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GUÍA
DE INTRODUCCIÓN,
HACIA LA MEZCLA CREATIVA–
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
ÍNDICE
1 Origen y contexto
Las tres claves para obtener mezclas atractivas y creativas
Profundidad
Dinamismo
3 Algunas consideraciones
La fase, ni tanto ni tan poco
Medidores y lucecitas
Imprescindibles
Si acaso un mundo
5 Sinopsis
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Origen y contexto 1
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Origen y contexto
La mezcla es un proceso potencialmente creativo, sin embargo, al margen de la
vasta información que cubre los aspectos técnicos que subyacen en la misma y sin
los cuales sería imposible conseguir hacer sonar una mezcla realmente bien, existe
un vacío educacional en el que se obvia o más bien se elude la formación creativa.
El valor potencial pues más personal que el ingeniero de mezcla tiene a su alcance,
“Su propia visión”, queda tristemente diluido entre los cimientos técnicos.
Esto nos lleva a algunas paradojas bastante curiosas, como el hecho de que de
alguna manera se están entrenando y formando a ingenieros de mezcla al modo en
el que un intérprete aprende a tocar perfectamente piezas musicales de “otros”.
En este sentido aparecen mezclas que, aún cumpliendo los requisitos más severos
en cuanto a técnica se refiere, no acaban de dar el salto, no despegan, no cuentan
historias; son mezclas técnicamente correctas pero bastante impersonales, algo
estáticas y rígidas.
Si bien es cierto que existe cierto mantra sobre la imposibilidad de ser creativo para
todos aquellos que, en teoría, no disponen del “talento” o “inspiración” necesarios;
nada más lejos de la realidad.
Una vez se asimila esta nueva perspectiva acerca de la mezcla, es muy difícil, por no
decir imposible, regresar al antiguo status. Simplemente dejas de gatear porque
aprendes a caminar, ¿verdad?.
Vale la pena recordar que “la inspiración” es parte del proceso creativo, pero no es el
proceso creativo en sí; de hecho es solamente una pequeña parte del mismo.
Es tan sólo un elemento de los muchos que actúan dentro de todo ese apasionante
viaje creativo.
Es por esto por lo que yo también prefiero, tal y como ya dijo en su momento Pablo
Picasso, que “Cuando llegue la misma, me encuentre trabajando”
Lo que quiero decir con esto es que “las musas” son invisibles si realmente no
intentas posicionarte cerca de ellas. Las musas se han de ir buscando, no esperando.
Verás que aún conectado con ellas por momentos, sin trabajo ni constancia, todo
ese flujo de ideas y ese caudal de infinitas posibilidades ilimitadas no se convierten
en mucho. Solamente serán eso, un montón de posibles comienzos.
Los artistas somos guías, no otorgamos nada que no estuviera ya antes aquí. De
alguna manera no podemos dominar o imponer ese material. Lo que sí podemos
hacer desde la humildad es permitir que la música fluya, con cada una de sus
sorpresas y todo su encanto.
Es por esto que pienso, que los ingenieros de mezcla, compositores, artistas etc…
actuamos más como receptores sensibles que como creadores omnipresentes.
Desde esta perspectiva, eso sí, existe un maravilloso desafío en saber recibir todo
este contexto musical y poder hacerlo visible desde nuestra propia visión al resto.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Sin incluir estas tres variables en nuestro flujo de trabajo es muy difícil proporcionar
a una mezcla ese aliciente que permite que no nos cansemos de ella. La
incorporación de estos ingredientes posibilita que podamos contar una historia y
trasladar asimismo con autenticidad su emoción principal, evitando que nos
limitemos solamente a ejecutar de forma automática y mecánica unos cimientos
técnicos.
Sinceramente, es la única manera de resolver la sensación de estática y rigidez que
sufren habitualmente un gran número de mezclas.
Existen infinitas técnicas para poder imprimir esta visión más creativa en una
mezcla, pero las técnicas se aprenden sin más, se copian, se adaptan, se inventan, se
transforman...
