COMO ENCONTRAR TU PROPIA VOZ EN FOTOGRAFÍA

por MARK POWER+

1. FILOSOFÍA

Este trabajo explica las estrategias, tácticas e ideas

generales que han sido diseñadas para ayudarte a encontrar
tu propia voz en la fotografía.
Trata de darle alguna consideración a las siguientes
opiniones, sin importar si estás o no de acuerdo con ellas:

1. En el fondo, como fotógrafos somos juzgados por la

calidad de nuestras ideas.
2. La fotografía con sentido debe contener un grupo de
i m á g e n e s r e l a c i o n a d a s
técnicamente y no un número de imágenes aisladas, cada
una con su propio tema.

Una única fotografía es como una nota de música, como una

palabra en un poema, como un párrafo de una prosa. Es un
ladrillo en una construcción. Claro que las fotografías
aisladas tienen significado y hasta pueden ser consideradas
obras maestras, pero es sólo cuando se asocian a otras
imágenes que comienzan a ganar complejidad y profundidad, de
la misma manera que los instrumentos combinan para formar
sinfonías y las frases se juntas para hacer poesía.

Ansel Adams pudo haber basado toda su carrera en la famosa

foto “Moonrise over Hernández”, pudiendo haber sido conocido
como un gran técnico (el inventor del sistema de zonas) que
supo estar en el lugar preciso para tomar una gran
fotografía. En cambio, Ansel Adams es conocido como un
imperioso fotógrafo de paisajes del siglo XX que también fue
un técnico consumado. “Moonrise” es sólo un pedazo
importante, en el mosaico de su gran reputación.

Una sola imagen fotográfica demuestra, por lo general, el

conocimiento que el fotógrafo tiene de su oficio. La
habilidad técnica en el oficio es algo que toda persona que
estudia fotografía puede eventualmente conseguir. Esto
significa que una buena fotografía es tanto una indicación
de trabajo duro como de talento, porque con dedicación y
tiempo eventualmente cualquier persona podría hacer una
buena fotografía.

Estas son algunas de las premisas que están sobre entendidas

en las estrategias explicadas en el presente trabajo. Estas
estrategias están diseñadas para darte acceso a los recursos
necesarios para realizar un grupo de imágenes, un trabajo
conjunto que puede en la forma más efectiva reflejar tus
pensamientos e ideas sobre un determinado tema.
+
Mark Power es fotógrafo y profesor del Corcoran School of Art (Washington D.C)
Las estrategias no te van a informar sobre si un trabajo
vale la pena o no. A pesar de que necesitamos saber si
nuestro trabajo tiene algún significado, lo triste es que no
podremos verificar su calidad sin antes haberlo intentado.
Este es el riesgo del artista: que lo realizado no valió la
pena. Esta sería la forma de ver de un pesimista, porque mi
idea s lo que uno aprende al equivocarse, es lo que uno
necesita saber para tener éxito.

2. FUENTES DE IDEAS

Para los efectos de esta discusión, considera dos fuentes de

ideas: internas y externas. Las fuentes internas son tu
vida, tu mundo sicológico, los elementos de tu personalidad.
Las fuentes externas son los catalizadores mediante los
cuales tu muestras, conceptualizas o simbolizas las fuentes
internas de tus ideas.

Las ideas también pueden ser descritas como inconsciente o

consciente, intuitivo o racional, o con el nombre que tu le
quieras dar a estas yuxtaposiciones. Las estrategias
descritas en este trabajo están hechas para darte acceso a
lo intuitivo y para ayudarte a tener control sobre lo
consciente.

La intuición es una poderosa fuente de ideas y parte de tu

estrategia debe ser en confiar en tu intuición sin
importarle a tu conciencia cuán peculiar o extraña ésta
pueda ser. Una parte importante de esa confianza en la
intuición es la de aceptar los cambios - cambios de
dirección, cambio de énfasis, y hasta un cambio total de
idea. A nuestra mente consciente le gusta un plan
esquemático, un plan que pueda ser seguido de la A la Z. La
intuición en cambio es contraria a los planes. Es por esto
que debes estar preparado para abandonar planes y adoptar
nuevos rumbos en cuanto la intuición lo determine.

