Curso 2010

“HISTORIA DEL ARTE”

Titular RUBEN EDUARDO VERA
ARQUITECTO

UNLZ
UNLZ - HISTORIA DEL ARTE – CATEDRA VERA -
 INTRODUCCION
Definiciones de arte hay infinidades a lo largo de la historia y todas en
una u otra forma abarcan el desarrollo de un tema y no se produce
una definición completa, Hegel diría que en el arte hay que
“… subjetivar el objetivo…” quiere decir que el hombre como sujeto
tiene una mirada de la realidad, de su entorno y la expresa, en esa
representación sería expresión del objeto, lo “subjetivo de su realidad”
y a través de este filtro artístico realiza su expresión.
Esta sería una forma de definir el arte, pero dejaría de lado otros
aspectos que tienen que ver con el valor significativo, que tienen que
ver con la técnica, por ejemplo si se utiliza pincel, espátula, si es un
fresco; en cualquier tipo de definición siempre hay algún aspecto que
no se tiene en cuenta.
Otra definición del mismo pensador “… el arte es brillo de la idea a
través de la materia…”, como pensamiento es brillante pero siempre
adolece de la misma falta porque no habla del inconsciente, por
ejemplo, obviamente que en esa época nada se sabía del inconsciente.
A lo largo de la historia se van formulando distintas definiciones que
son útiles para un desarrollo teórico y analítico del aspecto estético del
arte.
Según Marta Zatonyi, el arte tiene dos componentes, uno es el
compromiso social, en el plano de lo conciente y el otro desde lo
inconsciente, la sublimación de lo reprimido. Con respecto al
compromiso social, el artista pone la mirada en su entorno, en su
contexto social y en su propia realidad, lo hace a través de su
personalidad y su ideología, respondiendo a través de ese filtro. Desde
esta mirada obviamente puede hacer apología del poder o por el
contrario una crítica del mismo.
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1.1
Según Michel Foucault todos somos el poder, no sólo lo son las
instituciones, las clases gobernantes, la policía, el ejército, la
administración, etc., sino que lo somos todos a partir del momento, en
que somos reproductores de la ideología del poder, así se establece una
relación dialéctica del amo y el esclavo, del que manda y el que obedece,
donde el amo es amo en tanto y en cuanto el esclavo tenga la vocación
de servidumbre.
El artista responde desde su condición, expresa su arte e inevitable toma
posición. Por eso es que vamos a ver las pinturas negras de Goya, en
actitud contestataria, entre otras que responden a temperamentos
opuestos, es decir en actitud de adhesión al poder establecido, dando un
marco a lo que se hablaba anteriormente respecto al compromiso social
desde lo consciente.
Pero hay otro aspecto que tiene que ver con lo inconsciente; estos
aspectos, consciente e inconsciente, son bastantes nuevos (principios del
siglo XX), introducidos por Freud, lo que Freud hace es estructurarlos
científicamente y denominarlo sublimación de lo reprimido y que tiene
que ver con esa actitud inconsciente en el arte.
En un dibujo de Leonardo Da Vinci siglo XV. como ustedes sabrán
Leonardo era un estudioso de la anatomía humana. Este boceto presenta
una serie de fallas justamente en la anatomía, algo impensado para un
estudioso del tema, 400 años más tarde (y por eso la necesidad de la
conservación de estos testimonios del pasado) Sigmund Freud pudo
elaborar la teoría de la sublimación anteriormente mencionada, a partir
de este dibujo.
En un artículo Freud dice: “…Este es un dibujo de Leonardo que
representa el acto sexual en un corte anatómico y que en ningún
momento puede clasificarse de obsceno, muestra algunos errores que
han sido descubiertos por el Dr. Rietvel y han servido de base para
deducciones orientados en el buen sentido que las muestra, este
extraordinario instinto de motivación falló por completo en la
representación del acto sexual a causa, naturalmente, de la represión
sexual de Leonardo, más intensamente dicho, su instinto.
ARQ. RUBEN EDUARDO VERA
 INTRODUCCION
Si al mostrar dicho dibujo a una persona que no lo conozca de
antemano, no le dejamos ver al principio sino la cabeza, podemos
estar seguros que la supondrá como figura femenina, los rizosos
