EL SURREALISMO

EL 1924, en París, André Breton (1896-1966), escritor y poeta francés, escribió

un manifiesto después de cortar relaciones con Tristan Tzara, líder del
movimiento dadaísta, y así nace el Surrealismo, al que muchos consideran la
última de las grandes vanguardias.

Manifiesto Surrealista - André Breton - 1924

Portada: versión de Le Viol - óleo sobre tela, 1934 - René Magritte, MoMa, NY

El surrealismo emerge en París en 1924. Se esparce por Europa a pocos años

de concluida la I Guerra Mundial hasta la llegada de la II guerra Mundial. Por
ende, la influencia de este movimiento ha llegado hasta nuestros días.

El término surrealismo está asociado a André Breton y su manifiesto, pero fue

usado por primera vez por Guillaume Apollinaire (1880-1918), escritor y crítico
de arte francés, en el prólogo de su pieza Las tetas de Tiresias escrito en 1917.

Características

El inconsciente y el automatismo

Mesa de pedestal en el estudio - óleo sobre tela, 1922 - André Masson

(1896-1987, pintor, escultor, ilustrador, diseñador y escritor francés), Tate, UK

El manifiesto de Breton está inspirado en el libro de Freud La interpretación de

los sueños, en el que el autor explora la idea de que la mente humana posee
un nivel oculto llamado inconsciente, es decir aquelo de lo que la mayor parte
del tiempo las personas no tienen conciencia, como la palabra lo indica.
El Surrealismo pretendía superar esta limitación del inconsciente, permitiendo
que el subconsciente se expresase a través del arte.

De esa forma el automatismo se convirtió en una de las características del

Surrealismo, en defensa de la expresión artística sin límites y sin el control de
la razón. Para lograr este objetivo, los artistas llegaron a elaborar obras en
estados de trance e hipnosis.

Ejemplo de automatismo: La mer se retire (El mar se retira) 1941 - André Masson

En la práctica, el automatismo consistía en trasponer en papel, lienzo o

cualquier otro soporte de expresión artística, un pensamiento o sueño
directamente del subconsciente, sin ejercer control estético o moral.

El objetivo era que la creación artística se automatizara (automatismo) tal

como es automática la respiración o la acción del pestañeo. Era así un intento
de protesta contra las normas establecidas, tanto en el arte como en el ámbito
social.

Los surrealistas creían que la creatividad que nacía del subconsciente de un

artista era más auténtica y poderosa que la derivada de la consciencia.
También estaban interesados en explorar el lenguaje de los sueños que creían
que revelaba los sentimientos y deseos ocultos.

De una forma general, se puede decir que la idea era lograr la mayor
espontaneidad posible, algo que se reveló más o menos fácilmente en el dibujo
y la escritura, pero no tanto así en la pintura, pues esta es una disciplina muy
compleja que no permite tanta espontaneidad.
Principales artistas y obras

Max Ernst

Les Hommes n'en sauront rien (Los hombres que no saben nada) - óleo sobre tela, 1923 - Max
Ernst, Tate, UK

Max Ernst (1891, Brühl, Alemania - 1976, París, Francia) fue uno de los
pioneros del Dadaísmo y luego se incorporó al Surrealismo, destacando en la
pintura y en la poesía.

Su obra se caracteriza sobre todo por la exploración de lo absurdo, la

construcción de escenarios fantásticos y el mundo de los sueños. A lo largo de
su vida artística experimentó con varias técnicas como el collage y el frottage,
y estuvo bastante influenciado por el arte de las tribus nativas americanas.

Salvador Dalí

La persistencia de la memoria - Óleo sobre tela, 1931 - Salvador Dalí, MoMa, NY

Salvador Dalí (1904-1989, Figueres, España) es el más famoso de los

surrealistas y su nombre pasó a ser, con el tiempo, sinónimo del movimiento.
Esto ocurrió a pesar de que, alrededor de 1937 y como consecuencia de la
transformación de su estilo y de sus posiciones políticas, Breton lo expulsara
del Surrealismo. Por ende, Dalí es el más controversial.

En su obra es muy notoria la influencia del imaginario onírico, es decir, del

mundo de los sueños. Su expresión artística fue hecha fundamentalmente a
través de la pintura y de la escultura, pero a lo largo de su vida también utilizó
otras formas y técnicas.

