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TITULO
LA CARACTERIZACION
DEL PERSONAJE
INSTRUMENTO PEDAGÓGICO.
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Dedicatoria
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INDICE.
Introducción………………….
Justificación………………….
Objetivos generales.
Metodología.
Dimensiones pedagógicas.
Actividad teatral y atención a la diversidad.
Actividad teatral y periodo de adaptación.
CAPITULO PRIMERO………………………………………
Cosillas del teatro.
CAPITULO SEGUNDO……………………………………….
La expresión corporal.
La voz.
El maquillaje.
El vestuario y el atrezzo.
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PARA
TERMINAR………………………………………………..
GLOSARIO………………………………………………….
BILIOGRAFÍA………………………………………………
DIRECCIONES RED………………………………………
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INTRODUCCION.
Este libro lo concibo como un breve ensayo que marca pautas para organizar un taller
de teatro o dramatización, sirviendo de guía a la persona que quiera llevar a cabo con
los niños y niñas la aventura del juego dramático.
Esta guía está hecha para las niñas y niños y sus educadores – maestras, maestro,
madres, padres, abuelas, abuelos, titas y titos…..
El teatro no solo divierte, sino que además, refuerza la autoestima y personalidad del
niño o la niña, adquiriendo también un mayor grado de socialización por su marcado
carácter participativo.
El teatro con su dualidad – realidad, ficción – nos hace libres porque nos permite crear
vidas imaginativas, con él todo es posible puedo ser lo que yo quiera cualquier objeto
es lo que yo imagino, y en el niño esto es muy frecuente, él o ella juegan a querer ser o
tengo entre mis manos…….
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El teatro en la escuela por tanto contribuye al desarrollo personal, social y artístico del
niño/a descubriendo, potenciando y desarrollando sus capacidades de aprendizaje.
Por todo ello es bueno introducir al niño/a desde pequeño en el maravilloso y mágico
mundo del teatro.
OS INVITO A ELLO.
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JUSTIFICACION.
Con esta guía pretendo utilizar la técnica teatral como método de trabajo integral que
incida en dos aspectos esenciales:
Aquí trabajamos:
• Desarrollo de la personalidad.
• La socialización.
• Expresión y creatividad.
2. La práctica artística.
Desde los contenidos y técnicas propias del hecho teatral construiremos un personaje.
Aquí trabajamos:
• El cuerpo.
• La voz.
• El maquillaje.
• El vestuario.
• El atrezzo.
Esta guía esta principalmente pensada para Educación Infantil, aunque puede también
trasladarse a Primaria.
La Educación Infantil constituye la etapa educativa con identidad propia que atiende a
niños y niñas desde el nacimiento hasta los seis años de edad.
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Tiene carácter voluntario y su finalidad es contribuir al desarrollo físico, afectivo,
social e intelectual del niño/a.
La Ley Orgánica de Educación – LOE – Ley 2/2006 de 3 de mayo plantea como
finalidad fundamental en la Etapa Infantil el desarrollo de todas las capacidades del
niño/a, lo que supone desarrollarlas en todos sus ámbitos – motor, cognitivo,
lingüístico, de relación interpersonal, de actuación e inserción social y de equilibrio
personal. Además supone dotar a los niños y niñas de las competencias, destrezas,
actitudes y hábitos necesarios que puedan facilitar su posterior adaptación a la
Educación Primaria.
Desde el punto de vista educativo el teatro contribuye al desarrollo de estas áreas, por
el valor pedagógico que aporta.
• Desarrollo de la creatividad.
• Desarrollo del lenguaje – tanto oral como corporal- .
• Desarrollo afectivo.
• Ayuda en la inserción social.
• Desarrolla la actividad motora.
• Desarrolla la personalidad.
• Fomenta el entretenimiento y la diversión.
• Crea hábitos de atención y concentración.
• Apoyo a las unidades temáticas.
• Crea confianza entre el educador y el alumno/a.
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OBJETIVOS GENERALES.
METODOLOGÍA
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1. MARCO SEGURO.
Hay que velar por la seguridad física y psíquica creando un clima donde el niño y la
niña se encuentre seguro y segura, respetado y respetada, valorado y valorada,
escuchada y escuchado, reconocida y reconocido.
2. DIVERSIDAD.
3. INTERELACIÓN.
Hay que relacionar lo que pasa en la escuela con lo que pasa fuera de ella.
4. AUTONOMIA Y COMPETENCIA.
5. CURIOSIDAD.
6. NECESIDADES.
7. CONSTRUCCION.
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8. ESPACIO.
Hay que respetar, valorar y potenciar el contacto corporal como medio para conocer el
espacio propio y ajeno.
9. LENGUAJE.
10. ARTE.
11. SALUD.
Hay que cuidar la salud tanto física como psíquica del alumno/a.
• Dimensión educativa.
• Dimensión de ocio.
• Dimensión artística.
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• Dimensión terapéutica.
Se trata de una estrategia para dar respuesta a niños/as con necesidades educativas
específicas y de adaptación.
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Partiendo de ellas podemos establecer una clasificación de situaciones y necesidades
educativas especiales que siguiendo a GOMEZ CASTRO Y ORTEGA ( 1992 ) son:
Las medidas a adoptar son diversas pero básicamente podemos decir que se tratan de
adaptaciones curriculares y es aquí donde el educador/a haciendo uso de las técnicas
teatrales como recurso pedagógico puede sortear las dificultades posibilitando el
aprendizaje en aquellos alumnos/as con dificultades tanto cognitivas, físicas o de
integración.
