https://postwar.hausderkunst.

de/en/exhibitions/postwar-art-between-the-pacific-and-the-
atlantic-1945-1965/realisms

Primero explotó la bomba atómica, y luego la pintura. El Ejército americano ganó la

guerra en Europa y, en la década siguiente, los expresionistas abstractos, con Pollock
a la cabeza, ganaron la batalla del arte, convirtiendo Nueva York en la nueva capital de
la pintura en lugar de París, destruida en cuerpo y alma.

El término "posguerra" describe el período histórico posterior al final de la Segunda Guerra Commented [1]: Preguntar a los alumnos si saben
Mundial en 1945. Estos años marcan la derrota decisiva de Alemania en Europa y de Japón qué es la posguerra?
en Asia, marcando un punto de inflexión en la historia mundial.

En el campo del arte, el período de la posguerra marca también un punto de inflexión histórico
y cultural particular, ya que provocó la disminución del dominio de las capitales del arte de
Europa Occidental y el aumento de la presencia internacional y la hegemonía del arte
contemporáneo estadounidense, la cultura popular y los medios de comunicación de masas.
El estado de las artes también reveló una clara falla ideológica: Detrás de los términos
"realismo socialista" y "abstracción", el binario simplificador entre el comunismo y la
democracia capitalista, se proyectó el contexto de la Guerra Fría, que a menudo traía
motivaciones más complejas y oscuras para la producción artística.

Sin embargo, a escala mundial, varios factores complicaron este proceso binario -luchas de
descolonización, movimientos independentistas y resistencia anticolonial en África, Asia y el
Medio Oriente- incluso cuando las potencias de la Guerra Fría cortejaban y buscaban el
control de las nuevas naciones. Estos actores cada vez más independientes sugirieron
orientaciones y alianzas muy diferentes -incluidos el panafricanismo y el Movimiento de los
Países No Alineados- tras el imperialismo y el fin de la guerra.

Si vamos a analizar las cartografías del modernismo de la posguerra, deberíamos

preguntarnos ¿Hasta qué punto la política ejercía presión sobre lo estético, o lo cultural sobre
lo artístico? A su vez, ¿cómo negociaron, resistieron o incluso subvirtieron las ideologías
políticas o el nacionalismo cultural los artistas, críticos e intelectuales?

La hora cero y la era atómica

La era de la posguerra es introducida por la imagen apocalíptica de la bomba atómica - una

