar sino por medio de una imagen.
“Vale más una imagen, que mil palabras”.

1
Se encuentra dentro de las Ates Visuales, junto con el video, que han sido vinculadas a la pintura y a la
escultura. Pero como único componente en común e spa percepción visual con la que los espectadores las
captarían. (González, 2012)

2
 La fotografía es una Obra de Arte.

COMENTARIO CRÍTICO
“La Fotografía sí es una Obra de Arte”

Empezaremos con “La Obra de Arte en la Época de su Reproductibilidad Técnica”2

dejando por un momento el tema de la reproducción técnica de las obras de arte como tal
y lo referente al cine, (temas tratados por Benjamín en la lectura) nos centraremos en otro
de los temas aquí tratados “La Fotografía” postulando la idea de: “La Fotografía también
puede ser una Obra de Arte3”.

Fue una gran época de nuevos descubrimientos y de invenciones técnicas. Finalizando el

siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX y en efecto lograron transformar la existencia
del hombre, como: coque, el gas de alumbrado, la prensa hidráulica, el barco a vapor un
nuevo método para la fabricación del papel, el telar, el telégrafo y la luz eléctrica, el
ferrocarril y La Fotografía. (Kein, 1971 )

Había llegado la hora de inventarla, y así lo presintieron varios hombres, los cuales
deseaban la misma finalidad: fijar en la “cámara oscura” imágenes conocidas. De esta
manera se daba inicio a las condiciones para un desarrollo progresivamente acelerado de la
fotografía. 4 La fotografía toma esta ventaja pocos decenios después de que se inventaran la
litografía (siglo XIX). En el proceso de la reproducción técnica la litografía muestra algo
totalmente nuevo, el proceso era más preciso y rápido.
Por otra parte en el proceso de la reproducción plástica se pasa de la mano al ojo el cual
mira por el objetivo. Siendo evidente que: “El ojo es más rápido captando, que la mano
dibujando”5 . Pero la naturaleza que se conecta a la cámara es distinta a la que habla a los
ojos; y es así, porque algo creado a guisa inconsciente toma lugar en un espacio elaborado
por el hombre de manera consciente.
La fotografía capta y muestra detalles que la visión humana o un simple mirar del hombre
no logra captar. Un ejemplo de ello es el citado por Benjamín: el corriente acto de que
alguien se dé cuenta, (a manera muy general) del caminar de las personas, pero
seguramente no sabe o no alcanza a saber nada sobre su actitud en la fracción de segundo
en que se alarga el paso. Cuando tomamos una fotografía de una persona al momento de

2
BENJAMIN, Walter, “La obra de arte en la era de la reproducibilidad técnica”, Discursos Interrumpidos,
Taurus, 1976.
3
Concepto que afirma Paul Valéry, Piéces sur l´art (<<La conquéte, de l´ubiquité>>) “Ni la materia ni el
espacio, ni el tiempo son, desde hace veinte años, lo que han venido siendo siempre. Es preciso contar con
que novedades tan grandes transformen toda la técnica de las artes y operen por tanto sobra la inventiva,
llegando quizás hasta a modificar de una manera maravillosa la noción misma del arte”.
4
Benjamin, W. (1994). Pequeña história da fotografia. Obras escolhidas, 1, 91-107.
5
BENJAMIN, Walter, “La obra de arte en la era de la reproducibilidad técnica”, Discursos Interrumpidos,
Taurus, 1976

3
 La fotografía es una Obra de Arte.

caminar, y por medio de auxiliares como retardador, aumento y demás, percibimos ese
inconsciente óptico.
Cómo se creó la primera fotografía?

Nicéphore Niépce (1765-1833), fue el primero en captar y fijar una imagen en todo el
mundo. En un primer momento en sus ensayos lo hacía con dibujos hechos por su hijo,
pero él tuvo que prestar el servicio militar, Niépce no sabía dibujar así que pensó en obtener
una imagen automáticamente mediante la acción de los rayos de luminosos.
En el año 1816 con una cámara oscura obtiene una imagen sobre un papel impregnado de
cloruro de plata y de acido nítrico, el problema era que los tintes estaban invertidos. En ese
momento Niépce crea lo que hoy llamamos un Negativo y por primera vez se capto una
imagen, allí en el fondo de la cámara negra y sobre una superficie sensible. Reproduce en
1822 grabados traslucidos por contacto con una placa de estaño y ésta a su vez recubierta
de una delgadísima capa de betún de Judea disuelto en petróleo blanco. Tras aprox. dos o
tres horas de exposición, se lava el clisé con una mezcla de aceites y Niépce creó la capa
susceptible de soportar el agua fuerte… Se convirtió con ello en el inventor del
fotograbado. Se la pasaba incansablemente tras la ventana de una habitación en casa de su
hermano, horas y horas posando ante una cámara oscura, tratando de conseguir <<un punto
de vista>> como le llamaba él, a lo que hoy conocemos como: fotografía. (Kein, 1971 ).