Algunos ejemplos.
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• Dificultades motoras. Si se trata de problemas de coordinación trabajaremos
la expresión corporal, el dominio del cuerpo y el equilibrio.
• Dificultades cognitivas .Trabajaremos la memoria dramatizando cuentos,
aprendiendo poemas, canciones o pasos de baile.
La actividad teatral por su carácter lúdico encaja muy bien en esta tarea de adaptación
ya que a través del juego dramático, las canciones, las coreografías el niño/a se divierte
haciendo de esta manera que la separación del entorno familiar no sea traumática ni
para el niño ni para los padres, facilitando pues con estas actividades la incorporación
del niño/a al centro escolar.
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CAPITULO PRIMERO: COSILLAS DEL TEATRO
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¿QUÉ ES EL TEATRO ?
El TEATRO es:
• Un género literario.
• Todo el patrimonio teatral de un pueblo – así se habla de teatro griego, romano,
inglés….
• Un edificio.
• Un espacio simbólico de representación.
• Una profesión con múltiples oficios.
• Un espectáculo.
Es difícil dar una única definición de TEATRO porque el término engloba muchas
acepciones.
Por tanto para saber algo acerca del TEATRO vamos a estudiarlo a través de sus
componentes, su historia brevemente y su espacio.
SUS COMPONENTES
Al dividirlo de este modo también nos surgirán las distintas profesiones y oficios de
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BLOQUE PRIMERO TEXTO DRAMATICO.
Una obra de teatro es un texto creado y escrito por un autor o autora para ser
interpretado. Consiste en la construcción de un universo ficticio encarnado por
personajes que mediante acciones y diálogos y centrado en un conflicto es
representado y llevado a escena.
• TRAGEDIA
Representa una acción desafortunada, generalmente acaba con la muerte de uno de los
protagonistas.
• COMEDIA
Representa una acción cotidiana que entretiene y cuyo desenlace es casi siempre feliz.
Puede ser de enredo, emplea lo cómico como recurso para crear confusiones y de
figurón que emplea la caricatura para ridiculizar la sociedad.
• FARSA
• SAINETE
Es una comedia breve que se presenta en uno o dos actos. Retrata las costumbres
populares con intención satírica.
• ENTREMÉS
Es una pieza breve que se representa entre los actos de otra más larga, es de carácter
jocoso y asunto popular.
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• OTROS
Loa, breve, alegórica que sirve de prólogo a una obra larga o para conmemorar un
suceso.
1. Actos.
La obra tradicional consta de tres actos y cada uno de ellos tiene una parte de
desarrollo – primer acto, se plantea el conflicto; segundo acto, corresponde al nudo de
la acción; tercer acto, el desenlace.-
2. Cuadros.
3. Escenas.
Son las partes de un acto o cuadro y están delimitadas por la entrada y salida de los
personajes.
Dirección artística.
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Interpretación.
Iluminación.
La luz es utilizada en el espectáculo teatral como un lenguaje teatral más que expresa
un ambiente determinado, la luz ayuda a mostrar por ejemplo el paso del tiempo,
momentos mágicos, sensaciones de lejanía o proximidad….
Sonido.
El actor o la actriz debe expresarse con claridad e intensidad suficiente para que el
espectador/a los escuche sin dificultad. Cuando esto no ocurre principalmente por las
condiciones de la sala o lugar donde la obra se representa – al aire libre- utilizamos la
tecnología – equipos electrónicos- para modular y amplificar la audición.
A esta acción se le denomina sonorizar y quienes se encargan de ello son los
técnicos/as de sonido.
Escenografía.
Los objetos que durante la representación utilizan los artistas se denominan utilería.
Maquillaje y peluquería.
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Son maquilladores o peluqueros los encargados de caracterizar mediante maquillaje,
prótesis, pelucas y postizos a los actores y actrices, si bien hay que decir que en las
compañías pequeñas son los propios artistas quienes se maquillan y peinan.
Maquinistas o tramoyistas.
Los aparatos o máquinas que permiten hacer los cambios teatrales y efectos especiales
se manejan por los tramoyistas o maquinistas.
La tramoya es el conjunto de elementos que componen la escenografía de un montaje
escénico. El/ la tramoyista es el técnico más antiguo del teatro, el que construía los
decorados y realizaba el moviendo de las estructuras durante la representación de un
espectáculo.
Vestuario.
Regidor/a
SU HISTORIA.
El primer actor fue TESPIS quien representó un relato con pantomima y diálogo en el
siglo VI a.c. en Grecia. Es aquí donde nace la tragedia, la comedia y el drama. Autores
destacados Sófocles, Aristófanes, Esquilo, Eurípides……Los actores utilizaban
vestuario, máscaras y maquillajes con los que representaban prototipos de la sociedad.
A imitación del teatro Griego se desarrolló el teatro Romano destacando la tragedia
con autores como Séneca. Tanto en Grecia como en Roma el teatro era protegido el
Estado.
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Hasta el siglo XVI no se permite que los personajes femeninos fueran interpretados
por mujeres.
Es a partir del siglo XVII cuando aparecen las primeras autoras, Ángeles de Acebo,
Feliciano López de Guzmán, Sor Juana Inés de la Cruz y María Zayas.