cabellos que caen sobre la frente hasta la cuarta vértebra dorsal
caracteriza decisivamente esta cabeza como más femenina que
masculina”
Seguidamente hace una serie de definiciones, se ve un corte
longitudinal del cuerpo humano en posición de coito, la persona
parada es un hombre y se vé en detalle los genitales femeninos.
Continúa “… los rasgos fisonómicos de la femenina cabeza
correspondientes en el dibujo a la figura masculina muestran una
expresión de repugnancia y desagrado, el entrecejo aparece fruncido
la mirada dirigida lateralmente con una expresión de horror y los labios
se contraen en una muesca de disgusto... nada refleja en este rostro el
placer del amante ni la bienaventuransa del amante sólo advertimos
repugnancia y desagrado. El mayor error cometido por Leonardo en
este dibujo se nos evidencia al examinar las extremidades inferiores de
las figuras, el pie del hombre tiene que ser el derecho pues habiendo
representado Leonardo en un corte anatómico vertical había
.............................. del pie izquierdo de la figura masculina fuera de
la superficie del dibujo, inversamente por las mismas razones el pie de
la figura femenina tenía que ser el izquierdo pero Leonardo procede al
revés . Confunde entre si a la figura femenina y la masculina. La
primera resulta el pie izquierdo y la segunda el derecho, este error se
nos evidencia en cuanto reflexionamos que los dedos gordos de los
pies se hallan colocados en la parte interior del mismo.”
Es sabido de la homosexualidad de Leonardo Da Vinci , esto no es un
juicio de valor, entonces dentro de ese esquema sería lógico que
cometiera esos errores concernientes al dibujo. Este dibujo fue
realizado a fines del siglo XV, gracias a la permanencia de esta
imagen a través del tiempo se le pudieron efectuar otras miradas ,
como esta de Freud en el siglo XX. Este tema es fundamental por que
es parte del patrimonio de la humanidad también cualquier obra
doméstica común y sencilla que en algún momento forma parte de
este patrimonio mundial, nacional y local.
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1.2
El otro enfoque que se hace es sobre la infancia de Leonardo, en el caso
de “Santa Ana, la Virgen y el niño” está expresando una relación, sublima
su propia vida, el autor tuvo una infancia en la que fue criado por dos
madres, diría casi tres la madrastra, la madre y la abuela paterna, Doña
Lucia. Santa Ana, la madre de la Virgen y la abuela del niño Jesús que
debía ser una mujer entrada en años, aparece representada con rasgos
juveniles de una belleza aún no marchita. Leonardo ha dado aquí al niño
Jesús dos madres: la que lo tiene en brazos y otra que lo contempla
amorosamente en segundo término, ha caracterizado a ambas con una
sonrisa de la felicidad maternal. Leonardo repudiaba pintar la ancianidad
con sus arrugas y surcos, razón por lo cual convirtió a Santa. Ana en una
mujer de inconmensurable belleza. Freud también aporta una mirada
sobre esta pintura.
Así como están estas miradas, también lo están en cuanto a los aspectos
técnicos de la obra , la tecnología utilizada, se puede detener en las
formas, pinceladas, si trabajan con color , etc. y también de acuerdo a
quien la mira, lo que nos lleva a ver el arte como una fuente inagotable
de conocimientos y perdurable en el tiempo.
Esta es la Capilla Pazzi, una obra de Brunelleschi en pleno Renacimiento
(1430 –1446) tiene una planimetría rectangular, con dos partes laterales,
dos muy cortas prolongaciones en el fondo, en el centro se eleva una
pequeña cúpula uniforme, truncada, sostenida y determinada por arcos
de medio punto que desde las proporciones de la obra....... éstas se unen
entre sí.........
Las pechinas es el resultado de la unión de una planta circular con una
planta cuadrada, a continuación Marta hace una descripción en planta y
espacio de la obra: ”… la fachada presenta un pórtico con columnas
corintias en el centro se levanta una gran arcada que llega a
interrumpir.......... y arcos de medio punto y en el centro una puerta
coronada. El interior muy sencillo aprovecha el elegante efecto de
decoración de la piedra llamada serena. La luz filtrada entra por la