Punto De Vista Desde La Ventana En Le Gras. Joseph-Nicéphore Niepce, 1827

Considerada la primera fotografía de la historia, fue tomada con el sistema llamado
Heliografía inventado por Niepce, el tiempo de duración de la toma fue de poco más de
ocho horas y se muestra lo que es la calle y los techos de algunas casas que se veían desde
su ventana. Actualmente se encuentra en la Universidad de Texas, Estados Unidos.
(Aguilar, 2014)

Niépce en sus años de vida, que fueron más de sesenta, no logró el reconocimiento público
como el gran inventor que fue. Por el contrario su vida estuvo vedada de riqueza y gloria

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 La fotografía es una Obra de Arte.

alguna. Pero hoy se reconoce como el primero que consiguió reproducir con la luz, sin
ayuda humana alguna, una imagen del mundo y lograr fijarlo.
A su vez Daguerre ya utilizaba la cámara oscura con el fin de preparar sus decorados. En
1826 intenta conocer los métodos que utilizaba Niépce, el cual no mostro mucha
confianza en Daguerre, pero con el ocurrir de una serie de situaciones, como la negación
de lo ingenioso que había logrado, buscó a Daguerre y en 1833 (no mucho antes de su
muerte) logran firmar el contrato, en el que se acuerda que Niépce revelaría el
procedimiento empleado. Después de la muerte de Niépce, Daguerre se dedica a
perfeccionar la técnica, creando el tan conocido invento El Daguerrotipo (proceso para la
obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida) con el vinieron mejoras como
un tiempo menor de exposición para lograr el tan anhelado retrato; (York, 2004)

El 7 de enero de 1839 ante los miembros de la francesa Academia de las Ciencias se

conoce la invención que revolucionaria el campo de la representación visual: La
Fotografía.(probablemente de ahí radica el debate sobre si se puede comprender la
fotografía como arte”, pues se presento ante la Academia de Ciencias como un invento
científico y como algo tecnológico y NO en donde debió ser para lograr llamarla desde sus
inicios como arte, es decir en la Academia de las Bellas Artes) Para la época eran imágenes
asombrosamente precisas y el autor de esta gran obra era Daguerre.
Entre los más fieles admiradores de la exposición estaba François Arago, (otro punto
importante del porqué no se considero a la fotografía como arte se debe a que el padrino
de Daguerre era un científico y no un artista) un astrónomo notable y miembro de la
legislatura francesa, fue uno de los admiradores más entusiastas del nuevo arte. Se convirtió
en seguidor de Daguerre en la Academia de las Ciencias y la Chambre des Députés, Arago
le aseguro al inventor una pensión de por vida a cambio de los derechos de su proceso; por
lo cual el día 19 de agosto 6de 1839 Daguerre explica paso a paso ante la sesión conjunta
de la Academia de las Ciencias y de la Academia de Bellas Artes como se realiza un
Daguerrotipo, cada uno de ellos eran imágenes tan extraordinariamente detalladas, se
trataba de una imagen fotográfica en una hoja muy pulida, plateado de cobre, sensibilizadas
con vapores de yodo, expuesto en una cámara de caja grande, revelado en los vapores de
mercurio y estabilizado con agua salada muy caliente. (Realmente fue algo mágico para los
asistentes).

Daguerre promovió la fotografía desde dos campos: Como -Herramienta Científica- y

como -Medio de Expresión Artístico.

La fotografía (daguerrotipo) quizás más importante y significativa de Daguerre es:

Louis Daguerre, Vista del Boulevard du Temple, París, 1838, daguerrotipo.7

[Desde un análisis por Significación Primaria Natural, en donde se aprende identificando

formas puras (ciertas configuraciones de línea, color...) como representaciones de objetos
naturales, casas, humanos, animales, etc, e identificando sus relaciones mutuas, como
acontecimientos, captando ciertas cualidades expresivas como el carácter doliente de una

6
Día Mundial de la Fotografía, conmemorando el primer sistema para la obtención de fotografías.
7
Actualmente se encuentra custodiada por el Bayerisches National museum, en Múnich, Alemania.