En el siglo XIX con el romanticismo llega una época que quiere reflejar los grandes
cambios del pensamiento.
SU ESPACIO.
Entre las acepciones que indicamos al principio del capítulo citábamos edificio y
espacio escénico.
Se trata de un espacio grande y vacío, pintado de negro para absorber la luz, vestido
con telas negras para ocultar elementos y facilitar la salida y entrada de artistas.
El edificio del teatro tiene su historia y puede tener un valor patrimonial importante
pues algunos son considerados Bienes de Interés Cultural.
Todos ellos tienen una estructura básica en la que aparecen los siguientes espacios
bien diferenciados – taquilla, vestíbulo, Sala de Teatro, patio de butacas, escenario,
cabina técnica, almacén, camerinos, servicios…..
También citar como espacio del edificio la oficina en donde trabajan quienes se
encargan de la gestión y administración del teatro – director/a o gerente y personal de
Secretaría.
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CAPITULO SEGUNDO
CONSTRUYENDO AL PERSONAJE
(Caracterización)
( Mariano Carderera ).
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Trabajar la definición y expresión de los rasgos que caracterizan un personaje nos lleva
al conocimiento profundo de uno mismo y para ello es necesario despertar, desarrollar
y trabajar los sentidos, porque la experiencia sensorial siempre es una experiencia
personal.
Dos son las preguntas que debemos contestar cuando se trata de caracterizar y trabajar
sobre un personaje y lo vamos a hacer en este capítulo.
Para responder debemos definir al personaje esbozando tanto sus características físicas
– altura, pelo, voz, andares, ademanes – como las psíquicas – comportamiento,
carácter, gustos….Y esto lo conseguimos gracias a la caracterización, que se define
como la transformación que realiza un actor o actriz para convertirse en el
personaje que quiere representar a través del maquillaje, gestos, vestuario, voz,
movimiento….
1. La expresión corporal.
2. La voz.
3. El maquillaje.
4. El vestuario.
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EPÍGRAFE PRIMERO: LA EXPRESIÓN CORPORAL
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¿QUÉ ES LA EXPRESIÓN CORPORAL?
OBJETIVOS.
METODOLOGIA.
CONTENIDOS.
Trabajamos:
1. El gesto.
2. El movimiento.
3. El ritmo.
ACTIVIDADES.
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• Tengan conocimiento del esquema corporal.
• Desarrollen la creatividad.
Ejercicio primero.
Dibuja tu cuerpo.
Ejercicio segundo.
Ejercicio tercero.
Sentados en el suelo con las piernas estiradas intentamos desplazarnos notando los
huesos traseros.
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Ejercicio cuarto.
Ponemos cara.
Algunos juegos.
Dividimos al grupo en dos bandas- búhos y cuervos- y colocamos a cada grupo en una
zona de la clase separados por una línea. El profesor dice una frase, si es cierta los
búhos perseguirán a los cuervos y viceversa. Los jugadores capturados pasan al otro
bando. El juego finaliza con el ganador del bando más numeroso.
Ciempiés horizontal.
Enanos y gigantes.
Ejercicio primero.
Ocupar el espacio.
Con ayuda de algún instrumento de música que marque el ritmo, ejemplo un pandero,
caminando libremente por el aula vamos recorriéndola.
Al cesar el ritmo podemos hacer preguntas acerca de cómo se ha sentido ocupando el
espacio del aula, qué elementos hay…..
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Ejercicio segundo.
Equilibrio.
Ejercicio tercero.
Para favorecer la conciencia de la espalda. Caminamos hacia atrás cada vez más
rápido. Al hacerlo en grupo potenciamos la concentración.
Algunos juegos.
Distribuimos a los alumnos/as en cuatro grupos cada uno ocupa una esquina del aula,
menos a un niño/a que se queda en el centro, al dar tres palmadas los jugadores
cambian de esquina, mientras el alumno/a del centro intenta ocupar una de las esquinas
libres durante el revuelo. Se puede hacer con colores también esta actividad.
Spray.
Aquí vamos a desarrollar la creatividad para lo cual es muy útil trabajar con personajes
estereotipados de distintas épocas, profesiones, clases sociales. Lo que servirá también
para que el profesor/a trabaje con el niño/a otras materias, por ejemplo historia.
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También podrían representar en grupo situaciones, por ejemplo en una tienda,
dependiente y cliente…
El profesor podría leer un cuento o una historia de diferente época destacando los
personajes y caracterizándolos con ayuda de fotos.. y pedir después a los alumnos/as
que se caractericen del personaje que elijan..Por ejemplo, rey y reina medieval, un
bufón, un arlequín un fraile.
Algunos juegos.
Se entrega al niño/a cualquier objeto para que lo vea lo toque durante un tiempo.
Después hablará de él. Si en lugar de un objeto le entregamos una foto de animales por
ejemplo, intentará imitar ese animal…
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Estatuas.
Los jugadores se emparejan. En cada pareja habrá un escultor que irá modelando a su
compañero hasta darle la forma expresiva deseada, luego lo explica al grupo y se
cambian los papeles. Una variante del juego sería que un jugador/a construye una
estatua y los demás tienen que interpretarla. Otra variante sería hacer dos equipos,
mientras uno sale del aula, el otro construye una estatua, el otro grupo vuelve y se
integra a la escultura realizada, una vez que todos los integrantes del grupo hayan
tomado la forma del primero, este sale y se repite la acción.