Esta guía pretende precisamente eso. Introducir esta visión más creativa de la
mezcla, que poco a poco, uno va integrando de forma natural, para que en un
futuro, y ya de un modo totalmente personal y autónomo, tengas el conocimiento y
sobretodo el criterio creativo suficiente para decidir y saber trasladar tu propio sello
distintivo a la música, y por lo tanto también a tus mezclas.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Plasmarla
Falsas creencias
Se olvida al Compositor | Creador
La educación incompleta
Dinamismo
Profundidad Origen y contexto
Contraste
La mezcla Creativa Sí imprescindible
Divertirse
Entretener y no aburrir
Capacidad de emocionar
Personalidad propia
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Es bastante sospechoso pues que nos hagan creer que, para poder enriquecer e
impulsar esa creatividad, debemos tener instaurado ya un chip especial de forma
inherente al nacer.
Esta “herencia musical” está formada por un sinfín de referencias; las canciones que
escuchaste de pequeño en la radio, las melodías y riffs de tus clases de guitarra, los
hilos musicales que a modo de slogan suenan en dentistas o supermercados, los
anuncios de televisión, las canciones que una madre embarazada susurra a su futuro
bebé…
Es muy fácil también advertir que, aún no gustándonos en absoluto un estilo musical
en concreto -y esto es un dato fundamental para poder acercarnos a esta visión más
tangible, basada en la posibilidad real de desarrollar este aspecto creativo por parte
de cualquiera-, logremos si nos esforzamos por empezar a escuchar ese estilo en
particular, ir educando paulatinamente a nuestro oído para que finalmente, lo que
en primera instancia rechazábamos, poco a poco deje de ser tan desagradable e
incluso llegue a gustarnos.
Y eso es precisamente lo que propone esta guía, “educar a los sentidos para
empezar a aprender a tomar grandes decisiones”.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Contraste
El ser humano funciona por contrastes, y esto se puede trasladar y verificar de igual
modo en la mezcla.
A nivel creativo, no sirve de nada tener una mezcla con una mono-compatibilidad
perfecta y excelente, si no hay elementos que contrapongan esta firmeza a lo ancho
del campo estéreo; a no ser que quieras obviamente una mezcla bastante lineal,
insípida y poco atractiva.
¿Significa esto que, cada vez que tenga una base de Pad, el arreglo nuevo que
introduzca debe ser algo percutido?, ¿Significa que, cada vez que tengo un
elemento rítmico y quiero introducir otro, debe tener un carácter más sostenido?
No, ni mucho menos.
Lo que esto significa es que; primero, uno tiene que aprender a determinar “cuándo”
debe o quiere imprimir contraste en una mezcla. En segundo término, también
revela que, con este tipo de visión en mente, ya se puede disponer como mínimo de
una “herramienta” con la que imprimir contraste desde la propia composición si eso
es lo que uno desea. Y en tercer lugar, también podemos deducir sin miedo a
equivocarnos, que es imprescindible aprender “hasta cuándo” se ha de imprimir
contraste a ese elemento o sección en concreto de la mezcla.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Otra cosa muy distinta es, a qué quieres jugar; pues es muy posible que en el
aspecto creativo más experimental quieras sorprender, y precisamente, no permitir
que el oyente descifre con claridad qué elemento le estás mostrando, puede ser una
jugada maestra para ese propósito. Bien sea para crear el más drástico de los
efectos o para hacerlo de forma más sutil, sí o sí, deberemos aprender a tener una
lectura precisa del radio y el tiempo de actuación que debemos infligir, para añadir
contraste, a fin de afectar, adornar, reconstruir si queremos, mejorar si cabe…, al fin
y al cabo, procesar una mezcla para hacerla más viva, y sin duda, más atractiva.
Hay dos grandes perspectivas que nos incitan a plantearnos, de forma inequívoca, la
introducción de “contraste” en un determinado elemento o sección de la mezcla.
