Las manifestaciones artísticas de la prehistoria tienen su máxima representación

en los llamados artes rupestre, mobiliario y megalítico.

El primero de ellos, el arte rupestre, recibe su nombre de las paredes rocosas de
las cuevas y abrigos en los que se realizaban las pinturas. Estas pinturas
representaban fundamentalmente animales y escenas de caza.
El arte rupestre está, sobre todo, representado en España y el sur de Francia. En
España destacan las pinturas rupestres
de las cuevas de Altamira y en Francia
las de Lascaux.
En España podemos encontrar dos zonas
de pintura rupestre diferenciadas: la
zona cantábrica y la levantina.
En la primera, la cantábrica, las escenas
representadas muestran únicamente
animales con un alto nivel de realismo y la utilización de policromías. En la
zona levantina, las pinturas son más estilizadas y representan escenas de caza
en las que aparecen figuras humanas. En esta última zona las pinturas
son monocromas.
El arte mobiliario o arte mueble (también llamado
arte miniatura o arte portátil) consiste en figuras y
objetos decorativos tallados en hueso, cuernos de
animal o piedra o modelados toscamente en
arcilla.
Estas figuras son pequeñas
estatuillas antropomórficas y zoomorfas talladas
en arcilla y piedra. Particular interés ofrecen unas
características figuritas femeninas de pequeño
tamaño talladas en piedra, denominadas
genéricamente Venus. Estas estatuillas tienen una
clara tendencia a la esquematización y un especial
interés por resaltar los atributos sexuales. De entre
las más de cincuenta figuras descubiertas destacan la Venus de Willendorf y
la Venus de Savignano.
 ARTE CLÁSICO
El arte clásico se adhiere a los principios y normas artísticas establecidas por siglos
de maestros artistas pintores y escultores todos con linaje artístico que remonta
hacia los nobles griegos y romanos y su interpretación y representación formal de
la forma humana y el medio ambiente en el que existe.
El arte manual, es el fundamento de arte clásico
y el arte clásico es aquel que celebra la
condición humana y nos toca a un nivel que
podemos reconocer fácilmente y resuenan las
emociones humanas que apelan directamente a lo
que eufemísticamente llamamos el “alma”.
El arte clásico, presenta la belleza misteriosa sin
ser oscuro por lo que es apreciado por todos. El
arte clásico es la vuelta a la imaginería griega y
romana o simplemente en la reactivación de los
estilos del pasado. El deleite por interpretar la
forma humana perfecta, la divina proporción,
rasgos idealizados, el súmun de la raza en su
máximo esplendor. El arte clásico se basa en los principios estéticos y filosóficos
establecidos por la civilización grecorromana y que también es la base de nuestra
cultura moderna. Todo el arte, la literatura y la música de hoy en día son todas de
un modo dependiente, extrapolaciones de, sistemas ideados y evolucionado por
esta cultura hace muchos cientos de años. El Parthenon, El Arco de Constantino y
la Columna de Trajano son consideradas obras del arte clásico.
Para los romanos cuando conquistaron Grecia, consideraron que el arte griego era
una forma elevada de arte e intentaron replicar en el Imperio todas las formas de
arte griego.

En las bellas artes, el término ‘antigüedad’ se refiere al pasado lejano significando