Los artistas visuales se basan en las imágenes como fuente

principal de ideas - no sólo en fotografías pero también en
diseños, pinturas, videos, películas y en todas las
manifestaciones visuales de nuestra cultura.

Un dato curioso es que frecuentemente nos basamos en ciertas

imágenes no para que nos sirvan de experiencia sino para que
nos sirvan de inspiración. Si queremos tomar una foto de un
árbol es probable que queramos mirar otras fotos de árboles
antes de hacer el trabajo, en vez de basarnos en nuestra
experiencia directa. En vez de cerrar los ojos y acordarnos
de algún árbol, nos sentamos y estudiamos, por ejemplo, los
árboles del fotógrafo Atget o nos basamos en la memoria de
un árbol de Atget. Por esta razón, muchas sino todas las
imágenes son réplicas de otras imágenes.*

Una de las tareas más difíciles que enfrentamos como

artistas es el poder utilizar nuestra experiencia
directamente sin o con la mínima intervención de los
convencionalismos visuales.

Dada la dificultad, cuál sería la solución? Una estrategia

sería la de aceptar la premisa que la experiencia tiene que
ser filtrada a través de una imagen, mejor dicho, mediada
por una imagen antes de que uno tenga acceso a ella y antes
de que uno pueda trabajar con ella. Una forma de hacer esto
sería usando tus propias fotografías como fuentes de ideas,
en vez de usar las fotografías de otras personas. Este
trabajo tiene la función de ayudarte a tener acceso a las
ideas escondidas de tus propias fotografías.

Puede sonar como una paradoja, pero la fotografía real

comienza cuando hemos perdido todo interés en la fotografía.
Esto significa que cuando uno está inmerso en el mundo de
las cámaras, de la técnica y en aprender cómo son las
imágenes, tu fotografía está destinada a reflejar esa
experiencia y muchas de tus imágenes estarán basadas en
fotografías de otros. La vida es mucho más compleja que el
mundo de la fotografía, pero si nos fijamos en el trabajo de
muchos fotógrafos parecería que no es así.

Claro que la fotografía puede ser un tema viable para un

artista. Los artistas formales exploran cómo las
fotografías forman parte de un lenguaje visual, pero hay una
distinción que hay que hacer entre el trabajo que es
consciente y, muchas veces, una reflexión intelectual, sobre
los aspectos culturales y estéticos de la fotografía como
medio y un trabajo que inconscientemente repita técnicas e
ideas ya utilizadas por su prolongando uso.

Una vez que hayas sobrepasado la magia de la fotografía

(esto no significa que debes perder tu entusiasmo) y que te
des cuenta que la cámara es solamente un instrumento más de
auto expresión, estarás listo para usar tus experiencias en
la vida con la ayuda de la fotografía, pero sin que el medio
se meta en tu camino.

A menudo, parece que los fotógrafos están envueltos en su

propio mundo sacrificando la vida. Pero hay todo un
universo más allá de las cámaras, de las impresiones,
exhibiciones y publicaciones y es un universo en el que
todos hemos tenido experiencias. La experiencia humana más
sencilla es suficientemente profunda como para tener
material para toda una vida de arte.

Algunos críticos describen a la escritura creativa como una

forma de contar la historia de una vida. Si los sucesos que

*
Esta idea de que las imágenes generan imágenes está explicada en el libro “Art and
Visual Illusion” de E. H. Gombrich y en el libro “Prints and Visual Comunication” de William
M. Ivin.
hacen la historia son reales sería una biografía; si los
sucesos son producto de la imaginación sería ficción y si
los sucesos son conceptuales entonces tendremos una novela
de ideas, una novela filosófica. Por qué la fotografía no
puede subdividirse en ramas similares? Si es que hay un
aspecto que puede diferenciar a la fotografía moderna de
aquella del pasado es porque ahora podemos tomar fotos de
cualquier cosa, así, la fotografía puede ser de ficción, de
hechos reales, simbólica o actual. Como una novela, la
fotografía puede ser una narración simbólica de tu vida.
Esto no significa que la fotografía tiene que ser
autobiográfica.

