SEPARATA Nº 4

CARRERA PROFESIONAL : DISEÑO GRÁFICO PUBLICITARIO

ASIGNATURA : HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
SEMESTRE ACADÉMICO: 2012-2 FECHA: JULIO 2012
DOCENTE: CARLOS ERICK BENDEZU ARGE

EL ARTE CLÁSICO: GRECIA

ÍNDICE
1. Cronología
2. Introducción
3. Antecedentes del arte griego:
4. Arquitectura:
5. El templo:
6. El urbanismo griego
7. Escultura:
8. Cerámica:
1.- CRONOLOGÍA
El origen de la civilización griega se remonta al primer milenio antes de nuestra era, tras la victoria de
los pueblos dorios, jonios y eolios sobre la cultura micénica. Este hecho marca el inicio del periodo
arcaico, que perdura hasta el siglo V a. C. La formación de Grecia no culmina hasta el siglo VIII,
cuando ya han transcurrido cuatro siglos desde la conquista de estos pueblos autóctonos.
Frente a los grandes estados orientales, Grecia se organiza en torno a ciudades estado.
Cada una de estas polis está liderada por una monarquía; luego, por la aristocracia y finalmente por la tiranía, antes de inaugurar el
sistema democrático. Apolo de Belvedere
En el siglo V a. C se inicia la etapa clásica. Coincidiendo con este momento, el arte alcanza su máximo Museos Vaticanos (Roma)
esplendor y la búsqueda del ideal de belleza se convierte en la principal motivación de los artistas.
Con la guerra entre Esparta y Atenas empiezan a vislumbrarse los primeros síntomas de inestabilidad. En el terreno cultural, los
responsables de las artes se alejan del anterior ideal para manifestar sus sentimientos. Esta etapa, que comienza a finales del siglo VI
a. C y permanece casi durante dos centurias, constituye el periodo helénico.
La decadencia griega es cada vez más evidente hasta que en el año 146 a. C Roma se hace con las riendas del territorio,
convirtiéndolo en una provincia más del Imperio.
2.- INTRODUCCIÓN
Para la cultura griega, el universo gira en torno al hombre, que se convierte en medida de todas las cosas. Este afán por el humanismo
no sólo se trasladará al mundo de las artes, sino que abarca todos los ámbitos de la vida. El estudio de la filosofía y de la naturaleza
sienta las bases de toda la complejidad del pensamiento griego.
La belleza se transforma en el punto de mira de todos los artistas, que tratan de idealizar la realidad en busca de la perfección. De ella
se deriva la armonía y sólo es posible alcanzarla siguiendo criterios racionales. En este sentido, los principios matemáticos son el
abecedario de todo artista.
Esta peculiar y elevada concepción del hombre se traslada a la religión, que es de tipo politeísta. Sus dioses tienen aspecto humano y
también los mismos vicios y virtudes de los mortales. Zeus, Poseidón, Apolo o Atenea son parte del elenco de deidades que
protagonizarán los episodios mitológicos, al tiempo que servirán en más de una ocasión como modelos en la esfera de las artes. El
culto religioso obliga a la construcción de santuarios y templos en honor de los dioses.
Si el aspecto sacro es importante en el desarrollo arquitectónico y escultórico, la vida política también incide de forma positiva. La
existencia de instituciones democráticas exigirá espacios para celebrar sus reuniones, lo que promociona en gran medida el crecimiento
urbano y las edificaciones públicas.
3.- ANTECEDENTES DEL ARTE GRIEGO
3.1.- EL ARTE CRETENSE
CRONOLOGÍA
La civilización cretense o minoica se desarrolla en las islas Cícladas del mar Egeo y su cronología puede establecerse
aproximadamente desde el año 2600 hasta el 1200 a. C.
Es en la isla de Creta, situada al sur del mar Egeo y puente entre Egipto y Grecia, donde se produce el nacimiento de esta cultura.
Entre los años 1700 y 1400 a. C., espacio temporal conocido como minoico medio, alcanza su máximo apogeo.
INTRODUCCIÓN
Los restos de pinturas y cerámicas, junto con todos los enseres que se descubrieron, ponen de manifiesto la existencia de un arte
realmente original que nada tenía que ver con las civilizaciones del Próximo Oriente y Egipto. De los testimonios arquitectónicos se
deduce cierta influencia de la cultura mesopotámica. Las ruinas de los palacios que se edificaron en este tiempo evidencian, por otra
parte, una serie de elementos totalmente novedosos respecto a otras civilizaciones paralelas. Estas construcciones ya contaban con
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canalizaciones para el agua, algo realmente sorprendente si tenemos en cuenta que este sistema no vuelve a aparecer hasta el
desarrollo del urbanismo islámico.
Los adelantos técnicos muestran el gran avance comercial de Creta, que aprovechando su situación fue uno de los principales imperios
marítimos durante el segundo milenio a.C. Su estructura política parece ser que se dividía en pequeñas monarquías independientes.
De sus creencias religiosas sólo se pueden sacar conclusiones a partir de los restos de figurillas que han aparecido en las
excavaciones.
De este conjunto de piezas se deduce que adoraban a las divinidades relacionadas con la naturaleza y con la fertilidad, ambas
personificadas en la Diosa Madre. La simbología de los toros es otro aspecto interesante, ya que era concebido como un animal al que
