Documenti di Didattica
Documenti di Professioni
Documenti di Cultura
COORDONATOR: STUDENT:
C.D.A. Dr. Mihaela Silvia Roșca Mehedinți Ștefan - Daniel
ANUL IV
TIMIȘOARA
2019
Cuprins
Bibliografie .................................................................................................. 17
I. De la legenda lui Faust la muzica faustică
Mitul lui Faust reprezintă drama omului însetat de cunoaștere, supus luptei interioare dintre
două dispoziții antagonice ale spiritului: pe de-o parte, subjugat de gustul pentru valorile lumești ale
Așa numita sete faustică reprezintă chinul sufletesc al lui Faust aflat într-o luptă duală între
pofta de viață, năzuința de idealitate și valorile lumii spirituale, prin aspirația spre atingerea lumii
cosmice a Absolutului, tragismul său constând în această necontenită râvnă de a împăca cele două
tendințe ale sufletului său. Pentru Goethe, Faust a însemnat încununarea multor ani de experiență
umană și artistică ce însumează alchimia unui secol de străluciri ale cugetului ce urmează marilor
prefaceri politice și sociale ale veacului al XVIII-lea, produse concomitent cu avântul tehnicii,
prefaceri cu perspective și ecouri în viitor. În existenta sa, Faust evoluează ca ființă, caracterul său
ales relevându-se treptat în lumina năzuinței sale spre descifrarea tainelor lumii, cucerindu-le nu prin
miracolul magiei, ci prin cunoaștere dobândită în timp, fapt strălucit pus în lumină în opera goetheană.
În viziunea lui Goethe, figura lui Mefisto suferă la rândul său o profundă transformare, cuplul
Faust-Mefisto reprezentând cele două stări ale condiției umane, manifestate doar în relația cu
Domnul, din a căror ciocnire va rezulta creația, astfel încât lucrarea ingenioasă, insidioasă a diavolului
devine motorul reînnoirii. Imaginea-cheie a tragediei lui Faust o reprezintă clipa cea frumoasă, pentru
dobândirea căreia eroul, sfâșiat într-o luptă prometeică, acceptă să-și sacrifice posibila veșnicie.
Legenda lui Faust a fost tălmăcită prin intermediul mai multor forme de artă, în afara literaturii
dramatice, începând cu spectacolele teatrului de marionete, continuând cu balete italiene, cunoscând
înflorirea maximă în muzică prin strălucitoarele capodopere create de compozitori precum Hector
Berlioz, Franz Liszt, Gustav Mahler, Charles Gounod, ca să numim și câțiva dintre uriașii creatori în
muzică ai frământatului secol romantic. După aprecierea scriitorului Mihai Moroianu, tema faustică
ridică probleme în descifrarea mesajului și conținutului filosofic ce este transpus muzical. Se
desprinde un concept, acela de muzică faustică, ce caracterizează expresia grandiosului atât în stările
jubilației, cât și în cele ale durerii și disperării.
1
Ceea ce, în acest caz, servește muzicii în mod ideal, ca reprezentare, este bogăția de fantastic
și de alegoric pe care o conține subiectul, pentru redarea căruia arta sunetelor deține mijloace de o
expresivitate cu totul deosebită, mijloace care acționează pe calea senzorialului și, desigur, pe temeiul
unei culturi, sensibilități și educații, capabile să descifreze mesajul și să producă analogii. Goethe,
într-o manieră subtilă, indirectă, transmite prin poemul său un mesaj încurajator creatorilor de muzică,
înnoitoare ale romantismului nu numai în plan muzical, ci și în conceptul de artă totală specific
simboluri, din ceea ce numea Mihai Moroianu estetică a corespondențelor, atribuind noi valențe
muzicii s-a aflat în seva primară de proveniență mitologică, ceea ce conferă muzicii romantice putere
Astfel, poemul lui Goethe, cu nota accentuată de tragism, de caracter filosofic, prindea
rădăcini trainice în stratul cultural al epocii, primind accente de contemporaneitate. Faust devine cu
repeziciune erou universal, așezat în constelația arhetipală a câtorva caractere fundamentale ale
sublime ori deformate, înfățișează dramatic revolta, durerea, tragismul însuși al conștiinței omului
privitor la sensul existenței lui pe pământ. În Franța anului 1830, un compozitor care a revoluționat
orchestrația, eliberând-o de sentimentalismul exagerat al muzicii italiene, a fost Hector Berlioz, care
a reluat și prelucrat mitul lui Faust în stil grande-opera, trecând prin titulatura de legendă dramatică,
oprindu-se în fine la varianta finală de operă de concert, sub numele de Damnațiunea lui Faust,
definitivată în 1846.