nueva tecnología que marcó el comienzo de una era de principios y finales entrelazados,
promesas y traiciones. A medida que las imágenes contemporáneas de los campos de
concentración ponían fin a las aspiraciones europeas al universalismo moral, la bomba y la
devastación de Hiroshima y Nagasaki marcaron el fin del poder político de Europa en el
mundo y la apertura de una era de dominio militar estadounidense. Esto, a su vez, provocó
un nuevo tipo de guerra: la Guerra Fría y la carrera armamentista. Al anunciar un período de
ocupación en Japón, el final de la Segunda Guerra Mundial también marcó el comienzo de
una era de luchas por la liberación y la independencia en África, Asia, Oriente Medio y otros
lugares. Ubicua como imagen de sí misma y en la amenaza que representaba para el mundo
entero, la iconografía de la nube en forma de hongo ayudó a crear una nueva conciencia del
globo como entidad única e interconectada, un nuevo sentido de escala enfatizado por el
programa de exploración espacial que surgiría de la tecnología militar, ofreciendo visiones de Commented [2]: Discusión con los alumnos sobre el
la Tierra que reforzaban este sentido de integridad e interconexión global. miedo como fuerza unificadora.
Commented [3]: Norman Lewis
El uso estadounidense de la bomba representó y promulgó el dominio militar y económico Cada átomo brilla: Electrones en Vibración Luminosa
1951
estadounidense. Artistas americanos como Norman Lewis, en Every Atom Glows: Los Óleo sobre lienzo
electrones en Vibración Luminosa (1951), estaban excitados por las maravillosas 137,2 cm x 88,9 cm
Museo de Bellas Artes de Boston. La Colección John
revelaciones naturales y asombrados por la escala bíblica del poder de la bomba, aun cuando Axelrod - Frank B. Bemis Fund, Charles H. Bayley
se mostraban escépticos ante las disculpas del gobierno de Estados Unidos por su uso. La Fund y The Heritage Fund for a Diverse Collection - ©
bomba era también, obviamente, una historia japonesa, contada a través de la fotografía (gran Estate of Norman W. Lewis. Cortesía de Michael
Rosenfeld Gallery LLC, Nueva York. Fotografía © 2016
parte de ella suprimida, sólo para ser liberada más tarde) y por artistas como Iri y Toshi Museo de Bellas Artes de Boston
Maruki, que regresaron a Hiroshima apenas tres días después del bombardeo y decidieron Norman Lewis había estado pintando en un estilo
social realista antes de que se estableciera en un
comenzar un ambicioso ciclo de pinturas -Los Paneles de Hiroshima (1950-82)- que lenguaje abstracto entre 1945 y 1946, cuando conoció...
describirían el sufrimiento que vieron allí. Tras el culto del futurismo a la tecnología, los artistas
Commented [4]: Las imágenes de los paneles
italianos también se centraron en la bomba. En 1952, Enrico Baj pintó el Manifiesto del Boom, entrelazan la composición tradicional de Asia Oriental,...
con una cabeza en forma de nube de hongos negros sobre un fondo amarillo ácido recubierto Commented [5]: Enrico Baj (1924 - 2003)
de eslóganes y fórmulas antinucleares: "Las cabezas de los hombres están cargadas de Manifiesto Nucleare BUM ...
explosivos / cada átomo está explotando." Commented [6]: Joseph Beuys (Krefeld, 1921 -
...
Dusseldorf, 1986) defiende una naturaleza catártica del
En el período inmediatamente posterior a la guerra se estrenaron fotografías y películas de Commented [7]: En 1961 Gerhard Richter (Dresde,
ciudades en ruinas y de supervivientes de campos de concentración. El impacto de estas Alemania, 1932) se instala en Düsseldorf, donde entra...
imágenes, y la plena realización de la escala y profundidad del horror de los campos, Commented [8]: Wolf Vostell fue testigo de los
desencadenó muchas obras, entre ellas Monumentos al Ciervo de Joseph Beuys (1949-58), devastadores efectos de la contienda en ciudades ...
Atlas de Gerhard Richter (1962-presente), y Shoah de Wolf Vostell (1958-63). Commented [9]: El arte abstracto es una forma de
expresión artística que prescinde de toda figuración y ...
Commented [10]: Informal (en su variante francesa
informel) es el término genérico utilizado por el crítico ...
Cuestiones de Forma
Commented [11]: El término fue utilizado por primera
vez en Alemania por el artista ruso Wassily Kandinsky...
La abstracción materialista está agrupada bajo etiquetas como "art informel", "expresionismo
Commented [12]: Lee Krasner, quien fue esposa de
abstracto" (Ver a Lee Krasner) y "Gutai", así como obras de artistas que respondieron a Jackson Pollock, comenzó su carrera pictórica en la ...
ciertas características pero que encontraron significados diferentes y locales en el material y
Commented [13]: Como uno de los fundadores del
en la forma en que lo manejaron. Los críticos de la época hicieron hincapié en la competencia movimiento Gutai junto a su mentor Jiro Yoshihara, ...
estilística, que a menudo se ha convertido en competencia nacional en los relatos históricos, Commented [14]: De nacionalidad francesa, aunque
enfrentando, por ejemplo, al artista francés Nicolas de Stael contra el estadounidense Franz de origen ruso, logró el éxito y la fama gracias a su ...
Kline como síntoma de la promoción oficial de los valores estadounidenses -libertad individual Commented [15]: Nació en Wilkes-Barre, Pensilvania,
y democracia- tal y como se encarnan en la pintura abstracta. Estados Unidos, el 23 de mayo de 1910. ...
Commented [16]: Jean Philippe Arthur Dubuffet nació
En la Postguerra se enfatiza la afinidad de ideas y materiales entre los artistas que emigraron en Le Havre, Francia, el 31 de julio de 1901. ...
a Estados Unidos desde Europa. Jean Dubuffet en Francia y Avinash Chandra en la India, Commented [17]: 1931- 1961. Se alejó de la pintura
por ejemplo, compartieron una creencia en el arte que es orgánico, materialista y vitalista. india y de la influencia paterna y viajo al reino unido ...

Otros trataron de introducir la pintura gestual en experimentos performativos de cuerpo Commented [18]: Carolee Schneemann (1939) es
entero, incluyendo a Carolee Schneemann, Niki de Saint Phalle, Tetsumi Kudo, y Kazuo
considerada una de las pioneras del performance a ...

