Apreciación al arte y la cultura 2019

Arte Moderno: CÉZANNE

David I. Ruiz Ch.
Universidad de las Fuerzas Armadas ESPE, Latacunga, Ecuador.

diruiz1@espe.edu.ec

Resumen

Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo

del arte (la historiografía del arte, la estética y teoría del arte y el mercado de
arte), que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se
identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al
denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el
arte moderno representaría la experimentación.

Abstract. Modern art is a term that belongs to different areas of the world
of art (the historiography of art, aesthetics and art theory and the art market),
which aims to differentiate a part of artistic production, which would be
identified with a certain concept of art. modernity in opposition to the so-
called academic art. This would represent the tradition; while modern art
would represent experimentation.

I. Introducción

Paul Cézanne, considerado uno de los más grandes pintores de los últimos
cien años, nació en 1839 en Aix-en-Provence, en el sur de Francia. Hijo de
un rico banquero recibió su primera instrucción en el Colegio Borbón, al
mismo tiempo que concurría a las clases nocturnas de la Escuela de Bellas
Artes de Aix. A los 23 años ya se encontraba en París para iniciar su carrera
plástica. Conoció a Camille Pizarro e, influido por éste, comenzó a pintar con
la técnica impresionista. Incorporó los nuevos conceptos de la luz y el color;
pero pronto se diferenció de los impresionistas porque, mientras éstos
buscaban la captación de la impresión, Cézanne concentraba sus esfuerzos en
la construcción y la estructura del cuadro, eludiendo los efectos de luces y
sombras fuertes y buscando una luz neutra que le permitiera trabajar con un
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color constante. Repitió en varias oportunidades que el pintor debía buscar el

cono, el cilindro y la esfera en la naturaleza, demostrando, de este modo, la
presencia de la geometría en los seres vivos. Es por ello que la muestra
retrospectiva de sus pinturas, realizada en 1907, un año después de su muerte,
fue de gran valor para todos los artistas que lo sucedieron, especialmente para
los cubistas y para las corrientes abstractas. Cézanne pintó paisajes, retratos,
naturalezas muertas y composiciones con figuras humanas, en su taller y al
aire libre, mostrando la líneas y tensiones fundamentales con estructuras
simples pero sólidas, mediante una composición equilibrada de pesos,
volúmenes y color. Entre las obras de Cézanne se destacan Jugadores de
cartas , La mujer de la cafetera , Bañistas , El muchacho del chaleco rojo y la
famosa serie Las montañas de Santa Victoria .

La pintura es, sin lugar a dudas, la manifestación artística que mejor conoce
el público. Si hiciéramos una encuesta preguntando nombres de artistas
pintores, escultores y arquitectos, veríamos que la desproporción de
conocimientos en favor de los primeros es notable. A ello contribuye su
inclusión mayoritaria en los grandes museos, salas de exposición, entes
públicos y casas particulares. Sin embargo, su lenguaje es, a menudo,
desconocido incluso por los coleccionistas y asiduos a exposiciones y
pinacotecas. El hecho se constata al comprobar cómo el espectador de un
cuadro primero mira la placa con el nombre del autor para, a partir de sus
conocimientos, admirar y extasiarse delante de él. Así, su valoración no tiene
en cuenta la obra, sino el autor.

El objeto artístico en general, y el pictórico en particular, ha de analizarse

desde el punto de vista formal o plástico, así como desde el de su contenido
y significado. Ambos aspectos precisan de una información previa basada en
unos conocimientos de composición, una posesión de gusto estético y
una comprensión del significado del tema.

Una primera condición para enfrentarse a la obra es la de huir de un

apriorismo estético e ideológico que condicione nuestra valoración. El
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conocimiento de la Historia del Arte es condición indispensable para no caer

en errores al juzgar la pintura. Debemos hacer un esfuerzo para situarnos en
el espacio y el tiempo en que la obra y así, desde dentro, poder entenderla,
aunque no compartamos una determinada estética y/o ideología.

En segundo lugar, debemos huir de la influencia del tema, que, al ser más o
menos agradable, puede condicionar nuestra visión.