La discusión anterior se resume en una sola frase: la

palabra clave es la experiencia, tu fotografía nos debe dar
acceso a tus experiencias contadas por tu propia voz. En
fin, el propósito real de este trabajo es el de darte los
instrumentos y las estrategias que te ayuden a realizar la
meta.
3. ENCONTRANDO LA IDEA

Un error común es confundir un tema como si fuera sinónimo

de una idea. Pues no lo es. Puede ser que hayas decidido
qué fotografiar, pero que todavía no hayas decidido el cómo
fotografiar. Una idea es una opinión sobre el tema de tu
fotografía.

A los artistas se les pregunta a menudo, “dónde encontraste

esa idea”? Esta pregunta da pie a que se piense
erróneamente que las ideas son tesoros que están escondidos
abajo de rocas. Claro que son tesoros y por eso perdemos
tanto tiempo tratando con ellas, pero uno no las busca; uno
establece las condiciones que favorecerán el aparecimiento
de estas ideas. En este sentido no vas a encontrar una idea
si te sientas a esperar pensando en ella. Tu no vas en
busca de tu idea, tú debes dejar que ella venga a ti.

La generación de una idea es sólo en parte un trabajo

intelectual. Para conseguirlas tienes que trabajar
físicamente. Esto parecería simplista, pero es verdad. Una
cierta cantidad de trabajo físico es necesario para que tu
mente genere una idea. Si tú eres un escritor necesitas
sentarte a escribir para que tus ideas fluyan. Si eres un
fotógrafo tienes que salir y tomar fotos.

Así, que la primera táctica sería, si no puedes pensar en

qué fotografiar, sal a fotografiar! Toma fotos de lo que te
atrae y sé espontáneo. Diviértete con tu cámara. Haz esto
con dos o tres rollos, haz contactos y si puedes,
impresiones de trabajo (sobre esto se hablará más adelante).

Después siéntate y deja que tu trabajo hable.

El punto es que no necesitas una idea para poder trabajar.

Simplemente el acto físico de empezar a fotografiar inicia
el proceso. Para ponerlo en palabras románticas, a veces
tienes que luchar con la musa.

El orden es al revés. tú no piensas en una idea y luego vas

a fotografiarla. Tu debes salir a tomar fotos para
encontrar una idea. Después de haberla encontrado ya puedes
salir a fotografiarla.

4. HERRAMIENTAS Y TÁCTICAS

1.- LA PLANCHA DE CONTACTO: una plancha de contacto

especialmente de negativos de 35 mm no es una gran ayuda
para nuestra visión. Son muy pequeñas para mirar. Aparte,
en un contacto hay imágenes buenas al costado de fotos malas
o mediocres. El resultado es un mosaico muy confuso. A
pesar de que la plancha de contactos es una buena forma de
llevar tus récords como fuente de ideas, habría que
modificarla, sobre todo cuando uno trabaja con negativos con
negativos pequeños.
 2.- LA IMPRESIÓN DE TRABAJO: la impresión de trabajo
es una copia pequeña (5” x 7”) hecha rápidamente sin
preocuparse en la calidad, sino en la información. Esto es
algo que todo fotógrafo debe aprender. En una sesión debes
poder hacer entre 25 a 100 impresiones de trabajo.
Básicamente el procedimiento es hacer una impresión de
trabajo de todos los negativos que te parezcan que valen la
pena y claro, usando un papel barato. Muchos fotógrafos
exponen entre 10 a 25 fotos antes revelarlas. Esto
significa que hay que saber cómo revelar las impresiones en
grupos y no individualmente. El secreto es un revelado
lento en revelador diluido a 1:3 o 1:4.