había que adorar, pero también dominar. La construcción de los templos, por otra parte, no tenía carácter independiente, sino que
dentro de los edificios una de las dependencias cumplía las funciones de capilla. Los enterramientos se realizaban en fosas y a los
difuntos se les acompañaba del ajuar.
La conquista de Creta por parte de Micenas acaba con el dominio de este pueblo de carácter comercial. El arte que se desarrolla en las
principales ciudades del Peloponeso tiene un importante peso arquitectónico, destacando los enterramientos.
ARQUITECTURA
El desarrollo comercial de esta civilización y el hecho de estar rodeada de mar permitió que la urbanización de las ciudades no
contemplara la construcción de murallas defensivas.
Los palacios de Cnosos, Faistos y Hagia Triada son los principales edificios que se han hallado en las ciudades cretenses. Sus restos
evidencian una estructura desordenada y laberíntica, por donde se distribuyen las calles, que se organiza en torno a un patio central.
Sus considerables dimensiones permitían albergar al monarca, junto con sus familiares y protegidos, por lo que la planta se asemejaba
más a un diseño urbano que a una residencia.
A pesar de la austeridad exterior que presenta este tipo de palacios, de estructura adintelada, parece ser que en su interior la
decoración era abundante. A partir de las pinturas que se han conservado, se conoce la existencia de columnas de fuste liso de
madera, cuyo diámetro disminuye hacia la parte inferior, y con un capitel compuesto de almohadilla y ábaco.
Mediante el uso de columnas liberaban los edificios de los muros, sirviendo como precedente de las típicas galerías mediterráneas.
En el patio del palacio de Cnosos cabe destacar el graderío que se levanta en tres de sus lados, entendido como anticipación del teatro
griego.
Dentro de esta disciplina, la libertad arquitectónica es total, aunque los proyectos estaban condicionados por los rituales.
PINTURA
Las dependencias de los palacios eran decoradas con pinturas murales al fresco. Para representar las escenas se utiliza una variedad
cromática de tonos claros con un eminente predominio del dibujo sobre el color. Reproducen figuras esbeltas y atléticas que aparecen
de perfil, aunque la representación de los ojos es frontal. Para las figuras masculinas se emplean tonos rojizos, mientras que las
imágenes femeninas son de color marfil. Una de las pintura más bellas en la que se aborda la temática humana es El príncipe de los
lirios.
La naturaleza es representada a partir de ricas y originales escenas en las que existe un predominio de los trazos curvos.
CERÁMICA
En el análisis de la cerámica se advierten tres etapas. La más primitiva, denominada cerámica de Camares, es de gran finura al
presentar un grosor mínimo y una decoración, ricamente policromada, basada en motivos vegetales.
En la segunda etapa, conocida como cerámica de estilo nuevo, los tonos marrones y negros se dibujan sobre fondos claros, y se
impone la decoración de tipo marítimo con conchas y pulpos.
Del tercer periodo, llamado de cerámica depalacio, se puede confirmar un abandono de la riqueza temática anterior, que será sustituida
por una tendencia mucho más esquematizada y simétrica.
Del mismo modo que la arquitectura presentaba increíbles avances, de este arte hay que resaltar el uso del torno y el empleo de la
porcelana.
Entre los enseres que se pueden incluir dentro de este apartado, además de toda la variedad de vasijas están las estatuillas que
representan a la Diosa Madre. Una de las más conocidas es la que aparece con los senos desnudos y entre sus brazos sostiene
serpientes.
Las vasijas en forma de cabeza de toro, realizadas con ricos materiales, constituyen otra de las representaciones más comunes de esta
cultura.
3.2.- ARTE MICÉNICO
Frente a los espacios abiertos de la isla de Creta, durante el periodo micénico las ciudades, situadas en las zonas más altas, están
protegidas por grandes murallas ciclópeas de estructura adintelada, por las que se accedía a la ciudad a través de impresionantes
puertas.
La Puerta de los Leones de Micenas es uno de los escasos testimonios que se conservan de esta civilización.
El tipo de vivienda más usual, denominado megarón, se dividía en una sala rectangular, una antecámara y un pórtico de entrada. Su
organización anticipa la estructura posterior del templo griego.
Pero dentro del estilo arquitectónico que caracterizó a este pueblo, los sepulcros adquieren verdadera trascendencia por sus
posteriores repercusiones. Uno de los restos más importantes de este tiempo es el Tesoro de Atreo, un sepulcro organizado en torno a
una galería y construido con bloques de piedra cortados a escuadra. A través de un corredor, este sepulcro comunica con una cámara
de planta circular cubierta por una original cúpula de hiladas de piedra concéntrica. Contiguo a este espacio se encuentra una sala
repleta de ricos objetos que constituyen el ajuar del muerto.
Entre los objetos que comúnmente se depositaban en el ajuar, se encontraba una máscara de oro que se colocaba sobre el rostro del
fallecido. Uno de los ejemplos más impresionantes es la Máscara de Agamenón.