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 La fotografía es una Obra de Arte.

postura o un gesto, la atmosfera tranquila y domestica de un interior. Después de haber

reconocido el universo de las formas puras, como las portadoras de significaciones
primarias, se constituye una descripción Pre-Iconográfica de la obra de arte.] (Panofsky,
1955).
Podemos interpretar del Daguerrotipo:
Foto de la antigua Paris, para ser más precisos 176 años atrás. Es una calle muy transitada
de la ciudad, pero solo aparecen dos figuras en esta imagen (considerada la primera foto de
personas, lo que le añade un gran valor) y se trata de un limpiabotas y su cliente, se logra
apreciar que el lustrabotas tiene uno de sus brazos sobre la rodilla de su cliente, él está de
pie y con sus brazos atrás, mientras que el lustrabotas esta en lo que podría ser un banco o
cajón.
La imagen en general transmite un poco de nostalgia por los tiempos aquellos, el cliente da
una imagen de ser un hombre solitario que iba pasando por allí y simplemente decidió
lustrar sus botas. A su vez el lustrabotas da una sensación de ser un hombre humilde de
corazón de ser ese señor que todos saludan y al que le sienten gran aprecio, posiblemente
pese a ser un hombre querido y conocido era un hombre tímido.
Pero si la calle era tan transitada por qué solo aparecen dos personas? Por qué se muestran
las calles vacías y fantasmales? Se debe al largo tiempo de exposición que en aquella época
requería tomar un daguerrotipo y solo estas dos personas se quedaron en el mismo lugar
durante el tiempo requerido.
Podemos observar una imagen de fuerte contraste, a blanco y negro, la calle parece
brumosa y con un toque de oscurecimiento en sus bordes producidas por la lente de la
cámara.
Se ve el avance arquitectónico de la época, el desarrollo industrial. Pero qué paso con esas
dos personas? Sabrían ellos que siglo y medio después serian tan importantes, sabrían en
aquel entonces que eran las primeras personas en ser fotografiadas?
Según la investigación de la historiadora Shelley Rice,8el limpiabotas y su cliente son
actores ubicados allí por Daguerre, quien previamente habría tomado otra fotografía del
mismo lugar, notando la incapacidad de la técnica fotográfica de aquel momento para dejar
registro de la intensa actividad humana de ese lugar.

8
Rice, Shelley (1999) Parisian Views. MIT Press. USA

6
 La fotografía es una Obra de Arte.

Oscurecimiento por la lente

de la cámara.

Es la primera fotografía de
personas.

Hacia el año de 1839 por una de estas placas (fotografías) se pagaba alrededor de 25
francos oro y se les guardaba como si se tratase de joyas, ya que eran guardadas con recelo
y en estuches especiales. 9 No tardo en llegar la industrialización del Daguerrotipo, en París
en tan solo un año se vendieron más de 500.000. Daguerre y su cuñado lograron sacar al
mercado una cámara llamada Daguerrotype (enumerada y firmada por Daguerre).

Es importante citar de igual manera a Hill, siendo un pionero en la fotografía; sus fotos eran
notables por la sencillez en la composición de los temas, la iluminación directa que
manejaba y la especial habilidad que tenia para captar con su cámara la personalidad del
modelo que posaba para él. 10 También a Félix-Jacques-Antoine Moulin, quien para 1850
toma la fotografía Dos Mujeres De Pie Desnudas. Ciertamente a Félix-Jacques no lo había
mencionado y no es considerado padre de la fotografía. Pero sí que es un pionero y sobre
todo por este daguerrotipo de tipo “desnudo” se considera la primera fotografía que muestra
un cuerpo (mejor dicho dos) desnudos.

99
Benjamin, W. (1994). Pequeña história da fotografia. Obras escolhidas.
10 10
Benjamin, W. (1994). Pequeña história da fotografia. Obras escolhidas, 1, 91-107

7
 La fotografía es una Obra de Arte.

El mérito se lo adjuntan a Daguerre, pero las investigaciones del Metropolitan Museum of

Art, N.Y., en Estados Unidos demostró lo contrario, por cierto ahí es donde se encuentra
actualmente, (Anexo1).

