EL CONTRASTE, UN PRINCIPIO FUNDAMENTAL DEL DISEÑO

Lo opuesto a la similitud es la diferencia, o como los diseñadores llamamos a esta última, el contraste. Contrastar implica
una comparación entre elementos distintos con la particularidad de que la diferencia debe ser grande. Mientras más
grande la diferencia, mayor el contraste. Como dice Robin Williams en su libro The Non-Designer’s Design Book:

robin“El contraste es creado cuando dos elementos son diferentes. Si los dos elementos son algo diferentes, pero no
mucho, entonces no tienes contraste, tienes conflicto.”

De esta reflexión se desprende la principal función del contraste: distinguir lo principal de lo secundario para que no
compitan y por lo tanto, orientar la mirada de la audiencia. Para que el contraste haga bien su trabajo, es necesario que
los elementos que no son iguales se vean bien diferentes, no apenas diferentes.

El contraste es nuestro gran aliado cuando queremos destacar y jerarquizar la información en una diapositiva. El
objetivo es que la audiencia entienda instantáneamente qué es más importante en lo que le proyectamos, cuál es la
organización de la transparencia y cómo es su orden de lectura.

EL RITMO

Se refiere a la repetición de uno o mas elementos en la composición de un diseño, esto con el fin de obtener cierta
secuencia que pude llegar a ser predicha , una cualidad del ritmo es que permite espacios entre cada elemento que esta
comformandolo llamados Intervalos, además existen algunos términos que pueden determinar el ritmo como:

La proporción, que es la relación entre el tamaño de los elementos;

El orden, es la armonía que tienen los elementos. Y Movimiento, que es cuando existe alguna progresión entre los
elementos.

Es importante tener en cuenta que el ritmo no solo se encuentra incorporado en el diseño, también se encuentra en la
arquitectura, en la naturaleza y aun mas notable en la música.
EQUILIBRIO

Se refiere a la distribución de los elementos en el espacio asignado sobre el que se diseñará. Sin embargo, cada
elemento cuenta con un peso visual, que se mide según su color, tamaño e incluso su textura. A partir de ello, puede
tratarse de un balance simétrico que iguale los elementos en el diseño, partiendo de un punto central, o de un balance
asimétrico que evite la regla anterior. Sin importar el tipo de balance, es una pieza clave para evitar que la composición
resulte desordenada e ilegible.
ALINEACIÓN

Sirve para generar orden en su totalidad, asegurándose de que los elementos se entrelacen a sí mismos a través de
cierta retícula. Al alinear los elementos se crea una composición limpia, que de seguirse correctamente producen
también contraste y equilibrio. Desde una perspectiva psicológica, el humano es instintivamente atraído hacia una
imagen si esta se encuentra alineada, un proceso que la mente percibe inconscientemente y que genera satisfacción en
el espectador.

ÉNFASIS

Así como el acento en la palabra “Énfasis” la letra “E” tiene mayor atención, el énfasis se encuentra en aquel elemento
que destaca sobre otros. Para ello, se puede recurrir a opciones como hacer dicho elemento de mayor tamaño, de un
color más intenso que el resto, o que se componga de elementos diferentes en la composición. Considerando esto,
puedes utilizar el énfasis para aquella idea sobresaliente en tu diseño.
COLOR

Una pieza clave y parte fundamental en el diseño. El color es el eje rector que determina el ambiente del diseño, pues
retomando la teoría del color, cada uno predispone al espectador hacia una emoción diferente. El azul suele referir a
tranquilidad, el rojo a energía, el amarillo a felicidad, el verde a aquello referente al medio ambiente, etc. Sin embargo,
así como cada color emite una emoción positiva, también emite una negativa. Para ello debemos profundizar en la
teoría del color para elegir estratégicamente cuál utilizar antes de diseñar.

JERARQUÍA

Se refiere al recorrido visual que percibimos al ver una imagen según la relevancia de sus elementos. Si se tratara de la
primera página de un periódico, por lo general, comenzaríamos observando el encabezado, el copy y la imagen que lo
acompañan y pasaríamos a los subtítulos y sus correspondientes contenidos, recorriendo del mayor al menor. En el
diseño, es primordial reconocer cuál es el mensaje más relevante para convertirlo en nuestro encabezado, y seguir con
los mensajes secundarios. Para ello debemos considerar también que en occidente naturalmente observamos de arriba
hacia abajo y de izquierda a derecha, es decir una “lectura en Z”. A través de esto, podemos entonces comunicar de
forma adecuada nuestro mensaje.
SIMETRÍA

El uso determinado y la disposición de las formas, líneas y colores son capaces de determinar el éxito o el fracaso de una
obra creativa y, a propósito del equilibrio en su composición visual, uno de los factores más importantes radica en la
simetría o en su ausencia. Para lograr la simetría es necesario alcanzar un equilibrio visual, colocar los elementos que
conforman la composición gráfica de todo diseño a la misma altura tanto en un lado como el otro, poseer la misma
selección cromática, las mismas texturas, y en general, semejar un espejo cuando se coloca cualquier objeto frente a él.