A TENER EN CUENTA.
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EPÍGRAFE SEGUNDO: LA VOZ
(Sócrates).
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¿QUÉ ES LA VOZ?
Si atendemos a las frases con las que se abre el epígrafe, la voz es un medio de
comunicación y expresión.
La voz infantil y la voz de mujer están situadas, en el registro, una octava más aguda
que la voz de hombre.
• Mujer o niños.
Soprano, mezo-soprano y contralto.
• Hombres.
Tenor, barítono y bajo.
Partimos aquí de la idea que la voz es aire articulado que espiran nuestros pulmones y
que al pasar por la laringe hace vibrar las cuerdas vocales dotándolas de expresividad.
La laringe.
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Los pulmones.
El diafragma.
Cavidades de resonancia.
La faringe tampoco actúa como resonador pero si llevamos la laringe a una posición
muy baja ésta actuará como tal y se oirá lo que se denomina una voz angulada.
OBJETIVOS.
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2. Descubrir en el lenguaje oral un recurso para la creación artística al estudiar las
posibilidades expresivas de la voz.
METODOLOGÍA.
CONTENIDO.
Para ello tendremos en cuenta las cualidades de la voz distinguidas por el oído:
• Timbre es la propiedad que nos permite distinguir unos sonidos de otros o unos
instrumentos de otros…
Trabajaremos:
a) Vocalización y dicción.
Conseguiremos que la voz sea agradable y sonora, al pronunciar con claridad las
vocales, consonantes y sílabas tanto al hablar como al cantar.
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b) Entonación.
c) Ritmo.
Con ello podremos resolver algunos de los problemas que se nos puedan presentar,
tales como:
ACTIVIDADES.
TÉCNICA DE LA VOZ.
La voz hablada al igual que el canto precisa de una técnica vocal que hay que aprender
y ejercitar si se quiere sacar rendimiento a las cualidades sonoras que cada uno posee.
Para la impostación de la voz hablada se necesita del estudio al menos de una octava
para poder modular y expresar con la voz y su timbre los sentimientos, los deseos, las
sensaciones y el estado psicológico de las personas.
La voz hay que colocarla bien delante y llevarla hasta un punto central de la boca.
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El sonido de las palabras debe tener un timbre claro, limpio, sonoro, fácil y sin
esfuerzo.
El sonido de cada sílaba debe colocarse en los labios, garganta relajada y abierta,
ampliación de la cavidad bucal y mucha articulación.
Aprender a respirar.
Aprender a utilizar las cavidades resonadoras, dando los sonidos precisos a las
palabras y el justo valor a las frases.
Ejercicio primero.
Respiración.
Respiración diafragmática.
Respiración costal.
Acostados o de pie con las manos apoyadas en las falsas costillas se hace una
inspiración profunda, lenta ensanchando las costillas laterales. El aire se inspira por la
nariz con la boca cerrada y contando mentalmente 1,2, 3, 4, hasta 10 conteniendo el
aire en los pulmones. Espiramos, expulsando el aire por la boca en forma de “ u”
lentamente y contando hasta 20.
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Respiración completa.
Ejercicio segundo.
Vocalización.
Las vocales fundamentales tanto para la dicción como para el canto son A- O- U.
Para trabajar la vocalización empezaremos con una vocalización muda para continuar
con la sonora y emplearemos al comienzo las vocales labiales U- O- A para seguir con
las vocales linguales E- I.
Ejercicio tercero.
Resonancia de la voz.
La emisión de la voz tanto para el habla como para el canto debe tener una buena
resonancia.
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De la misma manera que un instrumento tiene una caja de resonancia, la voz también
la tiene a saber, cielo del paladar, fosas nasales, cara y frente.
Para lograr esta resonancia es necesario impulsar mucho la voz y levantarla mediante
el empleo del diafragma que presiona la columna de aire, constituido el sonido.
Hagamos un ejercicio en que al hablar busquemos nuestro registro más grave y nuestro
registro más agudo intentando sentir dónde localizamos dichos sonidos.
Resumiendo.
Para tener una voz con sonoridad adecuada y natural debemos trabajar tanto la
respiración como la colocación de vocales, consonantes, sílabas y palabras
adecuadamente –impostación -.
( Montaigne).
1. Individual
2. Diálogo.
3. Coro.
Ejercicio primero.
Un profesor/a.
Un locutor de radio.
Un abuelo y una abuela….
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Ejercicio segundo.
Ejercicio tercero.
En una biblioteca.
En una plaza pregonando.
De una ventana a otra…
Algunos juegos.
Me quemo.
Correr por la clase imaginando que llevamos una brasa que nos arde en la mano y
liberar la voz expresando el dolor que nos provoca.
Caliento voz.
Imitando.
Hagamos una pequeña improvisación de forma que un niño/a imita al otro de la forma
más parecida posible, su voz. Esto nos sirve para ejercitar el oído y darnos cuenta de la
singularidad de la voz.
Folklore infantil.
Cantar es una forma divertida de jugar, compartir y aprender las pequeñas cosas del
universo infantil.
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Con las canciones el niño/a aprende palabras, conceptos, melodías que comparte con
los demás.
A TENER EN CUENTA.
Conservación de la voz.
• No abusar de la voz.
Evitar hablar con voz monótona o hablar con un tono demasiado agudo o demasiado
grave.