II

En 1880 los fotógrafos querían recrear la ilusión de ese “aura”11 valiéndose de retoques y
de las aguatintas, pero el aura se vio despojada, aislado como lo fue lo oscuro de la imagen,
por la corriente en donde el objetivo era de más luminosidad, la moda entonces en la
imagen era la tonalidad “crepuscular” con interrupciones de reflejos artificiales.
El primero fue Bayard, y se le atribuye la primera mentira fotográfica o la primera
manipulación fotográfica, ya que debido a su enojo por el reconocimiento a Daguerre y no
a él,12 decidió tomarse un autorretrato y a la hora de revelar, expuso un poco más su cara a
la luz para poder darle un tono más oscuro y que pasara como muerto, para asustar a las
autoridades.
Igualmente está resguardada en la Société Francaise de Photographie, en París, Francia.
(Aguilar, 2014), (Anexo 2).

Los conceptos de la fotografía fueron cambiando constantemente en un ir y venir de

corrientes y técnicas. Por lo que es difícil (casi imposible) encasillar la fotografía en un
estilo, en una sola corriente, en un movimiento.

(Jorge, 2000)La fotografía desde su origen hasta hoy ha sido comprendida incorrectamente.
En gran parte se debe a que no se le dio la suficiente importancia al factor técnico en el
proceso de obtención de una fotografía y como consecuencia tenemos: 13
Desprecio de sus posibilidades artísticas
Sobre-valoración artística del factor mecánico y el azar que este elemento conlleva.
Dos extremos.
(Pasando incluso por encima de todo ingrediente creativo personal)

Pero realmente lo que le negó toda posibilidad artística a la fotografía y la encasillo en el

campo de ciencias y tecnologías fue la idea de Daguerre y la decisión del mismo de hacer
la presentación del Daguerrotipo ese 19 de agosto de 1839 en la Academia de Ciencias y no
en el lugar más apropiado para darlo a conocer como otra manera de expresión y creación
artística: La Academia de Bellas Artes. De haber sido así nos hubiésemos evitado ciento
setenta y cinco años de una lucha y debate continúo por definir si la fotografía es arte o no.
sí.

11
“Aura” para Benjamín significaba: Manifestación irrepetible de una lejanía (por cercana que pueda estar).
12
Bayard luchó contra Daguerre por el reconocimiento de descubrir un método o sistema con el que se
pudieran tener imágenes fijas en papel permanentemente, lo lamentable fue que debido al detalle que
tenían los daguerrotipos frente a las impresiones en positivo directo de Bayard, Daguerre ganó la contienda.

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 La fotografía es una Obra de Arte.

Contrario a lo que se afirmo tiempos atrás por críticos de la época, cuando se referían a la
imagen fotográfica “la imagen obtenida por la fotografía no es más que un “espejo” de la
realidad y carente de toda expresión artística, es decir se creía neutral. El fotógrafo no
hace la fotografía sino la cámara”. Afirmaciones no posibles. Pues al tomar una fotografía
se hace mucho mas que tomar una imagen de la realidad, gracias a las posibilidades de la
cámara como (ajustes de apariencia, zoom, posición, tonalidad, etc) y la selección de la
imagen por parte del fotógrafo, en ella se expresa el objetivo de él y el sentimiento
atribuido por (el modelo, lugar, locación, los elementos o accesorios, etc).

“Así, con la fotografía sucede lo mismo que con otros lenguajes plásticos como el óleo
sobre lienzo, el pastel, la acuarela, el grabado, etc: es un medio de representación de la
realidad con el que puede hacerse (o no hacerse) arte. Porque el arte no está tanto en el
cómo (el lenguaje utilizado) o en el para qué (su finalidad), sino en el conjunto de todos
esos factores de cara a un porqué; o, dicho de otra forma, es el resultado de una actividad
sujeto-objeto, artista-obra, con vistas a la transmisión de ese diálogo a un tercero, el
espectador” 14

El fotógrafo es una artista más, al igual que el pintor debe seleccionar el tema, organizar el
plano y las dimensiones exteriores como internas; lo formal como lo significativo. La
distinción de pintura y fotografía como arte15, está fuera de lugar, la diferenciación debe ser
entre las fotografías corrientes y las artísticas. En cuales fotos se pueden considerar arte,
qué expresan y qué generan en su espectador y esas que son un simple espejo
insignificante de una realidad o cosa.