ASIMETRÍA

Las figuras o formas asimétricas carecen el balance de las formas simétricas, aunque pueden balancear asimétricamente
una composición entera. La asimetría es más común en formas naturales: las ramas de los árboles crecen en diferentes
direcciones; las nubes tienen diferentes formas. La asimetría crea relaciones más complejas entre elementos, y tiende
ser más interesante que la simetría. Ya que es más interesante, la asimetría puede ser usada para llamar la atención.

GRADACIÓN

La gradación es una disciplina más estricta. Exige no solo un cambio gradual, sino que ese cambio gradual, sea hecho de
manera ordenada. Genera ilusión óptica y crea una sensación de progresión, lo que normalmente conduce a una
culminación o una serie de culminaciones. La gradación es una experiencia visual diaria. Las cosas que están cerca de
nosotros parecen grandes, y las lejanas parecen pequeñas. Si miramos desde abajo a un edificio alto, con una fachada de
ventanas iguales, el cambio en tamaño de las ventanas sugiere una ley de la gradación.
HISTORIA DE LA FIGURA HUMANA

La representación humana dentro de lo que es el arte se inicia desde la época de la prehistoria. los
hombres primitivos no dejaban claro el sexo ni mucho menos exponían los rasgos físicos.
Prehistoria
El arte sumerio se caracterizaba por sus ilustraciones en lo que es el yeso. En relación a la figura
humana, se puede ver una clara evolución en comparación con el arte prehispánico. Las figuras de
los mesopotámicos eran frontales con las manos juntas, en lo que parecía un gesto de favor y no
daban ningún tipo de sensación de movimiento. Muy similar a lo que fue el arte egipcio.
Mesopotamia
Las figuras humanas no parecen ser realistas. Los egipcios dibujaron a los humanos de perfil y un
poco estáticos. Pero lo que realmente buscaban era enfatizar la apariencia más obvia de cada parte
Egipcios del cuerpo y luego reunirlas todas.
Después de los egipcios vienen los griegos. Y a simple vista la diferencia de la figura humana entre
uno y otro es monumental. Para los griegos la complexión del cuerpo humano era sumamente
importante, es por eso que en sus esculturas todo esta sumamente detallado desde el cabello, las
Griegos venas, detalles de la cara hasta todos los músculos que el cuerpo humano contiene.
El arte romano es caracterizado por su realismo extremo dentro de la figura humana. A diferencia
de los griegos, no se enfocaban tanto en la complexión si no en el detalle desde la ropa hasta las
características físicas. No se observa la mas mínima decadencia. Los romanos a través de la figura
Romano humana quisieron representarlos inteligentes y honestos.
Esta época es también conocida como el cristianismo primitivo en donde la figura humana pasa a
ser un segundo término y no se enfocan tanto en los detalles.
Tanto en la pintura como en la escultura, la valoración de los primitivos cristianos se dirige al
significado de las representaciones más que a la estética de las mismas.
Paleocristiano
El estilo románico conserva alguna tradición romana aunque muy degenerada. El románica se
caracteriza por el escaso estudio de la naturaleza que revelan sus figuras, por la seriedad y
uniformidad de los rostros en la forma humana, por las violentas actitudes que se dan a los
personajes al representar una escena y, en fin, por la falta de perspectiva que ofrece la composición
Románico en conjunto.
En este estilo, la figura humana va tomando mayor importancia y así a la pintura le da mucha
elegancia, flexibilidad siendo una técnica muy. Las mujeres son pintadas tan bellas como una super
modelo con vestidos en pliegues y muy sinuosos; y los hombres son delgados, de rasgos marcados
Gótico y vestidos de colores.
En la era bizantina el cristianismo siguió imponiendo en las obras. La figura humana fue algo
similar al gótico, con el rostro un tanto alargado y los rasgos marcados. Algo que si caracterizo al
Bizantino estilo bizantino fue el uso de barba en forma de triangulo en el rostro del hombre.
El renacimiento acabo con todo lo que se venía haciendo en el medio artístico y trajo una nueva era
la cuál ha sido uno de los movimientos más importantes en el ámbito del arte. En cuanto a la figura
humana, el artista se empezó a interesar más en la anatomía humana, en lo natural y en la
perfección. La figura fue pintada o esculpida con tanta perfección que difícilmente se puede ver un
Renacimiento desperfecto.
En seguida del Renacimiento llego el estilo Manierista. Este estilo se desarrollo a partir del
Renacimiento solo que fue hecho a la manera de los artistas de la época y así tomó el nombre
Manierismo. Las figuras eran unos pocos extremistas, algunas un poco graciosas; pero lo que
caracterizó mas al Manierismo fueron sus cuerpos raramente alargados, cabezas pequeñas y
semblante estilizado. Una última característica de la figura es que las posturas eran difíciles o más
Manierismo bien artificiales.
Estilo Barroco ha sido uno de los más arraigados en el arte El occidental. Dentro de la figura
humana barroquista el artista muestra un gran sentido de movimiento, energía y tensión. Una
intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones
milagrosas. También hay que mencionar que los artistas buscaban la representación de los
sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros
de sus personajes; y a su vez marcaban la intensidad, el individualismo y el manifestó en las
representaciones realistas de la piel y las ropas
Barroco
El rococó fue un estilo un poco diferente al Barroco. Y es que después de ver figuras con
demasiada pasión y éxtasis, ahora la figura humana pasa a ser más templada. Se ven las sonrisas en
los rostros, el uso de colores claros, y además los personajes son representados con gran elegancia.
Otra característica es que ya no son representaciones divinas, ahora son basados en la artificialidad
Rococó de la vida de palacio y de los ambientes cortesanos, reflejando una imagen amable de la sociedad
 en transformación.