el período entre 4500 a.C., los comienzos de la civilización occidental y el 450 a.C.
el comienzo de la Edad Media. Las dos principales civilizaciones de la antigüedad
temprana fueron aquellas de la mesopotamia y Egipto. Otras culturas incluyen
aquellas ubicadas en la antigua Persia (desde el 3500 a.C.).
El término antigüedad clásica es más común todavía. Se refiere a un perído más
corto de la civilización clásica (1000 a.C. y 400 de nuestra era) centrado en las
culturas de la antigua Grecia y la antigua Roma.
 QUÉ ES EL ARTE MODERNO
El arte moderno es un concepto muy singular ya que tiene diferentes ámbitos en el
mundo del arte sobre todo en la estética, en la
historiografía, en la teoría de lo que es el arte y en el
mercado. Y es que este tipo de artes pretende hacer
una distinción entre la parte productiva del arte que
estará identificada con unas determinadas
definiciones de modernidad, es decir, para que lo
entendáis mejor por ejemplo el arte académico hace
una representación de todo lo tradicional del arte,
mientras tanto este estilo de arte experimenta para
sacar cosas innovadoras. Es por ello por lo que este
concepto es un tipo de arte estético y no
cronológico ya que cualquier limitación de tiempo
es algo problemático para este tipo de arte, para que
lo entiendan mejor pongamos un ejemplo : El arte
que se realizaba en la Edad moderna ( desde el siglo
XV a finales del siglo XVIII) no era en sí el concepto de “arte moderno” que hoy en día
se conoce, sin embargo el arte que se realizaba en la Edad Contemporánea sí que encaja
en la definición de este concepto ¿Qué es el arte moderno? .
Los conceptos de arte contemporáneo y arte moderno, como hemos dicho
anteriormente, se utilizan frecuentemente de una manera intercambiable, muchas veces
son intercambiadas entre entornos institucionales o en biografías especializadas, incluso
hay en muchas ocasiones en los cuales tiene similares ámbitos que se utilizan en
oposición, es decir, reservan al arte moderno con un tiempo indefinido que puede estar
entre los distintos movimientos del siglo XIX al siglo XX. Esto ocurre porque muchas
veces no hay una conformidad entre arte contemporáneo y arte moderno y es por eso
que mucha gente lo confunden, algo normal después de todo. Pero para poder diferenciar
al arte moderno del arte contemporáneo solo tenemos que saber que este concepto como
estético y no como cronológico (como podría ser el caso del arte contemporáneo), para
que lo entienda mejor pondremos un ejemplo un pintor como puede ser William Adolphe
Bouguereau no realizaba obras de este estilo de arte , pero Vincent Van Gogh sí que las
realizaba. Si observáis dos obras de estos pintores notareis la diferencia entre una y otra.
En resumen para acabar de explicar que esta modalidad de arte debemos decir que el arte
moderno fue una innovación del arte tradicional y es que este tipo de arte simboliza
una manera nueva de entender la función del arte y la teoría.
Historia de este estilo de arte moderno
La posición de innovación que tiene los artistas de esa época abre una puerta a la libertad
del ámbito artístico y por ello van desapareciendo los rasgos relacionados con el arte hasta
ese momento. Los artistas de este tipo de arte hicieron una declaración en la deformación
de las cosas, sobre todo de los objetos, que se realizaba de forma deliberada, cuyo objetivo
era la búsqueda de satisfacción de cierto concepto poético que las cosas poseían.
 ARTE CONTEMPORÁNEO:
El arte contemporáneo es el arte de nuestro tiempo, que refleja o guarda relación con la
sociedad actual.12 El arte contemporáneo suele referirse a obras originadas a partir de la
mitad del siglo XX.3 La palabra 'contemporáneo' engloba un conjunto muy heterogéneo
de prácticas cuya contemporaneidad es caduca por definición. Diversos autores han
abordado esta problemática, ahondando a menudo en la diferencia con el Arte moderno
y su acotación histórica
Como tal, el concepto de arte contemporáneo es relativo a cada época. Esto significa que
el arte que se produce en cualquier periodo histórico siempre será contemporáneo para
sus coetáneos. Contemporáneo fue el arte de Leonardo da Vinci para quienes vivieron en
el siglo XVI.
No obstante, existen tres criterios que se usan para determinar el momento a partir del
cual podemos denominar como contemporáneas las expresiones artísticas de nuestra
época que son arte y edad contemporánea; arte contemporáneo y vanguardismo, y arte
Arte y edad contemporánea
Uno de los criterios más amplios vincula el inicio del arte contemporáneo con el principio
de la Edad Contemporánea, a finales del siglo XVIII con la Revolución francesa (1789-
1799).
En este sentido, el arte contemporáneo comienza con el Romanticismo que se caracterizó
por enfatizar la libertad, la individualidad, la sentimentalidad y subjetividad.
Pero seguramente la definición más generalizada se refiere al arte contemporáneo como
el producido en el último siglo. Encontraremos así corrientes y estilos muy diversos que