Un defensor y quien considero a la fotografía (y a todo lo nuevo) como arte sin lugar a
duda fue el Dadá (dadaísmo): este movimiento abarca todos los géneros artísticos y es la
expresión de una protesta nihilista contra la totalidad de los aspectos de la cultura
occidental. Le conferían especial importancia a los objetos de origen industrial.
Los dadaístas tomaron las fotografías de Atget,16 las publicaron y con ellas se dio inicio a
la costumbre de la reinterpretación interesada de los fotógrafos del pasado, permaneciendo
hasta los presentes tiempos. Contrario a las afirmaciones de Benjamín “en las copias no se
puede percibir lo que se percibe en las obras originales, perdiéndose el aura” en estas
copias originales de Atget se gana con el pasar de los años un aura, porque en ellas se ve y
se habla de un París perdido, por un tiempo especial del que tanto se ha escrito. 17

14
Cfr. COLOMA, I. La forma fotográfica, Ed. del Colegio de Arquitectos, Málaga, 1986, p. 125
15
Para que una obra sea considerada arte, debe causar cierta sensación de trascendencia que eleve de su
inicial condición de objeto a un acto concreto.
16
Las fotografías de Atget tomaron un valor artístico muy importante, gracias a esta historiografía. Lo más
paradójico por así decirlo, es que él solo tenía el deseo de documentar los rincones de París.
17
Benjamin, W. Op. cit. p. 39.

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 La fotografía es una Obra de Arte.

III

La Fotografía Artística.

También llamada Pictorialista. Se desarrolla después de la segunda mitad del S. XIX y su

característica principal es que integra elementos de la pintura en la fotografía. Este
movimiento surge debido a las múltiples acusaciones que sufría la fotografía referente a su
carencia de valor artístico. Sus fotógrafos (aquí artistas) querían que el tomar una fotografía
fuera un trabajo laborioso, con la ayuda principal de la inspiración y hacer un proceso en
lo posible, menos mecánico. Para lograr una imagen “artística” en primer lugar realizaban
un boceto luego utilizaban decorados y/o disfraces. Finalmente se hacia una composición
de negativos (fotomontaje). Siendo la imagen final el resultado de muchos procesos. En
sus inicios el daguerrotipo fue ese boceto con el tiempo empezaron a utilizar los nuevos
métodos.

(Rabanal) Los fotógrafos del movimiento se definían como artistas en la línea de las
teorías del romanticismo del S. XIX, en ésta se destacaba la sensibilidad e inspiración de
los autores; pasando a un segundo lugar los conocimientos técnicos.
Después el impresionismo era la corriente que más se veía en los artistas pictorialistas.
Ellos buscaban el desenfoque o el conocido efecto Floue, para lograr dicho propósito ellos
suponían:

- Selección de los temas: Paisajes, Días nublados, de lluvia, de niebla y en general

todos los paisajes o lugares en donde la imagen no resultaba nítida.
- Retrato: en su inicio se eligieron figuras femeninas pero también buscaban esa
borrosidad, alegorías, etc.
- Entre el tema seleccionado y la cámara se colocaban los filtros, pantallas y demás
objetos que impedían ver una imagen clara.
- Juego con las luces y las sombras.

Con la nueva generación de fotógrafos y en parte gracias a la comercialización de la cámara

Kodak. Al poco tiempo surgieron diversos grupos con el objetivo de demostrar los valores
artísticos de la fotografía, de lograr posicionar la fotografía al mismo nivel de la pintura.
Para lograrlo recurrían a la manipulación posterior de la fotografía .Para los pictorialistas el
negativo era como el lienzo en blanco para los pintores. El proceso creativo se realizaba en
el positivado. En esta época los fotógrafos preferían los temas clásicos de la pintura:
paisaje rural, retrato, desnudo y las escenas de ballet.

Entre los principales representantes del Pictorialismo tenemos:

Peter Henry Emerson y Robert Demachy (Anexo 3). Otros serían Alvin Langdon Coburn,
Heinrich Kühn, Léonard Missone, Comandante Puyo, Fred Holland Day, Richard Polak,
George Davison, Lionel Clark, Hugo Henneberg, Fred Holland Day, Gertrude Käsebier,
Edward Steichen, Clarence Hudson White y Frederick Henry Evans. José Ortiz Echagüe .

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 La fotografía es una Obra de Arte.

A continuación algunas obras de una fotografa muy importante del Pictorialismo:

Julia Margaret Cameron

Julia Margaret fue una enamorada de la Fotografía, desde que su yerno e hija le regalaron la
Lady Camera. “Desde el primer momento he manejado mi objetivo con tierno ardor,”
escribió, “y se ha convertido para mí en algo vivo, con voz, memoria y vigor creativo.”18
Aunque no fue un proceso fácil para ella, pues estuvo lleno de frustraciones. “A principios
de este año me inicié en la fotografía… Me puse a trabajar sola y sin ayuda durante el
severo mes de enero. Sentí que mi camino estaba en la oscuridad de interminables
fracasos…” (En una carta que le envió a Herschel en 1864).