No hablar con frases más largas de lo que permite el ciclo respiratorio, es importante
tomar conciencia de las pausas.
No es conveniente utilizar la voz cuando se está resfriado o cansado, hay que permitir
que la voz descanse.
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Nunca debemos pasar por alto los síntomas prolongados de tensión vocal- disfonía,
afonía, dolor de garganta-, lo conveniente es consultar con el médico si persisten más
de 10 días.
• Nódulos y pólipos.
• Sequedad bucal.
• Cuidar la alimentación.
Hay que evitar los productos estimulantes, que generen mucosidad – café, té, yogures,
quesos.
Come frutas y verduras frescas a diario pero reduce el consumo de cítricos que son
irritantes.
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EPÍGRAFE TERCERO: EL MAQUILLAJE.
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¿QUÉ ES EL MAQUILLAJE?
Los niños/as aportan en éste apartado mucho por sus dotes imaginativas.
El uso del maquillaje en el teatro depende en gran medida del tipo e intensidad de luz
en escena- la luz intensa produce palidez- de la dimensiones de la sala- los rasgos de
los actores y actrices pierden nitidez a cierta distancia- y de la adecuación entre el
actor o la actriz y el personaje que encarna- a veces un actor o actriz madura debe
parecer joven y a la inversa-.
De todo esto se deduce que existen tres tipos al menos de maquillaje, el habitual o
normal, el de caracterización y el de disfraz.
El maquillaje normal tiende solamente a realzar los rasgos del actor o actriz para
contrarrestar la palidez producida por la luz.
Existe una gran cantidad de productos para maquillar pero se suele distinguir entre
maquillaje graso y maquillaje compacto según su presentación y método de aplicación
y entre base, colorete y realce según el objetivo a conseguir y la fase en que se aplica.
El maquillaje graso agrupa una serie de cosméticos que tienen en común el estar
fabricados con materia grasa y el aplicarse directamente sobre la piel. Se presenta en
forma de tubos, barras o lápices, clasificados según el color y tonalidad.
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También existe un maquillaje para el cuerpo que es un producto líquido que se vende
en varios colores y que se aplica en cualquier parte del cuerpo menos en la cara. Se
extiende con las manos o con una esponja y se lava fácilmente con agua y jabón.
OBJETIVOS.
3. Conocer gracias al uso del maquillaje y peluquería cómo son las personas de
otras razas, países, caracterizándose y resaltando los rasgos típicos que las
definen.
METODOLOGÍA.
CONTENIDOS.
5. La máscara.
6. Peluquería.
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El maquillaje y la anatomía.
Maquillaje y máscaras han estado siempre íntimamente unidos por una misma
concepción del teatro: aparentar lo que no se es.
El estudio de la anatomía propia y del personaje es uno de los puntos básicos para
iniciar cualquier maquillaje. Para el actor o la actriz lo más importante es el estudio de
la cabeza sin olvidar el del cuello y el de las manos.
Hoy en día, el teatro admite menos tópicos, exceptuando unas obras que juegan con
tipos diversos dentro de convencionalismo, se huye de la caracterización extremada.
Hace algunos años se creía que la persona inteligente debía disponer de una frente
despejada, mirada penetradora y mandíbula firme, que un bonachón debía estar
entrado en carnes, que un criminal denotaba en alguna facción de su rostro dicha
condición- cicatrices, pelo despeinado, - que un hombre de pueblo debía parecerlo con
el conocido entrecejo, debemos huir de éstos tópicos.
Sería muy positivo que todo actor o actriz tuviera un álbum de fotografías o recortes de
revistas con distintos personajes de diferentes razas, edades, condición social,
complexiones.
Debemos ser cautos cuando elegimos el color predominante, hay que probarlo antes
con los otros elementos y materiales que nos van a rodear en la escena- vestuario,
decoración, atrezzo, y sobre todo las luces.
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• Los primarios que no pueden obtenerse de la combinación de otros- rojo, azul y
amarillo-.
Así lo colores complementarios son los respectivos secundarios que les faltan a los
primarios para obtener la luz.
Por eso si queremos resaltar un color nos bastará con colocarlo junto a su
complementario, mientras que si queremos rebajar su efecto, lo colocaremos junto a
uno que no lo sea.
La iluminación y la distancia difuminan las facciones del actor o la actriz y los detalles
pequeños.
Para terminar hablamos del componente psicológico del color y su asociación mental a
partir de su división en colores cálidos – rojo, amarillo y su mezcla – y fríos- azul y su
mezcla.
Amarillo/ Soberbio
Goloso/ Rojo.
Tímido/ Blanco azafranado.
Envidioso/ Blanco pálido.
Prudente/ Blanco rosado.
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Simple/ Rojo suave
Insensato/ Rojo.
Desvergonzado/ Pálido.
Modesto/ Moreno.
Cobarde/ Descolorido.
Avaricioso/ Cetrino.
Iracundo/ Rojo o muy pálido.
Manso/ Pálido.
Jovial/ Sonrosado.
Pusilánime/ Blanco.
Injurioso/ Blanco pecoso.
Lujurioso/ Blanco con mucosas rojas.
Apenado/ Descolorido.
Fatigado/ Blanco amarillento.
Ingenioso/ Blanco rosado.
El proceso de maquillaje.