Una visión global, más a vista de pájaro, con una perspectiva algo más conceptual
de la propia mezcla -yo la llamo vista “Macro”- nos invita a visualizar ese elemento
siempre en relación al resto de la composición. Es decir, aquí los aspectos relativos
de ese elemento, contrapuestos y comparados con el resto del contexto musical,
son los que cobran realmente valor y los que acaban por determinar la acción que
debemos llevar a cabo.
Cabe recalcar, sin embargo, que de igual manera que empezamos a ser conscientes
del gran margen de maniobra que en este caso tenemos, también percibiremos, si
prestamos atención, que no nos hace falta imprimir demasiado contraste tampoco,
pues todavía el oyente necesita y debe escuchar el elemento o sección en su
totalidad y forma originaria.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Primero sueles probar el chocolate con leche o algún sucedáneo; luego de haber
probado estos imitadores, te atreves con el chocolate negro puro. Cuando ya has
saboreado éste, lo intentas con variaciones de almendras, avellanas, con frutas,
etc… Pero raramente, alguien que quiera probar el chocolate, empieza por uno de
almendras o avellanas, o con trocitos de fruta y sabor a menta.
De todas formas, es importante hacer un inciso aquí; pues bien podríamos, por
ejemplo, obligar a alguien a que empezara probando un chocolate de almendras,
pasas y menta, y estaríamos en igual de condiciones. Me refiero a que seguiríamos
teniendo un cincuenta por ciento de posibilidades de conectar o no con el oyente;
es decir, de que le gustara o no el chocolate con almendras, pasas y menta.
No obstante, siempre invito a intentar ser lo más experimental y ácrata que uno
quiera ser, habiendo hecho primero el ejercicio de práctica directa con el modelo
más ortodoxo. En mi experiencia, tener una relación directa y continuada con los
elementos más básicos de una mezcla, acaba proporcionando el conocimiento
necesario para poder ser todo lo arriesgado y experimental que quieras más
adelante.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
La clave aquí, es determinar si el oyente ha podido escuchar con claridad ese sonido
previamente y, si en esta segunda escucha, va a encontrar algo novedoso o no.
Puede ocurrir que el oyente tolere una nueva escucha sin ningún tipo de acción por
nuestra parte, sin embargo si esto sucede, supondrá un clarísimo indicio de que, si
este elemento apareciera posteriormente de forma idéntica en el nudo o desenlace
de la estructura global, seguramente aquí sí deberíamos procesarlo para otorgarle
bastante más contraste.
Por otro lado, puede ocurrir que esta segunda escucha incorpore ya alguna
modificación o aplicación de contraste cada cierto número de compases en el
propio elemento, como veremos dentro de un momento a través de la segunda
perspectiva, “Visión Micro”. En este caso, seguro que el oyente encontrará ya
atractiva la escucha de ese mismo elemento por segunda vez, gracias a esa variación
evidente en el propio elemento que lo hace más atractivo y lo suficientemente
distinto en sí mismo, como para no aburrir al espectador.
Nada impide que creemos una cuarta aparición con una implementación de
contraste mucho más drástico y severo. De hecho, dentro del aspecto creativo, los
límites solamente los marcas tú. Personalmente suelo utilizar cuatro estados en
muchos elementos de mis canciones.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Como ejemplo, “Ciclos” -en el enlace siguiente-, utiliza estos distintos estados en
varios elementos de la canción para ir creando contraste. Se juega con la
automatización del panning en las guitarras filtradas según sea estribillo o estrofa,
en los envíos a reverb de los leads, en la propia ecualización de las voces de coro
para diferenciarlas de la principal…
Vídeo – Ciclos –
Esta visión Micro que comentaba hace un momento, es la que fija la vista de forma
más precisa en el propio elemento y sin tener tan en cuenta la relación relativa de
éste con el resto de motivos musicales, tal y como sí hace la visión Macro. Es nuestra
misión también, pues, determinar si un elemento aburre en algún momento a lo
largo de los compases que abarque.
Suelo proponer, para aprender a mirar la mezcla a través de esta visión Micro,
escuchar detenidamente el elemento en cuestión desde la perspectiva del oyente
menos entrenado; es muy fácil, empezar a determinar desde aquí, si un elemento
por sí mismo aburre, ya que aprendemos a focalizar la escucha únicamente en él,
mientras el contexto musical restante aparece de fondo.
