Historia de la música: Barroco

El BARROCO MUSICAL

1. La Música barroca
2. Música instrumental barroca
3. Música vocal durante el Barroco
3.1. La ópera.
4. El Barroco en Europa
4.1. Italia
4.2. Alemania
4.3. Inglaterra
4.4. Francia
4.5. España
5. Compositores barrocos

1. LA MÚSICA BARROCA

Se fecha entre el año 1600 y el año 1750 (muerte de Bach) aunque ya

antes se produjeran en la música cambios significativos. En el período
barroco se dio un florecimiento general de las artes y las ciencias en
Europa. El cambio de mentalidad también influye en el lenguaje y en la
expresión musical. Hacia la primera mitad del siglo XVII, los compositores
inventaran recursos musicales que les permitían nuevas formas de
expresión. Es entonces cuando podemos hablar de un sonido diferente al
anterior, de una música distinta. Las características de esta música son:

- La música profana adquiere mayor importancia frente a la religiosa

y la música instrumental se independiza de la vocal.
- Los compositores practican todos los géneros y surgen nuevas
formas musicales, convirtiéndose en verdaderos profesionales.
- El ritmo es marcado y reiterativo. Al largo del siglo XVII se
generalizó la escritura de la música utilizando compases. El uso de esta
unidad métrica sólo fue común después de 1650.
- Se buscan contrastes de intensidad, velocidad y colorido
instrumental.
- El músico barroco le va a dar importancia a una voz, utilizando las
demás como relleno armónico. Es el que conocemos como melodía
acompañada.
- Como consecuencia del anterior, hay una voz que sirve como apoyo
armónico y que se conoce como bajo continuo. Se prefiere una melodía
apoyada en el bajo. El resto de las voces se convierten en un “relleno
armónico”, la diferencia de la igualdad que se dé una polifonía renacentista.

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En las partituras se tiende a escribir sólo la melodía principal y la parte del

bajo con unos números bajo las notas (bajo cifrado), indicando los acordes,
siendo el intérprete el que improvisa dicho “relleno armónico”.
- Se reducen los modos eclesiásticos a sólo dos: modo mayor y modo
menor.

2. MÚSICA INSTRUMENTAL BARROCA

Hasta el Barroco, la música instrumental era considerada un género

menor, pero durante las primeras décadas del siglo XVII, empezaron a
aparecer gran cantidad de obras instrumentales.

Esta aceptación de la música instrumental, que era completa en la

segunda mitad del XVII, fue consecuencia del éxito obtenido por los
instrumentos de arco que fueron una conquista técnica de este siglo y
generaron formas musicales propias.

En esta época destacaron algunos grandes constructores italianos de

instrumentos, los luthiers. Los más famosos fueron Stradivarius, Amati y
Guarnieri.

Fue también en este período cuando la orquesta comenzó a tener más

o menos la forma que tiene hoy en día. Su base estaba constituida por
instrumentos de cuerda frotada y el bajo continuo. El resto de los
instrumentos no eran fijos, sino que variaban en función de la composición.

Las principales formas musicales fueron el preludio y la fuga, la

sonata, la suite, la fuga, el concerto grosso y el concerto solista.

- Concerto grosso: un grupo de instrumentos solistas (concertino),

generalmente violines, contrasta con el resto de la orquesta (tutti o
ripieno). Suele constar de tres movimientos, alternándose los rápidos con
los lentos.
- Concerto solista: similar al concerto grosso, pero sólo hay un
instrumento solista, el cual permite un más alto grado de virtuosismo.

3. MÚSICA VOCAL DURANTE El PERÍODO BARROCO

Durante el Barroco se afianzará un nuevo procedimiento, la monodia

acompañada, desarrollándose géneros como el madrigal y la ópera, el
oratorio, la cantata y la pasión.

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3.1. La ópera

La ópera tuvo sus comienzos en Florencia, se enriqueció en Venecia y

Roma y logró el pleno éxito en Nápoles a finales del siglo XVII.

A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e

intelectuales conocidos como la Camerata Fiorentina. Tratando de imitar a
la tragedia griega, este grupo se reunían en los salones del conde Bardi,
buscando un nuevo estilo, en el que, fundidas palabras y música, produjera
una mayor expresión dramática.