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4.- ARQUITECTURA GRIEGA
4.1.- CARACTERÍSTICAS GENERALES
• La estructura adintelada: los griegos emplearon en todos sus edificios el sistema
horizontal o arquitrabado (adintelado), no sirviéndose del arco más que
excepcionalmente.
La columna es el soporte por excelencia. El conjunto formado por base, columna y
arquitrabe es lo que constituye el orden arquitectónico.
• No utilizan la bóveda.
• Utilizan materiales ricos, como el mármol del Pentélico y la piedra caliza.
• Hay una búsqueda constante de armonía visual, un elevado idealismo
arquitectónico que trata de alcanzar la perfección.
• Desaparecen las estructuras gigantescas y colosalistas, y se crean edificaciones construidas a la medida del hombre.
• La arquitectura es para los griegos número, masa equilibrada y proporción Templo de Apolo, Corinto (Grecia).
4.2. EL ORDEN Y SUS VARIANTES
Los arquitectos griegos consiguieron llegar a una armonía perfecta entre los diferentes elementos arquitectónicos, creando unos
arquetipos que serán referencias constantes en el futuro. Así surgieron los llamados órdenes, que en un principio eran dos: dórico y
jónico. Más tarde surge el corintio.
Orden dórico
El orden dórico es el más sobrio de formas y más varonil de los tres; se
relaciona con lo masculino, y es el orden que se empleaba para los dioses.
El edificio se asienta sobre un pedestal de tres escalones: dos
estereóbatos (escalones inferior y medio) y un estilobato (escalón
superior). La columna carece de basa, por lo cual el fuste arranca
directamente del estilobato.
Orden jónico
El orden jónico surge por contacto con el Oriente. Se distingue por la
esbeltez y la elegancia de sus proporciones y la mayor riqueza de su
decoración. Se relaciona con lo femenino.
La columna se levanta sobre una basa. El fuste es estriado, aunque las
estrías no se encuentran en arista viva sino que están "matadas". El fuste
es más estilizado que el dórico y tiende a ensancharse en su parte inferior.
Excepcionalmente, el fuste jónico es reemplazado por unas figuras
humanas llamadas cariátides, cuando son femeninas, y atlantes cuando
son masculinas.
Orden corintio
Surge a costa del jónico, manteniendo sus mismas características, salvo la estructura del capitel. El capitel jónico de volutas cambia por
el capitel corintio, que adopta la decoración vegetal de hojas de acanto. Mucho más decorativo y mucho más esbelto, surge en el siglo
V a. C. y se utilizaba solamente para el interior de los templos. En el siglo IV a. C. aparece por primera vez en el exterior, en la linterna
de Lisicrates, monumento conmemorativo en Atenas. Se difunde rápidamente y va a ser el más utilizado durante el helenismo.

5.- EL TEMPLO
5.1.- FUNCIONES Y ORIGEN DEL TEMPLO EN GRECIA
• Los templos se alzan en el espacio como volúmenes escultóricos en armonía con el resto de los edificios. El historiador del arte Bruno
Zevi habla del templo como una "gran escultura".
• Es muy importante que todas las partes estén relacionadas armónicamente. Entre escultura y arquitectura debe existir una
compenetración, evitando las aglomeraciones; por ejemplo, los tríglifos deben ir siempre encima de una columna y marcando las
esquinas.