Sin embargo, es muy importante advertir en este punto, que el desafío al que nos
enfrentamos en una mezcla se resuelve haciendo uso de las dos visiones. Siempre.
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No hay atajos. Por eso, no sirve de nada guiarse o desarrollar únicamente la visión
Macro o la visión Micro; es el juego y el equilibrio entre las dos lo que proporciona el
máximo aprendizaje y, por lo tanto en un futuro, la adquisición del criterio y
confianza plenos.
Hilvanar con cierta gracia estas dos visones, sinceramente, es un arte en sí mismo.
No es lo mismo caminar por inercia, de forma automática por la calle, que caminar
con algo de estilo; pero poco a poco uno va asimilando el valor particular que cada
una de las visiones aporta.
Una vez ya has probado un gran surtido de chocolates, es muy posible que te
atrevas a probar una nueva variación extrema de chocolate con pasas y menta, que
ha aparecido en el mercado; y no es que sólo te atrevas a probarlo, sino que
seguramente ya tu gusto estará mínimamente educado y algo más predispuesto
incluso para que te agrade.
De igual modo, una vez integras las dos visiones, nada impide que puedas abordar
una mezcla de forma más extrema o desde un elemento en el que percibes con
claridad la necesidad de un procesamiento en concreto… Sin embargo, y en esto me
gustaría poner bastante énfasis, “cuidar en un principio los pasos a dar de forma
lógica y ordenada”, permite el máximo aprendizaje posterior para que luego con el
tiempo puedas ser, si es eso lo que realmente acabas descubriendo, todo lo drástico
y experimental que desees.
A la hora de escuchar una mezcla nuestro principal trabajo reside en ir poniendo
foco sobre estas dos perspectivas desde un principio. El resto va viniendo solo con
la práctica.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Y aquí reside también, uno de los mayores beneficios que se obtiene de contemplar
la mezcla supeditada a esta visión más creativa. Saber en qué proporción debemos
aplicar ese contraste.
De esta simple automatización pueden surgir los distintos estados de los que
hablábamos, para poder utilizar un determinado elemento de nuestro proyecto en
diferentes secciones de la canción.
Así iremos, poco a poco, creando distintos escenarios, y añadiendo a la vez, el
imprescindible atractivo a nuestra mezcla.
Ciertos conceptos que utilizaremos para aplicar estas dos nuevas variables creativas
-profundidad y dinamismo-, serán distintos a los que vimos a la hora de crear el
“contraste”. Sin embargo, existe “un común denominador” que nos permite abordar
con garantías cualquiera de estos tres componentes -contraste, profundidad y
dinamismo- en una mezcla, y que además los interrelaciona.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
En el siguiente vídeo se explica la forma más eficaz de utilizarla, así como los atajos
y consignas que hay que tener muy en cuenta, para poder sacarle el máximo
provecho a la misma. Tener la habilidad de interiorizar y ejecutar con rapidez los
atajos referidos a la automatización en tu “workflow”, significa en lenguaje corriente,
ser mucho más productivo y concentrarse únicamente en la creatividad.
Reconozco que es una de las características del mundo digital, si no la que más, que
supuso un cambio disruptivo en mi forma de abordar una mezcla dentro de un Daw.
Realmente, la capacidad que otorga para poder plasmar nuestras ideas con infinita
precisión, y según nuestra propia visión particular en la mezcla, hace de la misma “
la reina de nuestras herramientas”
Puede ocurrir que, algunas de las opciones mostradas en Logic no estén disponibles
en tu Daw, o que éste disponga de otras opciones que Logic no tiene. Esto no es lo
más importante, ni el objetivo de este vídeo. La principal idea que me gustaría
trasladar del tutoríal, es lo importante e indispensable que es conocer y trabajar de
forma ágil y profunda en tu secuenciador la automatización. Así crearemos un
interesante “workflow” de trabajo fluido y productivo.