Ampliar así como el resto de la fotografía, implica

mirar. Si no puedes mirar no puedes ampliar. Tal vez suene
obvio, pero el número de fotógrafos que amplían sin mirar
es enorme.

Cuando ampliamos estamos comparando la copia que

estamos haciendo con una copia en nuestra mente, una “copia
guía” mental. Analizar nuestros contactos no ayuda al
desarrollo de esta copia guía. En cambio, hacer impresiones
de trabajo sí ayuda.

Algunos fotógrafos hacen impresiones de trabajo de cada

uno de sus negativos. Otros cortan sus contactos, los
analizan y después hacen impresiones de trabajo. Hay un
libro “Contact Theory” de Lustrum Press con discusiones
sobre como varios fotógrafos trabajan con planchas de
contacto.

Hay muchas razones por las cuales las impresiones de

trabajo son importantes. Por medio de ellas podemos conocer
físicamente nuestras imágenes. Esto es importante para
formar esa imagen guía de la cual hablamos anteriormente. Al
aprender físicamente los valores de las luces altas y de las
sombras en una fotografía, uno empieza a entender la
naturaleza de esa imagen. No es simplemente una experiencia
de tacto, a pesar de que esto sea importante. También
comienza a ser una experiencia conceptual y emocional.

Luego de gastar un buen tiempo con tus impresiones de

trabajo, luego de colgarlas en una pared para mirarlas, ahí
empezarás a entender cómo una imagen se relaciona a la otra.
En este punto tus imágenes están “pensando” y comienza el
proceso de germinación de las ideas.

3.- LA PARED VISUAL: éste tal vez sea el instrumento

más importante de todos. No es más que una pared o una
superficie sobre la cual se puede prender las impresiones de
trabajo. Las planchas de material aislante son buenas para
esto y mucho más baratas que las planchas de corcho. La
pared debe ser lo suficientemente grande como para que
alcancen por lo menos 25 impresiones y debe estar bien
iluminada.
Para que podamos entender qué pasa con un grupo de
fotografías debemos tener la capacidad de verlas
simultáneamente. Mirarlas una después de la otra, como
cuando uno mira a un montón de fotos o a un libro de
trabajo, no es tan provechoso.

El propósito de la pared visual es, justamente, el de mirar

las impresiones simultáneamente. Mirar a tus imágenes
juntas te deberá juzgar relaciones visuales, encontrar
similitudes y diferencias de contenido y hacer secuencias y
ediciones inteligentemente.

Coloca a tu pared visual en una área muy frecuentada de tu

casa o trabajo. Si las impresiones están al alcance de tus
ojos durante tus actividades diarias, será más fácil hacer
contacto con una fuente de ideas.

4.- EL LIBRO DE TRABAJO: es un libro que contiene

contactos cortados o impresiones de trabajo o copias
terminadas. Los libros de trabajo son de varios estilos.
Algunos son diarios íntimos, otros simples récords visuales.
Los libros de trabajo son probablemente muy valiosos como
récords de un proyecto terminado.

5.- AFIRMACIONES ESCRITAS: a veces es provechoso

escribir tus ideas. Mientras más corta tu afirmación,
mejor. No pienses en tu afirmación escrita como si fuera un
contrato. No te fija a tu idea. Es más un récord de tu
idea inicial. Hay muchas razones por las cuales esto puede
ayudarte. Primero, puede ayudarte a entender más claramente
tus ideas, ya que pensamos diferente cuando escribimos que
cuando hablamos. Segundo, es una forma de seguir la
evolución de tu idea. A medida que tu idea evoluciona,
inevitablemente cambia y si no tienes un récord escrito de
ella te puedes olvidar cómo era en su forma original.