Shiraga. Commented [19]: Niki de Saint Phalle fue una

prominente artista Franco-Americana, escultora ...
Commented [20]: Tetsumi Kudo (nacido en Osaka,
Este arte materialista es típico de la posguerra en su diferencia con las anteriores iteraciones 1935-1990) exploró las posibilidades existenciales de ...
europeas del modernismo, rechazando a menudo la geometría en una crítica de la
Commented [21]: Kazuo Shiraga era un artista
racionalidad y la ciencia, que se veían como un callejón sin salida en la guerra y la bomba. japonés conocido por su práctica de la pintura ...
En cambio, los artistas favorecieron el gesto, las materias primas, el azar y las leyes físicas;
Commented [22]: Nació en Città di Castello, Umbría,
las superficies son táctiles, ásperas y desiguales. Muchos artistas, entre ellos Alberto Burri, Italia, el 12 de marzo de 1915. ...
Antoni Tàpies, Mohan Samant, e Ivo Gattin, fueron más allá, para invocar la entropía de la
materia y, más concretamente, la destrucción total relacionada con los acontecimientos
traumáticos y las ruinas persistentes del paisaje de la posguerra.
Realismos
Wojciech Fangor, Postaci (Figuren), 1950 - © Muzeum Sztuki en Łódź Cortesía de Galeria
Stefan Szydlowski
Wojciech Fangor, Postaci (Figuren), 1950 - © Muzeum Sztuki en Łódź Cortesía de Galeria
Stefan Szydlowski
La otra mitad del binario de la Guerra Fría es, por supuesto, el realismo socialista de la Europa
soviética, china, oriental y central. Aquí, en mayor medida, la apropiación institucional se
produjo antes, no después, de la producción artística. Sin embargo, las cuentas de esta
categoría también pueden ser demasiado fijas. Incluso en el apogeo de su aplicación, el
realismo socialista no era un estilo único. Bajo Mao Zedong, los artistas chinos produjeron
grandes retratos oficiales del Presidente (Jia Youfu, Marching Across the Snow-covered
Mount Minshan, 1965) y escenas que representaban a los trabajadores modelo, pero también
se toleraba la pintura a tinta tradicional, con la adición de símbolos apropiados del nuevo
orden, como la bandera roja.
En la Unión Soviética, el arte desde la década de 1940 hasta la muerte de Josef Stalin en
1953 se caracteriza principalmente por imágenes afirmativas del trabajo, especialmente por
imágenes heroicas de los líderes del partido . Muchos artistas como Wladiislav Streminski
y Mikhail Shvartsman sufrieron la censura de los gobiernos donde quisieron desarrollar su
trabajo, más volcado hacia la abstracción. Fuera de la Unión Soviética, debido a que había
mucha más libertad para los artistas que trabajaban con la representación socialista oficial,
pintores como Willi Sitte, nacido en Checoslovaquia, crearon obras que, a la vez que
representaban temas oficialmente aprobados, introdujeron estilos de dibujo personal.
El realismo de este período también incluye al influyente pintor muralista mexicano David
Siquieros; arte ideológicamente programático de artistas estadounidenses como Norman
Rockwell, asociado con la interpretación realista y el público popular; y artistas del Partido
Comunista que trabajan fuera de los países dirigidos por los comunistas, incluidos Renato
Guttuso y Boris Taslitzky.
Nuevas imágenes del hombre
Pablo Picasso, Masacre en Corea, 1951 - © Musée national Picasso, Paris © Succession
Picasso / VG Bild-Kunst, Bonn 2016
Pablo Picasso, Masacre en Corea, 1951 - © Musée national Picasso, Paris © Succession
Picasso / VG Bild-Kunst, Bonn 2016
Hiroshima, Nagasaki y Auschwitz pusieron al desnudo los fracasos de la civilización
occidental. Tras estas conmociones se produjeron intentos políticos ambivalentes de
establecer sistemas geopolíticos más justos, a través de nuevas formas jurídicas como las
Naciones Unidas y la Declaración Universal de Derechos Humanos -supuestamente globales,
Commented [23]: (Barcelona, 1923 - 2012) Pintor