1
Mann, Thomas – Doctor Faustus, traducere din limba germană de Eugen Barbu și Andrei Ion- Deleanu, București,
Editura Muzicală, 1975.
2
Deși s-a avut în vedere că în Damnațiunea lui Faust sunt cuprinse momente de reală dramă
muzicală, primele audiții nu au avut răsunetul așteptat, punându-i sub semnul întrebării valoarea. I se
ramificațiile filosofice ale poemului. Berlioz nu sondează cugetul în adânc, ci adoptă un stil mult mai
Ceea ce a intrigat însă în cea mai mare măsură a fost deznodământul lucrării, care, de altfel,
se rezumă doar la descrierea părții I a tragediei lui Goethe, partea a doua lipsind cu desăvârșire,
schimbând astfel radical semnificația mesajului. Cu toate contestările avansate de cercetătorii operei
lui Berlioz, totuși trebuie recunoscute calitățile expresive de natură teatrală și pictural-descriptivă, ca
și unele nuanțe filosofice pe care criticul George Bălan le identifică în viziunea compozitorului,
potrivit cărora doar Margareta – ca un suflet pur – va avea acces la sferele luminii, pe când Faust,
Limbajul muzical nou a atras critici nedrepte asupra compozitorului, Robert Schumann fiind
unul dintre apărătorii săi, înțelegând originalitatea reieșită din neașteptatele înzestrări ale orchestrei
coloristic, ideea fixă prefigurând veridic sistemul laitmotivelor wagneriene, ceea ce însemna un
element de mare valoare. Spre sfârșitul secolului al XVIII-lea se părea că în muzică era nevoie de un
element reformator care să o scoată din tiparele unui echilibru neatins de nici o zguduire interioară.
romantici conferind muzicii lor accentele misterului, violenței, tenebrosului, oscilarea fără limite în
lucrarea lui Liszt se remarcă restrângerea imaginilor descriptive, acțiunea interesând mai puțin; în
3
schimb, compozitorul se concentrează asupra celor trei personaje definitorii, Faust, Margareta și
Mefisto, realizând portretizări fine, subtile și, în același timp, în linii puternic trasate ale acestora.
Voluminoasa lucrare are ca subtitlu Trei schițe de portret, pe urmele lui Goethe, și cuprinde
trei mișcări, fiecare dedicată unuia dintre personajele-cheie, găsindu-și dezvoltarea în lucrare cu
aportul exemplelor muzicale care au o mare forță sugestivă. Mai puțin inspirate sub aspectul tălmăcirii
sensurilor filosofice sunt creațiile în genul operei, scădere acceptabilă în parte datorită caracterului
spectacular al muzicii romantice de operă. Între acestea trebuie menționate, totuși, opera Faust de
Charles Gounod și opera Mephistophele de Arrigo Boito. Compozitorul intrat în istoria muzicii drept
cel care a pătruns cu adevărat în miezul problemei faustice, redând prin muzică în modul cel mai
strălucitor semnificațiile tragediei lui Goethe, este Gustav Mahler (1860-1911), creatorul Simfoniei a
VIII-a.
Conferind o nouă vigoare muzicii romantice, creatorul vienez a zămislit o lucrare uriașă ca
întindere și forță dramatică, folosind mijloacele intonaționale specifice muzicii secolului al XX-lea.
Sub aspectul interpretării filosofice, simfonia lui Mahler realizează un progres, întrucât afirmă ideea
mântuirii de blestemul diabolic, de ceea ce numea Berlioz damnațiune, depășind în forță concepția
lui Liszt, ce proclama atotputernicia demonicului ca existenta organică a ființei umane, care, cu prețul
unei lupte acerbe este învinsă în final.2
Compozitorul vienez a urmărit înțelesurile de conținut ale tragediei, reușind chiar o nuanțare
subtilă prin care întărește ideea puterii transformatoare a flăcării sufletului, neînvinsă în aspirația
sublimă ce stă la temelia creației, însuflețind lumea rece și încremenită a Paradisului prin muzica ce
dă glas inimii sale, umanizând astfel lumea lui Faust.