La primera consecuencia fue el nacimiento del recitativo melódico,

acompañado por el bajo continuo e interrumpida por el coro. Estimulado por
este éxito, el conde Bardi encargó al dramaturgo Rinuccini y los músicos
Jacopo Peri y Giulio Caccini que escribieran obras en el nuevo estilo. Así
nació la ópera Dafne (1597), pero su música no se conserva.

Tres años más tarde, se estrenó la ópera Eurídice, primera que se

conserva íntegra, compuesta por Peri con algunos coros de Caccini.

Los experimentos de la Camerata Fiorentina se extendieron con

rapidez y fuerza por toda Italia. En el mismo año que se representaba
Eurídice, se dio en Roma una especie de ópera con argumento sacro,
Representación del alma y del cuerpo, de Emilio de Cavalièri.

Pero será en 1607 cuando Claudio Monteverdi, gran maestro de la

escuela veneciana, quien dio a la ópera el impulso que necesitaba para
alcanzar un verdadero desarrollo. Se separó de la ópera florentina y
concedió mayor importancia a la orquesta. Su primera ópera, de fama
duradera, fue Orfeo, obra tomada como referencia por todos los
compositores que le sucederán. Después, su obra se hizo más realista, su
temática fue más histórica que mitológica, sus líneas melódicas fueron cada
vez más interesantes e incluso recurrió a algún tema popular.

En Roma, diferentes compositores escribieron nuevas ópera en las

que se dio una mayor importancia a los coros y a la orquesta. La
escenificación se hizo más lujosa y se introdujo un personaje cómico,
naciendo la ópera bufa.

A mediados del siglo XVII, Venecia fue el foco más importante de la

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ópera en Italia. Las óperas siguieron teniendo como argumento temas

griegos y mitológicos, decreció la importancia de los coros, alcanzó gran
desarrollo el cantante y el aria, y nació el empleo de introducciones
instrumentales.

Otros dos importantes compositores de la ópera veneciana fueron

Francesco Cavalli y Antonio Cesti.

En Nápoles, la ópera consiguió su máximo esplendor, adquiriendo

características propias. Encontró forma definitiva el llamado bel canto, del
que se derivó un gran desarrollo de la técnica vocal, aunque, el mismo tempo,
el cantante buscaba su lucimiento personal y la música quedaba subordinada
a los caprichos de aquel.

El principal representante de la ópera napolitana fue Alessandro

Scarlatti. Al que hay que atribuirle el perfeccionamiento del aria.

Destaca también Giovanni Battista Pergolesi, que desarrolló y dio

madurez a la ópera bufa, destacando su obra La serva padrona.

En el resto de Europa se adoptó el estilo operístico italiano, excepto

Francia que creará su género propio, llamado Tragédie lyrique. Sus
principales características son la introducción del ballet y el gran despliegue
de medios que utilizarán.

Se distingue entre la ópera seria y la bufa o cómica:

- Ópera seria: basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el
primer tipo de ópera que va a existir y será el preferido por la aristocracia
debido a su refinamiento. A este tipo pertenece L’Orfeo de Monteverdi.
- Ópera bufa: los argumentos son cotidianos y fáciles de entender. Se
convertirá en la ópera preferida del pueblo, era bastante típico que el
argumento fuese un crítica social hacia las clases poderosas. Un ejemplo es
La serva padrona de Pergolesi.

4. La MÚSICA BARROCA EN EUROPA

4.1. Italia

Además de la ópera, la música religiosa adquirió un notable desarrollo

y la música instrumental florece extraordinariamente.

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a) La música religiosa. Estuvo totalmente identificada con el

panorama general de la lírica del siglo XVII, con la única diferencia de que
en los templos no se permitía la escenografía.

Las formas religiosas adoptaron nombres distintos de las formas

profanas, pero las diferencias en su espíritu y su estructura no fueron
notables. Siguieron practicándose formas religiosas del pasado como la misa
y el motete, pero la influencia de la época provocó nuevas formas, como el
oratorio, la cantata y la pasión.

Durante el siglo XVII se puede hablar de tres formas diferentes de

la música religiosa: la polifonía vocal (solamente voces), el solo acompañado
de algunos instrumentos y el estilo concertante de voces e instrumentos.