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3. En los casos que no estemos seguros del maquillaje o no lo dominemos a la
perfección, es preferible reducirlo a la mínima expresión, esto es los rasgos
más genéricos.
4. Nunca, a no ser que sea maquillaje de fantasía, dejemos marcados los límites
de los distintos colores o tonos, procediendo a difuminarlos hasta que se
confundan con el maquillaje base.
5. El rostro debe haberse lavado con agua abundante y también nos vestiremos
con el traje que llevemos en escena, protegiéndolo, para comprobar el efecto
conjunto.
Proceso.
1. Aplicar sobre el rostro una crema limpiadora cuya función es proteger la piel y
fijar el maquillaje, ayudando a su eliminación posterior.
3. Colocar peluca y maquillar los limites con el tono básico para disimular,
igualmente trabajaremos los postizos.
5. Al usar los colores hay que tener en cuenta por ejemplo que el negro se usa
más bien para contribuir al dibujo de cejas y pestañas, produciendo con ello el
efecto de agrandar el ojo o achicarlo también para achatar la nariz aplicado en
la parte inferior o adelgazarla aplicado en los laterales. El azul para dar
impresión de rostro demacrado y achicarlo. El blanco se suele usar para
encanecer el pelo.
• Frente, debe tener un tono más claro que el resto de maquillaje de base.
• Ojos, para agrandarlos bastará con que dibujemos una línea con el lápiz
de ojos lejos de las pestañas y al contrario para achicarlos.
• Nariz para achicarla bastará con un tono claro aplicado en la parte
superior y sombras oscuras en los laterales y viceversa para agrandarla.
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• Labios para agrandarlos basta con extender la pintura más allá de los
límites del labio y para achicarlos no llegar a dichos límites.
• Las mejillas serán tratadas con colorete adecuado al tono base, con el
que se mezclará.
• Barba tiene que estar un tono ligeramente más oscuro.
• Las cicatrices suelen ser de tonos más claros que el maquillaje base y
tienen formas irregulares. Las contusiones tienen un color más intenso y
su tonalidad depende de los días que tengan, puede usarse el azul
intenso para los primeros instantes y tonalidades amarillentas para
después.
La máscara.
Es ante todo sinónimo de careta y como tal constituye uno de los atributos principales
del arte escénico; de hecho, una máscara alegre y otra triste componen el emblema
universal del teatro.
Son motivo y fantasía por las posibilidades que ofrece a un actor o actriz para cambiar
de personaje.
La peluquería.
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La utilización de postizos no es muy recomendable ya que dota de cierta rigidez al
rostro y no permiten el libre juego de las facciones.
Las pelucas deben adaptarse perfectamente a la forma de la cabeza del actor, por lo
que se deberá cuidar la disposición del cabello propio.
ACTIVIDADES.
El maquillaje es uno de los aspectos más atractivos para los niños/as, ya que les
permite investigar la magia del color y conseguir auténticas transformaciones. El
maquillaje como ejercicio interactivo proporciona la posibilidad de cooperar en la
creación de los personajes de sus compañeros, además de desarrollar su creatividad en
la creación de su propio personaje.
A TENER EN CUENTA.
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EPÍGRAFE CUARTO: EL VESTUARIO
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¿QUÉ ES EL VESTUARIO?
Es una de las facetas del teatro donde la fantasía desempeña un papel preponderante, al
disfrazarse, cosa que encanta a los niños dejan volar su imaginación deformando los
cánones de la realidad para dar paso a su mundo de sueños y fantasía.
El vestuario es lo que el actor o actriz lleva en una función de la acción que tiene que
desarrollar.
Está formado por los trajes, vestidos y elementos que utilizan los actores y actrices
para caracterizar externamente al personaje, de manera que ya no hablamos solo de
ropa, sino de disfraz, más amplio concepto que incluye máscara, accesorios, ademanes
y actitudes típicas con las que el actor o actriz encarna y nos describe un personaje.
Los trajes han de ser coherentes con la época en que se desarrolla la acción, y con los
personajes que los visten, mientras que el colorido debe ser compatible con el de la
decoración y con el de los demás personajes.
OBJETIVOS.
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METODOLOGÍA.
CONTENIDO.
3. Atrezo o utilería.
• ¿Cuándo?
• ¿Quién?
• ¿Cómo?
Hay que documentarse para saber cómo iban vestidos los personajes de una
determinada época o que objetos portan determinados personajes.
• ¿Qué?
Hay que encontrar la manera de disfrazar al personaje con un vestuario aunque éste sea
mínimo.
Vestuario y tipos
• Vestuario de época.
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Es el vestuario de las obras que transcurren en un determinado momento histórico.
La prenda que caracteriza a ésta época es el jubón largo o corto, con mangas o sin
ellas.
Época de capa y espada- así se define no solo a una época sino también una
fórmula teatral donde la espada y el desafío son obligados, ejemplo de ello y
modelo es el Don Juan Tenorio.
Época de las casacas- con el siglo XVIII y variando poco o mucho de forma
y nombre, fracs., levitas.
• Vestuario exótico.
• Vestuario fantástico.
Atrezzo
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ACTIVIDADES.
Ejercicio primero.
Para ello gracias a la lectura de cuentos relacionados con el tema, por ejemplo “ El
sastrecillo valiente”, conoceremos las características de su profesión y los
instrumentos que utiliza.
Ejercicio segundo.
Ejercicio tercero.