Finalul, care se încheie apoteotic cu acel magnific Chorus mysticus pe aceleași versuri ca cele
întrebuințate de Liszt: Tot ce e vremelnic/ E numai simbol, rezumă conceptul faustian al frământatelor
căutări ale răspunsurilor aflate în sferele Eternului, sub aripa protectoare a iubirii divine.
Theodor Bălan – Franz Liszt, București, Editura Muzicală a Uniunii Compozitorilor, 1963.
2
4
II. Versiunile personajului Don Juan și ultimul recviem
Erou zămislit de arta barocă spaniolă, Don Juan reprezintă idealul de trăiri cu ținte imprecise
și obscure, intangibile, care se identifică în contururile sufletului omenesc ale veșnicelor căutări ale
unei afectivități goale de conținut, jinduind fără oprire la o fericire obținută efemer prin încercări
repetate.
Prototip al neseriozității, Don Juan simbolizează dorința de depășire a propriilor limite, este o
coordonată a destinului acestor eroi, cu puternice trăsături tragice. Setea faustică îl călăuzește pe eroul
goethean spre cucerirea nemărginirii; setea de viață a lui Don Juan se îndreaptă spre ținuturile trăirilor
În literatura franceză, Molière a abordat drama lui Don Juan într-un mod aparte. Opera sa este
o realizare cu caracter mai degrabă etic decât psihologic, fiind, prin zugrăvirea faptelor seducătorului,
o satiră îndreptată asupra epocii sale, cu caracter moralizator, relevând ipocrizia eroului ca o trăsătură
spirituală care se adaptează rafinamentului baroc al stilului opulent, impunător, înclinat spre teatral și
grandilocvent.
În sfera de creație ieșită de sub canoanele polifoniei baroce, a stilului rococo înflorit în arta
Opera inspirată de chipul aventurosului Don Juan, intitulată Don Giovanni, numită și dramma
giocosso, în două acte și nouă tablouri, compusă și cântată pe un text în limba italiană scris de
libretistul Lorenzo da Ponte, creația cuprinde accente epice, sfârșitul eroului având un mesaj cu
valoare morală.
5
Răul funciar, parte din ființa eroului, se datorează laturii sale demonice, care alimentează
porniri de esență rea, natura sa malițioasă identificându-se cu aceea a egotistului, dar care, prin cultul
pentru propriul eu, se deosebește de cel al egoistului (o variantă atenuată, mai umană), dar, dincolo
fizionomia Seducătorului, recompunându-l într-o esență eroică ce determină nu doar aplecarea spre
dezice de propriul său crez de viață, fiind un simbol al independenței și libertății ca valoare absolută
a omenirii. Prin această concepție, Mozart îmbogățește versiunile anterioare ale personajului,
mocnește în adâncuri, iar la suprafață, comicul, grotescul, satanicul se împletesc în sclipiri pe alocuri
Miezul gândirii romantice se află în germene, în reflexii ale eroului care refuză cu decenii
înainte acceptarea limitelor condiției umane, Don Giovanni simbolizând aspirația spre cunoașterea
Măiestria lui Mozart îl transformă pe Don Giovanni într-un erou mitic, dând sens și explicație
alternării recitativelor cu numerele scenice, prin acest procedeu aducând în prim plan relevarea
Este interesant de urmărit, prin firul acțiunii, puterea cu care se evidențiază publicului
personajele operei văzute prin prisma mozartiană. Ilustrația muzicală desăvârșită întregește tablourile
dramatice, punând în lumina cea mai convingătoare – atât sub aspectul portretizării, cât și al
6
exprimării trăirilor interioare – întreaga desfășurare a conflictului muzical-teatral, ceea ce am relevat
în anexa 2, care cuprinde câteva dintre cele mai celebre fragmente muzicale.
Renumele de care se bucură Don Juan în istoria culturii umane se datorează desigur
incursiunea în opera mozartiană a avut un impact cu totul special, care l-a determinat să înfăptuiască
o amplă analiză a acesteia, în descoperirea valențelor adânci ale psihicului eroului, filosoful danez
găsindu-și reverberații ale unui eu adoptiv, în raport cu care se va consuma, într-un continuu conflict.