español. A los veintidós años renunció a la carrera de
derecho para dedicarse de lleno a la pintura, arte que
abordó a través del collage (hojas de periódico, papel
de estaño, cuerdas) y de pinturas terrosas que
presentan grattages (raspaduras) y graffiti. En esta
primera etapa de su vida crea, con otros artistas e
intelectuales catalanes (Joan Brossa, Joan Ponç,
Modest Cuixart, Joan Josep Tharrats), el grupo «Dau
al Set» (1948). Este movimiento ampara sus primeras
exposiciones, que ya ponían de manifiesto su interés
por el surrealismo.
En 1954, después de impartir un curso de arte ...
Commented [24]: Mohan Samant (b. Manmohan
Balkrishna Samant en Bombay (ahora Mumbai), 1924;
d. Nueva York, 2004) fue uno de los primeros pintores
modernistas indios y miembro del Grupo de Artistas
Progresistas. También tocó durante toda su vida el
sarangi, un instrumento de arco indio.La práctica de
amant era la antítesis de un estilo propio. A lo largo de...
Commented [25]: Ivo Gattin (Split, 1926 - Zagreb,
1978) se graduó en la Academia de Bellas Artes en
1953. Entre 1963 y 1967 trabajó en Milán, donde
realizó ilustraciones de enciclopedias, pasteles,
gouaches y grabados. En su primera exposición en
Zagreb en 1956 Gattin presentó pinturas surrealistas, y
desde entonces comenzó su investigación en la ...
Commented [26]: La pintura de Jia Youfu Marching
Across the Snow-Covered Mount Minshan (1965)
representa la épica "Marcha larga" emprendida por el
Ejército Rojo entre 1934 y 1935. Minshan -una
cordillera nevada en el noroeste de China que cubre
cuatro provincias, desde Qinghai hasta Sichuan- fue a
menudo recordada por los soldados como el último ...
Commented [27]: Los años entre 1930 y la década de
1950 son un período extremadamente controvertido en
la historia del arte ruso. En ese momento, se
estableció un régimen totalitario en la Unión Soviética,
que controlaba todas las esferas de la vida de los
ciudadanos. El proceso artístico en el país también fue
regulado por el estado. La función principal del arte fue...
Commented [28]: Para Strzemiński no había otro
camino a seguir que el del arte abstracto y transgresor.
La pintura temática y el postimpresionismo ya lo
habían dicho todo y encontró en el arte moderno la
fuerza para oponerse a las autoridades comunistas.A
finales de los 40, el artista, que aprendió a pintar
después de que le fuera amputada una pierna y un ...
Commented [29]: Entre aquellos artistas que
ofrecieron en la clandestinidad destaca poderosamente
la figura de Mikhail Schwartzman: un artista con algo
de profeta que se alinea en la gran tradición rusa de lo
trascendente. Como creyente ortodoxo, sabía que los
iconos pertenecían al ámbito de la iglesia. Su
sacralidad procede de ser plasmación de Cristo, Dios ...
Commented [30]: Willi Sitte fue un pintor alemán
figurativo más conocido por sus lienzos de gran escala
y con una carga política que representaban temas de
la lucha de clases, el fascismo, la guerra y el sexo.
Presentadas en un estilo expresivo, colorido y realista
que hacía referencia al arte italiano primitivo junto con
pintores cubistas como Pablo Picasso y Fernand ...
pero de hecho dominadas por la autoridad occidental- y las luchas por la ciudadanía y la
autonomía plenas de las personas en las antiguas colonias europeas. Los filósofos y los
artistas trataron de indagar más profundamente en la naturaleza humana misma, en debates
que incluían los discursos de négritud y existencialismo, y los derechos de individuos y grupos
dentro de entidades sociales y políticas más grandes (a menudo opresivas). "Nuevas
Imágenes" presenta versiones pictóricas de tales indagaciones, en las que los seres humanos
a menudo parecen maltratados, deformados por el horror de la vida moderna, desgarrados
por la cuestión de su propio valor.