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• Los fieles no tenían acceso al interior, que sólo albergaba la estatua del dios; el acto religioso colectivo se desarrollaba en el exterior,
donde se hallaba el altar. Más que el espacio interior importa el espacio exterior, es decir, los valores plásticos exteriores, la armonía,
las proporciones y el equilibrio de las formas.
• Se estudian todas las perspectivas buscando los mejores puntos de vista y la armonía con la naturaleza.
• En un principio, toda la estructura se realizaba en madera pero con el tiempo se generaliza el uso del mármol, que es un material más
noble y que se conserva mejor.
• Policromía: contra lo que ha sido creencia general durante mucho tiempo, hoy sabemos que el templo griego iba policromado. Se
utilizaban colores planos que hacían resaltar sus diversas partes. Así los tríglifos se pintaban de azul y el frontón de rojo o negro, para
destacar mejor su decoración escultórica.
5.2.- LA ORGANIZACIÓN DE LA PLANTA
La estructura definitiva del templo queda configurada en las siguientes partes:
a. Vestíbulo o sala primera, denominada pronaos:
b. Cella o naos: núcleo o elemento principal del templo. Sala rectangular que cobija la estatua de la divinidad.
c. Opistodomos: falso pórtico que se construye en el extremo opuesto del pronaos, incomunicado con el templo.
También puede ser una cámara cerrada al exterior pero con acceso desde la cella, donde se guarda el tesoro.
Los griegos se preocupan fundamentalmente por el aspecto monumental del templo.
Envuelven al templo con una columnata o peristilo sobre la que descansa la cubierta. El edificio se levanta sobre una plataforma
llamada crepis.
También existen templos circulares levantados sobre la crepis, llamados tholos.
5.3.- CLASIFICACIÓN DE LOS TEMPLOS
A.- Según el número de pórticos con columnas:
• Templo in antys: no tiene más que dos columnas en sus fachadas, presentando el muro liso en su tramo largo.
• Próstilo: un solo pórtico de columnas en la parte delantera (pronaos).
• Anfipróstilo: dos pórticos de columnas, en la parte delantera y trasera (pronaos y opistodomos).
B.- Según el número de columnas que rodean el templo:
• Períptero: templo rodeado por una fila de columnas.
• Díptero: templo rodeado por doble fila de columnas.
• Pseudoperíptero: templo rodeado por columnas adosadas al muro.
C.- Según el número de columnas de sus frentes (siempre en número par):
• Dístilo: dos columnas.
• Tetrástilo: cuatro columnas.
• Hexástilo: seis columnas.
• Octástilo: ocho columnas.
• Los templos que no tenían columnas recibían el nombre de ápteros.
Como norma general, las columnas del tramo largo de muro liso del templo son el doble más uno que las del pórtico.
Templo de Poseidón o de Hera II, Paestum (Italia)
5.4.- CORRECCIONES ÓPTICAS
Dentro de esta búsqueda de armonía visual, se intentan corregir las perturbaciones debidas a los efectos ópticos que se producen en
una estructura de líneas horizontales y verticales.
Se busca la perfección y para ello:
• Curvan ligeramente la parte del friso, la cornisa y el estilobato.
• Inclinan las columnas hacia el centro para impedir la sensación de caída.
• Crean el éntasis en las columnas (mayor anchura del fuste en la parte central) con lo que se aminora el efecto de concavidad de las
columnas de fustes rectos.
• Colocan columnas de mayor anchura en los extremos anulando cualquier sensación de debilidad en esos puntos.
• Hacen desigual la distancia entre columna y columna.
5.5.- LA EVOLUCIÓN DEL TEMPLO
De la época arcaica hay que destacar el templo de Hera en Paestum (siglo VI a. C.), también llamado La Basílica o Templo de
Poseidón. Es de estilo dórico arcaico, como lo indica la exageración del éntasis y la disminución del fuste en su parte superior.
Durante la época clásica (siglo V), coincidiendo con el mandato de Pericles, la ciudad de Atenas cobra la máxima importancia y se sitúa
en la cabeza de Grecia gracias a su victoria contra los persas. En la
Acrópolis se van a construir las principales edificaciones de este
periodo.
Propileos:
Los propileos constituyen la entrada monumental de la Acrópolis, sobre
el lado occidental del santuario. Al entrar en el recinto sagrado se veían
unas magníficas vistas angulares del Partenón.
El Partenón:
Está dedicado a la diosa Pallas Atenea y ocupa el lugar más alto del
santuario de la
Acrópolis. Fue construido por los arquitectos Calicrates e Ictinos bajo la
supervisión de