Nu este deci de mirare interesul lui pentru subiectul pe care l-a dezbătut în pagini de
sublime frământări personale și elogii aduse eternului feminin, dar și a nimicirii nimbului desăvârșit
Ceea ce l-a apropiat pe Kierkegaard de opera lui Mozart a fost descoperirea unui vast câmp al
posibilităților existențiale, care i-au atras atenția, subliniind constanța neliniștilor conștiinței chiar și
Mozart i-a dat eroului său o identitate complexă, care transcende starea deplorabilă a
accente de ironie și autoironie, atunci când adaugă titlului, cu valoare de subtext, subtitlul desfrânatul
pedepsit.
pe Don Giovanni/Don Juan similar lui Faust, dar, dacă cerebralul Faust trăiește tulburător și fățiș
disperarea limitei științei sale, Don Juan, afectivul, ca un campion al insensibilității, își controlează
trăirile, ascunzându-și cu strășnicie drama care îl devorează lăuntric, sub chipul superficialității și al
cinismului.
7
Muzica operei mozartiene pătrunde în semnificația adâncă a aparenței inconsecvențelor
eroului, întreg destinul, cu al său deznodământ, fiind pus sub semnul fatum- ului, care îl împinge fără
voie să-l ucidă pe Comandor, întocmai ca Oedip, care își va omorî tatăl.
Richard Strauss este exponentul unei generații de compozitori postromantici, a cărui creație a
ilustrația muzicală se afla într-o relație de dependență secundară, ceea ce nu însemna nicidecum
sărăcirea muzicii.
Momentul de cotitură, care anunță înnoirile unui cutremur cu undă de șoc propagată cu forță
în deceniile următoare, este poemul simfonic Don Juan, a cărui premieră, la 11 noiembrie 1889, la
Weimar, a stârnit pe bună dreptate emoție și epatare considerabile în rândul membrilor societății
muzicale.
Eroul său, deși rămâne cu propriile trăsături, precum curajul și hotărârea fermă, totuși în esență
devine tragic, fiind un artist care, în trăirea erotică, sondează sensurile adânci ale vieții, predispoziția
Această explorare febrilă conduce numai la tragedii, dar tragedia nu rezultă din căutarea
păcătoasă a extazului, ci izvorăște din însuși caracterul eroului, un erou cu o viață ratată, în care există
ambiție și inspirație artistică în pofida faptului că se manifestă într-o formă stâlcită, denaturată.
Strauss îl portretizează în chip desăvârșit pe Don Juan, prin trei teme muzicale, ilustrând
diferite ipostaze ale vieții sale, pe care le-am redat în lucrare. De asemenea, am exemplificat și temele
8
III. Oedip. Simfonismul enescian și noblețea destinului tragic
Oedip, ca unul dintre cele mai complexe personaje mitologice aparținând celei mai
cutremurătoare tragedii, permite analize și incursiuni profunde ale sufletului uman. Fiind deopotrivă
înzestrat cu o sumă de calități supranaturale, dar întrunind în egală măsură trăsături specific umane,
În viziunea lui Sofocle, Oedip, ca orice erou antic, tinde să întruchipeze atributele clasicității:
perfecțiunea firii, moderație, stăpânire de sine, generozitate, bunătate, inteligență, devotament pentru
folosit de legenda antică pentru a le găsi corespondent în straturile cele mai întunecate ale sufletului.
Cu siguranță, la originea concepției lui Sofocle nu a stat reflecția freudiană ale cărei cuceriri științifice
Mitul oedipian semnifică străduința uriașă a omului de a se descoperi pe sine într-o nouă
lumină spirituală, superioară mizeriei trupești, natura sa animalică fiind depășită de accederea spre o
Subconștientul și inconștientul, locuite de porniri inferioare, sunt biruite prin percepția eului,
prin afirmarea conștiinței superioare, datorită căreia omul devine adversar cu puteri nelimitate în lupta
După Sofocle, mitul lui Oedip a incitat fantezia creatoare a multor scriitori și autori dramatici,
precum și a compozitorilor din diferite perioade, preocupări în acest sens existând încă din Renaștere
Fără îndoială, însă, expresia desăvârșirii mitului s-a regăsit în opera Oedip de George Enescu.