Dentro del estilo Neoclásico la pintura tuvo un cambio significante, en donde las figuras pasaron a
ser expuestas en temas mitológicos y de historia. Se utilizaron temas emotivos y con fondo
moralizador. Se utiliza la línea y el volumen sobre el color y es pintado bajorrelieve.
Neoclásico
La figura en el estilo del Romanticismo contiene líneas más suaves y onduladas haciendo así la
pintura un poco con mas sentimiento. Al igual el color es tenue y matizado, la composición es más
dinámica. La figura humana en este movimiento es transmitida en el pasado medieval, en la historia
nacional y en culturas del Lado Oriente. También se observa la pasión y el sentimiento que se
Romanticismo transmite dentro de la obra.
l estilo Realista o también conocido como el “estilo correcto” representa a las figuras con gran
crudeza y una carga profundamente expresiva. Los artistas tratan de representarlas como si fuera
Realismo una fotografía solo los objetos tangibles.
l impresionismo es conocido por la saturación de colores en donde la figura humana se emplean
encuadres propios de la fotografía, el uso de la línea diagonal. También otra de las características es
Impresionismo el uso de sombras y dinamismo
La técnica en el Neoimpresionismo se basa en la recomposición que efectúa la visión humana de la
realidad. Se utilizan colores más intensos los cuales para esto se hicieron experimentos científicos
para sacar los colores que se utilizan y así jugar con las emociones de acuerdo con estos mismos.
La figura humana empieza a perder detalles sin embargo la tonalidad de colores y la técnica
Neoimpresionismo utilizada le da un gran toque a la pintura.
El postimpresionismo tuvo características muy variadas y estas dependían de cada autor. Muchos
abandonaron aquella pretensión del naturalismo. En cuanto a la figura humana se puede observar
como es muy bidimensional, con un contorno muy marcado y utilizaba el color no por sus
cualidades decorativas si no por sus connotaciones emotivas. La figura humana se empezó a
Postimpresionismo parecer al estilo del abstractismo.
Las figuras dentro del Art Nouveau es caracterizado por sus formas sinuosas y alargadas, el empleo
del latiguillo como línea ondulante y en forma de enredadera. Rompen con todo lo tradicional
Arte Noveau creando motivos florales y geométricas
El estilo fauvista utiliza un color fuerte, violento y agresivo. El espacio, las formas y el volumen se
crean a través del color, el cual es arbitrario y se aplica de una manera no real. También se observa
Fauvismo el uso de fuertes pincelazos.
La figura humana muestra una inspiración violenta, espontanea rebelde y apasionada. El
expresionismo se caracteriza también por las deformaciones voluntarias, estados de ánimo
Expresionismo subjetivos, las cuales tienen como finalidad explorar el interior de la conciencia humana.
Entrando al estilo cubista, las figuras humanas están conformadas con puras figuras geométricas
elementales, mientras que para representar las caras utilizaban en mayoría la escultura ibérica y
mascaras africanas. Pierde en su totalidad la idea del cuerpo en su forma natural, señalando
Cubismo solamente los elementos básicos.
La figura o más bien cualquier obra dentro del estilo dadaísta es totalmente abstracta. La figura
humana ya queda a la imaginación del que este viendo la obra. Quedan todavía algunos esbozos
Dadaísmo pero ya de manera muy diluida.
El estilo surrealista es caracterizado por explorar e ilustrar la mente inconsciente y así destruir el
arte establecido. La figura humana dentro de este estilo no es la excepción. Claramente se puede
observar la figura sin embargo con cierta simbología en donde es inspirada por la imaginación y los
Surrealismo sueños dejando atrás ese estilo del Dadaísmo.