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Fidias. Es un templo de planta rectangular, dórico, períptero, octástilo y anfipróstilo.
El número de columnas laterales es de 17, es decir, el doble más una de las columnas de las fachadas.
El interior del templo está dividido en cuatro partes: pórtico anterior o Partenón (Atenas)
pronaos, cella o santuario, sagrario o cámara de la diosa y pórtico posterior u opistodomos.
Se combinan dos órdenes de columnas, pues las columnas interiores son jónicas.
El Partenón es anfipróstilo, es decir, tiene un pórtico anterior interno (pronaos) y uno posterior (opistodomos). Estos pórticos son
simétricos.
Toda la decoración escultórica fue realizada por Fidias. La escultura de la diosa Atenea se encontraba en la cella; era de gran tamaño y
estaba hecha en madera y revestida de marfil y oro.
Para lograr una armonía perfecta entre todas las partes, y una imagen de serenidad y equilibrio, se efectúan ciertas correcciones
ópticas. Todas las líneas del Partenón tienen inflexiones y desviaciones premeditadas para contrarrestar efectos de óptica y de
perspectiva.
Todo el edificio está construido en mármol blanco del Pentélico.
El Templo de Atenea Niké:
Es un templo de órden jónico dedicado a la diosa Atenea. También se conoce con el nombre de Templo de Niké Aptera o Victoria sin
alas (lo que significaba que la victoria ya no abandonaría nunca la Acrópolis para volar a otros lugares). El arquitecto fue Calícrates.
Está construido en el siglo V a. C. en estilo jónico, es anfipróstilo y hexástilo y posee capiteles con las volutas anguladas en los dos
extremos. Tiene arquitrabe con tres bandas, cornisa saliente y friso corrido.
Es un templo de dimensiones muy reducidas, por lo que se compone únicamente de cella, además de los dos pórticos (delantero y
trasero).
El Templo Erecteion:
El Erecteión plantea una planta poco corriente: no es rectangular y el interior se encuentra dividido en diferentes estancias. Se presenta
como un templo jónico con dos cellas, una dedicada a Atenea con pronaos hexástila y la otra consagrada a Poseidón-
Erecteo, a la que se accede por un amplio pórtico tetrástilo. En el lado sur del templo se encuentra la llamada Tribuna de las Cariátides,
cuyo arquitrabe está sostenido por seis figuras femeninas, vestidas al estilo griego, con tela fina que queda pegada al cuerpo. Tienen
una pierna flexionad en actitud de marcha y guardan simetría entre ellas.
El arquitecto consiguió conciliar en un único edificio las necesidades impuestas por los diferentes ritos religiosos a los que está
dedicado el templo y los problemas impuestos por un terreno irregular.
De la época helenística destaca el Templo de Zeus Olímpico o Olimpeion. Se trata de un gigantesco templo corintio, con doble hilera de
columnas (díptero). Durante la época helenística los edificios ya no se hacen a la medida del hombre, sino que adquieren dimensiones
colosales.
De esta misma época destaca también el Altar de Zeus en la ciudad de Pérgamo, perteneciente al siglo II a. C.
6.- URBANISMO GRIEGO
Existen dos modalidades dentro de la arquitectura urbana griega: el plano regular y el irregular. Las ciudades griegas de la época
arcaica y clásica estaban muy mal organizadas, ya que eran sólo una yuxtaposición de aldeas sin ningún orden. Hasta la época
helenística no nos vamos a encontrar con una ordenación urbana. En el siglo IV, Hipodamo de Mileto crea un sistema de ordenación
urbana que se caracteriza por un trazado regular formando cuadrículas.
Este tipo de plano aparece muy claro en ciudades como Mileto o Priene, en las cuales están claramente diferenciados los dos
elementos básicos de la ciudad griega: el centro cívico y la zona destinada a viviendas. En la ciudad de Atenas, por el contrario,
predomina la irregularidad.
La imagen que ofrece es la de barrios dispersos, cada uno de ellos formando una masa compacta desordenada, en crecimiento
anárquico a lo largo de calles estrechas y sinuosas.
Los elementos urbanos más importantes eran:
El ágora: eran grandes plazas donde se reunía el pueblo y donde se llevaban a cabo intercambios comerciales; tenían forma irregular o
regular y stoas o galerías porticadas a los lados. Las stoas protegían de la lluvia y estaban decoradas con estatuas alineadas.
Alrededor del ágora estaban los edificios más importantes, como el Buleuterio, que era un recinto para la organización política de la
polis, donde se reunía el consejo de ancianos. Más adelante, el desarrollo comercial conllevó la construcción de ágoras periféricas
reservadas en exclusiva al comercio.
Gimnasios, palestras y estadios adquieren gran relieve en la vida y cultura urbanas.
Estos edificios, como el gimnasio, funcionaban igualmente como centros universitarios de la ciudad, en los que se enseñaban filosofía,
literatura... La arquitectura de los gimnasios se desarrolló con gran aparato, enriqueciéndose con pórticos, exedras o salas de
conversación, salas cubiertas, patios y baños. Existían también los estadios donde se hacían carreras de carros y donde se celebraban
acontecimientos gimnásticos.
Los teatros suponen una de las construcciones más importantes que va a desarrollar el pueblo griego. Aprovechan los desniveles del
terreno para construir un graderío (utilizan las laderas de la montaña). Luego está la orchestra, donde se coloca el coro que tenía forma
circular.
Y por último se colocaba delante del coro la escena, que es donde se desarrolla la acción. El teatro más importante es el de Epidauro,
que tenía una acústica muy buena y un mecanismo escenográfico para los cambios de decorado.
7.- LA ESCULTURA GRIEGA
7.1.- CARACTERÍSTICAS GENERALES
• El pueblo griego alcanza un nivel técnico y estético muy alto en escultura. Por desgracia no se han conservado muchas obras
originales y sólo quedan las copias que efectuaron los romanos.