Pese a su perfeccionismo recibió críticas poco positivas sobre sus fotografías. Pero
también recibió críticas que reconocen en cierta manera su valor artístico:
«…Su trabajo posee un cierto aire artístico que reclama atención y admiración por lo sugestivo, y
hace que sus fallas sean tanto más lamentables […] admitiendo por un momento la excelencia
artística sentimos que se ha de protestar por las deficiencias técnicas. Las sugerencias de belleza
en estas fotografías únicamente hacen más triste el desprecio a la excelencia técnica.» The
Photographic News, 18 November 1870, editorial.

Las temáticas que empleaba eran escenas literarias, históricas, mitológicas, alegóricas19,
poéticas y religiosas. Son escenas simbólicas, ella muestra una necesidad de conectar lo
humano con lo divino. En sus retratos se ve como era meticulosa al momento de captar las
emociones y expresiones de sus modelos.

18
(Cameron)
19
Por oposición a las historias las Alegorías pueden definirse como combinaciones de personificaciones y/o
símbolos.

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 La fotografía es una Obra de Arte.

La imagen también se ha llamado “Después de Perugino/La Anunciación” Cameron

encuentra gran inspiración en su profunda devoción cristiana y su admiración hacia la
pintura italiana del Renacimiento Temprano. Se puede decir que estas fotografías se
adhieren a una iconografía tradicional (sólo en su sentido más amplio). En este caso
Cameron está en la línea de las pinturas de la Anunciación, en donde el Ángel Gabriel
presenta un lirio como símbolo de la pureza, a la Virgen María.
Con esta imagen Cameron desde su sinceridad en sentimiento, logra que se perciba en él
un aura de devoción. A su vez quiere que se le dé un puesto de igual importancia como le
fue dado al arte Sacro del pasado.

Inscripción: Firmada e inscrito con tinta en el monte, LL anverso: “De la Vida” LC:
“Estudio” LR: Julia Margaret Cameron, LC: [Cerca al Borde]:”Para el Señor”.

En la primera imagen vemos a María Hillier por ser tan extraordinariamente emocional y
expresiva, era una mujer versátil, numerosas veces la eligieron para que posara como la
Virgen María. Seguramente a Cameron muy ligada a la expresión del sentimiento y a lo
divino, se vio completamente cautivada al ver como se conecta la madre con el bebe.
(Cameron) Aquí podemos ver un ejemplo de alegoría, pues al ver una mujer con velo es su
cabeza y un niño en brazos, sabemos que se refiere a la Virgen María y a su hijo Jesús. En
las obras de Cameron (en especial en sus primeros años) es muy común que utilice
alegorías, trata de recrear ciertos momentos importantes o significativos en la religión a la
cual ella es muy devota, pero siempre enfocándose mas en el sentimiento y expresión que
en los detalles. A ella de hecho se le critico mucho lo poco detallada y técnica que era, pero
no se fijaban que el arte que ella manejaba era de reflejar mucho más allá de lo que
podemos ver a simple vista.

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 La fotografía es una Obra de Arte.

Edward J. Steichen
(Estadounidense, nacido Luxemburgo, 1879-197). El Pequeño Espejo Redondo (1901)20

(Steichen, 2000) Es una imagen del Pictorialismo en el siglo XX, Arte americano y del
Tonalismo en el siglo XIX. Fue creado con una técnica de Gum (pegamento) bicromato
estampado platino.
Es la fotografía de un desnudo y con un único objeto en la escena, el pequeño espejo
redondo.
Esta fotografía se realizo en Paris en el año 1901. En esta fotografía se aprecia que se
requirió de un diligente trabajo en cuarto oscuro, llevo mucho tiempo sobre todo porque al
querer lograr una imagen así se deben realizar varios procesos de impresión. Aunque la
fotografía de la leve impresión de ser muy espontanea. En esta fotografía Steichen aplico
varias capas de pigmento oscuro para enmascarar la identidad de su modelo21
convirtiéndola en un elemento estético armonioso con el resto de la escena.

…Hoy por hoy con los avances tecnológicos en torno a las cámaras y lo que ellas nos
brindan, como una nitidez jamás pensada, la posibilidad de acercar o alejar, enfocar,
desenfocar, el cambio de matices, tonalidades y demás. Sin contar el amplio grupo de

20
Al parecer la modelo que aquí aparece es “Rosa”, quien fuera la amante de Steichen. Años después esta
relación se deterioro tras el acoplamiento de Steichen y Clara Smith. Al ver esta situación y probablemente
debido al dolor y situación de desespero al que se enfrentaba Rosa decidió quitarse la vida.