Antes de decidir el tipo de vestuario necesario para una determinada obra vamos a
realizar una tarea de investigación y documentación acerca del momento en que se
desarrolla la obra, qué características tienen nuestros personajes, si les vamos o no a
confeccionar objetos éstos cómo son. Esta es una buena forma para que los niños/as
vean cómo ha evolucionado el modo de vestirse, el traje o la ropa, en el transcurso del
tiempo.
Ejercicio cuarto.
Para un niño/a cualquier objeto por simple que sea puede servir para representar
diferentes personajes y escenas de la realidad. Con este poquito de fantasía cualquier
objeto puede transformarse en otro totalmente distinto durante un juego tratado.
Algunos juegos.
Concurso de disfraces.
Aquí trabajamos sobre todo la creatividad. Hay múltiples formas de hacer disfraces
pero cuanto más rudimentario sea el material del que se dispone, más creativo hay
que ser.
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A TENER EN CUENTA.
Como hemos descrito la actividad de disfrazarse es muy atractiva para los niños y
niñas, por eso sería conveniente en un rincón de la clase disponer de un armario,
arcón o caja para llenarlo de cosas que nos puedan servir a la hora de confeccionar
nuestro vestuario.
Zapatos, zapatillas.
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PARA TERMINAR.
He querido resaltar con este trabajo el valor educativo que el teatro tiene como
expresión artística al incidir en el desarrollo personal y autoestima de nuestros niños y
niñas en la escuela. Con él se aprende de un modo totalmente divertido, singular y
colectivo, dónde no sólo disfrutan los niños sino también, los educadores y toda la
comunidad escolar, así como sus familias si es que nos disponemos y atrevemos a
realizar un montaje teatral,
El teatro en una sociedad como la actual marcada por el uso de las tecnologías, de
cambios acelerados y ritmos frenéticos nos acerca a un mundo donde los afectos y el
conocimiento mutuo y del entorno nos hace más libres y creo que más felices.
Al hacer teatro, como dice José Cañas, se puede hacer cualquier cosa, incluso lo que a
primera vista parece imposible, si quieres volar, vuelas, aunque no tengas alas, si
quieres ser un animal, eres ese animal que te atrae, si quieres ser una flor lo eres en
segundos, y mejor aún, no solo serás lo que quieras ser sino que además juegas a serlo,
y esta es la magia y grandeza del teatro.
Por todo ello la escuela es un buen sitio para abrir las puertas a la imaginación, a la
fantasía y a la magia que proporciona hacer teatro, para ello es necesario que el
profesorado posea una formación sólida en esta materia, para sacar todo el rendimiento
posible, ya que trabajamos con personas a las que ayudaremos a desarrollarse
personalmente y a las que también vamos a introducir en el conocimiento del mundo
artístico, que podrán utilizar después de la manera que crean más conveniente, ya sea
para seguir estudios teatrales o simplemente para desarrollar su sensibilidad artística y
compensar de este modo la formación tan científica y técnica que se está implantando
en los últimos tiempos.
Solo una cosa más, si me permitís como mujer de teatro que soy, y es desearos mucha
mierda en vuestra andadura por estos caminos del ARTE ESCÉNICO.
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GLOSARIO.
Actriz/ Actor.
Aforar.
Tapar con teles (patas, bambalinas) u otros elementos adecuados, aquellas partes del
escenario que se quiere ocultar al público durante la función. Se utilizan para delimitar
el espacio escénico. Es como vestir el escenario.
Aforo.
Conjunto de butacas, palcos, etc, de que consta la sala de un teatro. Cuando todas las
localidades están cubiertas, se suele decir que “el aforo está completo” o que hay
“medio aforo” si la sala no se ha llenado del todo.
Argumento.
Cuando alguien quiere contar, de forma resumida, una historia, nos cuenta en pocas
palabras lo más importante, lo esencial, aquello que representa lo fundamental de la
obra de teatro. A esto lo llamamos argumento.
Arte dramático.
Artes Escénica.
Expresión que engloba todas las manifestaciones artísticas que suponen una
representación ante un público. De esta forma, el teatro, la danza, la música, el circo,
los títeres y en cierto modo el cine, comparten características y técnicas similares
desde el momento en que se plasman en un escenario.
Bambalina.
Pieza de tela que cuelga de una vara del peine o de la parrilla del techo del escenario,
formando parte del decorado. Cruza el escenario de lado, a lado, paralela a la línea del
telón.
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Bolo.
Cabina técnica.
Lugar desde donde se controlan las luces y el sonido en los teatros. Se suele situar al
fondo de la sala, enfrente del escenario.
Caja.
Espacio delimitado por las patas y telones, que marcan el escenario. La caja escénica
es un nombre que se da también al escenario.
Calle.
Espacio imaginario que va de lado a lado del escenario, marcado por las patas o
delimitado por focos formando un camino de luz.
Candilejas.
Fila de luces colocada en el piso del escenario a lo largo del proscenio formando un
circuito de color. Se utiliza como complemento de la iluminación, eliminando sombras
del rostro de los actores y actrices al iluminarlos desde abajo.
Corbata o Proscenio.
Zona del escenario más cercana al público, que se sitúa por delante de la línea de telón.
Cuarta pared.
El escenario tiene tres paredes que suelen estar cubiertas con telas negras, la cuarta
pared no existe, es imaginaria. Ese término se usa de forma convencional para indicar
que los actores y actrices trabajan concentrados como si estuvieran solos. También se
dice que la cuarta pared es el público.