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• La función de la escultura griega es representar al joven atleta
triunfante en la plenitud de su perfección corporal. No trata de
representar al monarca ni al dios, sino el cuerpo humano bello,
joven y atlético.
• En una primera fase encontramos fuertes influencias egipcias,
con una serie de esculturas rígidas de marcada frontalidad y
formas geométricas, que van evolucionando hacia un
perfeccionamiento anatómico y un sentido del movimiento.
• Existe una búsqueda constante de la perfección ideal, que se
plasma en la representación de cuerpos jóvenes y bellos. Se trata
de una estética naturalista idealizada.
• El material preferido es el mármol blanco que se extrae de las
canteras del Pentélico.
Estas esculturas iban policromadas, aunque el color se ha perdido con el tiempo.
Es muy importante también el uso del bronce, cuya técnica llegaron a dominar de tal forma que pudieron realizar estatuas de enorme
tamaño.
7.2.- PERIODO ARCAICO
Desde los siglos VII y VI hasta el siglo V a. C.
En este periodo encontramos marcadas influencias del arte micénico, del arte egipcio, de las formas decorativas del mundo persa y de
las Damas Xoanas o Ídolos de ojos, esculturas en madera típicas de las islas Cíclicas.
Teatro de Epidauro (Grecia)
Se desarrollan dos tipos de esculturas de bulto redondo:
Los kuroi son esculturas masculinas representando atletas desnudos. Se caracterizan por sus formas geométricas, pues están
formadas por un triángulo que va desde las ingles hasta los hombros. Las piernas son muy musculosas, pues hay que remarcar que se
trata de atletas vencedores. Los brazos van extendidos, pegados al cuerpo, con una marcada frontalidad.
La pierna izquierda aparece un poco avanzada, al igual que ocurría con la representación de los faraones en Egipto. Hay una gran
rigidez y falta de movimiento, y no hay volumen.
Las facciones del rostro son rígidas y estereotipadas: los ojos almendrados, el pelo ordenado de forma geométrica y la expresión
hierática, con una típica sonrisa llamada "sonrisa arcaica". Encontramos defectos anatómicos, como por ejemplo en el pliegue inguinal,
que aparece excesivamente marcado, o en la musculatura demasiado plana, casi dibujada sobre el torso, al igual que ocurre con las
rodillas.
Destacan el Kuros Volomandra y el Kuros Anavissos.
Existe también la representación de un hombre que carga con un carnero o con una oveja sobre los hombros, lo que se conoce con el
nombre de moscóforo o crioforo, y que supone el antecedente iconográfico de la representación cristiana del Buen Pastor.
Las korai son las estatuas femeninas que representan diosas o sacerdotisas. Poseen las mismas características que los kuroi, sólo que
van vestidas con una túnica o jitón y con un manto llamado himatión o peplos. Intentan conseguir que los pliegues de la vestimenta
sean reales y convincentes y que no oculten las formas del cuerpo.
Los mejores ejemplos de relieve en el periodo arcaico los encontramos en los frontones de los templos. La forma triangular del frontón
ofrecía cierta dificultades, pues si bien en el centro podían situarse grandes figuras, en los extremos, formando ángulos muy agudos,
faltaba desarrollo en altura. El escultor se encontraba con la dificultad de integrar en un espacio triangular una escena. Los relieves de
este periodo se caracterizan porque las figuras que decoran el frontón no forman un conjunto, y no guardan proporción entre ellas, sino
que se amoldan al espacio. Destaca el templo de Corfú.
En los últimos momentos del periodo arcaico, ya en la primera mitad del siglo V a.
C., la escultura experimenta una pequeña evolución, las obras adquieren más movimiento, más expresión y más volumen (El caballero
Rampin). En la ciudad de Egina comienza a desarrollarse una escuela de broncistas que se caracterizan por el gran naturalismo que
impregnan a sus obras. La más importante es el Auriga de Delfos, obra de gran elegancia, donde los plegados de la túnica caen en
forma estriada, y donde las cuencas de los ojos se han rellenado con pasta vítrea para lograr mayor naturalismo. Otra obra que destaca
es el grupo de los tiranicidas Armodio y Aristogitón, de la que sólo conservamos una copia romana en mármol, y el Poseidón (o Zeus)
del cabo Artemisión, figura encontrada en el mar que aparece en posición de marcha con el brazo derecho levantado para lanzar el
tridente.
En el relieve también evoluciona: las figuras se amoldan al espacio cambiando las posturas y no las proporciones. Son importantes el
templo de Olimpia y el templo de Afaia en Egina.
7.3.- PERIODO DE TRANSICIÓN ENTRE EL ARCAISMO Y EL CLASICISMO
Primera mitad del siglo V a. C.
Destacan dos autores que han alcanzado mayor perfección y serenidad pero sin pertenecer todavía al periodo clásico.
MIRÓN: le interesa el cuerpo humano en movimiento. Utilizaba el bronce aunque sólo se conservan copias romanas en mármol. Busca
posiciones nuevas y composiciones poco estables. El mejor ejemplo es el Discóbolo, en el que capta el instante fugaz, el momento de
máximo desequilibrio antes de realizar el esfuerzo final. El estudio de la anatomía es perfecto al igual que el equilibrio entre la
distribución de masas o “contraposto”, pero todavía se conserva algo de frontalidad; es decir, la escultura está realizada para ser
contemplada únicamente en una visión frontal y desde puntos de vista laterales pierde armonía. El rostro es inexpresivo si tenemos en
cuenta el esfuerzo que se está realizando. Mirón resuelve muy bien el problema de unión entre el tronco y las piernas. Otras obras
suyas importantes son La vaca, y