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 La fotografía es una Obra de Arte.

programas diseñados para la edición de fotografías en los cuales se les puede añadir otras
fotografías y hacerlas parecer una sola, ajustar “imperfecciones” y un sin fin de
posibilidades que si se saben utilizar nos permiten crear una imagen artística. Lo ideal es
poner todos estos avances como ayudas para logar un resultado estético y artístico, bello...
…Arte no es la perfección de técnica ni mucho menos, como lo creían y creen muchos, arte
es en primer lugar es un término que constantemente está en proceso de cambio. Lo
importante es lo que nos transmite y el cómo posiblemente nos sentimos identificados con
lo que vemos, como los griegos y su arte expuestos en la Tragedia de Nietzsche.
En un retrato al oleo podemos sencillamente no percibir nada, sus trazos y su composición
en general pueden ser tan planos y técnicos que se le eliminó por completo su valor
artístico, pero por el contrario si podemos ver una fotografía que nos genera un profundo
sentimiento, en donde se pueda ver la conexión (muy importante al momento de hacer una
fotografía) del modelo y su fotógrafo, la perfección de su luz, de sus matices, etc.

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 La fotografía es una Obra de Arte.

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22
Museo Nacional, exposición de (Hernán Díaz, Ibagué ,1929 - Bogotá, 2009).

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 La fotografía es una Obra de Arte.

“Visita Museo Nacional De Colombia E Interpretación Y Análisis De Una Obra Allí

Expuesta”

En el museo nacional se realizó una exposición temporal que iniciaba el 4 de Septiembre

hasta el 26 de Octubre del presente año. Pintadas por el artista Francisco Antonio Cano
(Anexo 4) titulada Francisco Antonio Cano: La Mano Luminosa.
Para empezar en el mes de Mayo del año 1904 Francisco participa en la Exposición
Nacional de Bellas Artes organizada por Andrés de Santamaría en la ciudad de Bogotá.
Para la que pinto en un óleo sobre tela titulado “La Niña de las Rosas”

16
 La fotografía es una Obra de Arte.

Con la anterior pintura se pretende realizar un proceso de análisis en la obra de arte:

1. Significación Primaria o Natural

Como se explicó anteriormente en la identificación de formas puras como la configuración

de línea, color, etc. Captar si hay alguna cualidad expresiva como el carácter de una postura
o la atmosfera en la que se encuentra la escena. Y con el listado de formas halladas se da
una descripción Pre-iconográfica de la obra de arte.

1.1. Significación Fáctica: esta significación la aprehendo identificando

simplemente ciertas formas visibles. Cuando se logra identificarlos de manera
natural habrán de producir en mí una reacción.

En este caso podemos observar en el vestido de la niña unas líneas suaves oscuras, la vida
que Cano le da a la cabellera de ella, con esa tonalidad castaña y con esas pinceladas claras
que dan la ilusión de ser los rayos solares. Estos reflejos de los rayos solares forman parte
fundamental en toda la pintura: sobre el muro, bajo los rosales y en los mismos, en el
camino y una parte en el tronco del árbol que va inclinado hacia el muro. Pero lo que le
atribuye el titulo de la exposición es ese reflejo tan especial que tienen los brazos tanto el
que tiene las tijeras y el que sujeta la rosa en la parte inferior. Son unos brazos y manos
luminosos.
Esa combinación tan perfecta en los colores del suelo en donde la luz solar le imprime ese
color arena vivo con unas sombras de color marrón y como en la parte inferior del rosal
que ella sujeta le da a la tierra unas pequeñas pinceladas de color rosa y más hacia el muro
un poco de color amarillo.
Ahora fijémonos en como Cano le imprime a esas rosas un toque tan especial en parte por
la luz que les llega pero en particular como en la gran mayoría de rosas les da un tono muy
sutil de rosa pastel y en el centro aplica un rojo más vivo y en ocasiones un color que
parece salmón. En las rosas que están en el suelo maneja un rojo muy vivo y en unas usa
ese rosa pálido con el centro rojo pero en la mitad aplica amarillo pastel. Realmente es
hermoso el jardín que nos muestra Cano.

Si nos centramos en la niña como tal vemos la guisa tan perfecta como define el rostro de
ella, lo bello que hace ese rostro con las cejas tan bien definidas, el color de los labios y el
leve color en las mejillas. Y los ojos de ella que al parecer son claros. Fijémonos en ese
matiz azul que usó en la cara de la niña, específicamente en la mandíbula y un poco en la
nariz.