Vídeo – Automatización –
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Hemos visto hasta ahora, como una visión consciente del contraste puede
transformar por completo una mezcla. Asimismo también he planteado, como tanto
el contraste -como elemento indispensable creativo-, así como la automatización -
como herramienta esencial para ejecutar de forma precisa este proceso-, forman un
tándem corpulento y eficaz.
Veamos, de igual modo, cómo implementamos los otros dos elementos restantes
necesarios, a fin de abordar una mezcla de forma completa y creativa.
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Profundidad
El hecho de que, habitualmente, muchas mezclas carezcan de este tercer plano más
tridimensional, -el fondo-, no es casual. Gran cantidad de mezclas que cumplen los
requisitos técnicos, obvian la utilización de la “reverb” para este fin, y aunque no es
la única herramienta que nos permite añadir este espacio en el eje de profundidad,
sí es indispensable y posiblemente la principal.
Aquí van algunas apreciaciones que harán que sientas auténtico placer y necesidad
de utilizar la reverbs en tus mezclas:
Toda reverb ha de ser ecualizada previamente. Los graves no se llevan bien con las
reverbs. Al ecualizarla puedes hacerla también elegante e invisible si quieres.
Siempre que inserto una reverb en un canal auxiliar, sea procesamiento de conjunto
o de un elemento en particular, sigo rigurosamente la misma técnica.
Esta técnica te permite tener mucha versatilidad a la hora de definir mejor el plano
de profundidad en mezcla. Es por este motivo, que siempre dispongo de la misma
configuración. Esto no impide, que en cada una de las situaciones pueda hacer uso
o no de todas sus posibilidades; aunque soy yo quién decide en última instancia si la
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
utilizo en su totalidad o no, siempre dispongo del mismo ajuste en cada una de las
reverbs o delays que añado a un proyecto.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Podemos, guiados por nuestra visión Micro, pensar también en alejar un elemento
cada cierto número de compases, mediante la automatización de su envío a reverb,
e irlo acercando, cada otro cierto número de compases, a fin de hacerlo más
dinámico en sí mismo, si es el caso.
Lo hermoso de todo esto es que, una vez conoces los enemigos de la reverb -los
graves-, los detalles que pueden hacerla tan sutil como quieras -EQ previa-, y esos
últimos gestos -ajuste fino a tempo, compresión…- que acaban por integrarla de
forma perfecta en una mezcla, sólo tienes que concentrarte en las dos visiones,
Macro y Micro, e ir dejando volar la imaginación en esta etapa más creativa de la
mezcla.
Una vez decides, mediante el uso de estas dos visiones, dónde vas a ir introduciendo
estos tres elementos, -“contraste”, “dinamismo” y “profundidad”-, es muy fácil ir
decidiendo cuánta cantidad y hasta cuándo vas a introducirlos en la mezcla.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Se cierra aquí un círculo maravilloso porque, a partir de este punto, sólo entra en
juego tu criterio personal y tu gusto.
Poco a poco irás descubriendo, mediante la cantidad de procesamiento que aplicas
y hasta cuándo lo aplicas, el sabor de tu propia visión personal que quieres,
necesitas o prefieres aplicar a tus mezclas.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Dinamismo
Así como cuando nos referimos a la profundidad, estamos focalizando nuestra
atención en “el fondo” -ese espacio en la mezcla que va desde delante hacia atrás-,
me gusta pensar en el eje temporal horizontal -de izquierda a derecha-, cuando me
refiero a dinamizar una mezcla.
Es decir, la aplicación de este procesamiento, -normalmente, variaciones de
volumen, panorama, modulación, etc…- que tiene lugar a lo largo del transcurso de
una canción en un determinado elemento o sección, es la que impregna movimiento
a la misma. Este dinamismo siempre está relacionado pues con el movimiento y la
energía.
El fin último del contraste suele ser sorprender, aunque sea por un intervalo corto
de tiempo, mientras que el dinamismo implica forzosamente “no aburrir”.
Según esta sutil pero práctica consideración, a la hora de aplicar dinamismo pienso
más en ese eje temporal de izquierda a derecha, que no cuando aplico contraste.