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Marsias y Palas Atenea.
POLÍCLETO: es un teórico de la naturaleza humana. Crea un canon de representación en el que mantiene que la figura humana para
ser proporcionada debe medir siete cabezas y media, y debe medir lo mismo de mano a mano que de pies a cabeza. Le interesa mucho
crear una comunicación entre el espectador y la obra. El Doríforo mantiene el canon de siete cabezas y media. Apoya todo el peso del
cuerpo en una pierna, en un contraposto. La composición es armoniosa y la actitud es relajada y tranquila. Otra obra es el Diadumeno,
o joven que se ata una cinta a la cabeza. La pierna está echada ligeramente hacia atrás y la cabeza inclinada para dar mayor
naturalidad a la figura. Búsqueda de un ritmo, equilibrio, belleza y perfección.
7.4.- PERIODO CLÁSICO
El periodo clásico abarca desde la segunda mitad del siglo V a. C. hasta la primera mitad del siglo IV a. C.
En lo que respecta al relieve, ya se ha conseguido un perfecto desarrollo en los frontones, que pasan a desarrollar escenas con
movimiento y con un sistema de proporciones, un canon.
Se mantiene una búsqueda constante por la perfección y por la idea de lo bello que se concreta en la perfección ideal del cuerpo
humano. Para los griegos lo bello es bueno, es perfecto y por tanto lo bueno debe ser bello. Mientras que en Egipto nos encontrábamos
con un arte conceptual y en Asiria con una búsqueda de realismo, en Grecia, por el contrario, existe una búsqueda de perfección
formal, un naturalismo idealizado.
El artista más importante de este periodo es Fidias. Coincide cronológicamente con
Pericles en Atenas. Trabajó con una gran escuela en la que estaban escultores tan importantes como Calímacos, Alkamanes y
Crésilas.
En Fidias encontramos tres principios básicos que definen sus esculturas:
a. La majestuosidad: es un escultor de dioses, de figuras monumentales, grandiosas.
b. La gracia en los ropajes: viste a sus esculturas con amplios ropajes, buscando siempre la elegancia en los plegados de las telas.
Utiliza también la técnica de los "paños mojados", como si las telas estuvieran húmedas y se pegaran a las formas del cuerpo.
c. La serenidad clásica de sus obras. Fidias es el escultor que mejor encarna el ideal de belleza clásica.
Su obra se divide en dos grupos:
Un primer grupo formado por las esculturas exentas de Atenea, como Atenea Partenos o triunfante (de material crisoelefantino, es decir
de oro y marfil, y de 12 metros de altura) y Atenea Promakos (realizada en bronce, de 15 metros).
Un segundo grupo formado por los trabajos decorativos para el Partenón. En los frontones aparece el nacimiento de Atenea y la lucha
de Atenea contra Poseidón. En las metopas: la amazonomaquía, la gigantonomaquia, la lucha de centauros y lapitas, y la guerra de
Troya.
En el friso, recorriendo los cuatro lados, Fidias representa la procesión de las Panateneas, o fiesta en la que participaban todos los
ciudadanos de Atenas en honor de su diosa.
En la primera mitad del siglo IV a. C. las obras se hacen más humanas. Aparece un interés por el gesto, por conseguir un realismo en la
expresión, dejando a un lado los formalismos y la majestuosidad.
Los escultores más importantes son:
PRÁXITELES
Sus esculturas destacan por la característica curva praxiteliana o inclinación de la cadera hacia un lado, que da lugar a una forma
serpentinata de la figura. Utiliza diferentes tipos de tratamiento del mármol: unas zonas aparecen muy pulidas y otras mucho menos,
logra crear así distintas texturas que sirven para diferenciar el pelo del rostro, por ejemplo. Se trata siempre de imágenes sensuales,
agradables, hedonistas, en posturas de descanso, de juego, de ocio placentero y mirada perdida. Destacan: Hermes con
Dionisio niño, Sátiro en reposo o la Venus de Gnido.
LISIPO
Establece un nuevo canon más alargado, basado en nueve cabezas. Fue el escultor de
Alejandro Magno. Sus obras se caracterizan por el espacio interior que deja encerrado en sus figuras. Crea distintos planos que
permiten ver la escultura desde muchos puntos de vista. Destacan: Apoxiomenos (joven atleta que se quita la grasa del cuerpo después
de la carrera), Ares sentado (obra en el que el aire queda encerrado entre el cuerpo, los brazos y la rodilla), y la Cabeza de Alejandro.
ESCOPAS:
No busca la belleza exterior sino un sentimiento profundo, una intensidad en las expresiones.
La utilización del claroscuro en sus obras es muy importante. Es el escultor de la tensión, del “pathos”, del dolor, de la angustia, de las
emociones internas, del drama.
Destacan: la Cabeza de Meleagro, con la cabeza torcida, expresión preocupada, labios abiertos y ojos hundidos. El Relieve del
Mausoleo de Halicarnaso, y la Ménade danzando, sacerdotisa del rito dionisiaco, que aparece representada en el momento culminante
de su danza, poco antes de sacrificar a un animal, en pleno delirio, con el cuerpo completamente arqueado.
7.5.- PERIODO HELENÍSTICO
Finales del siglo IV - principios del siglo III a. C.
A la muerte de Alejandro Magno el Imperio griego se fragmenta y surgen diferentes escuelas con características propias. Se pierden las
dimensiones humanas en la arquitectura.
En la escultura se van a producir muchos cambios. Surge una temática más variada y un interés por los niños y por los ancianos: se
representa un movimiento más fuerte, más violento, un desequilibrio de los cuerpos retorcidos. La belleza tranquila de los jóvenes
atletas y dioses ha desaparecido. Se pierde el canon de la época clásica. Atenas deja de ser el único centro escultórico importante.
Surgen distintas escuelas:
a- Escuela de Pérgamo (situado en la Magna Grecia). Destacan las representaciones del Galo herido y el Galo muerto, el Altar de Zeus.
La característica principal es una búsqueda de la agonía y del sufrimiento.