Numind-o opera vieții mele, Enescu a sintetizat ceea ce avea mai valoros din talentul și uriașa sa
9
experiență de muzician și artist, de continuă căutare, de o viață, a răspunsurilor la întrebările și
Dacă la Sofocle problema destinului se pune în viziunea în care omul luptă împotriva
nedreptății asupritoare a forțelor acestuia, a zeilor, mântuindu-se prin cumplitele suferințe îndurate,
marele muzician român George Enescu aduce modificări, nuanțări în privința rolului hotărâtor al
Oedip, a cărui izbândă extraordinară înseamnă trezirea eu-lui, este simbol inițiatic al celor mai
nobile principii ce, într-o formă mai mult sau mai puțin evidentă, există în fiecare individ și a căror
Rostul sacrificiului său deschide drumul spre conștientizarea valorii privirii interioare ce va
străluci doar renunțând la superficialitatea privirii exterioare prin automutilare, ca răspuns la căderea
Ideea privirii interioare trebuie evaluată în asociere cu cea a renunțării totale la existența
glorioasă pe care o trăia anterior și acceptarea voită din momentul automutilării a unei altfel de vieți:
Mitul lui Oedip și mesajul său profund uman primesc sensul de permanențe vii, a căror
actualitate depășește problema paricidului și incestului. Este drama omului înzestrat cu puterea de a
se ridica deasupra denigrării, răutății, ignoranței primitive, opunându-le acestora o forță prometeică
în bătălia pentru aflarea adevărului, păstrându-și demnitatea morală în ciuda îngenuncherii fizice.
Nu este așadar întâmplător interesul lui George Enescu pentru acest mit. Marile teme
mitologice au produs frecvent o puternică impresie asupra autorilor care le-au abordat, rezultând
opere uriașe ca valoare, rod al unor germinații creatoare de o viață, precum în cazul compunerii operei
Oedip de George Enescu, legenda acestui erou fiind pretext pentru a-i găsi subiectului semnificații
noi.
10
Uriașa forță morală a eroului care, deși distrus fizic și social, se ridică prin moralitatea sa la
înălțimea de simbol al tăriei spirituale ce stă la originea tuturor marilor înfăptuiri umane,
întruchipează sensul operei și starea de iluminare și purificare; etapa de catharsis mai incertă la
Pentru a-i îmbogăți portretul și pentru a-l prezenta cât mai convingător în ambele ipostaze,
deopotrivă de învins și învingător, Enescu, împreună cu libretistul Edmond Fleg, a legat cele două
tragedii ale lui Sofocle: Oedip Rege și Oedip la Colona, înfățișându-l în final în ipostaza dobândirii
Libretul operei caracterizat de ascetism întrunește așteptările omului secolului al XX- lea,
profunzimilor ideatice.
Una dintre modificările operate de către autorul libretului față de sursa originală este
nerespectarea constanței celor trei unități ale tragediei antice: de timp, loc și spațiu, operând
modificări asupra textului literar pe principiul simplificării prin renunțarea la unele episoade din
Opera Oedip este compusă din patru acte, concepute sub forma unei ample simfonii ce
Din acest parcurs, unul dintre cele mai zguduitoare momente îl constituie reproducerea
dialogului dintre Sfinx și erou, cu răspunsul acestuia din urmă, ce anihilează temuta fiară. Enescu
zugrăvește magistral clipele de paroxism într-o scenă care a avut și asupra lui un impact cutremurător,
vecin cu starea de nebunie, după cum îi mărturisește prietenului său, Bernard Gavoty.
3
Cosma, Octavian-Lazăr – Oedipul enescian, București, Editura Muzicală a Uniunii Compozitorilor, 1967.
11
Rațiunea confruntării dintre erou și ursită, dintre Oedip și Sfinx și biruința celui dintâi,
reprezintă în termeni filosofici preeminența gândirii asupra dezordinii și ignoranței, iar răspunsul
hotărât și concis relevă încrederea nestrămutată pe care o manifestă eroul în forța învingătoare a
omului.