Aunque la diferencia sea pequeña o algo difusa, por propia experiencia, te sugeriría
empezar a pensar de esta manera a la hora de diferenciar “contraste” y “dinamismo”.
Porque en la práctica, esta división sesgada, te permitirá profundizar mucho más en
el posible tratamiento a aplicar para mejorar y hacer más atrayente una mezcla.
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Obviamente, aquí también estamos generando algo de contraste, pero es esta visión
no tan preocupada por sorprender, sino más bien pensada para incidir y moldear el
elemento o sección de forma gradual a lo largo de todos los compases a tratar -eje
temporal-, y a fin de no aburrir, la que hace del dinamismo una variable más
adecuada para infligir movimiento a lo largo del transcurso del discurso musical e
intensificar la atracción del oyente. No se trata pues, en este caso, de abordar un
momento determinado de la pieza musical con el objetivo de sorprender, tal y como
suele perseguir el contraste.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
La importancia de lo que viene “justo antes”, muchas veces, más que del elemento
en sí que estamos pensando en alterar, es fundamental, y quizás una de las leyes, si
se me permite la expresión, universales dentro del paradigma creativo, y sobretodo
en relación a la posibilidad de dinamizar una mezcla.
Sucede de igual forma con la armonía. Una nota por sí sola no es nada. Si tu tocas
una nota Fa solamente no es absolutamente nada -no es una tercera, no es una
tónica, no será una quinta etc…-. Ese Fa solamente empezará a tener cierta
identidad en relación a un contexto musical que le preceda o le suceda.
Es decir, según las notas que toques antes o después, ese Fa, actuará de tercera, de
tónica etc… Y ahí sí podremos empezar a reconocer cierta personalidad que
atribuirle.
De igual modo ocurre en una mezcla. Por ejemplo, siempre solemos prestar mucha
atención a los elementos propios de un Drop, y buscamos la manera de ir atenuando
su intensidad para hacerle perder actividad y acción. De esta manera, procesando
los elementos que constituyen el Drop, esperamos que se comporte con la
“disminución y pérdida” que efectivamente, corresponde a un Drop; sin embargo, la
clave está en lo que le precede.
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Si focalizas tu visión justo en lo que viene “antes” del Drop verás que, intensificando,
disminuyendo, o a veces solamente modificando esos últimos compases del
elemento o elementos que le preceden, la pérdida de intensidad en el mismo Drop
se hará más que evidente.
Si te fijas, en “Puedes llamarme Papá”, a partir del 1:18 hasta el 1:26 he ido retirando
paulatinamente ciertos elementos. No solamente he utilizado “fades outs”, también
he usado “automatización en cortes de filtro” -que además te sugiero investigar, ya
que los mismos producen un efecto algo distinto a un fade out pero muy atractivo y
efectivo- y ciertos aumentos -también automatizados- en el ajuste del parámetro
“decay” en la reverb de algún elemento solista.
En este caso, la progresiva desaparición que hemos llevado a cabo de los elementos
que preceden a esa guitarra principal ha hecho posible que no sea necesario
procesarla, y que además, consigamos intensificar esa sensación de vacío en la
misma. Es decir, mediante el procesado de los elementos anteriores a esa guitarra
principal, hemos creado una sensación de Drop justo en el momento adecuado, y
sobre el componente principal “guitarra”, en cuestión.
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Mezcla = Narración
RELACIONADO
Cuándo, Cómo y Hasta cuándo
RELACIONADO
Aprendiendo a tener criterio
Profundidad
Pre EQ
Post Compresor
Elemento de conjunto
Ajuste fino
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Algunas consideraciones 3
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Pues bien, este contexto que explica los extremos entre los que bascula la fase, sirve
para apuntar, que el audio procedente de las canciones que escuchamos
en nuestro estudio, normalmente, no se mueve por ninguno de estos dos extremos,
sino justo en medio de estos dos límites.
Y aquí en graves, sí que la coherencia de fase es crítica. Las longitudes de onda son
tan grandes que cualquier problema de fase se traduce en pérdida de volumen,
definición y pegada. Con longitudes de onda tan considerables el efecto se hace
muy evidente.