Joan Miró

El cazador (Paisaje catalán). Óleo sobre tela, 1924 - Joan Miró, MoMa, NY

Joan Miró (1893, Barcelona - 1983, Palma de Mallorca, España) es uno de los
artistas más influyentes del siglo XX. Las obras más conocidas del artista son
sus pinturas, aunque también creó como escultor, diseñador, ceramista, etc.

Así como otros artistas, Miró pasó por varios movimientos, se dejó influenciar
por ellos y también dejó su marca. Comenzó, de hecho, por el Fauvismo, pasó
luego al Dadaísmo y de este al Surrealismo y al Abstraccionismo.

René Magritte

Los amantes. Óleo sobre tela, 1928 - René Magritte, MoMa, NY

René Magritte (1898, Lessines, Bélgica - 1967, Bruxelas, Bélgica) fue un artista
belga y uno de los nombres del surrealismo más aclamados
internacionalmente, a pesar de que su fama llegaría apenas alrededor de los
años 50.

Aunque es uno de los artistas que más se asocian al Surrealismo, las obras de
Magritte se distancian del ilusionismo de Dalí y del automatismo de Miró.
ARTE ABSTRACTO
Este estilo surgió a inicios del siglo XX y perdura hasta nuestros días,
teniendo grandes expositores como los pintores Vasili Kandinski,
Robert Deaunay, Kazmir Málevich, Piet Mondrian, Mark Rothko,
Jackson Pollock, Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez, Gerhard Richter o Joan
Miró. Además, los escultores Marcel Duchamp, Aexander Calder y Jean Arp.

Muchos abstraccionistas tuvieron conexión con la música, considerándola

como la meta de su proceso artístico particular, ya que la música produce un
efecto estético mediante la abstracción del sonido de las notas musicales, que
no imitan a ninguna realidad concreta.
Los abstraccionistas buscaban dejar atrás el reino reconocible de las
formas y perseguir el “arte puro”.

Origen del arte abstracto

El primer pintor abstracto considerado como tal fue el

lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, cuyas primeras obras abstractas
datan de 1904 y quien incursionó también en la escultura.

Pero sería el ruso Vasili Kandinski quien establecería las bases del
abstraccionismo como un movimiento artístico coherente, moderno e
internacional, a través de lo que llamó “Abstracción lírica” entre 1910 y 1912.

A este movimiento vendrían a sumarse diversas y simultáneas exploraciones

artísticas en torno a un “arte puro” en Rusia, Francia y posteriormente Alemania
y Estados Unidos.

Características del arte abstracto

El arte abstracto rompió con la necesidad de representar objetos concretos.

A pesar de que el arte abstracto engloba una cantidad importante de

tendencias, propuestas y estilos, pueden resumirse sus características en:

• Una gran consciencia de las formas y los colores, utilizados a voluntad

para escapar de la realidad concreta.
 • Las esculturas abstractas se apoyan en el principio de la
tridimensionalidad y en la geometría, a veces dándole protagonismo al
color.
• Las pinturas abstractas proponen un lenguaje propio de forma, color y
línea cuyas reglas pertenecen al artista.
• Las obras abstractas exigen del espectador que se aproxime a ellas de
modo intuitivo, menos tradicional.
• El arte abstracto rompió con la necesidad de representar objetos
concretos, dando cabida a los pensamientos y las nociones mentales
más difusas.

Tipos de arte abstracto

El arte abstracto puede clasificarse según las tendencias que marquen su

estilo, en:

• Curvilíneo. Caracterizado por las líneas curvas, que se entrelazan,

trazan espirales u otras formas semicirculares, como los nudos o
el triskele o triskelion.
• Cromático-visual. Obras en las que predomina el impacto visual a partir
del color, de manera más o menos caótica u ordenada (secuencial, por
ejemplo).
• Geométrico. Derivada del cubismo inaugurado por Picasso, aspira a las
formas geométricas como un lenguaje propio de la obra, y por eso
prefiere las formas matemáticas.
• Intuicional. Una tendencia sin patrones visibles o reconocibles, que
interpela al espectador y le exige que se aproxime a la obra desde la
intuición y lo sensible, no de la lógica.
• Gestual. Suerte de híbrido entre el abstraccionismo y el expresionismo,
hace hincapié en el trazo y la pincelada, es decir, en el modo mismo en
que la obra se compuso, para alcanzar la abstracción deseada.
• Minimalista. Un retorno a lo simple, a lo poco, a la ausencia en el
cuadro. Puede darse con uno o dos colores, una forma simple o diversos
planteamientos que son justamente mínimos, nunca recargados ni
barrocos.