Virtuozitatea mânuirii mijloacelor dramaturgiei de către Edmond Fleg se relevă din felul în
care a conceput libretul, în care a construit rolul fiecărui personaj, cu grijă pentru exprimarea verbală
pusă în contextul întregului dramatic. În acest spirit se concentrează cu precădere asupra figurii lui
Oedip, care de altfel este factorul dinamizator și polarizator al întregii acțiuni, având funcție de
Materialul literar conceput de Edmond Fleg, la care și-a adus masiv contribuția George
Enescu, nu era încă terminat când compozitorul s-a așternut pe lucru cu o pasiune frenetică și o
inspirație creatoare extraordinară, după cum mărturisea el însuși, copleșit de sublimul subiectului,
tema care l-a frământat atâția ani închegându-se după lunga perioadă de germinație, cu întreruperi,
gata pentru a da naștere, cum spunea, operei vieții sale, la care a lucrat aproape trei decenii.4
Atitudinea pe care și-a definit-o clar de la început față de eroul său este cu atât mai evidentă,
cu cât Enescu se regăsește în suferința lui Oedip, muzicianul fiind un om de o rară noblețe sufletească,
discreție și bunăvoință, propriile sale frământări, decepții și experiențe tulburătoare nefiind cunoscute
Construit pe suportul simfonic, întregul limbaj muzical este diferit de cel pe care l-a
întrebuințat în creația sa anterioară, aducând inovații asupra celor trei elemente fundamentale ale
Acest specific al limbajului muzical enescian, care utilizează resurse arhaice românești și
bizantine, a stârnit uneori nemulțumiri ale interpreților, dar și ale criticilor și publicului, care – formați
4
Bălan, George – George Enescu, Mesajul-Estetica, București, Editura Muzicală a Uniunii Compozitorilor, 1962.
12
procedeul intonației în sferturi și trei sferturi de ton, ce derivă din cele de mai sus, pe care o folosește
compozitorul, corespunde în chip ideal stilului parlando-rubato, acea manieră de cânt apropiată de
filiație wagneriană, în scopul reliefării unor situații dramatice deosebite sau a stărilor sufletești
continuator al lui Wagner, dar alegând înfăptuirea acestora după reguli proprii.
și în cealaltă arie majoră a muzicii, opera Oedip având în mare măsură caracteristicile unei simfonii,
construită pe o concepție omogenă, exactă, cu legi precise, care se poate înfăptui doar din perspectiva
simfonismului, procedeu cuprinzând în sine un amplu sistem de dezvoltare dramatică, ceea ce atribuie
orchestral, care este gândit în concordanță cu unitatea spectacolului. Ansamblul, impunător atât sub
sine un personaj extrem de important, este clădit într-un perfect echilibru cu compartimentul coral, la
rândul lui, de o importanță covârșitoare, și cu soliștii, creatorul mânuind cu măiestrie și abil simt al
În travaliul componistic al operei Oedip, concepută ca dramă muzicală, Enescu s-a călăuzit
după regulile dramaturgiei, reguli născute din necesitatea tălmăcirii optime a textului poetic în muzică
13
și a găsirii celei mai fidele nuanțe care să redea încărcătura afectiv- psihologică și filosofică a tragediei
lirice.
poetice, prin care realizează simbolurile sugestive, laitmotivele: dacă la Wagner se remarcă o
distincție între laitmotivele care semnifică eroi și cele care aparțin simbolurilor, la Enescu asistăm la
Subliniem însă că, în tratarea laitmotivică a eroilor principali, Oedip, Laios și Iocasta,
personajele-cheie ale acțiunii, reliefarea complexă a personalității acestora este strâns legată de
mai sus, relevând aspectele ce țin de trăsăturile de caracter, dar și de desfășurarea acțiunii dramatice
în care evoluează acestea, strălucit puse în lumină de măiestria creatorului. Acestora li se alătură și
analiza laitmotivelor celorlalte personaje, Antigona, Creon, Tiresias și Sfinxul, Enescu reliefând
prin laitmotivele dedicate cetății lor anumite stări sufletești legate de acestea, Teba fiind
reprezentată printr-o temă muzicală încărcată de rezonanțe eroice, victorioase, iar Corintul, prin
luminozitatea imaginii, sugerând dorul și nostalgia compozitorului după meleagurile natale ale
copilăriei fericite.
Simțul teatral desăvârșit al lui Enescu se relevă cu prisosință din felul cum prelucrează
materialul tematic al poeziei în înveșmântări muzicale expresive din monologurile eroului principal.
În monologul revoltei eroul nu numai că își înfruntă destinul, ci este capabil să se ridice
deasupra lui, convins de preeminența propriei sale forțe, revoltându-se din toată ființa, convins de
biciuitoare blesteme.