- Oratorio: destacan Giacomo Carissimi, Alessandro Stradella y

Alessandro Scarlatti, con el que adquirió su plenitud.
- Cantata: destacan Monteverdi, Cesti, Carissimi y Scarlatti.

b) La música instrumental. La total independencia de los instrumentos

con respecto a las voces, la aparición del virtuoso y la búsqueda de nuevos
timbres fueron los puntos de partida de lo que más tarde se convirtió en
una floreciente música instrumental. Su iniciador fue Giovanni Gabrieli.

De la sonata para un instrumento se pasó a la sonata para dos y

después para tres. Surgieron así las primeras agrupaciones de cámara para
las que escribieron músicos como Giuseppe Torelli, Tomaso Albinoni, Filippo
Vitali y Arcangelo Corelli.

Similar a la sonata y a la suite en estructura aparece el concerto,

donde destaca Antonio Vivaldi, principal representante de la música
instrumental del siglo XVII.

El auge del órgano en Italia se debe a Girolamo Frescobaldi, conocido

como el Bach italiano.

4.2. Alemania

En un principio estuvo marcada por dos características esenciales: la

influencia italiana y el sentir religioso de la Reforma. El iniciador de la nueva
música fue Hermann Schütz. Destacan también Dietrich Buxtehude y

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Johann Pachelbel.

Johann Sebastian Bach es el genio de toda la cultura musical barroca

y uno de los más grandes músicos de la historia. Su obra conjugó la
delicadeza expresiva italiana con la sobriedad del pueblo germano. La música
vocal de Bach es esencialmente religiosa. En el campo instrumental, dedicó
cierta preferencia al órgano.

Sus contemporáneos lo olvidaron totalmente tras su muerte, siendo

redescubierto por autores posteriores. Tuvo como continuadores de su
música a sus hijos Wilhelm Friedmann, Carl Philipp Emanuel y Johann
Christian.

Otro representante del Barroco alemán es Georg Philipp Telemann,

influido por corrientes italianas y francesas. Logró que la ópera en Alemania
adquiriera una importancia que no tuviera.

4.3. Inglaterra

En Inglaterra el Barroco musical fue algo tardío (después de la

Restauración de 1660), pues antes se vio afectado por las nomas que impuso
la República puritana de Cromwell. Prohibió toda manifestación musical que
se llevara en público, tanto profana como religiosa. Existieron grandes
composotires del barroco inglés destacando John Blow, Henry Purcell y
Georg Freidrich Haendel.

Henry Purcell escribió numerosas suites, sonatas y fantasías para

instrumentos de cuerda, óperas, entre las que destaca Dido y Eneas, y
anthems.

Georg Friedrich Haendel representa junto a Bach la culminación del

Barroco musical. Se adaptó con facilidad a cualquier corriente o moda
musical. Destacó componiendo oratorios, como El mesías, concerto grosso,
concertos para instrumentos solistas y suites como Música acuática o
Música para los reales fuegos artificiales.

El final del Barroco inglés coincidió con el nacimiento de un

movimiento nacionalista que quería contrarrestar la influencia italiana.

4.4. Francia

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La música barroca en Francia comienza a consolidarse a mediados del

siglo XVII con J.B. Lully, precursor de la ópera francesa.

Se distinguen tres épocas:

a) Primera época: Lully. La existencia de ciertas normas estéticas

impidieron la influencia italiana y retrasaron la llegada del Barroco a
Francia. El transcurrir del tempo propició un acercamiento a los gustos
italianos.

Para ello fue transcendental la aparición de Jean-Baptiste Lully que

logró grandes tragedias líricas. En ellas introdujo el ballet, melodías más
frescas y menos ornamentadas que las italianas y creó la obertura francesa.
También dio un gran auge a la orquesta y sus renovaciones fueron de gran
alcance.

También fueron destacados Marc Antoine Charpentier, Richard de

Lalande y André Campra.

b) Segunda época: Couperin y Rameau. El llamado estilo galante se

inició en este momento. Las formas musicales se redujeron, las melodías se
recargaron de adornos y la armonía se empobreció. Francia fue el país del
clavicordio y de los instrumentos de viento.

En el Rococó fue la obra de François Couperin la que completó la

tarea.