Podríamos decir que esta herramienta que nos ayuda a controlar la coherencia de
fase es muy sencilla y fácil de utilizar, mientras que lo que realmente exige
determinación es desarrollar el criterio necesario para decidir, “hasta dónde”
estamos dispuestos a arriesgar, a sacrificar.
Como ejemplo, en la canción “Ciclos”, tuve que decidir precisamente entre esto que
comento.
Las frases “de viajar” 0:38, “de sentir” 0:45, “de pensar” 0:50, prácticamente se
cancelan en mono. Compruébalo. Escucha estos pasajes con un móvil que
solamente tenga un altavoz. Verás como se percibe, únicamente, el efecto de delay.
Sin embargo, decidí que el efecto estéreo con el que se juega, a nivel de panorama,
retuviera todo ese contraste intacto para que en una escucha en estéreo se pueda
disfrutar en su totalidad. ¿Es correcto?, ¿es incorrecto?…
Me da absolutamente igual lo que sea, lo importante es que sabía qué estaba
haciendo, y sabía qué quería hacer, hasta dónde quería llegar.
Sin embargo, este empleo extremo de la fase no resta en absoluto pegada a la
canción, si bien la penaliza en cuanto a mono-compatibilidad.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Del mismo modo, si tienes unas guitarras dobladas y paneadas hacia los extremos
con mucha diferencia entre L y R -esa diferencia es precisamente lo que crea esa
espectacularidad en la escucha en estéreo-, van a verse igualmente perjudicadas en
su escucha en mono.
¿Va a sonar en Clubs?, ¿en directo?, ¿en radios?, ¿pierde mucha identidad en su
escucha en mono?…
Puedes utilizar un plugin multibanda para procurar controlar siempre la zona del
espectro grave, y ser más drástico en la zona de agudos.
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Medidores y lucecitas
Cuando se trata de aplicar el aspecto creativo en una mezcla no suelo recomendar
demasiados medidores, analizadores, etc…, excepto un correlador de fase.
Ciertamente, sin un correlador de fase a mano, como hemos podido comprobar,
podemos incurrir en problemas graves que, a veces, necesitarían una revisión
completa de la mezcla para poder solventarlos.
Entiendo que existen infinidad de golosos plugins con lucecitas super molonas y
atractivas, pero a la hora de la verdad, la forma de educar al oído hacia esta visión
creativa, es precisamente, dejándolo a solas contra el peligro.
Muchas veces, incluso, dejo mi pantalla en negro para poder escuchar atentamente
el tratamiento que he aplicado, y poder extraer con objetividad el criterio necesario
para poder seguir abriendo camino.
No lo dudes, cualquier medidor que atraiga a tu vista de forma innecesaria va a
despistar de forma inconsciente a tu oído y tu atención.
Sabemos que, en este punto del trayecto, no podemos sobrepasar los “0”dbs en el
máster, y que debemos vigilar con atención la correlación de fase en según que
casos. Un medidor de fase y el vúmetro de tu máster son suficientes y efectivos.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
No es tanto si estás tocando una nota fuera de la escala de Do, sino cómo la estás
tocando.
Si te mantienes mucho tiempo en esa nota fuera de la escala, seguramente acabes
por perder la sensación de tonalidad original. Sin embargo, si la utilizas como nota
de tensión momentánea, bien pudiera funcionar.
Entonces, esa nota, ¿es correcta o incorrecta? Es lo que tú quieras que sea, pero no
es correcta ni incorrecta.
Nadie pues debiera de juzgar si es correcto o incorrecto tu trabajo excepto tú, y eso
no significa que no valores opiniones externas, todo lo contrario; de hecho, uno de
mis mayores aprendizajes tuvo lugar cuando empecé a exponer mis trabajos, tanto a
profesionales expertos como a oyentes no tan entrenados.