ventana circular, ubicada en el tambor de la pequeña cúpula.
ARQ. RUBEN EDUARDO VERA
 INTRODUCCION
En los pechinas encontramos los medallones de...”.
Aquí se está haciendo una descripción de una primera observación que
se puede hacer de una obra de arte, cuando hablamos del ejemplo de
la cebolla decíamos que uno atraviesa capas cronológicas para el
conocimiento, lo primero que se hace es definir el objeto, luego otro
tipo de análisis. ”… La obra es la expresión de la perfección genética,
todo es el resultado de un cálculo y apela a la organización en la cual
no cabe la expresión subjetiva de las líneas que realizan los elementos
verticales, las paredes, las puertas, las ventanas, las columnas, las
pilastras, los arcos, se proyectan sobre los componentes horizontales,
el piso, el techo, las cornisas, las medidas de esta obra parecen ser
una caja visible que vista desde afuera ya sabemos como es adentro,
no existe el factor sorpresa. Las medidas son un cálculo de
proporciones clásicas. La .............. es propiedad de otros tiempos, de
otros lugares, la belleza de esta obra reside precisamente en esta
perfección de todo lo racional, de lo seguro, de lo ordenado, de lo
objetivo...”
Aquí la Dra. Marta describe el sentido estético de la obra, donde nada
se puede sacar y nada se puede agregar porque sino se descompone
el conjunto. Es absolutamente equilibrada, se ve acá en el arco de
medio punto, todo está proporcionado. Esto es otra forma de llegar a
una expresión artística, encontrarán ejes de composición, de
organización de la fachada y todo esto responde a una técnica del
Renacimiento.
La siguiente obra que vemos es una escultura de Rodin “El Beso”, a
los 43 años un proyecto artístico conocido, Rodin, conocía a Camille
Claudel, de 19 años hija de una familia de profesionales del interior.
Hermosa y encima de todo eso excelente pintora y mejor escultora
todavía.
Vivirá con ella una relación tortuosa, en la que con el tiempo Rodin la
abandona para volver a su vida anterior, en 1913 se encuentra Camille
encerrada en soledad, abandonada definitivamente por Rodin se
refugia en la locura, termina internada en un manicomio.
U.N.L.Z. - HISTORIA DEL ARTE
1.3
“....... Sin lugar a dudas podemos decir que esta obra se ha convertido en
una de las metáforas más famosas del amor.. la mujer se funde en un
apasionado abrazo y sus cuerpos forman una unidad. El movimiento de
esta masa pétrea representa el ritmo en que se encuentran, sin duda un
conjunto compartido por dos que propone despejarse como una unidad,
el cuerpo de ella ofrece compasión , mientras que él dominante la toma a
ella...............”
El hombre tiene una postura rígida como quien no quiere o no puede
entregarse. La articulación de su cuerpo se realiza en prácticamente 90ª
2 veces y su brazo no abraza sino que se apoya sobre el mármol y el otro
descansa pasivamente sobre la cadera de ella. La cabeza no se inclina
hacia la cara de su pareja sino que está atraída por el brazo izquierdo de
ella, incluso el tiene en su mano izquierda un libro abierto como quien
no renuncia a la posibilidad de poder seguir leyendo inmediatamente, sus
pies se apoyan sin relajamiento, sin entrega a la situación. La mujer
aunque con los ojos cerrados expresa, su cuerpo terriblemente activo
tiene un movimiento casi espiral , apasionado, y con una dramática
fuerza lo atrae sobre sí , no tiene ningún ángulo que sea de 90º todo
obtuso y agudo con una palpitación no solo de su cuerpo sino de sus
pasiones , de sus sentimientos, de su existencia total, mientras él
mezquinamente cuida que ella no pueda atraerlo más allá de sus
posibilidades defensivas, que no le saque nada, que no entre en su
espacio, ella, se entrega apasionadamente.....”
Se describe un aspecto apasionado, no está referido a la técnica, a las
proporciones de la materia, al tipo de mármol, a la posición, efectos de
luz y sombras, o sea este análisis que sí es necesario hacer también es
otro aspecto, hay otras formas de reconocer, otras variantes como se
puede ver en Capilla Pazzi o con las descripciones anteriores de Freud.
ARQ. RUBEN EDUARDO VERA
Prehistoria