14
Monologul înfrângerii, legat de momentul dezvăluirii groaznicului adevăr, este redat de scene
dramatice de mare intensitate, într-o tensiune crescândă, care culminează cu automutilarea regelui
În sfârșit, monologul afirmării se face auzit în finalul apoteotic al actului al IV-lea; este un
strigăt atotbiruitor accentuat de orchestră, consecința unei mărturisiri a propriei conștiințe a eroului
Mitul atât de generos și complex a stârnit interesul altui mare creator al muzicii secolului al
XX-lea, Igor Stravinski, în paginile următoare interesându-ne de câteva aspecte care diferențiază
1927, lucrând în colaborare cu Jean Cocteau, dramaturg care a abordat el însuși același subiect în
Mașina infernală. Abordarea sub aspect filosofic este clar delimitată în creația celor doi compozitori.
Stravinski s-a ferit conștient în a se lăsa invadat de reflecții filosofice, preferând o exprimare mai
facilă, cu caracter de evocare narativă și de descriere în linii muzicale sugestive a etapelor acțiunii.
secolului al XX-lea, ceea ce aruncă o oarecare nuanță de artificialitate, după opinia lui George Bălan,
dar care, totuși, nu-i știrbește valoarea. Spre deosebire de melodicitatea accesibilă stravinskiană,
muzica enesciană se lasă greu descifrată, însă cuprinde în sine o mare forță de atracție, supunând
era fundamentală pentru a reliefa conținutul filosofic și psihologic atât de bogat, figura eroului său
Sub aspectul portretizării se observă o reacție cu expresie diferită la eroul stravinskian față de
cel enescian și chiar o polarizare în traiectoria manifestărilor personale a celor două tipuri în raport
cu evenimentele.
15
Oedipul lui Stravinski nu comportă în figura sa accentele de eroism răzbătător, nu cunoaște
zguduirile miracolelor care conștientizează omul, pe când, în chip contrastant, eroul enescian se va
ridica din obscuritatea subterană a întrebărilor chinuitoare privitoare la destin cu forța pe care i-o
la capăt. Opera-oratoriu a compozitorului rus narează, opera creatorului român pune întrebări; cel
dintâi se exprimă într-un limbaj abstract-lucid, cel de-al doilea, într-o vorbire concret-poetică sau,
după cum redă foarte plastic George Bălan în cartea sa, Răspunsurile muzicii, primul interesează,
celălalt tulbură, primul place, celălalt răscolește. Ca orice operă de mare forță, larg reprezentată pe
mapamond, Oedip a cunoscut montări dintre cele mai interesante, pe care le-am considerat important
de menționat, începând cu premiera absolută din 13 martie 1936 de la Opera Mare din Paris.
Noutatea limbajului muzical și mijloacele de expresie inedite au fost neînțelese la acea vreme
de marea masă a melomanilor, montarea extrem de fastuoasă, cuprinzând 400 de persoane pe scenă,
devenind în timp extrem de costisitoare, fapt ce a dus la scoaterea operei din repertoriul teatrului după
ani, care au consacrat nu doar partitura tragediei lirice, ci și creația compozitorului român,
recunoscându-i-se măiestria și plasându-l la locul cuvenit valorii sale în rândul muzicienilor secolului
al XX-lea.
Printre acestea se numără spectacolul din anul 1958 al Operei Române din București, montat
de regizorul Jean Rânzescu, la pupitrul dirijoral aflându-se Constantin Silvestri, cu David Ohanesian
Opera enesciană a cunoscut și alte montări de succes, la Berlin și Viena, în 1996 și 1997, la
Moscova, Atena, Sofia, Wiesbaden, Stockholm, Lucerna, Paris, Varșovia, Edinburgh, Barcelona și
altele, primind, cu puține excepții, aprecieri de cele mai multe ori deosebit de favorabile, atât din
16
Bibliografie
Bălan, Theodor – Franz Liszt, București, Editura Muzicală a Uniunii Compozitorilor, 1963.
Gheciu, Radu – Melpomene, Erato, Euterpe sau Cum s-a născut opera din tragedie și ce s-a mai
întâmplat după aceea, București, Editura Eminescu, 1990.
Mann, Thomas – Doctor Faustus, traducere din limba germană de Eugen Barbu și Andrei Ion-
Deleanu, București, Editura Muzicală, 1975.
17