6.- MIRANDO EL TRABAJO: todos estos instrumentos son

mecanismos que te ayudan a ver tu trabajo. A mayor tiempo
que pases mirando tu trabajo, mayor va a ser tu capacidad de
entender los elementos que valen la pena dentro de tu
fotografía. Debes tomar fotografías intuitivamente y
mirarlas analíticamente. Ese análisis, ya sea tuyo o con la
ayuda de otras personas, te dará información para tu próxima
salida a fotografiar.

Es parte del proceso de mirar el hecho de mirar otros

trabajos fotográficos, particularmente aquellos que están
temáticamente relacionados al tuyo. Una razón es práctica.
Es bueno mirar que hace la competencia y no queremos
duplicar los esfuerzos de otras personas innecesariamente.
Si comienzas bien con tu idea no serán indebidamente
influenciado por lo que ves.
5. LA EVOLUCIÓN DE LA IDEA

Las ideas normalmente tienen vida propia y generalmente

siguen estas etapas:

Una idea comienza a vivir como una premisa simple, tal vez
demasiado simple. Por ejemplo, Robert Frank: “creo que me
voy a subir a un carro y voy a tomar algunas fotos de
América”. Atget: “me parece un lindo día para fotografiar
Versailles”. Divertido tal vez, pero este punto no es
precisamente profundo.

Una vez que has progresado un poco el trabajo, la idea va

adquiriendo más complejidad. Aparecen matices. Emergen
subtemas y la idea empieza a adquirir vida propia; su
energía se vuelve auto-generadora y puede cambiar
completamente de su concepción original. En este punto, tu
deber principal es no meterte en el camino. No tengas miedo
al cambio y no trates de poner mucho control. Si sientes
que la idea te está controlando entonces está bien. Esta es
la etapa más creativa en la evolución de una idea.

Gradualmente el desarrollo y el cambio van parando y la idea

pierde energía. Cómo puedes saber si una idea está
terminada? Una señal es cuando empiezas a repetirte mucho.
Otra señal es cuando aparece el aburrimiento y todo se
vuelve muy fácil. Esto significa que la idea a perdido
fuerza.

El fotógrafo George Krause sostiene que una idea nunca

pierde su fuerza. Que una vez que te envuelves en ella vale
la pena continuar por el resto de la vida. Su serie “Qui
Riposa” empezó en los sesentas y ha sido desde entonces un
proyecto continuo de más de 1000 imágenes. Krause ha estado
trabajando en una serie de desnudos desde hace 10 años.

Su posición es extrema: que como somos un individuo todo lo

que hacemos está interrrelacionado y tarde o temprano todo
se juntará en una vasta experiencia, un cuerpo de trabajo
que expresa una sola idea, una idea que expresa toda nuestra
vida.

En realidad, descubrirás que las ideas como la vida no

progresan linealmente. La mayoría de artistas trabajan con
un número de ideas a la vez, que pueden estar en varias
etapas de desarrollo y que a la vez están interrelacionadas.

Otro punto que debe recordarse es: muchas ideas no

progresan más allá de un libro de trabajo. De cada 5 ideas
que tienes puede ser que desarrolles una. De otras puede
ser que hables de ellas hasta la muerte o de otras te
olvidarás una vez que las hayas escrito. O tal vez no te
interesen más una vez que haz comenzado. Todo esto es
normal. Es mejor tener muchas ideas aunque no realicemos la
mayoría, que tener pocas.
6. RESUMEN

1.- La única forma de saber si una idea vale es saliendo y

haciéndola.

2.- La mejor forma de conseguir una idea es saliendo y

fotografiando. La secuencia no se refleja en la
ecuación idea-después-trabajo, sino más bien trabajo-
después-idea y, después más trabajo.

3.- Fotografiar es un acto intuitivo. Mirar fotografías es

un acto analítico. Este análisis subsecuentemente informa a
la intuición.

4.- Una idea inevitablemente cambia a medida que crece en

complejidad.

5.- Mirar una imagen al costado de otra generalmente ayuda

a generar ideas.

6.- La fuente más fuerte de ideas es tu propio trabajo.

Traducción: Avelina Crespo