Estos artistas a menudo combinaban deliberadamente la figuración y la fabricación

materialista, rechazando la elección entre abstracción y representación, o entre la vida física
y social, viendo el binario no sólo como ideológicamente falso sino también profundamente
destructivo. En 1950, en una conferencia de arte de posguerra en Darmstadt, Alemania, los
contrarios políticos Hans Sedlmayr y Theodor Adorno encontraron un sorprendente punto en
común al lamentar el centro perdido de la cultura contemporánea: el arte contemporáneo
parecía incapaz de apelar a las preocupaciones humanas fundamentales, incluyendo las
emociones y la vida cotidiana. Esta preocupación fue compartida por inmigrantes de Alemania
Oriental como Georg Baselitz, que se abstuvo de elegir entre la abstracción y el realismo
socialista para dar vida a figuras individuales que estaban severamente deformadas, pero
que estaban vigorosamente vivas. La exposición New Images of Man (1959) del MoMA reunió
ejemplos de arte contemporáneo de veintitrés artistas estadounidenses y europeos, entre
ellos Francis Bacon, Willem de Kooning, Albert Giacometti y Jackson Pollock. En su Commented [31]: Willem de Kooning
introducción al catálogo, el teólogo Paul Tillich advirtió sobre "el peligro en que vive el hombre Estados Unidos, 1904–1997
moderno: el peligro de perder su humanidad", un peligro situado tanto en el totalitarismo como Uno de los mayores representantes del expresionismo
en la sociedad de masas de orientación tecnológica. abstracto norteamericano, pese a no haber nacido en
Estados Unidos y no ser del todo abstracto. De
Kooning mezcla la figuración y la abstracción con
La fuerza contraria más significativa al humanismo occidental universalista vino, en diferentes gestualidad y cromatismo lírico.
venas, de las antiguas colonias europeas. Leopold Senghor escribió en 1961 sobre la
Su estilo, tanto el abstracto como el figurativo (por el
necesidad de particularizar y localizar al ser humano, en contraste no sólo con el que fue muy criticado por sus colegas), fue construído
universalismo modernista (occidental) sino también con el universalismo marxista: "El hombre mediante gestos pictóricos valientes, a veces
directamente agresivos. Y pese a lo que pueda
no está sin patria. No es un hombre sin color, sin historia, sin país y sin civilización. Es un parecer, su obra no es para nada precipitada. De
hombre de África Occidental, nuestro vecino, precisamente determinado por su tiempo y su Kooning se pasaba meses con alguno de sus cuadros,
lugar... un hombre humillado durante siglos, quizás menos en su hambre y su desnudez que muchos de los cuales quedaban inacabados.
en su color y civilización, en su dignidad de hombre encarnado". Los obreros pintados por Inji VER VIDEO EN YOUTUBE
Efflatoun, por ejemplo, expresan esta dignidad específica.

A veces, como en el caso del "hombre nuevo" de Franz Fanon, los antiguos colonizados
reclamaban el derecho moral de definir el humanismo de manera amplia y universal, un
derecho abrogado por Occidente con su comportamiento inhumano en la guerra y la
colonización. Vemos este nuevo humanismo en los pensadores representados por el artista
indio Francis Newton Souza - cuerpos de colores que se apropian de la prerrogativa
intelectual y ética tradicional del hombre occidental. El artista sudafricano Ernest Mancoba
ofreció otra reafirmación del humanismo universalista. Para él, las diferencias en las
categorías de identidad pertenecían al colonialismo y subyacen a la fractura del arte: "Esta
dicotomía sistemática no ha causado más que en las artes tal destrucción del fundamento
mismo de la identidad humana, como la pertenencia a la naturaleza y la participación en la
esencia de un ser ideal."
Visiones concretas
Hélio Oiticica, Metaesquema, 1955 - © Private Collection, São Paulo
Hélio Oiticica, Metaesquema, 1955 - © Private Collection, São Paulo

Mientras que el estilo abstracto internacional que dominaba el mundo de la posguerra era
principalmente materialista y gestual, la abstracción geométrica de la preguerra persistió,
aunque con un ímpetu muy distinto al de los artistas europeos de la preguerra. El arte concreto
en Sudamérica unió el vitalismo de Joaquín Torres García con el modernismo europeo y se
convirtió en un fenómeno totalmente independiente. Las formas modernistas se adoptaron al
principio en paralelo con un desarrollismo nacionalista que no se oponía simplemente al
capitalismo occidental, sino que competía con él. El arte "concreto" en América Latina -por el
grupo Madí, por ejemplo, y artistas como Waldemar Cordeiro- fue seguido rápidamente por
formas aparentemente muy similares de artistas neo-concretos como Lygia Clark y Helio
Oiticica, que, sin embargo, tenían un espíritu bastante diferente. Como dijo Clark, "Utilizamos
el término "neoconcreto" para diferenciarnos de aquellos comprometidos con el arte
"geométrico" no figurativo y, en particular, con el tipo de arte concreto que está influenciado
por un racionalismo peligrosamente agudo.... ninguno de los cuales ofrece una justificación
para el potencial expresivo que sentimos que contiene el arte". En cambio, el arte neoconcreto
estaba impregnado de un vitalismo antiracional, hecho socialmente específico, físicamente
participativo y psicológicamente liberador. En este sentido, el arte neoconcreto rima con el
formalismo cotidiano y no programático de un artista como Ellsworth Kelly, cuyo arte
"geométrico" evitaba el racionalismo -y aún más ampliamente- la autoridad y el dogmatismo
de los movimientos de vanguardia anteriores.