conviven; tales como el expresionismo, el cubismo, el dadaísmo, el surrealismo, el
pop-art y el arte conceptual, con referentes como Henri Matisse, Pablo Picasso, Piet
Mondrian, Marcel Duchamp, Salvador Dalí y Joan Miró.
 ARTE EGIPCIO
El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha subyugado al
hombre moderno.
La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante
belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a investigadores, literatos y
personas corrientes, donde se funde lo histórico, lo mítico y lo misterioso.
El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla.
Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina una
cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a
evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la
falta de comunicación con el exterior.
Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos indican una
despreocupación por la vida terrestre y un deseo de eternizar la moral del difunto y del
dios, por lo que el arte muchas veces está en función de templos y tumbas. Esto está
relacionado con los dos factores determinantes del arte que también vienen dados por el
medio: la monarquía y la religión.
Así, el faraón (y los nobles) y los sacerdotes van a ser los principales clientes. Se trata de
un arte aúlico y oficial, que se desarrolla en virtud de la religión fundamentalmente, y a
ésta está vinculado el faraón. No es por tanto un arte autónomo.
El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es muy semejante y
monótono, tan homogéneo. Es un arte estereotipado en el que se valora más la precisión
del acabado que la originalidad. Además, tienen un gran carácter simbólico y mágico.
Los artistas egipcios van a perder en líneas generales en el anonimato, aunque se conocen
algunos artistas ya del Imperio Antiguo, aunque son más los que se conservan del Imperio
Nuevo. De los artistas los más considerados son los arquitectos, que se relacionan con los
clientes. Sin embargo, los pintores y escultores son considerados como simples artesanos.
Va a haber dos tipos de talleres: los talleres oficiales, que están en torno a los palacios y
los templos y es donde se forman los grandes artistas y obras, y los talleres privados,
destinados a clientes que no estuvieran relacionados ni con la monarquía ni con la
religión. De éstos últimos se han conservado muy pocas obras, entre otros motivos debido
a que utilizaban materiales más endebles que los talleres oficiales.
 ARTE ROMANO.
El arte romano, al igual que su arquitectura e ingeniería, se extendió, como su imperio, a
lo largo y ancho del perímetro del Mar Mediterráneo, siendo uno de los principales
exponentes de la avanzada civilización romana.
El arte romano hunde sus raices en diversas
influencias, especialmente del mundo etrusco y del
griego.
La fuerte organización y personalidad del Imperio
Romano exige un arte y una arquitectura que aúne
el carácter funcional con el propagandístico. De esta
forma nace un arte muy centralizado y unitario que
abarca todo el imperio, no sólo Roma sino, en mayor
o menor medida, a todas su provincias.
No cabe duda que el arte romano es la manifestación
artística más significativa de la historia del mundo
occidental, ya que su influencia nunca se ha dejado
de percibir a lo largo de los muchos siglos desde su
desaparición en toda Europa. No ha habido
momento histórico (quizás el gótico es el arte y
arquitectura más alejada del canon romano) que no haya sufrido en mayor o menor
medida su influencia.
Los romanos penetraron en la Península Ibérica en el 218 a.de C. y sobre todo, a partir de
la mitad del siglo II a. de C. empezaron a crearse asentamientos estables. No tardó en
generarse una pronta e intensa romanización que duró más de cinco siglos y que he dejado
en nuestro suelo restos arqueológicos de primer orden.
El Arte Romano tiene su principal manifestación en la arquitectura, tanto religiosa, como
civil. pero otras manifestaciones de primer orden son su magnífica escultura y en menor
medida la pintura.
ARTE PRECOLOMBINO
El arte precolombino americano comprende todos aquellos objetos de arte creados
por los diferentes pueblos originarios antes de la llegada de Colón y la influencia
hispana.Posee características estéticas, técnicas, funciones sociales y estilos muy
diferentes del arte europeo. Por otra parte, no existe un solo arte precolombino: tal como
es posible apreciar a través deestas presentaciones, las obras de las diferentes culturas
precolombinas se caracterizan por una gran riqueza y diversidad. Al mismo tiempo, ellas
ofrecen una puerta privilegiada al conocimiento de lasculturas que las crearon.
El arte precolombino es la forma en la que se escoge a un grupo de representaciones
intelectuales y artísticas como son la escultura, arquitectura, pintura, cerámica, textil,
entre otros y que son creadas en el continente americano durante la etapa precolombina.
 ORIGEN DEL ARTE PRECOLOMBINO