1.2.Significación Expresiva no es aprehendida por simple identificación, sino por

<<empatía>>. Para comprenderla se necesita de cierta sensibilidad.

Cuando observamos a nivel general este cuadro, nos genera una sensación de tranquilidad,
paz, de armonía y también de esa inocencia y pureza de la niña. Ella genera ternura y
agrado al observarla tanto que la misma imagen no nos permite mirarla de reojo si una sola
vez, es de esas imágenes que no se deben mirar sino contemplar, ella misma sugiere seguir
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 La fotografía es una Obra de Arte.

apreciándola y da la idea de que se moverá y cortará esas rosas. Ella parece muy
entretenida y concentrada en lo que hace a tal punto que no se puede creer que este
posando para una pintura sino que Cano la vio y sin que ella se diera cuenta la fue pintando,
cautivado por la escena, pues el contraste es perfecto empezando por ella que es una niña
hermosa y delicada; con su vestido azul y su cabellera irradia luz propia. La manera como
el sol la ilumina y como ilumina esos rosales que con tanto cuidado ella trata, la tierra
donde ella pisa y el jardín donde ella se encuentra. Ese lugar es más que eso, es ese sitio
especial y favorito donde uno puede ser uno mismo, donde la reflexión y la paz son
posibles. Genera un aura23, esos deseos de estar allí de tocar esas rosas de sentir ese sol
aunque se encuentre lejos pero a la vez muy cerca.

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Esa realidad difusa que envuelve a la obra de arte y que, en cierta forma lo constituye. Benjamín Walter lo
define en “Reproducción Técnica de la Obra de Arte” como: La manifestación irrepetible de una lejanía (por
cercana que pueda estar, y nos da el siguiente ejemplo: Como descansar en un atardecer de verano y seguir
con la mirada una cordillera en el horizonte o una rama que arroja su sombra sobre el que reposa, eso es
aspirar el aura de esas montañas, de esa rama.

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Anexos

Anexo N°1
Dos Mujeres De Pie Desnuda- Félix-Jacques-Antoine Moulin, 1850.

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Anexo N°2
Autorretrato Como Un Hombre Ahogado. H.Bayard, 1840

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Anexo 3
Robert Demanchy

1 Struggle, 1904

1. En la primera imagen podemos observar un desnudo, titulado Struggle (Lucha), creado

por Demanchy con una Camera Work, No 5, en Enero de 1904.

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Dans les coulisses, 1906 – Robert Demanchy

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Anexo 4
Foto Rodríguez, Francisco Antonio Cano, 1902. Archivo fotográfico Biblioteca Pública
Piloto de Medellín.

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En el Museo Nacional también fueron exhibidas las siguientes pinturas (óleo sobre lienzo)
de Francisco Antonio Cano.

Confidencias, 1901.

Dominadora, 1906.

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 La fotografía es una Obra de Arte.

Trabajos citados
Aguilar, A. (20 de Agosto de 2014). FotoFestin. Obtenido de Top 10 Fotografias Tomadas por
Pioneros. : fotofestin.com

Cameron, J. M. (s.f.). The Metropolitan Museum of Art. Obtenido de The Metropolitan Museum of
Art: http://metmuseum.org/exhibitions/listings/2013/julia-margaret-cameron

Catellanos, P. (1999). Impresiones Nobles. En P. Castellanos, Diccionario histórico de la fotografía

(pág. 121). Madrid : Ediciones Istmo.

González, J. D. (2012). Otras Clasificaciones . En J. D. González, Literatura y Artes Plasticas (pág.

20). Bogotá,D.C., Colombia: Departamento de Comunicaciones Universidad Santo Tomás.

Jorge, L. I. (2000). The Art of Photography:Towards an Aristocratic Vsion. Obtenido de Universidad

de Navarra, Departamento de Cultura y Comunicacion Audiovisual, Facultad de
Comunicación de la Universidad de Navarra: http://www.unav.es/fcom/communication-
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Kein, J.-A. (1971 ). Invención de la Fotografía . En J. -A. Kein, Historia d ela Fotografía (pág. 10 ).

Panofsky, E. (1955). Iconografía e Iconologia; Introducción al estudio del arte del Renacimiento. En
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A0E6-
16A692A72049%7D&oid=266256&pkgids=220&pg=1&rpp=90&pos=33&ft=*&imgNo=0&t
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