La ópera francesa resurgió con Jean-Philippe Rameau que superó las

limitaciones de la ópera-ballet y le dio más importancia a la argumentación
dramática de la obra. Sus teorías musicales las mostró en el Tratado de
armonía reducida a sus principios naturales , que se convirtió en la base de la
música tonal.

c) Tercera época: Rousseau y Gluck. Los partidarios de la ópera bufa,

de origen italiano, se enfrentaron a quien abogaba por una ópera
nacionalista.

Entre los primeros se encuentra el filósofo Jean-Jacques Rousseau

que defendió la ópera italianizante con unos argumentos que intentó levar a
la práctica en su ópera de escaso valor musical.

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Entre los segundos se encuentra Christoph Willibald von Gluck a quien

se puede considerar el creador del nacionalismo operístico francés. Acabó
con la influencia italiana, redujo a tres actos la acción dramática de la obra
y buscó el apoyo orquestal en todo el desarrollo operístico.

Gluck devolvió a la ópera su fuerza dramática supeditando la música al

texto, eliminando el exhibicionismo de los cantantes. Entre sus obras
destaca Orfeo y Eurídice.

4.5. España

El Siglo de Oro musical que vivió España en el Renacimiento extendió

su influencia hasta el Barroco e impidió que los nuevos vientos musicales
llegaran a España. Se imitó lo que se hacía en Italia y en Francia, acogiendo
gran número de compositores extranjeros; pero en esta época nacen
géneros típicamente españoles dentro de la música escénica. Los intentos de
crear una ópera española fueron apagados por la invasión de las compañías
italianas de ópera, pero sin embargo se llegaron a componer algunas obras.

Al lado de estas óperas surge el género de la zarzuela de carácter

más popular, en ella se alternan las partes habladas con las cantadas. El
nombre viene de las representaciones que se hacían en el Real Sitio de la
Zarzuela. Compositores iniciadores de la zarzuela fueron, entre otros,
Antonio de Literes, Sebastián Durón y Juan Hidalgo. Sin embargo, también
fue relegada.

Otro género que nace es la tonadilla escénica, que fue muy popular
entre el pueblo. Era un intermedio de tipo satírico, de carácter castizo, que
acostumbra a finalizar con una danza.

La música religiosa mantuvo su esplendor en algunas catedrales,

donde se practicaban tanto el estilo polifónico como las nuevas formas
barrocas.

El villancico es una forma musical hispana parecida a la cantata

religiosa, con solos, dúos y partes instrumentales. Destacan Mateo Romero,
Domingo Fernández, Patiño, Pujol o Comes. Todos siguieron las formas
renacentistas logrando obras monumentales.

Francisco Valls escribió Misa Aretiana llena de innovaciones

armónicas. Aún así el Padre Feijoo habla “de una música artificiosa, ligera,

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superficial, y con abuso de las florituras".

El monasterio de Montserrat realizó una estimable tarea, a la que

contribuyó de forma decisiva Juan Domingo Cacerols.

En canto a la música instrumental, en el siglo XVII, la guitarra

comienza a tener un éxito que se desconoció en otros países. En los
tratados teóricos se habla de ella como del instrumento nacional. Destacó el
Padre Antonio Soler, discípulo de Domenico Scarlatti. También el organista
Cabanilles (Algemesí) autor de múltiples batallas, Correa de Araújo,
continuador de la escuela de Cabezón y Torres que escribió un tratado de
órgano. La guitarra española tuvo en Gaspar Sanz al gran maestro.

5. COMPOSITORES DO BARROCO

 Italia:
 Claudio Monteverdi (1567-1643)
 Jacopo Peri (1561-1633)
Primero Barroco  Girolamo Frecobaldi (1583-1643)
 Gregorio Allegri (1582-1652)

 Alemania:
 Michael Praetorius (1571-1624)

Inglaterra:
 Henry Purcell (1658-1695)
Barroco Medio
 Francia:
 Jean-Baptiste Lully (1632-1672)

 Italia:
 Domenico Scarlatti (1685-1757)
 Antonio Vivaldi (1676-1741)
 Arcangelo Corelli (1653-1713)
Barroco Tardío  Francia:
 François Couperin (1668-1733)
 Alemania:
 Johann Sebastian Bach (1685-1750)
 Georg Friedrich Haendel (1685-1759)
 Georg Philip Telemann (1681-1767)