Modernismos cosmopolitas
Uzo Egonu, Máscara con instrumentos musicales, 1963 - © Egonu Estate c/o Grosvenor
Gallery
Uzo Egonu, Máscara con instrumentos musicales, 1963 - © Egonu Estate c/o Grosvenor
Gallery

Parte del atractivo romance de la cultura moderna ha sido la medida en que los conceptos de
cosmopolitismo se ven a menudo desde un ámbito más elevado, como la condición, por
excelencia, de sofisticación, mundanalidad, apertura, y la mezcla de culturas, ideas y
poblaciones. Pero la pérdida de lugar para los artistas que emigran de una cultura o frontera
nacional a otra arroja una sombra profunda sobre el idealismo romántico de tal mundanalidad.

Después de las convulsiones masivas resultantes de la Segunda Guerra Mundial, los

términos del cosmopolitismo cambiaron radicalmente. La gente estaba en movimiento. Las
poblaciones masivas - refugiados, apátridas y diásporas - se movían entre continentes, países
y ciudades, formando líneas dispersas de desplazamiento, migración, exilio, afinidades y
asentamientos. En su ensayo "Reflexiones sobre el exilio", Edward Said aborda el dilema del
exilio, observando que "el exilio es extrañamente convincente de pensar, pero terrible de
experimentar". Esta es una valiosa idea de cómo podríamos explorar no sólo las ideas del
cosmopolitismo, sino también otras condiciones de estar fuera de lugar.

Por ejemplo, la política hostil y las oportunidades limitadas en el país habían empujado a
escritores y artistas afroamericanos como James Baldwin y Beauford Delaney a emigrar a
París como un lugar de refugio cosmopolita. Así que cuando pensamos en el cosmopolitismo
también debemos imaginarlo dentro de procesos de cambio, agitación, oportunidad, fantasía,
y como una forma de autoformación artística intercultural y transnacional.

"Nuevas hibridaciones", como dicen los estudiosos, han surgido en el modernismo y el arte
contemporáneo cuando los ciudadanos de las colonias y ex colonias estudiaban formal e
informalmente en Occidente, o cuando los refugiados que huían de la opresión y el racismo
dejaban sus países de origen para buscar lugares seguros en otros lugares. La Segunda
Guerra Mundial fue quizás responsable de una de las mayores y más extensas migraciones
culturales y artísticas. Lo mismo ocurre con el imperio, con su discurso de la mission
civilisatrice. Así, podemos pensar en el arte de la posguerra en términos recombinantes, como
un proceso de aculturación y desculturación, en el que artistas que combinaban la abstracción
de estilo internacional con la imaginería indígena, tradicional o local fusionan nuevas lógicas
estéticas y conceptos formales. En particular, estaba muy difundida una especie de marcación
gestual ("abstracción caligráfica", en el término de Iftikhar Dadi) que era tan icónica como
indexada. Esa marcación invocaba la identidad y los niveles de significado a través de la
alusión al lenguaje y la legibilidad, desafiando la universalidad de lo moderno. La línea
caligráfica árabe fue fundamental para artistas como Sadequain y Anwar Shemza, que
establecieron la línea sinuosa de la escritura árabe en relación explícita con la geometría del
alfabeto romano. Categorías que incluyen lo local, la tradición, la nacionalidad, la autonomía
y el conflicto universal se combinan para crear nuevos significados.

Situaciones relacionadas con la diáspora y los diversos legados coloniales, así como la
financiación de la Guerra Fría para el intercambio, enviaron a artistas de todo el mundo a
estudiar y participar en centros de producción y comercialización de arte moderno.