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 PREHISTORIA
En el paleolítico el hombre vive en sociedades
tribales, sin asentamiento estable, es decir eran
nómades, estas comunidades no estaban estructu-
rados económicamente, vivían de la caza y la re-
colección, en una actitud parasitaria de la natura-
leza. La producción artística y sus expresiones son
en base a las costumbres y deseos, así encon-
tramos una expresión naturalista, con un fuerte
contenido mágico como una forma de ver la
realidad. Existen pinturas rupestres que se carac-
terizan por estilizar e idealizar la vida donde los
animales se representan con una figura distorsio-
nada ya que sus patas en general eran pequeñas
igual que sus cuernos, mientras que sus cuerpos –
proveedores de alimento- eran grandes, casi des-
proporcionados, en respuesta al deseo del autor
quien seguramente iba a cazar ese animal y aspi-
raba o deseaba que no fuera agresivo o huidizo.
Hauser, hace una comparación entre el dibujo del
niño, el arte prehistórico y la producción artística
de las razas primitivas contemporáneas y dice que
no existe paralelo alguno entre ellos. Mientras
que los dibujos infantiles y las culturas ágrafas son
racionales y no sensoriales, muestran lo que ven
realmente
U.N.L.Z. - HISTORIA DEL ARTE
1.1
“...no dan del objeto una visión óptica y orgánica,
sino teórica y sintética; combinan la vista de frente
con la vista de perfil o la vista desde lo alto... y
aumenta la escala de lo que es importante
biologicamente o importante como motivo... Por otra
parte, la característica más peculiar de los dibujos
naturalistas del paleolítico es que ofrecen la
impresión visual de una manera tan directa y pura,
tan libre de añadidos o restricciones intelectuales,
que hasta el impresionismo moderno apenas nos es
posible encontrar un paralelo a este arte...”
Por lo tanto sostiene que no existe “...nada que
pueda justificar la presunción de que el arte sirviera
para otro fin que para procurar directamente el
alimento...” esquema propio del pensamiento mági-
co, el autor al realizar el retrato del objeto pensando
que adquiría poder sobre el animal retratado. No se
puede interpretar el arte del paleolítico como una
forma ornamental ya que las mismas a menudo
estaban escondidas en rincones inaccesibles y muy
oscuros de las cavernas. "…La mejor prueba de que
este arte perseguía un efecto mágico y no estético,
al menos en su propósito consciente, está en que en
estas pinturas los animales se representan frecuen-
temente atravesados con lanzas y flechas...”
ARQ. RUBEN EDUARDO VERA
 PREHISTORIA
En el Neolítico se pasa de una actitud naturalis-
tas y fuertemente sensitivas, característica del pa-
leolítico, a una tendencia artística más estilizada y
geometrizante. Ahora se avanza a fijar más las
ideas y los conceptos, es decir a crear símbolos en
vez de imágenes. Este cambio responde en parte
una actitud diferente del hombre con respecto a la
naturaleza, cambia su economía de parasitaria de la
naturaleza a producir sus propios alimentos, es
decir que cambia también su condición de nómade
a sedentario, esto permite domesticar a los anima-
les que le suministrarán alimento como así dedi-
carse al cultivo. El hombre da comienzo al manejo
de la naturaleza y de la previsión organizada de la
vida. En lo social pasa de los grupos invertebrados
y más o menos desintegrado a una estructura or-
ganizada como comunidad cerrada. Se sustituye a
la magia y hechicería por una concepción moderna
basada en ritos y el culto, aparece la adoración a
los espíritus, la fe en el alma y por lo tanto el culto
a los muertos. Surge también la necesidad de
ídolos, amuletos, símbolos sagrados y los monu-
mentos funerarios. Sobreviene así la separación del
arte sagrado y el profano, el arte religioso y
representativo del mundano y decorativo.
U.N.L.Z. - HISTORIA DEL ARTE
1.2
El estado cultural del animismo, divide el mundo
en una realidad visible y tangible y otro suprarreal
caracterizado por un mundo espiritual e invisible,
en síntesis un cuerpo mortal y un alma inmortal.
“La visión que la magia tiene del mundo es monís-
tica, ve la realidad en forma de un conglomerado
simple, de un contínuo ininterrumpido y coheren-
te; el animismo, en cambio, es dualista y funda su
conocimiento y su fe en un sistema de dos
mundos.” El pintor paleolítico, como cazador tiene
la vista aguda para la caza, oidos finos para los
signos y sonidos que vuelca irremediablemente en
su arte. El pintor neolítico, como agricultor no
necesita ya esas dotes y se van atrofiando, pero
desarrolla una capacidad para la abstracción y el
pensamiento racional, que manifiesta en su
modalidad expresiva. Dice Hauser en su Historia
Social de la literatura y el arte. El estilo geomé-
trico, la ornamentación geométrica producto de
esta abstracción y pensamiento racional, caracteri-
zan al arte rural del neolítico, transformándose
gradualmente estas culturas campesinas en cul-
turas urbanas más dinámicas, sostenidas por un
sistema económico ahora basado en la industria y
el comercio.
ARQ. RUBEN EDUARDO VERA
 PREHISTORIA 2

MENHIR-INGLATERRA TEMPLO MEGALITICO

CUEVA DE ALTAMIRA

DOLMEN DE AVEBURY

VENUS PALEOLITICA

U.N.L.Z. - HISTORIA DEL ARTE ARQ. RUBEN EDUARDO VERA

 PREHISTORIA 1
Vista interior del dolmen de
la Menga –Málaga, España
Crómlech de Stonehenge
(Wiltshire - Gran Bretaña) - 2800 a.C

Cueva de la Pasiega - Bisontes

plasmados en pintura - año
7000 a.C hasta el año 2000 a.C

Menhir de Filitosa
(Córcega - Francia)
1000 a.C

Menhires
clavados verticalmente
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 PREHISTORIA 2
Hachas neolíticas Cucharas y utensilios
pulidas

Danza Fálica
Escultura
Venus -
1850 a.C

Pensador.
Fresco de Tassili Escultura
N'Ajjer Sahara Neolítica
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 PREH ISTORIA 3
Esculturas de la
epoca 35.000 Cueva Altamira
a.C a 10.000 a.C Pintura del
Representacion paleolítico hacia
de distintas 15000 a.C
Venus

Esculturas de Animales

Caballo - Museo de las Antigüedades

Nacionales en Francia

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