Arq. Carlos Erick Bendezu Arge

b- Escuela de Rodas: tiene las esculturas más interesantes del arte helenístico. Destaca el Laocoonte y sus hijos devorados por una
serpiente, realizada por el escultor
Agesandro. Otras obras son El toro farnesio, la Victoria de Samotracia (importante por el tejido pegado a su cuerpo, realizado para la
proa de un barco, por eso ese efecto de resistencia al viento).
c- Escuela de Alejandría: pérdida del estudio anatómico. Dios Nilo y sus hijos.
d- Escuela de Atenas: se mantiene la influencia clásica: Niño de la Oca, Niño de la espina. Importantes las figuras en escorzo: posturas
complicadas. Venus de Milo y el Apolo de Belvedere.

Detalle de frontón este del Partenón, British Museum (Londres)

Hermes con Dionisos niño

Museo Arqueológico Olimpia (Grecia) Venus de Milo
Museo del Louvre (Francia)
8.- CERÁMICA
8.1.- CARACTERÍSTICAS GENERALES Y EVOLUCIÓN
• Ausencia de ejemplos pictóricos de pintura mural o de caballeta: no conservamos restos (prácticamente nada) pero desempeñó un
papal importantísimo. Sólo tenemos conocimiento por fuentes literarias o por algunos mosaicos que reproducen pinturas famosas.
• Hubo un gran desarrollo comercial de la cerámica. Estaba considerada un objeto de lujo y se utilizaba también como urna funeraria.
Evolución:
a. PERIODO GEOMÉTRICO: SIGLOS IX-VIII.
Cerámica funeraria de gran tamaño. Se subdivide a su vez en varios periodos:
Periodo protogeométrico: la decoración se divide en franjas con dibujos geométricos, como círculos concéntricos, meandros, grecas,
almenillas, soga.
Periodo medio: las urnas se decoran con dibujos de ciervos como símbolo de la resurrección, de la renovación y de la inmortalidad del
hombre en el recuerdo.
b. PERIODO CORINTIO: SIGLOS VIII-VII
Decoración con bandas de animales orientales. Gorgona, grifo, sirena, esfinge.
Comienza el esplendor de la cerámica griega.
c. PERIODO DE LA CERÁMICA DE FIGURAS NEGRAS SOBRE FONDO
ROJO: SIGLO VI
Surge en Atenas. (cerámica ática). Las características son:
• Sobre fondos claros, rojizos o rosados y con las figuras en negro.
• Figuras normalmente de perfil y ojo de frente. Atisbos de hieratismo (arte mental, facilitar la comprensión de la escena). Detallismo en
los ropajes. Mitologías.
• Composición de escenas muy expresivas, a veces con letreros aclaratorios.
• Detalles en blanco.
• Firmadas por el autor.
Sirven para hacer regalos a las polis vecinas, a los ganadores de los juegos olímpicos, a las panateneas.
Destaca el vaso François: el alfarero fue Ergotimos y el dibujante fue Klitias.
Describe la historia de Teseo, que liberó a las doce doncellas y a los doce efebos de ser devorados por el minotauro de Creta, ayudado
por Ariadna.
d. PERIODO DE LA CERÁMICA DE FIGURAS ROJAS SOBRE FONDO
NEGRO: SIGLO V
Cambio de colorido: las figuras aparecen pintadas en rojo sobre el fondo negro. Se consigue representar el movimiento y la temática es
esencialmente atlética. Son cerámicas muy elegantes. Las mejores obras pertenecen a este periodo. Destaca
Eufronios y sus vasijas dedicadas a Hércules.
e. PERIODO CLÁSICODestacan los lekyhoi, pequeños jarras para guardar perfumes. Las escenas se representan en rojo sobre blanco.

Arq. Carlos Erick Bendezu Arge