El arte abstracto, al formularse únicamente en términos plásticos, ha ayudado

a comprender la forma por encima de cualquier otra valoración,
enseñándonos que una composición no es buena o mala en función del tema,
sino en función de la perfecta adecuación plástica al contenido. El arte
abstracto consigue el máximo de depuración pictórica al formularnos ideas a
través de formas púramente plásticas. Hay que huir, pues, de la
experimentación de un placer estético en función de si el tema coincide o no
con nuestro gusto. Un primer estadio de placer estético sensorial tiene muy
en cuenta este gusto y se expresa en términos de aceptación o rechazo; en
cambio, en un segundo momento, el de placer estático intelectual, se consigue
una valoración mucho más enriquecedora y verdadera.

La percepción visual de la obra de arte pictórica ha de tener en cuenta la forma

cómo significación. Diversos autores han incidido en este punto. Se habla
de la vida de las formas, espíritu de las formas, contenido de las formas,
significado de las formas y otras muchas afirmaciones que hacen girar sobre
lo formal la base de la obra de arte. Veremos a lo largo de estos capítulos
como las formas en sí tienen un significado, haciendo variar la comprensión
del cuadro. El pintor, a través de la composición, nos introduce en el tema de
diversas maneras haciéndonos ver lo que no hay en realidad. Según como
exprese la composición, su significado variará. La elección del instante de un
devenir y su fijación en un momento, presupondrá una toma de posición
ideológica, al igual que el cómo se plasma este instante, este momento.
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II. Arte moderno antiguo

Cubismo: movimiento artístico inspirado fundamentalmente en el arte de las

tribus de África y Oceanía, que se manifestó sobre todo en pintura,
su objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y
conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un
objeto visto desde múltiples ángulos, rechazando la perspectiva y el
movimiento y dando primacía a la línea y la forma.
Pintores cubistas importantes fueron: Pablo Picasso, Georges Braque, Albert
Gleizes, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp,
Roger de La Fresnaye y Juan Gris.

Dadaísmo: movimiento fundado en el 1916, por el escritor alemán Hugo

Ball, el artista alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Zúrich y
se unió a este movimiento el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el
emblema del Dadaísmo. Abarcaban todos los géneros artísticos y siendo la
expresión de una protesta nihilista contra la totalidad de los aspectos de la
cultura occidental, en especial contra el militarismo existente durante la I
Guerra Mundial e inmediatamente después.

Surrealismo: creado en París tras la I Guerra Mundial, este movimiento del

surrealismo se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del
grupo de Zúrich se unieron a los dadaístas franceses de París.
El surrealismo es un movimiento artístico y literario en la década de los años
1920, en torno a la personalidad del poeta André Bretón. Artistas de este
movimiento son Max Ernst, Joan Miró, Salvador Dali, René Magritte, Paul
Delvaux, Frida Kahlo, Jean Arp, Leonor Fini, Alberto Giacmetti, Vito
Campanella, entre otros.

III. Arte moderno CÉZANNE

Paul Cézanne
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Nació el 19 de enero de 1839, en Aix-en-Provence, Francia.

Fue uno de los pintores franceses más significativos de la segunda mitad del
siglo XIX, es llamado por muchos , el «padre del arte moderno».

Sus pinturas sentaron las bases de la transición entre lo decimonónico y el

arte del siglo XX de forma novedosa y totalmente diferente a la practicada
hasta entonces.

Fue ignorado, incomprendido, incluso fracasado en vida, trabajó aislado de

los demás artistas de su época, no confiaba en los críticos y casi no tuvo
amigos.

Expuso únicamente de forma ocasional hasta 1895, y fue admirado sólo por
algunos impresionistas.

El reconocimiento le llegó al final de su vida por las nuevas generaciones.