Además, las revistas proporcionaron a los artistas una importante fuente de viajes virtuales e
intersecciones. Como resultado de la exposición a publicaciones como Black Orpheus y
Middle Eastern art, la obra de Ibrahim El-Salahi y otros refleja un pronunciado conjunto de
referencias panafricanas y panaárabes (escultura africana, caligrafía árabe) informadas por
el modernismo occidental. El cosmopolitismo de El-Salahi evidencia el tiempo que pasó en
Londres, pero también refleja sus relaciones con artistas y músicos afroamericanos, viajes a
México y China, y exposiciones en Nigeria y Senegal. El suyo es un cosmopolitismo no
orientado principalmente hacia Occidente.

Cuando consideramos el modernismo cosmopolita, deberíamos pensar no sólo en las

diásporas y el exilio, sino también en las afinidades deliberadamente elegidas. ¿Cómo podría
cambiar nuestra imagen del cosmopolitismo si no se orienta hacia el final de las relaciones
coloniales, sino hacia una relación dialéctica con el nacionalismo? Una inversión de esta
dialéctica podría observarse en las prolongadas visitas de Jacob Lawrence a Nigeria, bajo los
auspicios de la Fundación Harmon. O en el viaje de Mark Tobey a Japón, que le inspiró a
crear marcas caligráficas sin significado semántico, pero como referencia connotativa a
"otros" lenguajes y vidas.

Formulario de búsqueda de naciones

Jacques Villeglé, "OUI" - Rue Notre-Dame-des-Champs, 1958 - © Private Collection, Cortesía
Galería GPS N Vallois, París
Jacques Villeglé, "OUI" - Rue Notre-Dame-des-Champs, 1958 - © Private Collection, Cortesía
Galería GPS N Vallois, París
"Nacionalismo" es una palabra que ha estado en constante movimiento durante la posguerra.
En este sentido, el concepto de nación, al igual que el nacionalismo, ha generado una
reflexión considerable a través de la cual se pueden comprender las formaciones particulares
de la identidad cultural y social y las comunidades políticas en las que se fundan. Benedict
Anderson ha utilizado la noción de "comunidades imaginadas" para describir las corrientes
cambiantes de ideas de la nación y el nacionalismo. En su estudio pionero sobre estos dos
conceptos, nos ofrece una visión crucial cuando nos pide que consideremos "el poder político
de los nacionalismos frente a su pobreza filosófica e incluso su incoherencia". Dada la historia
malsana del nacionalismo en el siglo XX -especialmente su mal uso y abuso en lugares como
Alemania y Japón durante la Segunda Guerra Mundial- es tanto más necesario considerar
cuidadosamente la figura de la nación en el contexto de esta sección de la exposición,
"Nations Seeking Form".

Los artistas de Estados Unidos y Europa a menudo se negaron a alinearse con sus gobiernos
nacionales, que habían demostrado ser corruptos y militaristas. El nacionalismo tuvo un valor
diferente para los artistas de países que habían luchado recientemente por la independencia
y la habían conquistado, como Irak, Cuba, China, India y Pakistán, Israel, Indonesia,
Tailandia, Filipinas, Nigeria, Senegal y Sudáfrica. Por esta razón, esos artistas buscaron
formas culturales para articular y representar nuevas identidades nacionales.

Los artistas nigerianos, por ejemplo, desempeñaron funciones institucionales y

gubernamentales, mediante su compromiso personal con la independencia nacional y el
papel de la cultura en el establecimiento de la identidad. Ben Enwonwu y Uzo Egonu
representaron máscaras e instrumentos africanos en lo que parece ser una crítica a la
apropiación europea de tales imágenes. En Egipto, Gazbia Sirry describió el martirio de los
egipcios a manos de los ocupantes británicos, vinculando así también la condición egipcia a
la opresión de los afroestadounidenses (cuyo movimiento en pro de los derechos civiles, que
informa el trabajo de Jack Whitten y otros, podría tomar una coloración nacionalista).