Lo que quiero decir con esto es que nunca una duda, referida a si algo es correcto o
no, debe impedir que expreses tu voluntad. Es por ello que, en el autoconocimiento
de ir aprendiendo a tomar decisiones, poco a poco, va desapareciendo el concepto
de “correcto o incorrecto” y se va sustituyendo por el de “más próximo o no” a tu
criterio y visión particular.
No superes nunca los “0” dbfs (dbs full scale) en tu Máster. Nunca.
44.1 Khz es una frecuencia de muestreo excelente para trabajar con calidad y
recursos suficientes. Esta afirmación puede ahorrarte mucho tiempo y frustración.
Graba siempre a 24 bits. No tendrás más resolución por encima de los “0” dbfs,
pero sí por debajo. Los detalles también son importantes.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Imagino que a estas alturas de la partida no tenías ninguna duda con respecto a
esto. Pero por si acaso, voy a intentar clarificarlo.
La práctica directa con los sonidos y la mezcla de los mismos es la que proporciona
la enseñanza más perenne.
Incluso el ingeniero menos preparado, solamente observando y practicando, llegaría
a buen puerto.
Sin embargo, este ingeniero podría incurrir en errores técnicos o de concepto que
podría echar por tierra todo el trabajo.
Por ello, una vez dominas los aspectos técnicos y los posibles peligros en los que
pudieras incurrir, como la fase, el clipping, etc…, nuestro deber es practicar y
ejecutar toda acción que necesitemos llevar a cabo, para descubrir, y luego decidir.
Esta es la manera, sin duda alguna, de aprender y llegar a dominar este escenario.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
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Imprescindibles
He aquí una muestra de plugins y herramientas que, en mi opinión, suelen ser
indispensables y muy prácticos a la hora de imprimir “contraste, profundidad y
dinamismo” a una mezcla.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Si acaso un mundo
Hay plugins que, por la particularidad que ofrecen, son especiales.
O bien hacen cosas que ningún otro plugin hace o bien las hacen de forma mucho
más precisa, divertida y efectiva.
Vaya por delante, que siempre sugiero empezar exprimiendo las herramientas
nativas y más simples, pues aprovechar al máximo esas herramientas básicas, sin
duda, hace crecer nuestra imaginación. Eso no quita que podamos añadir, según
avance nuestro conocimiento y práctica, algunas de las herramientas que menciono
a continuación.
– Gatekeeper “Poliverse” –
Esta compañía simplemente hace plugins excepcionales. Gatekeeper quizás sea la
mejor herramienta que he utilizado para generar dinamismo mediante volumen
sobre algún elemento en mezcla. La calidad y la precisión de sincronización de este
plugin lo convierten en una auténtica maravilla. Bestia.
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
– Brusfri “Klevgrand” –
El mejor y más eficaz supresor de ruido digital que he probado. Sin más.
– Dynameter “MeterPlugs” –
Un medidor que ayuda a mantener la dinámica de tus composiciones en zona
segura y sana. ¡Me encanta!
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
En el siguiente vídeo puedes ver cómo se usa y las posibilidades tan atractivas que
tiene:
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Sinopsis 5
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
Un ejemplo:
Por eso mi recomendación es que nunca corrijas ese “accidente feliz” o ese error
que puede llegar a ser maravilloso. Es tu oído quién dice finalmente si eso es
atractivo para ti o no. Sigue ese instinto, porque seguramente estás empezando a
trasladar tu propio criterio y tu particular visión en la mezcla. No entierres esa
oportunidad de ninguna de las maneras, no la diluyas…
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GUÍA DE INTRODUCCIÓN “HACIA LA MEZCLA CREATIVA”
“Me encantaría saber que esta guía ha supuesto un punto de inflexión a la hora de potenciar
y disparar tu creatividad en la mezcla, así como cualquier sugerencia o comentario que
pueda ser constructivo y de interés”
Happy Mixes ;)
info@creativaymusical.com
–Por tu brillante ojo de halcón, por todas las correcciones y supervisiones llevadas a cabo a lo largo
de cada una de la páginas de esta guía, por todo tu esfuerzo, trabajo y gran dedicación.
Por tu valiosa amistad–
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