Inició su carrera artística en París, tras dejar los estudios de derecho que había
iniciado en su Aix natal, ingresó en la Académie Suisse; realizó numerosas
copias en el Museo del Louvre, e hizo amistad Camille Pissarro, con él que
comenzó a pintar al aire libre (au plein air).
Su intención era prepararse para ingresar en L’École des Beaux-Arts, algo
que nunca logró. En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y
de Velázquez, pintores que marcaron profundamente su evolución artística.
Cuando rechazaron su candidatura a L’ École des Beaux-Arts, regresó a Aix.
Como decíamos expuso en contadas ocasiones, con los impresionistas en la
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primera exposición celebrada en el estudio de Nadar, en 1874, y en la tercera

de las muestras del grupo, en 1877.
Las críticas, nada favorables, que recibieron sus cuadros, llevaron al pintor a
tomar la decisión de no volver a exponer en las siguientes, el alejamiento de
todos los circuitos artísticos y comenzar un camino personal en solitario.

De forma paralela, en 1878, se trasladó a vivir con Hortense, su compañera,

a L’Estaque, cerca de Marsella, época en la que comenzó a alejarse de la
estética impresionista y desarrollar a partir de entonces un estilo propio.

Durante toda su vida residió entre París y en el sur de Francia, hasta que en
1900 se recluyó definitivamente en su Aix-en-Provence natal.

El lenguaje de su pintura se caracterizó por la utilización de áreas de color

planas, aplicadas con pinceladas geométricas, que iban configurando la
superficie del cuadro, considerando inseparables la forma y el color.

Sus paisajes, bodegones y retratos rompieron con la concepción tradicional

de profundidad, definiéndolos con planos sucesivos que intentaban captar la
estructura interior de las cosas.

Sólo en los últimos años de su vida volvió a exponer en la galería de Ambroise

Vollard, en 1895, en la que sería su primera muestra individual.

Desde de ese momento su obra se pudo ver en otras exposiciones, y comenzó

a ser valorada, a influir en los jóvenes fauvistas y en los futuros cubistas. Su
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exposición póstuma, celebrada en París en 1907, fue toda una revelación y

desencadenó el comienzo del cubismo. Murió en Aix-en-Provence, a causa
de una neumonía que adquirió tras estar dos horas en el campo pintado bajo
un fuerte aguacero, el 22 de octubre de 1906. En Madrid podemos ver en
el Museo Thyssen Bornemisza dos obras de Cezanne, un acuarela: «Botella,
garrafa, jarro y limones» de 1902-1906, y «Retrato de un campesino» de
1905-6.

*Esta entrada fue publicada en este blog el 19 de enero de 2010. Ha sido

actualizada y ampliada con más de cien nuevas obras, el 19 de noviembre de
2019.

IV. COMENTARIO

Lo extraordinario en la pintura de Cézanne es que crea espacios

desestructurados; supera las fronteras entre el retrato y el paisajismo a
través de la monumentalidad de sus figuras; y naturalmente abole también
los límites entre los bodegones y el retrato, creando enlaces entre la
persona representada y el fondo del cuadro.

Los historiadores de arte tienen el hábito de intentar siempre algún orden

para describir la creatividad artística de la humanidad. No es que éstos se
dediquen a conocer en profundidad y hasta en el más mínimo detalle las
técnicas y los materiales empleados por los artistas. No. Prefieren limitarse
a encasillarlos de alguna forma para tratar de entenderlos y relatar
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cronológicamente lo que hacen, así como inferir el por qué de sus

tendencias a través de los géneros que cultivan.

V. BIBLIOGRAFIA/LINKOGRFIA.

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Movements, and Buzzwords. New York: Abbeville Press. ISBN 1-
55859-127-3
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3. Childs, Peter. 2000. Modernism. London and New York:
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4. Cogniat, Raymond. 1975. Pissarro. New York: Crown. ISBN 0-517-
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5. Corinth, Lovis, Peter-Klaus Schuster, Lothar Brauner, Christoph
Vitali, and Barbara Butts. 1996. Lovis Corinth. Munich and New
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6. Crouch, Christopher. 2000. Modernism in Art Design and
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7. Dempsey, Amy. 2002. Art in the Modern Era: A Guide to Schools
and Movements. New York: Harry A. Abrams. ISBN 0-8109-4172-4
8. Frascina, Francis, and Charles Harrison (eds.) 1982. Modern Art and
Modernism: A Critical Anthology. Published in association with The
Open University. London: Harper and Row, Ltd. Reprinted, London:
Paul Chapman Publishing, Ltd.
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