El concepto “precolombino” en una forma general es aquello que estaba en América

antes de que los españoles en 1492 la conquistaran. Aunque en realidad el concepto alude
a un espacio de tiempo en el cual se conviven diferentes culturas las cuales dejaron una huella
eterna en el arte y que actualmente son objeto de estudios científicos. Resumiendo, el
concepto “precolombino” viene de pre- Colombia, es decir antes de colon, pero como hemos
dicho anteriormente tienen que ver con las culturas que por entonces dominaban el territorio
de las “colonias españolas”, es decir desde Cono Sur hasta México. Su desarrollo se inició
en la época preclásica americana con el descubrimiento de la cultura Olmeca a la cual
se le asigna la construcción y creación de una de las ciudades más famosas hasta
entonces del continente denominada Teotihuacan.
Características del Arte Precolombino
La alfarería precolombina es muy rica en formas y estilos lo que ha dificultado su
clasificación, fue desarrollada por grupos sedentarios de agricultores que no sólo fabricaron
objetos de uso doméstico como platos con alegres motivos o vasos decorados con múltiples
colores, sino que también la utilizaron en sus ceremonia rituales como son las vasijas
funerarias con figuras antropomórficas o de animales. Las piezas más características
provienen de la cultura muisca y tienen su mejor muestra en la gran variedad de múcuras,
un cántaro especial de cuello delgado y decorado con motivos antropomórficos. Esta pieza
seutilizaba para tareas domésticas y ceremonias religiosas.
 EL ARTE ECUATORIANO

Una ojeada histórica al Arte ecuatoriano del siglo XIX ha permitido colegir el afán del país por
conservar la tradición quiteña de afición a esta rama de la cultura. En el interés de prolongar la visión
al arte del siglo XX, procuraremos, antes que insistir en detalles biográficos, insinuar puntos de vista
nuevos, que faciliten la comprensión de las manifestaciones artísticas de nuestro tiempo.

Factor decisivo en la promoción del arte ecuatoriano ha sido la creación definitiva de la Escuela
de BellasArtes, el 24 de mayo de 1904, por iniciativa del ministro entonces de Instrucción pública
señor Luis Martínez. La enseñanza comenzó con los artistas quiteños Salas, Pinto y Manosalvas. Pero
ya en el informe de 1906 el señor Julio Román hubo de lamentar la muerte de los viejos maestros, que
dieron las últimas muestras de su pericia y experiencia.

El anhelo de poner al día la Escuela de Bellas Artes obligó a echar mano de un recurso, que se
convirtió en un factor nuevo del movimiento artístico ecuatoriano. Consistió en comprometer
en Europa a profesores que aclimataran en Quito las corrientes nuevas del arte y también en enviar
becarios a centros europeos a que asimilaran los últimos adelantos de la técnica. Años más tarde, a
este expediente se sumó la presencia en el Ecuador de artistas europeos, que se sintieron seducidos
por los motivos que ofrecía el ambiente y enseñaron, con el ejemplo, a expresar en forma nueva las
impresiones del medio físico y social.

Hay que tomar también en cuenta el fácil intercambio de experiencias, mediante viajes, exposiciones
internacionales y publicaciones ilustradas, que los artistas de hoy pueden aprovechar, para informarse
de las modalidades que va asumiendo el arte en los diversos sectores del mundo de la cultura.

La Escuela de Bellas Artes constituyó para el Gobierno un timbre de honor. En el informe, presentado
por el ministro señor Luis Dillon, el 30 de junio de 1913, ponderaba el éxito conseguido en la
Institución por la enseñanza del señor Raúl María Pereira, profesor de Pintura; del señor León
Camarero, profesor de colorido y composición; del señor Paul Alfredo Bar, profesor de dibujo; del
señor A. Dobe, profesor de Litografía y del señor Juan Castells, profesor pinturista en la misma sección
de Litografía.

Presto la Escuela de Bellas Artes comenzó a dar sus frutos. Muestra obligada de adelanto constituyó
la Exposición anual de los trabajos, con premios a los vencedores. El ministro doctor Manuel María
Sánchez, en su informe de 1915, dio cuenta de la II Exposición anual de la Escuela de Bellas Artes,
inaugurada el 10 de agosto de 1914. Entonces obtuvieron premios Antonio Salguero, Eugenia de
Navarro, Paul Bar y Juan León Mera, en el tema de paisaje; Víctor Mideros, José Yépez y Enrique
CARPETA DE ECA

NOMBRE:
MADELAYNE BONOSO TUAREZ

CURSO: 10 EGB
´PARALELO: A

AÑO LECTIVO
2019 2020