La lucha por definir lo que es verdaderamente nacional en cuanto a la identidad, por ejemplo,
en el debate entre quienes abogan por descartar la tradición cultural en un esfuerzo por llegar
a ser independientes y modernos, y quienes ven la identidad indígena como un elemento
central de su nueva identidad nacional. En el sudeste asiático, la elección sería descrita como
una de Oriente contra Occidente, con "Occidente" representando a Europa, el futuro, la
educación y el progreso tecnológico; y "Oriente" representando el conocimiento indígena, la
identidad no occidental, el pasado y la tradición. Mientras el movimiento nacionalista de la
India luchaba contra el colonialismo occidental, muchos indios veían el mismo Occidente
como el futuro. ¿Cómo, entonces, apoyar la autoconfianza cultural localmente distintiva? Los
artistas del grupo progresista que florecieron en los años posteriores a la independencia de
la India en 1947 encontraron soluciones diferentes: Francis Souza, que describía a las figuras
bíblicas en sus obras como de piel oscura, incluso completamente negra, tuvo éxito entre los
críticos británicos, que compararon su obra con la de Francis Bacon. Maqbool Fidal Husain,
en cambio, se quedó en la India cuando sus compañeros se fueron: "Dijeron que no se puede
crecer como artista en la India, y que debería unirme a ellos, pero por suerte estaba casado,
así que creo que por esa razón no pude ir! Mi principal preocupación era la cultura india, así
que tomé esa ruta". El trabajo de Husain celebraba a las deidades hindúes, aunque en sus
aspectos visuales más que religiosos.
Redes, Medios y Comunicación
Ed Ruscha, Hurting the Word Radio I, 1964 - © The Menil Collection, Houston
Ed Ruscha, Hurting the Word Radio I, 1964 - © The Menil Collection, Houston

En su conclusión, la posguerra desplaza la comprensión del arte comprometido con la cultura

de masas del enfoque habitual en los bienes de consumo y los signos, símbolos y logotipos
que los anuncian, hacia la circulación, distribución y comunicación de esos signos a través
de la tecnología y las redes de difusión. Ciertamente, algunos artistas se centraron en el poder
de la representación. A través de la figuración narrativa, My Darling Clementine (1963), del
artista Hervé Telemaque, analiza los estereotipos raciales generalizados. Las críticas de
orientación política enfatizaron con mayor frecuencia un capitalismo más nuevo, la
cocolonización que ahora no sólo estaba dominada por los estadounidenses, sino que tenía
un alcance abiertamente global, como en Jirō Takamatsu's Strings in Bottles (1963) y León
Ferrari's The Western-Christian Civilization (1965). Detrás de esta ampliación estaba la
distribución y circulación global de la información, invocada en el trabajo de Derek Boshier,
Thadeusz Kantor y Gerhard Rühm, que tomó como tema la carta por correo aéreo.

La comunicación también subyace en las teorías de sistemas de la cibernética que atraen a

un conjunto internacional de artistas arraigados en una variedad de orientaciones estéticas y
políticas. La exposición Nuevas Tendencias presentaba obras de veintinueve artistas de
Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Francia, Italia, Suiza y Yugoslavia. Este nuevo arte óptico
y cinético, como el de Mohammed Melehi, buscaba transmitir información sobre una longitud
de onda fisiológica fundamental que trasciende las especificidades culturales del lenguaje.
Del mismo modo, la comunicación atrajo a los artistas hacia las nuevas tecnologías. Los
artistas británicos del Independent Group, en particular John McHale, se orientaron hacia los
aspectos tecnológicos, incluso futuristas, de la cultura popular, desde los transistores hasta
los robots. Fluxus y otros artistas -entre ellos Lucio Fontana, Otto Götz y Nam June Paik-
experimentaron con el nuevo medio de difusión televisiva, aspirando a hacer un arte que no
sólo participara en las últimas tecnologías electrónicas, sino que también pudiera
comunicarse con un público más allá de las propias galerías de arte. Todos estos artistas
buscaron un arte adecuado para un mundo concebido como un único sistema u organismo
integrado: de esta manera, el paradigma que se vislumbraba en la introducción de la presente
exposición se hace consciente y se desarrolla plenamente en su conclusión.

Hoy en día existe una clara conexión entre las teorías de sistemas de figuras como György
Kepes, Norbert Weiner y Marshall McLuhan, y la visión de un mundo interconectado, en el
que las relaciones de información y capital prevalecen sobre las identidades nacionales. La
sección final de la posguerra, con su enfoque en la comunicación y la circulación, el conflicto
y el control, sirve de sujetalibros para el comienzo de la muestra con la invención técnica, el
cambio epistemológico y el reordenamiento político emblematizado por la bomba atómica.
Las teorías de retroalimentación y comunicación que surgieron de la ciencia de la bomba
atómica impulsaron la reestructuración de las ciudades de todo el mundo, al igual que las
guerras de Indochina. Y así, el final de la posguerra mira hacia atrás y hacia delante, hacia el
siguiente episodio de este ambicioso ciclo de exposiciones: Postcolonialismo.