Chácena.
Espacio situado al fondo del escenario que se usa para almacén de decorados y
mobiliario. Suele tener una puerta que comunica directamente con el exterior, a través
de la cual se efectúan las labores de carga y descarga.
Diabla.
Fila de luces colocadas en una vara colgada de la parrilla, ocultas a la vista del público
por una bambalina, normalmente formando un circuito de color.
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Elenco.
Relación de las personas que forman parte de una compañía teatral que representa una
obre determinada.
Embocadura.
Abertura del escenario por la que el público ve la escena. Para referirse a esta idea
también se utilizan términos como boca o arco de proscenio.
Encarnar.
Enfocar.
Se usa para realizar el ajuste de los focos, regulando el haz de luz hasta conseguir la
iluminación deseada.
Ensayo.
Estrenar.
Foro.
Foso.
Espacio situado debajo del tablado del escenario que contiene diversas máquinas,
escenografías o efectos para producir cambios en la escena.
Gag.
Palabra que en inglés significa “morcilla” y que en español designa un golpe cómico,
es decir, una escena breve – gesto y diálogo o sólo gesto que provoca automáticamente
la risa.
Mímica.
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Montaje.
Proceso de construcción de una obra de teatro o espectáculo desde que se inicia hasta
su puesta en escena.
Pantomima.
Parrilla.
Estructura metálica cuadrangular, de tipo móvil, situada en el techo de los teatros para
colgar los focos.
Pase.
Recibe este nombre cada una de las funciones o representaciones. Es usual utilizar este
término para los ensayos generales.
Pata.
Elemento de tipo móvil que se sitúa a ambos lados de las bambalinas y hace la función
de bastidor formado por grandes tiras de tela negra.
Peine.
Personaje.
El papel que representan los actores o actrices en una obra de teatro. Refleja las
características o la personalidad que el autor/a o director/a han creado para él.
Platea.
Puente de luces.
Es la estructura metálica donde se cuelgan los focos. Según donde esté situado recibe
diferentes nombres como puente de sala o puente de tiro.
Reparto.
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Repertorio.
Es el catálogo de obras estrenadas que tiene una compañía de teatro durante una
temporada y que puede llevar a escena en cualquier momento.
Sala.
Telar.
Esta formado por el conjunto de varas donde se cuelgan los decorados. El telar esta
situado en la parte alta de la caja escénica por debajo del peine, para colgar los
decorados del mayor tamaño posible.
Telón.
Los telones son elementos de tela de gran tamaño que cuelgan en un escenario, tienen
como finalidad cubrir o tapar parte del decorado pudiendo ser utilizados como parte
del mismo. Existen varios tipos de telones como el que cierra la boca del escenario
llamado telón de boca, el que oculta el fondo del escenario llamado telón de fondo, el
que está situado detrás del telón de boca que no es de tela que protege el escenario
contra el fuego, activándose automáticamente ante cualquier alarma llamado telón
contra incendios.
Torre de luces.
Es la estructura metálica de forma vertical que se utiliza para colgar los focos de
iluminación en un escenario.
Transformista.
Es el artista que domina el arte de la caracterización de tal forma que su aspecto físico
se asemeja a los distintos personajes que representa.
Vara.
Se utiliza esta expresión cuando hay un lleno absoluto y al final del espectáculo la
ovación es de gran intensidad y duración.
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Bibliografía.
GENERALES.
• Abecedario de teatro.
Molinari, A.
Alfar. 1994
Blasich, G.
Edebé. Barcelona. 1982.
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• Mi primer libro de teatro.
• Teatro y Dramatización.
• Gramática de la fantasía.
Rodari, G
Bronce.1996
• Teatro educación.
Cervera, Guirau.
Edebé. 1982.
Isabel Agüera.
Narcea.
Valentín-Gamazo, T y Navarro, G.
Ñaque.1998.
Mignon, P.
Guadarrama. 1973.
69
ESPECÍFICOS.
• Historietas de la voz.
• Educación de la voz.
Mª Pilar Escudero.
Real Musical. 1982
• Taller de voz.
Ángels Molnar
Montse Roig.
Bellaterra Música.2007.
Montse Roig.
Bellaterra Música. 2005.
• Canciones infantiles.
Albar.2009
Alaric Lewis.
San Pablo.2002.
• Maquillaje.
Jordi Vigué.
Circulo de Lectores. 2006.
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• El vestuario.
Jordi Voltas.
La Galera. 1996.
Che Durán.
Junta de Andalucía. Consejería de Educación y Ciencia.1994.
• La escenografía.
Jaume Bautista.
La Galera.1996
• La dirección escénica.
Salvador Fité.
La Galera.1998.
Jordi Voltas.
La Galera.1994
71
COLECCIONES DE TEATRO INFANTIL
REVISTAS.
Telón de fondo.
72
DIRECCIONES DE INTERNET.
www.dl-towanda.com
www.expresdarte.es
www.masclaro.net
www.documentacionteatral.mcu.es
www.members.tripod.com
www.basur.net
www.escenica.net
www.infoescena.es
www.labutaca.com
www.vestuario-teatral.com.mx
www.museumofcostume.co.uk
www.iluminacionprofesional.net
www.tuluz.com
www.ilumiweb.com
www.sonomic.com
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